ZKM | Karlsruhe /// Gespräche /// Talks

The Art of... | Dokumentation [09.08.2022] Als Elisabeth Walther-Bense 2018 im Alter von 95 Jahren in Stuttgart starb, gab es kaum eine öffentliche Reaktion. Dass sie die ersten Professorin der heutigen Universität Stuttgart war, schien ebenso vergessen wie ihre Leistungen als Übersetzerin, Semiotikerin und Publizistin. Das ZKM, in dessen Archiv sich ihr Nachlass befindet, nimmt den 100. Geburtstag von Elisabeth Walther-Bense zum Anlass, mit einer Dokumentation ihr Leben und Werk in Erinnerung zu rufen.

The Art of... | Talk [12.04.2022] Gideon Bachmann, dessen Stimmenarchiv sich seit 2014 am ZKM befindet, führte von 1963 bis 1975 zahlreiche Gespräche mit dem Schriftsteller und Filmemacher Pier Paolo Pasolini. In den unkonventionell geführten Interviews offenbaren sie Pasolinis kritische Gedanken zur poetischen Eigenart des Kinos, zum Umgang mit der Vergangenheit und zur Bedrohung durch einen technokratischen Neokapitalismus. Bachmann sah in Pasolini einen Seismographen der Gesellschaft.

The Art of... | Talk [08.03.2022] What if machines and works of art would engage us in conversations? »The Art of...« invites you into the world of one of the most brilliant figures of cybernetics in the 20th century - Gordon Pask (1928-1996), the creator of learning machines and cybernetic artworks. Gordon Pask (1928, Derby–1996, London) fascinated his contemporaries not only by his appearance – an Edwardian dandy in a bow tie and cape – but also by his pioneering experiments in the field of adaptive teaching machines. As early as the 1950s, he proved that it was possible to build teaching machines that could adapt to the abilities of human learners. What makes his work unique within cybernetics, however, is its close connection to the arts. Pask was not only a cartoonist, painter, and poet, but also founded a theater company in the early 1950s for which he wrote his own plays and songs. Thus, theaters and music halls became the experimental laboratory for Pask's first cybernetic machines. Among his best-known projects and works are »Musicolour« (1953-1957), the 'moody' light organ, and the »Colloquy of Mobiles« (1968), which he developed for the legendary exhibition »Cybernetic Serendipity« at the ICA London. Often overlooked when considering Pask is the influence of his cybernetic thinking– his »Conversation Theory« – on 20th-century architecture: Pask collaborated on the conception of the »Fun Palace« (1964), the visionary project of architect Cedric Price and theater activist Joan Littlewod, and taught for many years at the Architectural Association in London. It is also too little known that he served as a consultant to Nicholas Negroponte's Architecture Machine Group at MIT, informing its ideas about the relationship between artificial intelligence and design. Titled »The Art of Living in Conversation«, Paul Pangaro, President of the American Society for Cybernetics, and historian of science Andrew Pickering, in conversation with Margit Rosen, explore how Pask's machines and his »Conversation Theory« might change the way we think about living with machines. »The Art of Living in Conversation« belongs to the online conversation series dedicated to artists and theorists related to the ZKM collection and archives.

The Art of... | Talk [14.12.2021] Clean water is essential for life on earth. Access to it has been a declared human right by the UN since 2010. In a country like Chile, where water is no public good, rivers hence become a symbol of a ruthless and failed economic system. Chilean media and sound artist Claudia González Godoy works at the intersection of art, science and technology. She dedicates her work to Chilean rivers, which she considers – in a poetic way – from geographical, socio-political and chemical perspectives. With a sensitivity to systemic relationships and through extensive field research she explores the effects of industrial overuse of water on the environment and the communities living along the rivers. Examples include excessive mining for copper and hydroelectric power generation for private companies. González Godoy translates the findings of her observation and research into mixed media installations that integrate image and sound. She combines digital technologies with analog processes such as copper engraving. The works are animated by water and electricity as central components. For the conversation, Claudia González Godoy has invited the curator, scholar and cultural manager Alessandra Burotto Tarky, who has accompanied the artist's work for many years.

zkm_gameplay. the next level. Eco Games | Online conversation [02.11.2021] Computer games can address ecological concerns. But is a game only ecological if it explicitly deals with environmental issues on the content level? Can the relationship to nature be thought of in a fundamentally different way in computer games? What can environmentally conscious game worlds look like? In short – what does ecological game design involve? Alenda Y. Chang is the author of »Playing Nature – Ecology in Video Games«, published in 2019. The book represents one of the key works in game studies when it comes to environmental issues and ecology. Using ecological concepts such as »Scale«, »Mesocosm«, »Nonhuman«, »Entropy«, and »Collapse«, Chang discusses opportunities and challenges that arise in and through computer games in five chapters. The following questions are up for discussion: What questions arise when we adress ecology and games? How can we define environmental games? What characteristics should they fulfill? Can computer games foster empathy for non-human beings and the environment? What can we learn from or through games about cohabitation, respect, and interconnectedness? What about the physical environmental impacts of computer games? How might sufficiency be imagined when talking about games? What about the physical environmental impact of computer games and how might sufficiency – the effort to use as little energy and material as possible – be thought of in the game context?

Der Digitale Salon | Gespräch [08.10.2021] Gerhard Roth geht davon aus, dass aus der Hirnforschung ein neues Menschenbild entsteht. Geist und Ich und jedem anderen geistigen Zustand gehen neuronale Prozesse vorher, was dem traditionellen Dualismus von Geist und Körper widerspricht, aber auch nicht zum neurobiologischen Reduktionismus führt. Es gibt zwar für ihn keine prinzipielle Schranke, alle kognitiven Prozesse neuronal zu erklären, das ist vielmehr eine Frage der Technik. Allerdings können Gehirne niemals Gehirne vollständig erklären, was nach dem Gödelschen Unvollständigkeitssatz auch für die Logik gilt. Es gibt in der Selbstbezüglichkeit einen Rest an Unerklärbarem. Die Menschen leben in einer Simulation, in einer virtuellen Realität, das Gehirn konstruiert die Wirklichkeit und hat keinen Zugang zur objektiven Welt. Vor allem mit seiner neurowissenschaftlich begründeten These, dass Willensfreiheit im traditionellen philosophischen Sinn eine Illusion ist, stieß er auf Widerstand wegen der strafrechtlichen Konsequenzen, die man davon ableiten kann. Prof. Dr. Dr. Gerhard Roth ist einer der bekanntesten deutschen und europäischen Hirnforscher. Er promovierte in Philosophie und Biologie und wurde 1976 Neurowissenschaftler an der Universität Bremen, wo er das Institut für Hirnforschung mitbegründete und als Direktor viele Jahre leitete. Er ist Autor zahlreicher Bücher, in diesem Jahr ist »Über den Menschen« erschienen, in dem er sich aus neurowissenschaftlicher Sicht mit philosophischen Fragen auseinandersetzt.

The Art of... | Talk [12.10.2021] In der Reihe »The Art of...« lädt das ZKM Künstler:innen der Sammlung ein, über Themen ihrer Wahl zu sprechen. Mit Manfred Mohr (*1938, Pforzheim) hat ein Künstler die Einladung angenommen, der die traditionelle Malerei Ende der 1960er-Jahre verließ, um am Computer das Wesen des schöpferischen Prozesses zu untersuchen und dabei zu neuen, komplexen Formen zu gelangen. Manfred Mohr gehört zu den weltweit bekanntesten Pionieren der digitalen Kunst, mit der Einzelausstellung »Computer Graphics. Une Esthétique Programmée« am Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris im Frühjahr 1971 schrieb er Geschichte. Als Mohr 1969 die Entscheidung traf, Pinsel und Leinwand gegen Computer und Plotter einzutauschen reagierten Künstler und die Kunstkritik mit Verwunderung. Viel war in der Presse seit den 1950er-Jahren über die neue Technologie berichtet worden, dennoch war der Computer noch lange kein Medium, dessen Verwendung der Öffentlichkeit vertraut war. Aus welchem Grund sollte ein Maler, der sich in der Pariser Kunstwelt erfolgreich etabliert hatte, alles hinter sich lassen, um die Möglichkeiten dieser Technik für die Kunst zu erkunden? Das Gespräch widmet sich dem Weg des Künstlers von den tachistischen Anfängen der Studienzeit, der Hard-Edge-Malerei bis zur generativen Kunst. Welchen Einfluss hatte der Maler K. R. H. Sonderborg? Welche Rolle spielte der Philosoph Max Bense, der für eine rationale Kunst der „technischen Existenz“ warb oder der Komponist Pierre Barbaud, der in Frankreich zu den Wegbereitern computergenerierter Komposition gehörte? Manfred Mohrs Werk lädt ein zu einer Konversation über Jazz, serielle Musik, Informationsästhetik, technische Bildwelten, Meteorologie, n-Dimensionalität und der Faszination generativen Denkens.

zkm_gameplay. the next level. Eco Games | Online conversation [05.10.2021] Chris Crawford has been developing computer games since the 1980s – among others with ecological themes. How important is the topic for him nowadays and what has changed since back then? How should games be designed today to be ecologically effective? Chris Crawford is an American computer game developer and author. He was one of the best-known game developers in the 1980s and an early proponent of computer games as an art form. In 1987, he founded the »Computer Game Developers Conference» – now the »Game Developers Conference« – one of the world's most important professional conferences for the computer game industry. In addition to works such as »Eastern Front (1941)« and »Balance of Power«, he also designed and programmed the game »Balance of the Planet«, which is exhibited in the section »Eco Games« in the exhibition »zkm_gameplay. the next level« Dominik Rinnhofer – curator of the section »Eco Games« – poses the following questions for discussion: What drove Chris Crawford to develop Eco Games like »Balance of the Planet«? How can games be used to communicate complex issues? How should Eco Games be designed today to be effective? What has changed in the last 40 years in terms of computer games and ecology?

zkm_gameplay. the next level. Eco Games | Online-Gespräch [26.08.2021] Der Game Designer Georg Hobmeier im Gespräch mit Dominik Rinnhofer Die gesellschaftliche Bedeutung von Umweltthemen geht auch an der Spielebranche nicht vorbei: Obwohl sie weiterhin eine Nische darstellen, beschäftigen sich immer mehr Indie-Games mit Ökologie und Umweltschutz. Doch warum eigentlich? Was motiviert die Entwickler:innen dazu? Georg Hobmeier ist Narrative und Game Designer bei Causa Creations, einem unabhängigen Spielentwicklungsstudio, das aus einem multidisziplinären Team aus Entwickler:innen, Künstler:innen und Designer:innen besteht. Sie verstehen Spiele nicht nur als unterhaltsamen Zeitvertreib, sondern möchten Erlebnisse schaffen, die zum Nachdenken anregen. Dominik Rinnhofer – Kurator des Bereichs »Eco Games« der Ausstellung »zkm_gameplay. the next level« – stellt folgende Fragen zur Diskussion: Was motiviert Computerspiel-Entwickler:innen dazu soziale und ökologische Themen zu behandeln? Wie kann man mit bedrückenden und schwierigen Themen wie Umweltverschmutzung und Flucht in Spielen umgehen? Was sollen die Spiele bei den Spielenden auslösen? Wie ist der Trend zu ökologischen Thematiken in großen Entwicklungsstudios zu verstehen

zkm_gameplay. the next level. Eco Games | Online-Gespräch [29.07.2021] Die Macher:innen des Psychologie-Podcasts »Behind the Screens« im Gespräch mit Dominik Rinnhofer Betrachtet man Computerspiele vor dem Hintergrund, wie und ob sie ökologische Themen transportieren, tauchen rasch eine Reihe von Fragen auf: Wie wirksam können Spiele überhaupt sein? Können Games das Verhalten von Menschen zum Positiven verändern? Oder kurz gesagt: Kann man mit Spielen die Welt retten? Die Psychologin Jessica Kathmann sowie die beiden Psychologen Benjamin Strobel und Nicolas Hoberg betreiben seit dem 8. November 2017 den Podcast »Behind the Screens«, in welchem sie unterschiedliche Themen in Spielen aus psychologischer Sicht erforschen und besprechen. Dominik Rinnhofer – Kurator des Bereichs »Eco Games« der Ausstellung »zkm_gameplay. the next level« – stellt folgende Fragen zur Diskussion: Wie wirksam können Spiele sein – welche Verhaltensweisen lassen sich mit der Hilfe von Spielen verändern und wie funktioniert das? Spiele als Medium und Propagandainstrument – was sind die Chancen und Gefahren? Kann man mit Spielen den Klimawandel stoppen? Funktioniert das »nur« mit digitalen Spielen oder auch mit analogen?

The Art of... | Talk [14.09.2021] Die Konzeptkünstlerin Margret Eicher, in deren Werk barocke Bildwirkerei auf digitale Collage trifft und materielle Kunstfertigkeit auf elektronische Motivschöpfung, gewährt im Gespräch mit dem Kunst- und Kulturwissenschaftler Wolfgang Ullrich Einblicke in ihr postmodernes Arkadien.

The Art of... | Talk [08.06.2021] Total Refusal in conversation with Jérôme Nguyen, Margit Rosen and Laura Schmidt. Computer games are at once the poster boy of the capitalist entertainment industry and the neglected mass medium of our time. The artists' collective Total Refusal explores this ever expanding field with artistic interventions. Important impulses are the role of art as a political medium, media upcycling as well as hyper-realism in computer games. The artists' collective Total Refusal was founded in 2018 by Robin Klengel, Leonhard Müllner and Michael Stumpf, and joined by Susanna Flock, Adrian Jonas Haim and Jona Kleinlein in 2020. Launched as "Digital Disarmament Movement", the group now defines itself as a "pseudo-Marxist media guerilla". The open collective criticizes existing practices in the genre of video games and opens up a new perspective with tools of appropriation and repurposing of game resources: "Acknowledging that this media is currently failing to realize its cultural potential, we aim to appropriate digital game spaces and put them to new use. Operating within games but casting aside the intended gameplay, we dedicate these resources to new activities and narratives, seeking to create 'public' spaces with a critical potential." Since 2018, the work of the artists' collective has been awarded 27 prizes and was showcased at more than 130 international film and video festivals as well as in numerous exhibitions, including the Berlinale, BFI London, Doc Fortnight at MoMA, NY, HEK Basel, Ars Electronica and the Venice Biennale 2021. Since 2019, Total Refusal is also represented in the ZKM collection. Their work »Circumventing the Circle of Death. A Pacifist Finger Excercise« is presented in the exhibition »zkm_gameplay. the next level«.

The Art of... | Talk [13.07.2021] A conversation about the German-American engineer and pioneer of electronic musical instruments. Peer Bode, Rebekkah Palov and Tom Rhea talk about synthesizers, frequency shifters and sound modulators – about a life for (electronic) sound. Harald Bode (1909–1987) was a pioneer of electronic musical instruments. Over a period of about half a century, he invented more than fifteen instruments. With his early inventions of the »Warbo Format Organ« (1937) and his »Melochord« (1947), he is considered one of the fathers of modern synthesizers and was also a crucial part in the development of the famous »Moog Synthesizer«. The modulation and alteration of music, speech and sound determined his scientific and technical research for the rest of his life. The estate of Harald Bode contains about eleven meters of documents, including sketches, circuit diagrams, photographs, manuscripts and typescripts as well as correspondence concerning his scientific, technical and artistic activities. Also part of Harald Bode's personal estate are his notebooks or diaries from 1930 to 1983. The holdings provide a detailed insight into his personal life experiences, inventions, plans and thought processes. The conversation together with Peer Bode, Rebekka Palov and Tom Rhea tries to capture and trace this extraordinary personality and the pioneer of electronic arts in his work and his thinking.

Der Digitale Salon | Gespräch [10.09.2021] Florian Rötzer spricht mit dem Literatur- und Kulturwissenschaftler Joseph Vogl über finanzökonomische und technische Grundlagen der digitalen Gesellschaft, über Informationskapitalismus und Kommunikationstechnik. Joseph Vogl ist Professor für Literatur- und Kulturwissenschaft und Medien am Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin. Zuvor war er Professor für Geschichte und Theorie künstlicher Welten an der Fakultät Medien der Bauhaus-Universität Weimar. Daran kann man schon erkennen, dass sich das Denken von Vogl nicht in vorgesetzten Bahnen bewegt, sondern neben der Spur. Das hat Vogl auch in seinen zahlreichen Gesprächen mit Alexander Kluge vorgeführt. Florian Rötzer wird mit Joseph Vogl darüber sprechen, ob der:die Intellektuelle, der:die auf der Höhe der Zeit sein will, sich mit den finanzökonomischen und technischen Grundlagen der digitalen Gesellschaft beschäftigen muss. Vor allem wird es darum gehen, welche Gesellschaften aus dem Informationskapitalismus durch Amalgamierung von Finanzmarkt und digitaler Informations- und Kommunikationstechnik entstehen. Vogl konstatiert nicht nur den Verfall der Demokratie, sondern auch die Zersplitterung der Gesellschaften, in der unter den Bedingungen der marktförmigen Konkurrenz Ressentiments gegen andere fragmentierte Gruppen freigesetzt und ausgebeutet werden. Gibt es einen Ausweg?

Der Digitale Salon | Gespräch [09.07.2021] Florian Rötzer spricht mit dem Soziologen Armin Nassehi über Aspekte und gesellschaftliche Folgen der Digitalisierung, über Wissenschaft und Politik. Einer der Schwerpunkte der Forschung von Nassehi, der sich als Wissenschaftler in unterschiedlichen Rollen und nicht als Intellektueller versteht, ist der Transfer von wissenschaftlichen Erkenntnissen in politische Entscheidungen – zuletzt ganz praktisch im Expertenrat Corona der nordrhein-westfälischen Landesregierung und im Bayerischen Ethikrat. Er warnt vor Illusionen einer Übertragung der Wissenschaft in Politik, denn Letztere habe keine wissenschaftlichen, sondern politische Probleme zu lösen. Die Pandemie habe für ihn vor allem in Echtzeit vorgeführt, wie die Gesellschaft und Alltagsleben funktionieren, weil übliche Routinen plötzlich außer Kraft gesetzt wurden. Die Aufgabe der Sozialwissenschaften dürfe heute nicht mehr nur die Technikfolgenabschätzung sein, sondern es sei höchste Zeit, die technische Revolution zu verstehen: »Es geht darum, was wir von dieser neuen, digitalisierten Wirklichkeit sehen. Früher hat der Intellektuelle so lange Sätze geprägt, dass man wusste, das kommt aus mindestens sieben Büchern. Das setzt ein Weltwissen voraus, das man abrufen kann. Das Weltwissen wird jetzt anders geordnet. Das müssen wir lernen.«

Der Digitale Salon | Gespräch [11.06.2021] Mit Raúl Rojas, Professor für Mathematik und CS (Universität von Nevada, Reno) wollen wir darüber sprechen, wie sich mit Künstlicher Intelligenz und autonomen Robotern unsere Arbeits- und Lebenswelt verändern wird, wo es gefährlich wird und wie Menschen sich an die neuen Mitbewohner anpassen können. Wie persönlich werden autonome Fahrzeuge, Smart Homes, Pflege-, Spiel- oder Sexroboter werden? Sollten der Entwicklung Grenzen gesetzt werden? Werden wir eventuell zu Sklaven der von uns geschaffenen intelligenten Wesen? Wir befinden uns gerade am Übergang von der Schriftkultur zur Binärkultur der Algorithmen. Werden die Intellektuellen und Gelehrten der Schriftkultur, die Aufklärung, Wissenschaft und gesellschaftliche Veränderungen vorangetrieben haben, von den Code- und Algorithmen-Virtuosen der Binärkultur abgelöst? In einer zunehmend digitalisierten Welt ist die Wirklichkeit mehr und mehr bestimmt durch Codes und Algorithmen. Wer diese nicht versteht, droht zur neuen Schicht der Analphabeten zu werden.

The Art of... | Talk [12.05.2021] With »The Art of...« ZKM invites artists of the collection to talk about a topic of their choice. With Frieder Nake (*1938 Stuttgart), an artist has accepted the invitation who wrote history with his early aesthetic experiments using computers. Frieder Nake talks with Margit Rosen, Head of Collections, Archives, and Research, about algorithmic thinking, computer graphics, Karl Marx, chance and beauty, and why there are no more masterpieces. As early as 1964, the mathematician created a series of abstract drawings on a mainframe computer at the Technical University of Stuttgart. They are among the first works of »computer art« worldwide. Anyone who wants to understand the pioneering era of digital art has no choice but to read Frieder Nake's brilliantly formulated essays and manifestos on questions of information aesthetics and art. Frieder Nake chose »The Art of Being Precise« as the title for the conversation. He explains his choice as follows: "There is a book by Max Bense, »Die präzisen Vergnügen« [The Precise Pleasures] (1964). For him, that was the program. Emotions in art? How vulgar! We think pictures, we don't make them. We have machines for making them. We program the machines so that they do what we want. In the mid-1960s, when this started, Sol LeWitt said, "The idea becomes a machine that makes the art." With the computer, the semiotic machine had emerged, a machine nobody foresaw. The image-making took on a radically new dimension: it was no longer a matter of making one image, but of thinking an infinite number of them. And, indeed, when I think one picture, I immediately think many and more. Please, always keep in mind: We think pictures, it is said, and not: we think of the pictures! This is a big and a radical difference. In the mid-1960s, the algorithmic revolution broke into art and has been writing a strand of its history ever since."

The Art of... | Book Launch [13.04.2021] Cornelia Sollfrank and Winnie Soon present the open access publication »Fix My Code« and show how the »net.art generator« as a conceptual tool has not only produced new art, but a further discourse. Two artist-researchers from different generations, with different cultural backgrounds and different expertise engage in a dialogue about code as material, affective and other infrastructures, the necessity of collaboration, the productive side of dysfunctionality and the gender aspects of technopolitics. The occasion for their dialogue is a project they have been working on together for many years and which has also been part of the ZKM collection since 2009: net.art generator (»nag«). The net.art generator (since 1998) is a computer program that interactively collects material from the internet and generates new images from it. The work – meanwhile a classic of net art – uses an interface (API) to google search. Due to changes in the terms of use and the resulting restrictions on search queries, the program suddenly stopped working in 2015. What followed was an intense exploration of the breaking points of code and net culture, documented in the new open access publication »Fix My Code«.

[14.04.2021] »Die beste aller Welten ist immer nur jetzt!« Dieses Credo Weibels wird plausibel, wenn man sich wie Peter Weibel permanent um neue Denkansätze und ein kreatives Vokabular bemüht, das aus der aufmerksamen Lektüre aktueller Erkenntnisse in Kunst, Wissenschaft und Technologie resultiert. Lassen sich doch aus diesem Ansatz eines mehrfach strukturierten Diskursfeldes die Notwendigkeiten und Chancen der Veränderbarkeit und Zukunftsgestaltung von Welt stets neu belegen. In diesem Video-Vortrag, der sich als Beitrag zur Konzeptkunst (Art&Language) versteht, verfolgt Peter Weibel einmal mehr sein künstlerisch-medienwissenschaftlichen Programm der Biophilie. Zentral dafür ist die Ideengeschichte des Holons [Griech. holos (Ganzes) und -on (Teil)]. Ein Holon ist nach Arthur Koestler (1967) etwas, das Integrität und Identität besitzt, während es zugleich Teil eines größeren Systems darstellt, das wiederum Subsystem eines größeren Systems ist. Diese systemische Struktur, die aus naturwissenschaftlichen Überlegungen entstand, erscheint Weibel vielversprechend nicht nur als Beschreibungskategorien biologischer Verhältnisse, sondern auch in ihrer Applikation auf posthumanistische Mensch-Maschine-Systeme und sonstige Self-organizing holarchic open systems (SOHO) – zeigt sich damit doch deutlich, dass die im mechanistischen Weltbild verankerte Beziehung von Teil und Ganzem längst eine zu korrigierende ist. Der Vortrag, der selbst dem holistischen Paradigma verpflichtet ist, organisiert Gedanken aus der Naturphilosophie mit Informationstheorie, führt zu den Anfängen der Holografie und endet im Hier und Jetzt der metaphorischen Virologie. Als Bestandteil eines größeren Projekts Weibels dient dieser Vortrag als ein Integral, um basierend auf der Allianz von Medienkunst und Wissenschaft eine Theorie biomimetischer Medienkunst zu entwickeln.

Der Digitale Salon | Gespräch [09.04.2021] Gast im digitalen Salon des ZKM ist Frau Prof. Dr. Nicola Gess, die Literaturwissenschaft an der Universität Basel lehrt und gerade ein Buch über »Halbwahrheiten. Zur Manipulation von Wirklichkeit«, erschienen im Verlag Matthes & Seitz, veröffentlicht hat. In ihm erläutert sie, dass Fake News, Verschwörungstheorien und populistische Propaganda häufig auf Halbwahrheiten zurückgreifen. Sie schlagen die Brücke von einem faktenbasierten Diskus zum Raum der Spekulation und Fiktion, und es geht ihnen letztlich nicht um Wahrheit oder Lüge, sondern um Kohärenz, Glaubwürdigkeit und Aufmerksamkeit. Ihre These ist, dass Faktenchecks an Vertretern von Halbwahrheiten deswegen abprallen, zuständig für ihre Entlarvung seien Fiktionstheorie und Narratologie, also Instrumente der Literaturwissenschaften.

»Connected to Life«, Chiharu Shiota | Gespräch [17.03.2021] Welche Bedeutung hat Chiharu Shiotas Installation »Connected to Life« in Zeiten von Covid-19? Zur Öffnung des ZKM und der Präsentation des Werks im Foyer unterhält sich Peter Weibel mit Dr. Lisa Federle über Corona und Kunst.

Ed und Urs Kiënder. Rollobjekte. Vom Raumbild zum Rollraum | Gespräch [05.02.2021] Im Rahmen der Ausstellung »Ed und Urs Kiënder. Rollobjekte. Vom Raumbild zum Rollraum« zeigt das ZKM | Karlsruhe mit »Flick-Flack« ein skurril-modernes Märchen, das mit Hanns Dieter Hüsch, Günter Strack, Gisela Trowe und anderen prominent besetzt ist. Der Plot des Fernsehfilms, der im Jahr 1970 für den Hessischen Rundfunk unter der Regie von Gerd Winkler realisiert wird, lässt sich wie folgt zusammenfassen: Derjenige, der den perfekten Flickflack – einen rückwärts ausgeführten Handstandüberschlag – beherrscht, bekommt eine schöne, reiche Erbin zur Frau. »Flick-Flack ist als ein heiter-grotesker Film angelegt mit vielen ironischen Anspielungen und gesellschaftskritischen Seitenhieben. Flick-Flack ist ein Turner-Film, wobei Training und Turnen gleichzusetzen ist mit vielem, was unser Leben automatisch beherrscht.« (Gerd Winkler) Ed und Urs Kiënder, deren künstlerisches Schaffen in der aktuellen Werkschau im ZKM | Karlsruhe präsentiert wird, verantworteten den Film maßgeblich mit. Nicht nur stammten die Kostüme von Urs Kiënder und die Ausstattung von Ed Kiënder. Auch ist die gesamte Geschichte so konzipiert, dass eine Vielzahl von Kunstwerken, zum Teil für diesen Anlass speziell angefertigt, in Szene gesetzt werden konnte. Entsprechend der Handlung dienen diverse Aktionsgeräte als Turn- und Trimmgeräte, wie die Lauftonne, die Flick-Flack-Übungsmaschine oder der Arm-Trainer. Typisch Kiënder, basieren diese Arbeiten allesamt auf den Bewegungen Rollen und Rotieren. Diese Themen finden sich in weiteren Elementen des Films, etwa dem wiederkehrenden Motiv der Schnecken mit spiralig gewundenen Gehäusen und nicht zuletzt dem titelgebenden Flickflack selbst, der auf zwei halbkreisförmigen Bewegungen basiert.

BEYOND MATTER? – A Revival of Clashes between Materiality and Representation | Online Diskussion [01.03.2021] Im Rahmen der Gesprächsreihe »BEYOND MATTER? – A Revival of Clashes between Materiality and Representation« reflektieren Peter Weibel und Manfred Wolff-Plottegg über die Szenografie der Ausstellung »Iconoclash«, deren Entstehungsprozess und mögliche Auswirkung auf das geplante digitale Ausstellungsmodell. Die Diskussion beschließt die erste Hälfte über »Iconoclash« der »BEYOND MATTER«-Gesprächsreihe. Fortgeführt wird sie mit Interviews zur Ausstellung »Les Immatériaux« des Centre Pompidou Paris. »BEYOND MATTER« ist ein internationales, kollaboratives, praxisbasiertes Forschungsprojekt, das über die virtuelle Bedingung reflektiert, mit einem besonderen Schwerpunkt auf ihren räumlichen Aspekten in der Kunstproduktion, dem Kuratieren und der Vermittlung. Neben anderen praxisbezogenen Forschungsaktivitäten werden zwei bahnbrechende Ausstellungen digital wiederbelebt. Eine davon, »Iconoclash. Jenseits der Bilderkriege in Wissenschaft, Religion und Kunst«, wurde 2002 im ZKM Karlsruhe präsentiert. /// In the context of the series of talks »BEYOND MATTER? – A Revival of Clashes between Materiality and Representation«, Peter Weibel and Manfred Wolff-Plottegg reflect on the scenography of the »Iconoclash« exhibition, its development process and possible impact on the planned digital exhibition model. The discussion concludes the first half on »Iconoclash« of the »BEYOND MATTER« series of talks. It will continue with interviews on the exhibition »Les Immatériaux« of the Centre Pompidou Paris. The project »BEYOND MATTER« takes cultural heritage and culture in development to the verge of virtual reality by the means of various activities and formats. Among other practice-based research activities, two groundbreaking exhibitions will be revived digitally. One of them, »Iconoclash. Beyond the Image Wars in Science, Religion and Art«, was presented at ZKM Karlsruhe in 2002.

BEYOND MATTER: Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality | Online Discussion [16.11.2020] The project »BEYOND MATTER: Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality« serves to revive past, groundbreaking exhibitions. One of them, »Iconoclash. Beyond the Image Wars in Science, Religion and Art«, was presented at the ZKM Karlsruhe in 2002. In the context of the series of talks »BEYOND MATTER? – A Revival of Clashes between Materiality and Representation« Sabine Himmelsbach remembers the preparatory phase for the exhibition »Iconoclash«. With a leap into the present, she shares her current practice as the director of H3K (Haus der elektronischen Künste Basel), focusing on the institution’s reaction to the recent lockdowns and the possible ramifications of these measures.

BEYOND MATTER: Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality | Interview [07.09.2020] The project »BEYOND MATTER: Cultural Heritage on the Verge of Virtual Reality« serves to revive past, groundbreaking exhibitions. One of them, »Iconoclash. Beyond the Image Wars in Science, Religion and Art«, was presented at the ZKM Karlsruhe in 2002. In the context of the series of talks »BEYOND MATTER? – A Revival of Clashes between Materiality and Representation« the curators Peter Weibel and Bruno Latour talk about the ZKM exhibition »Iconoclash«. The exhibit aimed to display, in a systematic confrontation, three great clashes about representation – about its necessity, sanctity, and power – in the domains of science, art, and religion. By linking the three domains of theology, art and science all at once, the aim was not to increase the critical mood or to reinforce disbelief and irony. On the contrary, the aim was to transform iconoclasm from being an indisputable resource into a topic to be systematically interrogated.

»Assoziationen«. Mind Art-Projektionen zu »Meine Zeitung« 2020 | Gespräch [24.06.2020] Die Essenz liegt für Gerhard Johann Lischka in der Gegenwärtigkeit des Denkens, das um die Verknüpfungen aller Dinge weiß. Lischkas Mind Art-Projektionen ermöglichen ein Zoomen in das mittlerweile fast 50-jährige Schaffen dieses Ausnahmekünstlers. Das Gespräch wird Peter Weibel führen. Für den Künstler- und Kulturphilosophen von Rang Gerhard Johann Lischka ist die den Menschen umgebende Umwelt eine unausweichliche, ihn bedingende und formende Komponente. Sein Augenmerk gilt daher der aufmerksamen, geistesgegenwärtigen Beobachtung des aktuellen Geschehens. Die daraus resultierenden Gedankengänge bilden die Fermente und Fundamente einer neuen Kunstform, die er mit dem Überbegriff Mind Art betitelt. Die freien und offenen Gedanken, die permanente Bewegung des Geistes, das Denken, zusammengefasst in verschiedenste Text-Bild-Konstellationen, werden hier zur künstlerischen Praxis und zur rezeptiven Voraussetzung erklärt – denn anders als "geistesgegenwertig" kann man der Kunst Lischkas nicht begegnen: Alles ist mit allem verknüpft und verwoben. Darum heißt auch eine seiner bedeutendsten Ausstellungen »Alles und noch viel mehr« (Bern, 1985). Der Titel »Assoziationen«, der sich nicht nur auf die Mind Art-Projektionen, sondern gleichzeitig auch auf die vom ZKM | Karlsruhe organisierte Veranstaltung bezieht, ist aus diesem Grund passend, bedeutet das lateinische Wort »associare« übersetzt doch »vereinigen, verbinden, verknüpfen, vernetzten«. Die Veranstaltung, die sowohl auf dem ZKM | Museumsbalkon als auch online ausgerichtet wird, zeigt aber nicht nur die Mind Art-Projektionen, die ein regelrechtes Zoomen in Lischkas enzyklopädisches Schaffen der annähernd letzten 50 Jahre ermöglichen, sozusagen von A–Z. Sie bildet auch den Rahmen für die Veröffentlichung der vom Künstler entworfenen und vom ZKM produzierten Faltzeitung »Meine Zeitung« 2020, die die akkurate Gegenwarts-Analyse des Künstlers anhand von Bild- und Textarbeiten – den sogenannten Schreib-Bildern – deutlich macht. Zudem wird eine Auswahl mit und von Lischka geführten Interviews, die von Jean Baudrillard über Niklas Luhmann und Vilém Flusser bis hin zu Andy Warhol reichen, sowie vom Künstler konzipierter Radio- und Fernsehbeiträge präsentiert. Ein virtuelles Gespräch zwischen Gerhard Johann Lischka und Peter Weibel, dem künstlerisch-wissenschaftlichen Vorstand des ZKM, rundet die Präsentation ab.

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [01.05.2020] Live-Interview mit den Macherinnen des Fanzine »grapefruits« für Komponistinnen und Klangkünstlerinnen: Nathalie Brum, Elisa Kühnl, Elisa Metz und Theresa Nink

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [29.04.2020] Live-Interview mit Dr. Cornelie Kunkat (Deutscher Kulturrat) und der Komponistin Octavia Gloggengießer (ProQuoteFilm, Vorstand Deutscher Komponistenverband-Landesverband Berlin und Vorstand Deutsche Filmkomponistenunion)

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [28.04.2020] Live-Interview mit der Komponistin Tomoko Sauvage

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [28.04.2020] Live-Interview mit der Musikwissenschaftlerin Irene Suchy (Ö1)

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [17.05.2020] moderiert von Teresa Retzer. In dieser Live-Diskussion der Reihe »bauhaus.film.digitally.expanded« unterhalten sich Markus Heltschl, Eva Krivanec, Claudia Reiche, Rolf Sachsse und Thomas Tode über das »Neue Sehen« am Bauhaus. Das Gespräch wird moderiert von Teresa Retzer. Diese Stilrichtung, die ursprünglich aus der Fotografie stammt, etablierte sich in den 1920er-Jahren. Die neuen Methoden des Neuen Sehens wollten bildhistorisch festgefahrene Darstellungsformen aufbrechen. Die AnhängerInnen des Neuen Sehens wollten insbesondere den konventionellen Umgang mit der Komposition, mit Licht und Dunkel, sowie bewegten und unbewegten Bildelementen in der Fotografie umdenken und erneuern. Sie wünschten sich lebhaftere und dynamischere Bilder, in denen sich der gesellschaftliche und technologische Fortschritt dieser Zeit widerspiegelte. Unter anderen vertraten Ellen Auerbach, Ella Bergmann-Michel, Erich Consemüller, Horacio Coppola, Andreas Feininger, Lucia Moholy, László Moholy-Nagy, Umbo, Walter Peterhans, Albert Renger-Patzsch, Alexander Michailowitsch Rodtschenko, Peter Pewas, Hans Richter und Grete Stern die Herangehensweisen des Neuen Sehens oder wurden durch die Stilrichtung massgeblich beeinflusst.

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [14.05.2020] moderiert von Teresa Retzer. Mit welcher Problematik sind Institutionen wie das ZKM konfrontiert, wenn sie historische Filme vorführen? Markus Heltschl, Kurator der Ausstellung »bauhaus.film.expanded«, Dorcas Müller aus dem Labor für antiquierte Videosysteme am ZKM und Martin Koerber, Leiter des Filmerbes der Deutschen Kinemathek Berlin, unterhalten sich über die Schwierigkeiten im Vorführen und Erhalten historischer Filme. Das Gespräch wird moderiert von Teresa Retzer. Die ExpertInnen setzen sich einerseits mit den medialen Unterschieden zwischen dem analogen Film und dem digitalen Video auseinander und erklären, wie historische Filme im digitalen Zeitalter reproduziert werden. Wie kann man bei 100 Jahre alten Filmen, die vielfach kopiert und neu digitalisiert worden sind, das Original der Werke ermitteln? Weshalb gelten bestimmte Kopien als institutionell und film-geschichtlich anerkannte Vorführversionen? Was ist der Unterschied zwischen der ‚Original’- und der Referenzkopie und wie werden Filme am ZKM und in anderen Institutionen wie der Deutschen Kinemathek restauriert und archiviert?

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [10.05.2020] moderiert von Teresa Retzer. Martin Reinhart, Filmemacher und Medienplaner, und Jan Knopf, Literaturwissenschaftler, gehen zurück in die Anfänge der technischen Reproduzierbarkeit. Eine Zeit, die den heutigen Problemen näher scheint als erwartet und Fragen aufwirft, die noch heute im Zentrum der Diskussionen stehen. Inwieweit bereichern die technischen Medien den Alltag der Menschen? Können wir ihnen und ihren Informationen trauen? Der Wortfilm rollt, die Dinge beginnen zu sprechen, das ABC tönt eindringlich in auf- und abschießenden Klangsäulen, die Symphonien strahlen im Spektrum der Farben, die erstaunten BetrachterInnen versinken im Pupillenrausch und von den Leinwänden lärmt die neue Optik. Raum und Zeit heben sich auf, die Umwelt gerät in Bewegung, die Rhythmen von Motoren und Maschinen regieren den Alltag, das Organische verwandelt sich in Dynamik. Die Künste befreien sich von der Nachahmung des Gegenständlichen und öffnen die Augen weit hinein in neue ungeahnte Welten. Das Visuelle erweitert sich ins Virtuelle. Bauen als neue Synthese des traditionellen Handwerks und der neuen Techniken, die sich in den Medien Radio, Film und elektronischer Musik realisieren, löst die traditionellen Künste sowie ihre begrenzten Genres auf und fordert neue offene Gestaltungen heraus. Das künstlerische Schaffen vereinigt »alle werk-künstlerischen Disziplinen zu einer neuen Baukunst«, wie Walter Gropius das Programm des Bauhauses formulierte, und zwar auf der Basis einer am Stand der fortgeschrittenen Technik orientierten Vision einer selbstbestimmten Gesellschaft, die keine nationalen Grenzen mehr kennt: »Internationalität der Künste! Globale!« Ende der zwanziger Jahre gab es bereits den Begriff des »Apparaterlebnisses«. Hat er das letzte Wort - oder setzen wir alles wieder in neue Bewegung? Welche persönlichen Möglichkeiten eröffnen sie im Sinn des aktiven Mitgestaltens? Was haben wir alles so verinnerlicht, dass wir die Vorgaben nicht mehr erkennen. Leben wir in den Apparaten und ersetzen wir mit ihnen unsere Erlebniswelt?

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [07.05.2020] moderiert von Teresa Retzer. »Die Idee war ganz einfach – daß jeweils nur eine einzige Fläche (Quadrat oder Rechteck) auf der Leinwand sichtbar sein sollte, die streng taktmäßig entweder steht oder sich bewegt.« (Werner Graeff, 1922) Die FilmkünstlerInnen am Bauhaus beschäftigten sich bereits seit den frühen 1920er-Jahren mit abstrakten Filmen. Es entstanden filmische Partituren für Formen- und Farbenspiele, teils spielerisch, teils radikal formal, teils poetisch. Neueste Erkenntnisse belegen, dass auch die Bauhaus-Studentinnen Lore Leudesdorff und Ré Soupault (geb. Erna Niemeyer) an zentralen Filmen der deutschen Filmavantgarde als Autorinnen mitwirkten. Bei einigen der »Absoluten Filme« von Walter Ruttmann und Hans Richter leisteten sie grundlegende Schritte in der Produktion. Sie waren für die Zeichnungen, die Bildrhythmen, das Bedienen der Trickkamera und die Handkolorierungen in der Filmherstellung zuständig. Die zentrale Idee des Bauhauses war es, nicht »l’art pour l’art« zu praktizieren, sondern Kunst und Erkenntnisse für möglichst viele Menschen zu schaffen. Der Entwicklung verschiedenster Industrieprodukte am Bauhaus gingen Recherche- und praktische Forschungsarbeiten voran. Viele der abstrakten Filme erforschen wie sich bewegte geometrische Körper im Raum verhalten. In den Filmen werden unzählige Bewegungsmöglichkeiten von Formen in unterschiedlichen Richtungen und aus verschiedenen Perspektiven systematisch durchdekliniert. Den größten Gegensatz zum abstrakten Film am Bauhaus stellen die Gebrauchs- und Werbefilme dar, da sie nicht direkt künstlerische Zwecke verfolgen. Die Werbefilme von Leudesdorff und Ruttmann weisen sowohl abstrakte als auch gegenständliche Elemente auf und spiegeln ihr besonderes Interesse am ästhetischen Formenvokabular der Moderne wider. In Alfred Ehrhardts Kulturfilmen ist die Prägung durch das Bauhaus deutlich erkennbar. Sie beschäftigen sich mit Abstraktion, Archaik, Urform, Oberflächenstruktur, Ornamentik, Rhythmus, Polyphonie und Serialität. Die abstrakten Filme »Komposition I/1922« und »Komposition II/1922« von Werner Graeff beziehen sich auf die reine Betrachtung der Form im Raum. Ähnlich wie die Bauhäusler Kurt Kranz und Kurt Schwerdtfeger realisierte Graeff die Filme erst nachträglich an der Werkkunstschule Folkwang. Seine schwarz-weiße Komposition entstand im Jahr 1959 und die farbige Version erst 1977.

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [03.05.2020] moderiert von Teresa Retzer. Der Film »Mein Herz schlägt blau« (1989) von Jutta Hercher und Maria Hemmleb erzählt von Leben und Werk der Bauhäuslerin Ella Bergmann-Michel (DE 1895–DE 1971). Die Filmemacherinnen Jutta Hercher und Maria Hemmleb tauschen sich in einem Live-Gespräch über ihr filmisches Portrait zu Ella Bergmann-Michel, die auch unter der Abkürzung EBM bekannt ist, aus. »bauhaus.film.digitally.expanded» stellt die Filme »Wo wohnen alte Leute?» (1931), »Fliegende Händler in Frankfurt am Main« (1932) und »Wahlkampf 1932« (1932/1933), in voller Länge und in der bislang besten Vorführqualität auf www.zkm.de/bauhaus-film-expanded bereit. In ihrem frühen Dokumentarfilm »Wo wohnen alte Leute?« wird das von dem Architekten Mart Stam erbaute Budge-Hause gezeigt. Der sogenannte Instruktionsfilm veranschaulicht die Funktionen eines gut ausgestatteten Altersheims im Grünen. EBM schrieb später, dass es sich bei dem Film um »keine zufällige Reportage, keine fotografierte Architektur, sondern Blick in den lebendigen Organismus […] gehandelt habe.« In »Wahlkampf 1932« dokumentiert sie, wie sich das öffentliche Leben am Ende der Weimarer Republik zunehmend polarisierte. Auf einer Demonstration ist das berühmte antifaschistische Logo des Bauhäuslers Max Gebhard zu sehen. Von ihrem Atelierfenster aus filmt Ella Bergmann-Michel SA-Truppen, die durch die Straßen Frankfurts marschieren. Als sie das NSDAP-Wahllokal filmte, wurde sie von der Polizei verhaftet, kurz darauf aber freigelassen. Sie wurde unter polizeiliche Beobachtung gestellt und musste die Dreharbeiten einstellen. Die Nationalsozialisten erteilten Bergmann-Michel und ihrem Ehemann Robert Michel Berufsverbot, woraufhin sich das Paar aufs Land zurückzog. Bergmann-Michel konnte das Filmmaterial zu einem Freund nach London schmuggeln und somit vor der Vernichtung durch die Nazis retten. In ihren Film »Fliegende Händler in Frankfurt am Main« nutzt EBM die Mobilität der Kinamo-Kamera, um sich ungeachtet der Menschen der Umgebung durch die Straßen Frankfurts zu bewegen. Mit der Kamera erforscht sie die Überlebensstrategien vagabundierender Straßenhändler, klettert auf Mauern und Gebäude um das Treiben in der Stadt und auf dem Jahrmarkt aus der Vogelperspektive aufnehmen zu können. EBM arbeitete in ihren Filmen meist ohne Drehbuch, sondern vertraute ihrer direkten Beobachtung. Zu den eingeladenen Expertinnen: Maria Hemmleb und Jutta Hercher forschen seit vielen Jahren zu Leben und Werk von Ella Bergmann-Michel. Im Live-Gespräch sprechen sie über ihre Forschung und ihre Arbeit als Filmemacherinnen und Filmkuratorinnen.

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [26.04.2020] moderiert von Teresa Retzer. Peter Weibel und Markus Heltschl unterhalten sich live über den berühmten abstrakten Film »Symphonie Diagonale« (1924/1925) von Viking Eggeling. Anhand von Filmbeispielen und Vergleichen zwischen verschiedenen Versionen des Films geht Markus Heltschl der Frage nach, ob die in allen Kinematheken der Welt gespielte Version die historisch richtige Fassung des berühmten abstrakten Films »Symphonie Diagonale« von Viking Eggeling ist. Denn der Vergleich mit den Entwürfen Eggelings zeigt, dass die Figuren im Film auf dem Kopf stehen. Verkehrt herum eingeschnittene Sequenzen würden aber auch bedeuten, dass diese in der falschen Laufrichtung und somit rückwärts ablaufen. Wie konnte es zu diesen Differenzen kommen? Zur Premiere des Films 1925 in Berlin erschien Eggeling aus gesundheitlichen Gründen nicht. Eggeling starb nur wenige Tage darauf und der Film verblieb in den Händen von Hans Richter. Ist die heutige Fassung authentisch oder ein Fake?

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [19.04.2020] moderiert von Teresa Retzer. Die Kuratoren der Ausstellung, Thomas Tode und Markus Heltschl, sprechen gemeinsam mit Teresa Retzer live über Ellen Auerbach und Grete Stern. Auerbach wird am 20. Mai 1906 in Karlsruhe geboren. Angeregt durch die Ausstellung »Film und Foto« in Stuttgart 1929 lernt sie Bauhaus-Fotografie-Professor Walter Peterhans kennen und wird seine Privatschülerin. Auerbachs eigene Filme und auch die von Grete Stern und ihrem Mann Horacio Coppola sind Teil der Ausstellung »bauhaus.film.expanded« am ZKM. Das Rahmenprogramm präsentiert vier Filmportraits der innovativen Künstlerinnen. Die Portraitfilme »Ellen Auerbach« (1992) und »Grete Stern« (1992) von Antonia Lerch stellen das innovative Fotostudio »ringl + pit« vor, das nach den Spitznamen der Fotografinnen benannt ist. »Das dritte Auge. Die Lebensläufe der Fotografinnen Grete Stern und Ellen Auerbach« (1995) von Frieder Schlaich und Irene von Alberti ist ein persönliches Filmportrait beider Frauen. Auerbach äußert sich mitunter kritisch über ihre Baden-Württembergische Heimat und scherzt über lokale Eigentümlichkeiten. Durch ihre offene und direkte Art entstand ein intensives, einfühlsames und unterhaltsames Portrait. Auerbach-Filme, die zusätzlich in der Ausstellung »bauhaus.film.expanded«, sowie im Programm von bauhaus.film.digitally.expanded ab 23.04.2020 zu sehen sind: »Grosse Reise« (1933/1934), »Tel Aviv« (1934/1935), »Bertold Brecht im Londoner Exil« (1936), »Heiterer Tag auf Rügen« (1933), »Gretchen hat Ausgang« (1933).

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [30.04.2020] moderiert von Teresa Retzer. Am Bauhaus materialisierten sich die Ideen des 1918 gegründeten Arbeitsrats für Kunst, dem auch Walter Gropius, Otto Bartning und Lyonel Feininger angehörten. Unter anderem verstanden sie Bauen nicht als rein private, sondern als öffentliche Aufgabe. Die Architekturfilme spiegeln am deutlichsten die breit angelegten Reformbestrebungen der Weimarer Republik wider. Ella Bergmann-Michel studierte nur ein Semester am Bauhaus, bevor sie 1920 nach Frankfurt zog, dennoch lässt sich der Einfluss des Bauhauses auf ihre Arbeiten nicht leugnen. »Wo wohnen alte Leute?« polemisiert zuerst gegen das einsame, von Lärm umtobte Wohnen in der Frankfurter Altstadt. Dem stellt der Film ein sozial engagiertes Seniorenwohnheim in modernster, lichtdurchfluteter, funktionaler Architektur vor, das im Grünen gelegen ist. Die architektonischen Errungenschaften des modernen Wohnungsbaus mit dem Fokus auf neue Formen des kollektiven Zusammenlebens werden hervorgehoben. Die neunteilige Filmserie »Wie wohnen wir gesund und wirtschaftlich?« nach dem Drehbuch von Richard Paulick demonstriert die Idee des Neuen Bauens. Sie präsentiert die modernen Materialien Beton, Stahl und Glas und die neuen Montageweisen der Präfabrikation und des Plattenbaus. Drei der neun Teile widmen sich dem Bauhaus und belegen, dass der Mythos Bauhaus keineswegs erst in der Nachkriegszeit entstand. Seit den 1920er-Jahren konstruierten und förderten BauhäuslerInnen den Mythos der Schule in ihren Werbefilmen. Die Direktoren Walter Gropius und Mies van der Rohe entwickelten durchdachte Marketingstrategien, in denen für die neuartigen Designs der Produkte mittels der neuen Medien Fotografie und Film geworben wurde.

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [23.04.2020] moderiert von Teresa Retzer. »Das Bild soll andeuten, was über seinen Inhalt geht. Den göttlichen Grund, würde Meister Eckhart sagen. Die Schönheit eines ›häßlichen‹ Gesichts. Die Essenz der Dinge ... Ich möchte, dass in den unscheinbarsten, gewöhnlichsten, ärmlichsten Themen die Würde und darunterliegende Hoffnung durchschimmern.« (Ellen Auerbach, 1985) Vom »Neuen Sehen« geprägte Dokumentarfilme stellen einen wesentlichen Teil der Bauhaus-Filme dar. Die teils politischen, teils experimentellen Filmessays eröffnen den Blick auf die Vitalität der Großstadt. Bürgerliche Straßen treffen auf Arbeiter- und Industrieviertel und das Kameraauge fokussiert immer wieder Architekturen der Moderne; alles ist umgeben vom Treiben Spazierender, spielender Kindern und dem Tosen des Straßenverkehrs. In den Filmen offenbart sich ein kritischer Blick auf die sozialen Diskrepanzen in der modernen Großstadt, ohne die Menschen aus einer voyeuristischen oder ausbeuterischen Perspektive zu betrachten. Straßenverkäufer, umherziehende Roma und Sinti oder Arbeiter in beschmutzter Kleidung gehören zur Großstadt wie das bürgerliche Leben der Eliten. Anders als in Werbefilmen politischer Parteien wie der SPD oder der KPD in dieser Zeit, visualisierten die Bauhaus-Filme die soziale Ungleichheit in den modernen Gesellschaften nicht. Diese beobachtende Kamera der BauhäuslerInnen gehört zu den wichtigsten Errungenschaften im deutschen Dokumentarfilm der Weimarer Republik. László Moholy-Nagys meist kurze Etüden oder »soziale Reportagen« bedienen sich der Ästhetik des »Absoluten Films« und verwandeln die Neuerungen des abstrakten Kinos in eine filmische Abstraktion aus Realszenen. Die Filme von Ellen Auerbach (geb. Rosenberg) und Ella Bergmann-Michel verbinden Kunst und Handwerk und eröffnen neue unkonventionelle Perspektiven auf das moderne Leben. Die strikte Ablehnung der nationalistischen, militaristischen und autoritären Politik am Ende der Weimarer Republik prägen die politischen Filme. In Bergmann-Michels Film »Wahlkampf« (1932) dokumentiert sie, wie die Nazi-Propaganda immer militanter in die Straßen Frankfurts eindringt. Sie wurde während der Dreharbeiten verhaftet und einige Filmrollen wurden konfisziert und zerstört. Auerbach wurde 1906 als Kind von jüdisch-orthodoxen Eltern in Karlsruhe geboren. In »Die Große Reise« (1933/1934) und »Tel Aviv« (1933/1934) hält sie ihre Flucht aus Nazi-Deutschland fest und setzt sich eindringlich mit den im Exil lebenden Juden in Palästina auseinander.

bauhaus.film.digitally.expanded | ExpertInnengespräch [16.04.2020] moderiert von Teresa Retzer. »Man kann nicht mehr die Malerei, die Fotografie, den Film und das Lichtspiel eifersüchtig voneinander trennen.« (László Moholy-Nagy) Die Lichtprojektionen, Einspielfilme im Theater, Filmperformances und Filmpartituren von BauhäuslerInnen werden in der Ausstellung unter »Erweiterte Filmformen« zusammengefasst. Die Filme für Theaterinszenierungen, unter anderem für die Stücke Erwin Piscators, suchten nach neuen künstlerischen Ausdrucksmitteln, die über das konventionelle ästhetische Verständnis hinausgingen. Das Bauhaus wollte nicht einfach professionelle FotografInnen, GrafikerInnen oder FilmregisseurInnen ausbilden, sondern Berufsbilder »zwischen« den etablierten Disziplinen ermöglichen – sogenannte »optische Gestalter.« Tänze, Feste und Camouflagen verkörperten die am Bauhaus postulierte Erweiterung des Kunstbegriffs. Oskar Schlemmers Tanzfilm von 1926 ließ den Aufbruch in einen neuen weit vom klassischen Ballett entfernten Bewegungshorizont spüren. Kurt Schwerdtfeger und Ludwig Hirschfeld-Mack entwarfen farbige Lichtprojektionen, die stets live vorgeführt wurden. Die Lichtprojektionen konnten erst nach dem Krieg als Filme dokumentiert werden. In diesen erweiterten Filmformen wird reines farbiges Licht mittels einer Schablonentechnik in ständiger Bewegung auf einer Leinwand verteilt: Malen mit Licht anstatt mit Pigmenten. Die Frage über die vermeintlich reine Form wurde am Bauhaus viel diskutiert und die Meinungen spalteten sich. Wassily Kandinsky strebte in seiner Suche nach Geistigkeit in der Kunst nach »reinen« Farben und Formen, lehnte den strikten formalen Purismus einiger seiner KollegInnen allerdings ab: »(...) man darf nicht aus einer Form eine Uniform machen. Kunstwerke sind keine Soldaten.«

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [27.04.2020] Live-Interview mit der Komponistin Rebecca Saunders, ebenfalls zu Gast die Cellistin Séverine Ballon

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [22.04.2020] Live-Interview über die Komponistin Felicitas Kukuck und ihren Nachlass am Archiv Frau und Musik, Frankfurt/Main mit Julian Fischer

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [20.04.2020] Interviews mit Liane Curtis (Präsidentin der Rebecca Clarke Society, Inc. und der Women’s Philharmonic Advocacy) und der Ethel Smyth Expertin Marleen Hoffmann. Anmeldung zur Interaktion im Livestream

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [16.04.2020] Live-Interview über die Komponistinnen Dora Pejačević und Florence Price mit Mary Ellen Kitchens, Vorstand des Archiv Frau und Musik, Frankfurt/Main

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [15.04.2020] Live-Interview über die Komponistin Fanny Hensel mit Susanne Wosnitzka, Vorstand musica femina münchen und freischaffend beim Archiv Frau und Musik, Frankfurt/Main

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Interview [08.04.2020] Interview im Livestream über Élisabeth Jacquet De La Guerre live mit Jelena Rothermel (Musikwissenschaftlerin)

FEMINALE DER MUSIK – Female Composers | Diskussion [06.04.2020] Live Diskussion über zoom mit Peter Weibel und den beiden MacherInnen des Films »Komponistinnen« Tim van Beveren & Kyra Steckeweh