Podcasts about mongo santamar

Tropicalisme watusi, swing amb montuno, soul ple de llatinitat, en pots dir com vulguis. Viatgem del mambo al boogaloo i del cu-bop a la c

En esta edición de nuestro podcast presentamos 'My Love Journey', disco de la vocalista Jessie Laine Powell grabado junto a conocidos instrumentistas del Smooth Jazz. En el repaso a otras novedades reseñamos los álbumes de Papik & The Soultrend Orchestra, Ludivine Issambourg, Boy Katindig, Cynthia Thijs Coenraad y Ultrablue. En el bloque del recuerdo escuchamos discos de la década de los 70 del percusionista cubano Mongo Santamaría, un músico fallecido en 2003.

Recibimos el 2025 junto a Carlos Embale, Willy Lobo, Mongo Santamaría y Alfredo León, entre otros rumberos. El Septeto Típico Cubano Habanero, Miguelito Valdés, Machito y sus Afrocubans, María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo con el conjunto de Nené Ayué. Cascarita con la orquesta de Carlos Ansa, Bola de Nieve con la "Havana Cuban Boys", Merceditas Valdés con el grupo "Isupo Iragua" de Jesús Pérez, Faustino Oramas "El Guayabero", Abelardo Barroso con la orquesta "Sensación" de Rolando Valdés, Néstor del Prado con el proyecto "Clásicos al Jazz", William Roblejo's Trío; Faz, Espí y Rolito con el Conjunto Casino, Arístides Balmaseda, Filiberto y Lahera con "Estrellas de Chocolate", Celia Cruz, Rogelio y Caíto con el Conjunto "Sonora Matancera", y Beny Moré con su banda gigante.

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! Esta edición especial está dedicada al sello discográfico Tappan Zee Records, fundado por el pianista Bob James a finales de la década de los 70. Repasamos algunos de los álbumes de su catálogo distribuidos y publicados por artistas como Steve Khan, Richard Tee, Mark Colby, Earl Klugh, Wilbert Longmire, Mongo Santamaría, Kirk Whalum, Barry White y, por supuesto, el propio Bob James.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Cloud Jazz Smooth Jazz. Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/27170

Raymond Barretto Pagan was born to Puerto Rican parents in New York on April 29, 1929. When he was barely four years old, his father decided to leave home and return to Puerto Rico. His mother settled in the South Bronx and raised her three children by herself. From an early age, Barretto was influenced by two styles of music: Latin and Jazz. During the day, his mother listened to the music of Daniel Santos, Bobby Capó, and the Los Panchos Trio. However, as Ray grew up, he fell in love with Machito Grillo, Marcelino Guerra, Arsenio Rodríguez, and the Jazz orchestra greats he heard on the radio; stars like Benny Goodman and Duke Ellington.When he turned 17, Barretto enlisted in the United States Army and was sent off to World War II. While stationed in Germany, he heard the song that changed his life: “Manteca” by Chano Pozo and the Dizzy Gillespie band. When he left the army, Barretto returned to New York and, influenced by the percussion instruments that his idol Chano Pozo dominated, he bought a bongo. But he wasn't satisfied with the sound, so he went out and spent 50 dollars on some tumbadors he saw for sale in a local neighborhood bakery. And that's how he took his first steps onto the nightclub music scene. His first recording was in 1953, with Eddie Bonnemere's Latin Jazz group at the Red Garter lounge in New York. In contrast to famous conga players of the time like Cándido Camero, Mongo Santamaría, and Patato Valdés –who started out with Afro-Caribbean rhythms and worked their their way up to Jazz– Barretto started out in the world of Jazz; it would be years before he would make a foray into other Latin rhythms.

Sintonía: "Bell Bottoms" - Joe Swift´s Internationals"Sack O´Woe" - The Ray Bryant Combo; "Sweet Lover No More" - Gene McDaniels; "Them Blues" - Billie Poole & Junior Mance Trio; "Hold It" - Kenny Rice & Leo´s Five; "Have Some Boogaloo" - Timmy Thomas; "East Side" - Hank Jacobs; "Summertime" - The George Benson Quartet; "Liberation" - The Afro Blues Quintet Plus One; "Wild Bird" - Googie Rene Combo; "Beaver" - Clarence Armstrong; "Banana Peels" - Johnny Otis; "Monkey Sho´ Can Talk" - Red Holloway; "Top Of The Pops" - The Dave Davani Four; "Everytime Pt. 2" - Buddy McKnight; "Humdrum Blues" - Oscar Brown Jr.; "Hide Out" - The Hideaways; "El Pussy Cat" - Mongo SantamaríaTodas las músicas extraídas de la recopilación (1xCD) "The Return Of Mod Jazz" (Kent/Ace Records, 2005)Músicas seleccionadas por Ady Croasdell y Dean RudlandEscuchar audio

En esta edición presentamos 'I've Arrived', el nuevo disco del proyecto The Allen Carman Project con el bajista Allen Carman al frente rodeado de grandes instrumentistas. Repasamos otros recientes álbumes editados en el mundo del Smooth Jazz por artistas como Cal Harris Jr., Adam Hawley, Leee John & Bill Sharpe, Norman Brown y Johnny LaSalsa. En el bloque del recuerdo escuchamos discos de la década de los 70 del percusionista Mongo Santamaría.

Con la orquesta "Melodías del 40" retomamos el pulso del "cha cha chá" en los atriles de las agrupaciones más destacadas de la segunda mitad de los años 50. A la "Melodías" de 1956 le ponían sabor y sentimiento dos grandes cantantes: René Álvarez y José Herrera. "Me voy pa Morón", un montuno original de este último, fue uno de los grandes exitos discográficos de la orquesta. Grabación donde sobresale por su virtuosismo: Miguel Barbón, conocido en el ambiente musical como "Brindis", en referencia al insigne violinista. La intensa bohemia de los últimos años 50, vinculada a la cultura semi subterránea de los clubes, nos trajo a La Lupe. Su temperamento explosivo le aseguró un sitio importante en la vorágine musical de los primeros años 60. Recordamos los inicios de su carrera escuchando al trío "Tropicuba", una intrascendente formación que completó la juvenil cantante junto a Yoyo y Tina, entre 1958 y principios de 1959. El desengaño amoroso que sufrió La Lupe con Yoyo cerró ese ciclo de su carrera para ponerle por delante otro camino. Como reza el viejo refrán: "no hay mal que por bien no venga" y, contra todo pronóstico, en pocos meses se convirtió en la revelación del club "La Red" del Vedado, acompañada por Homero Balboa al piano y Lacho Rivero en las percusiones. De ahí el salto a los discos gracias a la etiqueta RCA Víctor que al tiro le propició los arreglos y acompañamientos de los combos de Eddy Gaytán y Felipe Dulzaides. Etapa de profundos cambios en lo estético y formal en un país a punto de asumir cambios drásticos en lo social, económico y político. La Lupe entretanto fue parte indisoluble de aquel mundo de humo y neón que, aún teniendo sus días contados, seguía latiendo a lo largo y ancho de la isla a través de cientos de miles de clubes y cabarets. Antros que en su diversidad fueron únicos impulsando figuras determinantes, y diferentes entre sí, como Freddy, Doris de la Torre, o la Lupe. Inevitable en la banda sonora de aquel nuevo proyecto social que prometía cambiarlo todo. Un idilio transitorio al que le puso punto final el férreo control que comenzó a extenderse en todos los ámbitos de la sociedad hasta chocar frontalmente con el espíritu libre de la cantante. El exilio fue la única salida para una artista tan impredecible como la mismísima "Revolución". Recién llegada a los Estados Unidos su vínculo con los percusionistas Mongo Santamaría y Tito Puente fue decisivo para conquistar el aplauso de la colonia latina asentada en Nueva York, la ciudad de sus triunfos definitivos donde no paró hasta convertirse en "The Queen of Latín Soul". La señal de la radio independiente nos devuelve al gran Emilio Ramil. Conocido como "el Gardel Cubano" comenzó a hacerse notar a finales de los años 40. Por esa época la radio sostenía sus programaciones musicales con presentaciones "en vivo y en directo". El tango había conquistado el gusto popular de los años 30, principalmente con los filmes y discos del inmenso Gardel (acompañado por Razzano y otros guitarristas como Barbieri y Aguilar). Figuras como Agustín Magaldi, el dúo Gómez-Vila, o el trío "Irusta, Fugazot y De Mare", entre otros, también marcaron entonces los repertorios de cantantes e instrumentistas cubanos que sobresaldrían en la década siguiente. Recordamos hoy a Emilio Ramil, voz y memoria del Tango en Cuba. En la despedida algo de la vida y obra del prolífico compositor Jesús Guerra Zayas. En plena década del 40 su carpeta autoral cubrió, con especial énfasis, guarachas y montunos que, durante la llamada era de los conjuntos soneros, alcanzaron muchísima aceptación. "A mí qué", "Yo soy tiburón", "Bigote de Gato", "Esa si es cheque", "Dónde va María", "Ahí viene el tren" y "Un meneíto na má" son algunos de los títulos que nos permitirán resaltar su aporte a la difusión de la música popular cubana.

M

Esta semana, Germán Martínez Aceves nos comparte una emisión dedicada a los músicos congueros como Poncho Sánchez, Mongo Santamaría, Ray Barreto, Giovanni Hidalgo y Taumbú, ejecutantes del jazz latino y la música afrocaribeña.

Más allá de la batería en los 40 entró la percusión latina al jazz. Ilustramos algunos instrumentos, recordamos (entre otros) a Chan Pozo, Carlos Vidal, Mongo Santamaría, el gran Tito Puente, Ray Barreto. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

En Córdoba Primero Radio, repasamos lo mejor de la música del percusionista cubano que marcó un legado en la música afrolatina que en la década del 70 se fue acomodando dentro de los sonidos del latin jazz.

Bobby Sanabria is an eight time Grammy-nominee as a leader. Known as a drummer, percussionist, composer, arranger, conductor, documentary film producer, educator, activist, and bandleader, his versatility as both a drummer and percussionist, from small group to big band, has become legendary. A native son of the South Bronx born to Puerto Rican parents, he has performed and recorded with every major figure in the world of Latin jazz and salsa, from the founder of the Afro-Cuban/Latin jazz movement Mario Bauzá, to Tito Puente, Mongo Santamaría, Dizzy Gillespie, Chico O'Farrill, Ray Barretto, Candido, to Larry Harlow, Ruben Blades, Celia Cruz, and jazz luminaries as diverse as Henry Threadgill, Charles McPherson, Randy Brecker, Joe Chambers, Jean Lucien, The Mills Brothers, and others. DRUM! Magazine named him Percussionist of the Year (2005); he was named Percussionist of the Year by the Jazz Journalists Association in 2011 and 2013. In 2006, he was inducted into the Bronx Walk of Fame. He was a recipient of the 2018 Jazz Education Network (JEN) LeJENS of Jazz Lifetime Achievement Award for his work as a musician and educator. In 2008 Congressman Dennis Kucinich honored his work as a musician and educator by reading his name into the Congressional Record and in 2018 the U.S. Congressional Black Caucus honored him as a musician, educator. Every single one of his big band recordings, seven in total, have been nominated for Grammys. His 2018 recording, ‘West Side Story Reimagined,' reached #1 on the national Jazz Week radio charts, was nominated for a 2018 Grammy, and won the prestigious 2019 Record of The Year Award from the Jazz Journalists Association. Partial proceeds from sales of this double CD went to the Jazz Foundation of America's Puerto Rico Relief Fund for musicians. He is the Co-Artistic Director of the Bronx Music Heritage Center and the forthcoming Bronx Music Hall. His lifetime dedication to spreading the history, culture, of jazz and Latin jazz to the general public as a performer, as well as educating a new generation of players, composers, arrangers, has no parallel. A member of Max Roach's legendary M'BOOM percussion ensemble, he is on the faculty of the New School (his 26th year) and was on the faculty of NYU, his alma mater Berklee, and was on the faculty of the Manhattan School fo Music for 20 years where he conducted/taught the Afro-Cuban Jazz Orchestra receiving two Grammy nominations for recordings he did with directing his students. Sanabria is also the on air host of the Latin Jazz Cruise on WBGO FM and wbgo.org, the number one jazz station in the nation. Lehman College in NYC has recently awarded Maestro Sanabria an Honorary Doctorate. His new double CD, which will be released on May 12 2023, is a double CD with his Multiverse Big Band entitled VOX HUMANA. Recorded live at Dizzy's Club-Cola in NYC, it features three of jazz's finest contemporary vocalists - Janis Siegel from the Manhattan Transfer, blues and jazz Queen Antoinette Montague, and multi-lingual powerhouse Jennifer Jade Ledesna. In this episode, Bobby talks about:    His MULTIVERSE Big Band    Seeing Tito Puente perform at 12 years old    The new record - VOX HUMANA    Inspiring the next generation    The history of music as related to the history of America    Afro-cuban rhythms and their origins

2/2/23  Mr. Carlos Rovira tonight's Spotlight is a Black History Month Special featuring recordings of the great late Latin Jazz and Salsa Music composer , percussionist the Legendary Mongo Santamaría RIP  Also, we have a special guest a former member of the Young Lords Mr. Carlos Rovira to enlighten us about influence of Martin Luther King Jr. , Arturo Shomberg, Malcolm X and Black Panthers in creating the Young Lords in NYC. (TBC) 

Coming up tonight: Louis Armstrong & Sy Oliver, Johnny Hodges, Peggy Lee & Harold Mooney, Gerry Mulligan & Johnny Hodges, Cal Tjader, Willie Bobo, Stanley Turrentine, Dave Brubeck, Eubie Blake, Mongo Santamaría, Butch Thompson, Perico Sambeat, and Kenny Burrell.

Coming up tonight: Louis Armstrong & Sy Oliver, Johnny Hodges, Peggy Lee & Harold Mooney, Gerry Mulligan & Johnny Hodges, Cal Tjader, Willie Bobo, Stanley Turrentine, Dave Brubeck, Eubie Blake, Mongo Santamaría, Butch Thompson, Perico Sambeat, and Kenny Burrell.

Cuba es conocida por sus músicos, escritores poetas y ritmos musicales. La publicación del libro 'Cuba, una historia de la isla por su música y su literatura',  por la editorial francesa Albin Michel, marca un antes y un después para los amantes de la isla y su historia. Marcel Quillévéré, autor del multifacético y erudito trabajo hizo un alto en 'Escala en París'. El primer viaje a la isla del también productor de radio, director de ópera y especialista de música latinoamericana, fue en 1975. Consciente de que a los 16 años ya hablaba perfectamente el español, Marcel optó por trabajar como profesor de español para ganarse la vida. Tenía una visión de la revolución cubana “que era humanista, libre, feliz”, y se fue a Cuba con una mochila. “En aquella época donde no necesitábamos visa”, recuerda. Fue en ese primer viaje que el también creador del programa “Carrefour des Amériques”, producido por las radios públicas francófonas, conoció a Rosa Torres, con quien vivió. Su libro inicia con un breve recorrido por Santiago de Cuba, donde se mezclaron ritmos, instrumentos y creencias provenientes de África, con los de los nativos. “Al fin y al cabo todo comenzó ahí, la música clásica comenzó también ahí, con Esteban Salas, ahí comenzó el son, en la sierra”, precisa el especialista. A mediados del siglo XIX la isla pudo arrullarse musicalmente gracias al “Paganini mulato”, el violinista José White, “el primer gran violinista cubano, de un papá francés. La vida de José White es un poco la vida de Cuba, acabó en París, fue profesor del Conservatorio de París” subraya el autor. Antes y después de la independencia de Cuba, su historia está marcada por la presencia de muchos de los más grandes músicos. Issac Albeniz hizo un primer viaje en 1875 y volverá después. El mayor tenor de la historia, Enrico Caruso, en 1920 se presentó en la capital de Cuba para interpretar la ópera 'Aída'. El Son, la Guajira, la Trova, el Danzón, el Cha cha cha, son parte de los aportes invaluables de Cuba. La Trova nace en Santiago, hacia 1920. Sindo Garay, compositor de la Bayamesa, es considerado el padre de la Trova. En el caso del Danzón, las primeras grabaciones datan de 1904. Destaca “A Las Alturas del Simpson”. En el terreno de la literatura, el español Federico García Lorca, quien viajó a Cuba varias veces marcó para siempre la isla. Marcel Quillévéré destaca que el escritor fue "muy feliz" porque podía expresarse libremente. "Mocho más que en España". Lugar aparte merecen las mujeres a quienes Marcel Quillévéré dedica amplio espacio. Fue gracias a una asociación en cuyo origen estuvo la soprano cubana María Montes de Giberga, que vio la luz del día “Pro Arte Musical”, una institución mayor de Cuba. Miguel Valdés, el Trío Matamoros, Bola de Nieve, Rita Montaner, son algunos de los cientos de músicos cubanos cuyas voces o actuaciones dieron la vuelta al mundo. Muchos de ellos se exiliaron tras la revolución de 1959, como el compositor Ernesto Lecuona, Celia Cruz, Dámaso Pérez Prado, Mongo Santamaría y un largo etcétera. Otros decidieron quedarse, como los miembros de Buena Vista Social Club, o como Leonardo Padura, Elena Burke. En julio de 2021 se produjo la protesta social más importante desde 1959. Hoy la situación de la isla es muy mala, han dejado la isla unos 300 mil jóvenes, "todos los músicos jóvenes que conocí se fueron. La situación es grave, muy grave, se desconoce", dice Marcel Quillévéré a manera de despedida.   #EscalaenParís también está en Facebook.  Un programa coordinado por Florencia Valdés, realizado por Souheil Khedir, Fabien Mugneret y Steven Elsly. 

Cuba es conocida por sus músicos, escritores poetas y ritmos musicales. La publicación del libro 'Cuba, una historia de la isla por su música y su literatura',  por la editorial francesa Albin Michel, marca un antes y un después para los amantes de la isla y su historia. Marcel Quillévéré, autor del multifacético y erudito trabajo hizo un alto en 'Escala en París'. El primer viaje a la isla del también productor de radio, director de ópera y especialista de música latinoamericana, fue en 1975. Consciente de que a los 16 años ya hablaba perfectamente el español, Marcel optó por trabajar como profesor de español para ganarse la vida. Tenía una visión de la revolución cubana “que era humanista, libre, feliz”, y se fue a Cuba con una mochila. “En aquella época donde no necesitábamos visa”, recuerda. Fue en ese primer viaje que el también creador del programa “Carrefour des Amériques”, producido por las radios públicas francófonas, conoció a Rosa Torres, con quien vivió. Su libro inicia con un breve recorrido por Santiago de Cuba, donde se mezclaron ritmos, instrumentos y creencias provenientes de África, con los de los nativos. “Al fin y al cabo todo comenzó ahí, la música clásica comenzó también ahí, con Esteban Salas, ahí comenzó el son, en la sierra”, precisa el especialista. A mediados del siglo XIX la isla pudo arrullarse musicalmente gracias al “Paganini mulato”, el violinista José White, “el primer gran violinista cubano, de un papá francés. La vida de José White es un poco la vida de Cuba, acabó en París, fue profesor del Conservatorio de París” subraya el autor. Antes y después de la independencia de Cuba, su historia está marcada por la presencia de muchos de los más grandes músicos. Issac Albeniz hizo un primer viaje en 1875 y volverá después. El mayor tenor de la historia, Enrico Caruso, en 1920 se presentó en la capital de Cuba para interpretar la ópera 'Aída'. El Son, la Guajira, la Trova, el Danzón, el Cha cha cha, son parte de los aportes invaluables de Cuba. La Trova nace en Santiago, hacia 1920. Sindo Garay, compositor de la Bayamesa, es considerado el padre de la Trova. En el caso del Danzón, las primeras grabaciones datan de 1904. Destaca “A Las Alturas del Simpson”. En el terreno de la literatura, el español Federico García Lorca, quien viajó a Cuba varias veces marcó para siempre la isla. Marcel Quillévéré destaca que el escritor fue "muy feliz" porque podía expresarse libremente. "Mocho más que en España". Lugar aparte merecen las mujeres a quienes Marcel Quillévéré dedica amplio espacio. Fue gracias a una asociación en cuyo origen estuvo la soprano cubana María Montes de Giberga, que vio la luz del día “Pro Arte Musical”, una institución mayor de Cuba. Miguel Valdés, el Trío Matamoros, Bola de Nieve, Rita Montaner, son algunos de los cientos de músicos cubanos cuyas voces o actuaciones dieron la vuelta al mundo. Muchos de ellos se exiliaron tras la revolución de 1959, como el compositor Ernesto Lecuona, Celia Cruz, Dámaso Pérez Prado, Mongo Santamaría y un largo etcétera. Otros decidieron quedarse, como los miembros de Buena Vista Social Club, o como Leonardo Padura, Elena Burke. En julio de 2021 se produjo la protesta social más importante desde 1959. Hoy la situación de la isla es muy mala, han dejado la isla unos 300 mil jóvenes, "todos los músicos jóvenes que conocí se fueron. La situación es grave, muy grave, se desconoce", dice Marcel Quillévéré a manera de despedida.   #EscalaenParís también está en Facebook.  Un programa coordinado por Florencia Valdés, realizado por Souheil Khedir, Fabien Mugneret y Steven Elsly. 

Celebrem la m

Sintonía: "Kenyatta" - Orquesta Joe Cain "You´ve Been Talking ´Bout Me Baby" - Ray Terrace; "The Soul Drummers" - Ray Barreto; "(I´ll Be A) Happy Man" - Latin Blues Band; "Funk Up" - Mongo Santamaría; "Big T" - Tito Ramos; "Taking Over" - Ralph Robles; "Soneros en una cesta" - The Cesta All Stars; "Busamba" - La Lupe; "Monkey See, Monkey Do" - The New Swing Sextet; "It´s Not What You Say" - Louie Ramírez Bonus: "Aquí se puede" - Airto Moreira Todos los cortes (menos el bonus) extraídos de la recopilación "Brown Sugar: Latin Breakbeats, Basslines & Boogaloo" (Harmless Records, 2002) Escuchar audio

Fania Record anunció que, desde el 13 de mayo, estará a la venta la primera reedición remasterizada en vinilo de 180 gramos de “Sofrito” el clásico de jazz del maestro conguero cubano Mongo Santamaría. En el segmento donde pasamos la música de nuestro continente, especialmente de origen afrocaribeño, Claudio Lencina presenta las canciones más destacadas de este álbum.

Carlos Embale, el conjunto Cubason con el piano de Rubén González, René Álvarez con el conjunto de Arsenio Rodríguez, Cascarita con el piano de Pérez Prado y la jazz band Casino de la Playa, y Miguelito Cuni con el Conjunto Chappotin, nos recuerdan el doble sentido y la picaresca en las obras de algunos compositores de la primera mitad del siglo XX: Rafael Ortiz "Mañungo", Arsenio Rodríguez, Ignacio Piñeiro y Rosendo Ruiz Quevedo. A propósito del centenario de la radio cubana continuamos repasando el catálogo sonoro de emisoras de importancia. Desde Radio Cadena Suaritos llegan Fernando Albuerne y el tenor mexicano Alfonso Ortiz Tirado. Desde Radio Progreso: Miguelito Valdés con la jazz band Hermanos Castro y el Benny Moré con su tribu. El violinista William Roblejo, a trío junto a Roberto Luis Gómez en guitarra y banjo, y Julio César González en bajo eléctrico y contrabajo, redondeó en 2019 "Capitalia", un fabuloso álbum editado y producido por el sello estatal Egrem. Con ellos algo del jazz cubano más contemporáneo. Con el sugerente título de "Nuestro hombre en La Habana" el percusionista Mongo Santamaría, ya radicado en Estados Unidos, con el respaldo de la etiqueta Fantasy juntó a un buen grupo de músicos y rumberos. Con Mongo algunos de los infaltables de esos años: Carlos Embale, Merceditas Valdés, Alfredo León y Roberto Maza, entre otros. CUBAkústica, todas las semanas, más de cien años de música popular cubana. Una producción de #DDCRadio en #DiarioDeCuba: https://diariodecuba.com/radio ESCÚCHANOS TAMBIÉN en: • Google Podcasts: https://bit.ly/3zI2byx • Apple Podcasts: https://apple.co/3GcOPga • SoundCloud: https://soundcloud.com/ddc-radio-cubakustica-fm SÍGUENOS: • FB: https://www.facebook.com/DIARIODECUBA • IG: https://www.instagram.com/diariodecuba/​ • TW: https://twitter.com/diariodecuba​​ • Telegram: https://t.me/titularesDDC O SIGUE LEYENDO HOY LA CUBA DE MAÑANA: • https://diariodecuba.com​​

Monográfico que dedicamos a Tappan Zee Records, sello discográfico fundado por el pianista Bob James a finales de la década de los 70. Repasamos algunos de los álbumes de su catálogo publicados por artistas como Steve Khan, Richard Tee, Mark Colby, Earl Klugh, Wilbert Longmire, Mongo Santamaría, Kirk Whalum, Barry White y, por supuesto, el propio Bob James.

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! En esta edición te presentamos la impresionante voz de la joven vocalista Samara Joy, con su disco de debut y su colaboración con el guitarrista Pasquale Grasso. Repasamos novedades de Bobby Lyle, Groove 55, Will Downing, Andrew OH y Silk Sonic. En el bloque del recuerdo escuchamos discos de la década de los 70 del percusionista Mongo Santamaría.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Cloud Jazz Smooth Jazz. Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/27170

En el primer disco del gigantesco Herbie Hancock ya aparece uno de sus estándares más importantes: Watermelon Man. Hoy en Jazz Viernes hablamos largo y tendido de toda la historia de este temazo, desde su publicación en el álbum "Takin' Off" hasta su pelotazo gracias a la versión del cubano Mongo Santamaría. Esta canción, además, guarda una relación especial con el bueno de David y nos permite conocer en cierto modo a el Cometa Halley. Si os ha gustado, os invitamos a que escuchéis los programas de esta semana y, por qué no, los de la siguiente, que en Conocimientos Musicales haremos cualquier cosa menos dejaros sin contenido musical.

**It's The Jazz2Go Show Replay On www.traxfm.org. Jazz2Go Presented Some Classic & Contemporary Jazz Crackers From Fragmentorchestra,Toninho Horta,Gerardo Frisina,Mongo Santamaría,Buscemi,Khari Cabral Simmons,Emiliano Salvador,Giovanni Hidalgo,Soil & "Pimp" Sessions,Chucho Valdes & More. #Jazz #JazzClassics #ContemoraryJazz #JazzGroove #JazzSoul Catch Jazz2Go Every Monday From 7PM UK Time Listen Live Here Via The Trax FM Player: http://chat.traxfm.org/player/index.html Mixcloud LIVE :mixcloud.com/live/traxfm Free Trax FM Android App: https://play.google.com/store/apps/details?id=net.traxfmradio.ba.a6bcb The Trax FM Facebook Page : https://www.facebook.com/original103.3/ Trax FM Live On Hear This: https://hearthis.at/k8bdngt4/live/ Tunerr: http://tunerr.co/radio/Trax-FM Tune In Radio : https://tunein.com/radio/Trax-FM-s225176/ OnLine Radio Box: http://onlineradiobox.com/uk/trax/?cs=uk.traxRadio Radio Deck: http://www.radiodeck.com/radio/5a09e2de87e3370db06d44dc Radio.Net: http://traxfmlondon.radio.net/ Stream Radio : http://streema.com/radios/Trax_FM..The_Originals Live Online Radio: http://www.liveonlineradio.net/english/trax-fm-103-3.htm**

En 1979 Mongo Santamaría venía de grabar el álbum Red Hot, producido por Jay Chattaway y plagado de estrellas con el sello Columbia, que estaba haciendo a su vez colaboraciones con Fania Records en diferentes producciones. O sea, en el fondo fue también un trabajo para Fania, dueña de Vaya Records con el que había ganado un Premio Grammy dos años atrás. Y no se trató de una licencia para grabar con otra compañía. A finales de ese año 79 Mongo grabó Images, que salió publicado al año siguiente y que marcó un punto de inflexión en su carrera. De ese disco hablaremos hoy en La Hora Faniática.

Así conocimos la "Salsa" en España con un lanzamiento de la Fania All Stars en 1974. Es indudable que Carlos Santana abrió el género a los rockeros, sobre todo después de su actuación en Woodstock 69. Pero había mucho más detrás. Lo empezamos a saborear un lustro después con el elepé que repasamos hoy. Pero antes, otra pieza para calentar; Orchestra Harlow ‎– Harlow's Harem Discophon ‎– 6006. España 1974 A1 La Revolución FANIA ALL STARS ‎– LATIN-SOUL-ROCK Fania Records ‎1974 – SLP 00470. Discophon 6014. España 1975. A1 Viva Tirado 5:17 A2 Chanchullo 5:34 A3 Smoke 4:04 A4 There You Go 3:06 A5 Mama Guela 3:06 B1 El Ratón 7:51 B2 Soul Makossa 5:44 B3 Congo Bongo 10:15 Cara b grabada en directo en el Yankee Stadium de Puerto Rico. Cara a grabada en estudio en San Juan. Solistas destacados: Manu Dibango saxo en A1 y B2. Cheo Feliciano, cantante en B1 Jorge "Malo" Santana, guitarra: Jan Hammer, teclados; Mongo Santamaría, Ray Barreto, congas; para el numeroso resto ver foto en fb. Escuchar audio

José Luis Cova, Roger Salas y Simón Petit present: JazzTaBueno 04/2021 *All the While* 1. Mario Bauza & Machito Grillo - Asia Menor 2. Chano Pozo & Dizzy Gillespie - Tin Tin Deo 3. Lou Donaldson -South of the border 4. Willie Bobo -Trinidad 5. Michel Camilo - Armando's Rhumba 6. Caribbean Jazz Project -Birds of a Feather 7. Mongo Santamaría - Day Tripper 8. Poncho Sánchez - Cinderella 9. Fania All Stars - Qué Pasa Our Production music is new and innovative in many ways. Is also engaging and inspiring our loyal public radio family with the current explosion of talent and creativity across the spectrum of jazz and related musics.

A lo largo de su carrera deslumbró al mundo por ser un pionero del piano eléctrico y un intérprete único con el acústico; ganó 20 premios Grammys, colaboró con artistas como Miles Davis, Gary Burton., Mongo Santamaría, Stan Getz o Herbie Hancock e hizo del jazz fusión su estampa sonora, siendo “Return Forever”, el grupo que creó a finales del año 1971, un referente del estilo. Gracias por compartir. Producción colaborativa de Roberto Pérez para Expresiones Colombia Radio. www.expresionescolombia.co +573163254938

La banda se llamaba Café y fue la que abrió el llamado concierto latino del siglo en el mítico Yankee Stadium el 24 de agosto de 1973. A esa jornada asistieron unas 44.000 personas, la mayoría de origen latino, aunque también bastantes africanos, o sea la comunidad que vivía en Harlem y en el South Bronx, cercano al estadio. El concierto, que comenzó a las 8 de la noche, arrancó con la actuación de Café y Seguida, luego la Típica 73, la banda de Mongo Santamaría, El Gran Combo y, por supuesto, la Fania All Stars hasta que el concierto se suspendió por fallos en las medidas de seguridad. Gracias a Miguel Martín hoy contaremos la historia de Café y de su álbum homónimo para el sello Vaya, filial de Fania, en La Hora Faniática.

¿Qué tienen en común Arsenio Rodríguez, Gema y Pável, Noel Nicola, El Noro, Mongo Santamaría, Roly Berrío, Nacional Electrónica? ¿Median los intereses político y culturales para que el artista se convierta, o no, en un fenómeno de masas? ¿Cuál es el rol de los medios de comunicación? En este episodio hablamos de músicos cubanos subvalorados. ⇣ Suscríbete a nuestro boletín. Cada lunes, algún miembro del equipo editorial de Magazine AM:PM te trae un resumen de los trabajos publicados la semana anterior, así como una serie de recomendaciones de música, lecturas y audiovisuales relacionados con el ecosistema musical. ⇣ Web: www.magazineampm.com Facebook: @magazineampm Instagram: @magazineampm Twitter: @magazineampm Telegram: @magazineampm

Bixen Aranburu "El Musicalizador" nos ha traído el ritmo a Kale Nagusia, como todos los viernes. Hoy, con temas muy bailables. Hemos comenzado con "Watermelon Man" de Mongo Santamaría y hemos terminado con "Quítatelo" de Alejandra Guzmán y Beatriz Luengo. ¡A bailar!

Bixen Aranburu "El Musicalizador" nos ha traído el ritmo a Kale Nagusia, como todos los viernes. Hoy, con temas muy bailables. Hemos comenzado con "Watermelon Man" de Mongo Santamaría y hemos terminado con "Quítatelo" de Alejandra Guzmán y Beatriz Luengo. ¡A bailar!

La historia de este disco comienza con el llamado concierto latino del siglo en el mítico Yankee Stadium, icono del deporte mundial. El 24 de agosto de 1973 unas 44.000 personas asistieron a ese concierto allí, la mayoría de origen latino, aunque se cree que había mucho africano, una comunidad que vivía en Harlem y en el South Bronx, cercano al estadio. El concierto, que comenzó a las 8 de la noche, arrancó con la actuación de Seguida. Le siguió la Típica 73 y a continuación la banda de Mongo Santamaría, que subió al escenario con atuendos que simulaban una tribu africana. Justo Almario le contaría a Ernesto Lechner que esos trajes diseñados por un sastre argentino llamado Mauricio daban un calor terrible. Pues bien esta es sólo una de las tantas historias que tenemos sobre aquella actuación en La Hora Faniática.

Puerto Rico Jazz @ Brave New Radio WPSC 88.7FM, William Paterson University, New Jersey & @TuneIn Radio! http://tun.in/seoPJPrograma dedicado a algunas de las Leyendas del Jazz que se presentaron en Puerto Rico durante la década de 1990.Música de Mongo Santamaría, Roy Hargrove, Joe Lovano con Gonzalo Rubalcaba, Diana Krall, Eliane Elias, Bob Mintzer & The Yellowjackets, Earl Klugh y John Scofield.TuneIn Radiohttp://tun.in/pjADHApple Podcasthttps://podcasts.apple.com/us/podcast/puerto-rico-jazz/id1508259152Sounder FMhttps://puertoricojazz.sounder.fm/show/puerto-rico-jazzLo Mejor del Jazz Boricua en Puerto Rico Jazz Radio @ Brave New Radio!Primer programa en la radio dedicado al Jazz Boricua!Todos los Domingos 9am (Puerto Rico Time) 8am (New York Time)! @TuneIn Radio! http://tun.in/seoPJ & @ Brave New Radio WPSC 88.7 William Paterson University, New Jersey*Diseño de logo de Puerto Rico Jazz por @Shaney LaraPara enviarnos su música; jazzinmagazine@gmail.com o 787-942-9772

Luego de conversar sobre la actualidad de la TV argentina, Bobby Flores arranca con el dúo de disco-funk "Tuxedo". Por su parte, Héctor Larrea trae al compositor y pianista Waldo de los Ríos. Además, suenan Mongo Santamaría, Monty Alexander y Mina.

Ganador del Grammy Award en 1978 a la mejor Grabación Latina, Amanecer (Dawn), del sinigual Mongo Santamaría, fue un exquisito álbum que ha trascendido el tiempo como una de sus mejores piezas. Jazz afrocubano en estado puro y a la vez jazz afrocubano salpicado de funk y de soul y, de alguna manera, adelantado a su época. Los otros nominados aquel año fueron: Eydie Gormé & Danny Rivera por Muy Amigos, Machito por Fire Works, Ray Barretto por Tomorrow: Barretto Live, y Tito Puente por La Leyenda. O sea, el jazz latino superó al bolero, al mambo y a la salsa, y Vaya Records, la casa que lo grabó, superó a Gala, a Coco, a Atlantic y a Tico Records. Fania mandaba en la música latina y en su única categoría en los Grammy. Pues de Amanecer y de Mongo hablaremos hoy en La Hora Faniática.

Y como creo que la ocasión lo merece, hoy, haciendo un pequeño paréntesis en nuestra andadura por los años 70, vamos a rumbear… La rumba es un género de música tradicional que se originó en Cuba durante el siglo XIX. De raíces africanas, la rumba cubana es considerada la madre de numerosos ritmos y bailes latinos, como la salsa, y tiene derivaciones en diversos países de América Latina. En noviembre de 2016 la Unesco inscribió a La rumba cubana, mezcla festiva de baile y música, y todas las prácticas culturales inherentes como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. Los principales instrumentos musicales que se usan en la rumba cubana son de percusión. Los más usados son tres tambores llamados tumbadoras. La melodía en la rumba cubana la llevan los cantantes. En Cuba se conoce como rumba tanto una familia de ritmos musicales como a un estilo de danza y hay tres tipos de rumba: el yambú y la columbia, de Matanzas, y el guaguancó, de La Habana. Y hemos empezado por esta última, a cargo de Ibrahim Ferrer y la rumba “Cienfuegos Tiene Su Guaguancó”. Escucharemos ahora otro de los tipos de rumba cubana, el yambú. Montvale Rengue y su Rumba Yambú. Como hemos dicho, la instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora o Congas es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves). Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres) marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora, llamada quinto, que se afina más alto, da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines… Porque, amigos, la rumba es para bailar, así que… Bueno, todos quietos, vamos con el último estilo de rumba cubana, la Columbia de Matanzas Los muñequitos de Matanzas y su Columbia Cubana. Nos vamos a despedir del género isleño con una aportación más reciente a cargo de MONGO SANTAMARIA y su GUAGUANCO SABROSO. Se aprecia perfectamente que la melodía y su estructura han evolucionado y han dejado atrás ese, precioso por otro lado, acompañamiento casi de exclusiva percusión. Mongo Santamaría. Si cuba fue la cuna de la rumba, España es su paraíso. Este ritmo invasor se apoderó del ADN nacional y ya forma parte de su estructura para siempre jamás. Dos núcleos regionales se disputan la hegemonía de su autenticidad, Andalucía y Cataluña, ambas con sobrados motivos para presumir de su saber hacer. Pero existe una tercera vía que podríamos denominar Rumba Quinqui, melodías que, al estilo de los viejos corridos mejicanos, cantaban las andanzas de famosos delincuentes de la época, casi todos ellos con película incluida. Vamos a empezar por ellos. Los 70 y los 80 no fueron fáciles en España. La ansiada democracia no supuso un gran cambio para los habitantes de los barrios más pobres que, ocultos bajo la alfombra de un país que quería reclamar su puesto en Europa, sufrieron el impacto de la droga y la desigualdad de forma indiscriminada. Los cineastas que se atrevieron a tratar el tema no contaron con el respaldo de una sociedad que quería huir desesperadamente de sus propios demonios pero, con el tiempo, el “cine quinqui” se ha convertido en el mejor testimonio público de la España que buscó héroes entre sus delincuentes. Con Eloy de la Iglesia y José Antonio de la Loma como máximos exponentes tras las cámara, directores como Carlos Saura, Vicente Aranda, Gil Carretero o el mismísimo Pedro Almodóvar filmaron algunos de los títulos imprescindibles del género. Hemos escuchado a los Chunguitos en Ay que dolor, de la película de Carlos Saura, Deprisa, Deprisa. El grupo siempre ha estado formado por miembros de la familia Salazar, hermanos o primos. Se trasladaron desde Badajoz a Madrid siendo todavía muy niños, dentro de una familia en la que contaban otros ocho hermanos, instalándose en el barrio de Vallecas, en Madrid. Allí comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor cantando canciones populares. Descubiertos por Ramón Arcusa, del Dúo Dinámico, se consolidaron en el mundillo de la música por su participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma y Días contados, de Imanol Uribe. Sus canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan, casi exclusivamente, de las condiciones de pobreza, de los problemas por las drogas y de la marginación de los gitanos y de otros habitantes de los barrios en donde ellos mismos vivían, temas compartidos con otros grupos de rumba gitana, como Los Chichos. Los chichos cantan las andanzas de otro delincuente, el Vaquilla, a su vez, tema de la película de José Antonio de la Loma, Yo el Vaquilla. Los Chichos son un grupo español integrado, en sus comienzos, por Juan Antonio Jiménez Muñoz artísticamente el Jero, líder del grupo, compositor y voz principal, y los hermanos Emilio y Julio González Gabarre. Su carrera musical comenzó en 1973 y en todos estos años han obtenido 23 casetes de platino, 29 discos de oro y 32 discos de platino, incluyendo su último disco por descargas digitales, que titularon Hasta aquí hemos llegado. Los Chichos han sido un grupo de referencia para varios artistas como Antonio Orozco, Sergio Dalma, Estopa, Ketama, La Barbería del Sur, Camela o el Arrebato, reconociendo que sus carreras se han visto, de alguna manera, tuteladas por la influencia que Los Chichos han ejercido sobre ellos. Una muestra de esta influencia es esta excelente versión que de Si me das a elegir, de los Chunguitos, hace Antonio Vega. La rumba catalana es un género musical que desarrolla la comunidad gitana catalana en la ciudad de Barcelona desde mediados de los años 60, tomando ritmos que derivan de la rumba flamenca con influencias de música cubana y R&R. Todo salió de las comunidades de gitanos catalanes del barrio de Gracia, calle de la Cera del Raval y Hostafrancs. La comunidad gitana de estos barrios tiene un asentamiento histórico y es catalanoparlante, como las que se asientan en Vich, Tárrega, Lérida, Perpiñán, la Camarga y decenas de localidades del sur de Francia, usando la lengua catalana de forma cotidiana, asi como el castellano y el caló, también en sus manifestaciones musicales. El género se fundamenta en una fusión de cantes catalano-andaluces de aire liviano con las claves básicas de la música afrocubana. Instrumentalmente acompaña voces y palmas con guitarra española y bongós, a los que más tarde se incorporan timbales, congas, pequeñas percusiones, piano, vientos, bajo eléctrico, teclados electrónicos. Y quien es el precursor del género en Barcelona, pues Antonio Gonzalez “El pescadilla”. Si el Pescadilla fue un precursor, el rey fue Peret. Pedro Pubill Calaf, más conocido como Peret nació en Mataró, Barcelona, 24 de marzo de 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios. Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce años formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Fuensanta, Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: «Mi Santa». A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus interpretaciones, como «El muerto vivo», que acabamos de escuchar, del colombiano Guillermo González Arenas, empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret. En 1967 grabó «Una lágrima», versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como «El gitano Antón», «Don Toribio Carambola», «Saboreando», «¡Lo mato!», «Si fulano fuese mengano», «Chaví», «Canta y sé feliz» (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974), etc. En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill Calaf abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció bajo el nombre de «Hermano Pedro» labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, se subió a los escenarios ya de forma esporádica. El 30 de julio de 2014, Peret anunciaba ante los medios que padecía cáncer, retirándose de los escenarios para realizar su tratamiento y volver lo antes posible en buen estado de salud. No le dio tiempo, el 27 de agosto de 2014 fallece en el Hospital Quirón de Barcelona debido a un cáncer de pulmón a los 79 años, fue enterrado en el cementerio de Mataró. Y Cuando en 1977 parecía que la rumba catalana estaba dando alguna cabezada, aparece un señor argentino llamado Gato Perez a revolucionar, nuevamente, el género. Llegó a Barcelona en 1966. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió a Barcelona. Desde principio de los años 1970 su inquietud musical le lleva a la formación, con otros músicos, de distintas bandas como Slo-Blo (country rock, primer grupo que actuó en la sala Zeleste, de Barcelona) y Secta Sónica (jazz rock, proveniente, en parte, del anterior) En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes (Carabruta y Romesco), a los que seguirá el más comercial Atalaya. En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos le obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los compone, según sus propias palabras, 'bajo los efectos del agua mineral'. Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, la salsa o incluso el bolero. Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, en 1990. Pero la vida sigue y en la actualidad sobresale un dúo que, precisamente, inicia gira y promoción en estos días. Son los Estopa. Los hermanos David y José nacieron en el barrio de San Ildefonso de Cornellá de Llobregat, un municipio a escasos kilómetros de Barcelona. Sus padres habían llegado desde Zarza Capilla (Badajoz), en la comarca de la Serena, y regentaban el bar La Española, enfrente de la comisaría de policía de Cornellá. Los Chichos, Los Chunguitos, Bordón 4 o Los Amaya, entre otros, era la música que oían ya desde la infancia David y José, que pronto comenzaron a aficionarse a la guitarra, antes de abandonar el instituto y empezar a buscarse la vida en varios trabajos, el último en una fábrica filial de la SEAT produciendo piezas para automóviles. La historia dice que del grito "¡Dale estopa!" que utilizaba el encargado de la fábrica para que no cesaran en su trabajo, surgió el nombre de una de las bandas más importantes de la música española de la última década. Con el paso de los años Estopa ha ido creciendo en profesionalidad y calidad y siempre han mantenido una dignidad alta y el beneficio de un público entregado. La rumba flamenca es un palo flamenco que es movedizo y que tiene un toque flamenco aun en las interpretaciones que, derivando de ella, no son propias de ese campo. Se suelen emplear voces tanto masculinas como femeninas, aunque se dan también las ejecuciones instrumentales. Este estilo, se originó como ya hemos dicho a partir de la mezcla del flamenco con la rumba cubana, en España se hizo conocida en teatros y espectáculos de variedades, de donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Los instrumentos principales en la rumba flamenca son las palmas, la guitarra flamenca y las castañuelas. A partir del año 1987 los artistas del género incluyen el cajón como principal instrumento de percusión tras ser descubierto por Paco de Lucía en Perú. La rumba flamenca es, como decirlo, menos canalla que la catalana, más de señoritos, dicho esto sin mala intención. La versión que hemos escuchado de unos versos de Garcia Lorca a cargo de Manzanita es preciosa. Vamos a escuchar ahora a uno de los más bizarros de su época. Hablamos de Bambino. El estilo de Bambino es personal e inconfundible. Ha sido denominado «cultivador de la rumba dramática», también se ha señalado «su exasperada forma de meter por bulerías la ranchera, el bolero o el cuplé que no ha sido ni será igualada», así como su interpretación «de esa melodía cargada de sentimientos en el rincón más sutil de la música flamenca», para terminar apuntando, en palabras de Ramón Vendrell, que «era el príncipe de la rumba fatal» Bambino, en definitiva, imprimió un sello personal a la rumba y a la bulería, conjugando el dramatismo, la pasión y la sinceridad en todas sus interpretaciones. Otro grupo representante del género el francés Gipsy Kings. Los Reyes gitanos son una formación musical francesa gitana, cuyos miembros tienen ascendientes españoles, que canta en castellano una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera como la rumba. Las ventas de sus discos suman más de 60 millones de copias alrededor del mundo. Aunque los miembros del grupo son de nacionalidad francesa, sus abuelos eran emigrantes gitanos españoles que huyeron de España y emigraron a Francia en la década de 1930 durante la Guerra Civil. Son los máximos exponentes de la rumba flamenca española en el mundo. Su música tiene un estilo particular, con marcadas influencias del pop. Muchas canciones de los Gipsy Kings se nutren de otros ritmos, especialmente de la salsa. Su música ha sido descrita como un lugar donde "el flamenco, la rapsodia romaní y la salsa funk se reúnen". Tengo que pedir disculpas a todos los oyentes por despachar tan superficialmente un género musical tan poderoso como la rumba o el pop/fusión, como queremos llamarlo, sin atender a personajes tan importantes como Ricardo Gabarre (Junco), Ramón de Algeciras, Los Calis, El Fary, Alazán, Ketama con Antonio Carmona, Rosa Morena, Perlita de Huelva, Las Grecas, Los Amaya, Rumba Tres, Los Manolos, Ojos de Brujo, Azúcar Moreno, Rosario Flores, Lolita Flores, Antonio Flores, La cabra mecánica, Melendi, Manu Chao y su banda Mano Negra, Kiko Veneno, Pata Negra, Mártires del Compás, Muchachito Bombo Infierno, La Troba Kung-fú, La Pegatina, Bongo Botrako, Txarango, La Familia Rústika, La Banda del Panda o Vergüenza Ajena y tantos y tantos otros que merecerían especialmente nuestra atención. Pero hoy no ha dado para más. Afortunadamente, nos vamos a marchar con el mejor, con Paco de Lucía, y famosísima rumba Entre dos aguas. Con esta despedida, seguro que hemos sido perdonados. Feliz semana y… BUENAS VIBRACIONES.

Y como creo que la ocasión lo merece, hoy, haciendo un pequeño paréntesis en nuestra andadura por los años 70, vamos a rumbear… La rumba es un género de música tradicional que se originó en Cuba durante el siglo XIX. De raíces africanas, la rumba cubana es considerada la madre de numerosos ritmos y bailes latinos, como la salsa, y tiene derivaciones en diversos países de América Latina. En noviembre de 2016 la Unesco inscribió a La rumba cubana, mezcla festiva de baile y música, y todas las prácticas culturales inherentes como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. Los principales instrumentos musicales que se usan en la rumba cubana son de percusión. Los más usados son tres tambores llamados tumbadoras. La melodía en la rumba cubana la llevan los cantantes. En Cuba se conoce como rumba tanto una familia de ritmos musicales como a un estilo de danza y hay tres tipos de rumba: el yambú y la columbia, de Matanzas, y el guaguancó, de La Habana. Y hemos empezado por esta última, a cargo de Ibrahim Ferrer y la rumba “Cienfuegos Tiene Su Guaguancó”. Escucharemos ahora otro de los tipos de rumba cubana, el yambú. Montvale Rengue y su Rumba Yambú. Como hemos dicho, la instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora o Congas es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves). Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres) marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora, llamada quinto, que se afina más alto, da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines… Porque, amigos, la rumba es para bailar, así que… Bueno, todos quietos, vamos con el último estilo de rumba cubana, la Columbia de Matanzas Los muñequitos de Matanzas y su Columbia Cubana. Nos vamos a despedir del género isleño con una aportación más reciente a cargo de MONGO SANTAMARIA y su GUAGUANCO SABROSO. Se aprecia perfectamente que la melodía y su estructura han evolucionado y han dejado atrás ese, precioso por otro lado, acompañamiento casi de exclusiva percusión. Mongo Santamaría. Si cuba fue la cuna de la rumba, España es su paraíso. Este ritmo invasor se apoderó del ADN nacional y ya forma parte de su estructura para siempre jamás. Dos núcleos regionales se disputan la hegemonía de su autenticidad, Andalucía y Cataluña, ambas con sobrados motivos para presumir de su saber hacer. Pero existe una tercera vía que podríamos denominar Rumba Quinqui, melodías que, al estilo de los viejos corridos mejicanos, cantaban las andanzas de famosos delincuentes de la época, casi todos ellos con película incluida. Vamos a empezar por ellos. Los 70 y los 80 no fueron fáciles en España. La ansiada democracia no supuso un gran cambio para los habitantes de los barrios más pobres que, ocultos bajo la alfombra de un país que quería reclamar su puesto en Europa, sufrieron el impacto de la droga y la desigualdad de forma indiscriminada. Los cineastas que se atrevieron a tratar el tema no contaron con el respaldo de una sociedad que quería huir desesperadamente de sus propios demonios pero, con el tiempo, el “cine quinqui” se ha convertido en el mejor testimonio público de la España que buscó héroes entre sus delincuentes. Con Eloy de la Iglesia y José Antonio de la Loma como máximos exponentes tras las cámara, directores como Carlos Saura, Vicente Aranda, Gil Carretero o el mismísimo Pedro Almodóvar filmaron algunos de los títulos imprescindibles del género. Hemos escuchado a los Chunguitos en Ay que dolor, de la película de Carlos Saura, Deprisa, Deprisa. El grupo siempre ha estado formado por miembros de la familia Salazar, hermanos o primos. Se trasladaron desde Badajoz a Madrid siendo todavía muy niños, dentro de una familia en la que contaban otros ocho hermanos, instalándose en el barrio de Vallecas, en Madrid. Allí comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor cantando canciones populares. Descubiertos por Ramón Arcusa, del Dúo Dinámico, se consolidaron en el mundillo de la música por su participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma y Días contados, de Imanol Uribe. Sus canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan, casi exclusivamente, de las condiciones de pobreza, de los problemas por las drogas y de la marginación de los gitanos y de otros habitantes de los barrios en donde ellos mismos vivían, temas compartidos con otros grupos de rumba gitana, como Los Chichos. Los chichos cantan las andanzas de otro delincuente, el Vaquilla, a su vez, tema de la película de José Antonio de la Loma, Yo el Vaquilla. Los Chichos son un grupo español integrado, en sus comienzos, por Juan Antonio Jiménez Muñoz artísticamente el Jero, líder del grupo, compositor y voz principal, y los hermanos Emilio y Julio González Gabarre. Su carrera musical comenzó en 1973 y en todos estos años han obtenido 23 casetes de platino, 29 discos de oro y 32 discos de platino, incluyendo su último disco por descargas digitales, que titularon Hasta aquí hemos llegado. Los Chichos han sido un grupo de referencia para varios artistas como Antonio Orozco, Sergio Dalma, Estopa, Ketama, La Barbería del Sur, Camela o el Arrebato, reconociendo que sus carreras se han visto, de alguna manera, tuteladas por la influencia que Los Chichos han ejercido sobre ellos. Una muestra de esta influencia es esta excelente versión que de Si me das a elegir, de los Chunguitos, hace Antonio Vega. La rumba catalana es un género musical que desarrolla la comunidad gitana catalana en la ciudad de Barcelona desde mediados de los años 60, tomando ritmos que derivan de la rumba flamenca con influencias de música cubana y R&R. Todo salió de las comunidades de gitanos catalanes del barrio de Gracia, calle de la Cera del Raval y Hostafrancs. La comunidad gitana de estos barrios tiene un asentamiento histórico y es catalanoparlante, como las que se asientan en Vich, Tárrega, Lérida, Perpiñán, la Camarga y decenas de localidades del sur de Francia, usando la lengua catalana de forma cotidiana, asi como el castellano y el caló, también en sus manifestaciones musicales. El género se fundamenta en una fusión de cantes catalano-andaluces de aire liviano con las claves básicas de la música afrocubana. Instrumentalmente acompaña voces y palmas con guitarra española y bongós, a los que más tarde se incorporan timbales, congas, pequeñas percusiones, piano, vientos, bajo eléctrico, teclados electrónicos. Y quien es el precursor del género en Barcelona, pues Antonio Gonzalez “El pescadilla”. Si el Pescadilla fue un precursor, el rey fue Peret. Pedro Pubill Calaf, más conocido como Peret nació en Mataró, Barcelona, 24 de marzo de 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios. Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce años formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Fuensanta, Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: «Mi Santa». A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus interpretaciones, como «El muerto vivo», que acabamos de escuchar, del colombiano Guillermo González Arenas, empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret. En 1967 grabó «Una lágrima», versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como «El gitano Antón», «Don Toribio Carambola», «Saboreando», «¡Lo mato!», «Si fulano fuese mengano», «Chaví», «Canta y sé feliz» (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974), etc. En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill Calaf abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció bajo el nombre de «Hermano Pedro» labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, se subió a los escenarios ya de forma esporádica. El 30 de julio de 2014, Peret anunciaba ante los medios que padecía cáncer, retirándose de los escenarios para realizar su tratamiento y volver lo antes posible en buen estado de salud. No le dio tiempo, el 27 de agosto de 2014 fallece en el Hospital Quirón de Barcelona debido a un cáncer de pulmón a los 79 años, fue enterrado en el cementerio de Mataró. Y Cuando en 1977 parecía que la rumba catalana estaba dando alguna cabezada, aparece un señor argentino llamado Gato Perez a revolucionar, nuevamente, el género. Llegó a Barcelona en 1966. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió a Barcelona. Desde principio de los años 1970 su inquietud musical le lleva a la formación, con otros músicos, de distintas bandas como Slo-Blo (country rock, primer grupo que actuó en la sala Zeleste, de Barcelona) y Secta Sónica (jazz rock, proveniente, en parte, del anterior) En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes (Carabruta y Romesco), a los que seguirá el más comercial Atalaya. En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos le obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los compone, según sus propias palabras, 'bajo los efectos del agua mineral'. Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, la salsa o incluso el bolero. Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, en 1990. Pero la vida sigue y en la actualidad sobresale un dúo que, precisamente, inicia gira y promoción en estos días. Son los Estopa. Los hermanos David y José nacieron en el barrio de San Ildefonso de Cornellá de Llobregat, un municipio a escasos kilómetros de Barcelona. Sus padres habían llegado desde Zarza Capilla (Badajoz), en la comarca de la Serena, y regentaban el bar La Española, enfrente de la comisaría de policía de Cornellá. Los Chichos, Los Chunguitos, Bordón 4 o Los Amaya, entre otros, era la música que oían ya desde la infancia David y José, que pronto comenzaron a aficionarse a la guitarra, antes de abandonar el instituto y empezar a buscarse la vida en varios trabajos, el último en una fábrica filial de la SEAT produciendo piezas para automóviles. La historia dice que del grito "¡Dale estopa!" que utilizaba el encargado de la fábrica para que no cesaran en su trabajo, surgió el nombre de una de las bandas más importantes de la música española de la última década. Con el paso de los años Estopa ha ido creciendo en profesionalidad y calidad y siempre han mantenido una dignidad alta y el beneficio de un público entregado. La rumba flamenca es un palo flamenco que es movedizo y que tiene un toque flamenco aun en las interpretaciones que, derivando de ella, no son propias de ese campo. Se suelen emplear voces tanto masculinas como femeninas, aunque se dan también las ejecuciones instrumentales. Este estilo, se originó como ya hemos dicho a partir de la mezcla del flamenco con la rumba cubana, en España se hizo conocida en teatros y espectáculos de variedades, de donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Los instrumentos principales en la rumba flamenca son las palmas, la guitarra flamenca y las castañuelas. A partir del año 1987 los artistas del género incluyen el cajón como principal instrumento de percusión tras ser descubierto por Paco de Lucía en Perú. La rumba flamenca es, como decirlo, menos canalla que la catalana, más de señoritos, dicho esto sin mala intención. La versión que hemos escuchado de unos versos de Garcia Lorca a cargo de Manzanita es preciosa. Vamos a escuchar ahora a uno de los más bizarros de su época. Hablamos de Bambino. El estilo de Bambino es personal e inconfundible. Ha sido denominado «cultivador de la rumba dramática», también se ha señalado «su exasperada forma de meter por bulerías la ranchera, el bolero o el cuplé que no ha sido ni será igualada», así como su interpretación «de esa melodía cargada de sentimientos en el rincón más sutil de la música flamenca», para terminar apuntando, en palabras de Ramón Vendrell, que «era el príncipe de la rumba fatal» Bambino, en definitiva, imprimió un sello personal a la rumba y a la bulería, conjugando el dramatismo, la pasión y la sinceridad en todas sus interpretaciones. Otro grupo representante del género el francés Gipsy Kings. Los Reyes gitanos son una formación musical francesa gitana, cuyos miembros tienen ascendientes españoles, que canta en castellano una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera como la rumba. Las ventas de sus discos suman más de 60 millones de copias alrededor del mundo. Aunque los miembros del grupo son de nacionalidad francesa, sus abuelos eran emigrantes gitanos españoles que huyeron de España y emigraron a Francia en la década de 1930 durante la Guerra Civil. Son los máximos exponentes de la rumba flamenca española en el mundo. Su música tiene un estilo particular, con marcadas influencias del pop. Muchas canciones de los Gipsy Kings se nutren de otros ritmos, especialmente de la salsa. Su música ha sido descrita como un lugar donde "el flamenco, la rapsodia romaní y la salsa funk se reúnen". Tengo que pedir disculpas a todos los oyentes por despachar tan superficialmente un género musical tan poderoso como la rumba o el pop/fusión, como queremos llamarlo, sin atender a personajes tan importantes como Ricardo Gabarre (Junco), Ramón de Algeciras, Los Calis, El Fary, Alazán, Ketama con Antonio Carmona, Rosa Morena, Perlita de Huelva, Las Grecas, Los Amaya, Rumba Tres, Los Manolos, Ojos de Brujo, Azúcar Moreno, Rosario Flores, Lolita Flores, Antonio Flores, La cabra mecánica, Melendi, Manu Chao y su banda Mano Negra, Kiko Veneno, Pata Negra, Mártires del Compás, Muchachito Bombo Infierno, La Troba Kung-fú, La Pegatina, Bongo Botrako, Txarango, La Familia Rústika, La Banda del Panda o Vergüenza Ajena y tantos y tantos otros que merecerían especialmente nuestra atención. Pero hoy no ha dado para más. Afortunadamente, nos vamos a marchar con el mejor, con Paco de Lucía, y famosísima rumba Entre dos aguas. Con esta despedida, seguro que hemos sido perdonados. Feliz semana y… BUENAS VIBRACIONES.

El "Jazz watusi" d'avui gira al voltant del m

En 1976 Vaya Records sacó al mercado un álbum que anunciaba la unión de dos artistas muy conocidos, estrellas de Fania y de la Fania All Stars: Mongo Santamaría y Justo Betancourt. Evidentemente se trataba de la banda de Mongo con Justo como cantante invitado, pero el sonero no admitía un segundo plano y el respaldo de su amigo Johnny Pacheco ayudó a ello. El disco se tituló Ubané y aunque no tuvo en su momento la repercusión deseada, con el tiempo pasó a la historia por una de sus canciones: Cumbia Típica. Bienvenidos a la historia de Mongo, de Justo y de Ubané en La Hora Faniática.

Congas, bongos, timbales y tumbas. Dedicamos este podcast a los bárbaros del ritmo, percusionistas y otros instrumentistas que enriquecieron el Jazz con los ritmos afro-cubanos y caribeños. Nuestros invitados: Poncho Sanchez & Terence Blanchard, Chano Pozo Medley; Tito Puente, Ran-Kan-Kan. Candido Camero, Mambo Inn; Tito Puente, Son de la loma; Art Blakey, No hay problema; Mongo Santamaría, Watermelon Man; Tito Puente, Oye cómo va; Mongo Santamaría, Sweet 'tater pie; Dave Pike, Sandunga; Cal Tjader & Eddie Palmieri, Bamboléate; Mario Bauzá, Yo soy el son cubano; The Hi-Fly Orchestra, Mambo Atómico; Luisito Quintero, Tumbao; Cuarteto D'Aida, Oye mi ritmo.

Novetats i cl

Disco funk donde los haya, Afro-Indio fue la respuesta de Mongo Santamaría a los logros de la lucha indo y afroamericana en 1975. Desde el soul hasta el rhythm and blues, pasando por la disco music con elementos salseros, todo pasó por el colador de Mongo, pero siempre funk. Basta repasar la instrumentación de su plantilla con saxos y flautas al frente y florituras de teclados eléctricos por doquier, para darse cuenta de lo alternativo que fue este trabajo y de lo adelantado a su tiempo, pues todo se ve hoy sólo con secuenciadores y beats electrónicos. Bienvenidos entonces al fabuloso mundo de Mongo Santamaría y sus reivindicaciones en La Hora Faniática.

Héctor Larrea trae al programa que conduce con Bobby Flores la interpretación de Astor Piazzolla. Una demostración más de su talento con el origen del tango, un trabajo que le encomendó el sello Odeón y en la oportunidad se escuchó las versiones de El choclo y A media luz.  Luego se escuchó al Mongo Santamaría, referente del Latin Jazz, con Sofrito; Jaime Ross, con uno de los clásico de su repertorio Amándote; recordando la historia de amor de Miles Davis con Betty Davis, llegaron a escucharla junto a The Family Stone. Además se pudo escuchar al gran pianista Enrique "el mono" Villegas y al músico de blues Otis Rush. 

Esta quincena el Jazzensor ha preparado una selección de música bailable al estilo de los años 60. Tenemos de todo, jazz, funk, blues, soul, R&B, mambo y boogaloo. Música para bailar, cocinar, conducir… Música para disfrutar. Nuestros invitados: Dave Pike, Earl Grant, Ambros Seelos, Della Reese, Art Blakey, Kahuna Kawentzmann, Ella Fitzgerald, Mongo Santamaría, Georgie Fame, Gene McDaniels, Jack McDuff, Albert King, Kelly Gordon, Billie Poole with The Junior Mance Trio , Lou Donaldson, Eddie Jefferson, Red Holloway, Joe Swift's Internationals, Mark Murphy, The Young Holt Trio, Les McCann,

Jorge Pardo ha hecho un disco metaflamenco Djinn (que llevamos semanas pronunciando mal, hay que decir “yin”). El disco está revolucionando nuestra manera de escuchar jazz, flamenco y funk. Así que rescatamos a uno de los protagonistas El tío Gregorio ”Borrico de Jerez” al que escuchamos en una grabación por seguiriyas en la que se imponen los silencios. Si escuchamos al tío Borrico como escuchamos a Miles Davis o a John Coltrane descubrimos un planeta redondo y muy jondo. Es verdad, eso ya lo he contado antes referido a Diego Carrasco; y tiene lógica porque Diego Carrasco y Tomasito son sobrinos del tío Gregorio el Borrico.Dice medio mundo que el flamenco es universal y yo digo que Miles y Coltrane, también. Que son universales porque son jondos, ergo son flamencos. Y viene Hanne Tveter, una cantante de jazz nórdica y se pone “flamenca” en su segundo disco madrileño y lo ve clarísimo e interpreta Afro blue una composición de Mongo Santamaría que tocó John Coltrane y ella lo hace con Pepe Rivero al piano, Inoidel González Torres al saxo y toca ese Madrid con la percusión de Bandolero y la guitarra de Josete Ordoñez.Madrid es la capital del flamenco, del jazz, del latin jazz y de tres o cuatro cosas más.Ya lo dijo Agustín Lara: “Madríd, madríd, madríd... en México se piensa mucho en tí”. Y esta semana llega el Festival Madrirumba y ponemos Entre dos aguas la madre de todas las rumbas y la tía de todos los guitarristas por que todos quisieron ser como Paco después de escuchar esa rumba.Y vienen Maruja Garrido y Chacho al Madrirumba y actúan el ocho de noviembre en la sala Galileo (Madrid) y Maruja se casca una de José Alfredo Jiménez Amanecí en tus brazos y viene Chacho y canta Nuestro ayer y la juerga está asegurada porque no nos quedan rumberos de ese calibre en activo. Recordamos a El Noy con el recopilatorio La bomba Gitana (Satélite K) en el que David El Indio y servidor hemos continuado con la onda del "Gipsy Rhumba" (Soul Jazz). Y hablando de rumberos va el Cigala y graba con Roberto Roena, Bobby Valentin, Luis Perico Ortiz y con Larry Harlow. Si no les suenan esos sombres visiten La hora faniática aquí al lado. Y también graba con los Muñequitos de Matanzas una rumba dedicada a Bebo Valdés... Y no nos aguantamos y pinchamos Con poco coco la primera descarga cubana que grabó Bebo Valdés en octubre de 1952 para taparle la boca a Norman Granz que insinuó que los músicos cubanos no eran capaces de tocar jazz.Y acabamos por el principio con Jorge Pardo y el Borrico y ese disco Djinn que no dejamos de pinchar y de recomendar. Y si echan las cuentas salen menos de tres minutos de flamenco como Dios manda.ATENCIÓN: Las autoridades le deberían de avisar que EL FLAMENCO, El JAZZ son tremendamente adictivos y como otras músicas jondas del planeta pueden alterar su sistema de valores. Si no ha comenzado a escuchar, no lo haga. No sabe lo que se está perdiendo. Si usted ya conoce esta emisora... ¡Enhorabuena!Ahora ya se pueden descargar los programas desde Ivoox en MP3. Y así no se tiene que depender de la conexión de internet.

Bumbac Joe, Chicago based Venezuelan producer and DJ, has been working the turntables and producing music for over a decade. You can hear the influence of his world travels in his selections as he has resided on several different continents with music on his mind 100 percent of the time. His EP, Hot Revolution just dropped and now a brand new mix filled with tropical swing for Beats of All-Nations Radio episode 10 is here!“This mix has a lot of latin flavor, it´s sort of my favorite kind of DJ set, with a right balance of remixes of classics, like Mongo Santamaría, Fania All Stars and Fabulosos Cadillacs, tracks hard to find like “Mister Mister” from La Gallera Social Club, music projects from the US but with a latin flare like Ozomatli or De La Buena, some jazzy spices and a lot groove variations.” -BUMBAC JOE1. La Gallera Social Club – Mister Mister2. Hector Lavoe & Willie Colon (Toy Selectah 2013 Cosmico Remix)3. De La Buena – Imbe (Bumbac Joe retouche)4. Mongo Santamaría – Afro Blue (Yerba Buena Remix)5. Buraka Som Sistema – Stoopid6. Franciso Ulloa – Canto de Hacha7. Celia Cruz & Willie Colón – Pun Pun Catalu (Canyon Cody & Captain Planet Remix)8. Señor Coconut – Beat It9. Ozomatli – Chango10. Los Amigos Invisibles – Pipi11. Plastilina Mosh – I´ve Got That Milton Pacheco Kinda´ Feeling12. Bacalao Men – No Idea13. Mr. Pauer – Cumbión del Sur (La Danza de los Mirlos/Afrosound Mashup)14. La Gallera Social Club – Carajito (Jairo Mendez Remix)15. La Gallera Social Club – Carajito16. Spark Arrester – Jazz Pearl (Blend aka Mishkin Remix)17. Los Fabulosos Cadilacs – Mal Bicho18. La Tropa Kung-Fu – Cumbia Infierno (Toti & Andy Loop Fat Beat Remix)19. Carlos Barbosa & Blaster Jaxx – Toca Flute (Sabo Moombahton Edit)20. Dimensión Latina – Parampampán (Bumbac Joe retouche)21. Dillon Francis & Diplo – Que Que feat. MalucaDownload his new EP "HOT REVOLUTION", plus interview at http://bit.ly/1DLK4CN

El mes de septiembre de 1963, Mongo Santamaría y su grupo se presentaron en el Village Gate de Nueva York. El concierto quedó registrado en un LP que constituye un hito en la historia del jazz latino.Para más información, consulta el blog de Calle Heredia.

El domingo 21 de septiembre de 2008 fue demolido el Yankee Stadium tras 85 años de existencia. Si, el Yankee Stadium, el último templo del deporte mundial. Y es que así como le sucedió a Wembley, el estadio de los Yankees se volvió viejo y costaba más una reforma que tumbarlo y volverlo a construir. Así que el mítico escenario de la 161 Street y River Avenue en el Bronx fue sustituido por una copia casi idéntica, más nueva y sin defectos, ubicado en la calle de al lado con la misma tierra, el mismo museo, el Monument Park y el emblemático friso de una de las gradas originales. En La Hora Faniática le rendimos un homenaje y hablamos del más legendario concierto de salsa que, como no, tuvo lugar allí. La Fania All Stars en el Yankee Stadium. Uno de los grandes mitos de la salsa. Bienvenidos. PLAYLIST:1. Fania All Stars – Que Rico Suena mi Tambor live2. Fania All Stars – Mi Gente live3. Entrevista: Johnny Rodríguez Jr. – Típica 73 en el Yankee Stadium4. Típica 73 - Aprende live Edit5. Entrevista: Mongo Santamaría – Compromisos6. Mongo Santamaría – Naked7. Fania All Stars – Soul Makossa live8. Fania All Stars – Yankee Stadium Introduction9. Fania All Stars – Congo Bongo live10. Entrevista: Alex Masucci – Yankee Stadium11. Entrevista: Ismael Quintana – Mi Debilidad12. Fania All Stars – Mi Debilidad live13. Entrevista: Rafael Viera – La Fania en Puerto Rico14. Fania All Stars – Diosa del Ritmo live15. Fania All Stars – Echate pa' llá live

Mongo Santamaría no sólo fue uno de los mejores percusionistas que tuvo el Caribe y el mundo, que ya es mucho decir, sino uno de los más influyentes de su tiempo. Artistas del rock, el jazz, el rhythm & blues, el soul y la salsa acudieron siempre a él en busca de alternativas armónicas, contrapuntos y disonancias. En 1976 este portento musical grabó dos discos para Vaya Records, filial de Fania: Ubané con Justo Betancourt, y Sofrito con una de sus formaciones de afro funk. En La Hora Faniática de hoy hablaremos de Sofrito, que con el paso del tiempo ha quedado incrustado en la leyenda de la salsa. PLAYLIST: 1. Mongo Santamaría - Cruzan2. Mongo Santamaría – Olive Eye3. Mongo Santamaría - Iberia4. Mongo Santamaría - Sofrito5. Entrevista: Eddie Martínez Mongo6. Mongo Santamaría - Sofrito versión original7. Mongo Santamaría – Spring Song8. Mongo Santamaría – Secret Admirer9. Mongo Santamaría – Five on the Color Side10. Entrevista: Mongo Santamaría Afrocuba11. Mongo Santamaría - O mi Shango 12. Entrevista: Mongo Santamaría Lo Cubano 13. Mongo Santamaría – Princess

La Hora Faniática de hoy se sumerge en el mundo del cine, de las bandas sonoras y de Hollywood. Es la historia del álbum Salsa, soundtrack de la película homónima dirigida por Leon Gast y que simbolizó el impacto de un género musical, expresión del Caribe urbano. Criticada por su excesivo interés de penetración en el mercado anglosajón, Salsa es un mito desgranado en este programa.PLAYLIST:1. Barrio2. Fania All Stars – Mi Gente3. Decla: Our Latin Thing Trailer4. Fania All Stars – Mi Debilidad5. Decla: Soul Power Trailer6. Fania All Stars - Guantanamera7. The Sugar Cane8. Johnny Pacheco – El Jardinero9. Tito Puente - Babarabatiri10. Drum Story11. El Gran Combo - Julia12. Fania All Stars Introduccion13. Fania All Stars – Congo Bongo14. Fania All Stars – Que Rico Suena Mi Tambor15. Hollywood16. Carmen Miranda - Copacabana17. Geraldo Rivera en Hollywood18. Mongo Santamaría - Leah19. Slave Ship20. Fania All Stars – Bemba Colorá21. Decla: Salsa The Motion Picture Trailer22. Fania All Stars – El Ratón

Esta semana estrenamos los nuevos CDs de Norge Batista, cantautor de Las Tunas, y de Mayito Rivera, quien fuera durante veinte años la voz de los Van Van. Además, recordamos la onomástica de Ignacio Piñeiro, el fundador del Septeto Nacional y estupendo compositor.PLAYLIST:1. Norge Batista - Versos sencillos.2. Norge Batista - Cantiga de outono.3. Norge Batista - Molinos.4. Mongo Santamaría - Manila.5. Mongo Santamaría - Barandanga.6. Mariano Mercerón - Tápame, tápame, que tengo frío.7. Mariano Mercerón - Valencia.8. Conjunto Los Cariñosos - La cumbancha.9. Sexteto Occidente - Yo no tumbo caña.10. Sexteto Nacional - Mamá, se quema La Maya.11. Septeto Nacional - El que siembra su maíz.12. Septeto Nacional - Lindo yambú.13. Mayito Rivera - Amapola.14. Mayito Rivera - Tienen su brillo.15. Tito Gómez - Decídete.

1. Jean Claude Ades - Someday2. Micky More - Downown L.A. (Andy Tee Main Mix)3. Martin Solveig - Everybody (Original Mix) 4. Kid Massive - Release (Beatchuggers Mix)5. Justin Harris - Random Jazz (Original Cut)6. Drop Out Orchestra ft. Yvette - I Got It (Original)7. Lisa Stansfield - Picket Fence (OPOLOPO remix)8. Dantiez Saunderson & KPD ft La Rae Starr - Place Called Home9. Logic - Blues For You (Vocal Mix #1)10. Aydin The Funki Chile - Uptown Vigilante11. Deee-Lite - Groove Is In The Heart (The Reflex Bootsy & Q-Tip Revision)12. Julia Crane & Company - Breakin' Down (Sugar Samba) [JM After-Session M&M Mix]13. Gino Soccio - You Move Me - 14. Dolly Parton - Jolene (Todd Terje remix)15. ATFC - Brighter Days demo16. Mongo Santamaría - Sofrito17. Big Daddy Kane ft Biz Markie - Just Rhymin' With Biz18. Lovebirds ft. Stee Downes – Want You In My Soul (Illyus & Barrientos Remix)19. Disciples – They Dont Know [FFRR] (Original Mix)20. Daniel Trim - Ultra Discount21. Jonas Rathsman - Wolfsbane (Original Mix) [Method Music]22. ATFC - Make Em Shake The Beat23. David Tort - Lost in Acid Lost in Acid (Ausfahrt Mix)24. Loleatta Holloway - Dreamin' (Shellshock Reconstruction)

This week we return to a news story we covered recently in which mathematician Alex Bellos sought to find out why people have a favourite number and what in fact the most popular numbers around the world are. So in … Continue reading →

This week on Project Moonbase we’ve put together a show especially for your purses and wallets as we explore the world of filthy lucre. We also have a track from a boggling new two-disc compilation of Klaus Wunderlich’s organ medley … Continue reading →