Podcasts about conservatorio nacional

recopilamos los momentos más destacados del programa Jordi en EXA con dos historias imperdibles que te harán reflexionar y reír:

En entrevista para MVS Noticias con Ana Francisca Vega, Alexis Martínez Gasca, presidente de la Sociedad Estudiantil del Conservatorio Nacional de Música, habló sobre que el Conservatorio Nacional de Música en paro: estudiantes exigen atención y financiamiento para solucionar el deterioro de sus instalaciones. See omnystudio.com/listener for privacy information.

Falta de transparencia y abandono, estas son dos de las demandas de estudiantes del Conservatorio Nacional de Música que hoy los mantiene en paro:See omnystudio.com/listener for privacy information.

Conflicto en Conservatorio Nacional, por falta de apoyo de AMLO a cultura y artes: Horacio FrancoEnlace para apoyar vía Patreon:https://www.patreon.com/julioastilleroEnlace para hacer donaciones vía PayPal:https://www.paypal.me/julioastilleroCuenta para hacer transferencias a cuenta BBVA a nombre de Julio Hernández López: 1539408017CLABE: 012 320 01539408017 2Tienda:https://julioastillerotienda.com/ Te invitamos a que visites nuestro perfil en Patreon. Solo da clic aquí Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Su Danzón Nº. 2, que cumple 30 años en este 2024, se ha convertido en uno de los himnos de la música clásica mexicana, con reconocimiento a nivel mundial.Acompáñanos a conocer su infancia en Álamos, Sonora, sus inicios musicales en EUA, su preparación en el Conservatorio Nacional, Francia y CalArts, sus influencias e inspiración y mucho más.

Jornada de lectura y tertulia con el poeta mexicano Benjamín Anaya en SALUD RESTAURANTE BAR del Centro Comercial Arrecife Local 322 a las 6:30 pm de este 2 de julio. En la voz del poeta transmitimos tres de sus poemas incluidos en su libro COSMOS TERRENAL. El llega a Colombia por Santa Marta y su primera jornada de lectura forma parte de su experiencia previa en la participación del Filtu 2024 -Festival Internacional de Literatura de Tunja- Editor, cronista, promotor cultural, compositor y periodista cultural, comunicólogo por la UNAM. Fue Secretario Académico del Conservatorio Nacional de Música, editor en jefe de la Facultad de Música de la UNAM y Secretario Académico de la Academia de la Danza Mexicana del INBAL, donde fue profesor durante 35 años, hasta jubilarse en 2024. Director de Comunicación de la Secretaría de Cultura CDMX (2016-2018). Desde 2020, Coordinador de Comunicación del Colegio de San Ildefonso.

Hoy miraremos atrás para recordar la vida de Úrsula Hilaria Celia de la Caridad Cruz Alfonso, que aunque por los nombres no lo parezca, su madre la quería un montón. Hoy hablaremos de la vida de Celia Cruz, la Lucrecia de marca. La pequeña Celia nació en La Habana es Cádiz con más negritos, Cádiz es la Habana con más salero, Cuba, el 21 de octubre de 1920 o 1924 o 1925, no se sabe muy bien porque no decía la edad ni pa renovarse el DNI. Su padre, Simón Cruz era fogonero de ferrocarril, que el pobre hombre tenía que tener los pulmones como el sobaco de Morgan Freeman. Su madre, Catalina Alfonso Ramos, era ama de casa pero porque no pudo ser cantante, porque la mujer cantaba pa hacerla fija en Mocedades. Celia se crió con ellos y sus 3 hermanos: Dolores, Gladys y Bárbaro, que la madre parecía que le ponía los nombres a los hijos por cumplir una promesa, que a ver cuando las madres prometen no comer chocolate y dejan tranquilos a los demás. También creció rodeada de más primos que los niños de los Brady, así que una niña fue a jugar, pero no pudo jugar porque tenía que arrullar, y es que uno de los quehaceres de Celia era dormir con canciones de cuna a los más pequeños de la familia. Así fue como Celia empezó a cantar, pero que esto tampoco significa nada porque yo también empecé así y canto que parece que me están atropellando. Aunque su madre sí fue capaz de reconocer ese don cuando con 11 o 12 años, la niña le cantó a unos turistas que quedaron tan impresionados que le compraron unos zapatos. En un mes Celia calzó a sus 3 hermanos, sus 11 primos, su padre, su madre, sus tíos y a uno de Granollers que pasaba por ahí. En sus ratos libres, la pequeña niña miraba por los ventanales de los cafés para observar los bailes de las orquestas, pero su padre le dijo que ni orquesta ni orquesto, que ella lo que tenía que hacer era estudiar para maestra. Por no escuchá al padre, que era más pesao que Ferreras con el pactómetro, se metió en magisterio, pero cuando estaba a punto de terminar la carrera, hizo un Pere Aragonés y la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música. Ya en esta época cantaba en las corralas habaneras, que son las casa vecino de nosotros, y participaba en concursos radiofónicos donde ganaba un pastel, una caja de rotuladores Carioca o una gorra de Unicaja, hasta que en uno de ellos ganó 15$, que se puso más contenta que Fernando Alonso cuando consigue terminar una carrera. Celia empezó a cantar en varias orquestas haciendo incluso giras fuera de Cuba, hasta que en 1950 se convirtió en la vocalista de la orquesta “La Sonora Matancera” que formaba parte del elenco del célebre Cabaret Tropicana, que es el Moulin Rouge de ellos pero con Mojitos. De esta época son sus éxitos “Cao Cao Maní Picao” o “Burundanga”, que no quiero saber lo que hacía en sus ratos libres el que le puso el nombre a la canción, pero que la llevaron en abril de 1957 a Nueva York a recoger su primer disco de oro. También era ésta la época de la dictadura de Fulgencio Batista, al que, el 1 de enero del ‘59, Fidel Castro y el Ché Guevara le regalaron un viaje a República Dominicana. Aunque Castro era admirador de la ya famosa Celia Cruz, a ella no le gustaba que le dijeran qué y dónde tenía que cantar, que no lo consiguió el padre con lo de maestra lo iban a conseguir un barba y un médico que se duchaba menos que 1 adolescente. Así que el 15 de julio de 1960, la orquesta al completo consiguió permiso para entrar en México y Celia decidió no regresar a Cuba, instalándose en EEUU. Eso le sentó tan mal a Fidel Castro que no la dejó entrar en el país ni para estar con su madre cuando estuvo mu malita ni cuando ya su madre se fue con Kennedy. Ya en esta época Celia tenía la piel como el chocolate del bueno, tantas pelucas que parecía un clip de playmobil y la nariz que en vez de fosas nasales tenía las Fosas de las Marianas. El 14 de julio de 1962 se casó en Connecticut con el primer trompetista de la orquesta, Pedro Knight, que también era de chocolate, pero del de el 99%. Pedro se convirtió en su representante y ya nunca se separó de ella. Él éxito le acompañó desde entonces, junto con su voz de contralto electrizante, su alegría contagiosa, sus llamativos vestuarios y su inseparable “ÁSUCAAAAAAA” Rodó 10 películas, recibió más premios que Ben Hur, poseía 3 doctorados y grabó duetos hasta con los Chanclas. En 1990 la invitaron a hacer una presentación en Guantánamo y ya era el único suelo cubano que iba a pisar, se llevó un montonsito de tierra para que lo colocaran en el ataúd cuando muriera, porque los cubanos son mu suyos pa esas cosas. Desgraciadamente, a Celia, se le puso mu malito el cerebro, perdiendo el control del habla hasta que el 16 de julio de 2003 se nos fue la máxima representante de la música cubana con -se cree- 78 años, aunque ustedes siempre podrán recordarla cada vez que vean en una peli a Morgan Freeman o tengan que arrullar a los más pequeños de la casa.

Hispano-mexicana nacida en Madrid. Es cantante, compositora y profesora de canto. De familia de músicos y cantantes: su padre concertista y catedrático de piano en el Conservatorio Nacional de México, su madre cantante de ópera y componente del Coro Nacional de España, su abuela cantante de ópera y maestra del Conservatorio Nacional de Lima, Perú, dirigía su propia escuela de canto, "Giacomo Puccini". Ha estudiado con infinidad de profesores muy distintas técnicas vocales hasta desarrollar su propia técnica: Vocal Design Technique, que ha compartido en un libro: ¡SIMPLEMENTE CANTA!: Aprende a cantar sin esfuerzo mediante imágenes inverosímiles. Su primer contacto con el gran público fue como integrante del grupo Féminal. Ha compuesto gran variedad de temas para artistas independientes. En 2015 grabó el primer álbum de la colección Hada Saompy canta a Cri Cri, en el que interpreta los temas de Francisco Gabilondo Soler. Actualmente sigue trabajando como intérprete en varios proyectos discográficos y como vocal coach compartiendo su amor por el canto.

Hoy recordaremos a una de las actrices más entrañables y profesionales del panorama español, Concepción Velasco Varona, Conchita Velasco hasta que Franco se dio de baja PepePhone, Cocha Velasco en adelante. La pequeña Conchita nació el 29 de noviembre de 1939 en Valladolid. Hija de la maestra republicana Mari Cochi Varona y del militar franquista, comandante de caballería, Pío Velasco Velasco, que cuando se juntaban las dos familias en Navidad, eso daba más miedo que comprarle en Carnaval un plato de ostiones a uno con el brazo más pinchao que el deo de un diabético. Concha tuvo un hermano, Manolo Velasco, dos años menor que ella, que era el que se llevaba tó los cates de la casa. En 1944, cuando Cocha tenía 5 años, se mudaron a Marruecos, donde inicia su formación en danza clásica, y aunque se volvieron a mudar cuando tenía 10 años a Madrid, siguió con la danza en el Conservatorio Nacional hasta los 20 años, pero no triunfó tanto como bailarina porque el padre no aparcaba en la puerta. Concha fue de las que estudió en la universidad de la vida, de hecho su profesor de ballet le dijo que no podría bailar la muerte del cisne hasta que no tuviera por lo menos 30 años, hubiera amado, tenido hijos, y vivido alegrías y amarguras, vamos, hasta que no le diera un viaje fuerte la ciática por primera vez. Y Concha no tenía que bailar mal porque consiguió una beca para seguir formándose en Londres, pero en su casa la situación económica era tan mala que las croquetas las hacían a la plancha. Se ve que lo único que cubría era el bonobús con un salto, así que Concha no pudo ir y se puso a trabajar. Después de su debut en A Coruña como bailarina de la Compañía Nacional de Ópera, fue contratada como bailarina de flamenco en la compañía de Manolo Caracol, y en muy poco tiempo se incorpora a la revista de Celia Gámez. En 1954, cuando Concha tenía 16 años se estrena en la gran pantalla con el film “La reina mora”. Para conseguir un papel de actriz en el cine sin formación ninguna tuvo que poner en el CV nivel medio de inglés, nivel usuario de paquete office e hija de militar franquista, que aquí nadie se bautiza si no tiene padrino. A partir de entonces fue indispensable en las comedias de los años 50 y 60. Conchita Velasco se convirtió en la chica ye-yé, apodo que le vino tras el éxito de la canción de mismo nombre. Conchita cantaba menos que Alaska pero aún así le siguieron la grabación de 11 discos más. A finales de los años 60 comienza a interpretar “papeles de esposas” de las principales figuras del cine español del momento como Alfredo Landa, Antonio Ozores o Tony Leblanc, en un género de comedia ligera tan frecuente en el cine español que pa encontrar una película de susto en el videoclub tenías que buscar una en la que saliera Rossy de Palma. En 1976 conoció al director de fotografía Fernando Arribas Campa de quién se enamoró y se quedó en cinta. Al proponerle matrimonio, Fernando la rechazó pero que no era por él, era por su mujer con la que ya estaba casado. Así que Conchita se convirtió en madre soltera, porque ella era más moderna que ir con los tobillos al aire. En 1977 se casó con el productor Paco Marsó con el que tuvo a su segundo hijo, y que si le llega a poner más cuernos, Concha podría haber interpretado también a Islero en la película de Manolete. Tras la transición supo evolucionar a papeles más dramáticos y complejos, tanto en el cine como en el teatro. En los años 80 fue frecuente verla presentando programas de televisión. Conchita se había convertido en Cocha Velasco. En esta época ya tenía el pelo como Isabel Gemio, los pendientes gordo de bisutería y la sonrisa siempre puesta que parecía que le habían escayolao la boca por dentro. Fundó su propia compañía de teatro en 1985 junto al mamarracho de su marido, del que por cierto se separó en el 2010, que ya tenía aguante Concha. Esta fue una intensa etapa de trabajo, y como la compañía era suya, no tuvo que hacer de árbol. En las elecciones generales de 2008 fue una de las fundadoras de la plataforma de apoyo a Zapatero junto a otros artistas, porque su padre era franquista pero una madre republicana marca más que la funda de bolitas de madera de los taxistas. Fue nominada a los Goya, pero se llevó este fantástico juego de la Ruleta de la Fortuna, así que le dieron uno honorífico en 2012 a toda su trayectoria. También publicó dos libros de memorias, Jhonny Mnemonic y Memorias de África. En 2019 tuvo que vender su casa para saldar años de deuda con la Hacienda española de 265.000€, que si eso llega a ser lo que debía Shakira, lo paga con lo que lleva suelto en el monedero. Desgraciadamente, un bichito que montó la tienda campaña en su sistema linfático en 2014 se la llevó el 2 de diciembre de 2023 aunque ustedes siempre podrán recordarla cada vez que se titule en la universidad de la vida o lleve unos pendientes gordo de bisutería.

¡Amantes de la cultura! Bienvenidos a una nueva emisión de 1 Minuto con las artes

Fue una de las mayores voces de la historia del tango, tenía 74 años cuando murió en Buenos Aires el 18 de enero de 1986. Cantante, guitarrista, compositor de tango, difusor del lunfardo, impuso un estilo con su particular registro de voz, grave y profundo. Edmundo Leonel Rivero nació el 8 de junio de 1911 en Valentín Alsina, al sur del Gran Buenos Aires, y creció en el barrio porteño de Saavedra. Estudió canto y guitarra clásica en el Conservatorio Nacional de Música; en dúo con su hermana Eva y con su hermano Aníbal realizó pequeños conciertos para Radio Cultura y para el Alvear Palace Hotel, en los que interpretaban música española y temas clásicos. Su carrera como cantor de tango se inició con José de Caro; integró las orquestas de Julio de Caro, Emilio Orlando y Humberto Canaro pero fue con las de Horacio Salgán y Aníbal Troilo donde impuso su registro de bajo y su estilo aporteñado. Después llegó la consagración definitiva como solista, giras por el interior e importantes presentaciones en radio y televisión. Su inolvidable interpretación de "Cafetín de Buenos Aires" se convirtió en un hito y también incursionó en el mundo del cine. El 8 de mayo de 1969 inauguró su célebre tanguería “El Viejo Almacén”, de Independencia y Balcarce, en el barrio porteño de San Telmo, edificación colonial considerada El templo del tango y declarada Sitio de Interés Cultural por el Concejo Deliberante en 1982. El 24 de diciembre de 1985 sufrió una miocardiopatía que lo dejó internado durante un mes hasta su fallecimiento el 18 de enero de 1986. Lo recordamos a través de un retrato elaborado por el Área de Contenidos en 2002 y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional.  

EP33 LUCIO MUNIAIN Estudia Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Iberoamericana y en Parsons School of Design en Nueva York. Entre sus proyectos más destacados están el Corporativo Autofin, Proyecto Bahía Balandra en La Paz Baja California Sur, el Tercer Lugar Nacional para la nueva Sede del Senado de la República y el Primer Lugar para la Nueva Sede para la Corporación Andina de Fomento (CAF) en Caracas, Venezuela, Concurso Internacional por Invitación y recientemente fue comisionado con el proyecto para la remodelación de la Plaza de la Constitución (El Zócalo) en la CDMX y ganó el concurso para la remodelación y ampliación del aeropuerto de Guadalajara con Bosco Arquitectos y Andrés Casillas. Es pintor instruido por Loló de la Barra, Robin Bond, Salomón Laiter e Yvonne Domenge y ha expuesto su trabajo desde 1974 en galerías y museos nacionales e internacionales. Hoy es representado por Galería Licenciado. Es contrabajista (Conservatorio Nacional de Música, México, 1992-93) en la banda “Another” con Jair Laiter y Manuel Morán, con quien ha grabado 3 discos hasta hoy y fueron seleccionados para formar parte del disco tributo para TUXEDOMOON llamado “adaptations from the moon”.

Licenciado en Artes, maestría en Musicología Latinoamericana y doctorado en Historia egresado de la Universidad Central de Venezuela. Obtuvo títulos en Composición, Piano y Dirección Coral en el Conservatorio Nacional de Música “Juan José Landaeta” y en la Escuela de Canto Coral de la Orquesta Nacional Juvenil.  Se desempeña como docente en la Escuela Superior de Música «José Ángel Lamas», y en la Escuela Nacional de Música «Juan Manuel Olivares». Trabajó como docente por más de 30 años en el Conservatorio Nacional de Música «Juan José Landaeta», la Escuela de Música «Pedro Nolasco Colón», y como Profesor Titular en el Departamento de Musicología de la Universidad Central de Venezuela y en la Universidad Nacional Experimental de las Artes en el área de composición musical y dirección coral. Actualmente es el Director Fundador de la agrupación coral Cantoría de Caracas. Un Minuto con las Artes, la Academia en tu Radio, con Susana Benko, Álvaro Mata, Humberto Ortiz y Rafael Castillo Zapata. Al aire por Radio Capital 710 AM el miércoles 27 de septiembre de 2023. ----------------- Sigue nuestro contenido a través de: ▸ Instagram → ⁠https://bit.ly/42DmGK6⁠ ▸ Spotify → ⁠https://acortar.link/Pazhqo⁠  ▸ Apple Podcast → ⁠https://apple.co/42oUwCO⁠  ¿Qué te pareció esta entrevista? ¡Déjanos tu comentario!

Con el objetivo de promover espacios de formación para todas las edades, la Municipalidad de General Pico desplegará este sábado 19 una clínica musical a las 10:00 en el Centro Cultural Maracó y un concierto didáctico en el barrio Bicentenario a las 17:00 con entrada libre y gratuita. De esta manera, por la mañana el Ensamble Calibán formado por Gustavo Di Giannantonio, Pablo Grigio, Eliseo Oreste, Benjamin Báez y Emiliano Barri brindará la clínica musical donde se trabajará sobre los instrumentos de vientos y cuerdas, brindando herramientas para el aprendizaje y la ejecución de los mismos. Por otra parte, el mismo sábado a las 17:00 en el Colegio Plan Federal, ubicado en calle 405 entre calles 440 y 442, se realizará el Concierto Didáctico. Los conciertos didácticos son una herramienta municipal para que estudiantes, de primaria y secundaria, se apropien de la música desde la escuela. Trayectoria musical Emiliano Barri En la actualidad es 1º saxo tenor solista de la Banda Sinfónica de la Ciudad Autónoma de Bs.As. y se desempeña como docente en la Universidad Nacional de las Artes y del Conservatorio Superior de Música de Buenos Aires “Astor Piazzolla”. Estudió saxofón en el Conservatorio Julián Aguirre de Banfield, en el Conservatorio Nacional C.L. Buchardo y con Arno Bornkamp en Holanda. Durante 16 años trabajó con el Cuarteto de Saxofones 4mil en la generación y difusión de repertorio original. Recibió el 1º premio de la categoría música de cámara del IX Concurso Bienal de Festivales Musicales de Bs.As. y el 1º premio del Concurso Nacional de Música de Cámara “Música en Plural” organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación. Gustavo Di Giannantonio Integró la Orquesta Barroca de Rosario, la Orquesta Barroca del Suquía (Córdoba), la Orquesta del Nuevo Mundo de Rancagua (Chile), la Compañía de las Luces (Bs Aires), la agrupación Musica Fiorita (Suiza) y el Ensamble Le Balcon (Francia). Desde el año 2018 es concertino en la Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario. Y en calidad de solista se ha presentado con distintas orquestas y maestros. Pablo Grigio Oriundo de la ciudad de Buenos Aires, Pablo Griggio está construyendo una carrera como uno de los violinistas argentinos más destacados de su generación. Graduado de una maestría en el Conservatorio de Amsterdam en 2020, y una licenciatura en el Cleveland Institute of Music en 2016 Eliseo Oreste Desde 2018 integró como invitado la Orquesta de música argentina “Juan de Dios Filiberto”, Orquesta Sinfónica Provincial de Rosario, Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata, Orquesta Estable del Teatro Colón, Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, en la cual, desde este año ocupa el cargo de Solista. Actualmente también es solista de la Orquesta Nacional de España. Benjamin Báez Oriundo de Paraguay. Se formó en el Conservatorio Nacional de su país y más tarde en la Academia Orquestal del ISATC del Teatro Colón. Integró la Sinfónica Nacional de Paraguay. Fue primer violoncello en la Orquesta de la Universidad del Norte, del Congreso Nacional del Paraguay, del Bach Collegium de Asunción y de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto. Actualmente, es solista adjunto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y docente de la Academia Orquestal del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

El doctor Samuel Máynez, catedrático del Conservatorio Nacional de Música, habla en entrevista sobre la función única de La Cantata Épica Cuitlahuatzin el 17 de julio en el Palacio de Bellas Artes.See omnystudio.com/listener for privacy information.

En esta edición especial de Tiempos de Radio 🇵🇪 tenemos como gran invitada a Leonor Marchesi, cantante y compositora argentina 🇦🇷, radicada en Madrid 🇪🇸, pionera del rock duro en voces femeninas en latinoamérica, con una formación en canto lírico en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, quien nos comparte en exclusiva todos los detalles de sus más de 40 años de trayectoria artística. Agradecemos la participación especial de Jorge Castro Sánchez, líder fundador de la banda de heavy metal madrileña Natal Pride. Bonus Track: Área 7 🇵🇪 - Me Mantendré de Pie )tema incluido en el álbum tributo a la banda Sentencia). Si quieres participar en la siguiente edición, apresúrate y contáctanos en 👇 https://linktr.ee/TiemposdeRadio El único requisito es tu entusiasmo. Tiempos de Radio es un podcast transmitido desde Lima - Perú para Hispanoamérica Radio en Madrid - España 🇪🇸, Metal Rock Station en Puerto Rico 🇵🇷, NuevasMovidasRadio y Radio Krimen online en Argentina 🇦🇷 y para Rock Live Radio en Costa Rica 🇨🇷. Dirección, coproducción y conducción: Luis Antonio Varela Bohórquez. Coproducción: Wili Jiménez Torres. Copyright de grabación: Todos los derechos de la música utilizada en este podcast pertenecen a los autores, compositores o intérpretes.

En este episodio de Una noche sin luna, Gabriel Palavecino conversa con Ana Acosta, una de las actrices y humoristas más reconocidas y premiadas de Argentina. Ana nos cuenta sobre su formación en el Conservatorio Nacional de Teatro, su debut en la comedia . No te pierdas esta entrevista exclusiva con una artista que conquista el cine y el teatro con su talento y su humor. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/gabrielpalavecino/message

Tenía 84 años y su fallecimiento ocurrió el 11 de abril de 2014 a raíz de una insuficiencia respiratoria que sufrió en su casa de Barrio Norte, en la ciudad de Buenos Aires. Se encontraba en plena fase de rehabilitación dado que, meses antes, había sido operado por una infección intestinal. Alfredo Alcón fue y es considerado el primer gran actor de la Argentina, y marcó más de medio siglo el teatro, el cine y la televisión. Su nombre completo era Alfredo Félix Alcón Riesco y había nacido en la localidad bonarense de Ciudadela, el 3 de marzo de 1930 pero desarrolló su vida infantil y adolescente en el barrio porteño de Liniers. Estudió en una escuela técnica que luego combinó con la de arte dramático, influenciado, en gran parte, por el gusto que le daba interpretar los textos de Shakespeare, que descubrió gracias a un tío, propietario de una importante y vasta biblioteca. En 1951, al egresar del Conservatorio Nacional de Arte Dramático se incorporó a "Las dos carátulas", radioteatro que emitía por entonces Radio del Estado, hoy Radio Nacional, ciclo que permanece vigente. Tuvo su primer papel actoral junto a Mirtha Legrand, en la película El amor nunca muere, dirigida por Luis Cesar Amadori, en 1955. Participó en más de cincuenta películas, entre ellas: Un guapo del 900, Martín Fierro, El santo de la espada, Boquitas pintadas, Nazareno Cruz y el lobo, Pubis angelical, Últimas imágenes del naufragio. En teatro fue dirigido por Margarita Xirgu, Osvaldo Bonnet y Omar Grasso, entre otros grandes directores. Interpretó a los dramaturgos más destacados, como William Shakespeare, Federico García Lorca, Arthur Miller, Tennessee Williams, Henrik Ibsen, Eugene O'Neill y Samuel Beckett, en las más de cuarenta obras que realizó. Su trabajo se dividió entre la Argentina y España, país en el que también se destacó con sus interpretaciones y fue aclamado por el público. Se interesó en la dirección de teatro y, hasta sus últimos días, trabajó incansablemente en la obra Final de partida de Samuel Beckett junto a Joaquín Furriel, en 2012. Recordamos su trayectoria a partir de testimonios conservados en el Archivo Histórico de Radio Nacional. FICHA TÉCNICA Locución: Mariana Gil Laborde Móvil: Cristian Varela, cronista de Radio Nacional, en la cobertura del funeral Música `30 denarios´ (Charly García – Pedro Aznar) por Charly García, Pedro Aznar y Alfredo Alcón [1991 del Álbum “Tango 4”] Edición: Fabián Panizzi

Diana Bellessi es sinónimo de poesía argentina. Diana nació en Zavalla, provincia de Santa Fe, Argentina, en 1946. Estudió Filosofía en la Universidad Nacional del Litoral, y entre 1969 y 1975, mochila en la espalda, recorrió a pie el continente. Durante dos años coordinó talleres de escritura en las cárceles de Buenos Aires, experiencia encarnada en el libro ‘Paloma de contrabando' (1988). Ha publicado: ‘Crucero ecuatorial' (1981); ‘Tributo del mudo' (1982); ‘Contéstame, baila mi danza' (1984) (sel. y trad. de poetas norteamericanas contemporáneas); ‘Danzante de doble máscara' (1985); ‘Eroica' (1988); ‘Buena travesía, buena ventura pequeña Uli' (1991); ‘Días de seda' (sel. y trad. de poemas de Ursula K. Le Guin, 1991); ‘El jardín' (1993); ‘Lo propio y lo ajeno' (un libro de reflexiones, 1996); ‘Sur' (1998); ‘Gemelas del sueño' (1998) (con U. K. Le Guin); ‘Mate cocido' (2002); ‘Desnuda y aguda la dulzura de la vida' (AH, 2002) (sel. y trad. de la obra de Sophia de Mello Breyner Andresen); ‘La edad dorada' (que fue reeditado por Caleta Olivia); ‘La rebelión del instante' (AH, 2005); ‘Persecución del sueño' (2006); ‘La penumbra que mira el oro' (2007); ‘La voz en bandolera' (2008); ‘Variaciones de la luz' (2012); ‘Zavalla con Z' (memorias, 2012), ‘Pasos de baile' (AH, 2014) y ‘Fuerte como la muerte es el amor' (AH, 2018) . En 1993 recibió la beca Guggenheim; en 1996 la Beca Trayectoria en las Artes de la Fundación Antorchas; el Diploma al Mérito de la Fundación Konex (2004); en 2007, el premio Trayectoria en poesía del Fondo Nacional de las Artes; en 2010, el Premio Internacional de Poesía “Ciudad de Melilla”, España; y en 2011 el Premio Nacional de Poesía. Adriana Hidalgo publicó ‘Tener lo que se tiene. Poesía reunida' (2009), galardonado con el Premio Fundación El Libro al Mejor Libro Argentino de Creación Literaria de ese año, y acaba de reeditarlo con prólogo de Jorge Monteleone pero en el marco de un proyecto que incluye poemas inéditos y que, en lugar de un volumen, podrían llegar a ser dos. O tres. En la sección En voz alta, ña actriz Débora Zanolli leyó un fragmento de “Aldao” de María Teresa Andruetto. Debora } es egresada del Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Se formó también con Javier Daulte, Rafael Spregelburd, Ciro Zorzoli, Marcelo Savignone, Ana Frenkel , entre otros. Fue integrante de las compañías de Fuerza Bruta y De la Guarda con las que realizó giras por Australia, Italia, Portugal, España, Grecia, Turquía y Méjico. Actualmente se la puede ver en la premiada obra “Lo que el río hace” de Maria y Paula Marull en el Teatro San Martín. Y los jueves de junio estrenará "Entre tus siestas " de Brenda Howlin en Dumont 4040. En la sección Mesita de luz el periodista y escritor Alejandro Caravario nos contó que libros está leyendo. Alejandro Caravario nació en Buenos Aires el 13 de agosto de 1963. Publicó las novelas Costumbres de la carne (2002), Palermo (2003), La Presentación (2012) y Librería Palmer (2020. Es autor de la biografía Trinche (2019) y de la comedia Descubrimiento del climaterio. Diario de noviembre (2021). Desde 1985 ejerce el periodismo gráfico. Trabajó durante muchos años en el diario Clarín, fue cofundador de las revistas De Puntín al establishment y Llegás a Buenos Aires. También participó en la publicación deportiva Un Caño. En la actualidad, colabora con la revista digital La Agenda y con elDiarioAR y acaba de publicar por Híbrida editora “Una isla argentina” En la sección Bienvenidos, Hinde habló de “Vías de Extinción”, de Ana López (Mandrágora) y de “Lectores rebeldes”, de Graciela Bialet (La Crujía) y en Libros que sí recomendó “Escritores norteamericanos”, de Ricardo Piglia (Tenemos las máquinas) y “La mujer helada”, de Annie Ernaux (Cabaret Voltaire)

El destacado pianista, ex Embajador de Argentina ante la Unesco y ex Embajador de Buena Voluntad de la Unesco, fundador de la ONG Música Esperanza, falleció el 7 de abril de 2022 en Francia donde residía. En aquel momento, tenía a su cargo la dirección de la Casa Argentina en París, residencia dependiente del Ministerio de Educación situada en la Ciudad Universitaria parisina que recibe y brinda alojamiento a estudiantes argentinos que deseen continuar sus estudios en la capital francesa. Nacido en San Miguel de Tucumán, Miguel Ángel Estrella tuvo la revelación del piano a los 12 años al descubrir a Chopin, cuando su padre lo llevó a un concierto de la orquesta sinfónica de esa ciudad. A partir de los 18, estudió en el Conservatorio Nacional de la ciudad de Buenos Aires, especialmente con Celia de Bronstein, Orestes Castruonovo y Erwin Leuchter. Luego, perfeccionó su arte en Francia, Bélgica e Inglaterra; donde tomó clases con Nadia Boulanger, Vlado Perlemuter, Yvonne Loriod y Marguerite Long, entre otras y otros. Detenido-desaparecido entre 1977 y 1980 en Montevideo, Uruguay, donde estaba exiliado, la acción internacional que reconocía y ponderaba sus valores artísticos logró impedir que lo trasladaran a la Argentina y regresar a Francia. El 10 de diciembre de 1982 fundó el movimiento humanitario "Música Esperanza", organismo internacional de Derechos Humanos que ya contaba con 15 filiales en todo el mundo, cuya misión es la de poner la música al servicio de la comunidad humana y la dignidad de cada persona, de defender los derechos artísticos de los músicos y de ayudar a los más humildes y a los desamparados a través de la música. Desde 1992 "Música Esperanza" es, además, una ONG reconocida por la Unesco, que solamente en la Argentina llegó a impulsar una treintena de programas junto al Estado para crear centenares de orquestas en los barrios del país. Pero, además, siguió proponiendo nuevos puentes entre la música y la acción social a partir de 2004 cuando dio forma al programa “La Voz de los sin Voz”. Esa actividad mereció, además, muchas distinciones internacionales entre las cuales destaca la “Legión de Honor” otorgada por el gobierno francés y el de “Comendador de Artes y Letras” que le concedió el Ministerio de Cultura de aquel país. Además, las universidades Charles De Gaulle, Católica de Lovaina y Nacional de Tucumán lo nombraron “Doctor Honoris Causa”. El gobierno francés le otorgó la “Legión de Honor” y en diciembre de 2000 las Naciones Unidas a través del Alto Comisionado para los Refugiados le entregaron el Premio Nansen por su inagotable lucha por los derechos humanos. Porque, además de ser un músico talentoso, Estrella era un militante por la paz: en 2003 fue nominado Embajador argentino en la Unesco y en 2009 fue miembro del jurado del Tribunal Russell sobre Palestina. Además, en 2013 el Senado argentino lo distinguió por su carrera y defensa de los derechos humanos. A un año de su partida física, recordamos a Estrella a partir de una entrevista que ofreció a periodistas de Radio Nacional y que se conserva en el Archivo Histórico de Radio Nacional. FICHA TÉCNICA Edición: Fabián Panizzi Música y testimonio 2021-08-31 Estrella, Miguel Ángel (Pianista) Entrevista Federal – Radio Nacional AM870 English Suite Nº 2 in A Minor, BWV 807 Courante (J S Bach)  Miguel Ángel Estrella [2014 del Álbum “Recital para la Memoria”] La Pobrecita (Atahualpa Yupanqui) Miguel Ángel Estrella [2021 “Setiembre Musical Tucumano”] Canción Húngara (Bela Bartok) Miguel Ángel Estrella, Uña Ramos, Omar Espinoza, José Luis Castiñeira de Dios (1985 del Álbum “Música Esperanza”) Fantasía en do menor K.475 (Wolfgang Amadeus Mosart) Miguel Ángel Estrella Sarabanda (Johannes Sebastián Bach) Atahualpa Yupanqui [1998 del Álbum “Zamba de Vargas”] Atahualpa Yupanqui – Primera escucha del “Claro de Luna” de Ludwing Van Beethoven (Cacho Fontana - Crónica TV)

Luis Bacalov es un compositor y director de orquesta argentino, considerado uno de los artistas más importantes de la música para cine. Nació en Buenos Aires en 1933, en el seno de una familia judía, orígen que claramente influyó en su vida y obra, pues Bacalov integró elementos de la música judía en su trabajo artístico, dándole un sello distintivo a sus composiciones para cine y otros proyectos musicales. Luis Bacalov inició su carrera en Argentina, estudiando en el Conservatorio Nacional de Música de Buenos Aires. Desde 1950 trabajó como pianista y director de orquesta, enfocado en la televisión y el teatro argentino. En 1960 recibió el premio Martín Fierro por su música para la serie de televisión: “El hombre que compró la Luna”. Continuó su carrera desde Italia trabajando junto a directores reconocidos del mundo del cine. Bacalov demostró su habilidad para mezclar diversos sonidos y estilos musicales, combinando la música clásica con la música popular argentina. En 1996, recibió el Premio Oscar a Mejor Banda Sonora, por su trabajo en la película “El Cartero”, dirigida por Michael Radford. También ganó el premio Grammy en 2001 por “Misa Tango”, una obra coral en donde combinó sonidos litúrgicos con el tango argentino. Luis Bacalov falleció en Roma en 2017, dejando un legado en el cine, la música y la cultura del mundo.

Sube a El Cocodrilo para hacer un recorrido por el rancho de Los Chopos en la Hacienda de los Morales, donde se edificó el Conservatorio Nacional de Música hace 157 años de su fundación y Sergio Almazán, relata la historia.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Sin Vergüenza: Alex Pandev IG: @locuradealex Alex Pandev, urbana extrema, hyper girly, autora de teatro y guionista y cantante, actualmente también columnista en Marie Claire. Pandev canta en francés y en castellano con una singularidad fuera de lo común, pese al dramatismo que imprime a sus presentaciones atrapa por su buen humor que deja fluir entre canciones. Escenógrafa, diplomada en el DEUG de Sciences Politiques y del Conservatorio Nacional de Arte Dramático de París. Su impronta actoral, su formación histrionica le permite plantarse en cada pieza de su repertorio dandole un toque único. Shoshana Turkia Website: www.shoshanaturkia.com FB: Shoshana Turkia IG: @shoshana_turkia TW: @shoshanaturkia Cel: +525552161188

El 23 de junio de 2016, Valentina Cosíos, una pequeña flautista de 11 años, salió de su casa rumbo a su escuela, la Unidad Educativa Global del Ecuador. Aquel día, después de clases, debía ir al Conservatorio Nacional para recibir clases y encontrarse con su madre, Ruth Montenegro. Pero Valentina nunca llegó al conservatorio. --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app Support this podcast: https://anchor.fm/donde-vive-el-miedo/support

Edgar Estrada nos cuenta todo sobre el mundo del entretenimiento; espectáculos, cultura, cine, televisión, teatro y muchas recomendaciones a tu alcance. ¡Estamos "Del Tingo al Tango"!Una producción original de Audio Centro

En entrevista con Pamela Cerdeira, para MVS Noticias, Ricardo Miranda, profesor del Conservatorio Nacional de Música, nos explica el acuerdo por el nombramiento de Patricio Méndez en la dirección.

Germán Martínez nos lleva a conocer el disco Pegaso del pianista mexicano Alejandro Corona, quien realizó estudios en el Conservatorio Nacional de Música y posgrado en la Escuela de Música de Friburgo, Alemania. Disfruta En Esta Casa Somos Melómanos.

COLUMNA DE "EL OJO BLINDADO (DESDE LAS TABLAS)" EN ESPIRITU LIBRE DE SEMANA DE TURISMO EL OJO BLINDADO (DESDE LAS TABLAS) ESPÍRITU LIBRE RADIO CULTUR 1290 AM 16-04-22 En los años 80 Thomas Bernhard escribe una serie de piezas cortas: sus emblemáticos dramolette. Teatro y política, asuntos omnipresentes en la obra completa del autor austríaco aparecen también aquí condensados en un conjunto de entremeses feroces que se nutren de la realidad. TODO SU ASCO DEL MUNDO reúne siete piezas de esa serie de teatro breve. Cuatro de ellas versan sobre asuntos políticos y ponen el acento en algunas de las obsesiones del autor: el resurgimiento del nazismo, de la extrema derecha radical, del odio. Las otras tres tienen como tema otra de sus obsesiones: el teatro. Así ,y tomando como eje el derrotero del célebre director alemán Claus Peymann cuando asume la dirección artística del Teatro Nacional de Viena, ironiza sobre el mundillo de la gente de teatro. Conversaciones banales en la vida de gente común con sustrato mordaz, el teatro como metáfora de la vida y su ausencia de respuestas, la alerta del fascismo enraizado, sinuoso, entre nosotros, dentro de nosotros. Adaptación y dramaturgismo: Laura Pouso l Dirección: Vanessa Cánepa, Vani Gutiérrez, Soledad Lacassy, Elaine Lacey y Julieta Lucena l Elenco: Cristina Machado, Jimena Pérez, Daniel Espino Lara, Diego Arbelo, Mario Ferreira, Leandro Ibero Núñez, Fernando Dianesi, Gabriel Hermano, Gal Groisman (becaria), Sebastián Malán (becario), Camila Giannotti (becario) l Escenografía: Lucía Tayler l Iluminación: Laura Leifert l Vestuario: Mavi Amigo l Música: Nicolás Rodríguez (música compuesta) l Utilería: Claudia Tancredi THOMAS BERNHARD (1931-1989) Escritor y dramaturgo austríaco. Su vida estuvo marcada por las carencias económicas, afectivas y físicas. Vivió su infancia y juventud entre Viena y Salzburgo; estudió en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Dramático. En 1969 conoció al director Claus Peymann con quien estableció un vínculo personal y artístico de gran apoyo durante toda su carrera. Mantuvo con Austria y sus contemporáneos una relación paradójica; su vida artística no estuvo exenta de escándalos, ni de reconocimientos. Murió en 1989, tres meses después del controvertido estreno de Plaza de Héroes. Respetando su voluntad fue enterrado envuelto en una tela blanca en un ataúd austero. A sus exequias asistieron tres familiares, el anuncio oficial se hizo luego. Thomas Bernhard es autor de una obra genial e inclasificable de las más fascinantes del siglo XX que comprende centenas de artículos, seis libros de poesía, 23 novelas, 18 obras de teatro y 10 dramolettes. --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app

Nació el 11 de abril de 1916 en la ciudad de Buenos Aires y es uno de los grandes compositores de música académica contemporánea que vivió para la música y dejó un legado invaluable. Alberto Ginastera se describía como “un hombre del mediterráneo nacido en Buenos Aires. Porque mis abuelos por parte de mi padre eran catalanes y por la parte de mi madre lombardos, del norte de Italia”. Su primer instrumento fue una flauta; pasó de las clases particulares a estudiar formalmente en el Conservatorio Alberto Williams. Compuso su primera obra antes de graduarse, a los 22 años: la suite del ballet Panambí, que sería estrenada en el Teatro Colón pocos años después. Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires, bajo la tutela de Athos Palma y José André. En 1945, por su destreza y prestigio para la composición, le otorgaron la beca Guggenheim por lo que vivió dos años en Estados Unidos, estudiando bajo la tutela de Aaron Copland. Al regresar a la Argentina, junto con otros músicos, fundó la Liga de Compositores, la Facultad de Música de la Universidad Católica, donde fue el primer decano, y la Escuela de Altos Estudios Musicales del Instituto Di Tella, en donde se desempeñó como director hasta su emigración. Además, creó el Conservatorio de La Plata, en 1949, y su primera filial, en la localidad de Banfield, en 1951, que luego se llamó Conservatorio Julián Aguirre. Su estilo se divide en tres períodos que él mismo bautizó: nacionalismo objetivo (con presencia de elementos folclóricos), nacionalismo subjetivo (música académica con la influencia de sus estudios en Nueva York), y neoexpresionismo (por la técnica dodecafónica). Entre sus grandes obras se destaca la ópera Bomarzo (1967), basada en la novela homónima de Manuel Mujica Láinez, fue censurada por el gobierno de facto del general Onganía y prohibida en el Teatro Colón; para luego ser estrenada en 1972, repuesta en 1984 y 2003, y filmada en Italia con el título de Bomarzo de 2007. También escribió varios conciertos: 2 para piano, 2 para chelo, 1 para violín y 1 para arpa; otras piezas orquestales como ballets, como Panambí, música de cámara y varios números de piezas para piano. Volvió a los Estados Unidos en 1968; en 1970 se mudó a Europa, y terminó instalándose en Ginebra, Suiza, donde falleció el 25 de junio de 1983. Entre sus reconocimientos, fue distinguido por el Gobierno de Francia con la Orden de las Artes y las Letras, designado Doctor en Música por la Universidad de Yale, miembro de la Academia Brasileira de Música, de la Facultad de Ciencias Artes Musicales de la Universidad de Chile y de la Academia de Artes y Ciencias de Boston. Sus restos yacen en la capital de Suiza, en el Cementerio de los Reyes, a pocos metros de otro célebre artista argentino: Jorge Luis Borges. Recordamos a Ginastera a través de un informe especial elaborado por el Área de Contenidos y conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. MUSICA Danza de los trabajadores agrícolas del Ballet 'Estancia', Op. 8 - 4.- (Alberto Ginastera) Juego de las deidades del agua de Panambi (Alberto Ginastera) Danza de Impresiones de la Puna (Alberto Ginastera) Lamentaciones de Jeremías Profeta “O vos Omens Qui Transitis Per Viam” (Alberto Ginastera) Quena de Impresiones de la Puna (Alberto Ginastera) Danza de los Guerreros de Panambi,  Op 1 (Alberto Ginastera) Sonata Op 47 (Alberto Ginastera) Danza final -Malambo del Ballet 'Estancia', Op. 8 - 4.- (Alberto Ginastera) EDICION Fabián Panizzi  

Evelyn Rojas, Soprano nos lleva de la mano por el mundo de la Opera, para conocerla y disfrutarla en cualquier lugar. Seg. 35 . . . El descubrimiento de la Opera 2´00 . . . La formación en el Conservatorio Nacional de Música 4´10 . . . Evelyn, “que hay de cierto con…” 12´50 . . . Como surge el ciclo de charlas “Apoy-Arte” 14´20 . . . Todo lo que no sabías de Evelyn Rojas 15´40 . . . El reto musical de Evelyn con “Veo en ti la luz” 16´55 . . . El reto musical de Evelyn con “O mio babbino caro” 18´35 . . . El reto musical de Evelyn con “Bésame mucho” 19´50 . . . Evelyn, ¿te acuerdas de…? 23´45 . . . Redes sociales de Evelyn Rojas 24´06 . . . Inscríbete a los Curso de Canto con Evelyn

Plástica, música, escritura, astrología, numerología, religiones y antroposofía son algunas de las disciplinas en las que se interesó Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, más conocido como Xul Solar, a lo largo de su vida. Nació el 14 de diciembre de 1887 en la localidad bonaerense de San Fernando y murió el 9 de abril de 1963, a los 75 años, en su casa de Tigre. En su familia había un gran interés por la música; su abuelo había sido pianista y su padre tocaba la cítara, por lo que Solar aprendió a tocar ambos instrumentos y disfrutaba de las composiciones de Bach y de Wagner. Forjó amistad con el músico Juan de Dios Filiberto y con Vicente Scaramuzza, profesor de piano del Conservatorio Nacional. Xul Solar dejó una gran colección de piezas de arte plástica en las que lo utópico y esotérico conviven con la intención de recrear y transformar lo ya conocido. El escritor Jorge Luis Borges, de quien era amigo, exaltaba esa característica del artista: la creación constante para modificar y, sobre todo, mejorar la realidad. Aquella amistad se prolongó durante más de cuarenta años, ambos eran vecinos y tenían largas charlas respecto del mundo del lenguaje. En el natalicio de este gran artista argentino, cuyas exposiciones dan fe de su valioso legado, lo recordamos a partir del testimonio del propio Borges, conservado en el Archivo Histórico de Radio Nacional. FICHA TÉCNICA Música y Testimonio Concierto N23 Para Piano 1° Mov (W A Mozart) Escalandrun [2017 del Album Sesiones ION] 1975 Jorge Luis Borges (Escritor) Conferencia sobre Sobre Xul Solar (Hotel Plaza - Buenos Aires) Edición Fabián Panizzi

Nuestros cómicos Goyo Jiménez, Jesús Manzano, Agustín Jiménez, Borja Fernández Sedano y Sara Escudero hacen sus parodias e imitaciones. En el 41º aniversario de la muerte de John Lennon, hablamos con el quinto Beatle, Olegario Benítez. Él fue quien fundó el grupo y quien escribió las letras más famosas. Además, hablamos con Ángel, el hermano de Jesús Manzano, que se ha aprovechado el día festivo para irse con sus amigos a la nieve. También, en esta nueva entrega del podcastn de Agustín Jiménez hablamos de los villancicos con el musicólogo Jose Mari Crismas, del Conservatorio Nacional de Música Navideña, y con su cuñado que nos explica algunas metáforas de los villancicos. Por último, hablamos con Mandy y la Chacha Marimacha sobre su embarazo. 

Ayer martes, en el Teatro Bretón de Los Herreros de Logroño, tras la última función de la obra "La Habitación de María", Concha Velasco se despidió de los escenarios. Acompañada por su hijo Manuel, autor de la obra, recibió el último aplauso de su público en un teatro.Aunque la actriz no cierra su carrera profesional, porque no descarta seguir participando en películas o proyectos de televisión.Concha Velasco, bailarina, presentadora de televisión, pero sobre todo actriz entrañable que cuenta en su filmografía con títulos que son parte de la historia de un país y también con gran recorrido en el teatro, en el que la hemos estado disfrutando mucho todos estos años.Conchita Velasco nació en Valladolid, pero comenzó con Estudios de Danza Clásica y Española en Madrid, en el Conservatorio Nacional a los 10 años y a los 15 Inició su carrera en el cine.Han sido muchas películas, obras de teatro, series de televisión, etc. que le han valido el reconocimiento de la profesión en repetidas ocasiones. Por destacar una, podemos recordar que en 2012 recibió el premio Goya de Honor, a toda su trayectoria cinematográfica, otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EspañaLa querida actriz...

Ayer martes, en el Teatro Bretón de Los Herreros de Logroño, tras la última función de la obra "La Habitación de María", Concha Velasco se despidió de los escenarios. Acompañada por su hijo Manuel, autor de la obra, recibió el último aplauso de su público en un teatro.Aunque la actriz no cierra su carrera profesional, porque no descarta seguir participando en películas o proyectos de televisión.Concha Velasco, bailarina, presentadora de televisión, pero sobre todo actriz entrañable que cuenta en su filmografía con títulos que son parte de la historia de un país y también con gran recorrido en el teatro, en el que la hemos estado disfrutando mucho todos estos años.Conchita Velasco nació en Valladolid, pero comenzó con Estudios de Danza Clásica y Española en Madrid, en el Conservatorio Nacional a los 10 años y a los 15 Inició su carrera en el cine.Han sido muchas películas, obras de teatro, series de televisión, etc. que le han valido el reconocimiento de la profesión en repetidas ocasiones. Por destacar una, podemos recordar que en 2012 recibió el premio Goya de Honor, a toda su trayectoria cinematográfica, otorgado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de EspañaLa querida actriz...

En este episodio, tuve la gran fortuna de platicar con Argentina Durán. Ella es la pianista de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y profesora de la Licenciatura en Música de la Facultad de Música de la UNAM. Ha sido invitada a tocar como solista en Granade, España y Bakú, Azerbaiyán. En México, ha tocado como solista con la Orquesta Sinfónica de Xalapa, Orquesta Sinfónica Nacional , Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí , Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional... Además, tiene una maestría en Interpretación de Música Clásica Mexicana en el Conservatorio Nacional de Música.

En la tarde de "Dos linternas" por Radio Emociones dialogamos con Actor-Autor-Productor de teatro y Televisión. Egresado del Conservatorio Nacional de Arte Dramático de Argentina Andrés Vicente quien se encuentra en Buenos Aires, produciendo y protagonizando "30 aniversario", obra que se estaba viendo en el Teatro El Tinglado, de Buenos Aires, los jueves....

Tenía 84 años y su fallecimiento ocurrió el 11 de abril de 2014 a raíz de una insuficiencia respiratoria que sufrió en su casa de Barrio Norte, en la ciudad de Buenos Aires. Se encontraba en plena fase de rehabilitación dado que, meses antes, había sido operado por una infección intestinal. Alcón fue y es considerado el primer gran actor de la Argentina, y marcó más de medio siglo el teatro, el cine y la televisión. Su nombre completo era Alfredo Félix Alcón Riesco y había nacido en la localidad bonaerense de Ciudadela, el 3 de marzo de 1930 pero desarrolló su vida infantil y adolescente en el barrio porteño de Liniers. Estudió en una escuela técnica que luego combinó con la de arte dramático, influenciado, en gran parte, por el gusto que le daba interpretar los textos de Shakespeare, que descubrió gracias a un tío, propietario de una importante y vasta biblioteca. En 1951, al egresar del Conservatorio Nacional de Arte Dramático se incorporó a "Las dos carátulas", radioteatro que emitía por entonces Radio del Estado, hoy Radio Nacional, ciclo que permanece vigente. Tuvo su primer papel actoral junto a Mirtha Legrand, en la película El amor nunca muere, dirigida por Luis Cesar Amadori, en 1955. Participó en más de cincuenta películas, entre ellas: Un guapo del 900, Martín Fierro, El santo de la espada, Boquitas pintadas, Nazareno Cruz y el lobo, Pubis angelical, Últimas imágenes del naufragio. En teatro fue dirigido por Margarita Xirgu, Osvaldo Bonnet y Omar Grasso, entre otros grandes directores. Interpretó a los dramaturgos más destacados, como William Shakespeare, Federico García Lorca, Arthur Miller, Tennessee Williams, Henrik Ibsen, Eugene O'Neill y Samuel Beckett, en las más de cuarenta obras que realizó. Su trabajo se dividió entre la Argentina y España, país en el que también se destacó con sus interpretaciones y fue aclamado por el público. Se interesó en la dirección de teatro y, hasta sus últimos días, trabajó incansablemente en la obra Final de partida de Samuel Beckett junto a Joaquín Furriel, en 2012. Recordamos su trayectoria a partir de testimonios conservados en el Archivo Histórico de Radio Nacional. FICHA TÉCNICA Locución: Mariana Gil Laborde Móvil: Cristian Varela, cronista de Radio Nacional, en la cobertura del funeral Música `30 denarios´ (Charly García – Pedro Aznar) por Charly García, Pedro Aznar y Alfredo Alcón [1991 del Álbum “Tango 4”] Edición: Fabián Panizzi

Este es un episodio especial de tu podcast “Entre amigos de ambiente”, ya que en esta ocasión contamos con una invitada de lujo. Ella es talentosa, inteligente, dinámica, versátil, bella, generosa, sencilla, accesible, agradable y muy valiente. Son algunos de los calificativos que pueden describir a esta hermosa mujer trans que hoy me hace el honor de acompañarme para compartir con ustedes su historia y su experiencia. Se trata de Morganna Love, seguramente muchos la conocen o han escuchado sobre ella, pero para quienes no la conocen, ella es cantante de ópera como soprano, cantante de pop, escritora y actriz. Morganna inició su formación musical en la en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato y la continuó en el Conservatorio Nacional de Música. En 2017, como cantante lanzó su primer album “Dos vidas en una” y como escritora su libro autobiográfico “En el cuerpo correcto”. En 2018 participó en la voz México en donde llegó hasta semifinales. En 2014 participó como actriz en la serie Crónica de castas. Entre 2015 y 2020 ha participado en varios cortometrajes y documentales como: Made in Bangkok (cortometraje-2015), Oasis (cortometraje-2017), 10 Songs for Charity (2020), Estaciones (2020-cortometraje) y Traviatas (2020-cortometraje). Durante 2018 y 2019 realizó el doblaje al español del personaje de Blanca Evangelista en la serie Pose. Este personaje es una mujer trans que es interpretado por MJ Rodríguez, quien en la vida real también es una mujer trans. En 2020 Morganna fue reconocida por Forbes como una de las 100 mujeres más poderosas de México. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/xavi-mtz/message

Durante mucho tiempo se nos ha platicado de la supuesta "enemistad" que existía entre Silvestre Revueltas y Carlos Chávez.Ambos fueron fundamentales para el estudio de la música en México además marcaron un antes y un después de haber dado a conocer sus obras. Los viajes que ambos hicieron a Estados Unidos de América a principios del siglo XX, determinaron en mucho las perspectivas de su obra.Support the show (http://www.historiachiquita.com)

Programa de Radio No.102, Podcast 251, transmitido el 26 de agosto 2020En esta ocasión en los programas de entrevistas a diversos artistas dedicados a las diferentes disciplinas que convergen en la creación de videojuegos, tenemos de invitados a una joven agrupación de músicos recién egresados del Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México y del Conservatorio de las Rosas de Morelia, Michoacán, que iniciaron su proyecto llamado Bonus Ensamble compartiendo sus arreglos musicales de diversos videojuegos y dando ideas de cómo la distancia no ha sido impedimento para trabajar y crear nuevas formas de apoyarse en durante este periodo de cuarentena y aislamiento.

Programa de Radio No.102, Podcast 251, transmitido el 26 de agosto 2020En esta ocasión en los programas de entrevistas a diversos artistas dedicados a las diferentes disciplinas que convergen en la creación de videojuegos, tenemos de invitados a una joven agrupación de músicos recién egresados del Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México y del Conservatorio de las Rosas de Morelia, Michoacán, que iniciaron su proyecto llamado Bonus Ensamble compartiendo sus arreglos musicales de diversos videojuegos y dando ideas de cómo la distancia no ha sido impedimento para trabajar y crear nuevas formas de apoyarse en durante este periodo de cuarentena y aislamiento.

Conocerás a JULIÁN MERCADO un joven artista nayarita, estudiante del Conservatorio Nacional de Música en la CDMX, que además obtuvo una beca para Julliard School en Nueva York, (Catalogada como la institución de educación superior con la tasa de admisión más baja de los Estados Unidos (7.2 %), seguida por el Instituto Curtis, la Universidad Yale y la Universidad de Harvard. Estoy seguro que dentro de pocos años este joven de 19 años dará mucho de qué hablar en la música, no solo en México, sino en el mundo.

El protagonista de esta edición de Ars Sonora es el compositor francés Tristan Mural, nacido en Le Havre en 1947. Conocido especialmente por su vinculación con la llamada "escuela espectral" (formada también por autores como Gérard Grisey, Hughes Dufourt o Philippe Hurel, entre otros), la formación de Murail se complementó con estudios universitarios en ciencias económicas, así como en árabe clásico y magrebí. En 1967 accedió al Conservatorio Nacional de París y cursó allí estudios -contando con Olivier Messiaen entre sus profesores- hasta 1972. En 1971 fue seleccionado para el "Prix de Rome" y pensionado en la Villa Médicis de Roma, donde conoció a Giacinto Scelsi. En 1973 también colaboró en la fundación del Ensemble l'Itinéraire. Más tarde ha sido responsable de los estudios de informática musical en el Conservatorio Nacional de París y en el IRCAM, donde cooperó para el desarrollo del software musical "Patchwork". Su actividad docente le ja conducido, en los últimos años, a la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, al Mozarteum de Salzburgo, así como a otras instituciones educativas en Asia. Las obras de Murail que presentamos en esta edición de Ars Sonora revelan algunas de las hipótesis estéticas en las cuales se basa el espectralismo, que propone una aproximación al sonido a partir del análisis (mediante aplicaciones informáticas) de su espectro armónico. Éste se compone de diferentes parciales que, dependiendo de su relación físico-acústica con la frecuencia fundamental de cada sonido, pueden ser armónicos o inarmónicos. Las técnicas de composición espectrales a menudo trasladan a una escala macro-temporal (propia de obras musicales enteras, o de pasajes de éstas) ciertos fenómenos físicos que ordinariamente acontecen en décimas o centésimas de segundo (el despliegue de los parciales que se produce cuando nace un sonido, la modulación entre los timbres de dos instrumentos que suenan simultáneamente, etc.). Sus modelos estéticos, pues, proceden de la naturaleza —comprendida a través de la física acústica— y recrean los procesos graduales mediante los que ésta opera, lo que se opone radicalmente a los planteamientos matemáticamente abstractos del serialismo integral practicado por los compositores de la generación anterior. Tras un breve fragmento de la obra orquestal "Gondwana" (1980), cuyo inicio nos presenta olas de sonidos que nos sirven para introducirnos en la música de Murail, escuchamos íntegramente "Serendib" (1992), una obra para un gran ensemble de veintidós músicos (incluyendo dos sintetizadores), que retoma ese característico recursos de las olas sonoras -así como sonoridades acampanadas, también frecuentes en el contexto espectral- en una exploración poética del concepto de "serendipia", es decir, el hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual (un término adaptado del inglés "serendipity", que a su vez procede de "Serendip" -actualmente Sri Lanka-, por alusión a la fábula oriental "Los tres príncipes de Serendip"). El Ensemble Intercontemporain, bajo la dirección de David Robertson, interpreta la versión de la obra que presentamos. Murail también es autor del ciclo "Random Access Memory", una serie de obras para instrumentos solistas. La sexta pieza de este conjunto, "Vampyr!", destaca por haber sido compuesta para guitarra eléctrica. "Vampyr!" es una de las pocas obras del catálogo del compositor que no usa -al menos directamente- las técnicas espectrales. En la partitura, Murail recomienda al intérprete tocar al modo de los guitarristas de la tradición rock, como Carlos Santana o Eric Clapton. Nosotros escuchamos la versión del guitarrista Wiek Hijmans. Concluimos con "Désintégrations", una ambiciosa composición resultante de un encargo del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) en 1982, para conjunto instrumental y sonidos de síntesis. Murail analizó, a través de los dispositivos electrónicos disponibles en el centro de investigación parisino, los sonidos acústicos que se deforman -se desintegran, como apunta el título- y se entremezclan con los timbres recogidos en el soporte magnético. La interpretación del Ensemble l'Itinéraire, dirigido por Yves Prin, nos sirve para finalizar esta exploración de la poética espectralista en la obra de Tristan Murail. Escuchar audio

Acompáñanos hoy en el programa Semanario, tendremos anécdotas de una época de oro, no te lo pierdas. *El bisabuelo fundó el Conservatorio Nacional de música *Hizo películas en Buenos Aires Argentina. *¿Cómo era el cine en la época de oro? *El cine fue el heredero del teatro Conduce: Blanca Bertheau Invitado: José Manuel Arzoz Castelazo

Gerardo Guevara fue un músico precoz. Su padre trabajó como conserje del Conservatorio Nacional de Música de Quito y se cuenta que, de muy niño, Gerardo solía acercarse silencioso a las clases de dictado, gritar súbitamente las notas correctas a los estudiantes mayores y correr ¡para ponerse a salvo! A los quince años de edad ingresó a las clases de escrituras de Luis Humberto Salgado. En 1952 lo encontramos en Guayaquil estudiando obras de Bartok y composición con el músico húngaro Jorge Raycki. Desde 1959, con beca de la Unesco, Guevara estudió composición con Nadia Boulanger en la École Normale de Musique de Paris en donde se graduó como director de orquesta. Estudió también musicología en Universidad de La Sorbonne. Vivió en París por doce años y al regresar en Ecuador en 1972 fundó el coro de la Universidad Central y en 1973 la SAYCE (sociedad de autores y compositores ecuatorianos) Fue director de la Orquesta Sinfónica Nacional (1974-75) y director del Conservatorio Nacional de Música de Quito (1980-88) institución en la que ha sido catedrático de Historia de la Música Ecuatoriana.2​ Se confiesa nacionalista, aunque su visión es amplia, original y cualitativa: ha usado técnicas contemporáneas a tal punto que Robert Stevenson escribe que "Guevara Viteri se ha inspirado en estilos europeos."3​ Acaso es más apropiado decir con Béhague que "técnicas más avanzadas de composición aparecen en varios de los trabajos de Guevara".4​ Su catálogo es numeroso así como numerosas son las colaboraciones escritas para infinidad de revistas y periódicos. Como maestro, su incidencia ha sido igualmente importante. Es una de las figuras mayores de la música ecuatoriana. De la genialidad compositiva del Maestro Gerardo Guevara Apamuy Shungo, obra 1958 interpretado por el “Coro Fraternidad Gerardo Guevara” en una grabación realizada en Radio Municipal 2019, para el programa “Quito, memoria y leyenda”.

Malena y Osqui Guzmán reflexionan acerca de la notable escasez de autores argentinos en la formación del Conservatorio Nacional de Arte Dramático y conversan sobre teatro callejero. Además charlan de la experiencia de ser dirigidos por la dramaturga británica Penny Cherns en la puesta de La tempestad que compartieron en el teatro San Martín. * * * Ficha técnica: Conducción: Malena Solda. Producción: Florencia Flores. Edición: Analía Lavín. Música y operación técnica: Mario Gusso. Fotografía: Alejandra López. Diseño web e imagen coorporativa: Eolio producciones. Fuera de libreto cuenta con el apoyo del Régimen de Promoción Cultural Mecenazgo del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. #OsquiGuzmán #Podcast #Actuación #MalenaSolda

Hace siglo y medio, en 1855, el físico Gaston Planté, por entonces profesor ayudante de física aplicada en el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios de Francia, descubrió unos huesos fósiles en una excursión que realizó con sus alumnos al yacimiento de arcillas plásticas de Meudon, al sudoeste de París. Planté puso los restos a disposición de Louis Constant Prévost, catedrático de geología de la Sorbona, que los presentó ante la Academia de Ciencias el 12 de marzo de ese mismo año. Aunque fue su sucesor en la cátedra, Edmond Hébert, quien publicó la descripción científica de los restos, que resultaron ser los de un ave gigante, a la que puso el nombre de Gastornis parisiensis, “ave de Gaston parisiense”, en honor de su descubridor.

La orquesta del IPN se hace acompañar del Coro del Conservatorio Nacional de Música de México y el coro Alpha Nova.

José Manuel Alcántara es un destacado ejecutante de guitarra mexicano egresado del Conservatorio Nacional de Música de México y del Conservatorio de Ámsterdam con Mención de Virtuosismo. Es miembro del ensamble Liminar, dedicado al repertorio contemporáneo. También forma parte de un dúo para flauta y guitarra con Willy Terrazas, enfocado a la música mexicana contemporánea. Ha sido parte del Ensamble de Música Contemporánea del Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam, bajo la batuta de Lucas Vis Harry Sparnaay. Se ha presentado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Filarmónica de Chihuahua, la Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, la Orquesta de Cámara de la Ciudad de México y la Orquesta de Cámara de San Ángel, entre muchas otras. Ha participado en festivales de Estados Unidos, Holanda, España, Portugal, Bélgica, Italia, Francia, Austria y México. En el marco del XV Encuentro Internacional de Guitarra, José Manuel Alcántara interpreta obras de Johann Sebastian Bach, Mauro Giuliani, Jorge Ritter, Wilfrido Terrazas y Alberto Ginastera.

Nacido de padres zacatecanos en la capital mexicana hacia 1945, Nery expresó al autor de El jazz en México en Radio Educación:“Yo creo que la música de jazz ha estado conmigo siempre, desde muy pequeño si consideramos que mi padre fue músico. Él vivió la época de las grandes bandas como la de Luis Alcaraz. Era saxofonista de estudio, se llamaba Roberto Nery Salazar…”El 3 de agosto pasado, su hermano Jorge Neri falleció de cáncer cuando la Secretaría de Cultura del Distrito Federal había preparado un homenaje el martes pasado en el mismo “Esperanza Iris”, por cuatro décadas de trayectoria infatigable en el teatro musical de México.“Recuerdo que cuando yo tenía seis años tocábamos a dueto mi hermano Jorge, el mayor, su violín, y yo un acordeón, y mi padre nos enseñaba melodías y nos acompañaba, aunque no fuera su instrumento habitual, a la guitarra. Yo tenía la vocación perfectamente definida. En secundaria tomaba ya clases de educación musical y de piano. A los once años ya estaba instalado en el Conservatorio (Nacional de Música). Recuerdo que me dieron entonces la transcripción de la música de Óscar Peterson y algunos libros que traía mi papá…“De los once a los catorce en que estuve en el Conservatorio pude aprender y practicar un poco diferentes técnicas y formas, desde los grupos tropicales a los gitanos de seis violines y piano y, claro, pequeños grupos de jazz y la idea del piano boogie-woogie. Todo eso venía en algunos libros.“De pronto comenzamos a hacerlo mi hermano Jorge y yo de manera profesional, pues nos contrataban para tocar… En 1963 me incorporé a la banda de Pablo Beltrán Ruiz, con 16 años de edad.” (http://www.proceso.com.mx/?p=278444)Síguenos en https://www.facebook.com/pages/RODRIGO-DE-LA-CADENA/315036231927?ref=hlDescarga este y todos los podcast anteriores automáticamente a través de tu suscripción en iTunes: https://itunes.apple.com/mx/podcast/nuevamente...-bolero/id676887804?mt=2

Nacido de padres zacatecanos en la capital mexicana hacia 1945, Nery expresó al autor de El jazz en México en Radio Educación: “Yo creo que la música de jazz ha estado conmigo siempre, desde muy pequeño si consideramos que mi padre fue músico. Él vivió la época de las grandes bandas como la de Luis Alcaraz. Era saxofonista de estudio, se llamaba Roberto Nery Salazar…” El 3 de agosto pasado, su hermano Jorge Neri falleció de cáncer cuando la Secretaría de Cultura del Distrito Federal había preparado un homenaje el martes pasado en el mismo “Esperanza Iris”, por cuatro décadas de trayectoria infatigable en el teatro musical de México. “Recuerdo que cuando yo tenía seis años tocábamos a dueto mi hermano Jorge, el mayor, su violín, y yo un acordeón, y mi padre nos enseñaba melodías y nos acompañaba, aunque no fuera su instrumento habitual, a la guitarra. Yo tenía la vocación perfectamente definida. En secundaria tomaba ya clases de educación musical y de piano. A los once años ya estaba instalado en el Conservatorio (Nacional de Música). Recuerdo que me dieron entonces la transcripción de la música de Óscar Peterson y algunos libros que traía mi papá… “De los once a los catorce en que estuve en el Conservatorio pude aprender y practicar un poco diferentes técnicas y formas, desde los grupos tropicales a los gitanos de seis violines y piano y, claro, pequeños grupos de jazz y la idea del piano boogie-woogie. Todo eso venía en algunos libros. “De pronto comenzamos a hacerlo mi hermano Jorge y yo de manera profesional, pues nos contrataban para tocar… En 1963 me incorporé a la banda de Pablo Beltrán Ruiz, con 16 años de edad.” (http://www.proceso.com.mx/?p=278444) Síguenos en https://www.facebook.com/pages/RODRIGO-DE-LA-CADENA/315036231927?ref=hl Descarga este y todos los podcast anteriores automáticamente a través de tu suscripción en iTunes: https://itunes.apple.com/mx/podcast/nuevamente...-bolero/id676887804?mt=2

Programa del Acontecer del Congreso del Estado de México