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Ein Gespräch zwischen Uwe Fischer und Stefan Diez. Uwe Fischer ist Professor für Industrial Design und lehrt seit 2001 an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart. Er studierte Design an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach und war 1985 Mitbegründer von Ginbande Design. Im Laufe von zehn Jahren entstanden eine Reihe von konzeptionellen Arbeiten und anschließenden Ausstellungen im In- und Ausland. Zwischen 1994 und 2001 hatte er eine Professur an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg. In seinem Designstudio arbeitet er vor allem an Projekten, die von Interesse und Neugier an grundsätzlichen Fragen zu Design und Architektur motiviert sind. Stefan Diez ist ein in München ansässiger Industriedesigner, der Produkte für die Kreislaufwirtschaft entwickelt. Seit der Gründung seines Studios DIEZ OFFICE im Jahr 2002 ist Stefan Diez führend in der Art und Weise der Transformation, wie zeitgenössische Produkte entwickelt und hergestellt werden. Das Studio arbeitet in verschiedenen Bereichen wie Möbel, Beleuchtung, architektonische Elemente und Accessoires und vereint technische Expertise, kreative Experimente und ein rigoroses Engagement für Nachhaltigkeit. Stefans Designansatz wird in seinen 10 Circular Design Guidelines verkörpert, einem Satz von Prinzipien, die aufzeigen, wie kommerziell erfolgreiche Produkte sowohl umwelt- als auch sozialverträglich sein können. Zusammen zeigen diese Richtlinien, wie Design sinnvolle Veränderungen in der Industrie und Gesellschaft ermöglichen kann. Im Laufe seiner Karriere hat Stefan zahlreiche preisgekrönte Produkte geschaffen und langfristige Zusammenarbeiten mit international renommierten Herstellern wie HAY, Vibia, Magis, Herman Miller, e15, Midgard, Thonet, Rosenthal und anderen aufgebaut. Neben seiner Designtätigkeit ist Stefan seit 2008 im Bildungsbereich tätig. Seit 2018 ist er Leiter des Studiengangs Industrial Design an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Timeline 1991-1993: Apprenticeship as a cabinetmaker in Stuttgart 1993-1996: Completes civilian service in Bombay and subsequently stays with the Utturkar family and their furniture workshop in Pune 1996-2002: Studies Industrial Design at the Academy of Fine Arts in Stuttgart, working under Richard Sapper and Klaus Lehmann 1999: Assistant to Richard Sapper 1999-2002: Assistant to Konstantin Grcic 2002: Founds DIEZ OFFICE 2008-2013: Professorship at the Karlsruhe University of Arts and Design 2013-15: Professorship at Lund University 2017-2018: Professorship at the Kunsthochschule Kassel 2018 onwards: Professorship and head of the Industrial Design 1 class at the University of Applied Arts in Vienna

Virtual Reality und Immersion - beides wird oft in einem Atemzug genannt. Aber was macht gute Immersion eigentlich aus? Warum ist es so wichtig, VR als neues Medium anders und besser zu verstehen, um wirklich immersive VR-Erfahrungen zu schaffen? Ben diskutiert das Thema Immersion in dieser Folge mit Professor Matthias Wölfel von der Karlsruhe University of Applied Sciences. UNSER GAST Dr. Matthias Wölfel ist Professor für Intuitive und perzeptive Benutzungsschnittstellen an der Hochschule Karlsruhe in der Fakultät für Informatik und Wirtschaftsinformatik und assoziierter Professor an der Universität Hohenheim in der Fakultät für Wirtschafts- und Sozialwissenschaften. Seine Forschung umfasst Interaktionsdesign, Mensch-Computer- und Mensch-Computer-Mensch-Interaktion, künstliche Intelligenz, Augmented- und Virtual Reality, digitale Kultur sowie Kunst- und Medientheorie. Matthias Wölfel auf LinkedIn: https://www.linkedin.com/in/woelfel/ INHALT: 00:00 Aufgabe und Forschung 01:38 Wie bist du dazu gekommen? 03:35 Interaktiver Tisch 04:52 Was ist dein aktueller Schwerpunkt? 08:11 Was ist Immersion für dich? 10:08 Wie erreicht man gute Immersion? 12:27 Warum wird Immersion unterschiedlich wahrgenommen? 17:50 Studie "Interaktion in VR" 28:01 Warum gibt es noch keine generalisierten VR-Eingabemethoden? 30:49 Sprachsteuerung in VR 34:40 Wie wichtig ist Immersion für gutes VR-Training? 39:30 Warum ein besseres Verständnis für das Medium VR nötig ist 47:59 Was ist der Schlüssel für gute VR-Bedienung? 50:04 Risiko VR-Training: Warum VR-Training auch gefährliche Seiten hat TEXTE ZUM THEMA: What User Interface to Use for VR: 2D, 3D or Speech – A User Study: https://www.slideshare.net/MatthiasWlfel/what-user-interface-to-use-for-vr-2d-3d-or-speech-a-user-study ---------- MIXED FOLGEN Webseite: https://mixed.de/ MIXEDCAST: https://mixed.de/podcast/ Discord: https://discord.gg/HNwmU7fygc Facebook: https://www.facebook.com/MIXED.de Twitter: https://twitter.com/MIXED_de LinkedIn: https://www.linkedin.com/company/mixed-de/ E-Mail: hallo(at)mixed.de ---------- MIXED UNTERSTÜTZEN Abonnieren: https://mixed.de/mixed-plus/

Andrew Witt, associate professor at Harvard University and author of Formulations, on how mathematics and computational methods transform the way we think, design, and make art. Andrew Witt is co-founder, with Tobias Nolte, of Certain Measures, a Boston/Berlin-based office for design futures and an Associate Professor in Practice of Architecture at Harvard University. Trained as both an architect and mathematician, he has a particular interest in a technically synthetic and logically rigorous approach to form. His work has been shown at the Centre Pompidou, Barbican Centre, Futurium, and Haus der Kulturen der Welt, among others. Connect with Andrew on LinkedIn and Certain Measures. Favorite quotes “It's not possible to do everything in an amazing way all at once. You have to cycle through those things. Different moments in life will create different opportunities.” “One of the consequences of mass media is that [it] creates intuitions around certain concepts through imagery.” "The only thing that really conveys human value to things is time.” “What remains after people are gone?” Books Formulations by Andrew Witt Where Good Ideas Come From by Steven Johnson Synergetics by Buckminster Fuller Links Andrew Witt Certain Measures Application public interface (API) The Black Box with Aziz Barbar Grasshopper & Dynamo Deep nostalgia and deepfakes DeFi and NFTs The adjacent possible is an idea introduced by Stuart Kauffman in 2002 and later used by Steven Johnson Log magazine edited by Cynthia Davidson A Machine Epistemology in Architecture by Andrew Witt MIT Press A Brief History & Ethos of the Digital Garden by Maggie Appleton HfG is Karlsruhe University of Arts and Design Institut Henri Poincaré is a mathematics research institute People mentioned Alfred North Whitehead Charles Johnson - Matrix theorist Buckminster Fuller Steve Baer Bruno Latour Norbert Wiener Tobias Nolte Refik Anadol Satoru Sugihara William Huff Louis Kahn Ben Ferhman-Lee - Graphic designer Cynthia Davidson - Book series editor Sean Canty, Esther Choi, and Cameron Wu Aziz Barbar Henri Poincaré Peter Pierce Sanford Kwinter Paul Erdös Chapters 00:00 · Introduction 01:22 · Mathematical design 06:53 · Gray boxing 09:28 · Black box algorithms 14:26 · Knowledge anxiety 20:47 · Collective authorship 22:04 · Adjacent possible 27:18 · The physical medium 30:13 · Triangulation and photogrammetry 33:40 · Voxel and pixel 37:52 · The role of the designer 41:10 · Formulations book 43:48 · Catalogs 48:56 · The eve of digitization 52:58 · Artificial intelligence 01:00:26 · Mass media 01:02:29 · Research methods 01:06:25 · Book publishing 01:15:10 · Writing 01:19:04 · Digital gardens 01:21:53 · Creative thinking 01:26:20 · Lecture preparation 01:30:20 · Erdös number 01:32:43 · Zines 01:39:54 · Consistency 01:41:08 · Time 01:43:18 · NFTs as value stores 01:48:44 · NFTs at Certain Measures 01:50:42 · The AI design critic 01:55:20 · Modern-day design collectives and influencers 01:58:38 · Advice for young people 02:01:08 · Money 02:03:35 · Collaboration and delegation 02:06:16 · Death 02:07:55 · Success 02:09:27 · Outro Submit a question about this or previous episodes. I'd love to hear from you. Join the Discord community. Meet other curious minds. If you enjoy the show, would you please consider leaving a short review on Apple Podcasts/iTunes? It takes less than 60 seconds and really helps. Show notes, transcripts, and past episodes at gettingsimple.com/podcast. Theme song Sleep by Steve Combs under CC BY 4.0. Follow Nono Twitter.com/nonoesp Instagram.com/nonoesp Facebook.com/nonomartinezalonso YouTube.com/nonomartinezalonso

“BING ! BING ! 砰砰!”Céramique contemporaineà ICICLE – 35 avenue George V, Parisdu 1er mars au 8 septembre 2021Interview de Bérénice Angremy, Victoria Jonathan et Gabrielle Petiau pour l'agence Doors 门艺, commissaires de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 18 mars 2021, durée 16'30, © FranceFineArt.(par téléphone avec Bérénice Angremy de Chine et Victoria Jonathan de Paris)Commissariat d'exposition :Doors 门艺 – Bérénice Angremy, Victoria Jonathan, Gabrielle PetiauExposition collective avec les artistes : Liu Jianhua, emmanuel boos, Geng Xue, Zhuo Qi et Louise FrydmanEn écho à son thème de collection prêt-à-porter inspirée par « la Terre » pour l'année 2021, ICICLE est heureux d'accueillir du 1er mars au 8 septembre dans son espace culturel du 35 avenue George V, Paris 8, une exposition sur la céramique contemporaine dont la curation est confiée à l'agence Doors. Quelle plus belle façon de célébrer la terre que de révéler les possibilités artistiques de ses matières premières ? « BING ! BING ! 砰砰! Céramique contemporaine » fait dialoguer cinq artistes chinois et français. Chacun à leur manière, Liu Jianhua (1962), emmanuel boos (1969), Geng Xue (1983), Zhuo Qi (1985) et Louise Frydman (1989) réinterprètent de façon actuelle l'art traditionnel de la céramique.En mandarin, le caractère 砰 (pēng) est l'équivalent de l'onomatopée « bing ! » du français : il évoque un bruit de choc, de heurt, et signifie une rupture, un événement soudain venant modifier la réalité.Dans une rencontre entre Orient et Occident, les artistes de « BING ! BING !» jouent avec les qualités matérielles de la céramique, à la fois fragile et solide, propice à l'accident, et les implications culturelles d'un art devenu patrimoine aussi bien en Chine (Jingdezhen, Yixing) qu'en France (Sèvres, Limoges, Gien). La céramique est saisie dans tous ses états, métamorphosée, soumise à des expérimentations : sculpture, écriture, performance et vidéo. Dans une friction des langages esthétiques et des significations culturelles liées au médium, usant – parfois avec humour – de jeux de mots, de ruptures de ton et d'effets de matières, ces artistes font exploser les codes de la céramique et la donnent à voir de façon surprenante. Grands noms de la céramique contemporaine comme Liu Jianhua et emmanuel boos, et artistes de la jeune génération comme Geng Xue, Zhuo Qi et Louise Frydman, tous explorent ses spécificités physiques, matière organique prenant forme grâce au geste de l'artiste et aux techniques qu'il emploie, mais aussi ses limites. Souple et malléable dans son état premier, résistant à des chocs thermiques pouvant dépasser 1300°C lors de sa cuisson, pour finir d'une grande fragilité dans son état « solide », la céramique se prête à des variations de brillance et de couleur d'une profondeur infinie ou au contraire à une extrême blancheur. « BING ! BING !» questionne aussi la relation entre l'artiste et la matière, le dialogue qu'il entretient avec la terre et le feu, dans une tension entre maîtrise et hasard, intention et accident, virtuosité et émotion. Les oeuvres de l'exposition évoquent ainsi l'empreinte de l'artiste sur la matière, parfois jusqu'à faire corps avec elle. Les artistes Liu Jianhua (né en 1962 à Ji'an, Chine) est l'un des artistes chinois les plus renommés de sa génération. Arrivé à Jingdezhen à 15 ans, il passe quatorze ans dans la capitale chinoise de la porcelaine à se former à cet art. Avec ses sculptures et installations mêlant porcelaine, objets trouvés, détritus et matériaux hétéroclites, il développe une pratique expérimentale de la céramique et une approche philosophique de la forme et de la matière. Ses oeuvres à la fois virtuoses et poétiques défient les limites physiques du médium et les attentes du spectateur. Liu interroge la culture et l'histoire matérielle de la Chine dans le contexte de la mondialisation. « Regular Fragile », présentée à la Biennale de Venise en 2003 dans le pavillon Chine, est une série de répliques en porcelaine d'objets du quotidien, faisant primer l'apparence et le symbolisme sur la fonction. En 2008, sa pratique évolue vers des formes plus abstraites et minimalistes (« pas de sens, pas de contenu »). Depuis 2004, Liu est professeur de sculpture à l'École des Beaux-Arts de l'université de Shanghai. En 2005, il crée le groupe Polit-Sheer-Form Office avec les artistes Hong Hao, Xiao Yu, Song Dong, et le critique d'art Leng Lin. http://www.liujianhua.netConsidéré comme l'un des meilleurs céramistes français, emmanuel boos (né en 1969 à Saint-Étienne, France) pratique cet art depuis l'âge de 14 ans. C'est après quelques années en Asie (Corée et Chine) qu'il s'y consacre professionnellement. Apprenti auprès du Maître d'art Jean Girel entre 2000 et 2003 pour la porcelaine tournée à la française, il gagne très vite de nombreux prix : jeune créateur de l'année des Ateliers d'Art de France, Prix Découverte du Salon Maison & Objet, 2ème lauréat du prix national SEMA, Grand Prix de la Création de la Ville de Paris. La galerie Jousse Entreprise le repère en 2005. Depuis, il est exposé chaque année dans les grandes foires internationales de design et d'arts appliqués : FIAC, PAD Londres et Paris, Design Miami Basel. Il s'installe à Londres en 2006 pour y mener une thèse de doctorat par la pratique artistique sur le thème de la « poétique de l'émail », soutenue en 2012 au Royal College of Art sous la direction du célèbre céramiste et écrivain anglais Emmanuel Cooper. En 2010, il participe à l'exposition « La Scène Française » au Musée des Arts Décoratifs à Paris. Ses oeuvres sont exposées à Londres, Belfast, Édimbourg, Copenhague. Depuis 2015, il vit entre Paris et Mannheim (Allemagne), où est installé son atelier et où il se consacre à plusieurs projets de céramique architecturale, notamment avec les décorateurs Caroline Sarkozy, Studio Shamshiri et Heather Wells. Entre 2016 et 2019, il est artiste en résidence à la Manufacture de Sèvres. Invité par le laboratoire qui conçoit et fabrique pâtes et émaux de la Manufacture, il s'intéresse notamment au thème de la palette d'émail et réalise plusieurs séries d'oeuvres : « Cubes », « Monolithes », « Livres » et « Stabiles ». Depuis quelques années, il privilégie les formes closes, faussement pleines, à la fois surfaces et volumes : pavés, cubes, boîtes ou livres, mystérieuses et abstraites. Il crée aussi un parcours pour la couleur, en creux et à-pics sur lequel les émaux colorés pourront déployer toutes les nuances de leurs tonalités en s'accumulant par endroits et en disparaissant presque à d'autres. L'artiste est à l'affût de l'inattendu et d'accidents heureux et à la recherche du « bel imparfait ». http://www.emmanuelboos.infoGeng Xue (née en 1983 à Baishan, Chine) est une artiste « multimédias » qui confronte l'art traditionnel de la céramique à des formes contemporaines (vidéo, animation, installation). Étudiante de Karlsruhe University of Arts and Design (Allemagne) et diplômée de l'Académie Centrale des Beaux-Arts de Chine (CAFA) où elle a étudié sous la direction du célèbre artiste Xu Bing, Geng Xue se fait connaître en 2014 avec « Mr Sea », vidéo tournée en stop-motion, dans laquelle des personnages de porcelaine prennent vie dans une réinterprétation d'un célèbre conte de fantômes datant de la dynastie Qing (« Contes étranges du studio du bavard » de Pu Songling). Inspirée par la riche tradition de la céramique chinoise, Geng exploite les qualités matérielles uniques et les significations associées à ce médium. Cosmologie bouddhiste, littérature classique et taoïsme fournissent les thèmes de fictions mettant en scène la capacité de transformation de la céramique et sa nature tout à la fois fragile et solide, dans des univers presque magiques, où la frontière est ténue entre monde physique et monde spirituel. Geng Xue s'inspire également de ses voyages et de son immersion dans d'autres cultures pour entrer en résonance avec la tradition esthétique occidentale.Diplômé de l'École Supérieure des Beaux-Arts du Mans, de la Haute École d'Art et de Design de Genève, et de l'École nationale supérieure d'art de Limoges, Zhuo Qi (né en 1985 à Fuxin, Chine) travaille et vit en France depuis 2008. En tant qu'artiste, la démarche de Zhuo Qi repose sur la notion de choc des cultures. Il nourrit sa pratique artistique de l'expérience quotidienne des miracles sémantiques et linguistiques que génèrent l'altérité culturelle et son lot d'incompréhensions. Il se rend régulièrement à Jingdezhen, une ville considérée comme la capitale mondiale de la porcelaine. Avec humour, il confronte à travers la céramique les traditions et les savoir-faire, que la mondialisation rapproche sans transition ni traduction. Chez lui, la porcelaine est à la fois le moyen et le sujet d'une cuisine expérimentale tournée vers la création d'objets impliquant des corps étrangers plongés dans des environnements incongrus, énigmatiques, voire hostiles, mais toujours sources d'amusement. http://www.qi-zhuo.comDiplômée en arts graphiques de l'école d'art ESAG-Penninghen et formée en photographie à l'International Center of Photography de New York, Louise Frydman (née en 1989 à Paris) commence par composer des oeuvres légères et délicates en papier blanc puis se tourne vers la céramique en 2015 lorsqu'elle crée sa pièce monumentale « La Fée des Pétales » suspendue dans la cour de l'Hôtel de Croisilles, à Paris. Elle conserve dans son traitement de la céramique la matité blanche du papier ainsi que la finesse de la matière. Fragiles et fortes à la fois, les créations de Louise Frydman révèlent un univers naturel poétique, magnifié par l'éclat de leur blancheur. Ses sculptures, inspirées des formes de la nature, jouent avec la lumière et le mouvement. « Je recherche la rencontre entre force et fragilité en travaillant mes sculptures de manière éthérée dans leurs formes, et puissante par leurs dimensions souvent monumentales. Un pétale, un arbre, le vent… C'est mon émotion que j'essaie de donner à voir. » Sa rencontre avec le céramiste Jean-François Reboul en 2015 lui permet d'approfondir son apprentissage et de s'affirmer dans sa démarche artistique. Son atelier est installé en Bourgogne depuis 2015. https://louise-frydman.com/Exposition en partenariat avec Pace Gallery, Jousse Entreprise, Loo & Lou Gallery. Remerciements : Cité de la céramique – Manufacture de Sèvres.Doors 门艺Créée en 2017 par Bérénice Angremy et Victoria Jonathan, Doors 门艺est une agence de production et de promotion de projets artistiques basée à Pékin et Paris. Doors a pour ambition d'ouvrir des portes et de favoriser les échanges culturels entre la Chine et l'Europe, à travers des événements créatifs, innovants et fédérateurs. Elle collabore avec des artistes, des institutions (Musée Picasso, UCCA, Fondation Giacometti, Fondation Henri Cartier-Bresson) et des marques (Hennessy, Lafite, Cartier). En 2021, Doors organise l'exposition « KAIWU. Art et design en Chine » au Musée de l'Hospice Comtesse (Lille).Respectivement diplômées de l'École du Louvre (Paris) et de Columbia University (New York), Bérénice Angremy et Victoria Jonathan vivent entre Paris et Pékin depuis vingt ans. Elles ont dirigé le festival Jimei x Arles (2017-2019), créé en Chine par Les Rencontres d'Arles et Three Shadows Photography Art Centre. Elles sont commissaires de plusieurs expositions sur l'art et la photographie chinois : « Les Etoiles 1979-2019. Pionniers de l'art contemporain en Chine » (Paris, 2019), « Les flots écoulés ne reviennent pas à la source. Regards de photographes sur la rivière en Chine » (Abbaye de Jumièges, 2020), « Feng Li. White Night in Paris » (Photo Saint Germain, 2021), « Luo Yang. Youth » (Jimei x Arles, 2019), « Lei Lei. Cinéma Romance à Lushan » (Les Rencontres d'Arles et Jimei x Arles, 2019). Diplômée des Beaux-Arts de Nantes, et ancienne élève de l'Académie Centrale des Beaux-Arts de Chine (CAFA), Gabrielle Petiau a rejoint l'équipe de Doors en 2019. Elle est co-directrice de la Biennale de l'Image Tangible.Boutique ICICLE – 35 avenue George V – Paris VIIIInauguré en septembre 2019 comme première adresse internationale, cet espace sculptural et immaculé s'étend sur trois étages d'un hôtel particulier, 35 avenue George V, au coeur du Triangle d'Or parisien. Conçu par l'architecte belge Bernard Dubois, il intègre, sur un espace de près de 500m2, les collections femme, homme et accessoires ainsi qu'une librairie et une salle d'exposition qui reflètent la philosophie de la marque, fondée sur une approche naturelle de la création, pour une vie en accord avec la Nature. Espace culturel ICICLE : Avec plus de 500 ouvrages, ponts entre la culture chinoise et occidentale, la librairie ICICLE, située au troisième étage de la boutique George V, explore les façons d'être, de vivre et de créer selon la Nature. Elle s'ouvre sur une galerie, espace lumineux et aérien, destinée à recevoir des expositions d'art et de design. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

We're back, starting with a short conversation with Tel Aviv based programmer and designer Ariel Malka, who develops experimental interactive projects. Next we hear TJB's audio performance, expressing the artist’s non-binary self as 40 droplets of water impacting a heated sheet of steel. Following that, we have our monthly conversation, which is about “Utopia,” the elusive and idyllic no-place of a happier and more just society. The idea of utopia has had many consequences throughout history, and much has been built and unbuilt around it. Participants in this conversation include a diverse group of researchers, artists and designers composed by Susana Delahante Matienzo (Cuban, based in Amsterdam), Giuliana Visco (based in Rome), and Ou Ning (based in China). Finally, our host Sylvain Souklaye chats with KMRU to introduce the work of Sarah Badr (FRKTL), whose new, untitled sound art piece closes the episode. This podcast series is produced by Sylvain Souklaye, with Dalida María Benfield and Chris Bratton. Ariel Malkahttp://ariel.chronotext.org/ TJB TJB, is a non-binary artist-philosopher whose work focuses upon the conception of the body, Being and the idea of a multiplicity of Self/s in performance. This work can be located within the framework of performance art and philosophical/phenomenological investigations that look to de/construct and challenge perception, alongside the assumed liminal barriers of body-based art. Xe is known for creating artworks that capture an altered space, environment, or period of time that regardless of scale, will often make intense, sometimes visceral, beautiful pieces that place the body in extremis. Living and working in the UK, TJB has been exhibiting work since 2001 and internationally since 2009 particularly through Europe and East coast USA. TJB is also the artistic director of Tempting Failure, which produces the London Biennial of International Performance Art, and curates a wide range of transgressive performance art practices. You can find out more about TJB at tjb.org.uk and they’d like to extend an invitation to all listeners to engage with their unique ongoing project In/Visible Exchange where TJB expands conversations away from social media via unique electronic zines based entirely on the questions sent to them.https://www.temptingfailure.com/ FRKTL is the solo experimental project of British-Egyptian audiovisual artist Sarah Badr. A classically trained multi-instrumentalist utilizing live sampling and improvisation, vocal manipulation, field recordings, and generative rhythms, she composes immersive, hypnotic, and haunting explorations of sound. For the past decade, Badr’sinterdisciplinary art practice has expounded on world creation in four dimensions, augmenting photography and footage with computer-generated imagery and sound design. Her mixes and DJ sets seamlessly blend disparate genres, challenging preconceptions of spaces real and virtual. Badr studied Creative Computing (BSc) at Goldsmiths, University of London; and International Relations (BSc)and Law (LLB)at the London School of Economics. Raised between London, Cairo, New York, and Manama, Badr now lives and works between Riga, Cairo, Berlin, and London.FRKTL releases include Prose Edda (EP,2017); Qualia (LP, 2016); Descent / Fjäder(double single, 2013); Atom (LP, 2011);and B-Sides (mini-album, 2011). Her sixth release and third full-length solo album, Excision After Love Collapses, is due out later in 2020FRKTL.COM Ou Ning Ou Ning is a multi-disciplinary practitioner from China. He is an artist and filmmaker, who produced the documentary projects San Yuan Li (2003) and Meishi Street (2006). As a curator, Ou Ning initiated the biennial art and design exhibition “Get It Louder” (2005, 2007, 2010), and was the chief curator of the 2009 Shenzhen & Hong Kong Bi-city Biennale of Urbanism and Architecture in 2009. From 2011–2014, Ou Ning wrote and edited a literary bimonthly journal Chutzpah! His activism has involved living in a small village in Anhui Province and founding the Bishan Commune (2011–2016) and the School of Tillers (2015–2016). As a visiting professor, he has taught at the GSAPP, Graduate School of Architecture, Planning, and Preservation of Columbia University (2016–2017). He is a frequent contributor to various magazines and books and has lectured around the world. Giuliana ViscoGiuliana Visco received a degree in art history in 2002, obtained a DEA in HyperMedia, and a PhD in sociology at Università della Calabria. Visco’s heterogeneous academic career reflects the belief that multidisciplinary tools are pivotal for the understanding of today’s society, trends, and dynamics. Her professional life has had a continuous red thread: social and political activism focused in defense of young people’s, migrants’ and women’s rights. Visco has worked as a tutor on an AMIF project for unaccompanied young migrants. She now works with the not-for-profit, search and rescue ship “Mediterranea” located on the Mediterranean Central Sea. “Mediterranea” is an effort that assists people trying to enter Europe from Libya. Susana Pilar Delahante MatienzoSusana Pilar Delahante Matienzo was born in Cuba in 1984. From 1999–2008, she studied at the Fine Arts Academy “San Alejandro” and the Instituto Superior of Arts (ISA) in Havana, Cuba. She did postgraduate studies in New Media at Karlsruhe University of Arts and Design (HfG), Germany (2011-2013). Matienzo has participated in residency programs in Canada, Holland, Reunion Island, United States, Italy, Sweden, Austria, etc. She has had solo shows in Havana, Cuba, Venice, Italy, Skövde, Sweden, Fort de France, Martinique and Enschede, Netherlands. Susana took part in the 13th Havana Biennale; 56th Venice Biennale; 1st Biennale of Contemporary Art, Martinique; III Biennale at Reunion Island; and the 7th Gwangju Biennale, South Korea. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Reinhold Friedrich has been a prolific performer on major stages around the world such as the Musikverein in Vienna, the Concertgebouw Amsterdam and the Berlin Philharmonie. As a soloist, Reinhold Friedrich performs both on modern and historic keyed trumpet with renowned ensembles such as the Bamberger and Wiener Symphoniker, the Orchestre Philharmonique de Radio France, the BBC Symphony Orchestra, the Berliner Barock Solisten and the Cappella Andrea Barca; conducted amongst others by Sir András Schiff, Reinhard Goebel, Sir Neville Marriner, Christopher Hogwood, Semyon Bychkov, Michael Gielen, Adam Fischer and Vladimir Fedossejev. From 1983 to 1999 Reinhold Friedrich held the position of solo trumpeter at the Radio Sinfonieorchester Frankfurt. He is permanent solo trumpeter of the Lucerne Festival Orchestra under Claudio Abbado, now Riccardo Chailly, and artistic director of the Lucerne Festival Orchestra Brass Ensemble. Reinhold Friedrich is a professor of trumpet at Karlsruhe University of Music, honorary professor at the Royal Academy of Music in London and the Escuela Superior de Musica Reina Sofia in Madrid as well as a sought-after lecturer for masterclasses all over the world. Reinhold has premiered a large number of significant works including pieces by Wolfgang Rihm, Hans Werner Henze, Luciano Berio, Sir Peter Maxwell Davis and Peter Eötvös. Numerous CD recordings on labels such as DG, Capriccio, MDG and Sony. The show notes for this episode may be found at bobreeves.com/71.

In this episode of AIRAH on Air, host Mark Spencer stops by the Refrigeration 2019 conference for a special interview.Refrigeration 2019 was held in Melbourne from March 25–26 and welcomed 170 attendees, more than 30 expert speakers, and four international keynotes. One of these was Prof. Dr. Michael Kauffeld, of Germany’s Karlsruhe University of Applied Sciences. Following his address, in which he detailed the HFC phase-down and what’s coming next for refrigeration, Kauffeld took some time to speak with AIRAH on Air about his area of expertise: natural refrigerants.Want to find out more about the HFC phase-down? Listen to episode 5 of AIRAH on Air at Airahaustralia – Airah-on-air-episode-5-the-hfc-phase-down.AIRAH on Air is a podcast exploring topics related to building services/design and a hidden industry in a constant state of innovation: the heating, ventilation, air conditioning and refrigeration (HVAC&R) industry. AIRAH’s Refrigeration 2020 conference will be held in Melbourne from March 23–24. You can find more information at www.airah.org.au.For details on AIRAH’s Refrigeration Special Technical Group, please visit www.airah.org.au/AIRAH/Navigation…frigeration.aspx.

AI TRAPS: Automating Discrimination The Art of Exposing Injustice - Part 2 The 16th conference of the Disruption Network Lab AI FOR THE PEOPLE: AI Bias, Ethics & The Common Good Maya Indira Ganesh (Research coordinator, AI & Media Philosophy ‘KIM' Research Group, Karlsruhe University of Arts and Design; PhD candidate, Leuphana University, Lüneburg, IN/DE), Slava Jankin (Professor of Data Science and Public Policy at the Hertie School of Governance, UK/DE). Moderated by Nicole Shephard (Researcher on Gender, Technology and Politics of Data, UK/DE). This panel wants to investigate possible solutions to the known challenges related to AI bias, and to discuss the opportunities AI might bring to the public. What can the role of companies, institutions and universities be on how to deal with AI responsibly for the common good? How are public institutions dealing with the ethical usage of AI and what is actually happening on the ground? Maya Indira Ganesh will focus on the seductive idea that we can standardise and manage well-being, goodness, and ethical behaviour in this algorithmically mediated moment. Her talk will examine typologies of policy, computational, industrial, legal, and creative approaches to shaping ‘AI ethics' and bias-free algorithms; and critically reflect on the breathless enthusiasm for principles, boards and committees to ensure that AI is ethical. Slava Jankin will reflect on how machine learning can be used for common good in the public sector, focusing on Artificial Intelligence and data science in public services and reflecting on possible products and design implementations. https://www.disruptionlab.org/ai-traps Photo Credit: Maria Silvano Produced by Voice Republic For more podcasts visit http://voicerepublic.com

Joining me today for Episode #330 of the podcast is Christoph Roser, a professor of production management at the Karlsruhe University of Applied Sciences in Germany. He has decades of experience with Lean manufacturing including time with Toyota in Japan, as a consultant at McKinsey & Company, and as a Lean expert and manager at Robert Bosch GmbH. He earned a Ph.D. from the University of Massachusetts. He is author of the book Faster, Better, Cheaper in the History of Manufacturing: From the Stone Age to Lean Manufacturing and Beyond. You can read his full bio here, via his excellent blog AllAboutLean.com. Today's discussion was sparked by his series of blog posts about his “grand tour” of automotive factories in Japan. You can read those or check out his overview blog post here. We'll talk about the differences between some of these companies, a bit about Lean in healthcare, and we'll discuss Christoph's concerns about the way Toyota's culture might be changing under CEO Akio Toyoda.

Rob and Jason are joined by Andreas Fertig to discuss C++ Insights, the Rapperswil ISO meeting and more. Andreas Fertig holds an M.S. in Computer Science from Karlsruhe University of Applied Sciences. Since 2010 he has been a software developer and architect for Philips Medical Systems focusing on embedded systems. He has a profound practical and theoretical knowledge of C++ at various operating systems. He works freelance as a lecturer and trainer. Besides this he develops macOS applications and is the creator of cppinsights.io. News Post Rapperswil C++ Draft Cpp Taskflow std::embed updated proposal JetBrains Rapperswil Trip Report What's all the C Plus Fuss? Bjarne Stroustrup warns of dangerous future plans for his C++ Andreas Fertig @andreas__fertig Andreas Fertig's website Links C++ Insights C++ Insights Store Sponsors PVS-Studio February 31 Patreon CppCast Patreon Hosts @robwirving @lefticus  

Oliver calls himself an "agilist". Kindly, he introduced me to Jeff Sutherland who was a guest on this Podcast in the past and is the father of "Scrum".  And he runs a German software company - Matrix42.  Matrix42 is currently mainly focused on Europe, but also has clients in Australia and the US.  So, how is it to lead a German software company in a US-dominated marketplace? As a musician at heart, Oliver brings an interesting mix of skills and experiences to the role.  What I like in particular are his suggestions and advice. Listen in for those.  He also suggests being lean, data-driven and agile. An insightful conversation and look behind the curtain of a leader in the Digital Age.  More About Oliver Bendig Oliver Bendig is Chief Executive Officer (CEO) with overall responsibility for Matrix42 AG. He is responsible for product management, development, marketing, sales, pre-sales, channel activities and customer success. He has more than 17 years of experience in workplace management and is regarded as a mastermind in the industry.  Oliver Bendig has been with the company since 2009 and, as Vice President Product Management, was initially responsible for product management, product marketing and pre-sales. In 2014, Oliver Bendig assumed global responsibility for the development teams as CTO, focusing on product strategy and further development of the Matrix42 product portfolio. With his team, he was able to drive numerous product innovations and introduce new customer solutions, which have contributed significantly to the success of Matrix42 in recent years. He is CEO of Matrix42 since 2016. Prior to joining Matrix42, Oliver Bendig spent several years at Enteo Software and FrontRange Solutions where he was responsible for product management. After completing his studies in Business Informatics, Mr. Bendig completed his Master of Science in Computer Science at the Karlsruhe University of Applied Sciences. Connect with Oliver LinkedIn: https://www.linkedin.com/in/bendigoliver/ Website: http://www.matrix42.com Twitter: http://twitter.com/BendigOliver   Download your HPDA Framework here: https://hpda.link/mahpda        

Neuroaesthetics | Symposium Symposium im ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, 22.-24. November 2012 In Kooperation und mit Unterstützung der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung. Helga Griffiths has been working for over 20 years on the integration of various sensory stimuli into her multi-sense installations. With reference to several practical examples (one of which ‒ the animated video Brainscape ‒ will be shown during the conference), she illustrates some of the advantages, but also some of the difficulties that she has encountered in this approach. A successful experience space as she terms it, enables the percipient to immerse him- or herself in a multi-dimensional sensory space and experience memories, emotions and ideas that originate from, but at the same time are not necessarily identical to, the memories, emotions and ideas of the artist. Typical of Griffiths’ work is her technique of taking sensory information received through one sense (e.g. sight or sound) and transforming it into another, such as odor, in order to communicate with the percipient at a more direct, intuitive level and enable the sensory immersion experience to transcend conventional boundaries of perception. Helga Griffiths is a Multi-Sense-Artist working at the intersection of science and art. She holds a B.F.A. from Mason Gross School of the Arts at Rutgers University, and from 1992–1994 completed her postgraduate studies at the Stuttgart State Academy of Art and Design. In 1994 she continued with further studies in New Media at the Karlsruhe University of Arts and Design. She received several awards such as the first prize at “Kunst auf Zeit” in Graz, an “Honorable Mention” at the International Biennale of Paper Art in Düren, the “Lichtenberg”- Award (all in 1998), and the first prize at “LichtRouten”- festival in Lüdenscheid in 2003. She received grants for artist residencies at Cité Internationale des Arts Paris in 2001 and an NEA grant at the Escuela de Artes Plásticas in Puerto Rico in 2004. Her work is in permanent collections such as the TBA TV Station in Tokyo, Deutsches Hygiene-Museum, Dresden, or the Leopold-Hoesch-Museum in Düren, Germany. She has exhibited her multi-sense-installations at several biennials such as Cairo Biennale, Echigo-Tsumari Art Triennale in Japan, Havanna Biennial, and Seoul International Media Art Biennale. Her work has been shown in international museum exhibitions like the Bundeskunsthalle Bonn; Artificial Light in Art Centre, Eindhoven; Kunsthalle Kiel, Palais de Tokyo, Paris; Henie Onstad Kunstsenter, Oslo; Upper Austrian Culture Quarter, Linz, and at the ZKM | Center for Art and Media Karlsruhe.

Neuroaesthetics | Symposium Symposium im ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie, 22.-24. November 2012 In Kooperation und mit Unterstützung der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung. All perception is based on the topology of neuronal swarms. The brain is a swarm of that kind: harmonic aesthetic experiences are based upon the isomorphy of neural structures in the brain, that is topological compatibility between communicators and recipients, while an anisomorphy evokes disharmonic interpretations of aesthetic signals. Based upon the topology of a superstructure similar to the brain, it will be attempted to audially depict the chaotic trajectory which is called thinking, and make the harmonics of a thought hearable to the naked eye. The holy harmonies, the music invoked by the mythical muses, present themselves as a mathematical set of signs and are spawned by mechanical vibrations: as melodies. Reto Schölly is a Swiss artist. He studied cybernetics and business administra- tion in Stuttgart and worked initially as an author of technical books, programmer, and project manager. After small projects in painting, street theater, and music he is now preparing a dissertation on the subject of cybernetic reflexivity between humans, technology, art, and mysticism. In 2010, he participated in Bazon Brock’s lecture series “Pythagoras in Delphi” at the German Historical Museum Berlin and at the Karlsruhe University of Arts and Design. His exhibitions include MATGX_BLAU at the Contemporary Art Ruhr, in the Arttower Berlin, an exhibition of 33 matrix graphics at the A+K Freiburg, and “Poetry of Mathematics” at the Kultur- und Bürgerhaus Denzlingen. He is the author of the book Linuxprogrammierung mit C++, published in 2001 by Data Becker.

Robert Cahen: Das Unsichtbare erzählen | Discussion Robert Cahen in discussion with Isaac Julien Released May 26, 2011 In conjunction with the exhibition Robert Cahen. Narrating the Invisible the internationally renowned French video artist Robert Cahen will be appearing in conversation with the acclaimed British film-maker Isaac Julien. Isaac Julien, who has also gained recognition for his curatorial work and who is Professor at the Karlsruhe University of Arts and Design, will lead the conversation and, complementing the exhibition of video installations, he will present a selection of single channel video art works by Robert Cahen. /// Im Rahmen der Ausstellung »Robert Cahen. Das Unsichtbare erzählen« fand im ZKM_Vortragssaal ein Gespräch zwischen dem international renommierten französischen Videokünstler Robert Cahen und dem britischen Videokünstler und Filmemacher Isaac Julien statt. Isaac Julien, der in den letzten Jahren auch als Kurator bekannt wurde und an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung eine Professur innehat, führte das Gespräch und ergänzend zur Ausstellung wurden eine Auswahl von Einkanal-Videoarbeiten Cahens präsentieren.

The Digital Oblivion. Substanz und Ethik in der Konservierung digitaler Medienkunst | Symposium Do, 04.11.2010 – Fr, 05.11.2010 Hans Belting behandelt in seinem Vortrag drei Themen: Das kulturelle Gedächtnis, die digitalen Medien und die Konservierung der Medienkunst. Dabei stellt er sich die Frage, ob ein Digitales Archiv nicht ein Widerspruch in sich ist. Sein Problem mit dem Begriff ergibt sich aus der Tatsache, dass ein Archiv eigentlich von seinem Wesen her konstant ist, während sich digitale Medien stets im Flux des technischen Fortschritts befinden. Daraus ergibt sich, dass digitale Archive neu gedacht werden müssen, damit sie überhaupt existieren können. Brauchen wir nun Archive für digitale Kunst oder digitale Archive für alles, was anders gespeichert wird? Das digitale Zeitalter fordert uns zu einer Neuordnung der Erinnerung auf. In der Medienkunst wird es dabei nicht nur um die Anfänge gehen, sondern auch um das Verhältnis von Technologie und Konzept, da Medienkunst eine Art »Zwitter« aus Technologie und Konzept darstellt. Alte Techniken kommen aus der Mode und werden als Erinnerung archiviert, auch um die Überlegenheit neuer Technologien zu demonstrieren. Kunst wird hingegen anders erinnert, denn sie veraltet nicht in gleichem Maße und auf die gleiche Weise, weil sie ohnehin nicht zum Gebrauch und Nutzen bestimmt ist. Ihr Wert bemisst sich eher daran, wie »unwiederholbar« sie ist. Medienkunst veraltet zwar so rasch wie ihre Technik, jedoch nicht in ihren Ideen und Konzepten. Ihre Erhaltung macht insofern Sinn, als dass sie zeigen kann, wie wichtig Konzept und Idee im Gegensatz zu technischen Neuerungen in der Kunst sind. Zugleich stellen frühe Werke der Medienkunst aber auch eine Art Auflehnung gegen jede Form von Konservierung dar. Wenn sie dann trotzdem für die Nachwelt erhalten werden, geraten sie, zu »Schmetterlingen, die gefangen und aufgespießt sind, [und daher nicht mehr] fliegen.« Der Kunsthistoriker Hans Belting hat, nach Stationen an den Universitäten in Hamburg, Heidelberg und München, 1992 die Hochschule für Gestaltung (HfG) in Karlsruhe mitbegründet und die Fächer Kunstwissenschaft und Medientheorie gelehrt. Gegenwärtig betreut er u. a. das Projekt GAM (Global Art and the Museum) sowie die Ausstellung »The Global Contemporary. Kunstwelten nach 1989« am ZKM | Karlsruhe. /// Hans Belting argued that the concept of the digital archive was contradictory. Digital media, he suggested, are subject to rapid change and thus inherently unstable, with a large gap likely to open up between, on the one hand, vast quantities of data and, on the other, limited possibilities for their preservation. In this context, he also noted that non-Western cultures have different ideas of contemporaneity, with less contradictory relations to concepts of tradition. In conclusion, Belting presented an analysis of media art as a »hybrid of technology and concept«. When placed in a museum, old technologies merely gathered dust. Artworks, by contrast, aged in a different way, since they had never been useful in the same manner. Thus, the conservation of artworks must concentrate on their contents. With reference to early media art, it was not clear why it should be reproduced – unlike established art, it wanted to be fleeting and evanescent. »To capture and mount a butterfly is to take away its ability to fly.« Hans Belting was co-founder of the Karlsruhe University of Arts and Design (1992) and professor of art history and media theory (until 2002). At present, he is amongst others advisor of the project GAM (Global Art and the Museum) and of the exhibition »The Global Contemporary. Art Worlds After 1989« at the Center for Art and Media Karlsruhe (ZKM).

Trust models have been touted to facilitate cooperation among unknown entities. In our current work, we are interested in behavior-based trust models, i.e., models that derive the trustworthiness of an entity from its behavior in previous interactions. Existing proposals in this field typically feature one specific trust model. Further, various publications exist which have proposed different centrality measures to rank individuals, i.e., compute their reputation based on feedback, and have demonstrated their effectiveness in certain (rather specific) situations. This presentation in turn proposes a framework for behavior-based trust models for open environments with the following distinctive characteristic. Based on a relational representation of behavior-specific knowledge, we propose a trust-policy algebra allowing for the specification of a wide range of trust policies. Since the evaluation of the standing of an entity requires centrality indices, we propose a first-class operator of our algebra for their computation. The presentation concludes with an objective comparison of the effectiveness of the various centrality measures in reputation systems. About the speaker: Klemens Böhm is full professor for computer science at Universität Karlsruhe (TH). Before joining Karlsruhe University in 2004, he has been a professor at Magdeburg University. Prior to that, he has been affiliated with ETH Zurich and GMD Darmstadt. His research interests are distributed information systems, e.g., Peer-to-Peer systems and Grid infrastructures, data management in ubiquitous environments, and data warehousing. Klemens puts much effort in interdisciplinary research and application-oriented projects, currently ranging from biosys-tematics to traffic-data management.