Podcasts about Chano Pozo

VIDEO - https://youtu.be/aGEGmZomozk Un recorrido por la historia de Cuba, desde sus raíces hasta la crisis del socialismo, a través de un ingrediente tan sencillo como la manteca.Descubre cómo un animal tan humilde como el cerdo se convirtió en un símbolo de identidad cultural, uniendo tradiciones cubanas y norteamericanas. Desde las fiestas con lechón asado en Miami hasta la figura legendaria de Chano Pozo y su icónico tema "Manteca", exploraremos la rica mezcla de ritmos y sabores que han definido la música y la gastronomía cubana.Pero hay más. Te invito a conocer el lado más amargo de la manteca: su escasez en la Cuba de Castro. A través de testimonios y datos históricos, entenderemos cómo la falta de este simple ingrediente se convirtió en una metáfora del fracaso del socialismo y el sufrimiento del pueblo cubano.Este video es un viaje a través del tiempo y los sentidos, que te hará reflexionar sobre la compleja relación entre cultura, política y economía.**** Para más videos VISITA - www.ErnestoMiami.com

El piano de Bebo Valdés o el trombón azul de Juan Pablo Torres sobre "Mi Querida Babel" abren y cierran una especial edición dedicada a una época dorada en la que reinó Celia Cruz pero también Benny Moré."El "Barbaro del Ritmo" ,"el más grande", "el que marcó el camino", según me confesaron Celia y Juan Pablo, murió en 1963, hepática cirrosis. Rolando Colombié, su pianista como lo fue de Celia, mi invitado, testigo en la distancia más corta del "Sonero Mayor" y de un tiempo que vio nacer y morir estrellas como la de Bebo Valdés, el trio Matamoros, Dámaso Perez Prado, Chano Pozo o Cachao. Junto a Benny, los legendarios rumberos de ayer desfilando a su conjuro, sólo un año antes de dejarnos también.Si este momento no te pone en pie es que estás muerto. Puedes hacerte socio del Club Babel y apoyar este podcast: mundobabel.com/club Si te gusta Mundo Babel puedes colaborar a que llegue a más oyentes compartiendo en tus redes sociales y dejar una valoración de 5 estrellas en Apple Podcast o un comentario en Ivoox. Para anunciarte en este podcast, ponte en contacto con: mundobabelpodcast@gmail.com.

El piano de Bebo Valdés o el trombón azul de Juan Pablo Torres sobre "Mi Querida Babel" abren y cierran una especial edición dedicada a una época dorada en la que reinó Celia Cruz pero también Benny Moré."El "Barbaro del Ritmo" ,"el más grande", "el que marcó el camino", según me confesaron Celia y Juan Pablo, murió en 1963, hepática cirrosis. Rolando Colombié, su pianista como lo fue de Celia, mi invitado, testigo en la distancia más corta del "Sonero Mayor" y de un tiempo que vio nacer y morir estrellas como la de Bebo Valdés, el trio Matamoros, Dámaso Perez Prado, Chano Pozo o Cachao. Junto a Benny, los legendarios rumberos de ayer desfilando a su conjuro, sólo un año antes de dejarnos también.Si este momento no te pone en pie es que estás muerto. Puedes hacerte socio del Club Babel y apoyar este podcast: mundobabel.com/club Si te gusta Mundo Babel puedes colaborar a que llegue a más oyentes compartiendo en tus redes sociales y dejar una valoración de 5 estrellas en Apple Podcast o un comentario en Ivoox. Para anunciarte en este podcast, ponte en contacto con: mundobabelpodcast@gmail.com.

VIDEO - https://youtu.be/VgbhuUwGI0A ErnestoMiami analiza la escasez de manteca en Cuba bajo el régimen de Fidel Castro como una metáfora del fracaso del socialismo. A principios de la década de 1960, Castro prometió la autosuficiencia en la producción de manteca y carne de cerdo, pero sus planes fracasaron como bien lo explica la "fatal arrogancia" descrita por el economista Friedrich Hayek.La escasez de manteca, reflejada en el racionamiento y el mercado negro, se agudizó durante el "Período Especial" tras el colapso de la Unión Soviética. La obra de teatro "Manteca" de Alberto Pedro Torriente retrata la realidad de la Cuba de los 90, con familias criando cerdos en sus baños para sobrevivir.ErnestoMiami conecta la escasez de manteca con la pérdida de la cultura culinaria cubana y la destrucción económica causada por el socialismo.****PARTE IManteca, cerdo y tambor: la transculturación cubana y jazz latino. Vida y muerte de Chano Pozo - https://youtu.be/EvVSb_s8dIc PARTE IILa Manteca y el Socialismo: Historia del desabastecimiento en Cuba. Crisis Económica y Social. - https://youtu.be/VgbhuUwGI0A**** Para más videos VISITA - www.ErnestoMiami.com

VIDEO - https://youtu.be/aGEGmZomozk Un recorrido por la historia de Cuba, desde sus raíces africanas hasta la crisis del socialismo, a través de un ingrediente tan sencillo como la manteca.Descubre cómo un animal tan humilde como el cerdo se convirtió en un símbolo de identidad cultural, uniendo tradiciones cubanas y norteamericanas. Desde las fiestas con lechón asado en Miami hasta la figura legendaria de Chano Pozo y su icónico tema "Manteca", exploraremos la rica mezcla de ritmos y sabores que han definido la música y la gastronomía cubana.Pero hay más. Te invito a conocer el lado más amargo de la manteca: su escasez en la Cuba de Castro. A través de testimonios y datos históricos, entenderemos cómo la falta de este simple ingrediente se convirtió en una metáfora del fracaso del socialismo y el sufrimiento del pueblo cubano.Este video es un viaje a través del tiempo y los sentidos, que te hará reflexionar sobre la compleja relación entre cultura, política y economía.**** Para más videos VISITA - www.ErnestoMiami.com

En cierta ocasión, el recordado montunero Pío Leiva dijo que el cantante Julio Valdés "llegó, grabó y alborotó; con el bolero titulado Cobarde, dio un palo, como decimos nosotros". Al incluir esa pieza musical en el danzón Caimitillo y marañón, Julio Valdés alcanzó la cima de la popularidad en menos de un año. En agosto de 1960, la discoteca estaba casi permanente en las vitrolas de la ciudad de Santa Clara. Y en diciembre, Julio recibió el Disco de Oro por récord de ventas, en medio de un homenaje que le tributaron en su natal ciudad de Cienfuegos. Este episodio intenta reanudar la carrera artística de Julio Valdés, a partir de artículos periodísticos de su hija Carmen Oria Valdés: desde sus comienzos en un trío con Felo Bacallao y Felito Molina hasta la Orquesta de Neno González, pasando por varias agrupaciones, incluida la del El flautista Efraín Loyola. Julio Valdés fue el primer intérprete del naciente ritmo tira tira, creado por el flautista Alberto Cruz, conocido como Pancho el Bravo. De esta manera rescatamos del injusto olvido al valioso cantante. Incluimos además una importantísima colaboración del coleccionista e investigador mexicano Gabriel Romero. Nuestro Calendario Musical de Cuba presenta, en esta ocasión, al maestro Julio Gutiérrez, al legendario Chano Pozo y al sonero Manuel Licea "Puntillita".Tus comentarios son muy valiosos. Envía un mensaje de texto. Send us a Text Message.Support the show

DIZZY GILLESPIE Y CHANO POZO New York, December 22, 1947 Algo bueno [Woody'n you]Dizzy Gillespie (tp,vcl) Dave Burns, Elmon Wright, Benny Bailey, Lammar Wright, Jr. (tp) William Shepherd, Ted Kelly (tb) Howard Johnson, John Brown (as) Joe Gayles, George “Big Nick” Nicholas (ts) Cecil Payne (bar) John Lewis (p) Al McKibbon (b) Kenny Clarke (d) Chano Pozo (bgo,cga,vcl) CHARLIE PARKER / MACHITO AND HIS AFRO CUBAN ORCHESTRA New York, January, 1949 Okiedoke (1) Caravan (2)Mario Bauza, Frank “Paquito” Davilla, Bob Woodlen (tp) Gene Johnson, Fred Skerritt (as) Jose Madera, Sr. Continue reading Puro Jazz 9 de diciembre, 2024 at PuroJazz.

DIZZY GILLESPIE Y CHANO POZO New York, December 22, 1947 Algo bueno [Woody'n you]Dizzy Gillespie (tp,vcl) Dave Burns, Elmon Wright, Benny Bailey, Lammar Wright, Jr. (tp) William Shepherd, Ted Kelly (tb) Howard Johnson, John Brown (as) Joe Gayles, George “Big Nick” Nicholas (ts) Cecil Payne (bar) John Lewis (p) Al McKibbon (b) Kenny Clarke (d) Chano Pozo (bgo,cga,vcl) CHARLIE PARKER / MACHITO AND HIS AFRO CUBAN ORCHESTRA New York, January, 1949 Okiedoke (1) Caravan (2)Mario Bauza, Frank “Paquito” Davilla, Bob Woodlen (tp) Gene Johnson, Fred Skerritt (as) Jose Madera, Sr. Continue reading Puro Jazz 9 de diciembre, 2024 at PuroJazz.

La prehistoria discográfica del Conjunto Casino nos permite recordar al cantante y maraquero Juan Fuentes quien protagonizara las primeras grabaciones de este emblemático conjunto en 1942 para la etiqueta norteamericana Víctor. "A mí qué", original del percusionista y rumbero Jesús Guerra, antecedía a otra guaracha: "La mulata arrebatá". Creación de otro compositor cubano de esos años: Don Raymat. Buen recuerdo para Juan Fuentes, conocido en el ambiente musical, de mediados de los años 30 y primeros 40, con el sobrenombre de "Bolita". Junto a él las voces del tresero Esteban Grau y Roberto Espí con algo del repertorio que entonces presentaba el "Casino" en el escenario del Cabaret habanero "Zombie Club". "Con la lengua afuera" de Agustín Ribot y "Rumba quimbumba" del contrabajista Cristóbal Dobal nos permiten seguir recordando a este buen cantante cubano. Así recordamos hoy al que fuera el primer cantante guarachero del Conjunto Casino. Juan Fuentes "Bolita", falleció el 5 de enero de 1997 en Miami. Había nacido en La Habana el 11 de diciembre de 1909. Y una versión más reciente de la rumba de Cristóbal Dobal: "Apretando" es la excusa perfecta para acercarnos a la destacada labor del percusionista venezolano Carlos Emilio Landaeta. Con el singular sobrenombre de "pan con queso" desarrolló una notable trayectoria artística desde mediados de los años 40 del siglo XX. Desde entonces su paso por diferentes agrupaciones como la orquesta de Luis Alfonso Larraín, la Sonora "Caracas" y "Billo Caracas Boys" asentó un largo camino que lo llevó a la creación de su septeto "Sonero Clásico del Caribe" en el año 1976. Respetuoso admirador de la música popular cubana, y del Caribe en general, fue hasta el final de sus días un ferviente guardian y difusor del repertorio sonero nuestro. Hoy recordamos al gran "Pan con queso" y a su "Sonero Clásico del Caribe" desde una producción del año 1980, con varios clásicos cubanos en las voces de Jesús Gómez, Johnny Pérez y Rogelia "Canelita" Medina. "Déjame gozar mulata" de Miguel Matamoros; "La Cazuelita" de Gelasio Delis y el son montuno "Corazón de chivo" de Arsenio Rodríguez completan este breve tributo al entrañable músico venezolano. Carlos Emilio Landaeta falleció el 30 de septiembre de 1991. Había nacido en la ciudad de Caracas el 4 de noviembre de 1920. Con el apoyo discográfico de la etiqueta "Tropicana" fundada por Adolfo Seeman, productor de la emisora habanera CMOX, sobresaliente por sus programaciones dedicadas al jazz, vieron la luz estas grabaciones en 1960, repartidas en dos álbumes. Acompañaron a Frank Emilio en lo que fue el preámbulo de una larga hermandad musical: Gustavo Tamayo en güiro; Papito Hernández en contrabajo; Tata Güines en las tumbadoras, y Guillermo Barreto en pailas y drums. "Habana", en clave bolero swing, original de Fernando Mulens; "Algo bueno", firmado por Dizzy Gillespie y Chano Pozo y "No te importe saber" de René Touzet. El ya clásico "Gandinga, mondongo y sandunga", de Frank Emilio, y "Scheherezada cha cha chá", del binomio Piloto y Vera, ya con la posterior formación de "Los Amigos" con Cachaito López en contrabajo, completan nuestra banda sonora de hoy. Unos minutos para recordar la presencia del violinista, arreglista y compositor urugüayo Federico Britos en la escena cubana de los años 60. Amante del riquísimo mundo melódico y armónico del Brasil, Britos junto a sus colegas Federico Vigil y Mario Lagarde, completó una singular formación bautizada como "Los Federicos" pasando a ser, durante esa convulsa década, referente importante para sus contemporáneos. Un lujo compartir el arte de Federico Britos en tres tiempos: primero con aquellos "Federicos" de los años 60s, luego con "Los amigos" y finalmente desde una reciente colaboración con la Orquesta "Failde" para una formidable producción de la etiqueta estatal EGREM del año 2019.

"Criolla carabalí", son en clave abakuá original de Guillermo Castillo y grabado por el Sexteto Habanero en Nueva York el 29 de mayo de 1928, abrió hoy los caminos sonoros. Teniendo en cuenta la época en que se produjo este registro probablemente resultó escandaloso y premonitorio a la vez, reafirmando el carácter netamente popular del Son, así como la mixtura ancestral en la música cubana. ¿Cuánto le debe desde entonces la cultura cubana a esos músicos naturales desdeñados por la academia y que algunos siguen mirando por encima del hombro? ¿Cuánto a aquella humanidad sudorosa que a lo largo de la isla en puertos, campos, talleres, cuarterías y barrios marginales, con sus toques y voces, dotaron al Son de los aderezos elementales? ¿Cuánto le debemos al negro tamborero Chano Pozo, vida y genialidad truncadas por los penosos lastres de la droga y la violencia, frutos amargos de los condicionamientos discriminatorios y clasistas aún latentes en la sociedad cubana? Chano Pozo antecedió al olvidado Tata Gutiérrez. El viejo cantor y rumbero desde una grabación Panart de los últimos años 40, volvía a los rudimentos de la rumba vinculada al conocimiento del mundo abakuá. El ayer y hoy de una isla a través de su música popular. El asesinato de José Manuel Carbajal, conocido en el pujante movimiento reguetonero/repartero con el nombre artístico de El Taiger, ha estremecido la opinión publica poniendo el foco nuevamente sobre estos asuntos. Sus seguidores, dentro y fuera de la isla, le han rendido por estos días el tributo máximo al que podría aspirar un músico de raíz de pueblo. Nadie sabe si será largamente recordado, teniendo en cuenta que la polarización extrema y las veleidades de las redes sociales en las que últimamente sucumbe el ser humano, agudizan la división, el extremismo y cierta ceguera. Por ahora El Taiger le sigue poniendo voz al drama de los suyos, que no es poco. A propósito del 118 aniversario del natalicio del flautista, arreglista y compositor Juan Pablo Miranda, recordaremos a continuación algunas de sus piezas, quien tuvo una especial afinidad con los compositores e intérpretes del movimiento del feeling. Como breve muestra de ello Vicentico Valdés, José Antonio Méndez (el King), Marta Valdés, Abelardo Barroso y Amelita Frades nos recordarán los boleros: "Algo de ti", "Mil congojas", "Que difícil es", "Es en vano" y "Seguiré sin tí". El Noneto Cubano de Jazz del trombonista Pucho Escalante nos acerca a la segunda mitad de los años 50, y a la interacción entre músicos, conocida como “descarga”. Panart, la precursora etiqueta de Ramón Sabat, producía sus notables “Jam Sessions” reuniendo para este propósito a valiosos músicos de la época. Las "descargas" de Panart. En su tiempo apuesta oxigenante donde es un lujo disfrutar del arte del gran Fellove Valdés. Por su parte en 1960 el sello "Tropicana" de Adolfo Seeman produjo los dos primeros álbumes del Quinteto de Música Moderna con Frank Emilio al piano, Gustavo Tamayo en güiro, Guillermo Barreto en drums, Papito Hernández en contrabajo y Tata Güines en las tumbadoras. Embrión de lo que años después será conocido como “Los Amigos”. Poco antes la etiqueta Gema de los hermanos Alvarez Guedes, lanzaba su propio "All Stars" con la edición de una serie de “descargas”, incluyendo en las etiquetas de los singles, por primera vez, el crédito a los músicos que habían intervenido en las sesiones de estudio. Alejandro "El Negro" Vivar (trompeta); Delahoza (trombón); Emilio Peñalver (saxo tenor); Osvaldo Peñalver (Saxo alto); Pedro Jústiz "Peruchín" (piano); Israel "Cachao" López (contrabajo); Tata Güines (tumbadoras); Richard Egües (flauta) y Walfredito de los Reyes (pailas). Los pioneros del jazz cubano le ponen sabor a la banda sonora final. Un gusto regresar siempre a la labor del percusionista Walfredito de los Reyes. En 1958, en los salones del “Casino Parisien” del Hotel Nacional, se escuchaba esta formidable banda bajo su conducción.

Rebecca speaks with Cuban music historian Rosa Marquetti Torres, author of several books, including one on Chano Pozo and another on Celia Cruz's career in Cuba. In part one of our conversation, we discuss the challenges of conducting music research in Cuba and the career of Chano Pozo.Conversation in Spanish. Follow along with an English-language transcript here:Songs played:El pin pin, Chano PozoTin Tin Deo, Chano Pozo & Dizzy GillespieSend us a textSupport the showIf you like this podcast, please subscribe and give us a 5-star rating on Apple PodcastsFollow The Clave Chronicles on Twitter, Instagram, and Facebook @clavechronicleshttps://theclavechronicles.buzzsprout.comIntro and outro music: "Bengo Latino," Jimmy Fontanez/Media Right Productions

El Festival de Biarritz presentó a la CMQ Big Band, una banda que rescató el patrimonio musical del emblemático cantante cubano. Esta orquesta de 17 músicos hizo bailar al público el miércoles por la noche durante el gran concierto en la Gare du Midi de Biarritz. En el país del bolero, el chachachá, el son, la rumba y guaracha, la música de Benny Moré, el que llamaban “el bárbaro del ritmo”, había caído en el olvido. Pero un joven músico cubano, levantó una “banda gigante” como la de Moré para rescatar su música. Para ello debió transcribir una a una cada nota de sus canciones, a partir de las grabaciones del músico fallecido en 1963, porque con el tiempo las partituras se habían perdido.“Creé el proyecto en 2012 porque, aunque parezca mentira, la música de Benny Moré más nunca se tocó después de su muerte, con la formación que él utilizaba en su época. Somos 17 músicos: cinco saxofones, tres trompetas, dos trombones, la sección de ritmo, piano, contrabajo y coro, para tocar exactamente como lo hacía la ‘banda gigante' de Moré”, explicó a RFI el pianista y director de la orquesta, Luis Guerra.La CMQ Big Band estuvo a cargo del gran concierto del Festival Biarritz América Latina, que tradicionalmente se realiza el miércoles por la noche en el principal teatro del certamen. La sala estuvo repleta durante el concierto de estos músicos que lograron que el público francés se levantara de sus asientos para bailar.“Yo diría que los años 40 y 50 fueron cruciales para la música cubana. Antes de 1959, Cuba tenía relaciones muy fructíferas con Estados Unidos. Artistas como Nat King Cole o Ella Fitzgerald solían tocar en el Tropicana de La Habana. Y así mismo, músicos cubanos como Machito o Chano Pozo, tocaban regularmente en Nueva York. Entonces, todo lo que se hacía a nivel musical en Estados Unidos, particularmente el jazz, se conocía muy bien en Cuba, y los músicos cubanos se encargaron se ponerle sandunga y sabor”, aseguró Guerra.El triunfo de la Revolución cubana acabó con esos intercambios musicales entre los dos países. La música estadounidense o en inglés fue declarada “antirrevolucionaria” y estallo una guerra contra el “diversionismo ideológico” que censuro al jazz, a los artistas de habla inglesa, que fueran estadounidenses o de otras latitudes, como Los Beatles.En La Habana se quedaron varados talentosos músicos que vieron desaparecer su forma de ganarse la vida. Otros optaron por escapar de la isla comunista; fue el caso de del pianista y arreglista Bebo Valdés, la guarachera Celia Cruz, o la bolerista Olga Guillot, quienes se refugiaron en el “vecino del Norte”.La música de Benny Moré fue relegada al cajón de los olvidos, aunque se mantuvo en la memoria de aquellos que conocieron esa época de oro, pero que han ido desapareciendo. La CMQ Big Band es un proyecto importantísimo para la rehabilitación del rico y variado patrimonio musical de Cuba.

A pesar de que a lo largo de su carrera completó las delanteras vocales de dos jazz bands de importancia como la "Hermanos Castro" y la "Casino de la Playa", podemos asegurar que Felo Martínez fue -esencialmente- un cantante de conjunto. Superada su etapa trovadoresca como parte del trío Hermanos Díaz, en 1950 participaba en la fundación del conjunto del pianista Luis Santí, fiel seguidor del estilo del Conjunto Casino, completando su trilogía vocal junto a Pitín y Colacho. La voz de Felo Martínez, aguda, algo nasal y con buena potencia, cualidades típicas del sonero, así como su sentido del ritmo y creatividad para las inspiraciones, demostró ser ideal para el formato que desde los años 40 conquistó los salones bailables. Los conjuntos que durante los años 50s continuaron su evolución lógica, para 1953 sumaban a las guarachas, montunos, guajiras, guaguancós, congas y boleros, el nuevo ritmo que entonces rescató de la inercia a las orquestas típicas o charangas. "El peletero", un cha cha chá de Hilario Ariza que nunca fue llevado a las sesiones de estudio del Conjunto Casino, llega desde el estudio teatro de La Onda de la Alegría (Radio Progreso) con fecha marzo de 1956. Junto a Felo Martínez las voces de Roberto Espí, René del Mar y Fernando Álvarez. En la memoria: Felo Martínez. Falleció en La Habana el 12 de julio de 1999. A 25 años de su desaparición física recordamos a este notable cantante, buen amigo y fiel guardian de la memoria de sus compañeros. Había nacido el 19 de febrero de 1930 en La Habana, la ciudad de sus grandes triunfos. Y de La Habana nos vamos al Nueva York de los años 40. En la gran ciudad alcanzaba su máximo esplendor el estilo de Panchito Riset. Su trasiego por innumerables agrupaciones soneras definió ese peculiar sabor interpretativo que lo hizo sobresalir entre sus contemporáneos. Desde sus antológicas grabaciones como parte del Cuarteto Caney sentó cátedra en el bolero soneado. Combinación perfecta que le acompañó a lo largo de una extensa trayectoria artística, parte de la cual rememoramos seguidamente. Nadie como Panchito para ponerle voz y sentimiento al más auténtico son cubano. Le acompañarán, entre otros, el ciego maravilloso Arsenio Rodríguez, el percusionista Chano Pozo y el cantante y compositor cienfueguero Marcelino Guerra. Sesiones históricas con el tres de Arsenio marcando el patrón del más recio son montuno. Músicos cubanos cuyo legado le sigue dando la vuelta al mundo. A propósito de Chano Pozo y su clásico "Manteca" hacemos un alto para recordar al saxofonista baracoense Chombo Silva. Como un notable instrumentista lo recordó siempre el maestro Leonardo Acosta. Músico influyente, tanto en lo jazzistico como en lo bailable, en aquel incesante movimiento artístico musical de los años 40 y 50, entre otras formaciones integró las bandas del genial Beny Moré y de su colega Emilio Peñalver. En la memoria de Cubakústica, y en dos tiempos: el feeling de Chombo Silva. Celeste Mendoza fue sin discusión la reina del guaguancó. A fuerza de talento desde el cuerpo de baile del célebre cabaret "Tropicana", saltó a los primeros planos de la popularidad con el apoyo de la etiqueta independiente Gema, fundada por los hermanos Alvarez Guedes a finales del año 1957. Temperamental y única en la expresión de géneros como el bolero, la rumba y el guaguancó, contra viento y marea se mantuvo en activo en los escenarios durante poco más de 40 años.

Anamaria Sayre and Felix Contreras play some of their favorite new songs from the last few months, featuring globe-spanning electronica from Colombian producer Sinego, border-crossing new music from La Doña, nuanced salsa from Spanish Harlem Orchestra and more.Songs featured in this episode:•Adrian Quesada, "Dos Manos"•Nancy Sanchez, "You Are"•Sinego, "Quema"•Sinego, Pahua, "Sol"•Spanish Harlem Orchestra, "Llegó El Caballero (feat. Gilberto Santa Rosa)"•La Doña, "Corrales"•La Doña, "Corrido Para Palestina"•Andres Levin (feat. Pedrito Martinez, Gonzalo Rubalcaba, Yissy García & Yerba Buena), "Manteca 2.0 (An homage to Chano Pozo, Dizzy Gillespie & Cayo Hueso)"•Dizzy Gillespie, Chano Pozo and Gil Fuller, "Manteca"•Nico Sorin, Proyecto Gomez Casa, Lucy Patané, "Karma Dron"Audio for this episode of Alt.Latino was edited and mixed by Taylor Haney, with editorial support from Hazel Cills and Otis Hart. Our project manager is Grace Chung. NPR Music's executive producer is Suraya Mohamed. Our VP of Music and Visuals is Keith Jenkins.Learn more about sponsor message choices: podcastchoices.com/adchoicesNPR Privacy Policy

Raymond Barretto Pagan was born to Puerto Rican parents in New York on April 29, 1929. When he was barely four years old, his father decided to leave home and return to Puerto Rico. His mother settled in the South Bronx and raised her three children by herself. From an early age, Barretto was influenced by two styles of music: Latin and Jazz. During the day, his mother listened to the music of Daniel Santos, Bobby Capó, and the Los Panchos Trio. However, as Ray grew up, he fell in love with Machito Grillo, Marcelino Guerra, Arsenio Rodríguez, and the Jazz orchestra greats he heard on the radio; stars like Benny Goodman and Duke Ellington.When he turned 17, Barretto enlisted in the United States Army and was sent off to World War II. While stationed in Germany, he heard the song that changed his life: “Manteca” by Chano Pozo and the Dizzy Gillespie band. When he left the army, Barretto returned to New York and, influenced by the percussion instruments that his idol Chano Pozo dominated, he bought a bongo. But he wasn't satisfied with the sound, so he went out and spent 50 dollars on some tumbadors he saw for sale in a local neighborhood bakery. And that's how he took his first steps onto the nightclub music scene. His first recording was in 1953, with Eddie Bonnemere's Latin Jazz group at the Red Garter lounge in New York. In contrast to famous conga players of the time like Cándido Camero, Mongo Santamaría, and Patato Valdés –who started out with Afro-Caribbean rhythms and worked their their way up to Jazz– Barretto started out in the world of Jazz; it would be years before he would make a foray into other Latin rhythms.

The Library of Congress' National Recording Registry is more than just a collection of music and sound — it's a reflection of who we are as a country. In April, two new Spanish language songs were added to the registry: Juan Gabriel's "Amor Eterno" and Héctor Lavoe's "El Cantante."This week on Alt.Latino, Felix and Ana take the opportunity to dive into the Spanish language songs that have made it into the historic collection, as well as share their dream picks for what should be chosen next.Songs featured in this episode:•Héctor Lavoe, "El Cantante"•Juan Gabriel, "Amor Eterno (En Vivo [En el Palacio de Bellas Artes])"•Buena Vista Social Club, "Chan Chan"•Buena Vista Social Club, "Orgullecida"•Buena Vista Social Club, "El Carretero"•Santana, "Oye Como Va"•Lydia Mendoza, "Mal Hombre (Cold-Hearted Man)"•Dizzy Gillespie feat. Chano Pozo, "Manteca"•Ivy Queen, "Quiero Bailar"•Jose Feliciano, "El Reloj"Audio for this episode of Alt.Latino was edited and mixed by Joaquin Cotler, with editorial support from Hazel Cills. Our project manager is Grace Chung. NPR Music's executive producer is Suraya Mohamed. Our VP of Music and Visuals is Keith Jenkins.Learn more about sponsor message choices: podcastchoices.com/adchoicesNPR Privacy Policy

The Library of Congress' National Recording Registry is more than just a collection of music and sound — it's a reflection of who we are as a country. In April, two new Spanish language songs were added to the registry: Juan Gabriel's "Amor Eterno" and Héctor Lavoe's "El Cantante."This week on Alt.Latino, Felix and Ana take the opportunity to dive into the Spanish language songs that have made it into the historic collection, as well as share their dream picks for what should be chosen next.Songs featured in this episode:•Héctor Lavoe, "El Cantante"•Juan Gabriel, "Amor Eterno (En Vivo [En el Palacio de Bellas Artes])"•Buena Vista Social Club, "Chan Chan"•Buena Vista Social Club, "Orgullecida"•Buena Vista Social Club, "El Carretero"•Santana, "Oye Como Va"•Lydia Mendoza, "Mal Hombre (Cold-Hearted Man)"•Dizzy Gillespie feat. Chano Pozo, "Manteca"•Ivy Queen, "Quiero Bailar"•Jose Feliciano, "El Reloj"•Audio for this episode of Alt.Latino was edited and mixed by Joaquin Cotler, with editorial support from Hazel Cills. Our project manager is Grace Chung. NPR Music's executive producer is Suraya Mohamed. Our VP of Music and Visuals is Keith Jenkins.Learn more about sponsor message choices: podcastchoices.com/adchoicesNPR Privacy Policy

Una antigua producción de la etiqueta Víctor nos permite regresar a los albores del siglo XX y, de alguna manera, rescatar del olvido a estos veteranos músicos cubanos identificados como grupo "Apolo". De ellos no existe apenas información, pero al escuchar su versión de este viejo son adjudicado a María Teresa Vera con el título de "Oye Miguel los hombres no lloran", o "María Luisa", comprobamos que en marzo de 1927 ya utilizaban la trompeta. Ante la ausencia de una industria discográfica cubana, y de las mínimas condiciones técnicas para grabar, fueron estas veteranas etiquetas norteamericanas las que por entonces introdujeron en sus catálogos lo más sobresaliente en lo artístico y musical de esos años. María Cervantes grabó mucho para el sello Columbia. Con su gracia singular, acompañada de su piano de cola, allá por los años 20 comenzó a trazar un camino que un artista como Bola de Nieve más tarde llevaría a su máxima expresión. Trovadores, artistas del teatro criollo, agrupaciones populares e interpretes líricos comenzaron a dar fisonomia a los catálogos de aquellas etiquetas foráneas que muy pronto, a través de cientos de ediciones en 78 revoluciones por minuto, hicieron trascender el cancionero cubano más allá de nuestras costas. Año 1927: la guitarra de Alberto Villalón, uno de los cuatro grandes de la Trova Cubana, acompaña las voces prima y segunda de Juan de la Cruz y Bienvenido León. Las largas travesías en vapor con destino a Nueva York valieron la pena cuando de las tablas de míticos teatros como "Alhambra" y "Payret", felizmente llegaron al disco los bufos cubanos. La mulata y el negrito, fueron dos personajes arquetípicos que destacaron en infinidad de libretos de la época. Ramón Espigul y Lola Mayorga, llegan desde una edición Víctor del año 1916. Voces entrañables que fueron modelando el cauce evolutivo de la música popular cubana. Sin la existencia del dueto de Maria Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo, probablemente sus derroteros hubieran sido diferentes. Con dos piezas del poeta del Son Ignacio Piñeiro, despiden este primer segmento: "Cantares del abakuá" y "Que bonita es Cuba". Dos cortes que nos recuerdan además la importancia de la radio independiente con sus programaciones "enlatadas" y en directo. De los históricos registros fonográficos de principios del siglo XX pasamos al riquísimo mundo rítmico de la rumba y el guaguancó. Patato Valdés y Totico. Rumba y guaguancó en Nueva York. Transplante sonoro que, a día de hoy, resuena en sitios míticos de la gran ciudad como el Central Park. El 13 de marzo de 1917 nació en La Habana el pianista, arreglista y compositor Felipe Dulzaides. A la distancia del 107 aniversario de su natalicio, recordamos con algunas grabaciones históricas algo de la vida y obra de este pionero del jazz cubano. No hay dudas de que su aporte más notable lo dejó al frente de "Los Armónicos", formación que fundó a mediados de los 50s y que, en diversas etapas, pasó del formato de quinteto a sexteto adaptándose a las corrientes que marcaron el ambiente musical desde entonces hasta los primeros años 60s, siendo parte indispensable de la intensa banda sonora de clubes y cabarets. De la copiosa discografía del trompetista Arturo Sandoval escogemos tres temas que marcan diferentes puntos de giro en su extensa trayectoria en los escenarios: "Iyá", clásico del jazz afrocubano es un tema de su autoría que nos recuerda su paso por una de las bandas más influyentes del jazz y la música popular cubanas: "Irakere". "Groovin High", tema original de Dizzy Gillespie, figura icónica del jazz norteamericano con quién Sandoval mantuvo fuertes vínculos en lo musical y personal bien importantes, es uno de los temas con que el trompetista cubano ha reverenciado además su deuda con las corrientes del swing y, particularmente, el be bop. "Manteca", clásico que firma Chano Pozo, marcó en 1947 la feliz confluencia del mítico percusionista con Dizzy.J Jazz AfroCubano de altos quilates.

Por esos caprichos del destino una hermosa canción de amor, hoy un clásico del feeling cubano, se convirtió en el triste leit motiv de quienes, durante los años 60, se vieron forzados a dejar atrás patria, afectos y familia. Con su canción "Adiós felicidad", Ela O'Farrill, sin proponérselo, resonó de manera singular con aquel fenómeno histórico que lamentablemente, multiplicado en innumerables éxodos durante más de seis décadas, ha marcado a la familia cubana. Último día del año 2023 que aprovechamos para repasar algunos tracks de la fabulosa producción "Con el permiso de Bola". Magnífico trabajo protagonizado en 2006 por Pancho Céspedes con la complicidad del pianista Gonzalo Rubalcaba,. Travesía musical completada por Dagoberto González en violín, René Toledo en guitarra, Carlos Miyares en saxo tenor, Yasek Manzano en trompeta, Maykel Elizalde en el tres, Ignacio Berroa en drums y Carlos del Puerto en contrabajo. Todos con el respaldo del poderoso emporio discográfico norteamericano Warner. Dentro de la historia cultural del barrio de Cayo Hueso, tendremos que volver, una y otra vez, al reconocimiento necesario de sus rumberos. Algo de la obra del percusionista, rumbero y compositor Luciano "Chano" Pozo acompañará este segmento del programa. Efectivo repertorio que, ya a comienzos de los años 40, ponía en el éter la señal de la RHC Cadena Azul del guajiro Amado Trinidad Velazco y que en la década siguiente reproducían agrupaciones como la orquesta "Sensación" de Rolando Valdés con su cantante Elpidio Piedra "El Chino". "Ariñáñara", edición Puchito donde sobresalen los solos de Juan Pablo Miranda en flauta y Yeyito Iglesias en bongoes. Más de la obra de Chano Pozo, está vez vinculada a las ediciones de las etiquetas Coda y SMC Pro Arte. Panchito Riset, Marcelino Guerra "Rapindey" y Alonso en las voces. Arsenio Rodríguez en el tres, y Chano en las tumbadoras. Los tesoros de la música popular cubana: La voz y los tambores de Chano. Buen recuerdo para el importante pianista, arreglista y compositor Pedro Justiz, bien conocido en el ambiente artístico musical con el sobrenombre de "Peruchín". Nacido en la localidad oriental de Banes en 1913 como muchos de sus contemporáneos se trasladó a La Habana en busca de mejor fortuna. Su paso por jazz bands de la región oriental de la isla, entre las que sobresalieron la orquesta Chepín Chovén y la de Mariano Mercerón, le permitieron desarrollar un riquísimo diapasón creativo. En el teclado blanquinegro Peruchín combinó lo más genuino de la música popular cubana con elementos del jazz. Ya en la capital de la república, en plena esfervescencia la era de los jazz bands y los conjuntos soneros, con un concepto melódico y armónico adelantado a su tiempo, no le resultó difícil figurar en bandas de primera línea como la "Casino de la Playa" y la "Riverside". Con el auge de la industria discográfica independiente participó en numerosas sesiones de estudio. El 24 de diciembre del año 1977, falleció “Peruchín”, uno de los grandes de la música popular cubana que habrá que tener siempre muy en cuenta. A propósito de barrios rumberos como Cayo Hueso, el rastro de sus toques y cantos nos conduce a la vida y obra del gran Virgilio Martí. Completamente desconocido por muchos músicos cubanos, dentro y fuera de la isla, en el Nueva York de los años sesenta y hasta su muerte en 1995, defendió con fuerza y verdad, el legado de la rumba y el guaguancó. Hasta el sol de hoy sus intervenciones en los míticos álbumes de "Patato y Totico" y el Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino, son referentes importantes.

Reciban un cordial saludo. Desde Cali (Colombia), les habla Sergio Luis López, compartiéndoles un nuevo episodio de "Así la escuché yo..." En 1977 salió al mercado el álbum “Tributo a Chano Pozo” del músico estadounidense José Mangual Jr., trabajo musical del cual destacó la canción “Campanero”. Cinco años después, en su álbum "¡Qué chévere!" de 1982, el propio Mangual Jr. lanzó otra versión de esta canción bajo el título “Campana mayoral”. Así la escuché yo… Ambas producciones de José Mangual Jr. son en realidad adaptaciones de la canción compuesta y cantada por el célebre artista cubano Antar Daly, quien la grabó en 1952 junto al mítico músico habanero Machito con el Conjunto Batiri, la cual publicaron con el título “Tin tin ton”. Como dato curioso, hay que decir que el “Tin tin ton” de la campana de Antar Daly con Machito y el Conjunto Batiri, derivó posteriormente en “Ti ti con” que grabara José Mangual Jr. en “Campanero” … Posteriormente, la Orquesta la Misma Gente de Colombia, inmortalizó esta onomatopeya en su canción “Titicó” de 1986. El “Titicó” de la campana fue replicado después por muchas agrupaciones salseras, como lo hizo la Orquesta de la Luz en la canción “Salsa caliente del Japón” de 1990. ¿Y tú, conocías la canción “Tin tin ton” del Conjunto Batiri con Machito y Antar Daly que dio origen al “Campanero” y su “Titicó”? Autor: Antar Daly (cubano) para “Tin tin ton” - Adaptación de José Mangual Jr. (estadounidense) para “Campanero” y “Campana mayoral” basado en “Tin tin ton” del Conjunto Batiri Autor: Jorge Iván Herrera (colombiano) para “Titicó” de La Misma Gente Autores: Nora Suzuki & Gen Ogimi (japoneses) para “Salsa caliente del Japón” Campanero - José Mangual Jr. (1977) “Tribute to Chano Pozo” álbum (1977) José Mangual Jr. (estadounidense) Campana mayoral - José Mangual Jr. y su Orquesta (1982) "¡Qué chévere!" álbum (1982) José Mangual Jr.(estadounidense)   Tin tin ton - Conjunto Batiri (1952) single “Tin tin ton/La toalla” (1952) Canta: Antar Daly (cubano) Conjunto Batiri de Machito, Antar Daly, y René Hernández Machito, alias Frank Grillo (nombre real Francisco Raúl Gutiérrez Grillo, cubano) Titicó - La Misma Gente (1986) "En su Salsa" álbum (1986) Canta: Nelson Morales (colombiano) La Misma Gente (orquesta colombiana) Salsa caliente del Japón - Orquesta de la Luz (1990) "De la luz" álbum (1990) Canta: Nora Suzuki (japonesa) Orquesta de la Luz (agrupación japonesa) ___________________ “Así la escuché yo…” Temporada: 7 Episodio: 64 Sergio Productions Cali – Colombia Sergio Luis López Mora

Luego de organizarse en la ciudad de Cienfuegos, Cuba, con el nombre de Rítmica 39, la Orquesta Aragón debió esperar ¡catorce años!, hasta 1953, para efectuar sus primeras grabaciones. Una idea oportuna los llevó a los estudios Sonovox, en La Habana. Aquellas grabaciones iniciales propiciaron el inicio de su discografía comercial. En este episodio se cuenta cómo la Aragón fue contratada por la RCA Victor. El capítulo se completa con el Calendario Musical de Cuba y el recuerdo de Clavelito, la Asociación de Trovadores Cubanos, tres grandes de la percusión, Luis Abreu, Pello el Afrokán y Chano Pozo. Support the show

Hispanic Heritage Month Latin Music Series Spotlight on Cuban Music that was the foundation of an global industry called today the Tropical Salsa Music Business.  Pre Fidel Castro Regime (1959) audio recordings by amazing Late Great Artists like Celia Cruz, Noro Morales, Chano Pozo, Pérez Prado, Beny More, Arsenio Rodriguez, Bebo Valdes, Israel Cachao 

Hispanic Heritage Month Latin Music Series Spotlight on Cuban Music that was the foundation of an global industry called today the Tropical Salsa Music Business.  Pre Fidel Castro Regime (1959) audio recordings by amazing Late Great Artists like Celia Cruz, Noro Morales, Chano Pozo, Pérez Prado, Beny More, Arsenio Rodriguez, Bebo Valdes, Israel Cachao   

Con D.Gillespie & J.Coltrane, LuisVi Jiménez, Adonis Rose & Cyrille Aimée, Hugo Alves, Combos Injex y Lola Santiago & Laura Domínguez. "Caminos Cruzados", del guitarrista Luisvi Jiménez, protagoniza nuestro tiempo de estrenos estatales. En internacional viene de la mano de la "New Orleans Jazz Orchestra" con Adonis Rose y Cyrille Aymée. Los primeros jueves de cada mes ponemos especial atención y foco a las noticias referidas al jazz extremeño. Así, recuperamos grabaciones de estudiantes que en su día lo fueron del Instituto de Jazz y Música Moderna de Extremadura (Almendralejo), proyecto, por cierto, que tocó a su fin en 2020, a propósito del concierto de combos del "Curso de Jazz" que organiza y celebra el conservatorio profesional de música de Badajoz como cierre al presente curso 22/23" el próximo sábado 3 junio en el Teatro López de Ayala. El "Estándar" de la semana es en esta ocasión "Tin Tin Deo", de Gil Fuller y Chano Pozo en grabación de Coltrane con D.Gillespie y "Las Morillas", en grabación en vivo de Lola Santiago y Laura Domínguez del pasado sábado en Los Santos de Maimona (Sala Guirigai), el "Favorito". Ahora Jazz, Ed. 2213. Con Javier del Barco.

Bobby Williams no tiene rostro. Todo parece indicar que pasó desapercibido para los historiadores que dedicaron largos años al rescate de música y músicos de otros tiempos. Quizás oyeran hablar de él entre un largo desfile de nombres, confundido entre las memorias de sus contemporáneos. Puede que también fuese silenciado, opacado por los tiempos grises que recorrieron la geografía cultural cubana mucho después, o que sencillamente, como sigue aconteciendo, no era un animal de su tiempo y estaba destinado a "reaparecer" 50, 60, o 70 años después. Cantante, actor y bailarín, bien cubano a pesar de su norteamericanizado nombre artístico (algo muy usual en el ambiente musical de esos años donde una Omara Portuondo también tuvo su breve etapa de Omara Brown) comenzó a destacar junto a otros intérpretes como Dandy Crawford, Beny Roberts y Fellove Valdés, quienes mediando la década del cuarenta del siglo XX cubano, rendían culto al jazz, especialmente a los electrizantes swing y Be Bop. En 1945 en los estudios de la Radio Cadena Suaritos, se grabó esta versión de "Tatalibabá", tema antológico de Florencio Santana, que la permanencia de Celia Cruz en la escena internacional hizo trascender. Delia Bravo y Marta Pérez, habituales del "Club del Swing", llegaron a los discos. Julieta Peñalver quedó atrapada en el limbo de estas lejanas emisiones radiales. Pocos podían quedar indiferentes al sintonizar RHC Cadena Azul donde Isolina Carrillo, Chano Pozo, Olga Guillot o Bebo Valdés aportaban lo suyo; o CMQ donde Armando Romeu (jr) conducía una gran orquesta en los estudios de Monte y Prado, arropando con melodías del Norte al selecto "Club del Swing", mientras el carismático Orlando Guerra (Cascarita) -bajo la batuta orquestal de Alfredo Brito- hechizaba a los habituales del Show Pinilla. Ya para entonces el "mambo" existía en la cabeza y los arreglos de Pérez Prado para la jazz band "Casino de la Playa". Otra cosa es que muy pocos comprendieran el delirio rítmico-armónico del talentoso matancero. La esencia de aquella radio orbitó en la sencillez de una habitación apenas insonorizada, cubiertas sus paredes por paneles de madera, tela de yute, o bagazo de caña. Dos o tres micrófonos de cinta, reacios a perderse el menor atisbo de sonido, aseguraban el resto. En el staff artístico de Suaritos sobresalieron: Amelita Frades, "Los Cumbancheros" con Ñico Saquito y su cantante Miguelito Díaz, el cancionero Fernando Albuerne, Celina y Reutilio, y las hermanas Romay. Obdulio Morales conduce la camaleónica Orquesta Suaritos, acostumbrada a ejecutar todo tipo de ritmos. Para guarachas, rumbas y congas era la "Orquesta Suaritos Bailable"; bajo los efluvios de algún fox trot, swing o bebop, se transformaba en "Orquesta Americana Suaritos", y si se trataba de algo novedoso, con atisbo de convertirse en "una verdadera bomba", ni corto ni perezoso, el mago Suaritos no dudaba en añadir un peligroso elemento a su fórmula: "Orquesta Atómica Bailable". Una jovencísima Celia Cruz nos devuelve aquellos tiempos de la radio donde casi todo era posible. La cuerda de un contrabajo podía emular perfectamente el "cañonazo de las nueve", un cubanísimo Tarzán enamoraba a Juana, y grandes músicos (muchos clásicos de hoy) por sólo 20 centavos ejecutaban su música en directo para deleitar a los oyentes, y de paso hacer realidad el viejo sueño de ser escuchados más allá del barrio, el humilde solar, la academia de bailes, o los Liceos. Para la despedida los míticos Matamoros nos devuelven un bailable aniversario CMQ. Dos buenos sones: "La pena de mi tierra" y "Mi Cafetero".

El standard latino del gran Chano Pozo y Gil Fuller. Grandes versiones de Dizzy, Clark Terry, Machito, Peterson y muchos otros. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

El cantante camagüeyano Orlando Guerra, bien conocido con el peculiar nombre artístico de "Cascarita", iniciaba el programa con la orquesta del trompetista Julio Cueva y una guaracha del percusionista, rumbero y bailarín Chano Pozo titulada: 'Ampárame' Quisieron el destino y la popularidad con que ya contaba hacia 1944 que 'Cascarita' protagonizara el primer ejemplar editado por Panart, casa discográfica cubana fundada por el ingeniero de sonido y empresario Ramón Sabat. Con la contratación de artistas noveles y agrupaciones, el nuevo sello muy pronto destacó con un variado staff artístico donde tuvieron la primera oportunidad de llegar al disco jóvenes promesas de esos años. Entre ellas: Olga Guillot. Dos agrupaciones punteras como la "Sonora Matancera" (respaldando a Daniel Santos) y el "Conjunto Casino", garantizaron el incremento de las ventas del sello. Bienvenido Granda, nos trae el bolero de Arsenio Rodríguez: "Feliz Viaje". Le sigue Roberto Espí junto a Faz y Ribot con el bolero mambo de la trilogía Carbó-Collazo-de la Rosa: "Esto es felicidad". Las producciones Panart, poco a poco, terminaron con la hegemonía ejercida desde los albores del siglo XX, por emporios norteamericanos de fuerte presencia en la isla como RCA Victor y Columbia, entre otros. Con algunas grabaciones históricas hemos querido recordar el nacimiento del primer sello independiente cubano. El trío "La Rosa", otra exclusividad Panart, nos trae la guaracha de Ñico Saquito: "Camina como Chencha". Luisa María Güell con el grupo "Los Átomos" de Armandito Sequeira, rebautizados después como "Los Fantásticos" teniendo como vocalista líder a Maggie Carlés, nos acerca la parte más amable de la banda sonora de los convulsos años 60s. Baladas que, de alguna manera, "suavizaron" aquellos tiempos de trasformación radical en todos los ámbitos de la sociedad y que, por supuesto, incidieron también en el panorama artístico y musical. Danny Puga, rey del twist de esa época, nos trae otro tema de Armandito: "Tú serás, yo lo sé". Excelente manera de recordar la labor musical de Armandito Sequeira Romeu, fallecido el 31 de enero de 2023 en los Estados Unidos. Uno de tantos valiosos exponentes de la música popular que los sucesivos éxodos artísticos, provocados por la extrema politización, le arrebataron a la cultura cubana. A continuación el quinteto de Chucho Valdés del año 1964 nos acerca su bossa-descarga "Pero tú vendrás". La ductilidad creativa de Armandito Sequeira le permitió moverse con facilidad lo mismo en el mundo del rock, el jazz y la música popular bailable como percusionista, pianista, violinista y compositor. Fundador también de la Orquesta de Música Moderna, aportó algo de su obra a esa importante formación. Con arreglo del maestro Rafael Somavilla, y un solo de fliscornio de Paquito de Rivera, escucharemos otro de sus temas: "Te vas a casar". La orquesta Aragón de los últimos años sesenta despide este breve segmento en memoria de Armandito Sequeira. En estos tiempos extraños donde ciertos personajes (con la anuencia del oficialismo y la complicidad de parte de la élite artística más favorecida) pretenden seguir manipulando figuras inmensas de la cultura cubana, en nombre de un Patrimonio que no preservan, no honran, ni les pertenece en exclusividad, y a propósito de la inmensa historia cultural del barrio de Cayo Hueso, tendremos que volver, una y otra vez, al reconocimiento necesario de sus olvidados rumberos. Virgilio Martí, completamente desconocido por muchos músicos cubanos, dentro y fuera de la isla, en el Nueva York de los años sesenta y hasta su muerte en 1995, a pesar de la lejanía de su tierra, defendió y mantuvo vivo en su corazón, con tremenda fuerza y verdad, el legado original de la rumba y el Guaguancó con el que nació. Si habitualmente nos acompañas te deseamos toda la memoria posible para que la obra de grandes como Ignacio Piñeiro no quede jamás en el olvido.

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Entre 1939 y 1945 el mundo se estremeció con los terribles ecos de la segunda Guerra Mundial. La música, mientras crecía como lenguaje universal, fue una tabla salvadora entre tanta barbarie. Probablemente, entre lo más escuchado por aquellos años, sobresalió el swing, hijo natural del jazz. Comenzamos con el influyente estilo del trombonista, arreglista y líder de orquesta Glenn Miller, uno de los alquimistas del sonido big band, desaparecido en un vuelo militar el 15 de diciembre de 1944.  Miguel Matamoros, el coloso del son oriental, alguna vez se dejó seducir por sus encantos. Su bolero "Conciencia", notablemente influenciado por el swing, es una muestra de lo que ya acontecía por estas tierras fruto de esa interacción.   Nuevas posibilidades melódicas y armónicas permitieron al genio de Matanzas Pérez Prado, durante la primera mitad de los 40, experimentar con sus arreglos en los atriles de la orquesta "Casino de la Playa". En las filas de esta importante jazz band criolla contó con un cantante precursor para desarrollar sus creaciones: Orlando Guerra "Cascarita". Mambo y swing en los directos del estelar "Show Pinilla ". La señal de la radio independiente cubana de 1945 nos permite regresar nuevamente a los estudios de la CMQ Radio, de Monte y Prado. "El club del swing" fue otro show en directo donde las bandas de Mario Romeu, Alfredo Brito y Felix Guerrero, indistintamente, acompañaron a jóvenes talentos defensores de ese estilo.  A través de discos, emisiones radiales, partituras, y cientos de producciones fílmicas, la electrizante era tuvo en las big bands un sound track bien original Artie Shaw, Woody Herman, los hermanos Dorsey con su cantante Frank Sinatra, Louis Armstrong, el gran Cab Calloway, Chick Webb, Benny Goodman, y Glenn Miller con el cuarteto vocal "The Modernaires", fueron sólo algunas de las figuras del potente movimiento musical. En Pinar del Río un niño negro solía deleitarse escuchando en un fonógrafo aquellas grabaciones en discos de pasta de 78 revoluciones por minuto. El Niño Rivera fue armando en su cabeza todo un mundo armónico que, a finales de los años 40, volcó en sus arreglos para el Conjunto Casino cuando fue reclutado por su director Roberto Espí como arreglista principal del popular conjunto. Fue el "Casino", probablemente, el grupo sonero más progresivo de ese tiempo en la Isla. Los 40 fueron años de sucesos importantes en lo musical. Las charangas salieron adelante gracias al danzón de nuevo ritmo de los hermanos López.  Al swing se sumaba entonces otra criatura: el Bebop. Celia Cruz y Beny Moré, en directo y en todo su esplendor: "Fiebre de Bebop" y "Devuélveme el coco". En 1947, cuando los pasos de Chano Pozo y Dizzy coincidieron, al percusionista cubano no le era nada ajeno el swing. Su gran sentido del ritmo le permitió adaptarse a la banda del trompetista. Como antecedentes sus rumbas, guarachas y montunos con marcadísimo swing: "Ariñañara", "Blen Blen Blen", "Nagüe", "Pin Pin" y "Chévere", entre muchas otras. Tener "swing" cobró además un amplio significado: una actitud ante la vida marcada por cierto desenfado, una manera de vestir, de caminar, de bailar, y de desenvolverse en determinados círculos sociales. "Manteca" y "Algo bueno", dos piezas del binomio Pozo y Gillespie. Es ahora el Quinteto de Música Moderna de 1959 con Frank Emilio a la cabeza. Finalizaban los años 40 y un oxigenante movimiento de compositores combinaba mucho swing con otro elemento importante: el feeling. Entre las voces más notables, vinculadas a esa importante ola: Doris de la Torre y Pablo Milanés. Arsenio Rodríguez, legendario por su apego al afinque del son montuno más raigal, radicado en EEUU y en una ciudad multicultural como Nueva York, conectó aún más con sus ancestros congos abriendo su música también al swing. "Quindembo Hot". Miguelito Valdés despide este segmento con otra creación del percusionista, rumbero y compositor Luciano "Chano" Pozo."Si no tienes swing"

This is the first in a series of Cuban music shows that will introduce some of the classics of Cuban music. Cuba, La Isla Bonita where Madonna sings in her eponymous hit is also a musical paradise and one of the most musical places in the world. The creation of a vast number of music styles produced as a result of the combination of European and African musical patterns is outstanding. Son, Rhumba, Habanera, fillin, Mambo, Cha Cha Cha, guajira, trova, guaracha are just among the styles developed in the pearl of the Antilles. In the first show, Sabor Añejo will introduce the old music styles before Fidel Castro and the bearded men took over the running of Cuba. In the 1940s the Tim Pan Alley Publishing house in the US considered the immense appeal of Cuban music and were jealous of the perennial best-sellers Cuba produced compared to the average hits they only managed to make, that only lasted for a few months. Peanut Vendor (El Manisero), La Paloma or Guantanamera are some of these perennial compositions. The only music style included in this first show which was not produced in Cuba is the Latin Jazz groundbreaking piece of Manteca. This jazz hybrid is a composition by the Cuban Conga player Chano Pozo in the Dizzy Gillespie Big Band. Manteca opened a new genre in Jazz form. What was called Cuban Bop, then Cuban Jazz and now Latin Jazz? Antonio Machin, Chano Pozo, Beni More, Arsenio Rodriguez, Guillermo Portabales, Miguelito Valdes, Cachao, Mongo Santamaria, Bebo Valdes, Celina, Perez Prado, Graciela, La Lupe, Machito & his Afro Cubans, Francisco Aguabella, Cuarteto D'Aida, El Gran Fellove and the Buena Vista Social Club are essential names of Cuban music. All of them are included in Sabor Añejo of the Cuban Music. MUSIC: 1- Estudio en Trompeta- CACHAO Y SU RITMO CALENTE (descarga) 2- Barabatiri - BENI MORE (EL BARBARO DEL RITMO) 3- Bruca Manigua - MIGUELITO VALDES (MR BABALÚ) 4- Macunsere - MONGO SANTAMARIA AND FRANCISCO AGUABELLA 5- Manteca - DIZZIE GILLESPIE BIG BAND (starring CHANO POZO) 6- Moliendo café - GRACIELA with the MACHITO AND HIS AFRO CUBANS 7- No se que voy a hacer - CUARTETO D'AIDA 8- El Manisero (the Peanut Vendor) - DON AZPIAZU & THE HAVANA CASINO ORCHESTRA (starring ANTONIO MACHIN) 9- Canto a la Habana - BEBO VALDES Y SU ORQUESTA SABOR DE CUBA 10 - Vaya p'al monte - ARSENIO RODRIGUEZ 11- El carretero - GUILLERMO PORTABALES 12- Yo soy el Punto Cubano - CELINA 13- Mango, mangue - EL GRAN FELLOVE 14- Mambo no. 8 - PEREZ PRADO ORCHESTRA 15- Descarga Cacho - CACHAO 16- Besito para tí - MONGO SANTAMARIA Y LA LUPE 17- El cuarto de Tula - BUENA VISTA SOCIAL CLUB (live at the Carnegie Hall, NY)

El venezolano Óscar D'León presentó en 1977 el álbum “El Óscar de la Salsa”, en el que nos deleitó con un hermoso bolero titulado “Contéstame”. Así la escuché yo… Dieciocho años atrás, ya el gran cantante puertorriqueño Daniel Santos había hecho una versión de esta canción en 1959, acompañado por la famosa Sonora Matancera con el título “Contéstame”. Los anteriores temas musicales son distintas versiones de la canción que grabara originalmente el cubano Chano Pozo con su Conjunto en 1947, en las voces de Alonso y Marcelino Guerra, el popular “Rapindey”, escrita por el legendario músico cubano Arsenio Rodríguez (“El ciego maravilloso”), quien la compuso con el nombre “Contéstame”. ¿Y a ti, cómo te pareció la canción original y cuál versión te gusta más? Autor: Arsenio Rodríguez (cubano) Contéstame - Óscar D'León y su Salsa Mayor (1977) "El Oscar de la Salsa" álbum (1977) Óscar D'León (nombre real Óscar Emilio León Simoza, venezolano) Contéstame - Daniel Santos & La Sonora Matancera (1959) “Daniel Santos con el Conjunto Sonora Matancera” álbum (1959) Daniel Santos (nombre real Daniel Doroteo de los Santos Betancourt, puertorriqueño) Contéstame - Panchito Riset (1952) "Boleros románticos Panchito con orquesta" álbum (1952) Panchito Riset (nombre real Francisco Hilario Riser Rincón, cubano) Contéstame - Chano Pozo y su Conjunto con El Mago del tres (1947) single "Contéstame/Sácale brillo al piso" (1947) Ritmo: Bolero Son Cantan: Jorge Alonso (cubano) y Rapindey (nombre real Marcelino Guerra, cubano) El Mago del tres es Arsenio Rodríguez (nombre real Ignacio de Loyola Rodríguez Scull, cubano) Chano Pozo (nombre real Luciano Pozo González, cubano) ___________________ “Así la escuché yo…” Temporada: 5 Episodio: 58 Sergio Productions Cali – Colombia

Un número considerable de inmigrantes de Puerto Rico, República Dominicana y Cuba comienza a llegar a Estados Unidos y traen consigo sus ritmos populares. Así, en 1942 se produce un choque de trenes: genios de la joven generación del be-bop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker conocen a un maestro de la percusión afrocubana: Chano Pozo. Los confinamientos de la música popular y el jazz clásico comienzan a desdibujarse. Nace el Cub-Bop. ⇣ Suscríbete a nuestro boletín. Cada lunes, algún miembro del equipo editorial de Magazine AM:PM te trae un resumen de los trabajos publicados la semana anterior, así como una serie de recomendaciones de música, lecturas y audiovisuales relacionados con el ecosistema musical. ⇣ Web: www.magazineampm.com Facebook: @magazineampm Instagram: @magazineampm Twitter: @magazineampm Telegram: @magazineampm

WUCF'S March artist for ‘In the Key of Latin Jazz' is Afro-Cuban jazz pianist Dayramir Gonzalez. Everywhere around him, music was there in the streets of Cuba. With the sounds of the African Yoruba tribe as well as the legacy of people like Chucho Valdes and Chano Pozo–he balanced developing his internal ear with his sacred craft. He's gone on to lead his own band-Dayramir & Habana enTRANCé-with Juan Chiavassa on drums, Dean Torrey on bass, and Christian Moraga on percussion. His musical exploration led him to be the first Cuban ever to receive a full scholarship from Berklee College of Music. He then moved to New York City with full commitment to his music. Representing the young generation of Afro-Cuban jazz, he's headlined Carnegie Hall and makes sure to guide the youth–especially those with fewer opportunities. It's all about transcending boundaries and making his father proud.

"Manteca" Dizzy Gillespie: At Newport (Verve, 1957) Dizzy Gillespie, Talib Dawud, Lee Morgan, Ermit V. Perry, Carl Warwick, Chuck Connors, Al Grey, Melba Liston, Ernie Henry, Jimmy Powell, Benny Golson, Billy Mitchell, Pee Wee Moore, Wynton Kelly, Paul E. West, Charlie Persip. El tema es una composición de Gil Fuller, Dizzy Gillespie y Chano Pozo.  © Pachi Tapiz, 2021 Más información acerca de Dizzy Gillespie https://www.tomajazz.com/web/?s=dizzy+gillespie&submit=Search Más información sobre JazzX5 JazzX5 es un minipodcast de HDO de la Factoría Tomajazz presentado, editado y producido por Pachi Tapiz. JazzX5 comenzó su andadura el 24 de junio de 2019. Todas las entregas de JazzX5 están disponibles en https://www.tomajazz.com/web/?cat=23120 / https://www.ivoox.com/jazzx5_bk_list_642835_1.html. En Tomajazz hemos abierto un canal de Telegram para que estés al tanto, al instante, de los nuevos podcast. Puedes suscribirte en https://t.me/TomajazzPodcast.

10/15/21 CELEBRATES HISPANIC HERITAGE MONTH Hosted by East Coast Eddie Celebrating Hispanic Heritage Month (September 15 to October 15) recognizing  the achievements and contributions of Hispanic American champions who have inspired others to achieve success. The observation began in 1968 as Hispanic Heritage Week under President Lyndon Johnson and was expanded by President Ronald Reagan in 1988 to cover a 30-day period. It was enacted into law on August 17, 1988. Black Artists in Latin Music  Great talent never celebrated or recognized by US Latin Radio or Mainstream Media Black Latin Americans and Latinxs are often left out of the music conversation due to the whitewashing of their history (read: reggaeton) or the lack of representation in both mainstream and underground spaces, from pop charts to independent music festivals, so we need to be in charge of writing and preserving our own history.  There is really no point in celebrating Latinx Heritage Month without acknowledging the contribution of Black Latinxs to the rich culture of the continent, especially when it comes to music.   Duzzy Gillespie with Chano Pozo a Black Hispano percussionist, composer, songwriter from Cuba with no formal education who changed the world of Jazz creating the Afro Latino movement now called Latin Jazz   Celebrating Black Artists In Latin Music/Educate&Entertain.  

10/8/21 CELEBRATES HISPANIC HERITAGE MONTH EVERY FRIDAY 9-11 PM EST Hosted by East Coast Eddie Celebrating Hispanic Heritage Month (September 15 to October 15) recognizing  the achievements and contributions of Hispanic American champions who have inspired others to achieve success. The observation began in 1968 as Hispanic Heritage Week under President Lyndon Johnson and was expanded by President Ronald Reagan in 1988 to cover a 30-day period. It was enacted into law on August 17, 1988. Black Artists in Latin Music  Great talent never celebrated or recognized by US Latin Radio or Mainstream Media Black Latin Americans and Latinxs are often left out of the music conversation due to the whitewashing of their history (read: reggaeton) or the lack of representation in both mainstream and underground spaces, from pop charts to independent music festivals, so we need to be in charge of writing and preserving our own history.  There is really no point in celebrating Latinx Heritage Month without acknowledging the contribution of Black Latinxs to the rich culture of the continent, especially when it comes to music.   Duzzy Gillespie with Chano Pozo a Black Hispano percussionist, composer, songwriter from Cuba with no formal education who changed the world of Jazz creating the Afro Latino movement now called Latin Jazz   Celebrating Black Artists In Latin Music/Educate&Entertain.

9/24/21 CELEBRATES HISPANIC HERITAGE MONTH EVERY FRIDAY 9-11 PM EST Hosted by East Coast Eddie Celebrating Hispanic Heritage Month (September 15 to October 15) recognizing  the achievements and contributions of Hispanic American champions who have inspired others to achieve success. The observation began in 1968 as Hispanic Heritage Week under President Lyndon Johnson and was expanded by President Ronald Reagan in 1988 to cover a 30-day period. It was enacted into law on August 17, 1988. Black Artists in Latin Music  Great talent never celebrated or recognized by US Latin Radio or Mainstream Media Black Latin Americans and Latinxs are often left out of the music conversation due to the whitewashing of their history (read: reggaeton) or the lack of representation in both mainstream and underground spaces, from pop charts to independent music festivals, so we need to be in charge of writing and preserving our own history.  There is really no point in celebrating Latinx Heritage Month without acknowledging the contribution of Black Latinxs to the rich culture of the continent, especially when it comes to music.   Duzzy Gillespie with Chano Pozo a Black Hispano percussionist, composer, songwriter from Cuba with no formal education who changed the world of Jazz creating the Afro Latino movement now called Latin Jazz   Celebrating Black Artists In Latin Music/Educate&Entertain.  

9/17/21  EVERY FRIDAY 9-11 PM EST Hosted by East Coast Eddie Celebrating Hispanic Heritage Month (September 15 to October 15) recognizing  the achievements and contributions of Hispanic American champions who have inspired others to achieve success. The observation began in 1968 as Hispanic Heritage Week under President Lyndon Johnson and was expanded by President Ronald Reagan in 1988 to cover a 30-day period. It was enacted into law on August 17, 1988. Black Artists in Latin Music  Great talent never celebrated or recognized by US Latin Radio or Mainstream Media Black Latin Americans and Latinxs are often left out of the music conversation due to the whitewashing of their history (read: reggaeton) or the lack of representation in both mainstream and underground spaces, from pop charts to independent music festivals, so we need to be in charge of writing and preserving our own history.  There is really no point in celebrating Latinx Heritage Month without acknowledging the contribution of Black Latinxs to the rich culture of the continent, especially when it comes to music.   Duzzy Gillespie with Chano Pozo a Black Hispano percussionist, composer, songwriter from Cuba with no formal education who changed the world of Jazz creating the Afro Latino movement now called Latin Jazz   Celebrating Black Artists In Latin Music/Educate&Entertain.

Abrimos este programa con algo de la obra del pianista y compositor Orlando de la Rosa, en las voces de Elena Burke, Omara Portuondo, Roberto Barceló y Adalberto del Río cuando completaban su cuarteto. Le siguen Celia Cruz, Olga Rivero con la orquesta de Julio Gutiérrez, el tenor venezolano Alfredo Sadel con la orquesta del maestro Aldemaro Romero, Doris de la Torre con Los Armónicos de Felipe Dulzaides, y las chilenas Sonia y Miriam con la orquesta de Pedro Mesías. La magia de los discos de 78 r.p.m nos permite regresar a las tablas del veterano teatro bufo cubano de principios del siglo XX. Ramón Espígul, actor y compositor, fue uno de los grandes intérpretes del célebre negrito. Interpretando a la mulata le acompañan: Lola Mayorga y Lola González. Del bufo al swing y el be bop de los años 40, con Chano Pozo y Dizzy Gillespie, un lenguaje que resultó ser memorable. Esta sonoridad nos conduce a los primeros arreglos que escribió Chico O'farril para la banda del clarinetista Benny Goodman, abriéndole las puertas del éxito. En la despedida regresamos a los estudios de la CMQ Radio de Monte y Prado. En 1944 el ron Pinilla patrocinaba un fabuloso show donde marcaba la diferencia el gran Orlando Guerra (Cascarita). Disfrútalo todo en #CUBAkústicaFM, la banda sonora de #Cuba en #DDCRadio: https://diariodecuba.com/radio

Qué es una clave? Y un piano guaba? Y el "Spanish tinge"? Repasemos los elementos claves del jazz latino. La clave, la percusión, el piano así como los elementos latinos del jazz original que nos ilustra Jelly Roll Morton. La habanera, tanga o tangó.  Desde el St. Louis Blues hasta los 40. Machito, Mario Bauzá, las orquestas cubanas en NYC. Tanga, el primer éxito de jazz latino. Chano Pozo, el colorido percusionista y su interacción con Dizzy. La creación de Manteca. La gran simbiosis entre el jazz y los elementos afro-cubanos. La gran orquesta de Pérez Prado.

Lo mataron de siete disparos en el pecho la noche del 3 de diciembre de 1948, vísperas de Santa Bárbara, mientras escuchaba un disco suyo en la victrola del El Río Cafe and Lounge de la calle 113 esquina a Lenox en Harlem, New York. Lo sacarían de allí envuelto en dos manteles rojos. Tenía 33 años…Se llamaba Luciano “Chano” Pozo. --- Support this podcast: https://anchor.fm/ramn-fernndez-larrea/support

El percusionista Cándido Camero, leyenda de la música cubana y pionero del jazz latino, murió el sábado en Nueva York a los 99 años, informó su familia a NPR WBGO. Camero desarrolló una extensa y exitosa carrera en Cuba y en Estados Unidos que abarcó toda la historia del jazz latino desde su surgimiento, al tocar junto a estrellas como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billy Taylor, Duke Ellington, Lionel Hampton, Tito Puente, Bebo Valdés y Machito. Es reconocido por los historiadores de la música como uno de los primeros en tocar múltiples tambores durante sus actuaciones, afinando notas específicas para tocar nuevas melodías. Su otra gran contribución al arte fue la introducción de técnicas de percusión con las que podía tocar más de un tambor a la vez, una práctica que fue el primero en dominar. Triunfó en Cuba, donde pasó ocho años trabajando en el famoso cabaret Tropicana, acompañando a las grandes estrellas cubanas y extranjeras que pisaron su escenario. Además de un gran percusionista, tocaba muy bien el tres. A finales de los años 40 viajó a Nueva York, donde terminó asentándose. Según contó el año pasado en una entrevista al portal web Colección Gladys Palmera, llegó a la gran ciudad con un espectáculo de música y danza cubana que no tenía dinero para llevar a todos los artistas que necesitaba. Esa fue su oportunidad para aprender a tocar a la vez varias tumbadoras. Tiempo después fue contratado por el famoso trompetista Dizzy Gillespie, quien buscaba para su banda un percusionista que sustituyera a Chano Pozo, asesinado en 1948. Su amor por la percusión comenzó desde muy temprano, cuando a los cuatro años su padre le fabricó un set de bongos en su casa con dos latas de leche condensada cubiertas con cuero, debido a que no tenía dinero para comprarle instrumentos originales. Fue uno de los que introdujo los ritmos afrocubanos en el jazz, lo que redundó en una combinación de música cubana con música americana. Las tumbadoras agregaron un ritmo nuevo al género, que lo hizo más popular en todo el mundo. Colaboró con otras celebrities como los cantantes Frank Sinatra y Tony Bennett, quien aún vive. Por sus méritos fue reconocido con el premio National Endowment for the Arts Jazz Masters en 2008 y con un Grammy Lifetime Achievement un año después. “Me gustaba la música sinfónica, y cuando iba a los conciertos me fijaba más que nada en el timpanista, con tres tímpanis, tocando melodías”, confesó. Su fórmula para vivir tanto era sencilla: no fumar, no tomar drogas, no oír malos consejos y no andar con malas compañías. “Si quieren llegar a tener éxito en la música, esas tres cosas hay que eliminarlas, porque no es necesario. Y lo que no es necesario, no me interesa”, recalcó. Puedes seguir a CiberCuba Entretenimiento en Facebook, Instagram o Youtube.

Episode 351 October 21st moon in Sagittarius. Dizzy Gillespie was born on October 21 1917 and his contributions to jazz were huge. One of the greatest jazz trumpeters of all time (some would say the best), Gillespie was such a complex player that his contemporaries ended up copying Miles Davis and Fats Navarro instead, and it was not until Jon Faddis' emergence in the 1970s that Dizzy's style was successfully recreated. Somehow, Gillespie could make any "wrong" note fit, and harmonically he was ahead of everyone in the 1940s, including Charlie Parker. Unlike Bird, Dizzy was an enthusiastic teacher who wrote down his musical innovations and was eager to explain them to the next generation, thereby insuring that bebop would eventually become the foundation of jazz. Dizzy Gillespie was also one of the key founders of Afro-Cuban (or Latin) jazz, adding Chano Pozo's conga to his orchestra in 1947, and utilizing complex poly-rhythms early on. The leader of two of the finest big bands in jazz history, Gillespie differed from many in the bop generation by being a masterful showman who could make his music seem both accessible and fun to the audience. With his puffed-out cheeks, bent trumpet (which occurred by accident in the early '50s when a dancer tripped over his horn), and quick wit, Dizzy was a colorful figure to watch. A natural comedian, Gillespie was also a superb scat singer and occasionally played Latin percussion for the fun of it, but it was his trumpet playing and leadership abilities that made him into a jazz giant. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/akacloudette/message

My show has been dedicated to entrepreneurs. Creators of percussive instruments that increase the sonic nature of music. The "Mark Tree" and the water phone, the Gravity Adjusters Expansion Band and New Music of the West. My show has also been dedicated to the congero. The hand drum that was introduced to this country by Dizzy Gillespie when he brought Chano Pozo to the states. The same can be said for Armando Peraza who started with George Shearing then Cal Tjader and eventually his own career. My show has also been dedicated to the original masters like Buddy Rich and Earl Palmer, Max Roach and Cozy Cole, Elvin Jones and Ron Tutt. Guys who played light but fierce. Using smaller sticks and playing less notes but finding a way t contribute to the session and elevate the music to a higher level. My guest today fits into all three of these dedicated themes. He is a creator of rhythm using one hand to create the beat which frees up his other hand to add splashes of colors and polyrhythms to create space within the music. He has made many of his own drums out of barrels and clay. My guest is a congero in his own right. He developed his chops seeing the world in the US Navy Band touring South America and other middle world continents where the intoxicating sounds of Mongo Santamaria pulsated my guests brain. He has used the cungas in non traditional country settings or bluegrass settings since settling down in Music City USA in 1970. And like the original masters he can swing the band in an authentic fashion because of feel. He has enhanced countless sessions from Doc and Merle Watson to Ray Charles and Vassar Clements, from Tony Joe White to Billy Joe Shaver and Hargus Pig Robbins. Here remains as active as ever in today's music business. Helping mentor younger musicians on the less technical aspects of swing- those being love, life, leadership and lineage. Live from Nashville, TN- Kenny Malone welcome to the JFS. --- Support this podcast: https://anchor.fm/jake-feinberg/support

This is a ‘re-run’ of one of my favourite and in terms of the information presented, probably one of my most ‘dense’ episodes. Afro-Cuban Jazz, while the musicians were exported from Havana, actually began in New York. I’ll introduce you to some of the ‘founders’—-Mario Bauza, Chano Pozo, Dizzy Gillespie, flautist Alberto Soccoras, Nilo Menendez,…Continue reading Archives: Episode 55, Cuban Jazz–a History.

The drums tell stories when played by masters. The traditional chanting with the drum elicits the spiritual sanctuary of slaves aboard ships sailing from Mother Africa to the islands. The slaves communicated amongst themselves, staying in the moment, keeping spirits high, as high as they could be. The drum and its rhythms made their way through the steel bands of the Bahamas and Danny Ray playing Cungas @ some Pink Flamingo Hotel in Miami Beach to Armando Peraza and George Shearin or Chano Pozo and Dizzy Gillespie. But what about the stories, the poems the clave beat in Congo Square or Wayne State when my guest attended school. When traditional earthy Afro-Centric Jazzers were exploring Free Music. Totally unencumbered by time- The total African American Experience....in the moment all the time everyday. My guest today is a creator. Forever creating his spirit transcends his own being. Some people wait a whole lifetime to figure this out. My guest started realizing his true nature back when Frank Strazzeri and Jimmy McGriff and Willis Jackson were blowing up Rochester at the social club his mom ran. At Wayne State the neighborhoods were communities, tribes with different factions but an understanding of the music. The power of the music and the sophistication of the music. It might have been the Jockey Club with Jimmy Smith and Donald Bailey. Or at the London House where Ed Thigpen held down the groove with Oscar Peterson and Ray Brown. The music and the rhythms have always been suppressed in this country which is why my guest is no longer living here. He lives in France where music is an inherent part of the cultural fabric of the people. It's a multi-colored fabric that reaches all across the world and acknowledged the great black musicians, artists and entertainers. You want to make 5 trillion dollars and be obligated to give nothing back to the culture then the US is the place to be. If you want to be recognized and appreciated as an artist within a successful non communist system most African musicians moved to Europe. All of a sudden we as a country are having big discussions about race. My guest felt this, saw this, experienced this decades ago and bounced out. He dug the Midwest what with his unheralded Black Artists Group of St. Louie.....when Dizzy and Blakey and Elvin were still circuiting this globe searching for that magic triangle of sound. My guest left an imprint with the Association for the Advancement of Creative Musicians and The Arts Ensemble of Chicago which pleasured audiences here in the States and abroad what with their colorful attire, storytelling and sheer creative genius that told the story of their people. A story getting lost in the homogenization of the Americas. My guest believes his number one goal is to please the audience, educate those who's ears are open and play on in the memory of Roy Brooks and Tony Williams and Buddy Rich and Joe Jones and Art Blakey and.........well. Famoudou Don Moye welcome to the JFS --- Support this podcast: https://anchor.fm/jake-feinberg/support

Hoy nos hemos propuesto acercaros una selección de temas enmarcados en el universo del latin jazz, a veces también llamado movimiento afrocubano, un género que empezó a fraguarse con la inestimable participación de Mario Bauzá, un músico, trompetista y compositor que siempre supo rodearse de grandes arreglistas como el argentino Jorge Dalto o el cubano Chico O'Farril y que había sido director musical de la orquesta de Machito, otra de las leyendas del latin. El gran Dizzy Gillespie y sus colaboraciones con Stan Kenton, Chano Pozo y Charlie Parker fueron también importantes para definir el estilo. Chano fue una figura clave. Fundó un club latino en el Palladium que se llamó como una canción suya, "Blen Blem" pero desgraciadamente fue asesinado en el año 1948 entre las calles 111 y 112 de NYC. En cuanto a Parker poco se ha de decir ya que su influencia fue importante para el latin pero también para otras importantes corrientes musicales como el be-bop, aunque podríamos hablar del jazz en toda la extensión del término, que es mucha. Más tarde llegarían otras vertientes del latin jazz, como la bossa nova de la mano de Jobim, el jazz brasileño representado por gente como Joao Donato, Tania Maria o el mismo Jobim, la nueva onda venezolana basada en el joropo y desarrollada por el maestro Aldemaro Romero; el tango contemporáneo argentino del gran Piazzola: el candombé uruguayo de los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso; el merengue de leyendas como Mario Rivera; el songo, un ritmo afrocubano derivado del son de Celia Cruz que tiene como máximos exponentes a Los Van Van de Juan Fornell y cuyos orígenes se encuentran en los trabajos del bateria y percusionista Chanquito. También tendría una importante relevancia el bolero y sus diferentes ramificaciones como el danzón, la guaracha, el mambo o el chá-chá-chá. Realmente la lista sería inacabable. Pero en esta programa nos vamos a centrar en aquellos músicos que además de todo lo comentado añadieron a su mochila ingredientes propios de la revolución que se produjera en todo el mundo a finales de los 60s y durante la primera mitad de los 70s. En ese momento empezaron a desdibujarse las fronteras geográficas y con ellas también las musicales. La América latina estaba sufriendo crueles dictaduras de todos los colores y eso provocó que muchos de sus ciudadanos decidieran abandonar sus casas para dar a conocer su arte. El destino era, casi siempre, los Estados Unidos, un país que siempre supo aprovechar muy bien toda la creatividad que les llegaba desde el sur. En fin, un programa lleno de jazz y también de latín, es decir, fusion jazz en toda la extensión de la palabra. Esperamos que lo disfrutéis.

En los primeros años 40 del siglo pasado, las grandes orquestas de swing empezaban a estar de capa caída. Con la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, algunos de sus líderes (como Artie Shaw o Glenn Miller) acabaron alistándose en la Fuerzas Armadas. Y mediada la década casi todas estas formaciones (salvo las de Duke Ellington o Count Basie) eran historia. La Era Swing (encorsetada, incapaz de avanzar) llegaba a su fin. Además, le acechaban sus dos principales enemigos: una nueva ola de Dixieland (el retorno al jazz de Nueva Orleans de principios de siglo) y lo que se conoció como Bebop. Bueno, pues de este estilo vamos a ocuparnos hoy. El origen del Bebop está seguramente en las veladas nocturnas que se producían en dos míticos clubes de jazz de Harlem en la primera mitad de los 40: el Minton’s Playhouse y el Clarke Monroe’s Uptown House. Veladas en las que los participantes experimentaban con la técnica y el tempo. Usando ritmos acelerados y asimétricos, improvisando y sacudiendo las estructuras del jazz. Gente como el batería Kenny Clarke o el pianista Thelonious Monk, con su estilo sobrio lleno de variaciones y armonías complejas. Pero, sobre todo, el trompetista Dizzy Gillespie y el saxofonista Charlie Parker. Saltándose las reglas, entregándose a frenéticas escaladas de intensidad, revolucionaron Nueva York. Y de ahí, al mundo. Mediados los 40, el cisma entre beboppers y Vieja Guardia era evidente. Louis Armstrong atacaba el nuevo estilo por su excentricidad y esas melodías casi disonantes que impedían bailarlo y hasta entenderlo. Otros, como Coleman Hawkins, se adaptaron a él. Y músicos jóvenes como Fats Navarro, Dexter Gordon o Bud Powell se unieron a la nueva religión propagada por Dizzy Gillespie -muy dotado para el espectáculo- y Charlie Parker, quienes en 1950 grabaron el testamento sonoro del bebop, «Bird and Diz». Parker falleció en 1955 pero unos años antes, en 1948, uno de sus músicos salió rebotado de su grupo tras una tremenda bronca (por dinero, como no) y se puso a trabajar en nuevas formas que pronto se bautizarían como Hard Bop o Cool Jazz. Se trataba de un tal Miles Davis. Pero eso es otra historia. De este Bird and Diz extraemos su primer corte: “ Bloomdido” Charlie Parker nació en Kansas City, el 29 de agosto de 1920 y fue uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en la evolución del jazz y uno de sus artistas más legendarios y admirados. La historia lo sitúa con los más grandes: Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis. Junto con Bud Powell, Dizzy Gillespie y otros, es uno de los iniciadores del bebop. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas variaciones sobre la estructura de los temas. En este sentido, aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que se han convertido en estándares del jazz, como «Ornithology», «Anthropology», «Ko Ko», y «Now's the Time». Sus inicios en la música fueron tempranos. Su madre, ahorrando por todos lados, le compró un saxo alto. Y aprendió de manera autodidacta, fijándose en los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. Intentó en diversas ocasiones ingresar en el conservatorio, y en todas le rechazaron. Un buen ojo, sí señor. Le escuchamos en “Ornithology” A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes, se trasladó a Nueva York en 1939. Allí empezó a ganarse la vida como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Aunque Charlie Parker grabó con varias orquestas, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz. Sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman y lo hacía con temas tan novedosos como «Hot House». Sus grabaciones de 1943 y 1944 dieron carta de naturaleza al bebop. Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz and Bird") viajaron a Los Ángeles, fueron recibidos con una mezcla de hostilidad e indiferencia, sobre todo por los músicos más veteranos. Regresaron a Nueva York. Pero de forma impulsiva, Parker decidió quedarse en Los Ángeles y, tras algunas grabaciones e interpretaciones (incluyendo la clásica versión de «Oh, Lady Be Good» con Jazz at the Philharmonic y las sesiones para el álbum Dial Sessions), la combinación de drogas y alcohol resultó en un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en hospital. Rehabilitado en enero de 1947, volvió a Nueva York y realizó algunas de las mejores interpretaciones de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. En 1947, junto a Dizzy Gillespie, se presentó en el Carnegie Hall de Nueva York, tocando con la orquesta de este y con su quinteto. El evento fue un éxito tremendo y, de ese encuentro, del disco grabado en directo, podemos escuchar ahora A Night In Tunisia La salud de Parker se vio muy afectada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical. En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra la grabación que acabamos de escuchar), su carrera entró en declive. En 1954, falleció su hija por no tener dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio y, finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio. Dizzy Gillespie nació en Carolina del Sur, el 21 de octubre de 1917. Este famoso trompetista, junto con nuestro viejo conocido Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop y del jazz moderno. Durante toda su vida fue un incansable investigador de la música afroamericana, lo que le llevó a experimentar con el jazz afrocubano, el calipso y la bossa nova colaborando con percusionistas como Chano Pozo. Sus composiciones incluyen estándares de jazz como este:, «Manteca». En sus primeros años trabajó con algunas big bands, pero todo hay que decirlo, sin demasiado entusiasmo. En 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, grabando algunos de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. Gillespie y Parker se conocieron en Kansas City, en una habitación de hotel, y no pudieron dejar de tocar. Gillespie dijo sobre ese encuentro: «teníamos ideas gemelas y era difícil distinguir lo que provenía de mí, de lo que venía de él». En ese encuentro nacía el bebop, allí y, como no, en los bares de la zona. Parker y Gillespie, ambos considerados grandes genios del jazz, siguieron caminos separados: Parker fue inigualable en pequeñas formaciones, pero más tarde quedó marginado por su inestabilidad emocional, sufriendo una muerte prematura; Gillespie ofreció lo mejor de sí frente a grandes formaciones, convirtiéndose en una de las figuras más reconocidas del jazz. La fama de este se acrecentó con su fuerte personalidad y su habilidad para el espectáculo Fue uno de los primeros jazzistas afro-norteamericanos en integrarse en 1947 en el jazz afrocubano creado por Mario Bauzá, en la orquesta de Machito en 1943. Fusionó todo tipo de músicas, pero especialmente las de raíces africanas. Fruto de esta colaboración con la orquesta de Machito es “Exuberante” Su sello identificativo como trompetista fueron sus sorprendentes mofletes (académicamente muy mal vistos) y su trompeta torcida, anécdota contada hasta la saciedad. El mismo lo decía: «Lo cierto es que la forma de mi trompeta fue un accidente. [...] Me dejé la trompeta en un soporte para trompetas y alguien le dio una patada, y en lugar de caerse, la trompeta se dobló». Tras esto, comenzó a usar trompetas fabricadas especialmente para él con la campana saliendo a 45° del cuerpo del instrumento. Realmente, creo que no suenan mejor que las normales, claro que, en sus manos, cualquiera sabe. También de su relación con la isla cubana, nos quedamos con uno de sus trabajos con Arturo Sandoval, otro genio de la trompeta, por cierto. Nos estamos quedando sin tiempo por lo que, con mucho gusto, dedicaremos otro programa a repasar la espléndida nómina de músicos que hicieron posible el BeBop. Para despedirnos y plantear el próximo programa vamos a escuchar a otro músico fundamental en el género: Art Tatum. Art Tatum fue un pianista sin igual. Exuberante, desmesurado, brillante, caudaloso pianista. Cascadas y cascadas de notas en tropel, pero con todas en su sitio con perfecta armonía. Y todo esto siendo prácticamente ciego. Pianista solitario por naturaleza, gustaba de lidiar con su piano a pecho descubierto sin más compañía, frente a frente los dos, su piano y él. A sus anchas, libre para desplegar todo su talento sin ataduras, sin frenos, sin constricciones. Más que nada, porque la mayoría de sus colegas eran incapaces de seguirle, de andar a su paso. Pero también es verdad que no siempre fue así. En alguna ocasión toco en formaciones de trío o quinteto. Ahora lo escucharemos en trio, con Red Callender al bajo y Jo Jones a la batería. Nos vamos. Nos vamos en buena compañía y nos despedimos hasta la próxima semana en la que, con vuestro permiso, tendremos más historias, más músicos y más música. Hasta entonces… Buenas Vibraciones…

En los primeros años 40 del siglo pasado, las grandes orquestas de swing empezaban a estar de capa caída. Con la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, algunos de sus líderes (como Artie Shaw o Glenn Miller) acabaron alistándose en la Fuerzas Armadas. Y mediada la década casi todas estas formaciones (salvo las de Duke Ellington o Count Basie) eran historia. La Era Swing (encorsetada, incapaz de avanzar) llegaba a su fin. Además, le acechaban sus dos principales enemigos: una nueva ola de Dixieland (el retorno al jazz de Nueva Orleans de principios de siglo) y lo que se conoció como Bebop. Bueno, pues de este estilo vamos a ocuparnos hoy. El origen del Bebop está seguramente en las veladas nocturnas que se producían en dos míticos clubes de jazz de Harlem en la primera mitad de los 40: el Minton’s Playhouse y el Clarke Monroe’s Uptown House. Veladas en las que los participantes experimentaban con la técnica y el tempo. Usando ritmos acelerados y asimétricos, improvisando y sacudiendo las estructuras del jazz. Gente como el batería Kenny Clarke o el pianista Thelonious Monk, con su estilo sobrio lleno de variaciones y armonías complejas. Pero, sobre todo, el trompetista Dizzy Gillespie y el saxofonista Charlie Parker. Saltándose las reglas, entregándose a frenéticas escaladas de intensidad, revolucionaron Nueva York. Y de ahí, al mundo. Mediados los 40, el cisma entre beboppers y Vieja Guardia era evidente. Louis Armstrong atacaba el nuevo estilo por su excentricidad y esas melodías casi disonantes que impedían bailarlo y hasta entenderlo. Otros, como Coleman Hawkins, se adaptaron a él. Y músicos jóvenes como Fats Navarro, Dexter Gordon o Bud Powell se unieron a la nueva religión propagada por Dizzy Gillespie -muy dotado para el espectáculo- y Charlie Parker, quienes en 1950 grabaron el testamento sonoro del bebop, «Bird and Diz». Parker falleció en 1955 pero unos años antes, en 1948, uno de sus músicos salió rebotado de su grupo tras una tremenda bronca (por dinero, como no) y se puso a trabajar en nuevas formas que pronto se bautizarían como Hard Bop o Cool Jazz. Se trataba de un tal Miles Davis. Pero eso es otra historia. De este Bird and Diz extraemos su primer corte: “ Bloomdido” Charlie Parker nació en Kansas City, el 29 de agosto de 1920 y fue uno de los mejores intérpretes de saxofón alto de la historia de ese género musical, siendo una de las figuras claves en la evolución del jazz y uno de sus artistas más legendarios y admirados. La historia lo sitúa con los más grandes: Louis Armstrong, Duke Ellington, John Coltrane y Miles Davis. Junto con Bud Powell, Dizzy Gillespie y otros, es uno de los iniciadores del bebop. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas variaciones sobre la estructura de los temas. En este sentido, aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que se han convertido en estándares del jazz, como «Ornithology», «Anthropology», «Ko Ko», y «Now's the Time». Sus inicios en la música fueron tempranos. Su madre, ahorrando por todos lados, le compró un saxo alto. Y aprendió de manera autodidacta, fijándose en los grandes saxofonistas de la época, sobre todo en Lester Young y Buster Smith, sus primeras influencias. Intentó en diversas ocasiones ingresar en el conservatorio, y en todas le rechazaron. Un buen ojo, sí señor. Le escuchamos en “Ornithology” A los catorce años abandonó la escuela para sumergirse de lleno en el ambiente musical de su ciudad. Tras algunas experiencias frustrantes, se trasladó a Nueva York en 1939. Allí empezó a ganarse la vida como lavaplatos en un club donde podía oír todas las noches a Art Tatum. Aunque Charlie Parker grabó con varias orquestas, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz. Sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman y lo hacía con temas tan novedosos como «Hot House». Sus grabaciones de 1943 y 1944 dieron carta de naturaleza al bebop. Cuando Gillespie y Parker (conocidos como "Diz and Bird") viajaron a Los Ángeles, fueron recibidos con una mezcla de hostilidad e indiferencia, sobre todo por los músicos más veteranos. Regresaron a Nueva York. Pero de forma impulsiva, Parker decidió quedarse en Los Ángeles y, tras algunas grabaciones e interpretaciones (incluyendo la clásica versión de «Oh, Lady Be Good» con Jazz at the Philharmonic y las sesiones para el álbum Dial Sessions), la combinación de drogas y alcohol resultó en un ataque cerebral y seis meses de confinamiento en hospital. Rehabilitado en enero de 1947, volvió a Nueva York y realizó algunas de las mejores interpretaciones de su carrera, liderando un quinteto que incluía a Miles Davis, Duke Jordan, Tommy Potter y Max Roach. En 1947, junto a Dizzy Gillespie, se presentó en el Carnegie Hall de Nueva York, tocando con la orquesta de este y con su quinteto. El evento fue un éxito tremendo y, de ese encuentro, del disco grabado en directo, podemos escuchar ahora A Night In Tunisia La salud de Parker se vio muy afectada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical. En 1951, su licencia de cabaret le fue revocada en Nueva York, lo que le dificultaba tocar en clubes. Sus problemas con las drogas se agudizaron y, aunque podía seguir tocando de forma inspirada (como lo demuestra la grabación que acabamos de escuchar), su carrera entró en declive. En 1954, falleció su hija por no tener dinero para una adecuada atención de una neumonía, protagonizó dos intentos de suicidio y, finalmente, murió en marzo de 1955 a los 34 años como consecuencia de un colapso cardiocirculatorio. Dizzy Gillespie nació en Carolina del Sur, el 21 de octubre de 1917. Este famoso trompetista, junto con nuestro viejo conocido Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop y del jazz moderno. Durante toda su vida fue un incansable investigador de la música afroamericana, lo que le llevó a experimentar con el jazz afrocubano, el calipso y la bossa nova colaborando con percusionistas como Chano Pozo. Sus composiciones incluyen estándares de jazz como este:, «Manteca». En sus primeros años trabajó con algunas big bands, pero todo hay que decirlo, sin demasiado entusiasmo. En 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, grabando algunos de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. Gillespie y Parker se conocieron en Kansas City, en una habitación de hotel, y no pudieron dejar de tocar. Gillespie dijo sobre ese encuentro: «teníamos ideas gemelas y era difícil distinguir lo que provenía de mí, de lo que venía de él». En ese encuentro nacía el bebop, allí y, como no, en los bares de la zona. Parker y Gillespie, ambos considerados grandes genios del jazz, siguieron caminos separados: Parker fue inigualable en pequeñas formaciones, pero más tarde quedó marginado por su inestabilidad emocional, sufriendo una muerte prematura; Gillespie ofreció lo mejor de sí frente a grandes formaciones, convirtiéndose en una de las figuras más reconocidas del jazz. La fama de este se acrecentó con su fuerte personalidad y su habilidad para el espectáculo Fue uno de los primeros jazzistas afro-norteamericanos en integrarse en 1947 en el jazz afrocubano creado por Mario Bauzá, en la orquesta de Machito en 1943. Fusionó todo tipo de músicas, pero especialmente las de raíces africanas. Fruto de esta colaboración con la orquesta de Machito es “Exuberante” Su sello identificativo como trompetista fueron sus sorprendentes mofletes (académicamente muy mal vistos) y su trompeta torcida, anécdota contada hasta la saciedad. El mismo lo decía: «Lo cierto es que la forma de mi trompeta fue un accidente. [...] Me dejé la trompeta en un soporte para trompetas y alguien le dio una patada, y en lugar de caerse, la trompeta se dobló». Tras esto, comenzó a usar trompetas fabricadas especialmente para él con la campana saliendo a 45° del cuerpo del instrumento. Realmente, creo que no suenan mejor que las normales, claro que, en sus manos, cualquiera sabe. También de su relación con la isla cubana, nos quedamos con uno de sus trabajos con Arturo Sandoval, otro genio de la trompeta, por cierto. Nos estamos quedando sin tiempo por lo que, con mucho gusto, dedicaremos otro programa a repasar la espléndida nómina de músicos que hicieron posible el BeBop. Para despedirnos y plantear el próximo programa vamos a escuchar a otro músico fundamental en el género: Art Tatum. Art Tatum fue un pianista sin igual. Exuberante, desmesurado, brillante, caudaloso pianista. Cascadas y cascadas de notas en tropel, pero con todas en su sitio con perfecta armonía. Y todo esto siendo prácticamente ciego. Pianista solitario por naturaleza, gustaba de lidiar con su piano a pecho descubierto sin más compañía, frente a frente los dos, su piano y él. A sus anchas, libre para desplegar todo su talento sin ataduras, sin frenos, sin constricciones. Más que nada, porque la mayoría de sus colegas eran incapaces de seguirle, de andar a su paso. Pero también es verdad que no siempre fue así. En alguna ocasión toco en formaciones de trío o quinteto. Ahora lo escucharemos en trio, con Red Callender al bajo y Jo Jones a la batería. Nos vamos. Nos vamos en buena compañía y nos despedimos hasta la próxima semana en la que, con vuestro permiso, tendremos más historias, más músicos y más música. Hasta entonces… Buenas Vibraciones…

Trompettist Dizzy Gillespie staat samen met Bird aan de wieg van de Bebop. Ze maken opnames voor independent labels zoals Savoy. In ’46 gaat Dizzy zijn eigen weg en laat zich muzikaal inspireren door de Cubaanse muziek van onder meer Chano Pozo, meteen het begin van de Latin-Jazz. Thelonius Monk is met zijn avantgardistische speelstijl de meest herkenbare jazzmuzikant van allemaal : hele-toons toonladders en veel dissonanten zijn kenmerkend voor zijn eigenzinnige interpretatie van jazz. Pianist Bud Powell is protegé van Monk. Maar Powell wordt met zijn ‘comping’ nog meer invloedrijk voor de verdere evolutie van de jazz dan zijn leermeester. Na een politie-incident waarbij Powell wordt neer gematrakeerd, leidt hij echter aan chronische hoofdpijn en psychoses.

Este programa Voces de julio de 2007 está dedicado a la obra de un legendario percusionista cubano de todos los tiempos: Luciano Pozo González, conocido en la historia musical como CHANO POZO. Nacido en Cuba en 1915 y fallecido en Estados Unidos en 1948, Chano irrumpió muy joven en el fascinante mundo del jazz. Este tamborero cubano vivió apenas 33 años, pero dejó una obra de incalculable valor. Con su muerte, sus ardientes y encallecidas manos de enfriaron para siempre. Los parches de los tambores dejaron de sonar y toda la música estuvo de luto. Su figura quedó algo olvidada en la Cuba de los últimos 40 años del siglo pasado. Pero al cumplirse el aniversario 50 de su muerte, el bajista y director musical Jorge Reyes tuvo la feliz idea de grabar el disco Tributo a Chano Pozo, del sello BIS Music. La entrevista para Radio Nederland es de mi autoría (©Juan Carlos Roque). Y la presentación del programa de Joaquín Rico.

L'incontro fra il percussionista cubano Chano Pozo e Dizzy Gillespie, che avrà decisive conseguenze sul rapporto del jazz con i ritmi afrocubani e sullo sviluppo di quello che sarà poi chiamato latin jazz, era avvenuto nel 47, l'anno precedente l arrivo di Santamaria negli Stati Uniti: lo scarto con cui Santamaria si inserisce nella stessa scena è minimo, ma in quello scarto l'evento "fondativo", mitico, per tutto un filone di musica, c'è già stato, e per Santamaria come per gli altri percussionisti cubani che si fanno onore negli Stati Uniti Pozo (assassinato nel 48) rimane un nume tutelare, e Gillespie un battistrada, una grande figura di riferimento per il suo pionieristico interesse per i ritmi afrocubani. Quindi si può ben immedesimarsi nello stato d'animo di Santamaria a dividere nell 80 il palco di Montreux con Gillespie, e nel sentirsi per una sera al posto di Chano Pozo. Con ulteriore materiale dall esibizione dell 80, in anni molto più recenti è stato pubblicato un secondo capitolo discografico live di questo concerto, intitolato Montreux Heat! (terza parte) A cura di Marcello Lorrai

L'incontro fra il percussionista cubano Chano Pozo e Dizzy Gillespie, che avrà decisive conseguenze sul rapporto del jazz con i ritmi afrocubani e sullo sviluppo di quello che sarà poi chiamato latin jazz, era avvenuto nel 47, l'anno precedente l arrivo di Santamaria negli Stati Uniti: lo scarto con cui Santamaria si inserisce nella stessa scena è minimo, ma in quello scarto l'evento "fondativo", mitico, per tutto un filone di musica, c'è già stato, e per Santamaria come per gli altri percussionisti cubani che si fanno onore negli Stati Uniti Pozo (assassinato nel 48) rimane un nume tutelare, e Gillespie un battistrada, una grande figura di riferimento per il suo pionieristico interesse per i ritmi afrocubani. Quindi si può ben immedesimarsi nello stato d'animo di Santamaria a dividere nell 80 il palco di Montreux con Gillespie, e nel sentirsi per una sera al posto di Chano Pozo. Con ulteriore materiale dall esibizione dell 80, in anni molto più recenti è stato pubblicato un secondo capitolo discografico live di questo concerto, intitolato Montreux Heat! (terza parte) A cura di Marcello Lorrai

Las primeras sesiones de grabación de Arsenio Rodríguez en USA datan del mes de julio de 1947. Al frente de las mismas estaba el conguero Chano Pozo.

Peret es un gigante de la música panamericana. Recordamos al maestro al año de dejarnos con una sesión que arranca con la composición de Chano Pozo interpretada por Tito Rodríguez. Peret es un creador descomunal, hace suyas canciones ajenas adaptando el sabor Caribe al nuevo ritmo de la rumba catalana. El antecedente funciona como un mecanismo de ida y vuelta. Peret comenzó a buscar en su guitarra las percusiones al mismo tiempo que Cachao hacía lo mismo en su contrabajo. Su talento no se limita a la rumba de guitarra y palmas. El funky, el mambo y el boogaloo son algunos de los estilos que lleva a su terreno. Además compone con la misma gracia de la que hace gala en sus adaptaciones.

MAGNETIZEDTerence Blanchard (trumpet) is one of the most important musician/composer/band leaders of his generation. His emotionally moving and technically refined playing is considered by many jazz aficionados to recall earlier jazz trumpet styles. Born March 13, 1962, in New Orleans, the only child to parents Wilhelmina and Joseph Oliver Blanchard, a part-time opera singer and insurance company manager, the young Blanchard was encouraged by his father, Joseph Oliver, to learn to play the piano. In the third grade he discovered jazz trumpet when a big band, featuring Alvin Alcorn on trumpet, played at a school assembly. In his teens Blanchard attended the New Orleans Center of Creative Arts, where he studied and played with saxophonist Donald Harrison. While performing with Lionel Hampton's big band, he studied for two years at Rutgers University under the tutelage of Paul Jeffrey and Bill Fielder.In 1982 Blanchard replaced Wynton Marsalis under his recommendation in Art Blakey's Jazz Messengers, working in that band up to 1986 as lead soloist and musical director. He then co-led a prominent quintet with saxophonist Donald Harrison, recording seven albums for the Concord, Columbia, and Evidence record labels in five years, including a stirring in-concert tribute to the Eric Dolphy/Booker Little ensemble. In the '90s, Blanchard became a leader in his own right, recording for the Columbia label, performing on the soundtracks to Spike Lee's Do the Right Thing and Mo' Better Blues, and composing the music for Lee's film Jungle Fever. In fact, Blanchard has written the score for every Spike Lee film since 1991, including Malcolm X, Clockers, Summer of Sam, 25th Hour, Inside Man, and the Hurricane Katrina documentary When the Levees Broke for HBO. With over 40 scores to his credit, Blanchard and Mark Isham are the most sought-after jazz musicians to ever compose for film. In the fall of 2000, Blanchard was named artistic director of the Thelonious Monk Institute of Jazz at the University of Southern California in Los Angeles. Keeping up with his love of live performance and touring, Blanchard also maintains a regular studio presence, recording his own original music for the Columbia, Sony Classical, and Blue Note labels. Albums include The Billie Holiday Songbook (1994), Romantic Defiance (1995), The Heart Speaks (1996), the acclaimed Wandering Moon (2000), Let's Get Lost (2001), Bounce (2003), and especially Flow (2005), which was produced by pianist Herbie Hancock and received two Grammy nominations. Blanchard has been nominated for 11 Grammys and has won four in total, including awards for New York Scene with Blakey (1984) and the soundtrack A Tale of God's Will in 2007. In 2005, Blanchard was part of McCoy Tyner's ensemble that won the Grammy in the Best Jazz Instrumental Album category for Illuminations. A quintessential sideman as well as leader, he has worked with prominent jazz players including Cedar Walton, Abbey Lincoln, Joanne Brackeen, Jay McShann, Ralph Peterson, Ed Thigpen, J.J. Johnson, Toots Thielemans, the Olympia Brass Band, Stevie Wonder, Bill Lee, Ray Brown, Poncho Sanchez, Dr. Billy Taylor, Dr. John, Lionel Loueke, Jeff Watts, and many others. Scarecrow Press published his autobiography, Contemporary Cat. By April of 2007, the Monk Institute announced its Commitment to New Orleans initiative, which included the relocation of the program to the campus of Loyola University in New Orleans, spearheaded by Blanchard. During 2007, the Monterey Jazz Festival named Blanchard Artist-in-Residence, and the festival formed a 50th Anniversary All-Stars ensemble featuring trumpeter James Moody, Benny Green, Derrick Hodge, Kendrick Scott, and Nnenna Freelon. In 2008, Blanchard helped scored the hit film Cadillac Records. Signing with Concord Jazz in 2009, he released Choices -- recorded at the Ogden Museum of Art in Blanchard's hometown of New Orleans -- at the end of that summer. In 2011, he paid tribute to the innovative Afro-Cuban recordings of Dizzy Gillespie and Chano Pozo by teaming up with Latin jazz percussionist Poncho Sanchez for the studio album Chano y Dizzy! In 2012, Blanchard returned to his film work by scoring the soundtrack to director George Lucas' WWII action/drama Red Tails.“I’ve always believed that in life, what you keep in your mind is what you draw to yourself.” That’s how trumpeter/composer Terence Blanchardexplains the title of his 20th album, Magnetic, which finds a stunning variety of sounds and styles pulled together by the irresistible force of Blanchard’s vision.That credo stems directly from Blanchard’s personal faith; raised in the Christian church, he has turned in recent years to Buddhism after meditating with Herbie Hancock while on the road with the legendary pianist. The idea of a spiritual magnetism “is a basic concept in any type of religion,” he says. “Both Christianity and Buddhism have forms of meditation - one’s called prayer and one’s called chanting. But it’s all about drawing on those things to help you attain enlightenment in your life at the same time that you’re trying to give back to the community.”Magnetic gives expression to that belief through the combined voices of Blanchard’s always-scintillating quintet. Its latest incarnation brings together longtime members Brice Winston (saxophone) and Kendrick Scott (drums) with pianist Fabian Almazan, who made his debut with the group on its 2009 album Choices, and its newest member, 21-year-old bass prodigy Joshua Crumbly. In addition, they’re joined by a trio of remarkable special guests: master bassist Ron Carter, saxophonist Ravi Coltrane, and guitarist/vocalist Lionel Loueke.The vast array of approaches undertaken by that ensemble is striking, from the blistering bop of “Don’t Run” to the fragile ballad “Jacob’s Ladder;” the psychedelic electronic haze of “Hallucinations” to the urgent edginess of “Another Step.” As Blanchard says, “It’s a wide range of musical ideas that come together through the efforts of the guys in the band.”Magnetic marks Blanchard’s return to Blue Note Records, which last released A Tale of God’s Will, his triumphant 2007 requiem for his home city, New Orleans, in the wake of the devastation wrought by Hurricane Katrina. That harrowingly emotional song cycle is just one of many large-scale projects Blanchard has undertaken in recent years. Since first writing music for Spike Lee’s 1990 jazz-set movie Mo’ Better Blues, Blanchard has become a renowned film composer with over 50 scores to his credit, most recently the WWII drama Red Tails for producer George Lucas. This summer, Opera Theatre of Saint Louis and Jazz St. Louis will combine forces to premiere Blanchard’s first opera, Champion, an “Opera in Jazz” based on the story of the gay boxing champion Emile Griffith. This follows his recent score for Emily Mann’s Broadway production of Tennessee Williams’ A Streetcar Named Desire.After the broad scope of such lofty undertakings, returning to a small group setting can be a challenge. “You get accustomed to having so many different colors at your disposal,” he says. “So I try to figure out a way to have as much diversity in everything that we play, the same expansive color palette as when you have an orchestra and voices.”One way that Blanchard expands his palette on Magnetic is through the use of electronics, creating an overdriven, electric guitar-like sound for his horn during “Pet Step Sitter’s Theme Song” or brewing the mind-altering atmospherics of “Hallucinations.” The latter tune, though titled by Blanchard’s 14-year-old daughter, also touches on the lifelong spiritual search evoked by the album-opening title track and “Central Focus,” which was originally recorded twenty years ago on Blanchard’s album Simply Stated. “When chanting for meditation,” he says, “you can have those moments of reflection that will bring new ideas to you. Some people may not call them hallucinations, but I think they’re all related in some fashion.”Not every tune comes from such profound motives. The hard-bopping “Don’t Run” was written solely with the intention of allowing the band to joust with Ravi Coltrane’s soprano and Ron Carter’s mighty bass runs. The title was inspired by a taunt from Carter to Blanchard, asking only half-jokingly when the trumpeter would call on the legendary bassist’s services. “Stop running from me, man,” Blanchard recalls him saying, and when Carter speaks, you listen.Coltrane’s contributions, which also include a taut, powerhouse turn on tenor for “Pet Step Sitter’s Theme Song,” came about simply because Blanchard was blown away by the saxophonist’s latest album, Spirit Fiction. “Ravi has developed a style and a sound that’s very unique,” Blanchard explains. “It’s an incredible feat given who his father was and what instrument his father played. But his being on my record has nothing to do with any of that; his being on my record is simply due to the fact that I love the way he plays.”The same goes for Benin-born Lionel Loueke, who first came to prominence through Blanchard’s quintet before becoming widely renowned as one of the most innovative guitarists and vocalists in modern jazz. “He’s a very unique talent,” Blanchard says. “Lionel always brings a certain spirit and energy to any project that he’s a part of.”Blanchard also readily sings the praises of his core group, which has been evolving over two years together to reach the deeply attuned point at which Magnetic finds them. “I’ve always appreciated the artistry of Brice and Kendrick,” he says of the band’s two veterans. “They’ve very seriously committed to developing their own unique styles of playing.”Of newcomer Crumbly, he says, “Josh is a young guy who’s very talented and brings a lot to the group.” And of Almazan, he continues, “Fabian has been growing by leaps and bounds. His harmonic knowledge has taken the band in interesting directions and he colors things in ways that I think are very fresh and forward-thinking.”So enamored is the bandleader of Almazan’s talents that he affords the pianist a solo spotlight, the captivating “Comet.” Almazan, Blanchard says, “plays with such grace and beauty. We did five or six takes and all of them were so beautiful that it was a hard to choose just one.”Each member of the group provides their own contributions to the album: Crumbly, the lovely and delicate “Jacob’s Ladder;” Scott, the forceful, rhythmically intense “No Borders Just Horizons;” Winston the lithe and intricate “Time To Spare;” and Almazan an “emotional roller coaster” dedicated to his mother, “Pet Step Sitters Theme Song,” which is later reprised as “Another Step.” “We had so much fun playing that tune that we just couldn’t leave it,” Blanchard explains. I thought it showed the diverse nature of the group, when you see the directions that it goes into, totally different from the first take.”In his role as mentor to his younger bandmates, Blanchard takes the mantle from his own onetime mentor, Art Blakey. Stressing the importance for young musicians to compose as well as improvise, Blanchard recalls the legendary drummer’s advice: “Art Blakey told us that composition was the path to finding your own voice. If you improvise, you don’t sit down and reflect coldly on what it is you’re playing because you’re moving so quickly onto the next thing. Whereas when you compose, you have to sit down and really contemplate what each note means and how you get from one to the next. That in itself will create a style.”Terence Blanchard’s own style continues to evolve and expand in exciting and compelling fashion. Magnetic is sure to capture listeners with an attractive power nearly impossible to resist.To Visit Terence Blanchard's website CLICK HERE

Hosted By: Onel Mulet Performed by the Habana/Harlem® all-star group featuring Onel Mulet, multi-instrumentalist/composer and Roman Diaz, master percussionist, joined by special guests Antoine Roney, saxophonist/composer, LaTasha N. Nevada Diggs, singer, and 8-year old jazz prodigy, Kojo Roney, drummer, this far-reaching evening transcends land, time, and space as it debuts new arrangements by Mulet of original works by key 20th century Harlem composers. Also featuring Osmany Paredes on piano, Richard Padrón on guitar, Jorge Bringas on bass, and Diego Lopez on drums.   Works by William Grant Still, Chano Pozo, Frank "Machito" Grillo, Rafael Hernandez, William Henry Tyers, George and Ira Gershwin, and Jayne Cortez. HABANA/HARLEM®, an independent cultural production company, nurtures the arts and humanities by advancing contemporary artistic innovation, and supports evolving trends in music through strategic exposition, artist development, performance, distribution, and promotion. The initiative was conceived by Neyda Martinez, executive producer with Onel Mulet producer and creative director. HABANA/HARLEM celebrates the legacy of this creative nexus, as well as expressions by artists whose work foster dialogue, cultural appreciation, and greater understanding among diverse communities. Fueled by the friendship and rich exchange of concepts and ideas between artists such as Chano Pozo and Dizzy Gillespie, among many others, HABANA/HARLEM commemorates the unconditional acceptance of collaborative fluid creativity, which changed the course of music history. HABANA/HARLEM® is a registered trademark of HABANA HARLEM LLC.  

Archives and Rose Museum Director Gino Francesconi reveals some of the key events from Carnegie Hall's history which featured Latin American artists and music. Included are the iconic 1947 concert when Cuban percussionist Chano Pozo joined Dizzy Gillespie for "Cubano Be, Cubano Bop" and the birth of Afro-Cuban jazz, 1962's historic concert that introduced bossa nova to American audiences, and the surprise appearance of Chucho Valdés and Irakere during the 1978 Newport Jazz Festival at the Hall.

En el invierno de 1947, el Town Hall llenó de calor tropical a la ciudad de Nueva York. Luego de recorrer diversas ciudades, Dizzy Gillespie presenta en su repertorio una serie de piezas creadas por su conguero estrella: Chano Pozo. Tal vez el escenario no parecía el apropiado. Era la época de la segregación y tocarían para un público totalmente blanco que, por supuesto, ni siquiera conocía las congas. Pero la noche estaba destinada al cubano, que bailó e incluso cantó en yoruba. Y en medio de todo ese éxtasis musical se interpretó por primera vez una de las más importantes composiciones afrocubanas de los primeros momentos del bebop: Manteca, que en ese momento revolucionó la concepción rítmica de la música popular norteamericana. La pieza incluida en este podcast es una versión mezclada por los productores y DJs Gary Danks y Jonathan Whitehouse, mejor conocidos como The Funky Lowlives. Disfrutenlo. Clásicos del jazz con breves anécdotas de los músicos que marcaron la historia del jazz, escritas y producidas por Memo Man, desde México DF para el mundo.