Podcasts about Contemporary art

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/african-american-studies

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts.

Liên hoan Nhiếp ảnh Quốc tế tại  thành phố Arles miền nam nước Pháp ( Les Rencontres de la photographie d'Arles ) năm 2026 vừa khai mạc ngày 06/07 vừa qua. Qua sự giới thiệu của Galerie Bao tại Paris, loạt tác phẩm mang tên Re/cover của nghệ sĩ nhiếp ảnh Việt Nam Phan Quang đã được tuyển chọn để tham gia cuộc triển lãm The Best Possible Way to Tell the Truth, trong khuôn khổ giải thưởng Prix Découverte Louis Roederer tại Liên hoan. Dựa trên quá trình nghiên cứu kéo dài nhiều năm, Re/cover khai thác một chương ít được biết đến trong lịch sử Việt Nam, đó là câu chuyện của những người phụ nữ có gia đình với binh lính Nhật đã ở lại Việt Nam sau Chiến tranh Thế giới thứ hai. Trả lời RFI Việt ngữ, Lê Thiên Bảo, người sáng lập và hiện điều hành Galerie Bao, cho biết: "Tôi biết Arles là kinh đô của nhiếp ảnh thế giới và đã theo dõi các chương trình của Liên hoan Arles từ lâu, đặc biệt là giải Decouverte Louis Roederer, một giải thưởng uy tín được thành lập từ năm 2018 để giới thiệu các sáng tác của các nghệ sĩ mới đến với công chúng Châu Âu. Tôi cũng biết serie Re/cover của Phan Quang từ rất lâu rồi, khi còn ở Việt Nam và thấy serie này sẽ rất thích hợp với giải thưởng nên đã soạn kỹ một đề xuất hoàn chỉnh và nộp cho Liên hoan Arles. Rất vui là tác phẩm của nghệ sĩ đã được ban giám khảo và giám tuyển của Liên hoan Arles đánh giá rất cao về chất lượng." Đối với Lê Thiên Bảo, “hơn mười năm sau khi ra đời, tác phẩm Re/cover vẫn giữ nguyên sức mạnh của một tác phẩm thể hiện khả năng của nhiếp ảnh trong việc lưu giữ, khơi lại và tái kiến tạo lịch sử.” Về phần mình, giám tuyển Nadine Hounkpatin của giải thưởng Découverte Louis Roederer ghi nhận những nét độc đáo trong tác phẩm Re/cover của Phan Quang: " Mỗi bức ảnh khắc họa nhân vật trong không gian sống thường nhật, khoác trên mình chiếc khăn voan cô dâu màu trắng truyền thống. Chiếc khăn này trở thành một biểu tượng đa tầng nghĩa: vừa gợi nhắc về những mối lương duyên dang dở và những người cha vắng mặt, vừa đóng vai trò như tấm màn che chở ngăn cách ánh nhìn của người xem với sự riêng tư đầy mong manh. Nó vừa là tấm khăn liệm cho quá khứ, vừa là cử chỉ của sự kín đáo. Thông qua cách dàn dựng mang tính điêu khắc đầy chủ đích này, Phan Quang làm nổi bật sự hiện diện bền bỉ nhưng thầm lặng của những câu chuyện ấy ( ... ). Như vậy, một thập kỷ sau khi ra đời, *Re/cover* vẫn là một suy ngẫm đầy sức thuyết phục về khả năng kiến ​​tạo ý nghĩa thế giới của nhiếp ảnh, vượt xa khỏi vai trò đơn thuần là ghi lại thực tại." Sinh năm 1976 tại Bình Định, Phan Quang nguyên là một phóng viên nhiếp ảnh, hiện sống tại Thành phố Hồ Chí Minh, Đà Lạt. Tác phẩm của anh nằm trong các bộ sưu tập của The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, Hoa Kỳ; Asia Society Museum, New York, NY, Hoa Kỳ; Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Nhật Bản; và Singapore Art Museum, Singapore. Các triển lãm tiêu biểu của Phan Quang bao gồm The Next Step, Sàn Art, TP. HCM, 2022; RE/COVER, Blanc Art Space, TP. HCM, 2016; Space/Limit, Sàn Art, TP. HCM, 2013; The City in the Blue, Dakar Biennale lần thứ 12, Dakar, Senegal, 2016; và And That Which Was Always Known, Yavuz Gallery, Singapore, Singapore, 2015. RFI Việt ngữ đã có dịp gặp Phan Quang tại Paris ngày 07/07/2026 trước khi anh đến thành phố Arles để dự triển lãm: RFI: RFI Việt ngữ hôm nay rất vui được tiếp chuyện với nghệ sĩ Phan Quang tại Paris. Theo chúng tôi biết thì ban đầu anh là một nhiếp ảnh gia cho ngành báo chí. Thế thì vì sao anh đã quyết định chuyển sang con đường nhiếp ảnh nghệ thuật? Phan Quang: Nhiếp ảnh nghệ thuật là một cách thể hiện khác về nhiếp ảnh. Nó đã thôi thúc tôi trong rất nhiều năm, thì có một cơ duyên từ năm 2009, sự thôi thúc đó đẩy tôi ra bên ngoài và tiếp cận với nền nhiếp ảnh gọi là nghệ thuật đương đại. Đó là một trong những phương pháp thể hiện khác với lối nhiếp ảnh trong nước đang vận hành. Lối nhiếp ảnh đấy đeo đuổi tôi tới bây giờ. Từ 2009, tác phẩm của Quang nằm trải dài ở rất nhiều cuộc triển lãm ở Việt Nam cũng như quốc tế, nhưng hầu như nhiều người ở Việt Nam cũng chưa quen lắm, cho nên cách mình thể hiện cũng lẳng lặng và việc mình thực hành thì đi sâu vào trong các giá trị cốt lõi. Phải nghiên cứu rất là kỹ. Phải đọc rất là nhiều. RFI: Khi ta nói về nghệ thuật đương đại và nhiếp ảnh nghệ thuật thì có nghĩa là không chỉ có nhiếp ảnh, mà đôi khi tùy theo chủ đề chúng ta có thể kết hợp với các bộ môn nghệ thuật khác để thể hiện đúng ý đồ của mình? Phan Quang: Thực ra thì nó không có giới hạn. Do Quang “thuận tay” với nhiếp ảnh nên đi hẳn về nhiếp ảnh. Chứ còn Quang có làm phim, làm điêu khắc rất nhiều, vẽ cả tranh và bản thân trong nhiếp ảnh của Quang cũng là một performance rồi. Nên là nó không có giới hạn trong các môn thực hành. Còn đối với Quang, nhiếp ảnh là một môn mà mình giỏi nhất, thì mình thường dùng phương tiện ấy để thể hiện ý tưởng của một serie tác phẩm hoặc một tác phẩm.  RFI: Trong quá trình tìm tòi đó thì anh đã hoàn tất một công trình nghệ thuật mang tên là Re/cover vào năm 2016, đã được giới thiệu ở nhiều triển lãm quốc tế. Nay thì tác phẩm này được giới thiệu tại triển lãm ảnh nghệ thuật ở Arles. Trước hết anh có thể cho biết vì sao anh đã chọn đề tài gia đình của những phụ nữ đã lấy lính Nhật ở lại sau Thế chiến Thứ hai? Phan Quang: Thực ra Re/cover là một trong khoảng 10 serie mà trong quá trình thực hiện của Quang được show ( giới thiệu ) ra bên ngoài. Re/cover một đề tài thuộc loại “rơi tỏm” ra ngoài khỏi sự quan tâm của giới nghệ sĩ, cũng như xã hội ở Việt Nam. Tôi may mắn được tiếp cận một cách tình cờ trong quá trình chuẩn bị, vì tôi đã chọn văn hóa Nhật Bản để làm đối trọng, nên khi đó mới chú tâm tới những gì liên quan đến Nhật Bản và đã phát hiện ra manh mối rất là nhiều thứ về việc đấy. Cũng nhờ kỹ năng làm báo một phần để tìm tòi ra những mắt xích rồi, sâu chuỗi nó lại, làm cái dự án trong vòng 6 năm. Bản thân tôi tới bây giờ vẫn vậy: làm tác phẩm không lo. Bản thân tác phẩm hay thì nó sẽ tự có đời sống của nó, không có lúc này thì lúc khác. Nên thật ra đối với tôi, tôi cứ làm. Không biết nó sẽ đi tới đâu ở trong đời sống của tác phẩm ấy.  RFI: Nhưng cơ duyên nào đã đẩy Phan Quang tới với những gia đình đó? Phan Quang: Thực ra nó cũng là một cái duyên. Lúc đầu tôi dùng văn hóa Nhật Bản để đối trọng với một số nền văn hóa của châu Á. Thì tôi thấy lạ lùng vì có những người rất giống người Nhật! Rồi tôi đào sâu, đào sâu mãi và tôi ngồi với những gia đình đấy trong vòng 6 năm, trở thành giống như người thân, người anh, người em trong gia đình, thì mới triển khai được dự án này.  RFI: Như vậy thì 6 năm chắc là đủ để có được sự tin cậy của những gia đình đó để Phan Quang có thể chụp những bức ảnh theo đúng ý đồ nghệ thuật của mình. Trong những bức ảnh đó, có những người ngồi giống như bức tượng và phủ trên họ là một tấm voan ( voile ) khá là trong suốt. Vì sao anh lại có cái dụng ý đó? Phan Quang: Thật ra là năm 2013, tôi có may mắn được lưu trú ở bên Nhật, ở Yokohama, tôi mới đi tìm hiểu, mới đọc được một tài liệu về năm 1955, năm mà tất cả những người lính Nhật buộc phải về nước. Thì cũng chính năm đấy thì ở thành phố Kyoto có một cái nhà máy sản xuất vải voan. Đúng thời điểm đấy luôn thì mình may mắn tìm ra được nhà máy đó và mua vải voan đấy, vì voan đối với Việt Nam là một loại vải tượng trưng cho đám cưới. Còn ở Nhật nó cũng được dùng để may kimono, nên cũng là đại diện cho tình yêu. Năm mà những người lính Nhật phải về nước thì cuộc sống những gia đình đấy ở Việt Nam giống như bị đóng băng toàn bộ, bị bao phủ lên một lớp màn. Họ là con của những người phát xít, nên nói chung vào thời điểm đó rất mà khó phát triển ở Việt Nam. Bên Nhật thì họ cũng không có liên quan gì tới cái đấy hết. Bởi vì đối với lính Nhật, họ không đồng ý cho cưới một phụ nữ ở xứ An Nam. Cái thời điểm đấy nó khác, văn hóa khác. Giống như những cuộc sống gia đình của họ rơi ra khỏi vòng xoáy phát triển của xã hội. Khi đó mình mới giải quyết được câu chuyện chụp hình, thì mình mới mua vải voan ở bên Nhật về phủ lên hết các gia đình đó. Gia đình Việt Nam mà phủ vải trắng lên là tương đương với tang chế, nên phải đủ thân thì họ mới cho phủ lên như vậy.  RFI: Chắc họ sẵn lòng để cho phủ lên tấm voan đó bởi vì họ hiểu rằng tấm voan tượng trưng cho sự ngưng động của thời gian, tức là kể từ đó cuộc sống của họ coi như cắt đứt liên lạc với những người mà họ đã từng chung sống? Phan Quang: Đúng rồi, họ vẫn mong người cha, người chồng của họ, nhưng mà vô vọng. Có một chi tiết làm tôi vẫn khóc hoài, đó là lúc mà tôi ở Nhật thì những người con đó muốn xin một nắm đất từ bên Nhật về bỏ vô lư hương để thắp hương hằng ngày, để họ nhớ về quê cha đất tổ, thì tôi đã phải dùng một "thủ thuật" để mang được đất về cho họ, chứ còn Nhật đâu có cho mang vô, mà chính phủ Việt Nam cũng không cho mang vô. Mang nắm đất tượng trưng về để họ bỏ vô lư hương, họ thắp hương thì ai cũng khóc, tôi cũng khóc luôn! RFI: Như vậy thì mấy chục năm sau tâm trạng của những người con, người cháu trong những gia đình đó như thế nào. Họ có còn hoài niệm về thời đó hay không? Hay là đối với họ bây giờ đã trở thành quá khứ rồi?  Phan Quang: Người Việt mình mà, anh ở đâu đi nữa, anh cũng cần về quê cha đất tổ. Đối với những người đó, họ mong mỏi được qua Nhật, được sống với tinh thần hào khí của Nhật Bản, vì trên ID ( căn cước ) của họ vẫn là nguyên quán Nhật Bản mà. RFI: Trong quá trình tái lập công lý cho những gia đình đó, để gây sự chú ý của nhà chức trách Nhật, anh đã có những hành động gì và chính phủ Nhật có đáp ứng hay không?  Phan Quang: Khi tìm hiểu các dữ liệu ở Việt Nam, khi tôi làm gần xong, đọc lại toàn bộ lịch sử thì thấy tất cả châu Á đều ảnh hưởng gần giống nhau. Khi lính Nhật tràn vô thì tất nhiên phải có liên quan với phụ nữ. Khi ấy tôi đã viết gần khoảng 270 lá thư bằng tiếng Anh gửi đi tất cả các lãnh sự quán, cũng như tất cả những nơi có liên quan đang tới Nhật Bản. Tôi tin họ có một dữ liệu cụ thể nào đấy để có thể cung cấp đầu mối, vì ở Việt Nam đi tìm rất khó. Trong vòng cả năm trời gửi đi, rồi hy vọng, nhưng  không có một phản hồi nào. Sau đấy thì tôi phải tự đi tìm mua những tài liệu và xâu chuỗi từng nấc một, từng nấc một, để tìm ra những người Thái Lan, người Malaysia, người Philippines, người Hàn Quốc. Mỗi nơi sẽ có những trường hợp khác nhau, những vấn đề khác nhau và tôi phải tự đi làm hết. Thật ra Nhật Bản không support dự án này vì họ coi là không có liên quan. Nhưng có một điều đặc biệt là khi Nhật Hoàng qua thăm Việt Nam ( năm 2017 ) thì đài NHK mới phỏng vấn và đưa ra những nhận định đây là một mối liên kết. Sau đấy thì Nhật Hoàng có tới thăm bà Xuân ( một gia đình cựu binh Nhật ). Rồi mình không đi sâu vào vấn đề đấy nữa. Nhưng khi NHK bay vô Sài Gòn phỏng vấn tôi, thì tất nhiên dự án này trước đó họ đã biết rồi. Nhưng mà tôi gửi mail thì họ không trả lời, không đả động gì hết!

Liên hoan Nhiếp ảnh Quốc tế tại  thành phố Arles miền nam nước Pháp ( Les Rencontres de la photographie d'Arles ) năm 2026 vừa khai mạc ngày 06/07 vừa qua. Qua sự giới thiệu của Galerie Bao tại Paris, loạt tác phẩm mang tên Re/cover của nghệ sĩ nhiếp ảnh Việt Nam Phan Quang đã được tuyển chọn để tham gia cuộc triển lãm The Best Possible Way to Tell the Truth, trong khuôn khổ giải thưởng Prix Découverte Louis Roederer tại Liên hoan. Dựa trên quá trình nghiên cứu kéo dài nhiều năm, Re/cover khai thác một chương ít được biết đến trong lịch sử Việt Nam, đó là câu chuyện của những người phụ nữ có gia đình với binh lính Nhật đã ở lại Việt Nam sau Chiến tranh Thế giới thứ hai. Trả lời RFI Việt ngữ, Lê Thiên Bảo, người sáng lập và hiện điều hành Galerie Bao, cho biết: "Tôi biết Arles là kinh đô của nhiếp ảnh thế giới và đã theo dõi các chương trình của Liên hoan Arles từ lâu, đặc biệt là giải Decouverte Louis Roederer, một giải thưởng uy tín được thành lập từ năm 2018 để giới thiệu các sáng tác của các nghệ sĩ mới đến với công chúng Châu Âu. Tôi cũng biết serie Re/cover của Phan Quang từ rất lâu rồi, khi còn ở Việt Nam và thấy serie này sẽ rất thích hợp với giải thưởng nên đã soạn kỹ một đề xuất hoàn chỉnh và nộp cho Liên hoan Arles. Rất vui là tác phẩm của nghệ sĩ đã được ban giám khảo và giám tuyển của Liên hoan Arles đánh giá rất cao về chất lượng." Đối với Lê Thiên Bảo, “hơn mười năm sau khi ra đời, tác phẩm Re/cover vẫn giữ nguyên sức mạnh của một tác phẩm thể hiện khả năng của nhiếp ảnh trong việc lưu giữ, khơi lại và tái kiến tạo lịch sử.” Về phần mình, giám tuyển Nadine Hounkpatin của giải thưởng Découverte Louis Roederer ghi nhận những nét độc đáo trong tác phẩm Re/cover của Phan Quang: " Mỗi bức ảnh khắc họa nhân vật trong không gian sống thường nhật, khoác trên mình chiếc khăn voan cô dâu màu trắng truyền thống. Chiếc khăn này trở thành một biểu tượng đa tầng nghĩa: vừa gợi nhắc về những mối lương duyên dang dở và những người cha vắng mặt, vừa đóng vai trò như tấm màn che chở ngăn cách ánh nhìn của người xem với sự riêng tư đầy mong manh. Nó vừa là tấm khăn liệm cho quá khứ, vừa là cử chỉ của sự kín đáo. Thông qua cách dàn dựng mang tính điêu khắc đầy chủ đích này, Phan Quang làm nổi bật sự hiện diện bền bỉ nhưng thầm lặng của những câu chuyện ấy ( ... ). Như vậy, một thập kỷ sau khi ra đời, *Re/cover* vẫn là một suy ngẫm đầy sức thuyết phục về khả năng kiến ​​tạo ý nghĩa thế giới của nhiếp ảnh, vượt xa khỏi vai trò đơn thuần là ghi lại thực tại." Sinh năm 1976 tại Bình Định, Phan Quang nguyên là một phóng viên nhiếp ảnh, hiện sống tại Thành phố Hồ Chí Minh, Đà Lạt. Tác phẩm của anh nằm trong các bộ sưu tập của The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, Hoa Kỳ; Asia Society Museum, New York, NY, Hoa Kỳ; Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Nhật Bản; và Singapore Art Museum, Singapore. Các triển lãm tiêu biểu của Phan Quang bao gồm The Next Step, Sàn Art, TP. HCM, 2022; RE/COVER, Blanc Art Space, TP. HCM, 2016; Space/Limit, Sàn Art, TP. HCM, 2013; The City in the Blue, Dakar Biennale lần thứ 12, Dakar, Senegal, 2016; và And That Which Was Always Known, Yavuz Gallery, Singapore, Singapore, 2015. RFI Việt ngữ đã có dịp gặp Phan Quang tại Paris ngày 07/07/2026 trước khi anh đến thành phố Arles để dự triển lãm: RFI: RFI Việt ngữ hôm nay rất vui được tiếp chuyện với nghệ sĩ Phan Quang tại Paris. Theo chúng tôi biết thì ban đầu anh là một nhiếp ảnh gia cho ngành báo chí. Thế thì vì sao anh đã quyết định chuyển sang con đường nhiếp ảnh nghệ thuật? Phan Quang: Nhiếp ảnh nghệ thuật là một cách thể hiện khác về nhiếp ảnh. Nó đã thôi thúc tôi trong rất nhiều năm, thì có một cơ duyên từ năm 2009, sự thôi thúc đó đẩy tôi ra bên ngoài và tiếp cận với nền nhiếp ảnh gọi là nghệ thuật đương đại. Đó là một trong những phương pháp thể hiện khác với lối nhiếp ảnh trong nước đang vận hành. Lối nhiếp ảnh đấy đeo đuổi tôi tới bây giờ. Từ 2009, tác phẩm của Quang nằm trải dài ở rất nhiều cuộc triển lãm ở Việt Nam cũng như quốc tế, nhưng hầu như nhiều người ở Việt Nam cũng chưa quen lắm, cho nên cách mình thể hiện cũng lẳng lặng và việc mình thực hành thì đi sâu vào trong các giá trị cốt lõi. Phải nghiên cứu rất là kỹ. Phải đọc rất là nhiều. RFI: Khi ta nói về nghệ thuật đương đại và nhiếp ảnh nghệ thuật thì có nghĩa là không chỉ có nhiếp ảnh, mà đôi khi tùy theo chủ đề chúng ta có thể kết hợp với các bộ môn nghệ thuật khác để thể hiện đúng ý đồ của mình? Phan Quang: Thực ra thì nó không có giới hạn. Do Quang “thuận tay” với nhiếp ảnh nên đi hẳn về nhiếp ảnh. Chứ còn Quang có làm phim, làm điêu khắc rất nhiều, vẽ cả tranh và bản thân trong nhiếp ảnh của Quang cũng là một performance rồi. Nên là nó không có giới hạn trong các môn thực hành. Còn đối với Quang, nhiếp ảnh là một môn mà mình giỏi nhất, thì mình thường dùng phương tiện ấy để thể hiện ý tưởng của một serie tác phẩm hoặc một tác phẩm.  RFI: Trong quá trình tìm tòi đó thì anh đã hoàn tất một công trình nghệ thuật mang tên là Re/cover vào năm 2016, đã được giới thiệu ở nhiều triển lãm quốc tế. Nay thì tác phẩm này được giới thiệu tại triển lãm ảnh nghệ thuật ở Arles. Trước hết anh có thể cho biết vì sao anh đã chọn đề tài gia đình của những phụ nữ đã lấy lính Nhật ở lại sau Thế chiến Thứ hai? Phan Quang: Thực ra Re/cover là một trong khoảng 10 serie mà trong quá trình thực hiện của Quang được show ( giới thiệu ) ra bên ngoài. Re/cover một đề tài thuộc loại “rơi tỏm” ra ngoài khỏi sự quan tâm của giới nghệ sĩ, cũng như xã hội ở Việt Nam. Tôi may mắn được tiếp cận một cách tình cờ trong quá trình chuẩn bị, vì tôi đã chọn văn hóa Nhật Bản để làm đối trọng, nên khi đó mới chú tâm tới những gì liên quan đến Nhật Bản và đã phát hiện ra manh mối rất là nhiều thứ về việc đấy. Cũng nhờ kỹ năng làm báo một phần để tìm tòi ra những mắt xích rồi, sâu chuỗi nó lại, làm cái dự án trong vòng 6 năm. Bản thân tôi tới bây giờ vẫn vậy: làm tác phẩm không lo. Bản thân tác phẩm hay thì nó sẽ tự có đời sống của nó, không có lúc này thì lúc khác. Nên thật ra đối với tôi, tôi cứ làm. Không biết nó sẽ đi tới đâu ở trong đời sống của tác phẩm ấy.  RFI: Nhưng cơ duyên nào đã đẩy Phan Quang tới với những gia đình đó? Phan Quang: Thực ra nó cũng là một cái duyên. Lúc đầu tôi dùng văn hóa Nhật Bản để đối trọng với một số nền văn hóa của châu Á. Thì tôi thấy lạ lùng vì có những người rất giống người Nhật! Rồi tôi đào sâu, đào sâu mãi và tôi ngồi với những gia đình đấy trong vòng 6 năm, trở thành giống như người thân, người anh, người em trong gia đình, thì mới triển khai được dự án này.  RFI: Như vậy thì 6 năm chắc là đủ để có được sự tin cậy của những gia đình đó để Phan Quang có thể chụp những bức ảnh theo đúng ý đồ nghệ thuật của mình. Trong những bức ảnh đó, có những người ngồi giống như bức tượng và phủ trên họ là một tấm voan ( voile ) khá là trong suốt. Vì sao anh lại có cái dụng ý đó? Phan Quang: Thật ra là năm 2013, tôi có may mắn được lưu trú ở bên Nhật, ở Yokohama, tôi mới đi tìm hiểu, mới đọc được một tài liệu về năm 1955, năm mà tất cả những người lính Nhật buộc phải về nước. Thì cũng chính năm đấy thì ở thành phố Kyoto có một cái nhà máy sản xuất vải voan. Đúng thời điểm đấy luôn thì mình may mắn tìm ra được nhà máy đó và mua vải voan đấy, vì voan đối với Việt Nam là một loại vải tượng trưng cho đám cưới. Còn ở Nhật nó cũng được dùng để may kimono, nên cũng là đại diện cho tình yêu. Năm mà những người lính Nhật phải về nước thì cuộc sống những gia đình đấy ở Việt Nam giống như bị đóng băng toàn bộ, bị bao phủ lên một lớp màn. Họ là con của những người phát xít, nên nói chung vào thời điểm đó rất mà khó phát triển ở Việt Nam. Bên Nhật thì họ cũng không có liên quan gì tới cái đấy hết. Bởi vì đối với lính Nhật, họ không đồng ý cho cưới một phụ nữ ở xứ An Nam. Cái thời điểm đấy nó khác, văn hóa khác. Giống như những cuộc sống gia đình của họ rơi ra khỏi vòng xoáy phát triển của xã hội. Khi đó mình mới giải quyết được câu chuyện chụp hình, thì mình mới mua vải voan ở bên Nhật về phủ lên hết các gia đình đó. Gia đình Việt Nam mà phủ vải trắng lên là tương đương với tang chế, nên phải đủ thân thì họ mới cho phủ lên như vậy.  RFI: Chắc họ sẵn lòng để cho phủ lên tấm voan đó bởi vì họ hiểu rằng tấm voan tượng trưng cho sự ngưng động của thời gian, tức là kể từ đó cuộc sống của họ coi như cắt đứt liên lạc với những người mà họ đã từng chung sống? Phan Quang: Đúng rồi, họ vẫn mong người cha, người chồng của họ, nhưng mà vô vọng. Có một chi tiết làm tôi vẫn khóc hoài, đó là lúc mà tôi ở Nhật thì những người con đó muốn xin một nắm đất từ bên Nhật về bỏ vô lư hương để thắp hương hằng ngày, để họ nhớ về quê cha đất tổ, thì tôi đã phải dùng một "thủ thuật" để mang được đất về cho họ, chứ còn Nhật đâu có cho mang vô, mà chính phủ Việt Nam cũng không cho mang vô. Mang nắm đất tượng trưng về để họ bỏ vô lư hương, họ thắp hương thì ai cũng khóc, tôi cũng khóc luôn! RFI: Như vậy thì mấy chục năm sau tâm trạng của những người con, người cháu trong những gia đình đó như thế nào. Họ có còn hoài niệm về thời đó hay không? Hay là đối với họ bây giờ đã trở thành quá khứ rồi?  Phan Quang: Người Việt mình mà, anh ở đâu đi nữa, anh cũng cần về quê cha đất tổ. Đối với những người đó, họ mong mỏi được qua Nhật, được sống với tinh thần hào khí của Nhật Bản, vì trên ID ( căn cước ) của họ vẫn là nguyên quán Nhật Bản mà. RFI: Trong quá trình tái lập công lý cho những gia đình đó, để gây sự chú ý của nhà chức trách Nhật, anh đã có những hành động gì và chính phủ Nhật có đáp ứng hay không?  Phan Quang: Khi tìm hiểu các dữ liệu ở Việt Nam, khi tôi làm gần xong, đọc lại toàn bộ lịch sử thì thấy tất cả châu Á đều ảnh hưởng gần giống nhau. Khi lính Nhật tràn vô thì tất nhiên phải có liên quan với phụ nữ. Khi ấy tôi đã viết gần khoảng 270 lá thư bằng tiếng Anh gửi đi tất cả các lãnh sự quán, cũng như tất cả những nơi có liên quan đang tới Nhật Bản. Tôi tin họ có một dữ liệu cụ thể nào đấy để có thể cung cấp đầu mối, vì ở Việt Nam đi tìm rất khó. Trong vòng cả năm trời gửi đi, rồi hy vọng, nhưng  không có một phản hồi nào. Sau đấy thì tôi phải tự đi tìm mua những tài liệu và xâu chuỗi từng nấc một, từng nấc một, để tìm ra những người Thái Lan, người Malaysia, người Philippines, người Hàn Quốc. Mỗi nơi sẽ có những trường hợp khác nhau, những vấn đề khác nhau và tôi phải tự đi làm hết. Thật ra Nhật Bản không support dự án này vì họ coi là không có liên quan. Nhưng có một điều đặc biệt là khi Nhật Hoàng qua thăm Việt Nam ( năm 2017 ) thì đài NHK mới phỏng vấn và đưa ra những nhận định đây là một mối liên kết. Sau đấy thì Nhật Hoàng có tới thăm bà Xuân ( một gia đình cựu binh Nhật ). Rồi mình không đi sâu vào vấn đề đấy nữa. Nhưng khi NHK bay vô Sài Gòn phỏng vấn tôi, thì tất nhiên dự án này trước đó họ đã biết rồi. Nhưng mà tôi gửi mail thì họ không trả lời, không đả động gì hết!

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

Art criticism is vanishing from mainstream media, but here's the uncomfortable question: does art and culture still need critics? Our host, Joana P. R. Neves, art curator and writer, examines why critics are leaving big outlets without being replaced—and what this means for art criticism, artistic quality assessment, curatorial etiquette, and the future of art evaluation itself. What is art criticism actually for? And where does Joana's feminist critique of critique lead to? And who decides what's good art now? Or, rather, is “good art” the yardstick by which art experiences should be measured?Did you enjoy the episode? Think about supporting Exhibitionistas by leaving a small donation: https://buymeacoffee.com/exhibitionistaJoana explores 3 questions in this episode: What is Art Criticism? Who reads it and who or what does art criticism serve? And finally, what is her own relation with it as someone who admittedly is not fond of the genre?Sign up for a tiered monthly support: https://www.buzzsprout.com/2624749/monetization/supporter_settings Your contribution keeps us going.Art Etiquette Segment guest: Elizabeth Botten, Reference Specialist at the Smithsonian's Archives of American Art Art question: what can we do to accommodate visitors and make their exhibition experience enjoyable while preserving art etiquette?Soon: Bonus – full length Art Etiquette episodes.Segment: Brainstorm in a Teacup:Come for the art, stay for the creative writing segment, where Joana reads short texts from her notebooks exposing her inner thoughts and odd fictional flash writing.Jingle: "Wunder", experimental poem by Joana P. R. Neves.0:00: Intro: Where to continue your Exhibitionistas experience.2:27: Today's question: is art criticism still valid?4:56: Why are art critics vanishing? And how?7:05: 3 guiding questions of the episode: what is it, who does it serve and who is reading - or not8:46: What is art criticism? A scandal and a text.15:35: Genius, excellence, quality: are these outdated questions?24:35: Who is reading art criticism?27:12: Art Etiquette with Elizabeth Botten38:08: What does art criticism do, and what or who is it upholding?46:44: Joana's honest reckoning with art criticism54:14: Brainstorm in a Teacup (Creative Writing segment)Did the episode stir Art Wonderment memories? Share them via text or voice message.Support the showCreated & Hosted by Dr. Joana P. R. Neves, art curator and writer with over 20 years of experience in the contemporary art field. Artistic director of Drawing Now Paris since 2018, she has worked across the industry, from the art market to education. She co-launched the art residency and project space Worlding in 2020. Exhibitionistas' first year offered exhibition discussions with guest co-host Emily Harding; organically, it grew into a more experimental show exploring art topics, stories and interviews complemented by Joana's publication Art Thinkosaurus on Substack. She champions ‘Art Wonderment's' embrace of complexity against the lure of ready-made opinions. A polyglot, she grew up in Lisbon, studied and lived in Paris, to finally settle in London with her artist husband, four children and two cats. Find us:On Instagram – @exhibitionistas_podcastOn Substack (NEWSLETTER: sign up!): Art Thinkosaurus > Exhibitionistas FilesOnline: www.exhibitionistaspodcast.comDo you want to be a guest on Art Etiquette? Reach out: joana@exhibitionistaspodcast.comCopyright: Joana P. R. Neves, 2024.

Gugs Mhlungu speaks with Clive Kellner, CAF’s Executive Director and curator of the exhibition, about how the collection explores the future and the growing role of technology in art. They discuss how the featured works examine themes of migration, memory, ecology, the cosmos and power, inviting audiences to rethink the relationship between technology, humanity and the world around us.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Episode 534 / Nicole EconomidesNicole Economides (b.1992) is an Athens based artist born in New York. She received her BA/BFA from the Department of Fine Arts and Arts Sciences at the University of Ioannina Greece (2015). She is an MFA Fine Arts graduate at Parsons, The New School (2019). Economides has been an artist in residence at the Agora Collective: WHILE WE WORK in Berlin, Germany (2016) and at the Macedonian Museum of Contemporary Art in Thessaloniki, Greece (2014). She was awarded the Elizabeth Greenshields Scholarship for Painters (2017) and the Artists' Grant from the Gerondelis Foundation Inc (2018). She has shown her work in many group exhibitions and workshops in Crete, Ioannina, Athens, Thessaloniki, Paris, Berlin, and New York City. She currently lives and works in New York City. 

A new exhibit at the Hessel Museum of Art features the work of artist and educator, Marilou Schultz. Combining traditional Navajo weaving techniques to resemble digital technologies, Schultz's work has sought to reflect the historic efforts of Navajo women as part of our collective, technological futures. Schultz and exhibit curator, Candice Hopkins, offer more insight into the inspiration of "Replica of a Chip: The Weaving Technology of Marilou Schultz." Work by Marilou Schultz: "Popular Chip" 2025, courtesy of the Gochman Family Collection Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

In "Kathy Butterly: Assume Yes," a practice spanning for over three decades showcases artist Kathy Butterly's striking and distinctive ceramic sculptures. Butterly and curator Ian Berry sit down to discuss the formation of the exhibit, which is currently open at the Tang Teaching Museum as part of the museum's 25th anniversary program. Installation photo by Mindy McDaniel: 'Kathy Butterly: Assume Yes,' Tang Museum, Skidmore College, 2026 Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

In 2025, amidst political turmoil around the United States, Brooklyn artist Izzy Barber wanted to feel more connected to her country, and decided to leave the bubble that can often take shape in New York City. She went on multiple road trips across the country, painting what she saw. The result of her travels is a new exhibit, Clay Pigeons, featuring her paintings of the diversity of American life and landscapes. The exhibit is on view through July 31, and Izzy Barber discusses her practice and inspiration for the show.  Art by Izzy Barber (Oil Field, Midland, TX (2026)): Digital photo by Max Yawney Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Today's episode was recorded in partnership with flaconi, Germany's leading online destination for beauty and fragrance. And it's one of those conversations that reminded me why I love doing this podcast so much.We're sitting down with Alicia Lindner, who runs a third-generation family business in the beauty industry called Annemarie Börlind. But this conversation is about so much more than a brand story. We talk about growing up surrounded by the scent of plant oils and flowers drifting out of a laboratory in the Black Forest and what it means to carry a legacy without turning it into something rigid.We also talk about sibling leadership, building and growing the brand independently, the spirit of the Schwarzwald, and the beauty industry as it looks today. But also about very human things. Like why skipping lunch is never a good idea and why the forest can be the best mentor when everything feels a bit too loud.This episode is thoughtful and honest. Alicia became an immediate star of the show. Please tune in and enjoy the energy that this episode will give you!Read more about the Women Authors of Achievement (WAA) Podcast via waa.berlin/aboutFollow us on Instagram & find us on LinkedInSubscribe to our newsletter via waa.berlin/newsletter ★ Support this podcast on Patreon ★

AI is forcing us to define what being human is. So, did our host, an art curator and writer, dare to create a Manifesto? Awkward? Or are we not used to women proclaiming things? How can art–seemingly at the brink of commodification–bear new forms of being human? Or is does it spotlight you, art wanderer? The self-help book "Tiny Experiments " by Anne-Laure Le Cunff sparked this art question: why did it excite such a meditative exploration of the role of art, and its urgent proclamation? Tune in to find out.Did you enjoy the episode? Think about supporting Exhibitionistas by leaving a small donation: https://buymeacoffee.com/exhibitionistaWhat else to do when we live in a society of images, but don't know what they are? In Joana's words: "Art Wonderment is me, howling, in recognition, in celebration, in fear, in respect, in defiance." Read the rest of her text here because a podcast episode is not the same beast as a text. The complete experience combines the two.Sign up for a tiered monthly support: https://www.buzzsprout.com/2624749/monetization/supporter_settings Your contribution keeps us going.With the wonderful Catalan artist Susanna INGLADA; the timeless wisdom of LAO TZU's Tao Te Ching translated by Ursula K. LE GUIN–, the most innovative Portuguese poet, Fernando PESSOA and his mind blowing creation of more than 100 heteronyms (poets he invented with a persona, a life, and their own authored poetry), amongst which the most extreme of them all, Alberto Caeiro.Art Etiquette Segment guest: Spencer Moore, Creator and host of The Hairy Chin PodcastArt question: why is contemporary art not considered art?Soon: Bonus – full length Art Etiquette episodes.Come for the art, stay for the creative writing–segment, Brainstorm in a Teacup, where Joana reads short texts from her notebooks exposing her inner thoughts and strange fictional flash writing.Jingle: "Wunder", experimental poem by Joana P. R. Neves.00:00:00 - Intro: A Different Start + Featured Artist Susanna Inglada00:02:06 - The Self-Help trap00:13:36 - Art Wonderment Manifesto00:19:26 - Art Etiquette with S. Moore: why is contemporary art not considered art?00:28:25 - Art Wonderment Manifesto – Holding the paradox wit artist Susanna Inglada00:33:07 - The mysterious life of Portugal's most intriguing poet, Fernando Pessoa00:42:06 - Brainstorm in a Teacup00:43:55 - A message, a rant, a call for voice notes, a see you soonDid the episode stir Art Wonderment memories? Share them via text or voice message.Support the showCreated & Hosted by Dr. Joana P. R. Neves, art curator and writer with over 20 years of experience in the contemporary art field. Artistic director of Drawing Now Paris since 2018, she has worked across the industry, from the art market to education. She co-launched the art residency and project space Worlding in 2020. Exhibitionistas' first year offered exhibition discussions with guest co-host Emily Harding; organically, it grew into a more experimental show exploring art topics, stories and interviews complemented by Joana's publication Art Thinkosaurus on Substack. She champions ‘Art Wonderment's' embrace of complexity against the lure of ready-made opinions. A polyglot, she grew up in Lisbon, studied and lived in Paris, to finally settle in London with her artist husband, four children and two cats. Find us:On Instagram – @exhibitionistas_podcastOn Substack (NEWSLETTER: sign up!): Art Thinkosaurus > Exhibitionistas FilesOnline: www.exhibitionistaspodcast.comDo you want to be a guest on Art Etiquette? Reach out: joana@exhibitionistaspodcast.comCopyright: Joana P. R. Neves, 2024.

Her paintings are rich, layered works that feature distorted or warped figures – something that Georgia Semple says represents the "loss of perception" that one experiences throughout one's life. Speaking to FRANCE 24, the London-based artist explains how themes of faith and addiction as well as her Guyanese heritage are expressed in her thought-provoking works. She says she hopes her paintings might prompt viewers to question "their own truths" or "how faith might show up in their lives".

Episode No. 764 features artist Louis Fratino. The Baltimore Museum of Art is exhibiting "Fratino and Matisse: To See This Light Again" through September 6. The exhibition shows how Matisse -- specifically Baltimore's great Matisse collection -- has informed Fratino's painting. The exhibition was co-curated by Virginia Anderson and Katy Rothkopf. Fratino, who earned his undergraduate degree at Baltimore's Maryland Institute College of Art, often depicts intimate personal spaces and experiences, usually by centering queer life and the male body. His work has been the subject of a solo show at the FLAG Art Foundation, New York; he has been included in group exhibitions at museums such as the Long Island Museum, Stony Brook, NY; the Institute of Contemporary Art, Boston, the RISD Museum, Providence; and the Columbus Museum of Art. His work is well-collected by art museums such as the Art Institute of Chicago, the British Museum, London, the Metropolitan Museum of Art, New York, the MCA Chicago, and the MFA Houston. Air date: June 25, 2026.

Episode 532 / KoakKoak is an artist born in  Lansing, MI who earned her BFA and MFA from California College of the Arts. In 2025, Koak was the subject of a solo exhibition at Charleston, Lewes, UK. She has participated in many institutional group shows, including at the Frye Art Museum, Seattle, WA; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO; de Young Museum, San Francisco, CA; Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, CA; Musées d'Angers, France; Xiao Museum of Contemporary Art, Rizhao; and Rudolph Tegners Museum and Statue Park, Dronningmølle, Denmark, among others. In 2020, Koak received a Eureka Fellowship from the Fleishhacker Foundation and completed residencies at the Tamarind Institute in Albuquerque, NM, and at Minnesota Street Project in San Francisco, through the Liquitex Residency program. Koak's work is part of the permanent collections of the de Young Museum, Kemper Museum of Contemporary Art, and Musées d'Angers. She lives and works in San Francisco and is represented by Perrotin, Union Pacific, and Jessica Silverman. 

Pop art and New York share a special relationship. The Guggenheim was particularly important to the evolution of the genre in the city, when a British curator organized the first museum presentation of Pop art in New York in 1963. This summer, the Guggenheim is exploring the Pop art in its collection with a new exhibit, Guggenheim Pop: 1960 to Now, featuring the work of 29 artists who engaged in Pop art, from the past to the present. Guggenheim curator Lauren Hinkson discusses the show and the unique artistic signatures of Pop. Image Courtesy of the artist and Perrotin: Maurizio Cattelan,Comedian, 2019. Bananaand duct tape, 7 7/8×7 7/8×1 15/16 in. (20×20×4.9 cm), edition 3/3. Solomon R. GuggenheimMuseum, New York, Anonymous promised giftT16.2020. © Maurizio Cattelan. Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Tom Dreesen Obit + Opera Festival of Chicago Gary Zidek Happy Father's Day! On this edition of The Arts Section, host Gary Zidek revisits his interview with celebrated comedian Tom Dreesen. The Harvey native, who enjoyed a decades-long career in show business, passed away this week. Theater critic Jonathan Abarbanel joins Gary to review a world premiere at Lookingglass Theater. Later in the show, Gary highlights the mission the Opera Festival Of Chicago. And we'll take a look at a conversational exhibit at the Museum of Contemporary Art.

In this edition, we discover how some of Paris's most famous landmarks are being transformed by technology, culture and contemporary art. We travel beneath the Eiffel Tower with a new virtual reality experience that brings the monument's history to life, celebrate the 20th anniversary of the Quai Branly Museum and its extraordinary collection of art and artefacts from around the world, and cross the Pont Neuf as French artist JR turns the city's oldest bridge into a spectacular cave-inspired installation. Together, these three stories offer a fresh perspective on Paris and the many ways it continues to reinvent itself.

Welcome back to ARTMATTERS: The Podcast for ArtistsOur guest today is Margaret Curtis, a feminist painter born in Bermuda whose vivid, densely layered canvases explore power dynamics at both the personal and societal level. Margaret is an inaugural recipient of the Joan Mitchell Foundation Fellowship, and her work first gained national recognition in Marcia Tucker's landmark Bad Girls exhibition at the New Museum in New York in 1994. Since then she has shown at the Brooklyn Museum, the Andy Warhol Museum, and the Wexner Center, with recent solo shows at the Utah Museum of Contemporary Art and Post Times Gallery in New York City. Her work has been reviewed in the Times, Artforum, Art in America, and Harper's, and is held in permanent collections throughout the United States. I sat down with Margaret in the last days of her exhibition entitled ‘S at Post Times in Lower Manhattan. I set up the mics and the cameras and Margaret spoke to me about endurance, dumb mark-making, her beloved Quinacridone gold and how she describes a day in her studio as 30,000 nonverbal decisions, and feeling practically broken by the end of it. We talk Cricut, Frisket, Speedy Carve and Dibond as well as the cake decorating tools that she snatched up in a deliberate act of rebellion against her painting instructors - and originally kicked off this predilection for alternative mark-making, Margaret explains why she believes style is a market pressure, not something worth pursuing, and that each painting demands its own visual language. She also talks Jack Whitten, gives some great final advice, and tells me why painting has always been "her friendliest enemy.”Support this podcast by clicking HERE and becoming a Patreon Supporter!If you're enjoying the podcast so far, please rate, review, subscribe and SHARE ON INSTAGRAM!  If you have any questions you want answered, write in to artmatterspodcast@gmail.com host: Isaac Mannwww.isaacmann.cominsta: @isaac.mannguest: Margaret Curtiswww.margaretcurtisart.cominsta: @margarcurThank you as always to ARRN, the Detroit-based artist and instrumentalist, for the music.

Javier Proenza speaks with Ioanna Sakellaraki, a Greek visual artist, photographer, and Fulbright Scholar currently conducting research with the Smithsonian, about the development of her interdisciplinary practice across photography, collage, embroidery, and archival work. The conversation examines Sakellaraki's transition from a career in communications strategy with EU institutions into contemporary art, the influence of personal grief and the discovery of her late father's archive on her work, and her engagement with Greek mourning traditions, Orthodox ritual, memory, and the unstable boundary between documentary and conceptual image-making.

"What does it mean to age – and can we change it?" This is the question that filmmaker David Donnelly set out to explore while writing and directing the award-winning documentary Forever Young. Filmed over three years and spanning three continents, the project takes viewers from the cutting-edge research labs of the Buck Institute in Northern California to communities around the world known for their longevity and healthy aging practices. The result is an 88-minute documentary featuring scientists, physicians, researchers, and thought leaders examining one of humanity's most enduring questions: how do we age, and what can modern science teach us about living longer and healthier lives? Jump in now to discover: Surprising insights from the science of aging and longevity The difference between lifespan and healthspan Emerging therapies and technologies being studied for healthy aging How genetics, epigenetics, and cellular health may influence the aging process David is an award-winning filmmaker, writer, and visual artist whose work explores the intersection of culture, technology, and the human experience. His films, installations, and mixed-media projects have been featured in major museums, international festivals, and private collections worldwide. David's films have been showcased at premier institutions including the Whitney Museum of American Art, the Chicago Museum of Contemporary Art, the Kennedy Center, the Hamburg Elbphilharmonie, the Beijing Music Festival, and the Arvo Pärt Center. Watch the movie Forever Young on Apple TV. Connect with David: Personal Website Forever Young Website IMDB Profile

Bad at Sports Episode 951 has Duncan MacKenzie and Ryan Peter Miller still in Miami for a conversation with Chicago artist Tali Halpern at NADA, representing 1210 Gallery. The conversation spans weaving, sobriety, punk music, queer identity, labor, spectacle, and the ecstatic possibilities of fiber art. Halpern discusses their transition from painting and addiction into weaving, their work with digital looms at Loom Room, and the way embellishment, rhinestones, embroidery, and collage become acts of healing and reconstruction. The episode touches on Chicago's art community, punk aesthetics, club culture, spiritual labor, and the tension between craft traditions and contemporary experimentation.   Name Drops & Links Tali Halpern — https://tali.rocks/ Twelve Ten Gallery — https://twelvetengallery.com/ NADA Miami — https://www.newartdealers.org/ School of the Art Institute of Chicago (SAIC) — https://www.saic.edu/ Loom Room Chicago — https://www.lmrmchicago.com/ Hope Lange — https://en.wikipedia.org/wiki/Hope_Lange Gregg Araki — https://en.wikipedia.org/wiki/Gregg_Araki Nowhere — https://www.imdb.com/title/tt0119809/ Mike Kelley — https://en.wikipedia.org/wiki/Mike_Kelley_(artist) Paul McCarthy — https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_McCarthy Tracey Emin — https://en.wikipedia.org/wiki/Tracey_Emin Sylvia Plath — https://en.wikipedia.org/wiki/Sylvia_Plath Elliott Smith — https://en.wikipedia.org/wiki/Elliott_Smith Ken Burns — https://www.pbs.org/kenburns/ Nirvana — https://en.wikipedia.org/wiki/Nirvana_(band) The B-52's — https://en.wikipedia.org/wiki/The_B-52s Guns N' Roses — https://en.wikipedia.org/wiki/Guns_N%27_Roses Howardena Pindell — https://www.garthgreenan.com/artists/howardena-pindell Melissa Cody — https://www.garthgreenan.com/artists/melissa-cody Cranbrook Academy of Art — https://cranbrookart.edu/ Boulder Museum of Contemporary Art — https://bmoca.org/ The Weaving Mill — https://theweavingmill.com/ Mikey Mosher — https://www.mikeymosher.com/ Cindy Sherman — https://en.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman Noelia Towers — https://www.noeliatowers.com/ The Killers — https://en.wikipedia.org/wiki/The_Killers  

Fluent Fiction - Spanish: The Art of Connection: A Museum Adventure Find the full episode transcript, vocabulary words, and more:fluentfiction.com/es/episode/2026-06-13-07-38-19-es Story Transcript:Es: El sol de la tarde brillaba sobre el Museo de Arte Contemporáneo, creando reflejos en sus paredes de cristal.En: The afternoon sun shone on the Museo de Arte Contemporáneo, creating reflections on its glass walls.Es: Mateo y Renata entraron al museo, listos para explorar y disfrutar del arte.En: Mateo and Renata entered the museum, ready to explore and enjoy the art.Es: Mateo, siempre fascinado por las historias detrás de cada obra, se veía pensativo.En: Mateo, always fascinated by the stories behind each piece, looked thoughtful.Es: Renata, en cambio, siempre buscaba experiencias nuevas que recordara más allá de un objeto.En: Renata, on the other hand, always sought new experiences that she would remember beyond just an object.Es: Dentro del museo, el ambiente era tranquilo y moderno.En: Inside the museum, the atmosphere was calm and modern.Es: Las paredes estaban llenas de colores y formas que parecían contar historias sin palabras.En: The walls were filled with colors and shapes that seemed to tell stories without words.Es: Mateo conocía el valor de un regalo especial y quería expresar su aprecio por Renata con algo significativo.En: Mateo understood the value of a special gift and wanted to express his appreciation for Renata with something meaningful.Es: Sin embargo, sabía que Renata no era de las que coleccionaban cosas; ella prefería momentos y aventuras.En: However, he knew that Renata was not one to collect things; she preferred moments and adventures.Es: Mateo decidió prestar atención a cada detalle.En: Mateo decided to pay attention to every detail.Es: Observó mientras Renata caminaba por las salas.En: He observed as Renata walked through the rooms.Es: Miraba sus gestos, buscaba sus sonrisas y oía sus comentarios.En: He watched her gestures, looked for her smiles, and listened to her comments.Es: Renata se detenía con fascinación frente a un cuadro vibrante lleno de colores brillantes.En: Renata paused with fascination in front of a vibrant painting full of bright colors.Es: Su mirada se iluminaba con cada pincelada.En: Her gaze lit up with each brushstroke.Es: Mateo captó la emoción genuina en los ojos de Renata.En: Mateo captured the genuine emotion in Renata's eyes.Es: El tiempo corría.En: Time was running out.Es: El museo pronto cerraría y la tienda de regalos sería su última oportunidad.En: The museum would soon close and the gift shop would be his last chance.Es: Mateo se sentía ansioso.En: Mateo felt anxious.Es: Al llegar a la tienda, recorrieron juntos las estanterías llenas de libros, pósters y esculturas pequeñas.En: Upon reaching the shop, they browsed together through shelves full of books, posters, and small sculptures.Es: Entonces, algo le llamó la atención: un impreso del mismo cuadro que había capturado el interés de Renata.En: Then, something caught his attention: a print of the same painting that had captured Renata's interest.Es: Mateo lo tomó en sus manos, decidido.En: Mateo took it in his hands, determined.Es: Era la elección perfecta.En: It was the perfect choice.Es: Renata, al verlo, sonrió sorprendida.En: Renata, upon seeing it, smiled in surprise.Es: "¡Ese es mi favorito!En: "That's my favorite!"Es: ", exclamó con alegría.En: she exclaimed with joy.Es: Salieron del museo con el regalo cuidadosamente envuelto.En: They left the museum with the gift carefully wrapped.Es: Pasearon por los jardines iluminados por los últimos rayos del sol.En: They strolled through the gardens illuminated by the last rays of the sun.Es: Mateo sintió una nueva comprensión del valor de las pequeñas cosas, de prestar atención, de ser consciente de lo que realmente importaba.En: Mateo felt a new understanding of the value of small things, of paying attention, of being aware of what truly mattered.Es: Renata agradeció el gesto con una sonrisa sincera.En: Renata thanked him for the gesture with a sincere smile.Es: Finalmente, el día terminó, pero la amistad entre Mateo y Renata se hizo más fuerte.En: Finally, the day ended, but the friendship between Mateo and Renata grew stronger.Es: Mateo había aprendido a ver más allá de lo material.En: Mateo had learned to see beyond the material.Es: A veces, la llave para entender a alguien está en los detalles más simples.En: Sometimes, the key to understanding someone is in the simplest details. Vocabulary Words:the sun: el solthe museum: el museothe reflection: el reflejothe glass: el cristalto explore: explorarfascinated: fascinadothoughtful: pensativothe atmosphere: el ambientethe wall: la paredsignificant: significativoto collect: coleccionarthe gesture: el gestothe smile: la sonrisabright: brillantethe painting: el cuadrothe brushstroke: la pinceladato capture: captarthe time: el tiempoto close: cerraranxious: ansiosoto browse: recorrerthe shelf: la estanteríathe sculpture: la esculturathe joy: la alegríato stroll: pasearto illuminate: iluminarto wrap: envolverto focus: prestar atenciónthe moment: el momentoto thank: agradecer

Fluent Fiction - Korean: A Day at Seoul's Museum: Rediscovering Art and Ourselves Find the full episode transcript, vocabulary words, and more:fluentfiction.com/ko/episode/2026-06-13-22-34-01-ko Story Transcript:Ko: 서울 국립현대미술관의 문을 열고 들어서면, 지호, 민서, 소민은 여름 햇살을 느끼며 시원한 공기를 마셨습니다.En: As they entered the Seoul National Museum of Modern and Contemporary Art, Jiho, Minseo, and Somin felt the summer sunlight and breathed in the cool air.Ko: 햇빛은 큰 유리창을 통해 들어와서 미술관 안을 환하게 밝혀 주었습니다.En: The sunlight streamed in through large glass windows, brightly illuminating the inside of the museum.Ko: 밖에는 푸른 잎들이 바람에 흔들렸습니다.En: Outside, green leaves swayed in the wind.Ko: 지호는 조용히 그림 앞에 멈춰 섰습니다.En: Jiho quietly stopped in front of a painting.Ko: 그의 마음속에는 예술에 대한 사랑과 자신의 능력에 대한 의심이 교차하고 있었습니다.En: In his mind, his love for art clashed with doubts about his own abilities.Ko: 그림을 보며 그는 다시 한번 자신의 길을 생각했습니다.En: As he looked at the painting, he once again contemplated his path.Ko: 민서는 다양한 그림과 조각에 둘러싸여 즐거웠습니다.En: Minseo was delighted, surrounded by a variety of paintings and sculptures.Ko: 그녀의 눈은 한국의 현대미술에 대한 호기심으로 반짝였습니다.En: Her eyes sparkled with curiosity about Korean contemporary art.Ko: 너무 많은 작품이 그녀를 끌어당겼고, 결국 길을 잃고 말았습니다.En: So many works drew her in, and eventually, she became lost.Ko: 하지만 그녀는 당황하지 않고, 박물관 직원에게 도움을 청했습니다.En: However, she didn't panic and asked a museum staff member for help.Ko: 소민은 처음에는 압박감을 느꼈습니다.En: Somin initially felt pressured.Ko: 항상 새로운 영감을 찾으려 노력하는 그녀에게는 잠시의 여유도 사치처럼 느껴졌습니다.En: To someone like her, who was always striving to find new inspiration, even a moment of leisure felt like a luxury.Ko: 그녀는 그냥 미술을 즐기기로 마음먹었습니다.En: She decided to simply enjoy the art.Ko: 여유롭게 그림을 보기 시작한 소민은 자신도 모르게 미소를 지었습니다.En: As she leisurely began to view the paintings, she unknowingly smiled.Ko: 지호는 모네의 작품 앞에 멈춰 섰습니다.En: Jiho paused in front of a Monet piece.Ko: 그 그림은 그에게 잊었던 열정을 되살려 주었습니다.En: The painting rekindled a forgotten passion within him.Ko: 그는 조용히 그 속으로 빠져들었습니다.En: He quietly immersed himself in it.Ko: 민서는 결국 한국 전통 회화 섹션에서 눈을 반짝이며 새로운 사실을 배웠습니다.En: Minseo eventually learned new facts with sparkling eyes in the Korean traditional painting section, gaining new insights into art.Ko: 소민은 한 그림 앞에서 멈춰 섰습니다.En: Somin stopped in front of a painting.Ko: 그 그림은 그녀에게 새로운 시각을 열어 주었습니다.En: It opened up a new perspective for her.Ko: 박물관을 나온 세 명은 모두 마음이 가벼워졌습니다.En: As the three of them left the museum, they all felt lighter at heart.Ko: 지호는 예술을 향한 꿈에 대한 확신을 가졌고, 민서는 한국 문화에 대한 깊은 이해를 얻었습니다.En: Jiho felt assured of his dreams toward art, and Minseo gained a deeper understanding of Korean culture.Ko: 소민은 이제 즐겁게 일을 할 수 있을 거라 믿었습니다.En: Somin believed she could now work joyfully.Ko: 그들은 서로의 변화된 모습을 보고 미소 지었습니다.En: They smiled as they noticed the changes in each other.Ko: 이제, 서울의 여름 공기는 그들에게 새로운 활기를 불어넣었습니다.En: Now, Seoul's summer air breathed new vitality into them.Ko: 미술과 함께 했던 하루는 그들의 가슴에 깊게 남았고, 그들은 미소를 지으며 미술관을 떠났습니다.En: The day spent with art left a deep impression in their hearts, and they left the museum with smiles.Ko: 끝.En: The end. Vocabulary Words:contemporary: 현대illuminating: 밝혀 주었습니다swayed: 흔들렸습니다clashed: 교차하고contemplated: 생각했습니다sparkled: 반짝였습니다lost: 길을 잃고panicked: 당황striving: 노력하는leisure: 여유rekindled: 되살려immersed: 빠져들었습니다gaining: 얻었습니다perspective: 시각vitality: 활기impression: 남았고staff: 직원inspiration: 영감path: 길assured: 확신insights: 통찰passion: 열정comfort: 편안함enlightenment: 계몽luxury: 사치delighted: 즐거웠습니다curiosity: 호기심sparkling: 반짝이는breathed: 마셨습니다opened: 열어

Episode No. 761 features artists Denzil Forrester and William Wylie. Forrester is featured in "Dancing the Revolution: From Dancehall to Reggaetón" at the Museum of Contemporary Art Chicago through September 20. The exhibition explores and expands the visual, political, and spiritual histories of dancehall and reggaetón through contemporary art produced in the Caribbean, New York, London, and beyond. It was curated by Carla Acevedo-Yates with Cecilia González Godino, Iris Colburn, Nolan Jimbo, and nibia pastrana santiago. A catalogue will be published by the museum and DelMonico Books in July. It is available from Bookshop and Amazon for $60-65. The Grenada-born Forrester is best known for paintings that mine London's dub reggae culture and music clubs of the 1980s for subject and verve. The drawings he made in urban dance halls then continue to inform his work. His paintings are full of references to diaspora, the policing of Black people and culture in the UK, and dub reggae music itself. White Columns, New York, the Institute of Contemporary Art, Miami and the Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City have presented solo exhibitions of his work in the US; in the UK, Nottingham Contemporary, the Jackson Foundation Gallery, Cornwall have too. His work is in the collection of museums such as the Tate, London, and the Metropolitan Museum of Art, New York. Wylie's new photobook is titled "The Eighty-Eight: Photographs from a Japanese Pilgrimage." It features pictures from Wylie's experience fo the Shikoku Pilgrimage, a trail that vists 88 temples associated with the Buddhist monk Kūkai (Kōbō Daishi) on the island of Shikoku. The book was published by George F. Thompson Publishing in association with the Center for the Study of Place, and features an essay by Pico Iyer. Amazon offers it for about $42. This is Wylie's seventh book. His pictures are in the collection of museums such as the Metropolitan Museum of Art, New York, the National Gallery of Art, Washington, and the Yale University Art Gallery. Air date: June 4, 2026.

Researcher, artist, and curator Pietro Consolandi traces the ‘wetland turn' in art, ecology, and environmental justice, via Giovanni Pellegrini's 2025 documentary film, The Venice Lagoon, a legal person.Nature Speaks: Listening for Rights of Nature in Venice and Europe is at Ocean Space in Venice until 11 October 2026. The Research Unit, curated by Pietro Consolandi and Amalia Rossi, is co-produced by TBA21–Academy and NICHE Centre for Environmental Humanities, Ca' Foscari University of Venice, in collaboration with IDRA (Initiative for the Rights of Water) and the Confluence of European Water Bodies. You can join the next Citizens' Assembly for the Rights of the Lagoon on 10 October 2026.The Venice Lagoon, a legal person (2025) is available to watch online.For more about water bodies in Europe, hear Klima Biennale Wien festival director Sithara Pathirana on climate justice, public space and the rights of the river Danube through Austria, Central, Eastern, and Southeastern Europe, in the episode about Superflux's sculptural installation, Nobody Told Me Rivers Dream (2025): pod.link/1533637675/episode/ZWQ4Mzg0Y2MtMWFkMy00ZmJkLWIyZjUtNGU3MmJmODM2ODExOn the flows between Wales and Venice, listen to artist ⁠Taloi Havini⁠, winner of Artes Mundi 10, on their film Habitat (2017) at Mostyn in Llandudno, and work with Ocean Space in Venice: pod.link/1533637675/episode/e30bd079e3b389a1d7e68f5e2937a797On archaeologist Marija Gimbutas, hear Emilija Škarnulytė on their film installation, Burial (2022), part of Folkestone Triennial 2025: pod.link/1533637675/episode/ZmJmZTIzMGItOTg0OC00YjhhLThkMjMtMWQ3Y2E5ZDU5MDAzAnd for more about Southampton's coastal connections to Europe, hear curators Ros Carter and Sofie Krogh Christensen on Pia Arke's Camera Obscura (1990) at John Hansard Gallery in Southampton and KW Institute for Contemporary Art in Berlin: pod.link/1533637675/episode/OWVhZjc3YWItNDRiYy00MTYyLTk0ZmItZmE5MmJlZDY1YmI1PRODUCER: Jelena Sofronijevic.Follow EMPIRE LINES on Instagram: ⁠⁠instagram.com/empirelinespodcast⁠⁠Support EMPIRE LINES on Patreon: ⁠⁠patreon.com/empirelinesEMPIRE LINES is a project within the ecosystem of ⁠Radical Ecology⁠ (2025-2026).

photo by Karla Del Orbe. Adelisa Selimbašić (b. 1996) is an Italian-Bosnian artist living and working in New York. In 2021, she graduated from the Venice Academy of Fine Arts with a Master's in Painting. Her pictorial research aims to imagine a world in which the sense of inadequacy does not exist, opening to a nonconventional perception of the body. Through scenes drawn from everyday life and an essential figurative approach, the artist reinterprets the idea of femininity, focusing on the complexities of human experience, desire, tension, and the need for physical contact. Her practice is based on a dense and almost tactile painterly presence, achieved through careful manipulation of color: working with a contained palette, Selimbašić mixes pigments directly on the canvas, allowing the tones to meet and transform, pushing toward a plasticity that challenges traditional representations of the female body. In recent years, she has presented numerous solo exhibitions in institutional and international gallery contexts. Among her most recent solo exhibitions: When we become each other, curated by Rebis Rebis (Delfina Pattacini and Gaddo Amunni), Lubov Gallery, New York (2026); The Dancefloor, curated by Michele Spinelli, z2o Sara Zanin, Rome (2026); For My Eyes Only, Manifesto Gallery of Contemporary Art, Sarajevo (2025); The Space in Between, curated by Delfina Pattacini, Tommaso Calabro Gallery, Milan (2025); Dust Bunny, curated by Michele Spinelli, z2o Project, Rome (2024); Why Is It So Hard to Declare Yourself?, Galleria Ipercubo, Milan (2023); In parallel, Selimbašić has participated in numerous group exhibitions in Italy and abroad. installation view Where we become each other, Lubov gallery, curated by Rebis Rebis (Delfina Pattacini and Gaddo Amunni), New York Tanisha, 2026, oil in canvas, 14x 16 inches Bay,2026, oil in canvas, 14×16 inches  

In this episode, Dave Young Kim, a Los Angeles–based muralist and curator, discusses his recent exhibition at the USC Pacific Asia Museum in Pasadena. Developed around the theme of Asian mythical creatures, the project reframes historical material through the structure of the immigrant experience, pairing objects from the museum's collection with contemporary artworks and newly commissioned pieces. Kim reflects on the research process behind the exhibition, including the cultural specificity of pan-Asian mythologies and their evolution across regions. The conversation also addresses Korean American identity, family migration histories, and the challenges of curating within institutional frameworks, alongside the practical considerations of maintaining a sustainable art practice beyond traditional gallery systems.

 Gabriela Rangel, director of Tucson's Museum of Contemporary Art, was born and raised in Caracas, Venezuela. As a curator focusing on Latin American art, she's worked at the Museum of Fine Arts in Houston, the Americas Society in New York City, and the Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. In the fall of 2025 she became the director of Tucson's Museum of Contemporary Art.  In this podcast with Caroline Tracey, The Border Chronicle's arts & culture editor, Rangel discusses how the concept of Latin American art" didn't come from Latin America, the necessity for politics in art, and what it's like living and working in the Sonoran Desert “This is a borderland city,” she says of Tucson. Of how the border figures into contemporary art, she adds: “Urgent matters in the repertoire of contemporary art are also crucial for the borderlands: water, ecosystems and immigration—these are issues that contemporary art has adopted in their concerns....Contemporary art is about what's happening in the present.”

Forecasters are predicting a hotter-than-typical summer for Arizona, in the form of a “Super El Niño.” That comes as Arizonans are spending more to cool their homes. And, we'll meet the new head of Tucson's Museum of Contemporary Art.

This week on Paige's Pod, I sat down with Molly and Ray, the founders of Galaray House - a welcoming, contemporary art gallery + modern espresso bar redefining what the gallery experience can feel like. We talk about:how a casual conversation on a boat sparked the idea for Galaray Housecombining coffee culture with fine artwhy traditional galleries can feel intimidatingbuilding a space that feels approachable, warm, and community-drivenbalancing creativity, business, and motherhoodthe emotional side of selling artworksupporting artists beyond just hanging work on wallstrusting your instincts when starting something newthe behind-the-scenes realities of opening a creative businessMolly and Ray share honest stories about starting from scratch, learning the coffee world on the fly, curating their first collection, navigating self-doubt, and building meaningful relationships with both artists and collectors.This conversation felt like a reminder that art doesn't have to feel exclusive or intimidating - it can simply be human, connective, and deeply personal.If you've ever dreamed of starting something creative, building community, or making the art world feel more accessible, this episode is for you. Find Gallery House:

Guests: Christina and Courtney LongHost:  Christopher KardambikisRecorded on March 11, 2024 and May 8, 2026This episodes contains two conversations recorded two years apart. #Blkgrlswurld ZINE is an award-winning indie publishing house based in New York City. Led by Christina Long, MFA (Global Creative Director) and her younger sister Courtney Long (Senior Editor), since 2014. The press celebrates and documents Black Womxn & Womxn of Color who participate in heavy music genres like Metalcore, Hardcore, Punk and Black Metal. Interviewing bands, reviewing music and vending at zine fairs allow #Blkgrlswurld ZINE to introduce readers to new music and the diversity within music scenes.Zines and artists' books published by #Blkgrlswurld Press can be found in libraries at The Metropolitan Museum of Art, The Museum of Modern Art, The Schomburg Center for Research On Black Culture, The Barnard Zine Library, The NY Public Library and many more.In 2019 Christina Long was awarded a grant from the Sachs Program for Arts Innovation for her work in indie publishing. The grant led to #Blkgrlswurld launching their very first Punk Music Fest and Zine Fair at Philadelphia's Institute of Contemporary Art in September of 2019.The press accepts open submissions from anyone who supports womxn identifying fans & musicians in the heavy music scene. #heavygirlsloveheavymusicblkgrlswurld.com“Paper Cuts Theme” by The Early@theearly_band // http://theearly.net

Episode 528 / Beverly FishmanBeverly Fishman is an artist born in 1955 in Philadelphia, who lives and works in Detroit. She received her Master of Fine Arts in 1980 from Yale University and her Bachelor of Fine Arts from the Philadelphia College of Art in 1977.Her work has been the subject of recent solo exhibitions at CUE Art Foundation, New York, NY; Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; Gavlak Gallery, Los Angeles, CA; Jessica Silverman Gallery, San Francisco, CA; Kavi Gupta Gallery, Chicago, IL; KOTARO NUKAGA, Tokyo, Japan; Kravets Wehby Gallery, New York, NY; Library Street Collective, Detroit, MI; Louis Buhl & Co., Detroit, MI; Miles McEnery Gallery, New York, NY; Ronchini Gallery, London, United Kingdom; SOCO Gallery, Charlotte, NC; The Contemporary Dayton, Dayton, OH; and Walter Storms Galerie, Munich, Germany.She has been included in group exhibitions at numerous international institutions including the American Academy of Arts and Letters, New York, NY; Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Circulo de Bessa Artes, Madrid, Spain; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; National Academy of Design, New York, NY; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; The Drawing Center, New York, NY; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC; and White Columns, New York, NY, among others.Her work is in the collections of Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Chrysler Museum of Art, Norfolk, VA; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Eli and Edythe Broad Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; MacArthur Foundation Collection, Chicago, IL; Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, TX; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, MI; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, and elsewhere.Beverly was inducted as a National Academician of the National Academy of Design in 2020. She is the recipient of the Anonymous Was A Woman Award; the American Academy of Arts and Letters' Hassam, Speicher, Betts, & Symons Purchase Award; a Guggenheim Fellowship in the Fine Arts; and a Fellowship Grant from the National Endowment for the Arts.

Episode 528 / Beverly FishmanBeverly Fishman is an artist born in 1955 in Philadelphia, who lives and works in Detroit. She received her Master of Fine Arts in 1980 from Yale University and her Bachelor of Fine Arts from the Philadelphia College of Art in 1977.Her work has been the subject of recent solo exhibitions at CUE Art Foundation, New York, NY; Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; Gavlak Gallery, Los Angeles, CA; Jessica Silverman Gallery, San Francisco, CA; Kavi Gupta Gallery, Chicago, IL; KOTARO NUKAGA, Tokyo, Japan; Kravets Wehby Gallery, New York, NY; Library Street Collective, Detroit, MI; Louis Buhl & Co., Detroit, MI; Miles McEnery Gallery, New York, NY; Ronchini Gallery, London, United Kingdom; SOCO Gallery, Charlotte, NC; The Contemporary Dayton, Dayton, OH; and Walter Storms Galerie, Munich, Germany.She has been included in group exhibitions at numerous international institutions including the American Academy of Arts and Letters, New York, NY; Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Circulo de Bessa Artes, Madrid, Spain; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; National Academy of Design, New York, NY; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; The Drawing Center, New York, NY; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC; and White Columns, New York, NY, among others.Her work is in the collections of Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Chrysler Museum of Art, Norfolk, VA; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Eli and Edythe Broad Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; MacArthur Foundation Collection, Chicago, IL; Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, TX; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, MI; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, and elsewhere.Beverly was inducted as a National Academician of the National Academy of Design in 2020. She is the recipient of the Anonymous Was A Woman Award; the American Academy of Arts and Letters' Hassam, Speicher, Betts, & Symons Purchase Award; a Guggenheim Fellowship in the Fine Arts; and a Fellowship Grant from the National Endowment for the Arts.

Harlem-based artist Kim Dacres makes her sculptures with metal and rubber from recycled tires, often sourcing from bike shops around her neighborhood. A new exhibit at Charles Moffett presents her latest works, inspired by her experiences living in the United States over the last 18 months, as well as her favorite classic love songs, including Stevie Wonder's "As." Kim Dacres discusses what's on view in the solo show, ‘Lost on a Two Way Street,' on view at 394 Broadway through June 20. Image: Kim Dacres' Baby Liberty Bun, 2026 Found auto and bicycle rubber, wood, screws, metal turn table, and spray paint. 19 in x 10 in x 10.25 in Photo by Max Yawney. Courtesy of the artist and Charles Moffett Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

The conversation around the Box Elder County data center is having ripple effects throughout Utah. Executive producer Emily Means and social media manager Molly Miloscia break down the latest headlines. Plus, crafting an ideal day in Salt Lake and local shoutouts. Resources and references: ‘They asked us to come,' Kevin O'Leary tells Tucker Carlson of massive Utah data center plan [Salt Lake Tribune] ‘I do not want this in my community': Southern Utahns confront proposed data center [Salt Lake Tribune] Utah House speaker says Box Elder hyperscale project is bad ‘personally, and for my ranch' [Salt Lake Tribune] Apply for Salt Lake City's Love Your Block program. Become a member of City Cast Salt Lake today! It's the best way to support our work and help make sure we are around for years to come. Get all the details and sign up at membership.citycast.fm. Subscribe to our daily morning newsletter. You can also find us on Instagram @CityCastSLC. Text or leave us a voicemail with your name and neighborhood, and you might hear it on the show: ‪(801) 203-0137‬ Looking to advertise on City Cast Salt Lake? Check out our options for podcast and newsletter ads. If you enjoyed our interview with Laura Allred Hurtado, executive director of the Utah Museum of Contemporary Arts, learn more here. Learn more about the sponsors of this episode: TaskRabbit The Shop Salt Lake Sewciety Cozy Earth - use code COZYSALTLAKE for up to 30% off

Lindy Lee is Chinese-Australian artist and zen practitioner.As a little girl growing up in Brisbane in the era of the White Australia policy, Lindy lived through the pain of always feeling different.It took her many years to find the power in what she calls the 'tearing' in her identity.When she began using it as fuel for her art, she began to make work based on her own family story, and her Zen practice.Lindy is now one of Australia's leading contemporary artists.This episode of Conversations was first broadcast in 2022 

This year is the 50th anniversary of MoMA PS1's opening. To celebrate the anniversary, the museum has organized a new exhibit, 'Greater New York 2026,' that features over 50 artists who live and work in the surrounding New York City area. MoMA PS1 director Connie Butler, and Ruba Katrib, Chief Curator and Director of Curatorial Affairs, reflect on 50 years of MoMA PS1 and discuss their vision for the exhibit, which runs until August 17. Photo by Kris Graves, courtesy MoMA PS1: Left: fields harrington. Unfree Free Time (Bike Rental). 2026. E-bike and bike rack. Right: Cevallos Brothers. Greater New York. 2026 Acrylic on wall. Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

This week, Wes and Todd talk with Colorado Springs Artist, Jes Moran. Jes discusses her engagement with art as a child, growing up in Wisconsin, altering clothes & studying apparel design, her compulsion to make, loving process, having an intentional art practice the past five years, creative ideas, some of the other creative pursuits that she explored before doing the work she does now, being self-taught, learning to trust herself, her process, being fearless, quilts, sewing, what art does for her, letting go, her older work, titles, negative space, abstract art, experimentation & exploration, finding her voice, writing, space, memories, family, vulnerability, self-doubt, routine, sacrifices, potato chips, color, her new work, her show at Auric in June, being seen & valued, the support of her family, the Colorado Springs art community, and her idea of perfect happiness.Join us for a wonderful conversation with Jes Moran!Check out Jes Moran's exquisite work at www.jesmoran.comFollow Jes Moran on social media:Instagram - www.instagram.com/jesdmoran/ - @jesdmoranJes' exhibition “Seam Shift: painting through construction” will be on display at Auric Gallery through the month of June. Opening reception June 5th.  For more information go to www.auricgallery.comSend us Fan MailFollow us on Instagram:@tenetpodcast - www.instagram.com/tenetpodcast/@wesbrn - www.instagram.com/wesbrn/@toddpiersonphotography - www.instagram.com/toddpiersonphotography/ Follow us on Facebook:www.facebook.com/TenetPodcast/Email us at todd@toddpierson.com If you enjoyed this episode or any of our previous episodes, please consider taking  a moment and leaving us a review on your favorite podcast platform.Thanks for listening! 

An exhibition of new work by Sanford Biggers transforms Boesky Gallery into a playhouse of sorts, transforming the space into a labyrinth of curtains and false walls. Biggers discusses his show, 'The Gift of Tongues,' which is on display through Saturday, June 13th. Photo by L. Malik Anderson; Sandford Biggers's 'Narcissus'  Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Make Your Home In This Luminous Dark A conversation with James K. A. SmithIn this episode, I sit down with philosopher and author James K. A. Smith (Jamie) to explore the mystical tradition as a living pathway into deeper faith, creativity, and presence.Jamie shares how his journey into mysticism began not through abstract theology, but through personal crisis, an experience of depression that exposed the limits of intellect and certainty. From there, voices like St. John of the Cross and Thomas Merton opened up a new way of understanding faith, not as mastery, but as surrender; not as knowing, but as unknowing.Together, we explore what it means to “make your home in the luminous dark,” to embrace mystery as a space of transformation rather than failure. We also dive deeply into the surprising role of art, especially contemporary and “difficult” art, as a powerful and often overlooked gateway into contemplation. Rather than delivering clear messages, great art invites us into encounter, disorientation, and wonder, forming in us the very capacities needed for a mystical life.This conversation is an invitation to let go of control, to trust the deeper currents of love beneath reality, and to discover how both mysticism and art can open us to the presence of God in ways that certainty never could.JOIN US FOR BOOK CLUB! Every Tuesday at 8 pm EST in June 2026, we will be reading James's book online in our Patreon community! We'd love to have you with us. Visit patreon.com/makersandmystics to RSVP. Send us Fan MailSupport the showJOIN US FOR BOOK CLUB! Every Tuesday at 8 pm EST in June 2026, we will be reading James's book online in our Patreon community! We'd love to have you with us. Visit patreon.com/makersandmystics to RSVP. Sign Up for Our Newsletter! http://eepurl.com/g49Ks1Give a one-time donation https://buy.stripe.com/9AQeYj7431fD12waEOJoin the Makers & Mystics Creative Collective https://www.patreon.com/c/makersandmystics

Guest Dr. James E. Young is Distinguished University Professor of English and Judaic Studies Emeritus at the University of Massachusetts, Amherst, where he has taught since 1988, and Founding Director of the Institute forHolocaust, Genocide, and Memory Studies at UMass Amherst. Professor Young is the author of Writing and Rewriting the Holocaust (Indiana University Press, 1988), The Texture of Memory (Yale University Press, 1993), which won the National Jewish Book Award in 1994, At Memory's Edge: After-images of the Holocaust in Contemporary Art and Architecture (Yale University Press, 2000), and The Stages of Memory: Reflections on Memorial Art, Loss, and the Spaces Between (University of Massachusetts Press, 2016), which won the National Council for PublicHistory Book Award for 2017. Professor Young is a frequent consultant and judge on proposed memorials. Co-host Irene Stern Frielich was a guest on Episode 370: "Walking Where History Happened: A Daughter's Holocaust Journey." Irene is the daughter of a German Jewish Holocaust survivor—but for much of her life, the story remained unspoken. In 2017, after rediscovering her father's testimony, Irene set out to physically retrace his escape route from Nazi Germany through his survival in Holland. The result was a journey of reconciliation and healing. Her award-winning memoir, Shattered Stars, Healing Hearts, explores trauma, courage, and connection across generations. Summary Dr. James Young explores how memorials differ from monuments and how they shape collective memory. While monuments are often static and fixed, memorials are dynamic, experiential spaces that invite visitors to engage emotionally and physically—becoming part of what Dr. Young calls the "performance" of memory. Drawing on examples such as the Vietnam Veterans Memorial, Holocaust memorials, and the 9/11 Memorial, Dr. Young explains that the most effective memorials balance abstraction and history, allowing visitors to interpret meaning across generations. He emphasizes that powerful designs avoid prescribing a single emotional response; instead, they open space for reflection, discomfort, and personal connection. Dr. Young also highlights the importance of naming individuals, noting that listing victims humanizes loss and magnifies its scale. He discusses innovative approaches like "meaningful adjacencies" at the 9/11 Memorial and decentralized memorials such as Stolpersteine (stumbling stones), which embed remembrance into everyday life and create ongoing engagement. A recurring theme is "living memory"—memorials that evolve through participation, maintenance, and reinterpretation by future generations. Dr. Young acknowledges the tension in memorializing tragedies in which communities no longer exist, stressing the need to restore not just the absence but the lives once lived. Ultimately, he invites visitors to approach memorials with openness, allowing their own emotional responses to deepen understanding of history and self. The Essential Point The most powerful memorials don't dictate meaning—they create spaces where visitors actively experience, interpret, and carry forward memory in ways that remain meaningful across generations. Social MediaOccupied Words: What the Holocaust Did to Yiddish

[Don't let the length of this podcast be daunting. You won't want to miss any of it!]Kathy talks with Joana P.R. Neves, writer, visual arts curator, and host of Exhibitionistas podcast, about the art of sarcasm and how sarcasm is portrayed through art. They dive deep into their own sarcastic nature - why and when they are sarcastic, how others are affected by sarcasm, and the difference between irony and sarcasm. Joana shares how she unknowingly experienced British sarcasm and educates Kathy on what the word polymath means. Tune in and learn how sarcasm is social activism, people who are sarcastic don't emote much, and how sarcastic people are comfortable being in discomfort.The conversation goes from sarcasm as art to art being sarcastic. Kathy and Joana discuss whether art needs to be understood and what the saying "steal like an artist" means to them. Be sure to listen to the end of the episode to learn how Joana is going to become an influencer because of a word she created during the conversation!This is one conversation you don't want to miss (and you may want to take water breaks throughout to stay hydrated from laughing so much)!Listen to Exhibitionistas and follow Joana P.R. Neves on Instagram.Follow Women Who Sarcast podcast on IG @womenwhosarcast and Women Who Podcast magazine @womenwhopodcastmagazine. Get the current issue of Women Who Podcast magazine at womenwhopodcastmag.com.Show music provided by Drrrakhan.All content © 2026 Women Who Sarcast and WWS Productions.

Do you feel like an imposter? Most artists do, at least sometimes. But artist anxiety can take on a life of its own -- the voice that says your work doesn't matter, that you don't belong, that it's only a matter of time before everyone figures it out. This week's guest, Holly Wong, has thought hard about why the art world breeds this so reliably. When even objective markers of success can be questioned, the goalposts never stop moving. In this episode, we talk about how negative self-talk shapes outcomes, why grant writing can be a path to self-acceptance, and how to stay generous without losing yourself in the process. Resources:  https://hollywongart.com/ Biography Holly Wong creates fiber and drawing-based installations and collaged paintings that explore healing and resilience. She was educated at the San Francisco Art Institute where she graduated with a Master of Fine Arts. Holly has participated in over 100 exhibitions including group shows at the de Young Museum, the Marin Museum of Contemporary Art, and the Contemporary Jewish Museum. A Presidential Scholar in the Arts, she has received grants from the California Arts Council (Established Artist category), the Puffin Foundation, the George Sugarman Foundation, and the Barbara Deming Memorial Fund. She is represented by SLATE Contemporary Gallery in Oakland, CA, Bridgette Mayer Gallery, Philadelphia, PA, ELLIO Fine Art in Houston, TX, and Walker Fine Art in Denver, CO. Holly lives and works in San Francisco.

The King's English took heat over the weekend for promoting Gov. Spencer Cox's new book. Host Ali Vallarta, executive producer Emily Means, and newsletter editor Terina Ria discuss the backlash. Plus, finding our perfect park and local shoutouts. Resources and references: Utah bookstore cancels Gov. Cox promo after community backlash [Salt Lake Tribune] Find your perfect park using the City Cast Salt Lake parks map. Become a member of City Cast Salt Lake today! It's the best way to support our work and help make sure we are around for years to come. Get all the details and sign up at membership.citycast.fm. Subscribe to our daily morning newsletter. You can also find us on Instagram @CityCastSLC. Text or leave us a voicemail with your name and neighborhood, and you might hear it on the show: (801) 203-0137 Looking to advertise on City Cast Salt Lake? Check out our options for podcast and newsletter ads. If you enjoyed this interview with Laura Allred Hurtado, the executive director of the Utah Museum of Contemporary Arts, learn more here.  Learn more about the sponsors of this episode:  Utah Museum of Fine Arts Red Butte Garden Salt Lake City Arts Council Harmons Tracy Aviary Cozy Earth - use code COZYSALTLAKE for up to 20% off

The first American retrospective of the work of pioneering artist Marcel Duchamp in 50 years has landed at the MoMA. Curators Ann Temkin and Michelle Kuo discuss the show, running now through August 22. Image by Alfred Stieglitz; 'Fountain' (photograph of readymade by Marcel Duchamp). New York, 1917. Gelatin silver print. Box in a Valise Archive, private collection, USA. © Association Marcel Duchamp / ADAGP, Paris / Artists Rights Society (ARS), New York 2026

Episode No. 754 of The Modern Art Notes Podcast features author Andrew Graham-Dixon and artist Rachel Burgess. Graham-Dixon is the author of "Vermeer: A Life Lost and Found," which was just published by WW Norton. The book, a biography-ish of one of the most famous and elusive artists of the Dutch seventeenth century, offers exciting new ideas about Vermeer's life and presents new arguments about why and for whom Vermeer made most of his paintings. Amazon and Bookshop offer "Vermeer" for $35-42. The Eleanor D. Wilson Museum at Hollins University is showing "Rachel Burgess: Particles and Waves" through June 6. The exhibition presents Burgess' recent large-scale works on paper, typically monotypes, that depict landscapes and domestic scenes. Burgess has been included in group shows at the Lower East Side Printshop, New York, at the Virginia Museum of Contemporary Art, and more. Instagram: Andrew Graham-Dixon, Rachel Burgess, Tyler Green. Air date: April 16, 2026.