Podcasts about compuso

Año XVIII. Núm. 126. Conoce el verdadero origen de la también conocida como "Oración Simple" y que no fue compuesta por San Francisco de Asís como muchos piensan.

Músico, compositor, director de orquesta y pianista argentino nació el 26 de noviembre de 1903 en el barrio porteño de Almagro y falleció el 17 de julio de 1994. Fue autor, entre otros, de los famosos tangos "Milonga del 900", "Milonga sentimental", "Milonga triste", "Viejo ciego", "El pescante", (con letras de Homero Manzi), "Tinta Roja" (con letra de Cátulo Castillo), "Sobre el pucho" (con música de José González Castillo). Compuso también las bandas musicales de varias películas como Sombras Porteñas (1936), Carnaval de Antaño, He nacido en Buenos Aires, Nobleza gaucha, Las de barranco, El último payador y Derecho viejo. Su padre era peluquero y músico aficionado; tocaba varios instrumentos como el mandolín, la guitarra y el piano y fue quien lo alentó musicalmente desde pequeño, regalándole diversos instrumentos. Sebastián estudió también en el Instituto Musical Odeón, con el maestro Antonio D´Agostino, y junto a dos importantes músicos argentinos: el virtuoso Ernesto Drangosch (1882-1925) y el compositor Juan Francisco Giaccobbe (1907-1990). Debutó en un trío infantil cuando solo tenía 12 años y, de manera profesional, cuando tenía 17 años en un cine de barrio tocando valses y fragmentos de óperas. En 1922 se presentó por primera vez en radio y, en 1926, conoció a Homero Manzi con quién formó un equipo famoso por escribir numerosos temas en los años siguientes logrando encontrarle un rumbo diferente a la milonga. Piana fue también autor de temas que figuran entre los mejores tangos como "Silbando" (Letra: José González Castillo.1923), "De barro", "No aflojes" (Letra: Mario Battistella. Música en conjunto con Pedro Maffia. 1934), "El parque de artillería", "Son cosas del ayer", entre otros. Escribió alrededor de quinientos temas y fue presidente de la Academia Porteña del Lunfardo. Tenía 90 años cuando murió el 17 de julio de 1994, en la ciudad de Buenos Aires. Recordamos la extensa trayectoria de este distinguido artista y su obra de compositor de formidables clásicos, a través de registros sonoros conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. FICHA TÉCNICA Edición: Fabián Panizzi Música y Testimonios Chacarera (Sebastián Piana) por Andrea Dongarra [del Álbum “Panorama de la música argentina. Compositores Nacidos Entre 1897 – 1903”] Molina, Horacio (Cantante) Homenaje a Sebastián Piana (Raíces Latinoamericanas) 1983 Piana, Sebastián (Compositor Pianista) Berrutti, Rafael (Conductor) Entrevista (Homenaje al 400 - LRA1) Gato (Sebastián Piana) por Andrea Dongarra [del Álbum “Panorama de la música argentina. Compositores Nacidos Entre 1897 – 1903”] 1983 Piana, Sebastián (Compositor Pianista) Berrutti, Rafael (Conductor) Entrevista (Homenaje al 400 - LRA1) Minueto en sol Op.14 (Ignacy Jan Paderewski) por Sebastián Piana (1985 en su Casa) 1983 Piana, Sebastián (Compositor Pianista) Berrutti, Rafael (Conductor) Entrevista (Homenaje al 400 - LRA1) Té para dos (Vincent Youmans - Irving Caesar) por Sebastián Piana (1985 en su Casa) 1985 Piana, Sebastián (Compositor) Arce, Virginia (Periodista) Entrevista El Motivo (Juan Carlos Cobián - Pascual Contursi) por Ricardo Domínguez y Walter Ríos [1995 del Álbum “Chamuyos de Fueye y Guitarra”] 1985 Piana, Sebastián (Compositor) Arce, Virginia (Periodista) Entrevista Sobre el pucho (S Piana - González Castillo) por Sebastián Piana [1969 del Álbum “Sebastián Piana por Sebastián Piana”] 1972 Piana, Sebastián (Compositor) Pinky (Conductora) Entrevista (CX 10 Radio Continente) Sobre el pucho (S Piana - José González Castillo) Hernán Cucuza Castiello [del Álbum “Sigue siendo lo que hay”] 1972 Piana, Sebastián (Compositor) Pinky (Conductora) Entrevista (CX 10 Radio Continente) Viejo ciego (S Piana - Homero Manzi) por Sebastián Piana [1969 del Álbum “Sebastián Piana por Sebastián Piana”] 1972 Piana, Sebastián (Compositor) Pinky (Conductora) Entrevista (CX 10 Radio Continente) Noches Provincianas (Sebastián Piana - Homero Manzi) por ...

#AleksSyntek habla del CÁNCER que su mamá padece: Esta fue la canción que le compuso. See omnystudio.com/listener for privacy information.

Desde su aparición, el Tango siempre tuvo la fortuna de contar con hombres y mujeres talentosas que lo dignificaron y acrecentaron su fama en todo el mundo. En los albores del siglo veinte, contaba con compositores de lujo que ya transitaban exitosos el ámbito del teatro, el incipiente cine y la radio. Nuestro invitado de hoy estaba imbuido de esas características que enriquecían su presencia. Periodista, guionista, autor de obras teatrales y un extraordinario poeta de nuestra música. Sus letras colman el palco tanguero de éxitos con piezas de extraordinaria recordación. Pulcritud en el estilo, precisión en el manejo del lenguaje, utilizaba sus soberbias metáforas siempre que fueran necesarias, sin abusar de ellas. Compuso con los mejores músicos del momento y su respeto por ellos, fue siempre correspondido. Era un hombre que no compartía la noche porteña y su bohemia, no se distinguió por su hálito natural, ni por la convivencia, era más bien un solitario concentrado en sus labores de construcción poética incesante. Talento único y un sobresaliente de la creación musical rioplatense.

Desde su aparición, el Tango siempre tuvo la fortuna de contar con hombres y mujeres talentosas que lo dignificaron y acrecentaron su fama en todo el mundo. En los albores del siglo veinte, contaba con compositores de lujo que ya transitaban exitosos el ámbito del teatro, el incipiente cine y la radio. Nuestro invitado de hoy estaba imbuido de esas características que enriquecían su presencia. Periodista, guionista, autor de obras teatrales y un extraordinario poeta de nuestra música. Sus letras colman el palco tanguero de éxitos con piezas de extraordinaria recordación. Pulcritud en el estilo, precisión en el manejo del lenguaje, utilizaba sus soberbias metáforas siempre que fueran necesarias, sin abusar de ellas. Compuso con los mejores músicos del momento y su respeto por ellos, fue siempre correspondido. Era un hombre que no compartía la noche porteña y su bohemia, no se distinguió por su hálito natural, ni por la convivencia, era más bien un solitario concentrado en sus labores de construcción poética incesante. Talento único y un sobresaliente de la creación musical rioplatense.

MAESTRO BEBU SILVETTI Juan Fernando Silvetti Adorno (Argentina, 27 de marzo de 1936 ​-Florida 5 de julio de 2003) Conocido como BEBU SILVETTI Pianista, arreglista y productor musical. Compuso más de 600 temas musicales y unos 200 comerciales para televisión y radio y además música original para telenovelas y películas BEBU SILVETTI fue arreglista y productor para Vikki Carr, Alberto Cortez, Dyango, Plácido Domingo, Rocío Dúrcal, Rocío Jurado, La Mafia, Guillermo Fernández, Maggie Carlés, Juan Gabriel, Engelbert Humperdinck, Armando Manzanero y Luis Miguel (fue arreglista del primer disco de boleros: Romance, y del tercer disco de boleros Romances) y muchos más. En 2002, recibio el premio Billboard como Productor del Año. Aquí una entrevista radial del pasado con Gilda Mirós Contiene música.

Bienvenidos amantes de la música. Miembro fundador de los "Jazz Messengers" de Horace Silver en el primer disco de la famosa banda. Hank Mobley fue un saxofonista que se movía entre la energía e intensidad de John Coltrane o Sonny Rollins a la melodía y el encanto de Stan Getz o Lester Young. Perteneció a una familia de organistas de iglesia, por lo que su primer instrumento fue el piano. Y a los 16 años se pasó al Saxo Tenor. Consiguió su primer gran concierto en la banda de Max Roach, figura del Be Bop, con quien también grabaría. Compuso su disco más famoso "Soul Station" (1960) para el sello Blue Note que registró prácticamente toda su carrera y que también le frustró profundamente al no editar algunas de sus mejores composiciones. Miles Davis le reconoció al invitarlo a grabar 3 álbumes junto a su banda, uno de ellos fue el elogiado "Someday My Prince Will Come" de 1961, todo un clásico del trompetista. Les invitamos a disfrutar del sonido de Hank Mobley un saxofonista y compositor prolífico y consumado. Los temas son: 1. Remember (Irving Berlin) 2. Split Feeling's (Hank Mobley) 3. Soul Station (Hank Mobley) *Suscríbete a nuestro canal. Si ya lo has hecho, considera apoyarnos en Patreon como mecenas para hacer sustentable nuestro programa y mantener nuestro viaje en vuelo. (Podrás acceder a episodios anticipados y exclusivos)patreon.com/ViajeJazz?fan_landing=true *Ayúdanos con un Me gusta, Comparte y Comenta. * En viajealmundodeljazz.com encuentra un reproductor de Jazz Moderno y Jazz Clásico.

Lionel Bart acabó con la hegemonía de los autores americanos escribiendo musicales. Bart, consiguió que su musical “Oliver” tras triunfar en Londres, diera el salto a Broadway, donde ganaría en 1963 el Tony al mejor musical, siendo el primer compositor inglés en conseguir dicha hazaña, por eso fue definido por Andrew Lloyd Webber como el padre del musical británico moderno. Compuso canciones para cantantes como Tommy Steele o Cliff Richard, que se harían famosos con ellas. Lo curioso era que Bart no sabía leer música y tarareaba los temas que le transcribía Eric Rogers. También compuso temas para el cine en los que estuvo acompañado por John Barry que orquestó y dirigió sus temas para las películas “Man in the middle” y “Desde Rusia con amor”. Pronto se interesó por el teatro musical donde empezó como letrista, para dar el salto como autor de música y letra en “OLIVER” (1960),“BLITZ” (1962),“MAGGIE MAY” (1964), “TWANG!” (1965) y “LA STRADA” (1969). Esperamos te guste la selección de temas que hemos preparado desde sus principios con canciones para Tommy Steele, Adam Faith, Cliff Richard o Shirley Bassey para terminar dando un repaso por algunos de sus temas para el cine y el musical. 00h 00’00” Presentación 00h 03’11” Cabecera 00h 03’48” Rock with the Caveman – Tommy Steele 00h 05’41” A handful of songs – Tommy Steele 00h 08’01” Butterfingers – Tommy Steele 00h 10’16” Water, water – Tommy Steele 00h 12’25” Little white bull – Tommy Steele 00h 16’06” Living doll – Cliff Richard 00h 18’42” Look up your daughters – Lionel Bart 00h 21’21” Do you mind? – Anthony Newley 00h 23’38” Easy going me – Adam Faith 00h 25’29” Give us a kiss for Christmas – Lionel Bart 00h 27’37” Always you and me – Russ Conway 00h 31’18” Let start all over again – Shirley Bassey 00h 34’39” From Russia with love – Matt Monro 00h 37’09” Man in the middle - Main Theme 00h 39’11” Man in the middle - No more 00h 42’58” OLIVER! (1960) 00h 42’58” As long as he needs me – Samantha Barks 00h 46’30” It’s a fine life – Kerry Ellis 00h 50’02” Consider yourself – Gary Wilmot & Lionel Bart 00h 52’03” Where is the love? – Elaine Paige 00h 56’07” Who will buy? – Barbra Streisand 00h 59’34” You’ve got to pick a pocket or two – Rowan Atkinson 01h 02’39” BLITZ! (1961) 01h 02’39” Our Hotel – Amelia Bayntun 01h 06’07” Tell him, tell her – Rob Grant 01h 08’35” The day after tomorrow - Vera Lynn 01h 11’24” We’re going to the country – Pat Edgson 01h 13’16” So tell me – Amelia Bayntun 01h 18’06” Far away – Shirley Bassey 01h 21’12” MAGGIE MAY (1964) 01h 21’12” Casey – Rachel Roberts 01h 25’14” I’m me - Kenneth Haigh 01h 29’20” It’s yourself – Judy Garland 01h 32’22” Maggie, Maggie May – Judy Garland 01h 34’34” The land of promises – Judy Garland 01h 38’10” There’s only one union – Judy Garland 01h 40’21” TWANG! (1965) 01h 40’21” Welcome to Sherwood 01h 43’30” Roger the Ugly 01h 46’06” With bells on 01h 51’54” Unseen hands 01h 55’52” You can’t catch me 01h 58’15” Wander 02h 00’46” I’ll be hanged 02h 05’10” LA STRADA (1969) 02h 05’10” Overture 02h 08’02” Belonging 02h 11’41” Hullo and goodbye 02h 15’34” Something special 02h 20’21” Nothing 02h 24’37” If her mother only knew! 02h 28’00” Finale

Empezó como cuarto organista real y el escalafón fue corriendo. Compuso la primera zarzuela. Atestiguó la expansión del piano. Fue pintado por el pintor que pintó a Goya.

Empezó como cuarto organista real y el escalafón fue corriendo. Compuso la primera zarzuela. Atestiguó la expansión del piano. Fue pintado por el pintor que pintó a Goya.

Empezó como cuarto organista real y el escalafón fue corriendo. Compuso la primera zarzuela. Atestiguó la expansión del piano. Fue pintado por el pintor que pintó a Goya.

Empezó como cuarto organista real y el escalafón fue corriendo. Compuso la primera zarzuela. Atestiguó la expansión del piano. Fue pintado por el pintor que pintó a Goya.

A lo largo de su intensa trayectoria Elvis Presley se rodeó de algunos de los mejores compositores de su tiempo. Entre todos ellos brilla el nombre de Ben Weisman, apodado The Mad Proffesor, por ser el compositor que más canciones firmó para Elvis, hasta un total de 57 canciones que aparecieron principalmente en sus películas. En el día en que Ben Weisman habría cumplido 101 años dedicamos este episodio a recordar algunas de las canciones que este versátil autor compuso para el rey del rocknroll.Playlist;(sintonía) ELVIS PRESLEY “Follow that dream” (1962)ELVIS PRESLEY “First in line” (1956)ELVIS PRESLEY “Don’t leave me now” (movie versión) (1957)ELVIS PRESLEY “Got a lot o livin to do” (1957)ELVIS PRESLEY “Crawfish” (1958)ELVIS PRESLEY “Danny” (1958)ELVIS PRESLEY “Fame and fortune” (directo en televisión) (1960)ELVIS PRESLEY “Pocketfull of rainbows” (laughing versión) (1961)ELVIS PRESLEY “Wooden heart” (1961)ELVIS PRESLEY “Summer kisses, Winter tears” (1961)ELVIS PRESLEY “Rock a Hula baby” (1961)ELVIS PRESLEY “Happy ending” (1963)ELVIS PRESLEY “Do the clam” (1965)ELVIS PRESLEY “Spinout” (1966)ELVIS PRESLEY “Clambake” (1967)ELVIS PRESLEY “Change of habbit” (1970)ELVIS PRESLEY “Twenty days and twenty nights” (1970) Escuchar audio

Mechy ya invitada del podcast, detalla las razones porque escribio una cancion. Live sessionSigueme en las redes sociales:https://www.facebook.com/Willy-Mena-Uncommon-1047730382024918 https://www.instagram.com/willymenag/https://www.tiktok.com/@willymenaghttps://www.linkedin.com/in/willy-mena-718505107/

Estudió danza clásica en el Colón y se hizo famosa en la televisión. Fue figura en la revista, a donde iban a verla pintores, escritores y músicos. Por eso la llamaban “la vedette intelectual”. Hasta que dejó todo para investigar el candombe y la cultura afro-rioplatense. Compuso canciones bellísimas y adoptó un perfil bajo que no le hace honor a la importancia enorme de su obra. El adiós a una gran artista, puente entre mundos imposibles. Apertura de Pablo Marchetti del programa 642 de AUNQUE ES DE NOCHE (16-8-2022) AUNQUE ES DE NOCHE. De lunes a viernes de 2 a 5 AM (hora Argentina) por Radio AM 750. Conducción: Pablo Marchetti. Con Rama Preckel y Laura Szerman. Operación técnica: Charly Escalante. Mensajes a nosoypablomarchetti@gmail.com Mirá, escuchá y leé todo lo que hago, acá www.pablomarchetti.com

A pesar de que le tocó nacer en una diminuta aldea de la provincia de Parma, en el norte de Italia, dentro de una familia humilde (su padre era posadero y su madre hilandera), Giuseppe Verdi se las arregló para convertirse en el más grande operista de todos los tiempos. Estuvo muchos años en activo y fue cosechando éxitos durante décadas. El primero de ellos fue “Nabucco”, ópera estrenada en 1842 cuando el compositor aún no había cumplido los treinta años y acababa de quedarse viudo. A partir de ahí se convirtió en una rutilante estrella que terminaría por dar forma al panorama operístico de la segunda mitad del siglo XIX. La ópera en Italia era ya en aquella época todo un orgullo nacional. Los italianos llevaban más de cien años componiendo óperas de la máxima calidad y era el italiano la lengua por defecto de toda ópera con pretensiones, sin importar el lugar de Europa en el que hubiese sido compuesta. Verdi supo aprovechar esa primacía italiana continuando el trabajo de los maestros del bel canto como Gioachino Rossini, Gaetano Donizzetti o Vincenzo Bellini. A todos los superó imprimiendo al género un sello personal e inconfundible que aúna de forma magistral la palabra y la música. Pero esa genialidad, reconocida ya por los críticos musicales de su propia época, no le convirtió en un autor de minorías marginado de los grandes teatros, al contrario, Verdi fue durante buena parte de su vida el compositor más demandado de Europa. Recorrió el continente de punta a punta y fue agasajado por monarcas y gente importante. Su denominada “trilogía popular”, compuesta por “Rigoletto”, “Il Trovatore” y “La traviata” cosechó un éxito inmenso y le hizo muy rico. Durante años le llovieron los encargos, pero, una vez conseguida la fama y el dinero, creyó conveniente relajarse y disminuir su producción para disfrutar de su vida privada en una villa campestre que adquirió en su comarca natal. Eso no le impidió seguir estrenando y, sobre todo, participar de la vida política de su tiempo. A Verdi le tocó vivir la unificación de Italia, algo que apoyó con entusiasmo poniendo su música al servicio de ese empeño. Los italianos sentían que Verdi estaba musicalizando la gesta nacional y no iban desencaminados. Para burlar a la censura austriaca hacían pintadas por las paredes en las que ponían “Viva Verdi”, acrónimo de Vittorio Emmanuele Re d’Italia. Una vez en el trono, el rey le recompensó con honores y nombramientos. Fue elegido, además, diputado y senador, pero, aunque la unificación de Italia le interesaba, no sucedía lo mismo con la política activa. Verdi sólo se debía a la música. Compuso hasta una avanzada edad. Estrenó “Otello” con 74 años y Falstaff con 80. Viviría aún casi ocho años más hasta que en 1901, ya con el nuevo siglo recién comenzado, murió en un hotel de Milán. Su funeral fue multitudinario, cientos de miles de milaneses se echaron a la calle para dedicarle su último adiós. Desde entonces sus óperas no han dejado de representarse porque sigue siendo uno de los favoritos del público. Pues bien, para conocer más a fondo la vida y la obra de Giuseppe Verdi hoy tenemos en La ContraHistoria a José María Concha, que es músico (pianista para más señas) y todo un entendido en la obra de Verdi. Bibliografía: - "Giuseppe Verdi: La intensa vida de un genio" de Ángeles Caso - https://amzn.to/3yOI9Uo - "Giuseppe Verdi: El Impetu de la convicción" de Fernando Toledo - https://amzn.to/3IlUpyM - "Giuseppe Verdi" de Daniel Snowman - https://amzn.to/3nJhdiD - "Con moltissima passione. Ritratto di Giuseppe Verdi" de Raffaele Mellace - https://amzn.to/3yniNvw · “La ContraHistoria de España. Auge, caída y vuelta a empezar de un país en 28 episodios”… https://amzn.to/3kXcZ6i · “Lutero, Calvino y Trento, la Reforma que no fue”… https://amzn.to/3shKOlK · “La ContraHistoria del comunismo”… https://amzn.to/39QP2KE Apoya La Contra en: · Patreon... https://www.patreon.com/diazvillanueva · iVoox... https://www.ivoox.com/podcast-contracronica_sq_f1267769_1.html · Paypal... https://www.paypal.me/diazvillanueva Sígueme en: · Web... https://diazvillanueva.com · Twitter... https://twitter.com/diazvillanueva · Facebook... https://www.facebook.com/fernandodiazvillanueva1/ · Instagram... https://www.instagram.com/diazvillanueva · Linkedin… https://www.linkedin.com/in/fernando-d%C3%ADaz-villanueva-7303865/ · Flickr... https://www.flickr.com/photos/147276463@N05/?/ · Pinterest... https://www.pinterest.com/fernandodiazvillanueva Encuentra mis libros en: · Amazon... https://www.amazon.es/Fernando-Diaz-Villanueva/e/B00J2ASBXM #FernandoDiazVillanueva #Verdi #Opera Escucha el episodio completo en la app de iVoox, o descubre todo el catálogo de iVoox Originals

Otoño en New York es un clásico de Vladimir Dukelsky y no es el único standard suyo que habla de un lugar y una estación (recuerden Abril en París, por ejemplo). Compuso otros memorables como "I can't get started" y "Taking a chance on love". Claro, era más conocido por su nombre artístico: Vernon Duke. Escuchamos a Billie Holiday, Satchmo, Bud Powell, Parker, Stitt, el MJQ, Chet Baker, Dexter Gordon, Tal Farlow y otros.            

Informativo de primera hora del martes 14 de Junio de 2022 en el programa El Remate de La Diez Capital Radio. Hoy se cumplen 111 días del cruel ataque e invasión de Rusia a Ucrania. Buenos días Ucrania. Día Mundial del Donante de Sangre. El Día Mundial del Donante de Sangre se celebra el 14 de junio de cada año, con la finalidad de sensibilizar y concienciar a la población mundial acerca de la importancia de donar sangre, para contribuir con la salud de pacientes que requieren transfusiones. Asimismo, se pretende promover el establecimiento de sistemas e infraestructuras, destinadas a incrementar las donaciones de sangre y productos sanguíneos seguros para transfusiones, con el apoyo de los gobiernos y las autoridades sanitarias. La fecha de esta efeméride conmemora el nacimiento de Karl Landsteiner, patólogo y biólogo austríaco que descubrió y tipificó los grupos sanguíneos, motivo por el cual se le concedió el Premio Nobel de Medicina en el año 1930. 1864: Isabel II inaugura la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre. 1909: se decreta la ley fundacional de la Caja Postal de Ahorros, aunque no comenzó a funcionar hasta siete años después. Años más tarde, el 14 de junio de 1982, la Guerra de las Islas Malvinas termina cuando Argentina se rinde a Gran Bretaña después de una guerra que duró 6 semanas. 1989: la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando recibe como pintor al poeta gaditano Rafael Alberti, en un acto presidido por la Reina, por deseo expreso del nuevo académico. 1992.- El ciclista navarro Miguel Indurain gana la 75 edición del Giro de Italia, primer español que lo consigue. Santos Anastasio, Valerio, Metodio, Eliseo y Félix. Rusia mantiene rodeadas a las tropas ucranianas de Severodonetsk. Las sanciones de la UE no impiden a Rusia seguir ganando mucho dinero con sus combustibles fósiles. Rusia gana 1.000 millones de euros al día. Las bolsas entran en pánico, Bitcoin se hunde y los mercados tiemblan ante la inflación y el riesgo de frenazo en la economía. Elecciones Andalucía. El CIS aumenta la victoria del PP en Andalucía, que podría crecer hasta el 38% de los votos.nLos letrados del Congreso desestiman limitar la inviolabilidad del Rey. PSOE, PP y Vox rechazarán la proposición del PNV para cambiar esa prerrogativa, que cuenta con el apoyo de Podemos, ERC, Más País, Compromís, Bildu, Junts y PDeCAT. Canarias destina ayudas a jóvenes para la compra de su primera vivienda. La subvención permitirá a jóvenes de hasta 35 años pedir esta ayuda obteniendo una financiación del 20% de los costes de su primera vivienda. La pobreza en Canarias se dispara: un 17% más de personas dependen de Cáritas. Cáritas ha alertado asimismo del crecimiento de la figura del "trabajador pobre" que tiene que recurrir a su organización para cubrir sus necesidades básicas. El Constitucional fallará a favor de devolver el escaño a Alberto Rodríguez. Un día como hoy fallece en 1994: Henry Mancini, compositor estadounidense de música de cine. 14 nominaciones y 3 Oscar entre ellos Desayuno con diamantes, Días de vinos y rosas. Compuso más de 50 bandas sonoras de las mejores peliculas del cine de todos los tiempos

Programa de actualidad informativa, presentado y dirigido por Miguel Angel González Suárez. www.ladiez.es - Informativo de primera hora del martes 14 de Junio de 2022 en el programa El Remate de La Diez Capital Radio. Hoy se cumplen 111 días del cruel ataque e invasión de Rusia a Ucrania. Buenos días Ucrania. Día Mundial del Donante de Sangre. El Día Mundial del Donante de Sangre se celebra el 14 de junio de cada año, con la finalidad de sensibilizar y concienciar a la población mundial acerca de la importancia de donar sangre, para contribuir con la salud de pacientes que requieren transfusiones. Asimismo, se pretende promover el establecimiento de sistemas e infraestructuras, destinadas a incrementar las donaciones de sangre y productos sanguíneos seguros para transfusiones, con el apoyo de los gobiernos y las autoridades sanitarias. La fecha de esta efeméride conmemora el nacimiento de Karl Landsteiner, patólogo y biólogo austríaco que descubrió y tipificó los grupos sanguíneos, motivo por el cual se le concedió el Premio Nobel de Medicina en el año 1930. 1864: Isabel II inaugura la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre. 1909: se decreta la ley fundacional de la Caja Postal de Ahorros, aunque no comenzó a funcionar hasta siete años después. Años más tarde, el 14 de junio de 1982, la Guerra de las Islas Malvinas termina cuando Argentina se rinde a Gran Bretaña después de una guerra que duró 6 semanas. 1989: la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando recibe como pintor al poeta gaditano Rafael Alberti, en un acto presidido por la Reina, por deseo expreso del nuevo académico. 1992.- El ciclista navarro Miguel Indurain gana la 75 edición del Giro de Italia, primer español que lo consigue. Santos Anastasio, Valerio, Metodio, Eliseo y Félix. Rusia mantiene rodeadas a las tropas ucranianas de Severodonetsk. Las sanciones de la UE no impiden a Rusia seguir ganando mucho dinero con sus combustibles fósiles. Rusia gana 1.000 millones de euros al día. Las bolsas entran en pánico, Bitcoin se hunde y los mercados tiemblan ante la inflación y el riesgo de frenazo en la economía. Elecciones Andalucía. El CIS aumenta la victoria del PP en Andalucía, que podría crecer hasta el 38% de los votos.nLos letrados del Congreso desestiman limitar la inviolabilidad del Rey. PSOE, PP y Vox rechazarán la proposición del PNV para cambiar esa prerrogativa, que cuenta con el apoyo de Podemos, ERC, Más País, Compromís, Bildu, Junts y PDeCAT. Canarias destina ayudas a jóvenes para la compra de su primera vivienda. La subvención permitirá a jóvenes de hasta 35 años pedir esta ayuda obteniendo una financiación del 20% de los costes de su primera vivienda. La pobreza en Canarias se dispara: un 17% más de personas dependen de Cáritas. Cáritas ha alertado asimismo del crecimiento de la figura del "trabajador pobre" que tiene que recurrir a su organización para cubrir sus necesidades básicas. El Constitucional fallará a favor de devolver el escaño a Alberto Rodríguez. Un día como hoy fallece en 1994: Henry Mancini, compositor estadounidense de música de cine. 14 nominaciones y 3 Oscar entre ellos Desayuno con diamantes, Días de vinos y rosas. Compuso más de 50 bandas sonoras de las mejores peliculas del cine de todos los tiempos - Sección de actualidad informativa en el programa El Remate de Miguel Angel González Suárez, en La Diez Capital Radio con el periodista José Juan Pérez Capote; El Número Uno. Todo bajo un punto de vista con Humor en mayúscula y muy sutil. - Charlamos con el exsecretario del PP en Canarias y exconsejero de Industria del Gobierno Canario; Manolo Fernandez. - Sección en El Remate con nuestra psicóloga particular, Marta Mentado. El estrés es un sentimiento de tensión física o emocional. Puede provenir de cualquier situación o pensamiento que lo haga sentir a uno frustrado, furioso o nervioso. El estrés es la reacción de su cuerpo a un desafío o demanda. - Hablamos con el Senador y Cirujano Antonio Alarco de la actualidad informativa.

MANOLIN MOREL CAMPOS, de Puerto Rico; multifacético músico, compositor, maestro y director de orquesta y de bandas de marchas, me visitó con el cantante, CASITO MORALES a mi programa radial en Nueva York, durante la década de los 80s. MANOLIN MOREL CAMPOS dirigía su orquesta cantando CASITO MORALES; y ambos me hablaron de sus infancias en Ponce, PR. Además se pasaron algunas danzas escritas por el abuelo de MANOLIN MOREL CAMPOS; el ilustre compositor de danzas puertorriqueñas, DON JUAN MOREL CAMPOS. Juan Morel Campos (16 de mayo de 1857 - 12 de mayo de 1896), fue un compositor considerado por muchos como el responsable de llevar el género de la danza puertorriqueña a su nivel más alto. Compuso más de 550 obras musicales antes de morir inesperadamente a los 38 años. Por algún tiempo Juan Morel Campos dirigió la Banda Municipal de Ponce y fue también el organista de la Catedral de Ponce. Además la entrevista contiene música tropical por la orquesta de MANOLIN MOREL CAMPOS cantando CASITO MORALES.

Bienvenidos a este episodio en donde hoy tenemos un gran invitado, Mateo Cuarón, Compositor Mexicano y productor de diversos proyectos musicales! Mateo Estudió composición musical en Columbia College Chicago, la Academia de Arte de Florencia y finalmente se tituló con el London College of Music. Ha participado como compositor en diversos proyectos audiovisuales con producción en México, Inglaterra y Canadá; estos incluyen películas, cortometrajes, obras de teatro y spots publicitarios. Compuso el tema musical de Amalgama, película de Carlos Cuarón, la cual se encuentra en Netflix. y mucho más!!! ►Disfruta del Nuevo sencillo de MATEO "esa sonrisa" disponible en todas las plataformas!

Nació el 11 de abril de 1916 en la ciudad de Buenos Aires y es uno de los grandes compositores de música académica contemporánea que vivió para la música y dejó un legado invaluable. Alberto Ginastera se describía como “un hombre del mediterráneo nacido en Buenos Aires. Porque mis abuelos por parte de mi padre eran catalanes y por la parte de mi madre lombardos, del norte de Italia”. Su primer instrumento fue una flauta; pasó de las clases particulares a estudiar formalmente en el Conservatorio Alberto Williams. Compuso su primera obra antes de graduarse, a los 22 años: la suite del ballet Panambí, que sería estrenada en el Teatro Colón pocos años después. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, bajo la tutela de Athos Palma y José André. En 1945, por su destreza y prestigio para la composición, le otorgaron la beca Guggenheim por lo que vivió dos años en Estados Unidos, estudiando bajo la tutela de Aaron Copland. Al regresar a la Argentina, junto con otros músicos, fundó la Liga de Compositores, la Facultad de Música de la Universidad Católica, donde fue el primer decano, y la Escuela de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella, en donde se desempeñó como director hasta su emigración. Además, creó el Conservatorio de La Plata, en 1949, y su primera filial, en la localidad de Banfield, en 1951, que luego se llamó Conservatorio Julián Aguirre. Su estilo se divide en tres períodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Entre sus grandes obras se destaca la ópera Bomarzo (1967), basada en la novela homónima de Manuel Mujica Láinez, fue censurada por el gobierno de facto del general Onganía y prohibida en el Teatro Colón; para luego ser estrenada en 1972, repuesta en 1984 y 2003, y filmada en Italia con el título de Bomarzo de 2007. También escribió varios conciertos: 2 para piano, 2 para chelo, 1 para violín y 1 para arpa; otras piezas orquestales como ballets, como Panambí, música de cámara y varios números de piezas para piano. Volvió a los Estados Unidos en 1968; en 1970 se mudó a Europa, y terminó instalándose en Ginebra, Suiza, donde falleció el 25 de junio de 1983. Entre sus reconocimientos, fue distinguido por el Gobierno de Francia con la Orden de las Artes y las Letras, designado Doctor en Música por la Universidad de Yale, miembro de la Academia Brasileira de Música, de la Facultad de Ciencias Artes Musicales de la Universidad de Chile y de la Academia de Artes y Ciencias de Boston. Sus restos yacen en la capital de Suiza, en el Cementerio de los Reyes, a pocos metros de otro célebre artista argentino: Jorge Luis Borges. Recordamos a Ginastera a través de un informe especial elaborado por el Área de Contenidos y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. MUSICA Danza de los trabajadores agrícolas del Ballet 'Estancia', Op. 8 - 4.- (Alberto Ginastera) Juego de las deidades del agua de Panambi (Alberto Ginastera) Danza de Impresiones de la Puna (Alberto Ginastera) Lamentaciones de Jeremías Profeta “O vos Omens Qui Transitis Per Viam” (Alberto Ginastera) Quena de Impresiones de la Puna (Alberto Ginastera) Danza de los Guerreros de Panambi,  Op 1 (Alberto Ginastera) Sonata Op 47 (Alberto Ginastera) Danza final -Malambo del Ballet 'Estancia', Op. 8 - 4.- (Alberto Ginastera) EDICION Fabián Panizzi  

Sección del programa de Rpa "La radio es mía" que demuestra que la modernidad es algo que viene de antiguo. Emisión del 4/4/2022, vigésimotercera de la séptima temporada y quinta y última de las dedicadas a la hija menor de la familia García, Pauline Viardot. Tras 14 semanas, hoy en #Modernos de otros tiempos llegamos al final de nuestra serie sobre la familia García, esa en la que, decís Liszt, «la genialidad parecía hereditaria». Hoy hablaremos de los últimos años de la benjamina de la familia, Pauline Viardot (París, 1821-1910). Tras 20 años siendo la cantante lírica más influyente de Europa, en los que cantó papeles escritos para todas las tesituras vocales, se retiró de los escenarios en 1863 con la voz muy destrozada. Elegid los papeles que podéis cantar sin dañar vuestra voz, les decía a sus alumnos. Tras retirarse se fue a vivir con su marido Louis Viardot y su amante Iván Turguénev a Baden-Baden. En la ciudad balneario de la Selva Negra, su casa fue un centro cultural donde se reunían artistas, músicos, literatos y hasta políticos. All, componía, daba clases de canto, editaba y dinamizaba toda actividad cultural. En su salón de Baden estrenó las tres óperas de salón que compuso con Iván Turguénev para que interpretaran sus alumnos. La guerra franco-prusiana hizo que los Viardot y Turguénev se exiliaran en Londres, con el hermano mayor de niuestra moderna, Manuel Patricio García, el del laringoscopio. Tras la guerra regresaron a Francia y se instalaron en Bouguival, donde Louis y Pauline se construyeron una villa e Ivan una dacha. Allí murieron, en los brazos de nuestra moderna y apenas tres meses, su marido y su amante. Pauline Viardot volvió a París, al 243 del Boulevard de Sant Germain, donde continuó su vida social, cultural y artística plena de vitalidad. Dos de sus canciones fueron de las primeras grabadas en disco. Compuso hasta 1905, e, incluso, hizo una última ópera de salón, Cendrillon, en la que además de la música se encargó del libreto. Pauline Viardot murió en París, en su casa, mientras dormía, con 89 años.

Fue una figura trascendental del tango, fundamentalmente como bandoneonista y compositor. Un bandoneonista de gran técnica, con parejo e independiente empleo de ambas manos (agudos y graves), sonido brillante, toque enérgico y vehemente fraseo. Es el fundador de toda una escuela de la ejecución. Compuso tangos antológicos, y escribió magníficas variaciones para piezas como “Mala junta” y “Mal de amores”. Lo más rutilante de su trayectoria transcurrió entre mediados de los años 20 y de los 40.

LUIS AGUILE CANTAUTOR ARGENTINO ENTREVISTADO POR GILDA MIRÓS EN SU PROGRAMA DE RADIO EN MIAMI, FLORIDA 1990s CUENTA COMO Y PORQUÉ ESCRIBIÓ “CUANDO SALÍ DE CUBA” Y DEL ESTRENO DE SU ZARZUELA “ VIVA LA VERBENA” EN LA FLORIDA.

Dice Oscar del Priore sobre Rubén Garello "inspirado y fino poeta, ha volcado su palabra sentida y de clara raigambre popular a la lírica tanguística en obras llevadas al disco por Aníbal Troilo, Roberto Goyeneche, Floreal Ruiz, Rubén Juárez, Roberto Rufino, Hernán Salinas, Nelly Vázquez, Julia Sandoval, Rosanna Falasca, Patricia Vel y otros destacados intérpretes. Su manera poética para cantar está exactamente reflejada en tangos como Dice mi guitarra o Llevo tu misterio. Nació en Chacabuco, Provincia de Buenos Aires donde pasó los primeros años de adolescente y estudiante. Compuso su primer cantable Qué solo estás corazón en 1955. Le siguieron Trasnoche de ilusión, Empinao, Hoy estás aquí, Con las pocas palabras, Un hombre al fin, Todo es cruel, Este bandoneón, Todo es un berretín de tome y traiga, Soñar por la ciudad, Buenos Aires conoce, entre otros, todos musicalizados por su hermano Raúl Fue uno de los tantos hombres llegados del interior a la gran ciudad —como Homero Expósito, como Homero Manzi—, que se enamoraron de sus calles y de su gente y que plasmaron en versos, el sentimiento inspirador de la urbe. Se sumó a una serie de poetas que buscaban en el tango su forma expresiva, como Héctor Negro, Eladia Blázquez o Mario Iaquinandi". (Fuente: todotango.com)

Jerome Kern es sin duda el compositor americano de los “grandes”, menos conocido por el gran público. Sus melodías son reconocidas y versionadas hoy día por todo tipo de intérpretes. Aunque falleció en 1945 sus canciones son clásicos del cancionero americano. En 1925 Kern conoció al letrista Oscar Hammerstein, con el que escribió "Sunny", con el que tuvieron tal éxito que animó al todopoderoso Florence Zigfield a producir su siguiente musical "Show boat", a pesar de ser un espectáculo muy diferente de lo que solía producir, pero puso al servicio de la pareja su equipo creativo y estrenaron en 1927 el musical que marcaría un antes y un después en la historia del musical por su forma de integrar la parte musical con la acción. A raíz del crack financiero de 1929 se marchó a Hollywood para trabajar en el cine. Compuso la canción "El humo ciega tus ojos" para la película Roberta (1933) y para Swing time (1936) “The way you look tonight”, con la que ganaría el Oscar, alternando su trabajo en teatro con Oscar Hammerstein, pero un ataque al corazón, hizo que los médicos le aconsejaron que se dedicase al cine, que era menos estresante y escribió algunos musicales para el cine como "Bailando nació el amor" (You were never lovelier, 1942) o "Las modelos" (Cover girl, 1944) con Ira Gershwin. Te dejamos un buen puñado de canciones de Jerome Kern en las voces de intérpretes de la talla de Frank Sinatra, Barbra Streisand, Diana Krall, Michael Bublé, Leslie Odom jr, Ella Fitzgerald, Tony Bennett y un largo etcétera que las han convertido en canciones inmortales. 00h 00'00" Presentación 00h 03'19" Cabecera 00h 03'54" A fine romance - Ella Fitzgerald 00h 07'28" Life upon a wicked stage - Anna Kendrick & The Kit Kat girls 00h 11'03" Look for the silver lining - Leslie Odom jr 00h 15'21" The last time I saw Paris - Johnny Desmond 00h 17'30" The way you look tonight - Michael Bublé 00h 22'03" Long ago and far away - Kelly Harland 00h 26'10" Smoke gets in your eyes - Patti Austin 00h 30'16" Remind me - Joanie Summers 00h 33'44" Who - Matt Bogart & Jessica Boewers 00h 36'03" Yesterdays - Helen Merril & Stan Getz 00h 42'41" I'll be hard to handle - Ella Fitzgerald 00h 46'26" Make believe - Barbra Streisand 00h 49'02" Dearly Beloved - Tony Bennett 00h 52'25" I got love - Rebecca Luker 00h 55'14" Pick yourself up - Diana Krall 00h 58'07" The song is you - Frank Sinatra 01h 01'29" Why do I love you - Margaret Whiting 01h 03'58" Nobody else but me - Tony Bennett 01h 06'36" I won't dance - Jane Monheit & Michael Bublé 01h 10'08" Till the clouds roll by - Grahan Bickley & Katherine Evans 01h 14'21" Ol' man river - Davis Gaines 01h 18'59" You are love - Anna Molfo & Sergio Franchi 01h 22'26" They didn't believe me - Dinah Washington 01h 25'05" I dream too much - Lorna Dallas 01h 28'52" Can't help lovin' that man - Barbra Streisand 01h 32'18" Never gonna dance - Fred Astaire 01h 38'12" Why was I born? - Ella Fitzgerald 01h 41'55" Lovely to look at - Grahan Bickley & Katrina Murphy 01h 46'52" The touch of your hand - Daryll Knock 01h 51'21" Bill - Morgana King 01h 54'06" You couldn't be cuter - Ella Fitzgerald 01h 57'19" Let's begin - Margaret Whiting 01h 59'28" All the things you are - Sarah Vaughan 02h 02'33" The folks who live on the hill - Arthur Prysock 02h 05'22" She didn't say yes - Ella Fitzgerald 02h 08'40" I'm old fashioned - Lorna Dallas 02h 11'26" You were never lovelier - Fred Astaire 02h 14'07" Can I forget you? - Elisabeth Welch 02h 17'36" All through the day - Frank Sinatra 02h 20'35" I've told every little star - Bing Crosby 02h 23'24" How'd you like to spoon with me? - Sandy Stewart 02h 27'14" More and more - Bing Crosby

Pimentel resultó ser Mauricio Torrés y se disculpa

Este especial es para uno de los baladistas con mayor éxito entre los años 70 y 80: Luis Miguel. Hablamos sobre los pasos que ha dado en su carrera y sus comienzos desde muy joven. Compuso muy pocas canciones, pero ha interpretado muchas, convirtiéndose en uno de los mejores intérpretes al poseer una voz privilegiada. Qué más hay detrás de su talento dentro de la música, y los aspectos personas que se han conocido, es parte también, de lo que hablamos en este episodio, además de escuchar sus mejores canciones. Además, como en cada capítulo, escuchamos estas canciones: * La Incondicional * Entrégate * Tengo Todo Excepto a Ti * Hasta Que Me Olvides * Suave * No Me Puedo Escapar De Ti Con Jesús Martínez y Gerardo Ortega Síguenos en Instagram: https://www.instagram.com/codigolibre.radio/ https://www.instagram.com/gerryortegaisme/ Escúchanos en www.codigolibreradio.com #SomosLoQueDecimos

Este especial es para uno de los baladistas con mayor éxito entre los años 70 y 80: Luis Miguel. Hablamos sobre los pasos que ha dado en su carrera y sus comienzos desde muy joven. Compuso muy pocas canciones, pero ha interpretado muchas, convirtiéndose en uno de los mejores intérpretes al poseer una voz privilegiada. Qué más hay detrás de su talento dentro de la música, y los aspectos personas que se han conocido, es parte también, de lo que hablamos en este episodio, además de escuchar sus mejores canciones. Además, como en cada capítulo, escuchamos estas canciones: * La Incondicional * Entrégate * Tengo Todo Excepto a Ti * Hasta Que Me Olvides * Suave * No Me Puedo Escapar De Ti Con Jesús Martínez y Gerardo Ortega Síguenos en Instagram: https://www.instagram.com/codigolibre.radio/ https://www.instagram.com/gerryortegaisme/ Escúchanos en www.codigolibreradio.com #SomosLoQueDecimos

La píldora de Fernando Neira nos ha llevado a las canciones de John David Souther, el quinto Eagle de los Eagles. Era el elemento de cohesión de los otros cuatro miembros de la banda. Compuso canciones deliciosas y de vez en cuando cantaba.  Y tras este descubrimiento el disco dedicado a Colombia, un país que vive una efervescencia musical  mezcla de tradición, vallenato, cumbia, pop y reggaetón

En su casa había un piano. Muy antiguo, desafinado y con las cuerdas gastadas. Pero de niño, a Pablo Alborán le parecía “una nave espacial”. Lo miraba fascinado y se sentaba durante horas a aporrear sus teclas. Un día, su madre le dijo algo muy especial: “Lo mejor de las pasiones, es que se pueden estudiar”. Y así lo hizo, con una buena maestra que fomentó su pasión y dedicación por la música. “Sentado en el piano sentía que podía transmitir lo que quería, ser yo mismo, estar en mi mundo… La música me hacía feliz”, explica Alborán en 'Aprendemos juntos'. Compuso sus primeras canciones con doce años, y ya entonces despuntaba en él un talento fuera de lo normal. En su Málaga natal, se formó también en el flamenco, la música acústica y la guitarra. Empezó su andadura subiendo sus propios temas a plataformas como MySpace o YouTube, hasta que un productor musical llamó a su puerta y así comenzó una carrera llena de éxitos y reconocimientos. 23 años después, con más de 30 premios musicales a sus espaldas, su pasión sigue intacta y la música sigue siendo su vida: “A mí me sigue fascinando lo que hago, me sigo emocionando cada día. Creo que, en realidad, ese es el verdadero éxito”, asegura. En 2021, Pablo Alborán fue nombrado embajador de Unicef para la infancia: “La educación es un puente directo a la libertad”, concluye.

Devocional Cristiano para Menores - VAMOS A JUGAR Fecha: 16-10-2021 Título: ¿CUÁNTOS PROVERBIOS COMPUSO SALOMON? Autor: Raquel Rodríguez Mercado Locución: La tía Fabi

Colabora con este podcast a través de un pequeño aporte económico. Sebastián Bazán es un artista argentino, que ha participado como músico de sesión para diferentes proyectos, además ha llevado adelante varias agrupaciones propias y desarrolla su carrera de productor musical. Compuso, arregló, grabó, produjo y mezcló Singles para varios artistas como Marc Anthony, Cristian Castro, Luis Fonsi, David Bisbal, Alejandro Fernández, Palito Ortega, etc., ganando repetidas veces Discos de Platino y Oro. En el 2017 produjo una de las canciones principales para la tira “Vikky” de Nickelodeon, con el cual mantiene hoy en día varios proyectos inéditos. Hoy en día desarrolla varios artistas para su propia productora, entre los estilos pop, electropop y mainstream. En este episodio de Track Por Track Bazán nos comparte los pormenores de 4 singles que produjo para distintos artistas del Mainstream latino. Tracklist: David Bisbal - Herederos Maxi Trusso - Born Joshua Ft. Arkano - Desgastado Ruggero Ft. Bazán - Úsame (Remix) Visita www.trackportrack.com y suscríbete a la lista de correos para enterarte de las últimas novedades de Track Por Track. --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app Support this podcast: https://anchor.fm/trackportrack/support

Año XV. Núm. 192. La también conocida como "Oración Simple" no fue compuesta por San Francisco de Asís. En esta emisión te cuento su verdadera historia.-Mauricio I. PérezSeminans ad Seminandum

Richard Wagner fue un genio. Compuso música, escribió textos, montó espectáculos inclasificables, anticipó el lenguaje contemporáneo. Pero entre sus opiniones políticas y el posterior uso de su música que hizo Hitler, algunos creen que no deben ejecutarse sus composiciones. ¿Está bien? ¿O estamos todos locos? Apertura de Pablo Marchetti del programa 408 de AUNQUE ES DE NOCHE (8-9-2021) AUNQUE ES DE NOCHE. De lunes a viernes de 2 a 5 AM (hora Argentina) por Radio AM 750. Conducción: Pablo Marchetti. Con Guadalupe Cuevas y Manuel Campi. Producción: Rama Preckel. Operación técnica: Iván Bravo. Mensajes a nosoypablomarchetti@gmail.com Mirá, escuchá y leé todo lo que hago, acá www.pablomarchetti.com

En El Guateque estamos de vuelta de las vacaciones, que viene a ser el fin del verano, las despedidas. Hoy despedimos a JUANA GINZO. Inimitable, personal y única, su voz era grave, con un timbre precioso, versátil, limpio, pero sobre la voz se imponía la propia Juana, con su actitud, su modo de ser. También se nos fueron Mikis Theodorakis - con su composición en 1964 de 'Zorba el griego', protagonizada por Anthony Quinn y dirigida por Michael Cacoyannis, Theodorakis consiguió llevar la música popular griega al mundo entero, y también fue el autor de una melodía utilizada en la película “Luna de miel” (en la que participó el bailarín Antonio). La discográfica de Gloria Lasso encargó al excelente poeta y actor Rafael de Penagos una letra en español que Gloria grabó con su espléndida y sensual voz.Otro recuerdo emocionado para los Everly Brothers, uno de los grupos más influyentes en el mundo de la música popular. Yo diría que el dúo más importante, sin desmerecer a otros. Este verano también nos dejó Don Everly, el mayor de los hermanos, el de la voz más grave y el que solía cantar los solos.Muchos han llorado el adiós de Charlie Watts. El punto es que nada de lo que han hecho los Rolling Stones hubiera sido posible, sin el impasible e imperturbable Charlie Watts.‘All Summer Long' podría parecer una tonta canción veraniega , pero la historia es algo más que un reflejo de una fantasía de quinceañeros en el verano, porque al final se recuerda que todos aquellos momentos felices serán sólo recuerdos de aquel largo verano. Muy poético, escrito por Mike Love . La melodía es del gran Brian Wilson, que se esmeró mucho en los arreglos vocales, con ese absolutamente maravilloso falsete.La película Grease dejaba la imagen del fin del verano, de despedida de un amor de verano, en esa escena de playa con la fuerza de las olas que protagonizaron Olivia Newton John y John Travolta . La canción apareció originalmente en un drama romántico dirigido por Henry King, La colina del adiós (Love is a Many-Splendored Thing) con William Holden y Jennifer Jones en los papeles principales. La película obtuvo tres Oscar: Mejor Canción Original, Mejor Banda Sonora Drama y Mejor Vestuario. La composición interpretada por The Four Aces se ha convertido en todo un clásico, y la grabaron, entre otros, Nat King Cole Brigitte Bardott canta A LA FIN D'ETÉ . Una canción compuesta por Gérard Bourgeois con el que colaboraba habitualmente Jean-Max Rivière , que se encargaba de los textos. Compuso casi toda la discografía de la Bardott y algunas canciones para Gloria Lasso..Gelu nos llena de esperanzas para esta temporada con una canción que interpretó Bobby Darin. Y este Guateque reúne también a Dusty Springfield. Fórmula V. Los Ángeles, Rocky Kan, Luis Aguilé, Bruno Lomas, Los Puntos, Caterina Valente

Pete Astudillo fue uno de los integrantes mas destacados de Selena y los Dinos de 1989 a 1993, dos años antes del asesinato del cantante. Él era la voz de apoyo y la corista. Compuso los grandes éxitos de la Reina del Tex Mex con AB Quintanilla: “Como La Flor”, “Amor Prohibido”, “La Carcacha” y “Qué Creías”. En este Podcast cuenta su historia junto a Selena. --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app --- Send in a voice message: https://anchor.fm/quebiencontony/message

Considerado uno de los mejores intérpretes de nuestro Tango, como pianista, arreglador, compositor y director. Aún tenemos la fortuna que nos siga acompañando con su egregia figura, este magnífico músico que a los quince años de edad ya tocaba con una agrupación profesional y cuando apenas contaba con 26 años formó su propia orquesta típica. Compuso la música de una decena de películas, una de ellas ganó un Oscar. Como los grandes, paseó su arte musical por el mundo en una gira de dos años que cautivó a propios y extraños. Se dio el lujo de tocar un tiempo con el inmenso Astor Piazzolla y acompañar al maestro eterno Don Mariano Mores en varias presentaciones. Su innovación constante y creatividad melodiosa siempre lo destacaron, proyectando su nombre, talento indiscutido y presencia profesional hasta nuestros días. Es una figura permanente del Tango, maestro y guía de varias generaciones musicales.

Considerado uno de los mejores intérpretes de nuestro Tango, como pianista, arreglador, compositor y director. Aún tenemos la fortuna que nos siga acompañando con su egregia figura, este magnífico músico que a los quince años de edad ya tocaba con una agrupación profesional y cuando apenas contaba con 26 años formó su propia orquesta típica. Compuso la música de una decena de películas, una de ellas ganó un Oscar. Como los grandes, paseó su arte musical por el mundo en una gira de dos años que cautivó a propios y extraños. Se dio el lujo de tocar un tiempo con el inmenso Astor Piazzolla y acompañar al maestro eterno Don Mariano Mores en varias presentaciones. Su innovación constante y creatividad melodiosa siempre lo destacaron, proyectando su nombre, talento indiscutido y presencia profesional hasta nuestros días. Es una figura permanente del Tango, maestro y guía de varias generaciones musicales.

Maxi Martina te habla de una canción que seguramente escuchaste en TV o en Cine pero que no tenes idea de quien la compuso ni la historia que tiene detrás. Entérate ahora de que canción es.

Nuestros cómicos Leo Harlem, Carlos Latre, El Monaguillo y Borja Fernández hacen sus parodias e imitaciones. Hablamos con Ricardo Isósceles, letrista y el verdadero responsable del éxito de Bob Dylan, pues le robó la canción 'Blowin in the wind'. Dylan, que se dedicaba a vender mecheros y azulejos en la calle, le secuestró en un zulo y compuso el resto de temazos con los que triunfó el artista. También, hablamos con Miguel Bosé tras su escándalo con Hacienda por desgravarse jamones. 

La tormenta de arena es el mayor hit de Dorian, acumula más de 100 millones de reproducciones y es un tema imprescindible en todos los festivales. Hablamos con Belly Hernández sobre cómo nació este himno.

Enrique Pedro Maroni nació en Bragado, Buenos Aires, 17 de marzo de 1887 y murió en Buenos Aires, el 30 de diciembre de 1957. Fue un periodista, poeta, escritor y locutor de radio argentino. Compuso alrededor de un centenar de obras, muchas de ellas tangos, incluyendo una letra para La cumparsita que hizo en colaboración con Pascual Contursi. Entre los aproximadamente 100 composiciones cuyas letras escribió, hay 9 tangos que grabó Carlos Gardel: La borrachera del tango, Callecita de mi barrio, Chola, Cicatrices, Compañero, La cumparsita, Micifuz, La mina del Ford y Virgencita de Pompeya y 6 que registró Ignacio Corsini: La carreta, Entre sombras, Fruto bendito, Hipólito Yrigoyen, Llanto de madre, El poncho del olvido y La querencia; Gardel le grabó también el foxtrot, La hija de japonesita, la milonga Tortazos, el vals Rosal de amor y las zambas La salteñita y Machaza mi suerte, en tanto Corsini registró los estilos Beso de sol y Tradición gauchay los valses Cobardía y Por una mujer ​y Tita Merello grabó Tata llevame pa'l centro.

Compuso cerca de 500 piezas, una extensa obra musical construida a base de versos directos, y que llena de amores y escozores, de burlas y jolgorios callejeros. Y lo hizo usando las melodías y tumbaos de una música sumergida, básicamente en la guaracha y el son que tan bien retrata los modos de hacer, pensar y sentir de los cubanos. Se llamó y se llama en la eternidad: Bienvenido Julián Gutiérrez --- Support this podcast: https://anchor.fm/ramn-fernndez-larrea/support

Eliseo Grenet nació en La Habana, el 12 de junio de 1893. Compuso infinidad de obras interpretadas por orquestas charangas y septetos y en ese sentido mencionaremos a: “La Mora”, “Mamá Inés”, “Las perlas de tu boca”, “Lamento esclavo”, “Si muero en la carretera”, “Lamento cubano”, “Tabaco verde” y otras. --- Support this podcast: https://anchor.fm/ramn-fernndez-larrea/support

Conduce: José-María Álvarez Programa transmitido originalmente el 23 de marzo de 2013 en Radio Red 1110 AM. Contenido: Tomaso Albinoni: - Concierto para oboe en re menor Op. 9 No. 2 - Concierto para dos oboes en fa mayor Op. 9 No. 3 - Concierto No. 1 en si bemol Op. 10 (Adagio) - Concierto para violín en si bemol mayor Op. 9 No. 1. Remo Giazotto: Adagio de Albinoni

El compositor mexicano Armando Manzanero falleció a los 85 años. Pável Granados, director de la Fonoteca Nacional de México, charló con Carmen Aristegui sobre la trayectoria del músico mexicano. Entre las anécdotas Granados recordó que compuso la canción “Parece Que Fue Ayer” para un aniversario de bodas del expresidente Gustavo Díaz Ordaz y Guadalupe Borja.Para conocer sobre cómo CNN protege la privacidad de su audiencia, visite CNN.com/privacidad

Un diálogo imperdible con un grande de la música nacional. --- Support this podcast: https://anchor.fm/radiolv11/support

T1-E10 (15-XI-20) TEMAS: 0:05´ Tristeza de Amor, en directo - 0:10´Madrid Amanece - 0:14´Cuerpo de ola - 0:17´Volar es para los pajaros (Letra: Pablo Guerrero e Hilario Camacho) - 0:23´Los cuatro luceros (en directo) - 0:27´Primer single de Hilario Camacho con poemas de Nicolas Guillem ,1968 - 0:30´ Sol de Invierno - 0:35´Final de Viaje - 0:40 El fusilamiento -1er Single, 1968 - 0:43´ Creo que mejor te digo Adios - 0:46´Negra Noche - 0:50´No hay nada que hacer (de fondo sobre la entrevista a Hilario) - 0:52´Ven aquí - 0:54´Fondo Instrumental "La estrella del alba", sobre la charla (extracto) en diciembre de 2003 en la Asamblea de Extremadura - 1:00´¡Taxi! - 1:03´ Manuel Cobos & Hilario Camacho (en vivo): Canción para Lola - 1:10´Érase un Rey - 1:13´Y todos Duermen - 1:14´Charla a jovenes 25º aniversario de la Constitución, grabado en la Asamblea de Extremadura. (extracto) - 1:21´El agua en sus cabellos - 1:25´Soledad y silencio - 1:27´ Tú - 1:31´Como todos los días - 1:36´Despistado (D.C.O.D.) - 1:39´Todos por el humo (Con El Gran Wyoming, Luis Eduardo Aute, Desperados, Ricardo Solfa, Joaquín Sabina, Hilario Camacho, Luis Pastor...) - 1:43´Nicotina - 1:46´Noche tras noche - 1:50´Nube de arena - 1:53´Dolores - 1:56´Ven aquí 1:59´Eso es todo amigos... Estamos en el blog: https://radioalerta.blogspot.com/ Camacho nació en el barrio madrileño de Chamberí. A los catorce años obtuvo su primera guitarra y a los quince compuso su primera canción.1​ Mientras cursaba estudios universitarios de Economía, se incorporó al colectivo Canción del Pueblo junto a otros cantautores como Elisa Serna, Adolfo Celdrán, Ignacio Fernández-Toca o Carmina Álvarez y al que más adelante se unió también Manuel Toharia2​ y Julia León.3​ El acto fundacional de este grupo tuvo lugar en un concierto en noviembre de 1967 en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid.3​ Desde entonces amplían el ámbito universitario al que habían limitado sus actuaciones. Este grupo supuso un fenómeno paralelo a la nova cançó catalana aunque, tal y como ellos declaraban, «sin la financiación y el apoyo de la burguesía como en Cataluña».4​ Ese mismo año 1967, se creó la sociedad anónima Editorial Universitaria Madrileña (Edumsa), que produjo discos del colectivo musical Canción del Pueblo5​6​ con el título unitario de Ensayo. Abandonó sus estudios de Económicas y se dedicó a recorrer Suecia, Inglaterra y Holanda con su guitarra, según el propio Camacho, «procurando resolver el problema de la existencia». Regresa a España para realizar el servicio militar8​ y comienza su trayectoria profesional en 1971 con el álbum A pesar de todo, en el que se incluye una de sus canciones más populares: Los cuatro luceros. En 1974 grabó su segundo disco, De paso y después La estrella del alba, un trabajo que fue tildado como obra de transición, más maduro y profesional.10​ Obtuvo uno de sus mayores éxitos en 1985 con la publicación del álbum Tristeza de amor, contenedor de la canción que servía de entrada a la serie del mismo nombre y que consiguió grandes cifras de audiencia en TVE. En enero de 1989 colabora con el Gran Wyoming, Moncho Alpuente, Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute y Luis Pastor en Todos por el humo,11​ proyecto que se erigió en protesta ante lo que consideraban como excesivo proteccionismo del Estado de los no fumadores. Participó en conciertos de diversos eventos como la Exposición Universal de Sevilla en agosto de 1992, el Encuentro de Cantautores de Orense en septiembre de 1993 con motivo del Xacobeo, la I Semana de la Canción de Autor en junio de 1995 o el Día Mundial de la Música en junio de 1996, sucediéndose estos dos últimos eventos en Madrid. Se suicidó en su domicilio de Madrid el 16 de agosto de 2006. Compuso para artistas como Joaquín Sabina (¡Taxi!, Whisky sin soda, Negra noche...), Pablo Guerrero, Luz Casal, Pedro Ruy-Blas (La niña de los Montoya, La cometa) o Maria del Mar Bonet. Colaboró con el grupo Cucharada13​ de Manolo Tena, tanto en actuaciones en directo como en composiciones (Made in USA, No soy formal, la primera de ellas con Moncho Alpuente y ambas en el disco El limpiabotas que quería ser torero de 1979). También trabajó con Martirio y con grupos de teatro. Algunas de sus obras más conocidas son las canciones que compuso para la serie de animación David el Gnomo. También colaboró y participó (1979) en el primer disco del grupo catalán-valenciano Pernil Latino, poniendo su voz en canciones como "Rumba-Tango De La Mar Brutal", junto a músicos como Coto Aldas. En 2004 inicia su colaboración en los Encuentros de creación afectiva de Ecocentro Madrid, encuentros dirigidos por su amigo y colaborador en múltiples composiciones, Carlos Villarrubia Tras su fallecimiento, el 23 de octubre de 2006 se celebró un concierto gratuito en memoria del cantautor en el Teatro Lope de Vega de Madrid, con la colaboración de artistas como Luis Eduardo Aute, Kiko Veneno, Miguel Ríos, Caco Senante, Manolo Tena o Javier Álvarez. Se nos puede escuchar en: Spotify Itunes Ivoox CANALES de Ivoox: ALERTA RADIO MISTERIOS DE ORIÓN

T1-E10 (15-XI-20) TEMAS: 0:05´ Tristeza de Amor, en directo - 0:10´Madrid Amanece - 0:14´Cuerpo de ola - 0:17´Volar es para los pajaros (Letra: Pablo Guerrero e Hilario Camacho) - 0:23´Los cuatro luceros (en directo) - 0:27´Primer single de Hilario Camacho con poemas de Nicolas Guillem ,1968 - 0:30´ Sol de Invierno - 0:35´Final de Viaje - 0:40 El fusilamiento -1er Single, 1968 - 0:43´ Creo que mejor te digo Adios - 0:46´Negra Noche - 0:50´No hay nada que hacer (de fondo sobre la entrevista a Hilario) - 0:52´Ven aquí - 0:54´Fondo Instrumental "La estrella del alba", sobre la charla (extracto) en diciembre de 2003 en la Asamblea de Extremadura - 1:00´¡Taxi! - 1:03´ Manuel Cobos & Hilario Camacho (en vivo): Canción para Lola - 1:10´Érase un Rey - 1:13´Y todos Duermen - 1:14´Charla a jovenes 25º aniversario de la Constitución, grabado en la Asamblea de Extremadura. (extracto) - 1:21´El agua en sus cabellos - 1:25´Soledad y silencio - 1:27´ Tú - 1:31´Como todos los días - 1:36´Despistado (D.C.O.D.) - 1:39´Todos por el humo (Con El Gran Wyoming, Luis Eduardo Aute, Desperados, Ricardo Solfa, Joaquín Sabina, Hilario Camacho, Luis Pastor...) - 1:43´Nicotina - 1:46´Noche tras noche - 1:50´Nube de arena - 1:53´Dolores - 1:56´Ven aquí 1:59´Eso es todo amigos... Estamos en el blog: https://radioalerta.blogspot.com/ Camacho nació en el barrio madrileño de Chamberí. A los catorce años obtuvo su primera guitarra y a los quince compuso su primera canción.1​ Mientras cursaba estudios universitarios de Economía, se incorporó al colectivo Canción del Pueblo junto a otros cantautores como Elisa Serna, Adolfo Celdrán, Ignacio Fernández-Toca o Carmina Álvarez y al que más adelante se unió también Manuel Toharia2​ y Julia León.3​ El acto fundacional de este grupo tuvo lugar en un concierto en noviembre de 1967 en el Instituto Ramiro de Maeztu de Madrid.3​ Desde entonces amplían el ámbito universitario al que habían limitado sus actuaciones. Este grupo supuso un fenómeno paralelo a la nova cançó catalana aunque, tal y como ellos declaraban, «sin la financiación y el apoyo de la burguesía como en Cataluña».4​ Ese mismo año 1967, se creó la sociedad anónima Editorial Universitaria Madrileña (Edumsa), que produjo discos del colectivo musical Canción del Pueblo5​6​ con el título unitario de Ensayo. Abandonó sus estudios de Económicas y se dedicó a recorrer Suecia, Inglaterra y Holanda con su guitarra, según el propio Camacho, «procurando resolver el problema de la existencia». Regresa a España para realizar el servicio militar8​ y comienza su trayectoria profesional en 1971 con el álbum A pesar de todo, en el que se incluye una de sus canciones más populares: Los cuatro luceros. En 1974 grabó su segundo disco, De paso y después La estrella del alba, un trabajo que fue tildado como obra de transición, más maduro y profesional.10​ Obtuvo uno de sus mayores éxitos en 1985 con la publicación del álbum Tristeza de amor, contenedor de la canción que servía de entrada a la serie del mismo nombre y que consiguió grandes cifras de audiencia en TVE. En enero de 1989 colabora con el Gran Wyoming, Moncho Alpuente, Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute y Luis Pastor en Todos por el humo,11​ proyecto que se erigió en protesta ante lo que consideraban como excesivo proteccionismo del Estado de los no fumadores. Participó en conciertos de diversos eventos como la Exposición Universal de Sevilla en agosto de 1992, el Encuentro de Cantautores de Orense en septiembre de 1993 con motivo del Xacobeo, la I Semana de la Canción de Autor en junio de 1995 o el Día Mundial de la Música en junio de 1996, sucediéndose estos dos últimos eventos en Madrid. Se suicidó en su domicilio de Madrid el 16 de agosto de 2006. Compuso para artistas como Joaquín Sabina (¡Taxi!, Whisky sin soda, Negra noche...), Pablo Guerrero, Luz Casal, Pedro Ruy-Blas (La niña de los Montoya, La cometa) o Maria del Mar Bonet. Colaboró con el grupo Cucharada13​ de Manolo Tena, tanto en actuaciones en directo como en composiciones (Made in USA, No soy formal, la primera de ellas con Moncho Alpuente y ambas en el disco El limpiabotas que quería ser torero de 1979). También trabajó con Martirio y con grupos de teatro. Algunas de sus obras más conocidas son las canciones que compuso para la serie de animación David el Gnomo. También colaboró y participó (1979) en el primer disco del grupo catalán-valenciano Pernil Latino, poniendo su voz en canciones como "Rumba-Tango De La Mar Brutal", junto a músicos como Coto Aldas. En 2004 inicia su colaboración en los Encuentros de creación afectiva de Ecocentro Madrid, encuentros dirigidos por su amigo y colaborador en múltiples composiciones, Carlos Villarrubia Tras su fallecimiento, el 23 de octubre de 2006 se celebró un concierto gratuito en memoria del cantautor en el Teatro Lope de Vega de Madrid, con la colaboración de artistas como Luis Eduardo Aute, Kiko Veneno, Miguel Ríos, Caco Senante, Manolo Tena o Javier Álvarez. Se nos puede escuchar en: Spotify Itunes Ivoox CANALES de Ivoox: ALERTA RADIO MISTERIOS DE ORIÓN

Carta a un zapatero que compuso mal unos zapatos de Juan José Arreola / Comentario de Javier Francisco Fonseca Guerra.

QUIEN COMPUSO EL KAL NIDRE Y PORQUE, SU HISTORIA, ORIGEN E IMPORTANCIA. MI PADRE ES EL PILOTO. by Eli Suli

QUIEN COMPUSO EL KAL NIDRE Y PORQUE? SU HISTORIA, ORIGEN E IMPORTANCIA. MI PADRE ES EL PILOTO.

Julio Preciado está de regreso con nueva música luego de recibir un trasplante de riñón y volver a ser hospitalizado el pasado mes de julio por una infección en los testículos y problemas en los pulmones.

Hamlet Lima Quintana fue un notable poeta argentino. Uno de los impulsores del Movimiento del Nuevo Cancionero, que marcó la música argentina de los años 60 y 70. Compuso unas 400 canciones folclóricas. Una de ellas es “Zamba para no morir”, que Mercedes Sosa inmortalizó con su voz. Nunca ocultó su militancia política. Hasta su muerte fue miembro del Comité Central del Partido Comunista en la Argentina. En 1978, vivió exiliado en España porque sus obras habían sido prohibidas por la dictadura militar. Formaba parte de las “listas negras” de Videla y compañía. ¿Cómo se vive el dolor de estar fuera del lugar donde se nace y se crece? ¿Qué se añora de la tierra? Lima Quintana lo explica bellamente en esta Carta a la Patria. Lee el músico Juan Quintero. La ilustración del episodio es de Santiago Quintero (@sanquinter). ****** Tierra, amor mío, Patria inconmensurable, hoy vuelvo a vos con todo el hambre encima, un hambre desmedido por ver tus campos y tus calles, tus fábricas con humo, con hombres y mujeres de trabajo. Tierra, amor mío, Patria de cada día. Recíbeme en tu seno con tu canción de cuna mas, si piensas que morir es lo que yo merezco dame la muerte, Patria mía, pero a ellos, a mis hijos, mis amores, mis amigos, a mi pueblo, mi pueblo de paciencia a ellos no les des la paz que habitará en mi muerte, a ellos dales, y por favor te pido, la paz que cantará en sus vidas. Tierra, amor mío, Patria de cada día. Hamlet Lima Quintana

Elsa Bornemann nació en Buenos Aires, el 20 de febrero de 1952, en el barrio de Parque de los Patricios, en la ciudad de Buenos Aires. Hija de Blanca Nieves Fernández, una argentina descendiente de portugueses y españoles, y de Wilhelm Karl Henri Bornemann, un alemán, de profesión relojero, experto en relojes de torres y campanarios. Era la más pequeña de tres hermanas: Hilda, Margarita y Elsy, como la conocían los íntimos y como solía firmar cartas y dedicatorias a sus lectores. Fue Profesora en Letras, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires y realizó estudios de inglés, alemán, italiano, latín y griego. Ejerció la docencia en todos los niveles, dictó muchos cursos y conferencias, integró variedad de mesas redondas y jurados, asistió a múltiples seminarios y congresos como invitada especial, y dio numerosas charlas en establecimientos educativos y culturales. Fue una de las más destacadas escritoras argentinas para niños y jóvenes. Comenzó a publicar libros para ellos en los años 70 y su literatura sigue vigente, recolectando el aprecio de los lectores, que se renuevan de generación en generación. Su obra abarca el cuento, la novela, la poesía; el amor, el humor y el terror. Compuso también canciones y piezas teatrales y ha elaborado antologías de cuentos tradicionales de diferentes etnias, ensayos, traducciones y prólogos. Muchas de sus obras se han publicado en Japón, Israel, Estados Unidos y diversos países de Latinoamérica y Europa. Recibió un amplio reconocimiento nacional e internacional. Falleció en Buenos Aires, el 24 de mayo de 2013.

Elsa Bornemann nació en Buenos Aires, el 20 de febrero de 1952, en el barrio de Parque de los Patricios, en la ciudad de Buenos Aires. Hija de Blanca Nieves Fernández, una argentina descendiente de portugueses y españoles, y de Wilhelm Karl Henri Bornemann, un alemán, de profesión relojero, experto en relojes de torres y campanarios. Era la más pequeña de tres hermanas: Hilda, Margarita y Elsy, como la conocían los íntimos y como solía firmar cartas y dedicatorias a sus lectores. Fue Profesora en Letras, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires y realizó estudios de inglés, alemán, italiano, latín y griego. Ejerció la docencia en todos los niveles, dictó muchos cursos y conferencias, integró variedad de mesas redondas y jurados, asistió a múltiples seminarios y congresos como invitada especial, y dio numerosas charlas en establecimientos educativos y culturales. Fue una de las más destacadas escritoras argentinas para niños y jóvenes. Comenzó a publicar libros para ellos en los años 70 y su literatura sigue vigente, recolectando el aprecio de los lectores, que se renuevan de generación en generación. Su obra abarca el cuento, la novela, la poesía; el amor, el humor y el terror. Compuso también canciones y piezas teatrales y ha elaborado antologías de cuentos tradicionales de diferentes etnias, ensayos, traducciones y prólogos. Muchas de sus obras se han publicado en Japón, Israel, Estados Unidos y diversos países de Latinoamérica y Europa. Recibió un amplio reconocimiento nacional e internacional. Falleció en Buenos Aires, el 24 de mayo de 2013.

Elsa Bornemann nació en Buenos Aires, el 20 de febrero de 1952, en el barrio de Parque de los Patricios, en la ciudad de Buenos Aires. Hija de Blanca Nieves Fernández, una argentina descendiente de portugueses y españoles, y de Wilhelm Karl Henri Bornemann, un alemán, de profesión relojero, experto en relojes de torres y campanarios. Era la más pequeña de tres hermanas: Hilda, Margarita y Elsy, como la conocían los íntimos y como solía firmar cartas y dedicatorias a sus lectores. Fue Profesora en Letras, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires y realizó estudios de inglés, alemán, italiano, latín y griego. Ejerció la docencia en todos los niveles, dictó muchos cursos y conferencias, integró variedad de mesas redondas y jurados, asistió a múltiples seminarios y congresos como invitada especial, y dio numerosas charlas en establecimientos educativos y culturales. Fue una de las más destacadas escritoras argentinas para niños y jóvenes. Comenzó a publicar libros para ellos en los años 70 y su literatura sigue vigente, recolectando el aprecio de los lectores, que se renuevan de generación en generación. Su obra abarca el cuento, la novela, la poesía; el amor, el humor y el terror. Compuso también canciones y piezas teatrales y ha elaborado antologías de cuentos tradicionales de diferentes etnias, ensayos, traducciones y prólogos. Muchas de sus obras se han publicado en Japón, Israel, Estados Unidos y diversos países de Latinoamérica y Europa. Recibió un amplio reconocimiento nacional e internacional. Falleció en Buenos Aires, el 24 de mayo de 2013.

Juan José Arreola Zúñiga (1918-2001), nació en Zapotlán el Grande, hoy Ciudad Guzmán (Jalisco), “nací, como alguna vez lo dije, entre pollos, chivos, guajolotes, vacas, burros y caballos”; fue el cuarto de catorce hijos. Arreola es un escritor fundamental en la historia de la literatura mexicana, se trata de una figura imprescindible para el crecimiento y fortalecimiento de la cultura en México por su trabajo en la formación de la nueva generación de escritores. Hablar de Arreola es hablar de un mundo de referencias literarias universales, es evocar la pasión por el lenguaje en su máxima posibilidad expresiva, en su sonoridad y sus sentidos recónditos, es revivir el deleite por la forma, experimentar el placer del ingenio, la risa y la vitalidad; él es memoria, es depositario de una larga tradición con la que juega, a la que recrea y enriquece. Su obra, a pesar de no ser muy extensa, abarca una gran diversidad de géneros: novela, prosa poética, cuento, teatro, estilización de textos ajenos, fragmentos. Sus escritos se han recogido en diferentes libros: Varia invención (1949); Confabulario (1952); Bestiario (unam, 1958); Confabulario total (1941-1961, aquí integra Bestiario, Confabulario y Varia invención); La feria (1963, su única novela); Palindroma (1971). “Confabulario” ofrece cerca de treinta narraciones cortas que despliegan recursos y estilos muy diversos; literatura fantástica, ficción histórica, parodia, fábula, y cuento experimental. Sobre esta obra escribe el propio Arreola lo siguiente: “es ‘la tentativa de resolver una serie de influencias y de maneras en una fórmula personal’. Ésta es, dicho en pocas palabras, la condensación, la poda de todo lo superfluo, que me ha llevado a castigar el material y el estilo hasta un grado que, en dos o tres piezas, puede clasificarse de absoluto. Este afán me ha arrebatado muchas páginas: textos que tenían veinte o diez cuartillas llegaron a tener tres y una. Cuando logré condensar en media página un texto que media varias cuartillas, me sentí satisfecho".

El cantante Carlos Rivera regresa a Zona Pop CNN para hablar de “Ya pasará“, un tema que empezó a escribir hace varios años pero que rescató y adaptó a la situación que vive el mundo con el coronavirus. El tema es con fines benéficos y sus ganancias netas irán destinadas a “Save the Children”, para ayudar a al menos 100.000 niños que se han visto afectados por la pandemia. Support the show.

Sección del programa de Rpa "La radio es mía" que demuestra que la modernidad es algo que viene de antiguo. Emisión del 20/4/2020, vigésimocuarta de la quinta temporada y cuarta y última de las dedicadas al músico polaco Simon Laks, destacado compositor, violinista y director de orquesta. Hablamos hoy de la música de su vida después de Auschwitz-Birkenau. Simon Laks fue evacuado en noviembre de 1944 a una fábrica de armas en un subcampo de Dachau. Tras ser liberado por el ejército americano, retornó a París en la primavera de 1945. Compuso una serie de obras y escribió un libro sobre su experiencia en la orquesta de Birkenau, pero Auschwitz pesa mucho sobre él y abandona la composición, a la que solo retornará brevemente en los años 60. Pese a que algunas de sus obras ganan concursos de composición, la música de Laks, que nunca renegó del neoclasicismo, está en las antípodas de la totalitaria vanguardia oficial europea y tiene serios problemas para estrenarse. Laks abandona la composición musical, pero se embarca en una extensa carrera como escritor. El 11 de diciembre de 1983 muere en París.

Sección del programa de Rpa "La radio es mía" que demuestra que la modernidad es algo que viene de antiguo. Emisión del 20/4/2020, vigésimocuarta de la quinta temporada y cuarta y última de las dedicadas al músico polaco Simon Laks, destacado compositor, violinista y director de orquesta. Hablamos hoy de la música de su vida después de Auschwitz-Birkenau. Simon Laks fue evacuado en noviembre de 1944 a una fábrica de armas en un subcampo de Dachau. Tras ser liberado por el ejército americano, retornó a París en la primavera de 1945. Compuso una serie de obras y escribió un libro sobre su experiencia en la orquesta de Birkenau, pero Auschwitz pesa mucho sobre él y abandona la composición, a la que solo retornará brevemente en los años 60. Pese a que algunas de sus obras ganan concursos de composición, la música de Laks, que nunca renegó del neoclasicismo, está en las antípodas de la totalitaria vanguardia oficial europea y tiene serios problemas para estrenarse. Laks abandona la composición musical, pero se embarca en una extensa carrera como escritor. El 11 de diciembre de 1983 muere en París.

Vamos a seguir con esta lista sui géneris que me preparado a mi gusto, y seguro que, al vuestro, de cantautores españoles. Lo habíamos dejado en muy buenas manos con Carlos Cano, un andaluz de pro, y vamos a seguir con un canario de pro, Pedro Guerra. Pedro Guerra nació en Güímar, Tenerife, 2 de junio de 1966 y a los 18 de años se trasladó a la ciudad universitaria de La Laguna, donde se incorpora a su vida musical. Allí conoce a muchos otros cantautores entre los que se encuentran Andrés Molina, Rogelio Botanz y Marisa Delgado. Es precisamente junto a estos tres músicos con los que Pedro Guerra forma el Taller Canario de la Canción, que más tarde se le llamó simplemente el taller. Tras su salida del grupo en 1993, Pedro Guerra se traslada a Madrid para iniciar su carrera en solitario. Allí entra en contacto con el circuito de salas de música en directo y colabora con otros grupos como músico o compositor. Gente como Ana Belén, Víctor Manuel, Sabina, Marta Sánchez, Paloma San Basilio, Amistades Peligrosas o el grupo Cómplices. En 1995 publica su primer disco en solitario, Golosinas, grabado en directo y en el que se incluye la canción Contamíname. El propio Pedro guerra contaba en una entrevista que “la inspiración para esta canción me vino de la lectura del libro de Carlos Fuentes, el escritor mexicano “El naranjo”, que habla del mestizaje, y en una entrevista el autor utilizó el término “contaminación cultural”. Ahí se me ocurrió escribir esta canción, que habla de la mezcla de culturas”. Siempre preocupado por los asuntos sociales, años después hizo “Extranjeros”, un poco más explícita, cuando ya habían empezado a llegar las pateras. La sensibilidad por estos temas estaba justificada porque Canarias, geográficamente es África, pero es Europa, y emocionalmente y de corazón son más latinoamericanos. Ahí, lo de la emigración siempre se entendió bien. Lástima que no se entienda igual en todas partes. José Saramago, en su “Amor Posible” dice: “Creo que, aunque viviésemos doscientos años, habrá puertas nuestras que seguirán cerradas. A lo mejor, las puertas que uno puede abrir quizá no sean suficientes para poder expresar de una forma completa quién eres.” De estos párrafos, Pedro Guerra dio a luz su preciosa canción Daniela De Paco Ibáñez dijo Manuel Vicent: “A Paco Ibáñez lo veo siempre de negro existencial, abrazado a su guitarra, está de pie en el escenario, dispuesto una vez más a navegar el río de palabras nacido en el Arcipreste de Hita y que a través del corazón de otros grandes poetas irá a dar a cualquier mar, en catalán, castellano, francés, gallego, euskera o provenzal. De todos los dones del cuerpo, es la voz la expresión que mejor desafía el tiempo, la que está más pegada al alma. La voz de Paco Ibáñez conserva muy puro el son bronco y ritual, que se introduce en cada poema para convertirlo en una oración musical muy vivida, igual a sí misma, siempre renovada. Golpeándose dentro de ella los versos unas veces bajan encañonados por la cólera del resistente, otras fluyen sosegados por un sonido monocorde de agua, que arrastra hasta la desembocadura en cada orilla el limo turbio de una vida bohemia muy sudada. Nos queda la palabra de los grandes poetas. Nos queda la pasión de Paco Ibáñez, su coraje.” ¿Qué puedo decir yo? Paco Ibáñez ha sido, y es, un permanente e incansable promotor de la cultura española en el mundo, un poco marginal que siempre ha rechazado medallas y premios: “un artista tiene que ser libre en las ideas que pretende defender, a la primera concesión, pierdes parte de tu libertad”. La verdad es que es un tipo que, con la insobornable rebeldía de sus canciones nos anima a mantener la conciencia despierta. Hoy, a sus 85 años, sigue obsesionado por la idea superior de la Libertad. Francisco Javier Krahe Salas nació en (Madrid, 30 de marzo de 1944. Yo creo que ha sido, falleció desgraciadamente el 12 de Julio de 2015 en Cádiz, el cantautor que más y mejor utilizó la ironía y la comedia en sus canciones. Su humor es proverbial. Después de hacer el servicio militar, conoce al amor de su vida en París, la canadiense Annick, con la que se fue a Canadá, donde empezó su carrera como letrista, inspirado por el ejemplo de Georges Brassens y Leonard Cohen. Su hermano Jorge se ocupaba de musicar los textos. Compuso algunas canciones que interpretaron, entre otros, Rosa León. Ya en España, Chicho Sánchez Ferlosio le animó a actuar en locales como La Aurora, donde conoce a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Como un trío algo informal grabaron el mítico disco La mandrágora (1981), que tomó su nombre de uno de los locales donde solían actuar en esos días. De esa época es “No todo va a ser follar”. Javier Krahe debuta como solista con el disco Valle de lágrimas (1980), en el que ya se aprecia su estilo característico de letras irónicas, rimas ingeniosas, con música sencilla (en sus inicios, Krahe llamaba al acorde de fa mayor «la difícil», porque tenía que poner la cejilla y eso eran palabras mayores). En los discos siguientes los arreglos se inclinan a menudo hacia el jazz, convirtiéndose Krahe en un habitual de pequeñas salas como el Café Central de Madrid, Galileo o Clamores. El perfil de Krahe es el de un cantautor de culto. En 1986, TVE censura su canción Cuervo ingenuo (sátira de la ambigüedad ideológica del PSOE), que iba a emitirse como parte de un concierto de Joaquín Sabina. Su irreverencia eclesiástica le trajo algún que otro problemilla, llevándole incluso ante los tribunales, pero, bueno, de todo ello salió ileso. Por ejemplo, de esta “Los caminos del Señor”. Antonio Vega Tallés falleció a los 51 años a consecuencia de un cáncer de pulmón. Nació en Madrid el 16 de diciembre de 1957 en el seno de una familia de clase media. Tras abandonar la universidad por la música, en 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega, Carlos Brooking y el batería Ñete el grupo Nacha Pop. Los Nacha Pop arrancaron en 1980 con un primer disco homónimo y fueron seleccionados para ser teloneros de Los Ramones en su concierto en la madrileña plaza de toros de Vista Alegre. Dentro de su primer trabajo se incluía un clásico ya del pop español, la célebre 'Chica de ayer', una composición suya. Ahí comenzó una carrera que se prolongó nueve años, plagada de éxitos y un enorme prestigio, pero pocas ventas Pese a su popularidad, el cansancio y los problemas con las drogas de Antonio condujeron a Nacha Pop a su disolución y fue, con dos conciertos en la sala Jácara de Madrid en 1988, cuando dijeron adiós. El álbum en directo que grabaron y que se tituló 'Nacha Pop. 1980-1988' fue disco platino y rompió su mala racha de escasas ventas. Poco después, Vega dio comienzo a su carrera en solitario. Con su estilo intimista, con canciones que él llamaba "poemas adaptados a la música" y con las que tuvo muchos altibajos comerciales. Nunca le gustó nada que le consideraran un chico "triste y solitario". Pero lo cierto es que nunca fue una persona fácil, un tipo de lo más reservado, pero, quien lo diría, los que le conocían bien aseguran que tenía un gran sentido del humor, que le encantaba hablar, colaborar con otros músicos, en fin, un buen tipo, cosa que desde luego, firmamos. Imanol Larzabal Goñi, más conocido como Imanol, nació en San Sebastián el 11 de noviembre de 1947 y fue un cantante y compositor, tanto en euskera como en castellano, gran defensor de la cultura y la lengua vascas. Cosas de la vida, vivió exiliado durante la dictadura franquista y tuvo que abandonar de nuevo el País Vasco en los últimos años de sus vida acosado y amenazado por ETA. Imanol empezó a cantar en euskera en 1964 y su primer disco apareció bajo pseudónimo, titulado de la misma manera, Mikel Etxegaray. Tres años más tarde entró a colaborar con ETA, siendo encarcelado el 29 de agosto de 1968 durante seis meses por terrorismo, organización y propaganda ilegal. Tras la amnistía de 1977, volvió a España y continuó su carrera musical en el País Vasco, comprometiéndose en diversas iniciativas en defensa de la cultura pero alejándose del entorno de ETA. En 1986 participó en un concierto en homenaje a la ex-activista de ETA Yoyes, asesinada por sus antiguos compañeros en la localidad de Ordizia. La participación en dicho homenaje le valió ser boicoteado por parte de su público y a partir de entonces fue vetado sistemáticamente de todos aquellos recitales organizados por Herri Batasuna y las ventas de sus discos fueron descendiendo en la medida en que se incrementaban los ataques y las amenazas contra él. El 21 de septiembre de 1989 realizó otro concierto con el mismo fin. Tras este último las amenazas se intensificaron, y un grupo de amigos, junto con algunos concejales de Euskadiko Ezkerra de Ordizia, propusieron organizar un acto de apoyo al cantante y pensaron que lo mejor era otro concierto. El 2 de noviembre de 1989, acompañado de Anjel Lertxundi, Imanol anunciaba el acto «Todos contra el miedo», en contra de las amenazas de ETA, que se celebraría el 5 de noviembre en el Polideportivo de Anoeta con la participación de un nutrido grupo de compañeros y numerosas adhesiones. Incluso 180 expresos de ETA firmaron un comunicado en apoyo a Imanol en el que rechazaban el «pensamiento obligatorio» de la banda terrorista. En octubre de 2000 anunció que abandonaba el País Vasco, harto de las amenazas de ETA. En ese momento dijo que en Euskadi se vivía un «ambiente irrespirable» y explicó que había venido sufriendo todo tipo de presiones desde que en 1986 participó en el concierto de homenaje a Yoyes. El 25 de junio de 2004 falleció en Orihuela a causa de un derrame cerebral, tras permanecer varios días en coma. Bueno, pues hemos terminado este nuevo episodio dedicado a cantautores. Creo que vendrá alguno más, pero por hoy lo dejamos aquí. A pesar de que las letras de canciones que hacen referencia a temas y momentos concretos pueden envejecer mal, creo que las que hemos podido escuchar hoy aguantan bastante frescas y actuales. Bueno, o eso espero. Amigos, amigas, hasta la próxima semana … ¡¡¡Buenas vibraciones!!!

Vamos a seguir con esta lista sui géneris que me preparado a mi gusto, y seguro que, al vuestro, de cantautores españoles. Lo habíamos dejado en muy buenas manos con Carlos Cano, un andaluz de pro, y vamos a seguir con un canario de pro, Pedro Guerra. Pedro Guerra nació en Güímar, Tenerife, 2 de junio de 1966 y a los 18 de años se trasladó a la ciudad universitaria de La Laguna, donde se incorpora a su vida musical. Allí conoce a muchos otros cantautores entre los que se encuentran Andrés Molina, Rogelio Botanz y Marisa Delgado. Es precisamente junto a estos tres músicos con los que Pedro Guerra forma el Taller Canario de la Canción, que más tarde se le llamó simplemente el taller. Tras su salida del grupo en 1993, Pedro Guerra se traslada a Madrid para iniciar su carrera en solitario. Allí entra en contacto con el circuito de salas de música en directo y colabora con otros grupos como músico o compositor. Gente como Ana Belén, Víctor Manuel, Sabina, Marta Sánchez, Paloma San Basilio, Amistades Peligrosas o el grupo Cómplices. En 1995 publica su primer disco en solitario, Golosinas, grabado en directo y en el que se incluye la canción Contamíname. El propio Pedro guerra contaba en una entrevista que “la inspiración para esta canción me vino de la lectura del libro de Carlos Fuentes, el escritor mexicano “El naranjo”, que habla del mestizaje, y en una entrevista el autor utilizó el término “contaminación cultural”. Ahí se me ocurrió escribir esta canción, que habla de la mezcla de culturas”. Siempre preocupado por los asuntos sociales, años después hizo “Extranjeros”, un poco más explícita, cuando ya habían empezado a llegar las pateras. La sensibilidad por estos temas estaba justificada porque Canarias, geográficamente es África, pero es Europa, y emocionalmente y de corazón son más latinoamericanos. Ahí, lo de la emigración siempre se entendió bien. Lástima que no se entienda igual en todas partes. José Saramago, en su “Amor Posible” dice: “Creo que, aunque viviésemos doscientos años, habrá puertas nuestras que seguirán cerradas. A lo mejor, las puertas que uno puede abrir quizá no sean suficientes para poder expresar de una forma completa quién eres.” De estos párrafos, Pedro Guerra dio a luz su preciosa canción Daniela De Paco Ibáñez dijo Manuel Vicent: “A Paco Ibáñez lo veo siempre de negro existencial, abrazado a su guitarra, está de pie en el escenario, dispuesto una vez más a navegar el río de palabras nacido en el Arcipreste de Hita y que a través del corazón de otros grandes poetas irá a dar a cualquier mar, en catalán, castellano, francés, gallego, euskera o provenzal. De todos los dones del cuerpo, es la voz la expresión que mejor desafía el tiempo, la que está más pegada al alma. La voz de Paco Ibáñez conserva muy puro el son bronco y ritual, que se introduce en cada poema para convertirlo en una oración musical muy vivida, igual a sí misma, siempre renovada. Golpeándose dentro de ella los versos unas veces bajan encañonados por la cólera del resistente, otras fluyen sosegados por un sonido monocorde de agua, que arrastra hasta la desembocadura en cada orilla el limo turbio de una vida bohemia muy sudada. Nos queda la palabra de los grandes poetas. Nos queda la pasión de Paco Ibáñez, su coraje.” ¿Qué puedo decir yo? Paco Ibáñez ha sido, y es, un permanente e incansable promotor de la cultura española en el mundo, un poco marginal que siempre ha rechazado medallas y premios: “un artista tiene que ser libre en las ideas que pretende defender, a la primera concesión, pierdes parte de tu libertad”. La verdad es que es un tipo que, con la insobornable rebeldía de sus canciones nos anima a mantener la conciencia despierta. Hoy, a sus 85 años, sigue obsesionado por la idea superior de la Libertad. Francisco Javier Krahe Salas nació en (Madrid, 30 de marzo de 1944. Yo creo que ha sido, falleció desgraciadamente el 12 de Julio de 2015 en Cádiz, el cantautor que más y mejor utilizó la ironía y la comedia en sus canciones. Su humor es proverbial. Después de hacer el servicio militar, conoce al amor de su vida en París, la canadiense Annick, con la que se fue a Canadá, donde empezó su carrera como letrista, inspirado por el ejemplo de Georges Brassens y Leonard Cohen. Su hermano Jorge se ocupaba de musicar los textos. Compuso algunas canciones que interpretaron, entre otros, Rosa León. Ya en España, Chicho Sánchez Ferlosio le animó a actuar en locales como La Aurora, donde conoce a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Como un trío algo informal grabaron el mítico disco La mandrágora (1981), que tomó su nombre de uno de los locales donde solían actuar en esos días. De esa época es “No todo va a ser follar”. Javier Krahe debuta como solista con el disco Valle de lágrimas (1980), en el que ya se aprecia su estilo característico de letras irónicas, rimas ingeniosas, con música sencilla (en sus inicios, Krahe llamaba al acorde de fa mayor «la difícil», porque tenía que poner la cejilla y eso eran palabras mayores). En los discos siguientes los arreglos se inclinan a menudo hacia el jazz, convirtiéndose Krahe en un habitual de pequeñas salas como el Café Central de Madrid, Galileo o Clamores. El perfil de Krahe es el de un cantautor de culto. En 1986, TVE censura su canción Cuervo ingenuo (sátira de la ambigüedad ideológica del PSOE), que iba a emitirse como parte de un concierto de Joaquín Sabina. Su irreverencia eclesiástica le trajo algún que otro problemilla, llevándole incluso ante los tribunales, pero, bueno, de todo ello salió ileso. Por ejemplo, de esta “Los caminos del Señor”. Antonio Vega Tallés falleció a los 51 años a consecuencia de un cáncer de pulmón. Nació en Madrid el 16 de diciembre de 1957 en el seno de una familia de clase media. Tras abandonar la universidad por la música, en 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega, Carlos Brooking y el batería Ñete el grupo Nacha Pop. Los Nacha Pop arrancaron en 1980 con un primer disco homónimo y fueron seleccionados para ser teloneros de Los Ramones en su concierto en la madrileña plaza de toros de Vista Alegre. Dentro de su primer trabajo se incluía un clásico ya del pop español, la célebre 'Chica de ayer', una composición suya. Ahí comenzó una carrera que se prolongó nueve años, plagada de éxitos y un enorme prestigio, pero pocas ventas Pese a su popularidad, el cansancio y los problemas con las drogas de Antonio condujeron a Nacha Pop a su disolución y fue, con dos conciertos en la sala Jácara de Madrid en 1988, cuando dijeron adiós. El álbum en directo que grabaron y que se tituló 'Nacha Pop. 1980-1988' fue disco platino y rompió su mala racha de escasas ventas. Poco después, Vega dio comienzo a su carrera en solitario. Con su estilo intimista, con canciones que él llamaba "poemas adaptados a la música" y con las que tuvo muchos altibajos comerciales. Nunca le gustó nada que le consideraran un chico "triste y solitario". Pero lo cierto es que nunca fue una persona fácil, un tipo de lo más reservado, pero, quien lo diría, los que le conocían bien aseguran que tenía un gran sentido del humor, que le encantaba hablar, colaborar con otros músicos, en fin, un buen tipo, cosa que desde luego, firmamos. Imanol Larzabal Goñi, más conocido como Imanol, nació en San Sebastián el 11 de noviembre de 1947 y fue un cantante y compositor, tanto en euskera como en castellano, gran defensor de la cultura y la lengua vascas. Cosas de la vida, vivió exiliado durante la dictadura franquista y tuvo que abandonar de nuevo el País Vasco en los últimos años de sus vida acosado y amenazado por ETA. Imanol empezó a cantar en euskera en 1964 y su primer disco apareció bajo pseudónimo, titulado de la misma manera, Mikel Etxegaray. Tres años más tarde entró a colaborar con ETA, siendo encarcelado el 29 de agosto de 1968 durante seis meses por terrorismo, organización y propaganda ilegal. Tras la amnistía de 1977, volvió a España y continuó su carrera musical en el País Vasco, comprometiéndose en diversas iniciativas en defensa de la cultura pero alejándose del entorno de ETA. En 1986 participó en un concierto en homenaje a la ex-activista de ETA Yoyes, asesinada por sus antiguos compañeros en la localidad de Ordizia. La participación en dicho homenaje le valió ser boicoteado por parte de su público y a partir de entonces fue vetado sistemáticamente de todos aquellos recitales organizados por Herri Batasuna y las ventas de sus discos fueron descendiendo en la medida en que se incrementaban los ataques y las amenazas contra él. El 21 de septiembre de 1989 realizó otro concierto con el mismo fin. Tras este último las amenazas se intensificaron, y un grupo de amigos, junto con algunos concejales de Euskadiko Ezkerra de Ordizia, propusieron organizar un acto de apoyo al cantante y pensaron que lo mejor era otro concierto. El 2 de noviembre de 1989, acompañado de Anjel Lertxundi, Imanol anunciaba el acto «Todos contra el miedo», en contra de las amenazas de ETA, que se celebraría el 5 de noviembre en el Polideportivo de Anoeta con la participación de un nutrido grupo de compañeros y numerosas adhesiones. Incluso 180 expresos de ETA firmaron un comunicado en apoyo a Imanol en el que rechazaban el «pensamiento obligatorio» de la banda terrorista. En octubre de 2000 anunció que abandonaba el País Vasco, harto de las amenazas de ETA. En ese momento dijo que en Euskadi se vivía un «ambiente irrespirable» y explicó que había venido sufriendo todo tipo de presiones desde que en 1986 participó en el concierto de homenaje a Yoyes. El 25 de junio de 2004 falleció en Orihuela a causa de un derrame cerebral, tras permanecer varios días en coma. Bueno, pues hemos terminado este nuevo episodio dedicado a cantautores. Creo que vendrá alguno más, pero por hoy lo dejamos aquí. A pesar de que las letras de canciones que hacen referencia a temas y momentos concretos pueden envejecer mal, creo que las que hemos podido escuchar hoy aguantan bastante frescas y actuales. Bueno, o eso espero. Amigos, amigas, hasta la próxima semana … ¡¡¡Buenas vibraciones!!!

Ariel Ramírez (Santa Fe, 4 Septiembre 1921 – 18 Febrero 2010) compositor, pianista y director musical Argentino. Extraordinario exponente del folklore Argentina. Compuso más de 300 piezas musicales durante su exitosa carrera. Su “Misa Criolla” y “La Misa por la Paz y la Justicia” aún se siguen vendiendo. El Maestro Ramírez visitó el programa radial de Gilda Mirós en NYC y le presentó la grabación de su obra “La Misa Criolla” interpretada por Jose Carreras.

El Programa de hoy está hecho a corazón abierto en honor de nuestro queridísimo Fernando Vázquez, dedicado a su imborrable memoria. En este homenaje a Fernando, su hermano Santiago Vázquez comparte su sentir de profundo dolor, emoción, amor, ausencia, y maravillosas e inolvidables vivencias y recuerdos de su queridísimo hermano Fernando. Hoy hace un año partía hacia el “Otro lado” por muerte súbita, llevándose trozos de nosotros mismos, especialmente de sus padres, de sus queridos hermanos Santiago y Pilar, de toda su familia, y de toda la Audiencia ‘masallárealista’, como si de piezas de un puzle se tratara. Sin duda en este cielo de noviembre brilla una estrella más, que nos acompaña y estará siempre a nuestro lado. En este especialísimo Programa, escucharán audios inéditos de Fernando con exquisitas músicas, muy seleccionadas, con canciones inéditas interpretadas por Fernando y también con su hermano Santiago y su madre Doña Pilar. Les invitamos a realizar con nosotros este homenaje a Fernando, hecho con girones de oro de su vida, su forma de ser, sus gustos, sus amores y pasiones, compartidos de la mano y el corazón de su hermano Santiago y su hermana Pilar. Santiago confiesa que ha sido éste un año muy duro, vivido desde su alma como si apenas hubieran pasado unos días y, por otra parte, con tal densidad de tiempo que parecen haber transcurrido diez o quince años. Escuchen con nosotros la voz de Fernando, apodado “el Sinatra de las ondas” por nuestro querido compañero Mikel Navarro, en este maravilloso y sobrecogedor ‘Canto a Galicia’. Fernando era un genio de la música, amaba la música en general, y la conocía profundamente - los temas, los artistas- y admiraba hondamente la música de Julio Iglesias. Nos adentramos en los recuerdos de la preciosa amistad que mantenían sus padres con D. Julio, cuando eran vecinos, portal con portal, y al llegar D. Julio de sus innumerables viajes y jugar los niños de ambas familias juntos, D. Julio alzaba al aire a Santiago, Pilar y Fernando como si se tratara de sus propios hijos. Santiago expresa con todo su sentir la ‘simbiosis’ con su hermano Fernando, con quien una mirada, un solo gesto, era suficiente para entenderse. En esta noche se agolpan los recuerdos y, desde lo más hondo del corazón, agradece especialmente al equipo médico de la U.C.I. del Hospital Puerta de Hierro de Madrid y al SUMMA su trato tan exquisito y humano con Fernando y con toda la familia en aquellos terribles días. Inolvidable. De gran valía, Fernando destacaba siempre por su voz, su talento, y su gran afición para la música. También para el doblaje, que estudió durante 5 años, en la Academia de D. Salvador Arias, magistral Profesor de actores de doblaje entre los que también se hallaban D. Ramón Langa, uno de los más excelentes actores de doblaje a quien Fernando también conoció y tuvo la oportunidad de entrevistar, cumpliendo así uno de sus sueños. Cantaba y componía maravillosamente, un auténtico artista, pero no menos era su pasión por el fútbol, llegando a jugar como portero del Real Madrid de benjamines y categorías inferiores. Es delicioso escuchar a Santiago narrar cómo jugaba al fútbol con su hermano cuando, siendo Santiago jugador del Real Madrid en Juveniles, y después en el Atlético de Madrid, Fernando le paraba los balones. Se acelera el corazón contemplando estas inolvidables escenas. Fernando, humilde por naturaleza, no era consciente del impacto que tenía en los medios y en las redes sociales. Santiago recuerda con gran emoción que fueron miles los comentarios y mensajes que le llegaron en el fallecimiento de Fernando, un clamor de todos los ‘masallarealistas’ expresando su querer y su cariño por Fernando, y su más fuerte y sólido apoyo a toda la familia Vázquez, especialmente a Santiago. Fernando era ‘escorpio’, un hombre de gran valía, tranquilo, muy hogareño, muy amigo de sus amigos, que prefería su guitarra, sus doblajes, sus series, sus amigos, su mundo, a las relaciones sociales, más también era un hombre ‘de carácter’, que decía las cosas cuando las tenía que decir, y que siempre vivió e hizo las cosas ‘a su manera’. Amante de su familia, iba a ver jugar a su hermano Santiago en el Atlético de Madrid, aunque siempre expresó que sus equipos del alma fueron tres y por este orden: el Real Madrid, el Real Valladolid, y el Celta de Vigo. Conoció Galicia, se fue hasta Finisterre, y se enamoró de A Coruña, sintiendo auténtica pasión por esta ciudad y por esta tierra. A continuación, Santiago nos confiesa que sabe que Fernando ‘está’, compartiéndonos que al poco tiempo de su incineración, han sucedido fenómenos paranormales en su casa, siempre en presencia de testigos, fenómenos de efectos físicos. Y agradece profundamente la oración de los oyentes que así se lo han hecho saber, pues Fernando era creyente, y tenía una firme convicción en la Trascendencia, en Jesús de Nazaret, en la Virgen, en Dios Padre Todopoderoso, en el Espíritu Santo, y llevaba siempre colgado del pecho un crucifijo que le había regalado Santiago. Fernando era un hombre polifacético, un hombre superdotado, al que también le interesaba la política, y que no se identificaba nada con esta sociedad ni con este mundo que ha perdido sus valores. ¿Qué pensaría Fernando de la situación actual de España? ¿Qué pensaría del pacto entre Pedro Sánchez y Pablo Iglesias? Santiago habla claro y con contundencia, dando su opinión. Una de las etapas profesionales en las que Fernando fue muy feliz fue durante las dos temporadas en RNE, con Santiago, cuando realizaban el mítico Programa “Sexta Dimensión”, 143 Programas, auténticas joyas radiofónicas, obras de orfebrería de gran éxito en la cadena estatal, la única cadena española que llega a todos los rincones del planeta, y que ocuparon los primeros puestos de iTunes. Llovían las descargas, superando en menos de 24 horas las 38.000 descargas. Fue un Programa ‘ganado a pulso’ concursando con otros Programas en la mesa de Dirección de RNE, durante el Gobierno de D. José Luis Rodríguez Zapatero. Santiago recuerda cómo Fernando disfrutaba muchísimo y la enorme labor realizada, hasta que, al marcharse el Director de RNE a razón de un E.R.E., les comunicaron la finalización del Programa con motivo de un ‘cambio de orientación en la Programación’. Sustituyeron el Programa en pleno auge de audiencia por otro Programa de misterio. Música a música, recorremos la vida y el corazón de Fernando, escuchando a continuación una canción que le encantaba, compuesta por Miguel Barbas, abogado y compositor, ‘Can you see?’, con quien había formado un grupo de música ‘The english men’. La escuchamos interpretada en la voz de Miguel y Fernando. Quien conoce a Fernando, sabe que su gran pasión musical fueron siempre los Beatles, ‘inventores’ de un estilo de música que nunca se había escuchado hasta entonces. ¿Qué no sabía Fernando de los Beatles?: John Lennon (guitarra), Paul McCartney (bajo), George Harrison (guitarra) y Ringo Starr (batería), los cuatro a su vez grandes vocalistas. Conocía sus vidas, sus canciones, sus anécdotas. De los cuatro, John Lennon y Paul McCartney eran sus favoritos. Hoy les ofrecemos, queridos oyentes, una de las grandes pasiones de Fernando, la música, en su voz y en su guitarra. Escuchamos con el corazón sobrecogido su famoso ‘Tell me why’ en la voz de Fernando Vázquez, en homenaje a él, agradecidos por tanto con que nos obsequió con su presencia. A continuación, nuestro querido y gran Fernando interpreta con su guitarra otra de las composiciones más célebres de los Beatles, de gran éxito en todo el mundo ‘ I want to hold your hand’, compuesta por John Lennon y Paul McCartney. Escuchamos emocionados. ¿Nos acompañan? En esta noche de recuerdo a Fernando desde lo más hondo del alma, les compartimos algo que muchos de ustedes no sabrán. Fernando era seguidor de Tontxu, el conocidísimo cantautor español, de quien le gustaba especialmente una composición llamada ‘Chueca’. Fernando hizo una versión de este tema y se la envió a Tontxu. Escuchamos a continuación esta versión realizada por Fernando, interpretada en su propia voz. Mas si la música era pasión para Fernando, había siempre algo que aún ocupaba más centralmente su corazón: la familia. Simbiótico con su hermano Santiago, hogareño hasta la médula, se sentía muy unido a su padre, D. Santiago Vázquez, con quien compartía siempre su pasión por el fútbol, comentando con entusiasmo todos los partidos. Sufrió mucho, con profundo dolor, cuando D. Santiago enfermó gravemente, visitándole en su casa a diario. El pequeño de los tres hermanos era también ‘’el ojito derecho’ de su madre, Doña Pilar. Tanto Santiago como Fernando aprendieron siempre de su padre, D. Santiago, llevando en sangre el periodismo de raza , sin que D. Santiago padre les diera nunca clases, sino escuchando y poniendo en práctica con gran interés sus consejos. D Santiago era riguroso y exigente. Fernando, hombre siempre amable, servicial desde su corazón, guardaba sus sentimientos para sí, muy inteligente, superior en inteligencia a la media, eso le hizo sufrir por incomprensión y con la cruda realidad del mundo, como pez fuera del agua, si bien, valiente, siempre expresaba con convicción, rotundidad y nobleza lo que pensaba. Ciudadano del mundo, de fraternidad universal, viajó en noviembre-diciembre de 2002 a Estados Unidos, visitando Boston, Chicago, Pensilvania, y Nueva York. Quiso visitar la ‘Zona Cero’ de la que vino impresionado por su silencio sepulcral, por la visión de los cascos y guantes de los bomberos y las camisetas de las personas que allí fallecieron, por lo tremendo del gran solar, por la inefable tristeza que impregnaba y llenaba el ambiente, por el patriotismo de los americanos. El 11 S también marcó en su alma un antes y un después. Hombre con criterio, firme y con carácter, su fallecimiento convulsionó al público en general. Continuamos recordando a Fernando escuchando en su voz el tema ‘La espina’ de Antonio Flores. En Fernando destacaba también siempre su profundo sentido de la justicia y su amor por los animales. Vamos a escuchar a continuación un corte de un texto locutado por él, de la Sociedad Protectora de Animales y Plantas, con fondo musical de la maravillosa canción de ‘Enrique y Ana’ compuesta al fallecimiento del gran Félix Rodríguez de la Fuente. Es una forma de recordar que los animales, nuestros ‘hermanos menores’ se merecen el mejor de los tratos. Escuchamos Seguimos recordando a nuestro querido Fernando, con una de las canciones que más le gustaban de los Beatles: ‘Woman’, la célebre canción que John Lennon compuso para su mujer Yoko Ono, y que escuchamos en la voz de John Lennon. Fernando tenía en sus composiciones cierto estilo de las canciones de John Lennon. Compuso una canción muy especial con Enrique Muro, gran amigo del alma, que partió de este mundo el 4 de abril de 2010. En una visita de Enrique a casa, le solicitó a Fernando que compusiera una canción sobre John Lennon, y así nació ‘Darling John’, una canción preciosa, con letra de Enrique Muro y música de Fernando Vázquez, que se llegó a grabar en un estudio profesional. Escuchamos, en homenaje a Fernando y Enrique, con el alma a flor de piel, ‘Darling John’. Seguidamente, expresión de la gran sensibilidad de Fernando, vamos a escuchar otra canción, teñida de cierta melancolía, ‘In the morning grey’, en un solo de Fernando con su querida guitarra Paul McCartney era otro de sus ídolos a quien admiraba en su voz y en sus composiciones. Escuchamos la célebre ‘Yesterday’ en la voz y en la guitarra de Fernando. En tono pausado y emotivo, Santiago confiesa que este Programa está siendo difícil de grabar. Agradece la avalancha de mensajes y emails de apoyo de los oyentes y recuerda de forma entrañable a su hermano, todo corazón, solícito, atento, amigo de sus amigos que no soportaba la hipocresía ni la falsedad. A continuación les compartimos esta entrañable y emotiva sucesión de audios, de demos en diferentes momentos de su trayectoria profesional. En el Programa Sexta Dimensión de RNE, realizado con Santiago, inauguró la ya mítica sección ‘Senderos de la Humanidad’, preciosas narraciones locutadas por Fernando, que nos traen siempre una sabia enseñanza. Escuchamos seguidamente una de estas perlas radiofónicas. Recibimos a Pilar Vázquez, hermana de Santiago y de Fernando, mientras escuchamos como fondo musical ‘You’ de Ten Sharp, gran éxito en todo el mundo, número uno en varios países europeos en 1991, que tanto Pilar y Santiago la identifican como la canción de Fernando. Sigan acompañándonos en este homenaje a Fernando a través también de las palabras que le dedica en este Programa su hermana Pilar. Pilar, luchadora nata, conmovida profundamente, nos comparte lo extraordinaria persona que era Fernando, su hermano pequeño a quien ella cuidaba, los rasgos de su carácter, sus gustos, lo que a él le identificaba. En la voz de Santiago, nos adentramos en una íntima conversación entre hermanos en la que vibran preguntas que profundizan en el alma y la persona de Fernando, y en su partida. ¿Qué destacarías de Fernando? ¿Tú crees que está entre nosotros? Pilar contesta con serenidad más con el alma herida de ausencia, impactada por la presencia de sus cosas en su habitación en donde aún permanece su energía. ¿Cómo vive Pilar este profundo dolor? ¿Es tal vez diferente al dolor sentido en los primeros días? Con el alma abierta de par en par, Pilar comparte con los oyentes confidencias de cómo ha vivido este año y estos días. Ante la pregunta de Santiago de si es la vida seria, Pilar expresa qué sentido tiene para ella la vida y el dolor. ¿Qué le dirías a Fernando si estuviera aquí? ¿Qué te diría él a ti? Pilar termina esta conversación con el sentimiento más noble y fuerte que nace en el ser humano cuando es consciente de la partida de alguien a quien ama. ¿Qué nos dice Fernando desde allí? Pilar dirige unas palabras de ánimo y aliento para todas aquellas personas que también han ‘perdido’ recientemente un ser querido Santiago y Pilar expresan el profundo agradecimiento a toda la audiencia por su querer y su apoyo en este año tan duro y en estos días tan difíciles y Santiago despide a su hermana Pilar, mujer de gran credibilidad, palabra, contundencia y corazón. Seguimos recordando a nuestro queridísimo y añorado Fernando con audios inéditos muy significativos para él, así como destacando sus pasiones. Entre ellas, el Titanic. Compartía esta pasión con su hermano Santiago, quien nos cuenta los últimos descubrimientos sobre lo que ocurrió aquel 14 de abril de 1912, fatídica noche en la que se hundió el célebre trasatlántico. Fernando y Santiago tenían todos los documentales, que a día de hoy conserva Santiago, y han visto varias veces la película dirigida por James Cameron, una de las películas más taquilleras y con más premios de la historia universal del cine. A día de hoy, los restos del Titanic descansan a 4.000 metros de profundidad, conservando algunas estancias tal y como estaban en su hundimiento frente a las costas de Terranova, al chocar con un iceberg. Murieron 1513 personas, sobreviviendo unas 800 personas. En la mañana del día de su hundimiento, en la misa que se celebró en el trasatlántico, sonó esta canción que vamos a escuchar a continuación: ‘Más Cerca de Ti, Señor’. Otro asunto que le fascinaba a Fernando era la Astronomía, el cosmos, la carrera espacial. En Agosto de 1988 compró con su hermano Santiago un telescopio, y desde su terraza de Madrid contemplaban todas las noches las constelaciones, los planetas y la luna, hasta que D. Santiago padre les mandaba a dormir. Santiago narra una entrañable anécdota de sus descubrimientos con el telescopio que les suscitará una bonita sonrisa. También le entusiasmaba el fútbol. Santiago realiza una confidencia del mismo día en que falleció Fernando, que les emocionará a todos los aficionados. Fernando no se perdía un partido de su equipo favorito y en su infancia y adolescencia jugaba prácticamente todos los días con su hermano Santiago. ‘El coche fantástico’ era para Fernando otra de sus pasiones (pueden escuchar de fondo la música de la serie). Santiago comparte con los oyentes lo que sucedió un día en el Parque de atracciones de Madrid y cómo Fernando se quedó deslumbrado. A Fernando también le apasionaba toda la saga de ‘Star Wars’ . Santiago recuerda cuando fueron a ver juntos, siendo niños, la primera película. También, al igual que Santiago, admiraba la belleza de las chicas guapas. Les ofrecemos un audio inédito de Fernando y Santiago cantando juntos ‘Por el amor de una mujer’, cuya audición dedica Santiago a todas las mujeres del mundo. Fernando era un hombre creyente. Creía también en la autenticidad de la Sábana Santa de Turín, siendo el primer admirador y lector del libro de su hermano Santiago, ‘Sábana Santa. Lo nunca contado’. Junto a su hermano Santiago y al queridísimo amigo de ambos, Enrique Muro, interpretaron esta canción que les ofrecemos a continuación y que a los tres les entusiasmaba: ‘Padrenuestro’. Desde pequeño, al igual que a su hermano Santiago, le cautivaba Egipto, queriendo ser egiptólogo. En su ingenuidad de niños estaban decididos a descubrir la tumba de Keops. Se sorprenderán al escuchar lo que le sucedió a Fernando en una regresión hipnótica. Amante de las voces bonitas, Fernando grabó con su madre, Doña Pilar, este precioso tema que vamos a escuchar a continuación: ‘Qué es el Amor’. Doña Pilar madre compuso este tema, ayudada por D. Enrique Valdivieso y por Fernando, y es quien también canta y toca la guitarra en este audio. Opositó en los años 60 al Departamento de Relaciones Públicas y Protocolo de RTVE. Había estado en Londres y hablaba inglés perfectamente, obteniendo la plaza, y esa era su Profesión, si bien tenía y tiene una gran musicalidad y una preciosa voz como vamos a escuchar a continuación en este audio. A Fernando le entusiasmaban también los aviones. De niño también quería ser piloto de aviación. Santiago recuerda cuando D. Santiago padre les llevaba al aeropuerto de Madrid a ver despegar y aterrizar los aviones, y como también les subyugaba ver sobrevolar grandes aviones el cielo de Madrid, desde la terraza de su domicilio, cuando volaban bajo, muy cerca del estadio del Bernabeu. Fernando era buen lector de libros pero no de cualquier libro. Le gustaba mucho toda la saga de ‘Caballo de Troya’ de J.J. Benítez, amigo de la familia, teniendo todos sus libros dedicados por él. En otro orden de cosas, recordamos que Fernando no le tenía miedo a la muerte. Su actriz favorita era Michelle Pfeiffer, su musa en el cine. Vamos a escuchar a continuación otro audio inédito, la canción ‘Tanto la quería’ de Andy Lucas, cantada por Fernando y Santiago. Se agolpan los recuerdos. Fernando no caía en ninguno de los siete pecados capitales. Era muy amigo de los animales y no le gustaban los toros. Prefería escuchar más que hablar, amigo de sus amigos, solía coger la guitarra y cantar en la intimidad. Escuchamos otro audio inédito, una canción de La Guardia que salió en 1982, cantada por Fernando, Santiago, y la amiga de ambos Elena Enciso: ‘Mil calles llevan hacia ti’. En verano de 1992 era el miembro más joven de la Asociación de Profesionales de Radio y Televisión. Tenía un ídolo en doblaje y voz: D. Ramón Langa (la voz de Bruce Willis). Escuchamos la presentación de D. Ramón Langa de su taller de doblaje en la Universidad Europea. Santiago recuerda con cariño el verano de 1992 en el que les dieron la licencia, el carnet para desempeñar las labores profesionales en Radio y Televisión, y recuerda la página web de Fernando que los oyentes pueden visitar www.fernandovazquez.es Un rasgo de su carácter era su gran sentido del humor: ponía caras, hacía imitaciones, pegaba sustos. Escuchamos una breve selección de distintas tomas falsas y gazapos de Fernando y Santiago que sin duda hará sus delicias. También era muy ordenado y disciplinado. Una canción que no podía faltar en este homenaje a Fernando es ‘Stumblin in’ -Tropezando- de Luis Norman y Suzi Quatro, interpretada por Fernando y Santiago. Ambos cantan juntos y Fernando toca todos los instrumentos: la guitarra, el bajo, el palo de agua. Santiago agradece a todos los oyentes por estar ahí, apoyando el Programa. Agradece especialmente a todas las personas que llevan a Fernando en el corazón y que le expresan a Santiago y a toda la familia Vázquez su sentimiento y su apoyo. Escuchamos una de las canciones de los Beatles que impresionaba a Fernando, ya fallecido John Lennon, no solo por la preciosidad del tema, de su música y contenido, sino también por la fuerte unión que se percibe entre los tres componentes del grupo: Paul McCartney, George Harrison (ya muy enfermo) y Ringo Starr. El tema es ‘Real Love’. Santiago cierra este homenaje con una emotiva despedida en la que da gracias a su hermano Fernando por existir. Y se despide de Fernando en nombre propio, de toda la familia, y de todos los ‘masallárealistas’, orgulloso de la maravillosa y excepcional Audiencia, tan auténtica, que se merece todo lo bueno. Esperamos que se sumen con nosotros a este homenaje al gran Fernando Vázquez y lo disfruten con todo su corazón. Un afectuoso saludo.

Hace tiempo que quería introducir en nuestro programa un género de música que nos llegó, allende los mares, con cierto retraso pero que desde su llegada caló profundamente en los corazones y en el cerebro de muchas personas. Una música que, aunque pueda parecernos “exótica”, tiene un gran paralelismo con lo más granado de la música nacional: el flamenco; sus quejíos, su ritmo, su improvisación y … al final, su libertad. Hablamos, por supuesto, del Jazz. Era nuestro deber empezar con Louis Armstrong. Pero vayamos al grano. Muchos estudiosos del tema opinan que el jazz nació en el río Mississippi, en Nueva Orleans. Otros mantienen que la música de jazz nació más o menos simultáneamente en distintos lugares de los EEUU y contando con muchas fuentes: la música religiosa, la antigua música folklórica norteamericana, la música de los minstrel shows (músicos con cara teñida de negro en vaudevilles), canciones y danzas de esclavos de origen africano, el piano del ragtime o de las bandas ambulantes. Realmente no hay una fecha ni un local en los que podamos situar el nacimiento del jazz, lo que si se puede asegurar es que una de las primeras manifestaciones de este género estuvo a cargo de los pianos ragtime. Hemos escuchado The Entertainer, un ragtime compuesto en 1902 por Scott Joplin y que en su época, el tema pasó prácticamente desapercibido hasta que en los años 70 fue usado en la banda sonora de la película El golpe, ganadora de un Premio Oscar en 1973. Otro famoso pianista y compositor de ragtime fue Thomas Million John Turpin, estadounidense nacido en Savannah (Georgia), 18 de noviembre de 1871 y que falleció el 13 de agosto de 1922. Recién cumplidos 20 años, en 1892, Turpin abrió un local en St. Louis (Missouri), que se convirtió en el punto de reunión de los pianistas locales, y en el lugar donde se incubó el primigenio folk-ragtime, con músicos como Joe Jordan o Louis Chauvin. Turpin mismo formó parte de este movimiento, con el primer "rag" que se editó ya en partitura, su "Harlem Rag" de 1897. Después publicó numerosas obras de rag, como "Bowery Buck," "St. Louis Rag," o "The Buffalo Rag". Además de dirigir su local y componer música, controlaba (junto a su hermano Charles) un teatro, casas de juego, salones de baile, y casas de diversión, evidentemente todos ellos eufemismos de… lo que sea. Lógicamente, ejerció como diputado, y fue uno de los primeros afroamericanos en lograr un verdadero poder en St. Louis. Vamos a escuchar uno de los temas que hemos citado: St. Louis Rag. El jazz era, y es, una música que se alejaba de la clásica occidental, no se leía, brotaba de dentro, no se copiaba, se producía en cada momento y contaba mucho la implicación de los intérpretes, su estado de ánimo, su inspiración y, por supuesto, su habilidad instrumentista. En los EEUU hubo esclavos en las colonias del norte, y cuando se necesitó mano de obra en los del sur, comenzaron a poblar estas colonias. Fue de estas poblaciones de esclavos africanos de donde surgen los spirituals , los blues y los primeros sonidos de la música de jazz. Vamos a escuchar a Mahalia Jackson cantando Amazing Grace, un espiritual estremecedor. Puesto que no tenían medios, hacían música con todo tipo de artilugios caseros. El más importante instrumento musical de los esclavos, además de todo tipo de percusiones con instrumentos caseros, fue el banjo. Fue usado mucho en las primeras bandas de jazz, después se abandonó y en los 70 volvió a adquirir prestigio. En otro orden de cosas, la mayoría de estos esclavos adoptaron como propia la religión protestante mayoritaria (más o menos mezclada con elementos africanos) y puesto que estaba prohibida la danza en los servicios religiosos protestantes, ellos “burlaron” esta prohibición tocando palmas y moviendo rítmicamente el cuerpo al tiempo que se cantaban himnos. Las estrofas recitadas por un solista se cantaban, con gran entusiasmo por cierto, por el coro. Otra fuente del jazz se encuentra en las canciones de trabajo colectivo (estibadores portuarios, presos, obreros, ferrocarril, recogida del algodón). Los esclavos acompañaban su duro trabajo con canciones, canciones que dieron origen al blues y al jazz. Se cita también el Mardi Grass, último día de carnaval en Nueva Orleans, con música y danzas, sobre todo los de origen franco-español que participaban en los desfiles de cuadrillas que se organizaban, en ritmo de 2/4 y 6/8. Melodías como el Tiger Rag, clásicas del jazz, provendrían de ese contexto. Veréis como os suena. Asi pues, que el jazz nació en Nueva Orleans es ya un lugar común. Y esto ocurría alrededor de 1.890. A principios del siglo XX, Nueva Orleans era un hervidero de pueblos y razas. La ciudad había estado bajo el dominio español y francés antes de que ella, y Lousiana, fuesen comprados por los Estados Unidos. Todos los inmigrantes, voluntarios e involuntarios, hicieron de esta ciudad una coctelera en la que se mezclaron todo tipo de músicas: populares inglesas, danzas españolas, ballet francés, marchas militares, espirituales de las iglesias… Esta amalgama cristalizó en un estilo propio, made in Nueva Orleans que, a su vez, dio paso al Dixieland. En Nueva Orleans el jazz no era un privilegio de los negros. Desde el principio existieron bandas de blancos. De hecho, desde 1891, “Papa” Jack Lane tenía banda en Nueva Orleans y es considerado hoy como el padre del jazz blanco. Papa Jack Laine, fue un bateria y contrabajista norteamericano, que nació en Nueva Orleans, el 21 de septiembre de 1873, y falleció en la misma ciudad, el 1 de junio de 1966. Hacia 1890 formó su primera banda, dedicada a tocar ragtime, a la que llamó Reliance Band y que tocaban en todo tipo de eventos, particularmente en entierros. Desgraciadamente no tenemos ninguna grabación de “Papa” Jack pero hemos pensado que sería una buena referencia escuchar el conocido WHEN THE SAINT GO MARCHIN'IN, famosa marcha de entierros por excelencia. Definitivamente, con el ragtime, el jazz de Nueva Orleans y el Jazz de Dixieland, comienza la historia de la música de jazz, cualquier cosa anterior, podemos situarla en la “prehistoria” del jazz. De esta manera, podemos sentenciar, sobre todo porque así lo hacen los que dicen que entienden de este asunto, que el jazz no viene de Africa, por muy negra que sea. Como dice Barry Ulanov, famoso escritor y crítico de jazz norteamericano: “Hay más sonido de jazz en los violines gitanos del centro de Europa que en todo un conjunto de tambores africanos.” Así pues, señoras y señores, ya es oficial, el jazz es americano. En los años 20, el jazz se desplaza a Chicago, convirtiéndose esta ciudad en el epicentro del negocio musical en EEUU. De entre todos los músicos, con la excepción de Louis Armstrong del que hablaremos más adelante, destaca el trompetista “Bix” Beiderbeche, al que acabamos de escuchar en su tema Jazz Me Blues, grabado en NY el 5 de octubre de 1927. Leon Bismark Beiderbecke, nacido en Iowa en 1903 y fallecido en Nueva York en 1931, fue una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores. Le tocó lidiar con la esplendorosa época del swing, pero él poseía un elegante y distintivo tono, y sobre todo, un espectacular y original estilo de improvisación. Influenciado por Nick La Rocca, a quien escuchaba tocar, decidió que su destino estaba en el jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación una frivolidad y lo enviaron a una academia militar en 1921, aunque, afortunadamente para él, ésta se encontraba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época. Expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase, se convirtió en músico profesional y en 1923, ya era el cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo. A finales de 1924, su incapacidad para leer música le obligó a abandonar su actividad en las grandes orquestas. Así las cosas, se puso a estudiar y cuando estuvo preparado se unió a la orquesta de Frankie Trumbauer en San Luis, pero el hombre ya estaba atrapado por el alcohol. A pesar de todo, 1927 sería el año más importante para Bix. Compuso y tocó para las mejores orquestas del momento. Desgraciadamente este momento duró poco, hasta 1928, ya que al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas. Tuvo que retirarse a descansar, y aunque reapareció brevemente, no lo quedó otra que volver a retirarse. A su vuelta en 1930 realizó algunas grabaciones intrascendentes, las últimas que haría antes de morir. El 6 de agosto de 1931, el músico tuvo un ataque de delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York. , murió a los 28 años. Volvemos a escucharle en Singin The Blues Buenos amigos, espero que os haya gustado este capítulo con el que hemos empezado, desde sus inicios, a conocer el jazz. En próximos capítulos iremos desgranando la apasionante historia de esta música que ha sido la banda sonora del siglo XX y que seguirá siéndolo por muchos años. En el próximo capítulo hablaremos del swing, del bebop y de la segunda guerra mundial, desgraciado telón de fondo de esta historia. Por el momento, nada más. Volveremos la próxima semana con más historias, más música y más músicos. Hasta entonces… BUENAS VIBRACIONES!!!

Hace tiempo que quería introducir en nuestro programa un género de música que nos llegó, allende los mares, con cierto retraso pero que desde su llegada caló profundamente en los corazones y en el cerebro de muchas personas. Una música que, aunque pueda parecernos “exótica”, tiene un gran paralelismo con lo más granado de la música nacional: el flamenco; sus quejíos, su ritmo, su improvisación y … al final, su libertad. Hablamos, por supuesto, del Jazz. Era nuestro deber empezar con Louis Armstrong. Pero vayamos al grano. Muchos estudiosos del tema opinan que el jazz nació en el río Mississippi, en Nueva Orleans. Otros mantienen que la música de jazz nació más o menos simultáneamente en distintos lugares de los EEUU y contando con muchas fuentes: la música religiosa, la antigua música folklórica norteamericana, la música de los minstrel shows (músicos con cara teñida de negro en vaudevilles), canciones y danzas de esclavos de origen africano, el piano del ragtime o de las bandas ambulantes. Realmente no hay una fecha ni un local en los que podamos situar el nacimiento del jazz, lo que si se puede asegurar es que una de las primeras manifestaciones de este género estuvo a cargo de los pianos ragtime. Hemos escuchado The Entertainer, un ragtime compuesto en 1902 por Scott Joplin y que en su época, el tema pasó prácticamente desapercibido hasta que en los años 70 fue usado en la banda sonora de la película El golpe, ganadora de un Premio Oscar en 1973. Otro famoso pianista y compositor de ragtime fue Thomas Million John Turpin, estadounidense nacido en Savannah (Georgia), 18 de noviembre de 1871 y que falleció el 13 de agosto de 1922. Recién cumplidos 20 años, en 1892, Turpin abrió un local en St. Louis (Missouri), que se convirtió en el punto de reunión de los pianistas locales, y en el lugar donde se incubó el primigenio folk-ragtime, con músicos como Joe Jordan o Louis Chauvin. Turpin mismo formó parte de este movimiento, con el primer "rag" que se editó ya en partitura, su "Harlem Rag" de 1897. Después publicó numerosas obras de rag, como "Bowery Buck," "St. Louis Rag," o "The Buffalo Rag". Además de dirigir su local y componer música, controlaba (junto a su hermano Charles) un teatro, casas de juego, salones de baile, y casas de diversión, evidentemente todos ellos eufemismos de… lo que sea. Lógicamente, ejerció como diputado, y fue uno de los primeros afroamericanos en lograr un verdadero poder en St. Louis. Vamos a escuchar uno de los temas que hemos citado: St. Louis Rag. El jazz era, y es, una música que se alejaba de la clásica occidental, no se leía, brotaba de dentro, no se copiaba, se producía en cada momento y contaba mucho la implicación de los intérpretes, su estado de ánimo, su inspiración y, por supuesto, su habilidad instrumentista. En los EEUU hubo esclavos en las colonias del norte, y cuando se necesitó mano de obra en los del sur, comenzaron a poblar estas colonias. Fue de estas poblaciones de esclavos africanos de donde surgen los spirituals , los blues y los primeros sonidos de la música de jazz. Vamos a escuchar a Mahalia Jackson cantando Amazing Grace, un espiritual estremecedor. Puesto que no tenían medios, hacían música con todo tipo de artilugios caseros. El más importante instrumento musical de los esclavos, además de todo tipo de percusiones con instrumentos caseros, fue el banjo. Fue usado mucho en las primeras bandas de jazz, después se abandonó y en los 70 volvió a adquirir prestigio. En otro orden de cosas, la mayoría de estos esclavos adoptaron como propia la religión protestante mayoritaria (más o menos mezclada con elementos africanos) y puesto que estaba prohibida la danza en los servicios religiosos protestantes, ellos “burlaron” esta prohibición tocando palmas y moviendo rítmicamente el cuerpo al tiempo que se cantaban himnos. Las estrofas recitadas por un solista se cantaban, con gran entusiasmo por cierto, por el coro. Otra fuente del jazz se encuentra en las canciones de trabajo colectivo (estibadores portuarios, presos, obreros, ferrocarril, recogida del algodón). Los esclavos acompañaban su duro trabajo con canciones, canciones que dieron origen al blues y al jazz. Se cita también el Mardi Grass, último día de carnaval en Nueva Orleans, con música y danzas, sobre todo los de origen franco-español que participaban en los desfiles de cuadrillas que se organizaban, en ritmo de 2/4 y 6/8. Melodías como el Tiger Rag, clásicas del jazz, provendrían de ese contexto. Veréis como os suena. Asi pues, que el jazz nació en Nueva Orleans es ya un lugar común. Y esto ocurría alrededor de 1.890. A principios del siglo XX, Nueva Orleans era un hervidero de pueblos y razas. La ciudad había estado bajo el dominio español y francés antes de que ella, y Lousiana, fuesen comprados por los Estados Unidos. Todos los inmigrantes, voluntarios e involuntarios, hicieron de esta ciudad una coctelera en la que se mezclaron todo tipo de músicas: populares inglesas, danzas españolas, ballet francés, marchas militares, espirituales de las iglesias… Esta amalgama cristalizó en un estilo propio, made in Nueva Orleans que, a su vez, dio paso al Dixieland. En Nueva Orleans el jazz no era un privilegio de los negros. Desde el principio existieron bandas de blancos. De hecho, desde 1891, “Papa” Jack Lane tenía banda en Nueva Orleans y es considerado hoy como el padre del jazz blanco. Papa Jack Laine, fue un bateria y contrabajista norteamericano, que nació en Nueva Orleans, el 21 de septiembre de 1873, y falleció en la misma ciudad, el 1 de junio de 1966. Hacia 1890 formó su primera banda, dedicada a tocar ragtime, a la que llamó Reliance Band y que tocaban en todo tipo de eventos, particularmente en entierros. Desgraciadamente no tenemos ninguna grabación de “Papa” Jack pero hemos pensado que sería una buena referencia escuchar el conocido WHEN THE SAINT GO MARCHIN'IN, famosa marcha de entierros por excelencia. Definitivamente, con el ragtime, el jazz de Nueva Orleans y el Jazz de Dixieland, comienza la historia de la música de jazz, cualquier cosa anterior, podemos situarla en la “prehistoria” del jazz. De esta manera, podemos sentenciar, sobre todo porque así lo hacen los que dicen que entienden de este asunto, que el jazz no viene de Africa, por muy negra que sea. Como dice Barry Ulanov, famoso escritor y crítico de jazz norteamericano: “Hay más sonido de jazz en los violines gitanos del centro de Europa que en todo un conjunto de tambores africanos.” Así pues, señoras y señores, ya es oficial, el jazz es americano. En los años 20, el jazz se desplaza a Chicago, convirtiéndose esta ciudad en el epicentro del negocio musical en EEUU. De entre todos los músicos, con la excepción de Louis Armstrong del que hablaremos más adelante, destaca el trompetista “Bix” Beiderbeche, al que acabamos de escuchar en su tema Jazz Me Blues, grabado en NY el 5 de octubre de 1927. Leon Bismark Beiderbecke, nacido en Iowa en 1903 y fallecido en Nueva York en 1931, fue una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores. Le tocó lidiar con la esplendorosa época del swing, pero él poseía un elegante y distintivo tono, y sobre todo, un espectacular y original estilo de improvisación. Influenciado por Nick La Rocca, a quien escuchaba tocar, decidió que su destino estaba en el jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación una frivolidad y lo enviaron a una academia militar en 1921, aunque, afortunadamente para él, ésta se encontraba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época. Expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase, se convirtió en músico profesional y en 1923, ya era el cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo. A finales de 1924, su incapacidad para leer música le obligó a abandonar su actividad en las grandes orquestas. Así las cosas, se puso a estudiar y cuando estuvo preparado se unió a la orquesta de Frankie Trumbauer en San Luis, pero el hombre ya estaba atrapado por el alcohol. A pesar de todo, 1927 sería el año más importante para Bix. Compuso y tocó para las mejores orquestas del momento. Desgraciadamente este momento duró poco, hasta 1928, ya que al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas. Tuvo que retirarse a descansar, y aunque reapareció brevemente, no lo quedó otra que volver a retirarse. A su vuelta en 1930 realizó algunas grabaciones intrascendentes, las últimas que haría antes de morir. El 6 de agosto de 1931, el músico tuvo un ataque de delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York. , murió a los 28 años. Volvemos a escucharle en Singin The Blues Buenos amigos, espero que os haya gustado este capítulo con el que hemos empezado, desde sus inicios, a conocer el jazz. En próximos capítulos iremos desgranando la apasionante historia de esta música que ha sido la banda sonora del siglo XX y que seguirá siéndolo por muchos años. En el próximo capítulo hablaremos del swing, del bebop y de la segunda guerra mundial, desgraciado telón de fondo de esta historia. Por el momento, nada más. Volveremos la próxima semana con más historias, más música y más músicos. Hasta entonces… BUENAS VIBRACIONES!!!

Barry Vincent es guitarrista y arreglista profesional. Compositor publicado. 1974-75 Asiste a la Escuela de Música de Jamaica, estudiando Arreglos y Composición bajo la dirección de Melba Liston y guitarra bajo la dirección de Ernest Ranglin. Berklee College of Music estudiando Arreglos y Composición 19879-82. Audicionó y tocó con Bob Marley en Hope Rd Kingston, Peter Tosh en Nueva York, Jimmy Cliff y Earl Chinna Smith en Jamaica. Guitarrista de foso en la obra “Mama I Want To Sing” de Off-Broadway Gospel. Manhattan NYC, EE.UU. Compuso, arregló, dirigió y tocó en el proyecto de 8 composiciones originales tituladas “Coast To Coast” en el sello de Themes International library. Publicado por EMI music worldwide. Producido, compuesto, arreglado y tocado en el single ‘Only You’ del artista Fumme en los discos de Sanity. Profesionalmente afiliado y/o trabajado con Bob Marley, Jimmy Cliff, Dennis Brown, Alton Ellis, Junior Delgado, Sugar Minott, Abyssinians, Eek-A-Mouse, Carron Wheeler, Caroll Thompson, Tashan, Loose Ends… Actualmente Barry Vincent es guitarrista de sesión en Londres, Reino Unido.

Un café fuerte para escuchar la historia de la banda sonora de los momentos de la obra. ¡Una genialidad!

El Morocho del Abasto; Carlitos; el Zorzal Criollo; «la voz» —antes que la de Sinatra—; «el Mudo”; el Troesma; el Mago, y otros cariñosos sobrenombres, llevaron a la perpetuidad de la fama al que fuera el mejor cantante de Tangos de todas las épocas. Presencia física impecable, sonrisa compradora y una garganta con registro de tenor, que la modulaba conforme el tema y ritmo lo pedía. Podía ser un vals, milonga, aire pampeano, jota aragonesa, canzonetta o tango melodioso, él siempre imponía su estilo insuperable. Compuso –silbando- los temas más recordados de nuestra música ciudadana, que aún lo vemos reproducidos en películas de este siglo XXI, o shows musicales en cualquier parte de mundo, porque él impuso una especie de idioma universal cuando de tangos se trata. En estos dos programas de homenaje y en el mes de un aniversario más de su trágica muerte, Tango Sensei se viste más que nunca de Buenos Aires, para escuchar –de pie- a su máximo ídolo, Don Carlos Gardel!

El Morocho del Abasto; Carlitos; el Zorzal Criollo; «la voz» —antes que la de Sinatra—; «el Mudo”; el Troesma; el Mago, y otros cariñosos sobrenombres, llevaron a la perpetuidad de la fama al que fuera el mejor cantante de Tangos de todas las épocas. Presencia física impecable, sonrisa compradora y una garganta con registro de tenor, que la modulaba conforme el tema y ritmo lo pedía. Podía ser un vals, milonga, aire pampeano, jota aragonesa, canzonetta o tango melodioso, él siempre imponía su estilo insuperable. Compuso –silbando- los temas más recordados de nuestra música ciudadana, que aún lo vemos reproducidos en películas de este siglo XXI, o shows musicales en cualquier parte de mundo, porque él impuso una especie de idioma universal cuando de tangos se trata. En estos dos programas de homenaje y en el mes de un aniversario más de su trágica muerte, Tango Sensei se viste más que nunca de Buenos Aires, para escuchar –de pie- a su máximo ídolo, Don Carlos Gardel!

Tirso de Molina sigue los pasos de Lope de Vega. Compuso unas 400 obras de gran frescura y con argumentos complejos. Es el creador del personaje de don Juan en su obra «El burlador de Sevilla y convidado de piedra». ?? Este vídeo es una parte de la cuarta clase del CURSO DE LITERATURA ESPAÑOLA. Tienes la clase completa aquí ???? https://espanolplus.com/literatura4 En la cuarta clase del curso de literatura española concluiremos el Siglo de Oro estudiando su teatro y su poesía. Veremos las características generales del teatro de este periodo y a Lope de Vega y Tirso de Molina. Estudiaremos la poesía de Quevedo y Góngora. Introduciremos algo de prosa con Gracián. Cerraremos con el teatro de Calderón de la Barca. ???? Aquí tienes el curso completo: https://espanolplus.com/curso/literatura-espanola/ En este curso de literatura española vamos a conocer a los mayores autores de la literatura española y a leer fragmentos representativos de sus obras. Lo que todos los españoles saben ?—?o se supone que saben?—? sobre literatura… y algo más. Ahora que ya conocemos la historia de España, el siguiente paso es conocer su literatura. Al fin y al cabo, las obras literarias reflejan la cultura y la mentalidad de quienes las escriben. Revisaremos a los grandísimos conocidos internacionales como el Cid y Miguel de Cervantes y conoceremos a otros escritores y sus obras estudiados sin excepción por los españoles: La Celestina, Quevedo, Zorrilla, Lorca…

Tirso de Molina sigue los pasos de Lope de Vega. Compuso unas 400 obras de gran frescura y con argumentos complejos. Es el creador del personaje de don Juan en su obra «El burlador de Sevilla y convidado de piedra». ?? Este vídeo es una parte de la cuarta clase del CURSO DE LITERATURA ESPAÑOLA. Tienes la clase completa aquí ???? https://espanolplus.com/literatura4 En la cuarta clase del curso de literatura española concluiremos el Siglo de Oro estudiando su teatro y su poesía. Veremos las características generales del teatro de este periodo y a Lope de Vega y Tirso de Molina. Estudiaremos la poesía de Quevedo y Góngora. Introduciremos algo de prosa con Gracián. Cerraremos con el teatro de Calderón de la Barca. ???? Aquí tienes el curso completo: https://espanolplus.com/curso/literatura-espanola/ En este curso de literatura española vamos a conocer a los mayores autores de la literatura española y a leer fragmentos representativos de sus obras. Lo que todos los españoles saben ?—?o se supone que saben?—? sobre literatura… y algo más. Ahora que ya conocemos la historia de España, el siguiente paso es conocer su literatura. Al fin y al cabo, las obras literarias reflejan la cultura y la mentalidad de quienes las escriben. Revisaremos a los grandísimos conocidos internacionales como el Cid y Miguel de Cervantes y conoceremos a otros escritores y sus obras estudiados sin excepción por los españoles: La Celestina, Quevedo, Zorrilla, Lorca…

Tirso de Molina sigue los pasos de Lope de Vega. Compuso unas 400 obras de gran frescura y con argumentos complejos. Es el creador del personaje de don Juan en su obra «El burlador de Sevilla y convidado de piedra». ?? Este vídeo es una parte de la cuarta clase del CURSO DE LITERATURA ESPAÑOLA. Tienes la clase completa aquí ???? https://espanolplus.com/literatura4 En la cuarta clase del curso de literatura española concluiremos el Siglo de Oro estudiando su teatro y su poesía. Veremos las características generales del teatro de este periodo y a Lope de Vega y Tirso de Molina. Estudiaremos la poesía de Quevedo y Góngora. Introduciremos algo de prosa con Gracián. Cerraremos con el teatro de Calderón de la Barca. ???? Aquí tienes el curso completo: https://espanolplus.com/curso/literatura-espanola/ En este curso de literatura española vamos a conocer a los mayores autores de la literatura española y a leer fragmentos representativos de sus obras. Lo que todos los españoles saben ?—?o se supone que saben?—? sobre literatura… y algo más. Ahora que ya conocemos la historia de España, el siguiente paso es conocer su literatura. Al fin y al cabo, las obras literarias reflejan la cultura y la mentalidad de quienes las escriben. Revisaremos a los grandísimos conocidos internacionales como el Cid y Miguel de Cervantes y conoceremos a otros escritores y sus obras estudiados sin excepción por los españoles: La Celestina, Quevedo, Zorrilla, Lorca…

Hace ya unas semanas tratamos brevemente el tema del Soul. Hoy iniciamos una mini serie de programas para abordar un estilo de música que merece mucha más atención de la que le dimos en su momento. Y, como no, nos situamos en la decada de los 60, … otra vez!!! En ese momento, sobre el año 1963, el término “rhytm’n blues” no significaba ni mucho menos lo mismo para los estadounidenses que para los Rolling Stones. Los bluesmen a los que estos idolatraban eran de una generación anterior. En Estados Unidos la urbana e inmaculada “Sherry”, de los Four Seasons, encabezaba la lista de “R&B” a finales de 1962, pese a tratarse de un dudua italoamericano puro y duro, y la razón era muy simple: a los adolescentes negros les gustaba ese sonido tanto como a los blancos. Los Four Seasons de Nueva Jersey, los Impressions de Chicago, los Miracles de Detroit, las Shirelles de Nueva York, todos ellos estaban guisando un estofado posrock’n’roll que daría paso a algo que, más tarde, se llamó SOUL. Si bien el uso de la palabra soul como denominación popular del género no se verificaría hasta la aparición en 1966 de “What is Soul”, el sencillo de Ben E. King, el sonido en sí ya se había introducido en la conciencia del pop en 1957, concretamente el día en que Sam Cooke cambió el espiritual negro por la música profana. Pero fue nuestro amigo Ben E. King el que perfiló con precisión el nuevo estilo. Esto es “What is Soul”. Sam Cooke no fue el primero que adjuró de la iglesia para derretir a las jovencitas: el primer guaperas del góspel de posguerra había sido Sonny Til, el líder de los Orioles, pero Cooke mezclaba como nadie la finura con el rugido del espiritual negro, y cantaba con intensidad y sin esfuerzo. Nació en Clarksdale (Misisipi) en 1931. Cuando tenía nueve años se unió al coro de sus hermanos y hermanas que acompañaban a su padre, pastor baptista, en sus viajes de predicación. Su decisión de abandonar la música religiosa en 1957 cayó muy mal en la feligresía. Así, su primer single “Lovable”, paso sin pena ni gloria y esto le hizo pensar si su decisión había sido acertada. Lo supo cuando publicó su segundo disco “You Send Me”. Éxito instantáneo, el sencillo se aupó al número uno y allí permaneció tres semanas, durante las cuales Cooke se convirtió en ídolo no solo de las chicas negras del Bronx, el público al que en principio se dirigía, sino también de las señoritas judías de Brooklyn. Los éxitos se sucedieron en cascada. Cooke no se explicaba su don: “Me pongo a cantar y me viene solo” declaró en cierta ocasión. Sea como fuese, en todas sus creaciones latía un trasfondo abrasivo que indicaba a las claras que, por mucha cara de bueno que tuviese, más valía no dejarlo a solas con la hermana pequeña de uno. Perfectamente podía haber hecho carrera como delincuente. Era, a un tiempo, ángel y diablo y en su música podemos apreciar al predicador fervoroso y al pecador arrepentido. Pero para todo el mundo era el chico de oro y siempre iba por delante del resto. Tras echar los cimientos de la música soul, fundó su propia discográfica, SAR, con brazo editorial incluido. Eran maniobras prácticamente inauditas en un artista de raza negra. En 1962 la música de Cook adquirió una nueva intensidad, como se aprecia en la cruda “Bring It Home To Me” Y es que, algo estaba cambiando. En ese año, el gobierno de Kennedy había obligado al Comité de Comercio Interestatal a dictar una nueva orden contra la segregación racial en virtud de la cual los pasajeros de los autobuses podían sentarse donde quisieran. Se retiraron de las estaciones los letreros de “blanco” y “negro”, y en los mostradores de las cafeterías se empezó a atender a los clientes con independencia del color de su piel. En septiembre un adolescente llamado James Meredith ganó un pleito y logró que lo admitiesen en la Universidad de Misisipi. Los disturbios subsiguientes se cobraron dos víctimas mortales, pero gracias a la escolta de una guardia armada, Meredith pudo asistir a clase. En la desgarrada “That’s Where It’s At” de 1963, resuenan el orgullo negro y las tribulaciones de la raza aunque, según Bob Stanley, nuestro biógrafo de cabecera, la letra no respondiese tanto al estado de la nación como a la vida del propio Cooke, que por aquel entonces se deshacía en jirones: su esposa Bárbara estaba perdiendo la cabeza por la afición del artista al alcohol y las mujeres, y ese verano, el hijo de ambos, se había ahogado en la piscina de la casa familiar. Una tragedia. Tenía para todo. El día 11 de diciembre de 1964 se lió con quien no debía, una prostituta que huyó con la ropa del cantante mientras él estaba en el baño. Medio desnudo y gritando como un poseso, Cooke asustó tanto a la dueña del motel que la mujer lo mató de un balazo. Nuestras felicitaciones a la asociación del rifle. Su último trabajo fue un sencillo en el que se incluía “A chage is gonna come”, una canción que Cooke compuso después de escuchar el “Blowin in the wind” de Bob Dylan y concluyó que debería escribir algo que reflejase su vida personal y la de sus amigos. La canción es un augurio entreverado de esperanza y optimismo. Es una pena que fuera su epitafio. Si Sam Cooke era la voz del soul, el sello Stax era el molde. Los hermanos Estelle y Jim Stewart fundaron este sello y se instalaron en el ruinoso cine Capitol. El puesto de palomitas de la entrada se convirtió en una tienda de discos llamada Satellite, con cuyos ingresos se sufragaba el estudio de grabación. El hijo de Estelle, Pachy, había estado ensayando con unos chicos del instituto, entre ellos el guitarrista Steve Cropper (apuntad este nombre) y el bajista Donald Dunn, alias “Pato Donald”, que se hacían llamar los Royal Spades y que experimentaban con el country, el R&B y el rockabilly, y que, a fuerza de ensayar, se convirtieron en un grupo conjuntado al máximo, capaz de acompañar a cualquier artista de paso. Y así fue como, un día, se presentó por allí Rufus Thomas, locutor de una emisora local: su hija Carla había compuesto una cancioncilla titulada “Gee Whiz” y quería grabarla. Una vez pasada por el tamiz de los Royal Spades, la canción llegó al top 10. Y es esta… Poco después, un instrumental de una sola nota, sucio y con predominio de metales, titulado “Last Night”, obra de los Royal Spades pero publicado con el nombre los Mar-Keys, llegó nada menos que al número dos. El sello Stax estaba en marcha. Los numerosos éxitos que acumularon en el año 1962 hicieron que el sello Stax se convirtiera en el sonido Memphis y, por ello, se ganó el derecho a colgar un letrero encima de la tienda de discos que rezaba “Souls-ville USA”. Uno de estos éxitos fue, sin lugar a dudas, su famoso “Green Onions”. Los músicos empezaron a demandar el estilo Stax y por el estudio terminó pasando gente como Sam & Dave, Otis Redding, Judy Clay, Eddie Floyd y Johnnie Taylor. El sonido Stax no tardó en hacerse más importante que el artista, y el sello se convirtió en el equivalente sureño de la factoría Spector. Pero no estaban solos. La otra discográfica que definió el floreciente género del soul fue la neoyorquina Atlantic Records. Uno de sus fundadores, el Sr. Ertegun, era un gran amante del blues y, justamente, del blues procedía Ray Charles. En sus comienzos Charles era un pianista dotado del don de imitar a sus ídolos: Louis Jordan, Nat King Cole o Charles Brown, pero cuando el Sr. Charles empezó a componer sus propias obras, y la discográfica había sabido esperar pacientemente, todo cambió. Compuso y grabó “I got a woman”, su primer sencillo con el sello que fue número uno de la lista de R&B en enero de 1955. Más tarde, esta canción conocería las versiones unos “desconocidos” tales como Elvis Presley o los Beatles. La bomba Ray Charles estalló en 1959, cuando el hombre compuso, sobre una sencilla pieza, concretamente una antífona, religiosa, de seis minutos de duración y que era mitad revival evangélico, mitad procacidad burdelera. Lo nunca visto!!! La pieza se llamaba, bueno, y se llama… “What’d I Say” Desde ese momento y hasta mediada la década de los 60 rara sería la estrella en ciernes, desde Stevie Wonder a los Searchers, que no citase entre sus influencias a Ray Charles: “el hermano Ray”, “el genio”, “el hermano número uno del soul”… etc. Convencido de sus dotes, el artista picó en otros géneros: primero grabó jazz instrumental; después coqueteó con el country en una revisión del clásico “Georgia on My Mind”, otro número uno en 1.960 En la canción, Ray se enfrenta a dos lealtades encontradas. El sur era su patria, pero en 1960 también era el campo de batalla por los derechos civiles de los negros. Dos años más tarde, Charles grabó un elepé entero con la misma temática. Hacía falta mucho valor para mezclar country y soul, pero también mucha sutileza. A estas alturas, el artista ya había dejado el sello Atlantis para aceptar una jugosa suma de ABC-Paramount. Sin nadie que le parara los pies, el hermano Ray se lanzó de cabeza al “countrypolitan” orquestal y firmó dos de los singles de más éxito en su trayectoria, “I can’t stop loving you” y “You don’t know me” A mediados de la década de 1960 Ray Charles ya había exprimido el truco del country hasta la última gota y perdió tanta credibilidad ante la crítica y los colegas del gremio que al terminar el decenio apenas se hablaba de él. Tal vez una de las estrellas de Atlantis más injustamente infravaloradas fue Bárbara Lewis. Nuestro amigo Bob Stanley, en su libro “La historia del pop moderno” dice de ella: “su voz de jade pulido en “Hello Stranger”, tema con ritmo de shuffle, a caballo entre la música de verbena y la de tocador: morirá feliz el afortunado a quien, siquiera una sola vez en su vida, le canten personalmente esta canción”. Bueno, pues esta es la canción… Pero el mayor fichaje del sello, en todos los sentidos, fue Aretha Franklin. Dueña de una voz capaz de reventar un micrófono a medio kilómetro, Aretha cantaba como una fuerza de la naturaleza. La futura dama del Soul ya había grabado algunos temas para el sello Columbia, pero Ertegun la animó y convenció para cambiar de sello discográfico y en Atlantic echó el resto. Aretha había nacido el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de góspel Bárbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de góspel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del góspel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Fue precoz en todos los aspectos de su vida. Con doce años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo. Esto que suena es esa primera grabación con su grupo de góspel. Por cierto, ya me diréis si os suena… Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por la compañía discográfica Atlantic Records, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó para Atlantic Records fue «I never loved a man (the way I love you)”. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: «Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con la Muscle Shoals Rhythm Section, unos chicos blancos de Alabama». El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo haría con mucha más fuerza “Respect”, versión de la canción que Otis Redding había grabado en 1965 y con la que Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis. El 10 de marzo de 1967 se editaba un álbum en el que Aretha también contribuyó como compositora con varios temas. Destacamos este "Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)". Un precioso blues. Ese mismo año, consiguió dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967, concretamente el 4 de agosto, editó un nuevo disco del que nos apetece destacar uno de sus temas. Se trata de “Satisfaction”, el éxito de los Rolling. Vamos a oir una versión, grabada en directo, en el Olimpia de Paris en el año 1968. Nos despedimos del programa de hoy y de nuestra admirada Aretha Franklin, ahora si, para siempre, porque como sabeis, Aretha Franklin falleció el pasado día 16 de agosto, a la edad de 76 años en su domicilio de Detroit. No obstante, su larga trayectoria profesional da para muchas más horas de programación, horas que le dedicaremos con muchísimo gusto. Cerramos pues este programa con su gran éxito "Chain of fools", un tema incluido en su disco Lady Soul, editado en 1.968, y con el que volvería a conocer el éxito masivo.

Hace ya unas semanas tratamos brevemente el tema del Soul. Hoy iniciamos una mini serie de programas para abordar un estilo de música que merece mucha más atención de la que le dimos en su momento. Y, como no, nos situamos en la decada de los 60, … otra vez!!! En ese momento, sobre el año 1963, el término “rhytm’n blues” no significaba ni mucho menos lo mismo para los estadounidenses que para los Rolling Stones. Los bluesmen a los que estos idolatraban eran de una generación anterior. En Estados Unidos la urbana e inmaculada “Sherry”, de los Four Seasons, encabezaba la lista de “R&B” a finales de 1962, pese a tratarse de un dudua italoamericano puro y duro, y la razón era muy simple: a los adolescentes negros les gustaba ese sonido tanto como a los blancos. Los Four Seasons de Nueva Jersey, los Impressions de Chicago, los Miracles de Detroit, las Shirelles de Nueva York, todos ellos estaban guisando un estofado posrock’n’roll que daría paso a algo que, más tarde, se llamó SOUL. Si bien el uso de la palabra soul como denominación popular del género no se verificaría hasta la aparición en 1966 de “What is Soul”, el sencillo de Ben E. King, el sonido en sí ya se había introducido en la conciencia del pop en 1957, concretamente el día en que Sam Cooke cambió el espiritual negro por la música profana. Pero fue nuestro amigo Ben E. King el que perfiló con precisión el nuevo estilo. Esto es “What is Soul”. Sam Cooke no fue el primero que adjuró de la iglesia para derretir a las jovencitas: el primer guaperas del góspel de posguerra había sido Sonny Til, el líder de los Orioles, pero Cooke mezclaba como nadie la finura con el rugido del espiritual negro, y cantaba con intensidad y sin esfuerzo. Nació en Clarksdale (Misisipi) en 1931. Cuando tenía nueve años se unió al coro de sus hermanos y hermanas que acompañaban a su padre, pastor baptista, en sus viajes de predicación. Su decisión de abandonar la música religiosa en 1957 cayó muy mal en la feligresía. Así, su primer single “Lovable”, paso sin pena ni gloria y esto le hizo pensar si su decisión había sido acertada. Lo supo cuando publicó su segundo disco “You Send Me”. Éxito instantáneo, el sencillo se aupó al número uno y allí permaneció tres semanas, durante las cuales Cooke se convirtió en ídolo no solo de las chicas negras del Bronx, el público al que en principio se dirigía, sino también de las señoritas judías de Brooklyn. Los éxitos se sucedieron en cascada. Cooke no se explicaba su don: “Me pongo a cantar y me viene solo” declaró en cierta ocasión. Sea como fuese, en todas sus creaciones latía un trasfondo abrasivo que indicaba a las claras que, por mucha cara de bueno que tuviese, más valía no dejarlo a solas con la hermana pequeña de uno. Perfectamente podía haber hecho carrera como delincuente. Era, a un tiempo, ángel y diablo y en su música podemos apreciar al predicador fervoroso y al pecador arrepentido. Pero para todo el mundo era el chico de oro y siempre iba por delante del resto. Tras echar los cimientos de la música soul, fundó su propia discográfica, SAR, con brazo editorial incluido. Eran maniobras prácticamente inauditas en un artista de raza negra. En 1962 la música de Cook adquirió una nueva intensidad, como se aprecia en la cruda “Bring It Home To Me” Y es que, algo estaba cambiando. En ese año, el gobierno de Kennedy había obligado al Comité de Comercio Interestatal a dictar una nueva orden contra la segregación racial en virtud de la cual los pasajeros de los autobuses podían sentarse donde quisieran. Se retiraron de las estaciones los letreros de “blanco” y “negro”, y en los mostradores de las cafeterías se empezó a atender a los clientes con independencia del color de su piel. En septiembre un adolescente llamado James Meredith ganó un pleito y logró que lo admitiesen en la Universidad de Misisipi. Los disturbios subsiguientes se cobraron dos víctimas mortales, pero gracias a la escolta de una guardia armada, Meredith pudo asistir a clase. En la desgarrada “That’s Where It’s At” de 1963, resuenan el orgullo negro y las tribulaciones de la raza aunque, según Bob Stanley, nuestro biógrafo de cabecera, la letra no respondiese tanto al estado de la nación como a la vida del propio Cooke, que por aquel entonces se deshacía en jirones: su esposa Bárbara estaba perdiendo la cabeza por la afición del artista al alcohol y las mujeres, y ese verano, el hijo de ambos, se había ahogado en la piscina de la casa familiar. Una tragedia. Tenía para todo. El día 11 de diciembre de 1964 se lió con quien no debía, una prostituta que huyó con la ropa del cantante mientras él estaba en el baño. Medio desnudo y gritando como un poseso, Cooke asustó tanto a la dueña del motel que la mujer lo mató de un balazo. Nuestras felicitaciones a la asociación del rifle. Su último trabajo fue un sencillo en el que se incluía “A chage is gonna come”, una canción que Cooke compuso después de escuchar el “Blowin in the wind” de Bob Dylan y concluyó que debería escribir algo que reflejase su vida personal y la de sus amigos. La canción es un augurio entreverado de esperanza y optimismo. Es una pena que fuera su epitafio. Si Sam Cooke era la voz del soul, el sello Stax era el molde. Los hermanos Estelle y Jim Stewart fundaron este sello y se instalaron en el ruinoso cine Capitol. El puesto de palomitas de la entrada se convirtió en una tienda de discos llamada Satellite, con cuyos ingresos se sufragaba el estudio de grabación. El hijo de Estelle, Pachy, había estado ensayando con unos chicos del instituto, entre ellos el guitarrista Steve Cropper (apuntad este nombre) y el bajista Donald Dunn, alias “Pato Donald”, que se hacían llamar los Royal Spades y que experimentaban con el country, el R&B y el rockabilly, y que, a fuerza de ensayar, se convirtieron en un grupo conjuntado al máximo, capaz de acompañar a cualquier artista de paso. Y así fue como, un día, se presentó por allí Rufus Thomas, locutor de una emisora local: su hija Carla había compuesto una cancioncilla titulada “Gee Whiz” y quería grabarla. Una vez pasada por el tamiz de los Royal Spades, la canción llegó al top 10. Y es esta… Poco después, un instrumental de una sola nota, sucio y con predominio de metales, titulado “Last Night”, obra de los Royal Spades pero publicado con el nombre los Mar-Keys, llegó nada menos que al número dos. El sello Stax estaba en marcha. Los numerosos éxitos que acumularon en el año 1962 hicieron que el sello Stax se convirtiera en el sonido Memphis y, por ello, se ganó el derecho a colgar un letrero encima de la tienda de discos que rezaba “Souls-ville USA”. Uno de estos éxitos fue, sin lugar a dudas, su famoso “Green Onions”. Los músicos empezaron a demandar el estilo Stax y por el estudio terminó pasando gente como Sam & Dave, Otis Redding, Judy Clay, Eddie Floyd y Johnnie Taylor. El sonido Stax no tardó en hacerse más importante que el artista, y el sello se convirtió en el equivalente sureño de la factoría Spector. Pero no estaban solos. La otra discográfica que definió el floreciente género del soul fue la neoyorquina Atlantic Records. Uno de sus fundadores, el Sr. Ertegun, era un gran amante del blues y, justamente, del blues procedía Ray Charles. En sus comienzos Charles era un pianista dotado del don de imitar a sus ídolos: Louis Jordan, Nat King Cole o Charles Brown, pero cuando el Sr. Charles empezó a componer sus propias obras, y la discográfica había sabido esperar pacientemente, todo cambió. Compuso y grabó “I got a woman”, su primer sencillo con el sello que fue número uno de la lista de R&B en enero de 1955. Más tarde, esta canción conocería las versiones unos “desconocidos” tales como Elvis Presley o los Beatles. La bomba Ray Charles estalló en 1959, cuando el hombre compuso, sobre una sencilla pieza, concretamente una antífona, religiosa, de seis minutos de duración y que era mitad revival evangélico, mitad procacidad burdelera. Lo nunca visto!!! La pieza se llamaba, bueno, y se llama… “What’d I Say” Desde ese momento y hasta mediada la década de los 60 rara sería la estrella en ciernes, desde Stevie Wonder a los Searchers, que no citase entre sus influencias a Ray Charles: “el hermano Ray”, “el genio”, “el hermano número uno del soul”… etc. Convencido de sus dotes, el artista picó en otros géneros: primero grabó jazz instrumental; después coqueteó con el country en una revisión del clásico “Georgia on My Mind”, otro número uno en 1.960 En la canción, Ray se enfrenta a dos lealtades encontradas. El sur era su patria, pero en 1960 también era el campo de batalla por los derechos civiles de los negros. Dos años más tarde, Charles grabó un elepé entero con la misma temática. Hacía falta mucho valor para mezclar country y soul, pero también mucha sutileza. A estas alturas, el artista ya había dejado el sello Atlantis para aceptar una jugosa suma de ABC-Paramount. Sin nadie que le parara los pies, el hermano Ray se lanzó de cabeza al “countrypolitan” orquestal y firmó dos de los singles de más éxito en su trayectoria, “I can’t stop loving you” y “You don’t know me” A mediados de la década de 1960 Ray Charles ya había exprimido el truco del country hasta la última gota y perdió tanta credibilidad ante la crítica y los colegas del gremio que al terminar el decenio apenas se hablaba de él. Tal vez una de las estrellas de Atlantis más injustamente infravaloradas fue Bárbara Lewis. Nuestro amigo Bob Stanley, en su libro “La historia del pop moderno” dice de ella: “su voz de jade pulido en “Hello Stranger”, tema con ritmo de shuffle, a caballo entre la música de verbena y la de tocador: morirá feliz el afortunado a quien, siquiera una sola vez en su vida, le canten personalmente esta canción”. Bueno, pues esta es la canción… Pero el mayor fichaje del sello, en todos los sentidos, fue Aretha Franklin. Dueña de una voz capaz de reventar un micrófono a medio kilómetro, Aretha cantaba como una fuerza de la naturaleza. La futura dama del Soul ya había grabado algunos temas para el sello Columbia, pero Ertegun la animó y convenció para cambiar de sello discográfico y en Atlantic echó el resto. Aretha había nacido el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Es hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de góspel Bárbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de góspel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del góspel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Fue precoz en todos los aspectos de su vida. Con doce años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo. Esto que suena es esa primera grabación con su grupo de góspel. Por cierto, ya me diréis si os suena… Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por la compañía discográfica Atlantic Records, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó para Atlantic Records fue «I never loved a man (the way I love you)”. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: «Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con la Muscle Shoals Rhythm Section, unos chicos blancos de Alabama». El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo haría con mucha más fuerza “Respect”, versión de la canción que Otis Redding había grabado en 1965 y con la que Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis. El 10 de marzo de 1967 se editaba un álbum en el que Aretha también contribuyó como compositora con varios temas. Destacamos este "Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business)". Un precioso blues. Ese mismo año, consiguió dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967, concretamente el 4 de agosto, editó un nuevo disco del que nos apetece destacar uno de sus temas. Se trata de “Satisfaction”, el éxito de los Rolling. Vamos a oir una versión, grabada en directo, en el Olimpia de Paris en el año 1968. Nos despedimos del programa de hoy y de nuestra admirada Aretha Franklin, ahora si, para siempre, porque como sabeis, Aretha Franklin falleció el pasado día 16 de agosto, a la edad de 76 años en su domicilio de Detroit. No obstante, su larga trayectoria profesional da para muchas más horas de programación, horas que le dedicaremos con muchísimo gusto. Cerramos pues este programa con su gran éxito "Chain of fools", un tema incluido en su disco Lady Soul, editado en 1.968, y con el que volvería a conocer el éxito masivo.

Una mujer con más de 20 años de carrera. Compuso su primera canción a los 6 años y en la adolescencia conoció a Armando Manzanero, quien le hizo sentir que sus canciones "hechas desde las tripas" como ella dice, serían exitosas. Que como mujer podía ser hacedora de canciones para las voces más reconocidas de Latinoamérica y que hoy, hace parte de una industria musical que la respeta, como cantante y letrista. En este podcast conoceremos como llegó esta mujer de Ginebra Valle a ocupar los primeros lugares en listas con sus creaciones. * *

Hoy dedicamos nuestro espacio a repasar algunos de los mejores instrumentistas de guitarra eléctrica que a lo largo del tiempo nos han dejado lo mejor de ellos mismos. Como siempre que hacemos listas, son todos los que están pero no están todos los que son. No puede ser de otra manera. Nuestra lista es subjetiva y sujeta a las variables que cada uno de nuestros ollentes quiera añadir. Y lo vamos a hacer con guitarristas de Rock. Nuestra primera cita se ocupa de Brian May. Brian May fue el guitarrista de THE QUEEN. Fue guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la exitosa banda británica. Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special, y que por cierto, utiliza una moneda para pulsar las cuerdas en lugar de la púa habitual. Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia. En 2003 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos. En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26. En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus "servicios a la industria de la música". May obtuvo un doctorado en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores. Otro que no podía faltar. Eric Patrick Clapton: guitarrista, cantante y compositor de rock y blues británico, conocido por su magistral habilidad con la guitarra eléctrica, en concreto con su Fender Stratocaster. Es conocido por el apodo de Mano lenta. Clapton ha pasado por numerosas etapas y grupos y su estilo musical ha sufrido cambios diversos a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas al blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera. Practicó el blues rock con John Mayall & the Bluesbreakers y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario. En la actualidad, su estado de salud le está jugando alguna mala pasada y desconocemos si este gran artista volverá o no a tocar. La vida tiene estas cosas Siguiendo con el rock, nos topamos con James Patrick «Jimmy» Page. Page es un músico multiinstrumentista y un virtuoso guitarrista de rock clásico británico conocido por haber sido el miembro fundador del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles músicos y guitarristas de todos los tiempos. Page fue uno de los primeros guitarristas de la historia en utilizar una guitarra de doble mástil, de marca Gibson inspirada en el modelo SG de la marca. Ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, The Kinks, o Eric Clapton. A su vez, grabó varios álbumes con artistas como David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. Es, sin lugar a dudas, uno de los grandes. Y, como no, el Sr. Mark Knopfler, también está en nuestra lista. Nacido en Glasgow, Escocia, el 12 de agosto de 1949 es en la actualidad uno de los músicos más importantes de la historia del rock . Antes de su carrera como músico, trabajó de periodista y dio clases en la universidad. Principalmente es conocido como fundador, guitarrista y cantante de la banda Dire Straits y su singular estilo de tocar la guitarra sin púa. Pero también ha tocado en otras bandas y colaborado con artistas de la talla de Bob Dylan, Tina Turner, entre otros muchos. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk. Ahora le vamos a escuchar en una grabación realizada en 1990 junto con el guitarrista de country Chet Atkins, del que luego hablaremos. Cambiamos de tercio, y nos adentramos en el Jazz. Y como guitarrista de jazz, nadie mejor para empezar que Wes Montgomery. Nacido en Indianapolis en 1923, fue un guitarrista de jazz que aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a su mentor Charlie Christian. Tras deambular por diversas formaciones, es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró 6 años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes Por la intermediación de sus hermanos, también músicos como él, Richard Bock, productor del sello discográfico Pacific Jazz, organizó una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, en lo que sería el primer disco de Wes como líder Pero fue su disco The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, publicado por el sello Riverside en 1960, el que le llevó a la fama dentro del mundo del jazz, dándole a su estilo un “aire” funky que le hace inconfundible. Repentinamente, en 1968, murió de un ataque al corazón. Montgomery ejerció una gran influencia en guitarristas posteriores, como Pat Martino o George Benson. Lo escuchamos ahora en su versión de CARAVAN, la mítica pieza de Duke Ellington Otro imprescindible: Joe Pass nació en Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), y fue uno de los guitarrista de jazz más alabados, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos. Siempre se confesó un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría a ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien lo transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio estilo. A principios de los 70, Pass también colaboró en una serie de libros de música, y su Joe Pass Guitar Style (escrito con Bill Thrasher) es considerado un libro de texto básico de improvisación para estudiantes de jazz. En 1994, Joe Pass murió de cáncer de hígado en Los Ángeles, California, a la edad de 65 años. Antes de su muerte, había grabado un álbum de versiones instrumentales de canciones de Hank Williams con el guitarrista de música country Roy Clark. Hablaremos ahora del MITO. Jean Django Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica, el 23 de enero de 1910 y fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti. Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano). Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul; Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como “Daphne”, “Nuages” o “Minor Swing”. El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas. En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio. Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, a causa de una hemorragia cerebral, el 16 de mayo de 1953 a la edad de 43 años. Hay una seria de excelentes guitarristas que, a su calidad artística, debemos sumarle el mérito de los pioneros. Fueron los que dieron a la guitarra eléctrica la base para toda su posterior evolución. Entre otros, debemos citar sin lugar a dudas a Lester William Polsfuss, nacido en Wisconsin, el 9 de junio de 1915, aunque siempre se le conoció Les Paul. Fue una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser mundialmente conocido. Falleció el 13 de agosto de 2009 en Nueva York debido a complicaciones con una neumonía. Otro de estos pioneros fue, Chester Burton "Chet" Atkins, nacido el 20 de junio de 1924. Y a lo largo de su carrera fué un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo, le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU.. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que arrastro el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos. Murió a la edad de 77 años. Atkins, que llevaba varios años luchando para vencer el cáncer que padecía, murió en su casa de Nashville, después de haber superado un cáncer de colon en 1973 y un tumor cerebral en 1997. El guitarrista intervino en cientos de discos incluyendo los de Elvis Presley y los Everly Brothers además de haber sido muy importante en las carreras de Dolly Parton y Roy Orbison. Y que sería del blues sin la guitarra eléctrica? Bueno, pues sería otra cosa. Robert Leroy Johnson nació en el estado de Misisipi el 8 de mayo de 1911. Fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues, conocido como el Rey del Blues del Delta. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de talento para cantar, tocar la guitarra y componer canciones (a pesar de haber dejado grabadas solamente veintinueve, influyeron en varias generaciones de músicos). Su misteriosa y escasamente documentada vida, y su muerte a la edad de 27 años, han dado lugar a la difusión de muchas leyendas. Es considerado el Abuelo del Rock and Roll. Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra, han marcado a una gran gama de músicos, entre ellos: John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Queen, Neil Young, o Eric Clapton, quien dice que es «el más importante músico de blues que haya vivido». Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Según unos, fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Otros dicen que murió de neumonía, algunos que de sífilis. Su certificado de defunción revela que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi, y que no hubo autopsia. Y hablando de Blues, a quien podríamos recordar ahora? Como no, al Rey del Blues, el Sr. ¡¡¡B.B.King!!! Riley B. King, hijo de Albert King y Nora Ella Farr, nació el 16 de septiembre de 1925 en una pequeña cabaña de una plantación de algodón situada entre las ciudades de Itta Bena y Berclair, Misisipi. En la década de 1950, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes del rhythm and blues, con una lista de éxitos en su haber que incluía, entre 1952 y 1955, cuatro primeros puestos en la lista de R&B de la revista Billboard. En febrero de 1952, King obtuvo su primer éxito de ventas, llegando al número uno en Billboard con 3 O'Clock Blues B.B.King fue un músico que se prodigó muchísimo en los escenarios, llegando a tocar algún año en más de trescientas ocasiones. También colaboro con muchos músicos, músicos que le rendían pleitesía y admiraban profundamente. Uno de ellos, Gary Moore. Escuchamos a ambos en Since I Met You Baby. B.B. King puso el nombre de Lucille a sus guitarras. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille. B.B.King falleció el jueves 14 de mayo de 2015 mientras dormía en su casa de Las Vegas.