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S̲o̲̲ldi̲̲e̲̲rs O̲̲̲f T̲he̲̲ W̲a̲̲ste̲̲la̲̲nds [00:56:50] - 10. V̲a̲̲lle̲̲y O̲̲̲f T̲he̲̲ D̲a̲̲mne̲̲d DragonForce es una banda británica de power metal formada en el año 1999, en Londres, Inglaterra y compuesta por músicos de Sudáfrica, China, Reino Unido, Italia, Francia y Ucrania. Explotan el lado épico y fantástico del power metal agregándole un ritmo mucho más rápido, mezclando sonidos de videojuegos y otros elementos poco usuales. Esta banda fue fundada en 1999 por los guitarristas Herman Li y Sam Totman bajo el nombre de DragonHeart. Los dos encontraron el cantante ZP Theart a través de un anuncio,y poco después adquirieron a Matej Setinc como baterista, el bajista Steve Scott y el tecladista Steve Williams. Totman y Li tocaban en un grupo anterior, llamado Demoniac. A continuación, DragonHeart dio a conocer una demo, salió de gira con Halford, Stratovarius y encabezó sus propios shows con este nombre. La banda descubrió que ya existía una banda de metal de Brasil que usaba el mismo nombre, que finalmente fue cambiado a Dragonforce en 2000. El baterista Matej Setinc dejó la banda en diciembre de 2001 para continuar sus estudios en Eslovenia, siendo reemplazado por Didier Almouzni. Steve Williams se separó de la banda a principios de 2002, y Steve Scott hizo lo propio en noviembre de 2003. Más tarde, en diciembre de 2003, Steve se reincorporó días antes de la gira de la banda con Halford y Stratovarius. A continuación, Steve Scott pasó a formar parte de las bandas Shadowkeep, y posteriormente pasó a Power Quest. El bajista Diccon Harper se unió a la banda en noviembre de 2004, y el teclista Vadim Pruzhanov fue el último en unirse en febrero de 2001 para completar el cartel que iniciaría la grabación de su primer álbum. Harper estuvo presente en el álbum debut de Dragonforce, Valley of the Damned, pero dejó la banda en el 2005, debido a un problema de tendón que requirió cirugía. En el año 2010 abandona la banda ZP Theart dejando el puesto de vocalista vacante, para el año 2011 Marc Hudson se queda como vocalista de la banda. En el 2014 Dave Mackintosh abandona su puesto de baterista luego siendo ocupado por Gee Anzalone. En 2017 se hace publica la separación de Vadim Pruzhanov con la banda, una noticia que fue muy repentina para los fanes antes de iniciar el Reaching into Infinity Tour, según Vadim, lo hizo para pasar más tiempo con la familia y centrarse en sus proyectos. Aunque la banda negó su salida, actualmente cuentan con Coen Janssen, teclista de la banda Epica. DragonForce grabó su primera demo en 2000. Fue un lanzamiento independiente, sin embargo, fue suficiente para hacerla una de las más populares bandas de power metal independiente en el Reino Unido en ese momento. Su canción "Valley of the Damned" fue lanzado como su primer sencillo, poco después de cambiar su nombre definitivamente a DragonForce. Un video promocional con imágenes en vivo de su gira por Europa fue lanzado junto con la canción. La canción fue también un éxito enorme en MP3.com, donde llegó al # 1 durante 2 semanas como la canción más descargada. Poco después del lanzamiento de su primer video promocional, el teclista Steve Williams y el bajista Steve Scott dejaron la banda y fueron reemplazados por el ucraniano Vadim Pruzhanov en el teclado y por el británico Diccon Harper en el bajo. Steve Williams pasó más tarde a formar banda de power metal Power Quest. En 2003, la banda firmó con Noise Records y comenzó a grabar su primer álbum de larga duración, Valley of the Damned. La pista que dio nombre al álbum es una de las canciones más conocidas de DragonForce hasta la fecha y es un elemento básico de su actuación en directo hasta hoy. La gira del disco Valley of the Damned se prolongó hasta 2004, terminando en Tokio, Japón. El siguiente álbum de la banda, Sonic Firestorm, resultó ser un éxito aún mayor gracias al primer sencillo "Fury of the Storm". Sonic Firestorm fue el primer álbum de DragonForce con Adrian Lambert al bajo y Dave Mackintosh en la batería. Cuando Mackintosh entró a la banda en 2004, los miembros del grupo empezaron a referirse a su estilo de música como "power metal extremo" debido a sus rapidísimos ritmos Blast beat y Double bass drum (o "doble bombo" en castellano). En esta época la banda comenzó a ser popular a nivel internacional y ha adoptado apodos como "Bon Jovi a toda velocidad" y "Donde Journey se encuentra con Slayer". La gira fue mucho más larga que la de "Valley Of The Damned" siendo cabezas de cartel en muchos más shows. La banda estuvo de gira con muchas bandas de metal muy conocidas, como WASP, Disturbed y Iron Maiden. La banda sufrió varios cambios de alineación antes de establecerse con los seis miembros actuales. La banda pasó a ser puntera en el mundo del metal con su tercer álbum Inhuman Rampage, lanzado en 2006 después de firmar con Roadrunner Records en el Reino Unido, EE. UU., Canadá, Francia y Australia. La canción "Through the Fire and Flames" es una de sus canciones más famosas y se encuentra en los juegos Guitar Hero III: Legends of Rock, Guitar Hero: Smash Hits y Brutal Legend. Lindsay Dawson, de la antigua banda de Herman Li y Sam Totman, Demoniac, aparecía como vocalista reserva para este álbum. Antes del lanzamiento del álbum, el bajista Adrian Lambert dejó el grupo para criar a su hijo recién nacido en noviembre de 2005. Fue reemplazado por el francés Frédéric Leclercq para el resto de la gira del álbum Sonic Firestorm. Frederic se convirtió más tarde en un miembro oficial de la banda, a partir de enero de 2006. Él también apareció en los videos musicales de la banda para su segundo sencillo, Operation Ground and Pound. Inhuman Rampage es un favorito común entre los fanes de DragonForce debido a su dureza y complejidad. El sencillo "Through the Fire and Flames" alcanzó el disco de oro en EE. UU. y Canadá. y la organización de los estados de esta banda La banda estuvo de gira con Disturbed y Slipknot todo el verano de 2008, dentro de las actuaciones del "Rockstar Energy Mayhem Festival Metal". La banda regresó en el otoño con el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, Ultra Beatdown. La primera canción y primer sencillo, "Heroes of Our Time", fue nominado para un Premio Grammy por Mejor Interpretación de Metal el 3 de diciembre de 2008, perdiendo frente a Metallica con su canción "My Apocalypse". Una versión abreviada de "Heroes Of Our Time" también se puede encontrar en los videojuegos "Skate 2" y la versión completa en "NHL 10". El 22 de enero de 2009, el video musical de su canción "The Last Journey Home" fue lanzado en la Comunidad Xbox Live una semana antes de su publicación en Internet. DragonForce llevó a cabo la gira del álbum "Ultra Beatdown" por América Latina, América del Norte y Europa. Se suponía que iban a tocar en América Latina en mayo de 2009, pero la gira se pospuso hasta finales de ese año. Actuaron en el Festival "Two Days a Week" en Weisen, Austria el 4 de septiembre. Posteriormente, actuaron en varias ciudades de Canadá y Estados Unidos del 15 de septiembre al 11 de octubre con invitados especiales como Sonata Arctica y Taking Dawn. La siguiente gira fue en Alemania, del 16 de octubre al 30 de octubre, seguida por una única actuación en vivo en Luxemburgo el 31 de octubre. Luego, se fueron a América Latina para actuar en Curitiba, Porto Alegre, São Paulo, Ciudad de México, Santiago, Buenos Aires y Bogotá del 6 de noviembre al 14 de noviembre. La parte final de la gira se realizó enteramente en el Reino Unido, del 19 de noviembre al 12 de diciembre. Herman Li ha declarado que DragonForce dejaría de viajar en diciembre, para pasar tiempo en casa en Navidad, para luego comenzar a escribir y grabar un nuevo álbum de estudio programado para ser lanzado en 2011. Durante este período, el entonces vocalista ZP Theart decide salirse de la banda debido a diferencias creativas respecto a la música de la banda. Sin embargo, una vez fuera de Dragonforce, se reunió con ellos para lanzar Twilight Dementia. Twilight Dementia es el primer álbum en vivo por parte de Dragonforce, contiene sus canciones más populares extraídas de presentaciones hechas durante el tour de Ultra Beatdown. Posteriormente, la banda realizó una audición vía web a nivel internacional; la gente debía subir sus videos cantando The Last Journey Home a YouTube. Audiciones en las cuales encontrarían a su nuevo vocalista, Marc Hudson. Actualmente ZP Theart trabaja como vocalista de la banda de Glam Metal Skid Row . La banda anunció la salida de un nuevo disco, titulado The Power Within que salió el 15 de abril de 2012, y el 17 de abril para los Estados Unidos. El disco cuenta con la participación su nuevo vocalista, Marc Hudson, tras la salida de ZP Theart. Con la salida del álbum en los Estados Unidos, todas las canciones ya actualmente se han revelado. Según Herman Li, este disco es más variado que los anteriores, que saca su lado más "metalero" y declara al respecto: "En comparación con el anterior disco con el que fuimos 100% full-on para cada canción, cada una de ellas muy largas, incluso superior que en Inhuman Rampage. Esta vez, ponemos un énfasis diferente en cada pista. Algunas canciones son más a medio tiempo como " Cry Thunder", "Seasons" y luego, por supuesto, tenemos las canciones clásicas rápidas como "Holding On", "Heart of the Storm", "Fallen World" y también algunas pistas en algún punto intermedio. También hemos escrito nuestra canción más rápida, empujando nuestra música en diferentes direcciones" Junto con el lanzamiento del nuevo disco, inauguraron su propio sello para Europa; Electric Generation Recording. Dragonforce llevó a cabo una gira mundial promocionando el nuevo disco, presentándose nuevamente en Latinoamérica, donde fue como invitado especial de Trivium en todas las fechas. Ecuador y Venezuela fueron lugares desconocidos para Dragonforce, ya que fue su primera vez que llegaron a estos países con su nuevo cantante Marc Hudson. A finales de 2012, se pudo ver en la página oficial de la banda un video corto en el que Herman Li y Sam Totman promocionaban una aplicación para IPad, mientras tocaban la guitarra al estilo de sus videos Through the Fire and Flames u Operation Ground and Pound, interpretando una canción llamada "Galactic Astro Domination". A mediados de abril de 2013, se anunció en su Facebook oficial que ya tenían todas las canciones escritas, y esperaban entrar en el estudio para grabarlas como nuevo disco. El proceso de grabación comenzó en el mes de mayo. El 31 de marzo de 2014, la banda confirma título, la fecha de salida de su próximo material, anuncian una gira por el Reino Unido y lanzan la versión demo de la canción "Defenders" con colaboración de Matt Heafy de Trivium. El nuevo álbum que lleva por título Maximum Overload será lanzado el 18 de agosto de 2014 a través de Ear Music. El 3 de junio de 2014 se anuncia que el batería Dave Mackintosh deja la banda, siendo rápidamente reemplazado por Gee Anzalone, batería también de Braindamage y Kill Ritual. . Al respecto Dave declaró: "Después de pensarlo mucho he separado caminos con los chicos en DragonForce para perseguir mi primer amor por el rock progresivo, deseo a los chicos toda la suerte del mundo y espero con interés el lanzamiento de Maximum Overload como realmente creo que este es ¡el más fantástico álbum de DF que yo y los chicos hemos registrado hasta la fecha! Muchas gracias a todos los fanes que me han apoyado en esta última década de giras masivas, innumerables espectáculos y todos los discos, yo no podría haber hecho sin ustedes. Voy a seguir haciendo giras y tocando con algunos de los nombres más grandes en Rock Progresivo, y ¡esperamos ver algunas caras conocidas en la carretera! Mientras tanto, permanezcan en el metal, cuidado con el nuevo sitio web de Dave Mackintosh, que se lanzará en las próximas 4 semanas, así como algunos grandes vídeos nuevos que estaré produciendo con mis patrocinadores de engranajes. ¡DF para siempre! Herman Li expresó algunas palabras en nombre de la banda: "Hemos pasado por muchas cosas con Dave y quiero darle las gracias por todo lo que ha contribuido a DragonForce, tanto como un amigo y músico y todo lo que nos gustaría es desearle lo mejor en "su nuevo proyecto" Publicado el 10 de julio de 2015, In The Line Of Fire... Larger Than Life es el primer DVD lanzado por la banda de power metal británica que dispone en los siguientes formatos: Europa: DVD+CD | DVD | Blu-ray America: DVD+CD | Blu-ray+CD Canada: DVD | Blu-ray Japón: DVD | Blu-ray El contenido del Blu-Ray es la actuación de la banda británica en un concierto en Saitama (さいたま市),(Japón) que realizaron durante el verano de 2014. El DVD contiene las canciones tocadas en el concierto en formato digital 5.1 Surround Audio. Hasta la fecha es el segundo álbum que contiene pistas en directo y el primero en contener vídeo de un concierto de la banda. El 29 de abril de 2016, se lanzó el primer álbum recopilatorio del grupo, donde se incluyeron los mejores éxitos desde Valley of the Damned hasta Maximum Overload. El álbum también incluye algunas recopilaciones en vivo. El 20 de mayo de 2017 se lanzó el séptimo álbum del grupo el cual fue el tercer álbum de estudio de Marc Hudson y primer álbum como baterista de Gee Anzalone. Este álbum tiene como mayor referencia la fusión de varios géneros del Metal. Este álbum cuenta con la canción de más larga duración denominada The Edge Of The World con 11:04 minutos, superando a Soldiers Of The Wasteland con 9:48 minutos del álbum Sonic Firestorm, que hasta ese momento era la canción más larga de la carrera de la banda. También en la edición especial del álbum cuenta con un DVD en vivo de las canciones (Holding On) (Héroes Of Our Time) y (Operation Ground And Pound) desde el Festival Woodstock en su edición del 2016 El álbum fue escrito en gran parte por Sam Totman y Frédéric Leclercq Frederic Leclercq dijo en una entrevista para la página The Classic Metal Show que el álbum contiene los géneros heavy metal, thrash metal, death metal, black metal y metal progresivo de lo que escucha power metal, por lo que el álbum suena diferente a los discos anteriores de la banda. Cuando se le preguntó sobre el trabajo de composición de Leclercq y la posible influencia de su Death Metal con su proyecto paralelo Sinsaenum, Herman Li declaró para la revista Metal Hammer: "Intentamos utilizar las habilidades de todos, que es algo que no hicimos mucho al principio de la banda. No creo que Sinsaenum marcara una gran diferencia, porque todavía hay muchas ideas que aún no hemos podido poner en Dragonforce, y si introduces demasiadas ideas nuevas, pierdes el enfoque.Al principio, la banda quería tener un invitado para las voces ásperas, pero finalmente hicieron que Marc Hudson lo intentara y estaban contentos con el resultado. Herman Li describió el álbum como el "más diverso"y también como "escapista", diciendo que la gente debería escucharlo para alejarse temporalmente de la "locura del mundo". El título del álbum fue concebido para ser una referencia a cómo la banda desea que su música lleve a personas de cualquier lugar a cualquier hora. También es el primer álbum en que Marc Hudson usa guturales en la canción The Edge of The World. Y Vadim Pruzhanov anunció su ausencia en el tour del 2017, sin embargo en el 2019 hablo en su Facebook sobre su salida Diciendo que no se sentía valorado en la banda , ya no participaba en la creación de canciones o era limitada , que Los últimos discos no les agrado ni el sonido , ni la producción y que el quería regresar el sonido de los discos pasados con sonidos clásicos pero no lo dejaron. Se trata de una edición especial del The Power Within pero con la modificación del sonido. Cuando se grabó The Power Within algunas canciones contienen coros que sustituyen la voz de Marc Hudson. Después del exitoso concierto de DragonForce en la Ciudad De México ante 4200 personas. La banda anunciaría que el 27 de septiembre, DragonForce lanzará su octavo álbum de larga duración, llamado "Extreme Power Metal". Producido en Los Ángeles, California por Damien Rainaud (bajista de Once Human) en los estudios Mix Unlimited, "Extreme Power Metal" también fue grabado, en parte, en el canal de transmisión en vivo del guitarrista Herman Li en Twitch con la participación de los fanáticos. El concepto del álbum va más representando los 20 años de existencia de DragonForce uniendo lo que es la esencia de cada uno de los siete últimos discos. Su nombre "Extreme Power Metal" va inspirado al género que creó DragonForce y la portada de dicho álbum va en representación a los antiguos videojuegos "arcade" de los años 80 El álbum fue anunciado el Martes 30 de julio con el estreno del nuevo videoclip llamado "Highway to Oblivion" dicha canción está inspirada en la afición al automovilismo que el guitarrista de la banda Herman Li desarrollo desde el 2014 . La banda daría a conocer 2 videos musicales aparte de la canción "Highway To Obvilion" estos serían las canciones "Heart Demolition" la cual está va dirigida a un tributo a todo lo que se vivió en la cultura de 1980 a 1990 en cuestión de videojuegos , tecnología , películas , música y etc . Y el segundo vídeo sería de la canción "Razorblade Meltdown" la cual está inspirado en varias referencias importantes que cada miembro de la banda tuvo a lo largo de su vida , el vídeo "Razorblade Meltdown" es el primero en el cual la banda es dibujada como personajes de caricatura Este álbum tiene como invitado especial a Coen Janssen tecladista de la banda de Metal Sinfónico Épica , debido a la separación del antiguo tecladista de DragonForce Vadim Pruzhanov . Este es el segundo álbum de Gee Anzalone en la banda inglesa DragonForce . El 18 de agosto de 2019, el bajista Frédéric Leclercq anuncia su salida de la banda para unirse a la banda Kreator tras un concierto en Hamburgo. Iba a ser sustituido por el youtuber Steve Terreberry conocido como Stevie T. durante la gira en Estados Unidos, pero declinó la invitación por "problemas de ansiedad" posteriores a esta gira, por lo que optaron por el bajista de la banda Once Human Damien Rainaud . El lunes 6 de enero de 2020 La banda anunciaría la entrada de la bajista y vocalista de la banda Vigil Of War Alicia Vigil la cual estaría acompañando al grupo en el resto de su tour , el cual el grupo está probando si es apta para entrar a DragonForce Los blast beats del death metal en la batería, la velocidad del speed metal, la melodía del power metal así como algunos solos que recuerdan al metal neoclásico son algunas de sus características. Pagina Oficial: https://dragonforce.com/

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Las Migas, recientes ganadoras del Premio Grammy Latino al mejor álbum de Flamenco, en el Teatro Gayarre

Cadena SER Navarra

Play Episode Listen Later Jan 6, 2023 14:52

Entrevista con Marta Robles, guitarrista de Las Migas, que vienen a presentar al Gayarre su álbum "Libre"

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Amanda Miguel: homenaje a Diego Verdaguer, Premio Grammy y más | De Primera Mano

De Primera Mano

Play Episode Listen Later Nov 23, 2022 12:31

Tuvimos la oportunidad de platicar con #AmandaMiguel, quien nos platicó su sentir en estos meses tras el sensible fallecimiento de #Diegoverdaguer. Así como d e la gira que prepara a la do de su hija #AnaVictoria para este próximo 2023.

Nada más que música - Stan Getz y The Oscar Peterson Trío

Acercándonos a escuchar CDLA

Play Episode Listen Later May 25, 2022 47:35

Hoy vamos a repasar un gran disco, el que grabaron en estudio Stan Getz y The Oscar Peterson Trío en 1.958. En el trío de Peterson militaban el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown. El año anterior, en 1957, el productor Norman Granz estaba tratando de emparejar al legendario trió sin batería de Oscar Peterson con grandes figuras del jazz. El elegido fue Stan Getz porque pensó, con acierto, que de esta conjunción saldría algo bueno. Y ya lo creo que salió. La base rítmica que proporcionan la guitarra y el bajo, permite que el piano de Peterson desarrolle toda su técnica y que el saxo de Stan suene tan cálido como acostumbra. El disco empieza con una vibrante versión de I want to be happy, “Quiero ser feliz”, una partitura que Vincent Youmansy escribió para el musical de 1925 No, No, Nanette. Stanley Getz nació el 2 de febrero de 1927 en Filadelfia y ha sido catalogado por el crítico musical Scott Yanow como “uno de los grandes saxofonistas tenores de todos los tiempos”. Sus orígenes eran de lo más diverso. Su madre había nacido en Filadelfia, su padre en Londres, sus abuelos paternos eran originarios de Ucrania y habían tenido que salir huyendo para no caer en los pogromos anti-judios que se estaban produciendo en el imperio ruso. Durante la Gran Depresión la familia Getz se mudó a Nueva York y fue allí donde el jovencito Stand empezó a interesarse por los instrumentos musicales y tocó varios de ellos hasta que su padre le compró su primer saxofón a la edad de 13 años. Y con él, empezó a practicar nueve horas al día. Esta dedicación le permitió ser aceptado en la All City High School Orchestra de Nueva York. Con 16 años se unió a la orquesta de Jack Teagarden y empezó su carrera profesional. También tocó con Nat King Cole, Lionel Hampton, Jimmy Dorsey y Benny Goodman. Después de tocar con los mejores, decidió dar el paso y formar su propio grupo, pero, al mismo tiempo, empezó también su relación con la heroína. Getz se había casado cuando era prácticamente un adolescente y estaba bastante metido en las drogas. De hecho, fue detenido en 1954 por intentar robar una farmacia para conseguir morfina. Este primer matrimonio se deshizo y sus tres hijos fueron recogidos, con el tiempo, por la segunda esposa de Stan con la que tuvo dos hijos más. La nueva pareja se había trasladado a Copenhague, sobre todo para escapar del mundo de las drogas, tan asequible en aquellos días en Estados Unidos. A pesar de todo, Stan volvió a las drogas y su esposa le abandonó y se volvió a Suecia donde vivían sus padres. Para que volviera con él, Stan le envió una copia de lo que sería su siguiente trabajo Jazz Samba y le prometió que a partir de ese momento se mantendría sobrio. Su esposa volvió con él pero solo sería el inicio de un largo recorrido de encuentros y desencuentros que solo terminó cuando, en 1987 le diagnosticaron un cáncer terminal que acabó con su vida el 6 de junio de 1991. I’m glad there is you es una canción escrita por Yimmy Dorsey, que se publicó por primera vez en 1941 y que se ha convertido en un estándar del jazz. Por su parte, Oscar Peterson, la otra columna que sostiene esta estupenda obra, nació el 15 de agosto de 1925, en Montreal, y fue un virtuoso del piano, el “Maharaja del teclado”, como le llamaba Duke Ellington. Peterson, que se crió en un barrio predominantemente negro, se encontró pronto con la cultura del jazz. Sus primeras clases de piano las empezó a recibir a los siete años impartidas por su padre, músico aficionado, y su hermana. A los nueve años Peterson ya tocaba perfectamente y a los catorce ganó el concurso nacional de música organizado por la Canadian Broadcastin Corporation. Y, a partir de aquí, se convirtió en pianista profesional. Tenía por entonces un programa de radio semanal, tocaba en hoteles y salas de músico, orquestas, trios y es que, aunque su formación había sido clásica, sus tendencias gravitaron pronto hacia el boogie-woogie y el swing. Oscar Peterson había conseguido una reputación como un pianista técnicamente brillante y melódicamente creativo. Norman Granz, al que ya conocemos por su relación con nuestros dos invitados, se hizo cargo de su representación. Su primer contrato, presentación de Peterson en la ciudad de Nueva York en un concierto de Jazz en la Filarmónica en el Carnegie Hall. A partir de aquí, toco siempre con los mejores pero cabría destacar su colaboración con Stan Getz con el guitarrista Joe Pass. Fue en esta época, 1974, cuando ganó el Premio Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz por un grupo. El álbum se llama The Trío. Vamos a escuchar ahora una mezcla de baladas, incluidas en este disco, en las que los cuatro músicos dejan de manifiesto su cualidades interpretativas. Ballad Medley Nuestro amigo no fue un derroche de salud que digamos. Peterson padecía de artritis desde su juventud, una enfermedad que para un pianista resulta letal. Siempre fue obeso, lo cual empeoraba la situación. Fumaba mucho y cada vez que intentaba abandonar al habito engordaba un poco más. Tuvo que ser operado de la cadera y ésto todavía empeoró su movilidad. Para terminar de arreglarlo, en 1993 sufrió un derrame cerebral que debilitó su lado izquierdo y le retiró de escena durante unos años. Aunque recuperó cierta habilidad en su mano izquierda, su destreza en la forma de tocar el piano se vio sensiblemente mermada. Su estilo pasó a basarse principalmente en su mano derecha. Volvió a escena en 1995 y aún recibió el Grammy Lifetime, por sus contribuciones creativas en el campo de la grabación. En 2007 su salud se vino abajo. Canceló sus planes de actuar en el Festival de Jazz de Toronto y en un concierto de estrellas del Carnegie Hall que se iba a dar en su honor. Peterson murió el 23 de diciembre de 2007 de insuficiencia renal en su casa en Mississauga, Ontario. Vamos a escuchar ahora Tour’s end, una canción compuesta por el propio Stan Getz. Es evidente que durante la grabación de este trabajo, los cuatro músicos se encontraban en estado de gracia. No hay un solo compás que desmerezca. Saxofón, piano, guitarra y bajo. No hace falta nada más. Bueno amigos, nos vamos a despedir de estos cuatro genios y del programa de hoy con otro número de su álbum: Three little words, en este caso compuesta por Oscar Peterson. Nos vemos y nos oímos dentro de quince días, hasta entonces… ¡¡¡Buenas Vibraciones!!!.

El piano de Joel

Play Episode Listen Later May 12, 2022 6:59

Reconocido como uno de los más finos pianista de rock and roll en la historia de la música, ganador en seis ocasiones del Premio Grammy, vendio más de 100 millones de discos en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos, hablamos de Billy Joel. Este artista estadounidense quien nació un 9 de mayo de 1949, grabó muchos éxitos populares desde 1973 hasta su retiro para grabar música pop en 1993. Joel es uno de los pocos artistas de rock y pop que estuvo en el "Top Ten" de los 70, 80, y 90. Billy Joel es considerado uno de los grandes cantautores de todos los tiempos y su legado en la cultura pop es sólo comparable con el de otros grandes como Elton John o Frank Sinatra. Hoy escucharemos uno de los grandes éxitos de Billy Joel The piano Man de manos del mismo Joel.

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Música y actuación: la emoción de la imagen. Dolores Fonzi + Julieta Venegas

MUBI Podcast: Encuentros

Play Episode Listen Later May 3, 2022 50:35

En este episodio se habla de la música en el cine como un catalizador de emociones y de diferentes métodos para abordar un personaje.Dolores Fonzi es una actriz argentina cuya filmografía se ha caracterizado por interpretar personajes con un amplio rango dramático: de espíritu libre completamente desenfadados y otros inquietantes que sufren una desazón permanente. Ha trabajado con importantes directores de su país como Damián Szifrón, Daniel Burman, Fabián Bielinsky y Santiago Mitre y otras figuras latinoamericanas como Claudia Llosa y Federico Veiroj. Ha sido nominada en distintas ocasiones a los Premios Martín Fierro y a los Cóndor de Plata y ha ganado estos mismos reconocimientos y otros en los festivales de Biarritz y Málaga por su personaje en La patota, de Santiago Mitre, estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes en 2015. Por su parte, Julieta Venegas es una de las artistas mexicanas más reconocidas a nivel mundial: compositora, cantante y productora musical, su carrera se ha desarrollado a lo largo de 25 años alcanzando gran popularidad por su estilo minimalista, una preferencia por los sonidos acústicos y letras emotivas. Ganadora de un Premio Grammy, seis Grammys Latinos y dos Billboard Awards, ha compuesto música para cine y debutó como actriz en 2017 en la obra de teatro La Enamorada, del escritor, dramaturgo y director de cine argentino Santiago Loza. En los últimos años, también ha sobresalido por su interés en la literatura y la crítica literaria.Dolores y Julieta hablan de sus más gratos recuerdos como espectadoras de cine y de dos formas distintas de enfrentarse a la palabra y las emociones: la música y la actuación. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

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Nada más que música - Paul Simon

Acercándonos a escuchar CDLA

Play Episode Listen Later Dec 8, 2021 44:40

Simon y Garfunkel fue, y es, un grupo mítico. Ya lo hemos visto en este programa. Pero en 1970, cuando disfrutaban de las mieles del éxito, acababan de lanzar su famoso “Puente sobre aguas turbulentas”, el dúo se separó. Una pena, pero la vida sigue y Simon emprendió, en solitario, su exitosa carrera. Una carrera que le ha consolidado como uno de los mejores cantautores de la historia de la música pop, ocupando en esta subjetiva lista el octavo lugar, según la revista Rolling Stone. Tras algunas grabaciones sin repercusión especial y algún reencuentro puntual con su viejo amigo Garfunkel, en diciembre de 1975 editó su nuevo LP, titulado Still Crazy After All These Years, “Todavía loco después de todos estos años”, en el que contó con los mejores músicos de sesión del momento y que está profundamente impregnado de una pátina de jazz. Las letras, salvo algunas incursiones en el genocidio judío o el béisbol, están repletas de sensaciones encontradas que le ocasionaban la dura experiencia de su reciente divorcio. El álbum fue un gran éxito, llegando a n.º 1 y vendiendo más de un millón de ejemplares. Una de las canciones más famosas de este disco es 50 Ways To Leave Your Lover, “50 maneras de dejar a tu amante”. 50 Ways to leave your lover CD 1, Corte 06 Otro éxito de este LP fue la canción que da título al álbum, Still Crazy After All These Years, “Todavía loco después de todos estos años”. Esta canción ha sido muy versionada: Rosemary Clooney, Ray Charles, Karen Carpenter y Willie Nelson, que incluyó su versión en la película Vaqueros del espacio, del 2000. Still crazy after all these years CD 1, Corte 19 Cuando su popularidad comenzó a disminuir, Simon se subió al carro de la música étnica, un género emergente en ese momento. En una visita a Sudáfrica, conoció a muchos músicos locales con los que hizo Graceland (1986), una exquisita fusión de su propia sofisticada poesía de conciencia con el du-duá de la Sudáfrica negra y la música coral zulú. Aunque algunos lo acusaron de robo cultural, es decir, la apropiación y explotación de la música de otra cultura, el álbum fue uno de los más comercialmente exitosos y aclamado por la crítica y ayudó a poner la música sudafricana en el escenario mundial. Esto es Graceland, la canción que da título al disco. Graceland CD 2, Corte 01 Simon realizó un viaje similar a Brasil para grabar Rhythm of the Saints (1990), una fusión aún más densa (y algo menos popular) de percusión de origen africano con el folk rock estadounidense. Sus letras, un poco extravagantes, debían mucho al poeta caribeño ganador del Premio Nobel, Derek Walcott. Walcott colaboró con Simon en The Capeman, el primer musical de Broadway de Simon, que se estrenó en enero de 1998 y que resultó ser un fracaso de crítica y publico. Esta basado en un famoso asesinato ocurrido en Nueva York en 1959 en el que estaba implicada una pandilla puertorriqueña. Con música de Simon, Walcott colaboró en las letras. La obra ponía en escena la música callejera de Nueva York, la música que le había inspirado y con la que quería poner de manifiesto la contribución de los hispanos al pop urbano. No fue suficiente. El espectáculo se estrenó en el Teatro Marqués el 29 de enero de 1998, y tuvo unas críticas malísimas. El espectáculo duró 68 representaciones. Vamos a escuchar dos de las canciones del espectáculo. Adiós hermanos, en castellano en el original, es la primera. Adiós hermanos CD 2, Corte 10 Esta es otra canción del fallido espectáculo. Born in Puerto Rico, escuchadla atentamente por que no tiene desperdicio. Born in Puerto Rico CD 2, Corte 11 Afortunadamente para Simon, no todo eran desgracias. Graceland seguía dándole satisfacciones. El sencillo You can call me al llega a lo más alto de las listas, gracias también al videoclip promocional en el que intervino Chevy Chase, el famoso cómico estadounidense. Pero vuelven los problemas, la ONU, nada menos, le declara persona non grata y lo incluyen en sus listas negras por haber roto el boicot impuesto a Sudafrica al contratar músicos de esta nacionalidad en el álbum y haber grabado parte del mismo allí. Finalmente, al ser evidente que lo único que había hecho era dar cara y ojos a un buen número de músicos negros del pais y poner en el mundo la música y la cultura sudafricana, en 1987 Paul Simón dejó de estar en las listas negras y en febrero de ese año comienza en Róterdam el Graceland Tour, auténtico fenómeno de masas universal que llevaría a Simon a recorrer durante dos años todo el mundo. Este año, Graceland obtiene el Grammy al mejor disco del año. You can call me al CD 2, Corte 04 En 1999, Simon se unió a Bob Dylan para una gira de verano en los Estados Unidos. La serie de conciertos, que puso fin a los ocho años de ausencia de Simon de los escenarios, marcó la primera vez que los dos artistas trabajaron formalmente juntos. Más tarde, ses mismo año, continuó una gira en solitario. You’re the one, “Tú eres el único”, es el décimo álbum de estudio en solitario de Paul Simon y fue editado en el año 2000. Este trabajo fue nominado para un Premio Grammy al Álbum del año en 2001. Con esta nominación, Simon se convirtió en el primer artista que conseguía ser elegido en cinco décadas consecutivas (1960-2000). Solamente Paul McCartney consiguió igualar esta marca en el año 2006. De este álbum es Darling Lorraine, “Querida Lorraine”. Darling Lorraine CD 2, Corte 13 So beautiful or so what, “Tan hermoso o tan qué”, es su duodécimo álbum de estudio. Simon, que ya se había experimentado con ritmos y melodias étnicas, volvió a componer canciones de una manera más tradicional, o sea, solo con su guitarra acústica. Aunque, bueno, en el estudio su productor Phil Ramone, las editó a su gusto. Según sus propias palabras “La música de So beautiful or so what se inspiró en el blues de África Occidental, combinado con tambores indios y armonías bluegrass”. Otra de las características de este trabajo son los simbolismos religiosos bastante evidentes en las letras de Simon y, aunque el autor no tenía ningún objetivo a priori sobre el tema, lo cierto es que, “las letras me fueron llevando a este resultado sin que yo tuviera nada que ver… o si”. En cualquier caso, el disco fue recibido con una aclamación generalizada por la crítica. Vamos a escuchar el tema que da nombre al disco, So beautiful or so what. So beautiful or so what Bueno pues… esto ha sido todo por hoy. Nos ha quedado claro que, si bien Garfunkel tiene una voz preciosa, el talento y la música la tiene Simon. Nos escuchamos en el próximo programa, aquí, en Sienteloconoido.caster.fm, tendremos más música, más músicos y más historias. Hasta entonces, … ¡¡¡Buenas vibraciones!!!.

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Steve Reich

Play Episode Listen Later Nov 19, 2021 8:49

Steve Reich, ganador de la Medalla de Oro de la Academia Americana de las Artes y Letras, es considerado como uno mejores compositores estadounidenses vivos. Su obra Trenes diferentes para cuarteto de cuerda y cinta que se estreno un día como hoy hace 33 años, es una obra maestra del Siglo XX. El «New York Times» la consideró como «un trabajo de tan asombrosa originalidad que un gran descubrimiento parece la única descripción posible... posee un impacto emocional absolutamente horrendo». La grabación del Kronos Quartet de Different Trains consiguió el Premio Grammy a la «Mejor composición contemporánea clásica» en 1990. Está basada en recuerdos de niñez del compositor cuando viajaba en tren desde Nueva York a California en los años 40 y, en el mismo tiempo, en Europa, los trenes del Holocausto, viajaban hacia la muerte. La obra está compuesta en tres partes: I- América, antes de la guerra, II- Europa, durante la guerra, III- Después de la guerra, donde grabaciones de voces originales de los supervivientes de los campos exterminios están entremezcladas con los silbatos de trenes y de música pre-grabada usando así programas digitalizados, todo un hito en la historia de la música clásica. Hoy escucharemos un fragmento de la 3era parte: Después de la guerra, de manos del Grupo Instrumental Siglo XX.

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152: Lateralus - TOOL

MetalProgPop Cast

Play Episode Listen Later Oct 11, 2021 119:39

Lateralus (2001) es el tercer álbum de estudio de la banda de metal progresivo Tool. El disco se publicó el 15 de mayo de 2001 mediante el sello Volcano Entertainment. En los Estados Unidos, debutó en la primera posición de la lista Billboard 200 en su lanzamiento inicial, vendiendo 555 200 copias en su primera semana de lanzamiento. El 5 de agosto de 2003, fue certificado doble disco de platino en los Estados Unidos por parte de la RIAA. Hasta julio de 2010, el álbum vendió 2 609 000 copias en los Estados Unidos. La banda recibió el Premio Grammy a la mejor interpretación de metal por la canción «Schism», en 2002.

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Images de Mongo Santamaría

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Play Episode Listen Later Apr 22, 2021 55:34

En 1979 Mongo Santamaría venía de grabar el álbum Red Hot, producido por Jay Chattaway y plagado de estrellas con el sello Columbia, que estaba haciendo a su vez colaboraciones con Fania Records en diferentes producciones. O sea, en el fondo fue también un trabajo para Fania, dueña de Vaya Records con el que había ganado un Premio Grammy dos años atrás. Y no se trató de una licencia para grabar con otra compañía. A finales de ese año 79 Mongo grabó Images, que salió publicado al año siguiente y que marcó un punto de inflexión en su carrera. De ese disco hablaremos hoy en La Hora Faniática.

Las Comadronas - Grammys Picantes

Las Comadronas

Play Episode Listen Later Mar 16, 2021 38:58

Análisis de la 63 Entrega del Premio Grammy

grammy entrega premio grammy

Lo Mejor de la Vida es Gratis - 15/03/2021 - Discos con historia

Lo Mejor de la Vida es Gratis

Play Episode Listen Later Mar 15, 2021

La historia de la música está repleta de discos históricos, por un motivo u otro. Esta semana el programa se finará en tres. En 1971, aprovechando una actuación en Londres del gran bluesmen HOWLIN WOLF, famosos del rock y el blues británico aprovechan para grabar con él el álbum LAS SESIONES LONDINENSES DE HOWLIN WOLF. En 1974 se juntan en Italia el genio del tango ASTOR PIAZZOLLA y el saxofonista de jazz GERRY MULLIGAN para grabar el famoso GRAN ENCUENTRO. Y en el 2001 el contrabajista estadounidense CHALIE HADEN decide reunir a grandes músicos latinos para grabar un disco dedicado a boleros que obtendrá el Premio Grammy más famoso en música latina con el título de NOCTURNO. Son… DISCOS CON HISTORIA

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Survivor - (Corazones Ardientes , Hacia La Dulce Victoria)

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Play Episode Listen Later Mar 7, 2021 75:27

La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Survivor es una banda estadounidense de Hard Rock y AOR (Adult Oriented Rock), formada en 1976 por Jim Peterik y Frankie Sullivan. La banda alcanzó su mayor éxito en la década de los 80s, sobre todo en su país de origen. Destacan sus éxitos "Eye of the Tiger" y Burning Heart , canciones principales de las películas de culto Rocky III (1982) y Rocky IV (1984). Survivor se formó en 1977, cuando Jim Peterik (ex vocalista y guitarrista de The Ides of March) , Frankie Sullivan, Dave Bickler, Gary Smith y Dennis Johnson comenzaron a tocar en pequeños pubs. Fue en 1979, que grabaron su primer disco llamado "Survivor", que no cumplió las expectativas del grupo. Su siguiente disco, "Premonition", en 1981 entró en las listas y fue bastante popular en Estados Unidos, consiguiendo colocar un sencillo en el Top 40, "Poor Man's Son". En 1982, la suerte en forma de Sylvester Stallone llamó a las puertas del grupo. Este último, tras escuchar el tema "Poor Man's Son" quería una canción parecida para su película "Rocky III". La banda aceptó el reto. Teniéndose siete semanas. También entró en el Billboard británico manteniéndose seis semanas en el Top 40 y se mantuvo en el nº1 en Australia durante cuatro semanas. El tema fue premiado con un Premio Grammy a la mejor interpretación de rock, votado como el "Mejor Tema Nuevo" en los People's Choice Award y también recibió una nominación a los Oscar de la Academia. El álbum del mismo título, Eye of the Tiger fue lanzado a finales de 1982, con otro single que entraría en el Top 40, "American Heartbeat" (nº17). El álbum consiguió el nº2 de las listas en Estados Unidos. En 1983, Survivor intentó repetir el éxito de "Eye of the Tiger" sacando "Caught in the Game". Resultó ser un fracaso al no pasar del nº82 del Billboard en Estados Unidos. Ninguno de los dos singles extraídos del disco consiguió acercarse al éxito del año anterior. La banda sufrió otro percance antes de la gira de finales de 1983, al detectarse problemas vocales en el cantante Dave Bickler y tener que ser sustituido por Jimi Jamison de los grupos Target y Cobra. En el año 1984 graban el tema "The Moment of Truth" (nº 63 en Estados Unidos), para la banda sonora y tema principal del éxito de taquilla "Karate Kid" (1984.) Ese mismo año, 1984, la banda entra nuevamente al estudio para grabar el primer disco con Jimi Jamison. "Vital Signs" devolvió al grupo a la popularidad, llegando al nº16 del Billboard con el impulso de sencillos como "I Can't Hold Back" (nº 13 en EE.UU.), "High On You" (nº8) o "The Search Is Over" (nº4). En 1985, sacaron otro single, "Burning Heart" de la banda sonora de "Rocky IV", que alcanzó el nº 2 del Billboard. El siguiente álbum que publicó la banda sería "When Seconds Count" que salió en 1986 e incluía el single "Is This Love" (nº 9 en EE.UU.). En el Billboard de discos, alcanzó el nº 49, vendiendo más de 500.000 copias y fue certificado como Disco de Oro. Durante la producción del 7º disco, "Too Hot To Sleep" (1988), Ellis y Droubay fueron sustituidos por dos músicos de sesión, Mickey Curry en la batería y Bill Syniar en el bajo. El disco sonaba más duro que sus últimos éxitos y se acercaba más al sonido de sus principios. "Too Hot To Sleep" no llegó a tener un gran éxito y se quedó en el nº 187 en EE.UU. Tras el fracaso de ventas de "Too Hot To Sleep", Jim Peterik y Frankie Sullivan deciden parar la banda indefinidamente. Sin embargo, Jimi Jamison sigue girando con un grupo de músicos locales tocando canciones de Survivor y en 1990 saca un disco en solitario. Sigue girando pero esta vez bajo el nombre Survivor y tras un pequeño éxito internacional Sullivan entra en la banda para hacer unos 10 conciertos y luego volver a abandonar. Entre finales de 1992 y principios de 1993 se pide a Survivor sacar un nuevo disco de éxitos pero con 2 temas nuevos. Por lo tanto, durante un corto periodo de tiempo, Peterik, Sullivan y Jamison volvieron a estar juntos en el estudio para grabar esos temas y prepararse para la próxima gira mundial. Después de discusiones sobre los contratos Jamison deja la banda y vuelve a girar como Jimi Jamison's Survivor. En la primavera de 1993 Peterik y Sullivan vuelven a reunirse con el primer cantante, Dave Bickler, sacan un "Greatest Hits" con dos temas nuevos y vuelven a hacer una gira mundial. Debido a que Jamison sigue girando bajo el nombre de Survivor, Peterik y Sullivan deciden ir a juicio contra él para recuperar el nombre de la banda. Entre 1993 y 1996 graban unas 20 demos para un nuevo disco pero no pueden conseguir un contrato discográfico debido a los continuos juicios por el nombre del grupo. Finalmente Peterik decide abandonar la banda tocando por última vez con Survivor el 3 de julio de 1996 en el festival "The Eye In The Sky" en Lisle, Illinois. Survivor reemplazan a Peterik por el compositor y teclista Chris Grove, mientras Peterik vuelve a grabar y girar con Ides of March y funda su nuevo grupo, Pride of Lions. En 1997 Marc Droubay vuelve a Survivor como batería y percusionista y Stephen Elis deja el grupo y es sustituido por Billy Ozzello al bajo. Survivor siguen grabando demos para un próximo disco, incluyendo temas como "Rebel girl'98" o "Lies" del disco en solitario de Sullivan. En 1999, Jamison saca su disco "Empires" bajo el nombre de "Jimi Jamison's Survivor" que más tarde sería reeditado bajo su propio nombre. A finales de año, Frankie Sullivan obtiene todos los derechos sobre el nombre de Survivor y la batalla judicial llega a su fin. A principios del 2000, Dave Bickler es despedido dando origen a una nueva colaboración entre Sullivan y Peterik. Con Jamison de nuevo en el grupo, la banda vuelve a grabar nuevo material, sacando el tema "Velocitized" para la película de Sylvester Stallone "Driven". Mientras siguen girando por Norte América , Europa y Asia. El 21 de abril de 2006, Survivor saca un nuevo disco, "Reach", compuesto en su mayoría de temas nuevos pero con algún tema recuperado de sus demos. El 14 de julio del mismo año, se anuncia la marcha de Jamison y el fichaje de Robin McAuley, "McAuley Schenker Group". Con la partida de McAuley el 2011 Jamison se vuelve a reunir con la banda y desde 2013 al presente Dave Bickler también se reúne a la banda El 31 de agosto de 2014 fallece Jimi Jamison a consecuencia de problemas cardiacos en su casa en Memphis

CASO SELENA QUITANILLA ( FT. BEKER & JUAN) || EP. 15

Escena del Crimen Dgo.

Play Episode Listen Later Feb 23, 2021 50:17

MÚSICA DE CONTRABANDO T30C062 The Black Keys acaban de publicar la reedición remasterizada del disco "Brothers", publicado originalmente en 2010 y ganador de un premio Grammy. (13/01/2021)

Música de Contrabando

Play Episode Listen Later Jan 13, 2021 93:33

En Música de Contrabando, revista diaria de música en Onda Regional de Murcia (orm.es, 00,00h). The Black Keys acaban de publicar la reedición remasterizada del disco "Brothers", publicado originalmente en 2010 y ganador de un premio Grammy. Nueva edición décimo aniversario que contiene tres temas extra. Foo Fighters muestran un nuevo adelanto del que será su próximo álbum de estudio, MEDICINE AT MIDNIGHT. ‘Chemtrails Over the Country Club’ es otra canción en la que Lana Del Rey sigue mimando su fórmula para sonar como una evolución de su aclamado disco anterior. Linkin Park continúa celebrando el 20 aniversario de "Hybrid Theory" con la publicación de una remezcla de "One step closer" realizada por 100 gecs. Tras sorprender el pasado mes de diciembre con el nuevo single "Hi" en colaboración con Wu-Tang Clan, Texas ofrece ahora la versión sin él . Sleaford Mods lanzan “Nudge It”, con la colaboración de Amy Taylor (Amyl And The Sniffers). Everything is Recorded y Clipz estrenan "the night" y "dream i never had", doble adelanto de drum & bass de Saturday specials - the clipz remixes, disco de remezclas a cargo del productor de Bristol . Inverfest 2021 se desarrollará en cinco sedes: Teatro Circo Price, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Teatro Coliseum, Sala La Riviera y Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas (DEPEDRO). Midnight Mystery Theatre estrenan su nuevo álbum «Golgotha«. Johnny Lorca firma un emotivo homenaje a Boni de Barricada. "Amigos Para Nunca (Confía Y Te La Lían)", nuevo Single y video extraído del Mini-LP "Va totalmente en serio..." de Aiko el grupo. “No sé decirte adiós”, es el nuevo adelanto del próximo álbum de Javier Ojeda a publicar en primavera de 2021. Bajo el título de DeCantando, este trabajo tiene la peculiaridad de ser dos discos en uno, ya que son dos proyectos distintos en concepto, producción e instrumentación. La nueva entrega de la trilogía de THE YELLOW MELODIES, "Sunshine Pop EP 2", ya se encuentra disponible en plataformas digitales. GLAS estrena su nuevo single, No quiero estar aquí, con la colaboración de Grises!. "Azul ultramar" de Marco MarilL (ex-Apenino) tercer single digital adelanto su futuro LP en primavera.En un mundo en el que cada vez la tecnología invade más aspectos de nuestras vidas, 'Metamorphosis' , nuevo single de SHAMAN SHAMAN , representa el culmen de la inevitable transformación del ser humano en una máquina sólo roto por el grito de rabia que responde al obsesivo ritmo de la canción. (Entrevista con su cantante, Eduardo Pons).

ARMANDO MANZANERO - MUERE POR CAUSA DEL COVID - 19.

Críticas Musicales Con Papa Rubirosa

Play Episode Listen Later Dec 28, 2020 8:39

Armando Manzanero Canché (Mérida, Yucatán, 7 de diciembre de 1935-Ciudad de México, 28 de diciembre de 2020)1234 fue un cantautor, compositor, actor, músico y productor discográfico mexicano, considerado uno de los grandes compositores en lengua española de la historia de la música. Escribió más de cuatrocientas canciones, de las cuales más de cincuenta han alcanzado fama internacional, como "Somos novios, "Esta tarde vi llover" y "Contigo aprendí". Sus temas le ganaron el sobrenombre del Rey del Romanticismo. Fue ganador de un Premio Grammy a la carrera artística el cual es un Grammy especial con el que han sido premiadas grandes personalidades musicales, y que se entrega a artistas que han hecho destacables contribuciones al campo de la discografía. Participó en numerosos programas de radio y televisión, grabó más de treinta discos y musicalizó numerosas películas. Era hasta la fecha el presidente de la Sociedad de Autores y Compositores de México. Falleció el 28 de diciembre de 2020, por complicaciones derivadas de la COVID-19 --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app --- Send in a voice message: https://anchor.fm/paparubirosa/message Support this podcast: https://anchor.fm/paparubirosa/support

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Bebel Gilberto, 20 años de Tanto Tempo

Brazilab

Play Episode Listen Later Nov 23, 2020 55:34

En este noviembre de 2020, Béco Dranoff inaugura la série "Brazilab Foco", programas enteros dedicados a un artista o grupo considerados pilares de la música moderna de Brasil. El primer programa de esta serie se enfoca en Bebel Gilberto y su álbum Tanto Tempo (Ziriguiboom/Crammed Discs), lanzado en abril de 2000. Como co-productor del disco, Béco participó activamente en la creación del proyecto que envolvió a un equipo selecto de productores como Suba, Mario Caldato, Thievery Corporation, Chris Franck, Amon Tobin y otros. Tanto Tempo recibió dos nominaciones al Premio Grammy y se convirtió en la banda sonora del comienzo del nuevo milenio, catapultando el talento de Bebel a escenarios internacionales. Bebel ha colaborado en proyectos de personajes como Caetano Veloso, Carlinhos Brown, Cazuza, Arto Lindsay, David Byrne, Towa Tei o Thomas Bartlett, haciendo que sus creaciones fueran remixadas por nombres influyentes de la música electrónica como Peter Kruder, Guy Sigsworth, King Britt, Chateau Flight y muchos más. Sus proyectos especiales incluyen un dueto póstumo con Nat King Cole, el proyecto solidario Red Hot + Rio, y el soundtrack del filme de animación Rio. Esta selección musical es personal y subjetiva en medio de una vasta cantidad de perlas de Bebel. Su trabajo en Tanto Tempo renovó el interés por la bossa nova abriendo las fronteras del pop internacional para la música de Brasil. Tanto Tempo fue incluido en el libro 1001 Records You Must Hear Before You Die, de Robert Dimery.

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Foo Fighters / Gira Latinoamericana 2015

Ruta 89 > Rock y Pop de los 80 y 90

Play Episode Listen Later Nov 10, 2020 58:29

Foo Fighters es una banda estadounidense de rock alternativo formada en la ciudad de Seattle en 1994 por Dave Grohl, exbaterista de Nirvana y Scream. El grupo debe su nombre a los ovnis y los diversos fenómenos aéreos que fueron reportados por los pilotos de los aviones aliados en la Segunda Guerra Mundial, que se conocen colectivamente como Foo Fighters. Antes del lanzamiento de su álbum debut en 1995, Grohl, como único miembro oficial, reclutó al bajista Nate Mendel y el baterista William Goldsmith, ambos anteriormente miembros de Sunny Day Real Estate, así como su compañero en las giras de Nirvana, Pat Smear como guitarrista para completar la alineación. La banda comenzó con actuaciones en Portland, Oregón. Goldsmith renunció durante la grabación del segundo álbum del grupo, "The Colour and the Shape" (1997), cuando la mayoría de las partes de batería fueron re-grabadas por el propio Grohl, hasta que luego se unió Taylor Hawkins como baterista. La partida de Smear siguió poco después. Fue reemplazado por Franz Stahl, respectivamente, aunque fue despedido antes de la grabación del tercer álbum del grupo, "There Is Nothing Left to Lose" (1999). La banda continuó brevemente como trío hasta que Chris Shiflett se unió como guitarrista principal de la banda después de la finalización de "There Is Nothing Left to Lose". La banda lanzó su cuarto álbum, "One by One", en 2002. El grupo siguió esa versión con la de dos discos "In Your Honor" (2005), que se divide entre canciones acústicas y material más pesado. Pat Smear volvió a la banda en ese mismo año. Foo Fighters han vendido más de 15 millones de discos en todo el mundo. Foo Fighters lanzó su sexto álbum, "Echoes, Silence, Patience & Grace" en 2007. En 2010, se confirmó que Smear se había unido oficialmente a la banda después de la gira con Foo Fighters como un miembro no oficial entre 2006 y 2009. En el transcurso de la carrera de la banda, cuatro de sus álbumes han ganado el Premio Grammy al mejor álbum de rock. El séptimo álbum de estudio de la banda, "Wasting Light", producido por Butch Vig (reconocido productor de Nirvana), fue lanzado en 2011 y su octavo álbum, "Sonic Highways", además de su segundo grabado con Butch Vig, se dio a conocer en noviembre de 2014. Su noveno álbum fue "Concrete and Gold", producido por Greg Kurstin y lanzado en todo el mundo el 15 de septiembre de 2017, a través de RCA Records. El álbum presenta una fusión de géneros musicales como Hard rock y Pop.

Foo Fighters / Gira Latinoamericana 2015

Ruta 89 > Rock y Pop de los 80 y 90

Play Episode Listen Later Nov 10, 2020 58:29

Foo Fighters es una banda estadounidense de rock alternativo formada en la ciudad de Seattle en 1994 por Dave Grohl, exbaterista de Nirvana y Scream. El grupo debe su nombre a los ovnis y los diversos fenómenos aéreos que fueron reportados por los pilotos de los aviones aliados en la Segunda Guerra Mundial, que se conocen colectivamente como Foo Fighters. Antes del lanzamiento de su álbum debut en 1995, Grohl, como único miembro oficial, reclutó al bajista Nate Mendel y el baterista William Goldsmith, ambos anteriormente miembros de Sunny Day Real Estate, así como su compañero en las giras de Nirvana, Pat Smear como guitarrista para completar la alineación. La banda comenzó con actuaciones en Portland, Oregón. Goldsmith renunció durante la grabación del segundo álbum del grupo, "The Colour and the Shape" (1997), cuando la mayoría de las partes de batería fueron re-grabadas por el propio Grohl, hasta que luego se unió Taylor Hawkins como baterista. La partida de Smear siguió poco después. Fue reemplazado por Franz Stahl, respectivamente, aunque fue despedido antes de la grabación del tercer álbum del grupo, "There Is Nothing Left to Lose" (1999). La banda continuó brevemente como trío hasta que Chris Shiflett se unió como guitarrista principal de la banda después de la finalización de "There Is Nothing Left to Lose". La banda lanzó su cuarto álbum, "One by One", en 2002. El grupo siguió esa versión con la de dos discos "In Your Honor" (2005), que se divide entre canciones acústicas y material más pesado. Pat Smear volvió a la banda en ese mismo año. Foo Fighters han vendido más de 15 millones de discos en todo el mundo. Foo Fighters lanzó su sexto álbum, "Echoes, Silence, Patience & Grace" en 2007. En 2010, se confirmó que Smear se había unido oficialmente a la banda después de la gira con Foo Fighters como un miembro no oficial entre 2006 y 2009. En el transcurso de la carrera de la banda, cuatro de sus álbumes han ganado el Premio Grammy al mejor álbum de rock. El séptimo álbum de estudio de la banda, "Wasting Light", producido por Butch Vig (reconocido productor de Nirvana), fue lanzado en 2011 y su octavo álbum, "Sonic Highways", además de su segundo grabado con Butch Vig, se dio a conocer en noviembre de 2014. Su noveno álbum fue "Concrete and Gold", producido por Greg Kurstin y lanzado en todo el mundo el 15 de septiembre de 2017, a través de RCA Records. El álbum presenta una fusión de géneros musicales como Hard rock y Pop.

Europe - (Aquel Final, De La Cuenta Atras - 26/05/1986.....)

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Play Episode Listen Later Sep 28, 2020 110:15

La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Europe es una banda sueca de hard rock y glam metal, fundada en la localidad de Upplands Väsby, un suburbio de Estocolmo en 1979 bajo el nombre de Force por el vocalista Joey Tempest y el guitarrista John Norum. Su estilo incorpora elementos del hard rock y el heavy metal. Durante los '80 y principios de los '90 estuvieron influenciados por el glam metal de la época, aunque su sonido estaba más cercano al metal melódico. Desde su regreso en 2003 y hasta la actualidad, su música maduró alejándose del sonido que les había caracterizado durante los ochenta, adoptando un estilo menos comercial y más arraigado al heavy metal. En total, Europe ha lanzado diez álbumes de estudio, tres álbumes en concierto, tres recopilaciones y diecisiete vídeos musicales. Europe logró reconocimiento internacional en la década de los 80 con su tercer álbum The Final Countdown (1986), con un notable éxito comercial y vendió más de 15.5 millones de copias solo en Estados Unidos. La banda fue uno de los más exitosos espectáculos de rock en la década y vendió más de veinte millones de álbumes en ese país y más de 60 millones de álbumes alrededor del mundo. El grupo tuvo en total dos discos en el Top 20 en la lista de Billboard 200 (The Final Countdown y Out of This World) y dos sencillos en el Top 10 de Billboard Hot 100 ("The Final Countdown" y "Carrie") A raíz de la significativa pérdida de popularidad que afectó al género a inicios de los 90, Europe se tomó un largo receso en 1992, reuniéndose temporalmente en una única presentación en Estocolmo, para una celebración del año nuevo en 1999. La anunciada y esperada reunión oficial ocurrió en 2003. Desde entonces, y bajo un nuevo estilo, han publicado seis discos más: Start from the Dark (2004), Secret Society (2006), Last Look at Eden (2009), Bag of Bones (2012), War of Kings (2015) y Walk the Earth (2017). En 1978 Joey Tempest (en ese entonces Joakim Larsson) fue a ver un concierto de otra banda local, WC. Quedó particularmente impresionado por su guitarrista. "Cuando yo tenía 15 años, descubrí un guitarrista, un año menor que yo, que tocaba su instrumento con el corazón y el alma, y con un blues sensacional que nunca había oído en un músico sueco. Su nombre era John Norum y después de ese día nada volvería a ser lo mismo" - explicó en una entrevista. Joakim y John pronto se hicieron buenos amigos, gracias a su interés común por la música y las motocicletas. En 1979, se le pidió a Larsson unirse a la banda de Norum, WC. Él aceptó, y sugirió que el grupo podía cambiar su nombre. La primera encarnación de la banda fue llamada Force, y fue fundada en el suburbio de Upplands Väsby, Estocolmo. Estuvo integrada por el vocalista y teclista Joakim Larsson, el guitarrista John Norum, el bajista Peter Olsson y el baterista Tony Reno. El nombre fue sugerido por el propio Larsson a Norum, después de escuchar el álbum “Force it” (1975), del grupo UFO, el cual le resultó fascinante. “Recuerdo cuando empezamos con la banda Force, tocábamos covers en un cuarto de ensayo porque queríamos aprender a tocar nuestros instrumentos, como todas las bandas”, dijo Tempest. “Entonces un día dijimos que tal vez deberíamos hacer nuestras propias cosas. Nadie tenía ideas, por lo que yo interpuse las mías en la sala de ensayos, y es entonces cuando empezamos a escribir nuestras propias cosas”.5 Con dicha formación, se presentaron en festivales y distintos clubes nocturnos de su país natal. Force vendió algunos demos a algunas compañías de discos locales, pero se les dijo que para publicar su trabajo debían cortarse el pelo y cantar en sueco. Dos años más tarde, sin que la banda se hiciera aún un hueco importante, Olsson los abandonó por problemas personales con Larsson, siendo sustituido por John Levén, Apenas un par de meses antes, Levén estuvo en Rising Force de Yngwie Malmsteen mientras el bajista Marcel Jacob se incorporó brevemente a Force. Esto fue únicamente por tres meses: al parecer, Levén tenía problemas con Malmsteen, así que él y Jacob negociaron intercambiarse una vez más y de forma definitiva. En 1982, la novia de Larsson los inscribió en el concurso de talentos de rock nacional “Rock -SM", y una vez más Joakim sugirió un cambio de nombre al grupo, esta vez al actual Europe, inspirado en el álbum de Deep Purple en directo "Made in Europe". Para esta misma época Joakim Larsson adoptó el nombre artístico de Joey Tempest. Compitieron contra 4000 bandas, y allí ellos ganaron con dos canciones,, "In the Future to Come" y "The King Will Return". El premio fue un contrato con Hot Records. Tempest ganó el premio de “Mejor Cantante”, y Norum el de “Mejor Guitarrista” ' El auto titulado álbum debut fue lanzado al año siguiente y se vendió muy bien en Suecia y Japón. El disco alcanzó un notable número 8 en listados suecos y el sencillo "Seven Doors Hotel" llegó al top 10 en listados de Japón. El segundo disco Wings of Tomorrow fue lanzado justo un año después en 1984 y su sencillo "Open Your Heart" mostró interés para CBS Records quines le ofrecieron un contrato internacional en 1985. uno de los álbumes más importantes fue Wings of Tomorrow”, comentó Tempest, “Estábamos aprendiendo a escribir canciones y John empezó a tocar algunas cosas realmente interesantes en la guitarra. Nos convertimos en una banda mejor, y esa fue una buena época para la banda” La incorporación del teclista Mic Michaeli fue otro punto acertado en la dirección que llevaba Europe, y le permitió a Tempest concentrarse únicamente en cantar y componer. Originalmente, Michaeli los acompañó únicamente en las giras de conciertos, hasta convertirse en un miembro oficial y permanente en muy poco tiempo. Adicionalmente, Michaeli demostró gran habilidad en escribir canciones, Al mismo tiempo, Tony Reno fue despedido debido a su falta de motivación y a la supuesta pérdida de ritmo en los ensayos. Su reemplazo fue Ian Haugland, En 1985, Europe grabó la banda sonora de la película On the Loose, la cual les dio el éxito posterior con "Rock the Night", Algunos meses más tarde. Tempest participó escribiendo un tema para el proyecto de caridad sueco para la hambruna en Etiopía, llamado Swedish Metal Aid. Compuso "Give a Helping Hand", el cual presentó a las mayores estrellas de rock y metal de Suecia. El disco fue producido por el guitarrista de Easy Action, Kee Marcello, quien solo un año después sería un miembro oficial de Europe. En septiembre de 1985, Europe empezó a grabar su siguiente disco con el productor de Journey, Kevin Elson. El resultado fue el célebre The Final Countdown. Lanzado el 26 de mayo de 1986, el álbum le dio a la banda su lugar en el mercado internacional, y fue certificado como Triple Platino en Estados Unidos. y alcanzó el número 8 en el Billboard 200 chart. La canción tema, fue basada en un riff de teclado que compuso Tempest entre 1981 y 1982, y fue publicada como el primer sencillo con un éxito sin precedentes para un grupo de rock sueco alrededor del mundo, llegando a ser número 1 en 25 países. A pesar del éxito, John Norum no se encontró satisfecho con el nuevo estilo musical de Europe, con una producción dominada por el uso de teclados en disminución de su aporte en la guitarra, así como la nueva imagen comercializada, así que decidió abandonarlos en noviembre de 1986 para iniciar su carrera en solitario. En una entrevista expresó con dureza su grado de insatisfacción. ”No me gustó mucho la dirección en la que iba la banda", dijo Norum. "Nos convertimos en este grupo para adolescentes, una banda de goma de mascar y odiaba toda la imagen, spandex y cosas tipo perro lanudo de rock. Yo estaba más en lo más pesado, material orientado a la guitarra y parecía que los teclados se estaban tomando más y más, y cada vez eran más comerciales. Así que decidí salir. Solo quería seguir adelante y hacer algo". A Kee Marcello se le consultó si quería reemplazarlo, y después de alguna consideración, se incorporó a la banda. Marcello entró justo en el pico comercial de Europe: participó en tres vídeos de sencillos de The Final Countdown y en la exitosa gira por Europa y Estados Unidos que lo sucedió en 1987. El siguiente trabajo fue titulado Out of This World publicado en 1988. El mayor hit del álbum fue "Superstitious" que alcanzó el número 31 en la Billboard Hot 100 y el número 9 en el Mainstream Rock Tracks. "Superstitious" fue su último tema en listas americanas.3 El álbum fue certificado platino en Estados Unidos y alcanzó el número 19 en la Billboard 200t.27 Una nueva gira lo sucedió por Estados Unidos, junto con Def Leppard y un concierto masivo en el National Bowl ein Milton Keynes, Inglaterra con Bon Jovi, Skid Row y Vixen. En septiembre de 1989, Europe hizo un show en el club Whisky a Go Go en West Hollywood, California bajo el pseudónimo de Le Baron Boys. Ese nombre fue utilizado más tarde por una edición bootleg, que contiene grabaciones de demo grabadas entre 1989-90. Dos años más tarde, publicaron su álbum Prisoners in Paradise, pero recibió una atención muy limitada debido al “boom” mediático del movimiento de rock alternativo (grunge) que afectó negativamente a todos los artistas ajenos al género a inicios de los 90. El éxito de bandas como Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam eclipsó por completo a las agrupaciones glam metaleras de los 80, y muchas desaparecieron, entre ellas la propia Europe. A pesar de que las ventas fueron comparativamente bajas con respecto a sus anteriores publicaciones, el sencillo "I'll Cry for You" alcanzó un digno número 28 en listados del Reino Unido, prácticamente el último éxito notable que lograron en charts fuera de Suecia. En febrero de 1990 la banda participó en el Festival Internacional de La Canción de Viña Del Mar, durante el cual tienen una increíble y notable presentación con gran éxito de sintonía lo cual hace que la banda se presente en dos oportunidades siendo premiado por el público con la Antorcha de Plata. En el Año Nuevo de 1991, Europe se separó luego de un show en el Tokyo Dome, Japón, en una actuación junto a Tesla, Thunder y Metallica. El concierto, casualmente, tuvo el nombre de "Final Countdown '91". Después de diez años con altibajos comerciales, grabando o de gira, Europe se tomó un descanso al final de la gira de 1992. Los integrantes se sentían algo agotados de ese ritmo de vida, y la popularidad del grupo había decaído por completo. “Recuerdo que en el autobús después de la gira estábamos hablando cuando todo esto estaba pasando y creo que era el momento, con el consenso de la banda, que realmente nos sentíamos listos para tomarnos un descanso ", dijo Tempest. "Sentimos que era momento de establecerse y yo estaba realmente con la idea de hacer mi propio álbum en solitario”. En esa ocasión, Tempest y Marcello publicaron sus álbumes en solitario, mientras los otros miembros se integraron en diferentes proyectos con otras bandas. Los miembros del grupo empezaron a discutir la posibilidad de una reunión de Europe a partir de 1998. "Mic y Ian me empezaron a visitar en Irlanda”, comentó Tempest, “Entonces mientras estábamos allí, John Norum llamó desde Los Ángeles, y estábamos como 'Sí, tal vez ahora es el momento adecuado para que las cosas comenzaran de nuevo' ". Para las celebraciones del año 2000, Europe fue convocado para un concierto en Estocolmo. Ese sería el primer y único concierto del grupo con el dúo de guitarristas de John Norum y Kee Marcello. Allí tocaron “Rock the Night” y “The Final Countdown” A través de los años, los rumores de una reunión se acrecentaron, y el 2 de octubre de 2003, el anuncio se hizo oficial: Europe anunció planes de grabar un nuevo álbum y un tour mundial. El nuevo line-up fue el clásico con John Norum como único guitarrista, "No cabe duda de que quería que John regresara, y John quería volver ", dijo Tempest. "Para mí era importante conseguir otra vez esa chispa que teníamos antes”. Kee Marcello, en cambio, declaró que estaba muy ocupado con sus propios proyectos. "Yo les dije que no quería participar en un (nuevo) álbum de estudio porque musicalmente, quiero ir en un tipo dirección diferente que la que muestra Europe”, manifestó en una entrevista. “Entonces hablamos por algún tiempo de hacer un tour de seis piezas – no hubo forma por diferentes razones” La composición del nuevo álbum Start from the Dark, comenzó a inicios de 2003. “Era sólo cuestión de seguir adelante y escribiendo canciones para el nuevo álbum" comentó Tempest, "que siempre fue nuestra intención. Pensamos que si íbamos a hacer una reaparición, queríamos hacerlo bien, y eso lo que significó es que queríamos escribir y grabar algunas canciones nuevas, un nuevo álbum”. Para la grabación de Start from the Dark, decidieron trabajar con el productor Kevin Elson, quien también lo hizo en The Final Countdown. "Nosotros bien podríamos ir con un productor más joven, o podemos ir con alguien que conocíamos, alguien con experiencia que esté en la misma onda que la banda. Así que al final decidimos que Kevin sería la elección perfecta”, puntualizó Tempest. En el verano de 2004, Europe realizó presentaciones en distintos festivales a través del continente europeo. El repertorio de temas incluyeron temas del nuevo disco Start from the Dark. Dicho álbum fue lanzado el 22 de setiembre de 2004, el mismo día que Norum fue padre. Start from the Dark presentó un sonido más moderno comparado con los de trabajos previos. “Quisimos hacer algo que por lo menos fuera un poco relevante ahora; un poco de una mezcla seca, desafinando un poquito”, aseguró Tempest. “Nos sentíamos tan cómodos que no quisimos hacer un álbum de los 80 por sí mismo, acabamos por querer comenzar como una banda fresca realmente”. Finalmente, el álbum solo vendió 600,000 copias alrededor del mundo, cifra muy inferior al de discos anteriores. El séptimo álbum fue llamado, Secret Society publicado el 26 de octubre de 2006. "Creemos que es uno de los álbumes más fuertes de Europe que se hayan hecho", comentó el vocalista Joey Tempest, "Hay definitivamente más materia melódica en esto. Start from the Dark era muy crudo e hizo una declaración, la cual es buena, pero para nosotros se sentía como un álbum debut en cierta manera, así que nosotros queríamos ampliar un poquito en éste y llevarlo a nuevos niveles". El 26 de enero de 2008, Europe hizo un concierto semi-acústico en Nalen, Estocolmo, llamando al evento Almost Unplugged. El grupo fue acompañado por un cuarteto de cuerdas que interpretaron versiones de sus propias canciones, así como lo hicieron también con composiciones de bandas que influenciaron el sonido de Europe por años, tales como Pink Floyd, UFO, Led Zeppelin y Thin Lizzy. El álbum debutó en el número 26 de los listados suecos (Swedish Album Chart) y llegó como máximo al número 26 en la siguiente semana, El 23 de julio de 2008, compartieron créditos en un concierto con Whitesnake en Padua, Italia. Durante la intervención de Whitesnake con su clásico "Still of the Night ", Joey Tempest interpretó junto a David Coverdale en el escenario para los últimos coros, En agosto de 2008, Europe fue parte del acto de apertura para Deep Purple para dos conciertos en Suecia, en las ciudades de Linköping el 8 de agosto y Ystad el 9 de agosto. John Norum tocó junto a Deep Purple en el escenario la canción "Smoke on the Water". El 21 de julio de 2009, el bajista y uno de los miembros de Force, Marcel Jacob, se suicidó. Tenía 45 años de edad, El octavo álbum de Europe fue llamado Last Look at Eden, lanzado el 9 de setiembre de 2009, La canción que le da nombre, "Last Look at Eden", fue publicada como un sencillo el 8 de junio. y el 3 de setiembre se lanzó "New Love In Town", ambas acompañadas de su respectivo vídeoclip oficial. El grupo lo ha descrito como un álbum moderno de rock retro, "Esta vez, estamos tomando nuevos rumbos con nuestras canciones, y estamos explorando diferentes estilos musicales", afirmaron los músicos."Hay un ambiente definido de rock clásico en algunos de los temas... malditas canciones de rock de los 70's - pero las que hemos traído aquí y ahora". Después de una semana de su lanzamiento en Suecia, este álbum debutó en el puesto Nº 1 en los charts del país (Sverigetopplistan) por sus ventas masivas. En el Reino Unido, en cambio, tuvo un éxito muy discreto (Nº 125 en listas). A finales de 2009, Europe fue nominado a un Premio Grammy en su país natal y logró un disco de oro por las ventas de Last Look at Eden. El 12 de julio de 2011, Europe contrató al prestigioso productor sudafricano Kevin Shirley, como parte vital de su nuevo disco. Al respecto, Shirley afirmó: "He sido un gran fan del trabajo de Europe por muchos años". "La banda es influyente y altamente infravalorada. No puedo esperar hacer de este álbum su más explosivo a la fecha" Las sesiones de grabación iniciaron el 3 de octubre de 2011. El título del noveno álbum Bag of Bones fue anunciado el 24 de enero de 2012, y su fecha oficial de salida es abril de 2012. Contrariamente a la creencia popular, el nombre no está basado en el conocido libro de terror del mismo nombre de Stephen King. El baterista Ian Haugland explicó: "No se llamó 'Bag of Bones' porque todos nosotros hubiéramos perdido toneladas de peso, o porque encontráramos un nuevo interés en la arqueología o perros... Es sólo porque eso sonaba malditamente genial!" Mientras tanto, el vocalista Joey Tempest fue más específico en su concepto: "Con 'Bag of Bones' hicimos un disco de rock duro clásico con toques de blues", y agregó, "Eso casi se siente como una 'precuela' a nuestro primer álbum, con un golpe del 2012" Como sencillo promocional, se lanzó la canción "Not Supposed to Sing the Blues", el 9 de marzo de 2012. Bag of Bones es el primer álbum de Europe en ingresar al UK Top 100 Albums desde Prisoners in Paradise en 1991 (número 56) y también lo logró en el UK Top 40 Rock Albums en el número 3. El 24 de junio estuvo en un concierto en Barcelona (España) en el Palau dels Esports. War of Kings es el décimo álbum de estudio de la banda sueca de hard rock Europe, producido bajo la nueva etiqueta alemana UDR Records. Las fechas oficiales de lanzamiento variaron dependiendo de la zona. En el Reino Unido vio la luz el 2 de marzo de 2015 y el 4 de marzo en Japón; en Europa se publicó el 6 de marzo, y finalmente el 10 del mismo mes en Estados Unidos. Su primer sencillo, el auto titulado "War of Kings", fue lanzado previamente el 4 de febrero de 2015. El vídeo musical fue dirigido por Patric Ullaeus y fue estrenado internacionalmente el 9 de febrero. El 16 de marzo se lanzó el segundo sencillo, titulado "Days of Rock 'n' Roll" y el video musical respectivo fue estrenado el 27 de abril. El vocalista Joey Tempest declaró que "War of Kings es el álbum que siempre quisimos hacer, desde que éramos niños escuchando a bandas como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath. y después de escuchar a Dave Cobb en su increíble producción para Rival Sons simplemente tuvimos que trabajar con él. Nuestra aventura es todavía ON!" El undécimo álbum de Europe fue denominado Walk the Earth, y fue grabado entre abril y mayo de 2017 en los legendarios Abbey Road Studios en Londres. Fue lanzado en octubre del mismo año, siendo -por lo tanto- uno de los plazos más cortos en los que la banda ha presentado nuevo material, gracias a un periodo particularmente prolífico en la composición de canciones. Fue promocionado con un vídeo musical del tema que le da título, dirigido una vez más por Patric Ullaeus.

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118: Rust in Peace - Megadeth

MetalProgPop Cast

Play Episode Listen Later Sep 20, 2020 117:14

Rust in Peace (1990) es el cuarto álbum de estudio (https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lbum_de_estudio) de la banda (https://es.wikipedia.org/wiki/Banda_musical) estadounidense (https://es.wikipedia.org/wiki/Estados_Unidos) de thrash metal (https://es.wikipedia.org/wiki/Thrash_metal) Megadeth (https://es.wikipedia.org/wiki/Megadeth) . Rust in Peace marcó el debut del guitarrista Marty Friedman (https://es.wikipedia.org/wiki/Marty_Friedman) y el batería Nick Menza (https://es.wikipedia.org/wiki/Nick_Menza) , que reemplazaron respectivamente a Jeff Young (https://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Young) y Chuck Behler (https://es.wikipedia.org/wiki/Chuck_Behler) en 1989. Rust in Peace ha recibido en general buenas críticas de la prensa musical y fue el responsable de llevar a Megadeth (https://es.wikipedia.org/wiki/Megadeth) al público mainstream (https://es.wikipedia.org/wiki/Mainstream) . Ha sido mencionado como uno de los mejores trabajos de thrash metal de todos los tiempos por publicaciones como Decibel (https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Decibel_(revista)&action=edit&redlink=1) o Guitar World (https://es.wikipedia.org/wiki/Guitar_World) , e incluido en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir (https://es.wikipedia.org/wiki/1001_discos_que_hay_que_escuchar_antes_de_morir) . Tanto el álbum como el sencillo «Hangar 18» lograron sendas nominaciones al premio Grammy (https://es.wikipedia.org/wiki/Premio_Grammy) en la categoría de mejor interpretación de metal (https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Premio_Grammy_a_la_mejor_interpretaci%C3%B3n_de_metal) .

Dream Theater - (El Teatro De Los Sueños Del Berklee College Of Music - Un Largo Recorrido Por Su Historia) - Para Fans - Episodio exclusivo para mecenas

nos entrevista juan delgado premio grammy

Play Episode Listen Later Sep 3, 2020 199:00

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, formada en 1985 con el nombre de Majesty por Mike Portnoy, John Myung y John Petrucci durante su estadía en el Berklee College of Music de Massachusetts. Poco a poco, fueron dejando sus estudios para dedicar más atención a la banda que terminaría llamándose Dream Theater. A pesar de que se sucedieron algunos cambios en la formación inicial, los tres miembros originales permanecieron junto a James LaBrie y Jordan Rudess hasta el 8 de septiembre de 2010, cuando Portnoy abandonó el grupo. En octubre de ese mismo año, la banda organizó unas audiciones para el reemplazo del puesto de batería. El 29 de abril de 2011 se reveló que Mike Mangini sería el nuevo baterista permanente del grupo. La banda es conocida por el virtuosismo técnico de sus instrumentistas, quienes han ganado numerosos premios a lo largo de su carrera. John Petrucci ha sido elegido como el tercer guitarrista de la gira G3 en seis ocasiones, más que ningún otro invitado. En 2009 fue también nombrado como el segundo mejor guitarrista de metal por Joel McIver en su libro «The 100 Greatest Metal Guitarists», así como uno de los «10 mejores guitarristas de shred de toda la historia» por la revista GuitarOne. El exbaterista Mike Portnoy ha ganado 23 premios de la revista Modern Drummer y fue la persona más joven (con 37 años) en ser incluida en el Rock Drummer Hall of Fame. Por su parte, su sustituto, Mike Mangini, tiene en su haber 5 récords en el World's Fastest Drummer Extreme Sport Drumming, que lo acreditan como el baterista más rápido del mundo, En una encuesta dirigida por el sitio de música especializado MusicRadar entre agosto y septiembre de 2010, John Myung fue elegido como el mejor bajista de todos los tiempos. Por su parte, los usuarios de la misma web eligieron a Jordan Rudess como el mejor teclista de la historia, Además, Rudess obtuvo en 1994 el galardón de Best New Talent («mejor talento nuevo») de la revista especializada Keyboard Magazine y se le califica como una leyenda en los teclados, La banda fue, asimismo, incluida en el Long Island Music Hall of Fame en 2010, El álbum más vendido de la banda es Images and Words, de 1992, que obtuvo un Disco de Oro y alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200, Tanto su disco de 1994, Awake, como el de 2002, Six Degrees of Inner Turbulence, entraron también en las listas en los puestos 32 y 46 respectivamente, y recibieron críticas mayoritariamente positivas. Por otro lado, Six Degrees of Inner Turbulence hizo que Dream Theater fuese elegida como banda inicial para la sección musical de Entertainment Weekly durante la semana de su publicación, a pesar de que la revista suele decantarse por música mainstream. En 2007 Systematic Chaos entró en la lista Billboard estadounidense en el puesto 19. Hasta 2008 Dream Theater había vendido más de 2,1 millones de copias en Estados Unidos y, hasta 2011, más de 12 millones en todo el mundo, El decimoprimer álbum de estudio del grupo, A Dramatic Turn of Events, salió a la venta el 13 de septiembre de 2011. Se posicionó en el octavo lugar de la lista estadounidense de Billboard 200, dos puestos por debajo de su anterior trabajo, Black Clouds & Silver Linings, y entró en el primer puesto de la cartelera UK Rock Chart. El álbum es el primer trabajo de la banda con Mike Mangini, debido a la marcha de Mike Portnoy, El 30 de noviembre de 2011 se anunció que «On the Backs of Angels» había sido nominada para el Premio Grammy en la categoría de «Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal», la primera canción de Dream Theater en conseguirlo. El 23 de septiembre de 2013, la banda lanzó a la venta su duodécimo álbum de estudio denominado de forma homónima, Dream Theater. Se trata del segundo álbum de la banda con Mike Mangini en la batería y el primero en el que participa en las labores de composición del mismo. Su single The Enemy Inside ha sido nominado a los Premios Grammy, en la categoría «The Best Metal Performance» convirtiéndose en la segunda nominación de la banda. Por otra parte, el 29 de enero del 2016 salió a la luz su decimotercer álbum llamado "The Astonishing" el tercero con Mike Mangini y con un estilo más progresivo y sinfónico, bajo el sello de RoadRunner Records. Dream Theater nació en Massachusetts en 1985 cuando el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el baterista Mike Portnoy decidieron formar una banda mientras estudiaban en el Berklee College of Music. El trío comenzó versionando canciones de Rush y Iron Maiden en los cuartos de ensayo de Berklee. Myung, Petrucci y Portnoy decidieron unirse bajo el nombre Majesty. De acuerdo a la documentación incluida en Score, mientras hacían cola para un concierto de Rush en el Berklee Performance Center estaban escuchando canciones del grupo en una radiocasetera, cuando Portnoy comentó que el final de la canción «Bastille Day» (del disco Caress of Steel) sonaba «majestuosa» («majestic», en inglés); fue ahí cuando decidieron cuál sería el nombre de la banda. El trío buscaba cubrir las restantes posiciones en la agrupación, por lo que Petrucci pidió a su compañero de instituto Kevin Moore que se hiciera cargo del teclado. Después de que aceptara el puesto, otro antiguo amigo fue reclutado como vocalista principal, Chris Collins, después de que los miembros de la banda lo escucharan cantar la canción «Queen of the Reich» de Queensrÿche, Durante esta época, las agitadas agendas de Portnoy, Petrucci y Myung les obligaron a abandonar los estudios para concentrarse en su música, pensando que no tenían nada más que aprender allí. Moore también abandonó su universidad para concentrarse en la banda. Durante los primeros meses de 1986 dieron varios conciertos en la zona próxima a Nueva York, lo que aprovecharían para grabar una serie de demos, titulada The Majesty Demos. El pedido inicial de 1000 unidades se agotó en seis meses y las regrabaciones del casete tuvieron mucha popularidad en los círculos de metal progresivo. Majesty Demos sigue aún disponible en su versión original, a pesar de haber sido publicado oficialmente en CD a través de YtseJam Records, propiedad de Mike Portnoy. En noviembre de 1986, después de unos meses componiendo y tocando juntos, Chris Collins fue despedido. Pasó un año hasta que encontraron a un sustituto, Charlie Dominici, que pasó satisfactoriamente su audición y tenía mucha más experiencia que cualquier otro en el grupo. Con la estabilidad que el nuevo vocalista reportó a la banda, se permitieron aumentar el número de conciertos alrededor de Nueva York y lograron atraer una considerable atención. Poco después de haber contratado a Dominici, un grupo de Las Vegas también llamado Majesty, amenazó a la banda con tomar acciones legales por una violación de su propiedad intelectual, en relación al uso de su nombre, por lo que la banda se vio forzada a adoptar una nueva denominación. Se propusieron varias alternativas, entre las que se barajaron Glasser, Magus y MI, que fueron todas rechazadas, a pesar de que la banda actuó como Glasser por una semana, si bien terminaría desechándose al no contar con el favor de los fanes. Un día, el padre de Portnoy sugirió el nombre de Dream Theater, el mismo de un pequeño teatro que dirigía en Monterrey (California), y decidieron adoptarlo, Con su nuevo nombre y una formación estable, Dream Theater se concentró en componer material nuevo, a la vez que daban más y más conciertos en su Nueva York y los estados vecinos. Su actividad llamó la atención de Mechanic Records, una división de MCA, lo que condujo a la firma del primer contrato de Dream Theater el 23 de junio de 1988, y a la grabación de su álbum debut, grabado en los estudios Kajem Victory en Gladwyne, Pensilvania. Les tomó diez días grabar las pistas básicas y unas tres semanas el álbum completo. En 1989 publicaron When Dream and Day Unite, con un despliegue de medios mucho menor que el que la banda había anticipado, ya que Mechanic terminó rompiendo la mayoría de sus promesas financieras previas a la firma del contrato, de manera que la banda se vio restringida a dar tocar en torno a Nueva York. La gira promocional del álbum consistió en solo cinco conciertos locales, el primero de ellos como teloneros del clásico trío de power rock Zebra, en el Sundance en Bay Shore, Nueva York, Después del cuarto show, Charlie Dominici dejó la banda debido a que empezaban a sentir las limitaciones que suponía su voz para el estilo vocal que querían, más parecido al de Bruce Dickinson o Geoff Tate, además de que su presencia en el escenario no era la que buscaban para un frontman o líder. Poco después, no obstante, la banda Marillion pidió a Dream Theater que los telonearan en una actuación en el Ritz de Nueva York, así que le dieron a Dominici la oportunidad de actuar una última vez. Pasarían dos años hasta que encontrasen un vocalista que lo reemplazara. Tras la marcha de Dominici, Dream Theater luchó con éxito por ser liberados de su contrato con Mechanic y comenzaron a escribir material para su próximo álbum y realizar audiciones a cantantes. En esta búsqueda escucharon a más de 200 personas, entre ellas John Arch, exlíder de Fates Warning, que resultaron rechazadas en su totalidad. A mediados de 1990, en una actuación en Nueva York, presentaron a Steve Stone como su nuevo vocalista. Habían grabado juntos varios demos de forma satisfactoria, pero solo dieron un concierto con él, que terminó siendo un desastre y Stone fue despedido. La banda dijo que había estado bailando por el escenario de una manera extraña, al parecer haciendo una mala imitación de Bruce Dickinson. Además, en varias ocasiones se dirigió al público de forma desafortunada con «Scream for me Long Beach!» (en español, «¡Grita para mí Long Beach!»), cuando estaban tocando en Bayshore, lo que avergonzó a la banda aún más. Pasaron cinco meses hasta que Dream Theater ofreció otro concierto, esta vez completamente instrumental (bajo el nombre YtseJam). Hasta 1991 la banda estuvo centrada en la contratación de otro cantante y escribieron la mayor parte de lo que se convertiría en Images and Words en 1992. En enero de 1991, Kevin James LaBrie, de la banda de glam metal Winter Rose, voló a Nueva York desde Canadá para una audición. Improvisó tres canciones con el grupo, tras las que fue inmediatamente contratado para el puesto de vocalista. Tras su incorporación, LaBrie decidió dejar su primer nombre Kevin, para evitar confusiones con el otro Kevin de la banda. Durante los siguientes meses, volvieron a dar conciertos (aún en su mayoría alrededor de su ciudad), mientras trabajaban en las pistas de voz de las canciones compuestas antes del ingreso de LaBrie. Derek Shulman y Atco Records (ahora EastWest), una división de Elektra Records, firmaron un contrato de siete álbumes con Dream Theater sobre la base de una maqueta de tres canciones (posteriormente disponible como «The Atco Demos» a través del club de fanes de la banda). El primer disco que grabaron bajo su nuevo contrato discográfico fue Images and Words, en 1992. Para la promoción la disquera publicó un CD sencillo y un videoclip para la canción «Another Day», pero no tuvieron un impacto comercial significativo. La canción «Pull Me Under», sin embargo, consiguió una buena presencia en la radio, a pesar de no contar con ningún tipo de promoción organizada por la banda o el sello. Como respuesta, Atco produjo un videoclip para esta canción, que tendría bastante exposición en la MTV. Para la canción «Take the Time» sacaron un tercer video, pero sin que tuviera un éxito similar. El éxito de «Pull Me Under» y la gira que realizaron sin descanso por Estados Unidos y Japón hicieron que Images and Words lograse un disco de oro y uno de platino en esos países. En 1993 le siguió una gira por Europa, que incluía un show en el afamado Club Marquee de Londres, que fue grabado y publicado como Live at the Marquee, el primer álbum oficial en vivo del grupo. Además, reunieron una compilación de sus conciertos japoneses en Images and Words: Live in Tokyo. Ávidos de trabajar en material fresco, Dream Theater volvió al estudio en mayo de 1994 para grabar Awake, su tercer álbum de estudio, que se publicó el 4 de octubre de 1994 y fue recibido con controversia entre sus fanes. Poco antes de la mezcla del disco, Moore anunció al resto del grupo que simplemente ya no estaba interesado en dar giras y que no le agradaba el estilo musical de Dream Theater, por lo que dejaría la banda para concentrarse en sus propios intereses musicales, Debido a este imprevisto, tuvieron que buscar otro tecladista antes de plantearse un tour. Entre los nombres más conocidos que se presentaron a las audiciones se encontraba Jens Johansson, a la postre miembro de Stratovarius, pero los miembros de la banda estaban impacientes deseando cubrir la posición con el teclista Jordan Rudess. Portnoy y Petrucci descubrieron a Rudess en la revista Keyboard Magazine, donde se le reconocía como «mejor nuevo talento» en una encuesta entre lectores, y lo invitaron a tocar con la banda en una actuación de prueba en el Foundations Forum en Burbank, California, Para los miembros de Dream Theater el show había ido realmente bien y pidieron a Rudess que se incorporara al grupo, pero éste rehusó para hacer una gira con Dixie Dregs, que le garantizaba más reconocimiento personal. Ante esta situación, contrataron para la gira promocional de Awake a un antiguo compañero del Berklee College, Derek Sherinian, que había tocado con Alice Cooper y Kiss. Al concluir el tour, Sherinian se convirtió en el sustituto de Moore a tiempo completo, Como se encontraban otra vez con un nuevo miembro, Dream Theater no empezó inmediatamente a trabajar en material nuevo. Seguidores de todo el mundo, agrupados en la lista de correo electrónico YtseJam (la principal forma de comunicación entre los fans de la banda en aquel entonces), comenzaron a presionar a la banda para que publicara oficialmente la canción «A Change of Seasons». La habían compuesto en 1989 con la intención de que formara parte de Images and Words, pero con casi 17 minutos de duración fue considerada demasiado larga para un álbum de estudio. Sin embargo, la banda la tocaba en conciertos y siguió revisándola hasta 1995. La petición fue atendida, así que la banda entró en los BearTracks Studios en Nueva York en mayo de 1995 para reescribir y grabar la canción, que terminó siendo de 23 minutos y contando con una contribución significativa de Sherinan. Para acompañar la canción, la publicaron en un EP junto con una colección de covers, grabados en directo en una actuación en el Ronnie Scott's Jazz Club de Londres ese mismo año, de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Genesis, Kansas, Journey y Pink Floyd. Después de una minigira para promocionar A Change of Seasons, la banda se tomó un descanso de unos meses. Mientras tanto, publicaron a través de su club de fanes oficial un CD especial de Navidad, que consistía de varias canciones inéditas grabadas en conciertos de los primeros años de la banda, Además, durante este descanso, los distintos miembros del grupo trabajaron individualmente en componer más temas para sus futuras colaboraciones. En este tiempo hubo varios cambios en EastWest y el principal contacto de Dream Theater en la discográfica fue despedido. Producto de una relación muy distinta a la que había cultivado el anterior personal de EastWest, el nuevo equipo presionó a la banda para que escribiera un álbum más accesible. A mediados de 1997, entraron al estudio para componer su siguiente trabajo. Además de presionar al grupo para que adoptara un sonido más mainstream, la compañía contrató al productor y compositor Desmond Child para pulir con Petrucci la letra de su canción «You or Me». La banda al completo volvió a trabajar en la música de la canción, que apareció en el disco como «You Not Me» con un coro que recordaba vagamente a la original. También se notó la mano de Child en este álbum en un giro hacia composiciones menos complejas y más radiables. La banda compuso material suficiente casi para dos discos, incluyendo una larga continuación de 20 minutos para la canción de Images and Words «Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper». No obstante, la discográfica no permitió la publicación de un álbum doble, ya que entendía que una grabación de 140 minutos no sería digerible para el público general. James LaBrie también se mostró a favor de un solo disco, Las canciones desechadas fueron publicadas luego en The Falling into Infinity Demos por YtseJam Records, El material que sobrevivió fue publicado en el álbum Falling into Infinity, que tuvo una recepción heterogénea entre los fanes más familiarizados con el nuevo sonido del grupo. Aun cuando el disco sonaba moderadamente progresivo, canciones como «Hollow Years» y «You Not Me» hicieron pensar a algunos que estaban ante el comienzo de una etapa más comercial de la banda; en cualquier caso, el álbum fue una decepción de crítica y ventas. Aunque Portnoy no lo comentó en público en aquel entonces, en un comentario del DVD de 2004 5 Years in a Livetime reveló que llegó a desmotivarse tanto durante este periodo que consideró la separación de la banda. Durante la gira europea de Touring into Infinity se grabaron dos conciertos, en Francia y los Países Bajos, para un álbum en directo titulado Once in a LIVEtime, que fue publicado aproximadamente a la vez que el vídeo 5 Years in a Livetime, que narraba el periodo entre la marcha de Kevin Moore y la gira promocional de Falling into Infinity. En 1997, Mike Varney, de Magna Carta Records, invitó a Portnoy a formar un supergrupo progresivo para trabajar en un álbum; esta colaboración sería la primera de una larga lista de proyectos individuales de los miembros de Dream Theater. La formación del grupo en cuestión era: Portnoy en la batería, Petrucci en la guitarra, Tony Levin en el bajo y Jordan Rudess, que se había separado de Dixie Dregs, en los teclados. La banda tomó el nombre Liquid Tension Experiment y sirvió como el medio ideal para que Portnoy y Petrucci pudieran cortejar a Rudess para que se uniera a Dream Theater. Finalmente, en 1999, aceptó la oferta, por lo que se convirtió en el tercer teclista a tiempo completo de la banda, sustituyendo a Sherinian. Con un nuevo miembro, Dream Theater volvió al estudio para grabar su siguiente álbum, esta vez con un completo control sobre el proceso creativo, fruto de un últimatum de Portnoy a la compañía. Retomaron la continuación de «Metropolis Part 1» en la que trabajaron durante las sesiones de Falling Into Infinity, que no habían usado en el disco anterior, y decidieron expandir la canción de 20 minutos a un álbum conceptual completo, que trataba temas como la reencarnación, el asesinato y la traición. Procuraron mantener un cierto nivel de secretismo en torno al proceso de composición y grabación, sin embargo, la fecha de publicación y una lista de canciones se filtraron contra los deseos de la banda. En 1999 se publicó Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory con gran aclamación de la crítica. Muchos fanes y críticos la consideraron la obra maestra de Dream Theater, a pesar de que solo alcanzó el puesto 73 en el US album chart. El álbum fue mezclado por David Bottrill, pero solo unas pocas de sus mezclas llegaron al producto final, que fue remezclado por Kevin Shirley. El resto de las mezclas se pueden escuchar en el bootleg oficial de la banda «The Making of Scenes from a Memory». A la grabación le siguió una ambiciosa gira mundial, en la que durante un año tocaron Scenes From a Memory de principio a fin. En este tour, el más largo de la banda hasta la fecha, reflejaron el aspecto más teatral del álbum y se sirvieron de una pantalla de video en el fondo del escenario, que mostraba un acompañamiento narrativo de la trama del disco. Además de interpretar el álbum en su totalidad, tocaron una segunda tanda de canciones antiguas, así como algunos covers e improvisaciones. En una actuación especial en el Roseland Ballroom de Nueva York, contrataron a actores para que interpretaran a los personajes de la historia y se les sumó un coro de góspel en algunas partes del concierto. Este show, el último en su tour por América del Norte, fue grabado para la primera publicación de la banda en DVD. Después de varios retrasos por cuestiones técnicas, fue publicado a comienzos de 2001 con el título de Metropolis 2000: Scenes from New York. Poco más tarde, la banda anunció la publicación en audio del resto del concierto, de una duración total de cuatro horas. La portada para la versión CD, titulada Live Scenes From New York, representaba uno de los primeros logos de Dream Theater (el corazón ardiendo de la época de Images and Words, basado en el Sagrado Corazón de Cristo) modificado para mostrar una manzana (en referencia a la «Gran Manzana»), en lugar del corazón y con el skyline de Nueva York, incluyendo las Torres Gemelas, entre las llamas. En una desafortunada coincidencia, el álbum se publicó en la misma fecha de los ataques del 11 de septiembre. Este fue rápidamente retirado por la banda y se volvió a publicar más tarde con material artístico revisado, aunque se vendieron algunas copias, que se convirtieron en un preciado objeto de coleccionistas. Dream Theater volvió a los estudios BearTracks para grabar su sexto álbum de estudio, Six Degrees of Inner Turbulence, con el que tendrían la posibilidad, cuatro años después de habérselo denegado EastWest, de hacer un doble disco. El primero consistió de cinco canciones de 7 a 13 minutos de duración, mientras que el segundo disco se dedicó exclusivamente a una canción de 42 minutos, la más larga de la banda hasta la actualidad. El origen de esta canción se produjo cuando Rudess compuso lo que sería la sección de «Overture» de «Six Degrees of Inner Turbulence» y la banda tomó diferentes ideas y melodías de ella y la expandió en capítulos de una historia completa. El álbum, que fue el más publicitado de la banda desde Awake, terminó teniendo una muy buena acogida por la crítica y la prensa, y debutó en la lista Billboard en el puesto 46, y en el primer puesto de la lista Billboard Internet. Durante el siguiente año y medio volvieron a embarcarse en una gira por todo el mundo, con actuaciones en las que incluyeron algunos covers especiales y tocaron en su totalidad Master of Puppets, de Metallica, y The Number of the Beast, de Iron Maiden. Todas estas presentaciones tributo se realizaban después de cada presentación, donde se bajaba el telón y al subirse nuevamente, comenzaba un nuevo concierto pero esta vez con un disco completo de cada banda a la que se le rendía este tributo, como Iron Maiden, Metallica, Pink Floyd, entre otros. En 2003 la banda volvió en el estudio para componer y grabar otro álbum. A diferencia de Scenes from a Memory, que fue escrito y grabado sobre la marcha, en esta ocasión el grupo decidió tomarse unas tres semanas de retiro para componer antes de entrar al estudio. En mitad de las sesiones de grabación del disco, surgió un tour especial con otras dos bandas de metal progresivo, Queensrÿche y Fates Warning, en Norteamérica. Al final de cada concierto, los miembros de Queensrÿche y Dream Theater subían al escenario para tocar simultáneamente, en ocasiones versiones de otras bandas. Una vez concluida la gira, volvieron al estudio para terminar la grabación de su séptimo álbum, Train of Thought. Este álbum, a través del cual buscaron un sonido más pesado, produjo una especie de división en sus seguidores, ya que si bien ganaron más adeptos entre los metaleros, algunos fanes preferían un sonido más progresivo, al estilo de Yes o King Crimson, No obstante resultó un éxito de crítica,Le siguió otra gira mundial, durante la que Dream Theater realizó funciones de apoyo a una de sus mayores influencias, la banda inglesa Yes. Una vez que las bandas hubieron completado su modesto recorrido conjunto, Dream Theater continuó con su tour mundial, que denominaron «An Evening With Dream Theater». Posteriormente publicaron una combinación de CD y DVD grabados en directo en el famoso Nippon Budokan Hall de Tokio, durante la gira de Train of Thought, publicada bajo el nombre Live at Budokan el 5 de octubre de 2004. Después de terminar la gira promocional de Train of Thought, la banda entró en los estudios The Hit Factory de Nueva York para grabar su octavo álbum, que haría de Dream Theater el último grupo que grabase en los famosos estudios, ya que estos cerraron para siempre justo después, Octavarium fue publicado el 7 de junio de 2005 y supuso otro cambio en el sonido de la banda, por lo que tuvo una recepción dividida entre sus fanes y provocó un animando debate entre ellos. Suponía, por otra parte, el último de los siete álbumes que tenían firmados con Elektra Records, que había sucedido a EastWest en su contrato después de su absorción. El 2 de marzo de 2006 la banda celebró sus 20 años de existencia con una serie de conciertos, entre ellos uno que contó con un lleno total en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. El recital fue dividido en dos partes, «20 Years» y «Octavarium», y duró más de 4 horas, con un descanso intermedio. En 2006 la banda publicó el trabajo en directo Score, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater. Tras el show en el Radio City Music Hall, la banda decidió tomarse un verano de descanso por primera vez en su carrera. Posteriormente, en septiembre de 2006, entraron a los Avatar Studios para grabar su siguiente disco, que, con el nombre de Systematic Chaos y una vez más producido por los propios John Petrucci y Mike Portnoy y con el legendario ingeniero de sonido Paul Northfield, fue publicado el 5 de junio de 2007. Este fue el primer disco con su nuevo sello, Roadrunner Records, una filial de su anterior discográfica, Atlantic Records. Roadrunner incrementó la promoción del álbum y, como resultado, éste alcanzó el número 19 en la lista Billboard 200. También publicaron un video para «Constant Motion» el 14 de julio, por primera vez desde el de «Hollow Years» en 1997 y, además, salió a la venta un libro autorizado titulado Lifting Shadows en el que se detallan los primeros veinte años de la banda, que cuenta con una edición expandida y actualizada de 2009, Systematic Chaos tiene ocho pistas, pero técnicamente solo siete canciones. El disco contiene una canción épica titulada «In the Presence of Enemies», enmarcando el álbum como pistas 1 y 8, una continuación del Twelve-step Suite de Portnoy, «Repentance», y una canción de naturaleza política, «Prophets of War». La gira de 2007-2008 Chaos In Motion World Tour dio comienzo en Italia con un concierto el 3 de junio de 2007 en el Gods of Metal, el mayor festival de metal del país, También actuaron en el Fields Of Rok Festival en los Países Bajos, el 17 del mismo mes, 4 y en otros festivales del viejo continente, como el británico Download Festival y el francés Hellfest Summer Open Air, con otras bandas como Megadeth, Korn, Mastodon y Slayer. La banda continuó con la parte norteamericana de su gira entre el 24 de julio (en San Diego) y el 26 de agosto (en Filadelfia). Durante el resto del año y en 2008 siguieron con el tour, tocando en Asia, Sudamérica y, por primera vez, en Australia. El 1 de abril de 2008 la banda publicó un disco doble recopilatorio, cuyo título, Greatest Hit (...and 21 Other Pretty Cool Songs), es una referencia humorística a la canción «Pull Me Under», el único éxito radiofónico significativo del grupo. También incluye tres canciones remezcladas de su segundo disco, Images and Words, cinco versiones editadas de canciones antiguas y una canción de un único lado B. Al contrario que en la mayoría de los álbumes de grandes éxitos, Dream Theater se implicó a fondo en el álbum, sugiriendo el listado de canciones que sentían que representaban mejor su carrera musical. Mike Portnoy, después de la publicación del grandes éxitos, organizó una nueva gira llamada Progressive Nation 2008, en la que, a diferencia de tours anteriores, visitarían exclusivamente ciudades en las que no habían tocado antes (como en Vancouver, Canadá) o hacía mucho que no lo hacían. Además, por primera vez desde Images and Words, el grupo actuó en salas pequeñas, con público más reducido. Tras la gira, la banda publicó un set de DVD titulado Chaos in Motion 2007–2008, una compilación de canciones del tour promocional de su noveno álbum, Systematic Chaos. Se pusieron a la venta dos ediciones distintas de los DVD el 30 de septiembre de 2008; una era la estándar con dos discos, mientras que la edición especial contenía tres CD de música además de los DVD. Black Clouds & Silver Linings y salida de Mike Portnoy (2008-2010) El baterista Mike Portnoy abandonó la banda el 8 de septiembre de 2010. El 7 de octubre de 2008 Dream Theater volvió a los estudios Avatar para comenzar a trabajar en su décimo álbum y retomó su relación con el ingeniero de sonido Paul Northfield. Publicaron el nuevo trabajo, titulado Black Clouds & Silver Linings, el 23 de junio de 2009,36 disponible, además de en CD estándar, en vinilo LP y en una edición especial de tres CD que incluye el álbum completo, un CD de mezclas instrumentales y otro con seis versiones de canciones de otros artistas como Queen y Rainbow. El 1 de julio, el álbum debutó en el número 6 de la lista Billboard's Top 200, con unas ventas de 40 285 unidades en la primera de semana, lo que marcó su mejor entrada en la lista. Mike Portnoy habló a Metal Hammer sobre el nuevo álbum y comentó que la canción «The Shattered Fortress» era la última de la serie de canciones sobre los 12 pasos en su recuperación del alcoholismo; de «The Best of Times» dijo que «es un tema personal muy heavy sobre mi padre, que falleció durante la composición del álbum», y añadió «estuvo luchando contra el cáncer durante el proceso» La banda se embarcó en un segundo Progressive Nation Tour, en el que giraron por Europa por primera vez. Opeth, Unexpect y Bigelf telonearon al grupo en ese continente, mientras que Zappa Plays Zappa, Pain Of Salvation, y Beardfish lo hicieron en la parte norteamericana. Sin embargo, Pain of Salvation y Beardfish no pudieron acompañarlos en la gira por problemas de financiación con sus respectivos sellos. Las bandas que las suplieron fueron Bigelf y Scale The Summit. Una vez terminado el Progressive Nation Tour, Dream Theater entró en el estudio justo después de Nochevieja para componer y grabar una nueva canción instrumental, titulada «Raw Dog» (God [of] War al revés), que se incluyó en la banda sonora del videojuego God of War III y en el álbum God Of War III: Blood & Metal. La enviaron a Roadrunner el 8 de enero de 2010 y supuso la primera composición de la banda para un proyecto externo, «Raw Dog» contiene la primera pista comercial en ser grabada con harpejji, a cargo de Jordan Rudess, así como la última grabación de Mike Portnoy en la batería. En marzo de ese año giraron por Sudamérica con Bigelf y durante el verano acompañaron a Iron Maiden en su gira por Estados Unidos y Canadá, en los que serían los últimos conciertos de Dream Theater en 2010. El 8 de septiembre de 2010, el baterista Mike Portnoy anunció que abandonaba la banda por su necesidad de un descanso así como por otras razones, entre ellas la búsqueda de nuevas experiencias musicales, Respecto a esto, Portnoy dijo que fue una decisión que tomó después de pensárselo durante mucho tiempo y que no lo juzguen ni culpen a otras personas por ello, No quería salir del grupo y ellos tampoco querían que me fuera, pero así estamos; era la única forma de que ellos siguieran adelante y yo siguiera adelante. Es una separación extraña, porque todavía nos queremos. […] Realmente pienso que el grupo podría haber usado un par de años para recargar las pilas como tantas bandas lo han hecho -como Soundgarden, Alice in Chains, Jane's Addiction, Phish, Rage Against the Machine…-. […] Lo que me da pánico, sin embargo, es que veo cierta similitud con, por ejemplo, [la salida de] Roger Waters de Pink Floyd; ellos nunca volvieron a estar juntos, y eso me asusta. Sería una tragedia que nunca más volviera a estar en el escenario con Dream Theater. Mike Portnoy en una entrevista para Friday Night Rocks. Después de la salida de Portnoy de Dream Theater, la relación entre él y sus ex-compañeros se volvió tensa. En febrero de 2011, Portnoy se quejó por que ningún integrante de la banda devolvió sus llamadas y correos electrónicos, La tensión creció cuando Portnoy llamó a LaBrie irrespetuoso por unos comentarios que este último hizo durante una entrevista, afirmando que Dream Theater no está triste en absoluto porque Portnoy ya no es un miembro de la banda. A partir de julio de ese mismo año, LaBrie no ha permanecido en contacto con Portnoy, En un momento, surgieron informes falsos sobre una supuesta demandada de Portnoy hacía Dream Theater. Durante este período, Portnoy fue reclutado por Avenged Sevenfold para grabar su quinto álbum de estudio y participar en su gira; remplazando así a The Rev, quien había fallecido, Tras la grabación del álbum corrieron rumores sobre que Portnoy iba a seguir trabajando con Avenged Sevenfold tras su salida de Dream Theater y convertirse en el baterista permanente, pero no fue así, ya que los miembros de la banda decidieron continuar con otro baterista. Por su parte, Portnoy declaró que la permanencia en Avenged Sevefold había sido temporal y meramente como un homenaje a Jimmys «The Rev» Sullivan. Las audiciones para elegir el sustituto de Mike Portnoy comenzaron en octubre, en las que se probaron a siete bateristas de clase mundial. El 3 de enero, John Petrucci dio a conocer a través de su cuenta personal de Twitter que la banda había regresado a los estudios para grabar su decimoprimer álbum, aunque no se desveló el nombre del nuevo baterista, Dos meses después, Petrucci comentó en su página personal de Facebook que la banda había terminado de componer su siguiente álbum y que pronto comenzaría el periodo de grabación. Ante la impaciencia de los fanes por conocer cuál sería el nuevo miembro del grupo, Petrucci comentó: «Aprecio la paciencia de todos por conocer al nuevo baterista de Dream Theater. Sé que ha sido muy frustrante esperar a conocer noticias. ¡Creédme, nos estamos esforzando por garantizar a todo el mundo que nuestra decisión no os decepcionará en ningún momento!» El 21 de abril de 2011, durante la búsqueda del nuevo baterista, publicaron un tráiler para un próximo documental titulado «The Spirit Carries On», en referencia a una canción del álbum Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory. El tráiler muestra a los siete bateristas que tuvieron audiciones: Mike Mangini, Virgil Donati, Marco Minnemann, Peter Wildoer, Thomas Lang, Derek Roddy y Aquiles Priester, El 27 de abril revelaron a través de YouTube, en el tercer y último episodio del documental, que habían escogido a Mike Mangini como sustituto de Portnoy, A través de su Twitter John Petrucci confirmó que el nombre del nuevo álbum de Dream Theater se llamaría A Dramatic Turn of Events, que posteriormente fue publicado el 13 de septiembre de 2011. En abril del 2012 fue grabado el DVD Live at Luna Park en Buenos Aires, Argentina, donde se muestra el nuevo sonido con Mike Mangini en la batería. El álbum homónimo fue lanzado en septiembre de 2013. Cuenta con 9 pistas , entre las que se incluye el tema de larga duración «Illumination Theory», pista que dura más de 22 minutos. La canción «The Enemy Inside» fue lanzada como sencillo meses antes de la salida del álbum. Tras la salida del disco, fue colocado en el puesto número 8 en la lista Billboard 200[cita requerida], lo que ha sido el segundo puesto más alto, después de Black Clouds & Silver Linings. Mike Portnoy lo calificó como un buen álbum, aunque ya no se siente identificado con este sonido de la banda.[cita requerida] Durante la gira Along For The Ride se grabó en el DVD Breaking The Fourth Wall, se divide en 3 discos en vivo desde The Boston Opera House. Además de canciones del álbum homónimo, contienen temas de Awake y Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory debido a que es el 20 aniversario de Awake 1994 Y 15 aniversario de Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory 1999. The Astonishing es el decimotercer álbum de la banda, lanzado el 29 de enero del 2016 a nivel mundial. Es su segundo disco conceptual , tras Metropolis, en 1999, y también su segundo lanzamiento doble, tras Six Degrees of inner turbulence (2002). Distance Over Time salió en febrero de 2019, siendo en decimocuarto álbum de estudio y el cuarto con Mangini a la batería. A lo largo de su carrera, los espectáculos en vivo Dream Theater se han ido volviendo gradualmente más grandes, más largos, más diversos y menos restrictivos. El ejemplo más obvio de ello es su política de setlist rotante. Cada noche de cada gira tiene su setlist ideado por Portnoy usando un proceso meticuloso que asegura que es completamente único. Factores como los setlists de ciudades previas son tomados en cuenta para asegurar que las personas que ven a Dream Theater múltiples veces en la misma área no vean las mismas canciones interpretadas dos veces, e incluso el setlist de la última vez que la banda estuvo en una ciudad en particular se toma en cuenta para el beneficio de los fans que ven a la banda en giras sucesivas. Para que eso sea posible, la banda se prepara para tocar la mayor parte de su repertorio en cualquier presentación, dependiendo de lo que Portnoy decidía programar para esa noche. Este proceso también requiere el empleo de un sistema de iluminación muy complejo que utiliza iluminación preconfigurada sobre la base de canciones individuales. La duración es otro elemento único de los conciertos de Dream Theater. Los conciertos de sus giras mundiales, desde Six Degrees of Inner Turbulence, han sido del tipo «Evening with…» («Una noche con…»), en el que la banda actúa al menos tres horas con un descanso y ningún telonero. El espectáculo grabado para Live scenes from New York tuvo una duración de casi cuatro horas (LaBrie graciosamente se disculpó después del espectáculo por el set tan «corto»), y resultó en la casi hospitalización de Portnoy, Con el anuncio del noveno álbum de estudio, Systematic Chaos, se publicó que durante este nuevo tour, Chaos in Motion World Tour 2007/2008, no se haría el famoso «An evening with…». La banda dijo que ya era momento de parar con los shows diarios desde 3 a 4 horas. Sin embargo, la versión publicada en DVD y CD del tour Chaos In Motion presenta 162 minutos de música. También hay una cantidad significativa de humor, informalidad, e improvisación asociado a un concierto de Dream Theater. En la parte media de A change of seasons es bastante común que temas como el de las Grandes Ligas de Béisbol y Los Simpson sean citados, y Rudess rutinariamente modifica su sección de solo en esta canción y otras, con frecuencia interpretando la sección ragtime de When the water breaks de Liquid tension experiment 2. Otras citas incluyen a Mary had a little lamb durante Endless sacrifice en el Gigantour, un corte inspirado en un calíope entre los versos de Under a glass moon, y la marcha turca en un concierto en Estambul. En la gira 20th Anniversary World Tour Rudess incluso interpretó una pequeña cita del tema Twinkle, twinkle, little star en un corte durante Endless sacrifice. Durante la interpretación de As I am en Bangkok en enero del 2006, Rudess tocó una escala mayor muy torpe, al estilo de un principiante, hacia adelante y hacia atrás varias veces antes del corte instrumental. También en uno de los dos conciertos dados en Buenos Aires, Argentina, en la introducción de Through Her Eyes, Petrucci interpreta la melodía de Don't cry for me Argentina. No es extraño que un miembro de la audiencia sea escogido al azar para tocar en el escenario (de lo que se puede apreciar un ejemplo en el solo de batería de Portnoy en el DVD Live at Budokan). También ha habido muchas improvisaciones del «Happy Birthday» cuando un miembro de la banda o del equipo cumple años en una fecha en la que hay concierto, lo que normalmente termina en un pastel de cumpleaños siendo arrojado al festejado. Tal vez el ejemplo más extremo de la estructura impredecible de los conciertos de Dream Theater es que durante el tiempo en que Derek Sherinian estuvo en la banda, en algunos espectáculos los miembros de la banda intercambiarían instrumentos y tocarían como la banda ficticia «Nightmare Cinema» (el opuesto aproximado de «Dream Theater»). Generalmente versionaban Perfect Strangers de Deep Purple, y en una ocasión, Suicide Solution de Ozzy Osbourne. Similarmente en algunos espectáculos Sherinian, Petrucci y Portnoy tomarían el escenario juntos, bajo el nombre «Nicky Lemons and the Migraine Brothers». Sherinian, usando una bufanda de plumas y anteojos bohemios oscuros, interpretaría una canción de pop-punk titulada «I Don't Like You» con Petrucci y Portnoy respaldando. Los fans de Dream Theater suelen abarrotar cada plaza donde la banda se presenta. La audiencia generalmente está formada de un número de espectadores que varía entre 4000 y 10000, y esa cantidad es habitualmente dictada por el espacio físico. El concierto que ha contado con la audiencia más numerosa ha sido el efectuado en la Pista Atlética del Estadio Nacional en Santiago de Chile, el 6 de diciembre de 2005, durante la gira promocional del álbum Octavarium, que contó con una asistencia de 20.000 personas, El hecho fue mencionado la misma noche del concierto por Mike Portnoy y a través de su sitio web, y fue mencionado también por Jordan Rudess en su saludo navideño de 2005 a todos los fans. El concierto grabado en el Radio City Music Hall de Nueva York en abril de 2006 tuvo una asistencia de 6.000 personas. Al principio de su carrera, Dream Theater adoptó un logo y un wordmark personalizado (conocido como el símbolo Majesty) que han aparecido en la gran mayoría de su material promocional desde entonces, con al menos una de las marcas oficiales apareciendo en la carátula de cada publicación hasta la fecha, con la excepción de Once in a LIVEtime (ver explicación más abajo). Incluso después de que la banda desechó el nombre Majesty, el símbolo continuó siendo su marca oficial, y es visto por la comunidad de fans de Dream Theater de la misma manera que los fans de Led Zeppelin han abrazado los cuatro símbolos de los miembros de esa banda. Es común ver gente con tatuajes del símbolo Majesty en conciertos de Dream Theater. El símbolo Majesty es una derivación del símbolo de María, reina de los escoceses, el cual fue re-diseñado por Charlie Dominici para ser usado en el arte gráfico del álbum When Dream and Day Unite. Otro hecho interesante es que el símbolo Majesty es una combinación de tres letras griegas, Fi(Φ), Mu(Μ), y Alfa (A), las letras de la fraternidad musical de la cual los miembros forman parte. El hecho de que el logo no aparezca en la carátula de Once In A LIVEtime o de su acompañante en vídeo 5 Years in a LIVEtime, fue interpretado por algunos fans como evidencia de que la banda se había «vendido» y de que se había alejado de sus raíces con sus fuentes modernizadas («fuentes» se refiere a los «tipos de letra» usados para el arte gráfico), pero para el momento en que había reclamado el lugar que le corresponde en la carátula de Scenes From a Memory la infelicidad había sido largamente olvidada (el motivo real fue que a Storm Thorgerson, el legendario diseñador gráfico para ambas publicaciones antes mencionadas, no le gusta trabajar con fuentes pre-existentes). Desde entonces ha aparecido en cada publicación subsiguiente (la carátula de Falling into Infinity tiene el logo, pero no el wordmark). Dream Theater es una de las bandas del género del metal más activamente grabadas en bootlegs. Desde sus primeros conciertos en Nueva York, como Majesty, los aficionados han grabado casi todos los espectáculos que Dream Theater ha ofrecido (ocasionalmente hay tres o cuatro versiones de un mismo concierto), y algunas grabaciones profesionales y bien elaboradas han sido publicadas. Sin embargo, no todos los miembros de la banda toleran los bootlegs de Dream Theater. Portnoy era definitivamente el miembro que los apoya más, ya que era un ávido coleccionista de bootlegs cuando era más joven y mantiene su archivo personal de material de Dream Theater. Petrucci y LaBrie han declarado oposición con respecto a las personas que graban sus conciertos. Petrucci ha dicho que prefiere que los miembros de la audiencia se concentren en los músicos en tarima, y no en los ajustes de nivel de sus dispositivos de grabación. LaBrie, por otra parte, argumenta que los bootlegs le quitan propiedad y control a la actuación en directo, y los pone en manos del público. Myung ha expresado oposición apacible a los bootlegs, pero en algunas entrevistas ha mencionado que particularmente no le molesta mucho; mientras que Rudess afirma que no le molestan pues afirma que es inevitable la propagación de los bootlegs. Sin importar sus opiniones personales, cada miembro de la banda autografía cualquier bootleg que se les presente para que sea firmado. Dream Theater también ha publicado una serie de bootlegs oficiales a través de YtseJam Records, encabezada por Portnoy. A pesar de que son bien conocidos por hacer canciones versionadas a lo largo de toda su carrera, Dream Theater llevó esta práctica a otro nivel durante la gira promocional de Six Degrees of Inner Turbulence. En tres conciertos especiales, en Barcelona, Chicago y Nueva York, versionaron el álbum completo Master of Puppets de Metallica después de un set entero de material de Dream Theater. Aquello fue impactante para los fans dado que no había señales de que eso iba a ocurrir, apartando el hecho de que se había anunciado que esos conciertos, que eran la segunda noche en cada ciudad, serían «extra especiales». Esta tradición puede ser rastreada hacia atrás seguramente hasta una de las bandas favoritas de Mike Portnoy, Phish, que comenzó a versionar álbumes enteros de otros artistas cada Halloween, empezando en 1994. Portnoy anunció este «álbum versionado» como el primero de una serie de conciertos a ser dados como tributo a bandas que han sido influyentes en la formación y desarrollo de Dream Theater. Los sets de canciones versionadas dividieron a muchos fans que asistieron al espectáculo, llevando a algunos a decir que fueron a un concierto de Dream Theater a ver música original y no el trabajo de otro artista. Otros, sin embargo, dijeron que fue un bono y no un reemplazo de un concierto de Dream Theater, dado que un concierto ordinario había sido interpretado la noche anterior. La siguiente vez que se hizo un concierto de álbum versionado esta negatividad fue más contenida, pues la mayoría de los fans ya sabían que eso iba a suceder, y que no verían una noche completa de material de Dream Theater. En la siguiente etapa de la gira versionaron el álbum The Number of the Beast de Iron Maiden, y recibieron una reacción similar a la obtenida con Master of Puppets, a pesar de que ya se sabía que un álbum versionado iba a ser interpretado esa noche porque el itinerario incluía dos conciertos en noches consecutivas en la misma ciudad. El 11 de octubre de 2005, Dream Theater versionó The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, su tercer álbum clásico versionado. El sitio web oficial de Dream Theater declaraba que «los segundos sets de las segundas noches en Ámsterdam, Londres, Buenos Aires, São Paulo y Tokio (11 de octubre, 25 de octubre, 4 de diciembre, 11 de diciembre y 13 de enero), y también el segundo set del espectáculo del 15 de enero en Osaka, serán un álbum clásico entero versionado». The Dark Side of the Moon fue interpretado una vez más el 25 de octubre en Londres. Sin embargo, en Buenos Aires (4 de diciembre) y Sao Paulo (11 de diciembre) el «álbum clásico» interpretado fue Scenes from a Memory de la mismísima Dream Theater, para compensar por no haber visitado nunca Argentina y solo una vez Brasil en su gira por 1998. El 13 de enero de 2006 (Tokio) y el 15 (Osaka), Dream Theater versionó el álbum en directo Made in Japan, de Deep Purple, su cuarto álbum clásico versionado (esto concordó brevemente con las especulaciones de los fans, quienes dijeron que era inevitable que al menos uno de los álbumes del rock progresivo de los 70, posiblemente de Rush, sería versionado). La formación tiene pensado realizar en vivo más álbumes versionados, pero se niega a revelar cuándo ocurrirán o qué álbum será interpretado. También hicieron una interpretación en directo de Cemetery Gates de Pantera en Dallas, Texas, para conmemorar a Dimebag Darrel Abott, donde contaron con la colaboración de Dave Mustaine.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Biblioteca Del Metal (Recopilation). Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://www.ivoox.com/podcast-biblioteca-del-metal-recopilation_sq_f1308558_1.html

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Jazz Star Series: Chucho Valdés

Green In Jazz

Play Episode Listen Later Mar 24, 2020 65:19

Desde niño comenzó a tocar piano guiado por su padre, el también pianista, Bebo Valdés, y los 14 años inicia su actividad profesional en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Fue alumno del Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana y más tarde fue discípulo de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical, graduándose de la Universidad de las Artes de la Habana. Antes de los veinte años ya era un afamado pianista, decidiendo luego integrarse a grupos de jazz. En los inicios de los años 60 formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna. Fundó, posteriormente, el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos. Su revelación mundial como importante exponente del movimiento jazzístico internacional ocurre en el Festival Jazz Jamboree de Varsovia, en 1970, donde fue ubicado por la crítica entre los mejores pianistas de jazz de ese momento, como renovador del Latin Jazz o Afrocuban Jazz y exponente del mensaje jazzístico cubano. Uno de sus grandes éxitos ha sido aglutinar en el grupo Irakere a estrellas de la música cubana, que reconocen su paso por la agrupación como una escuela. Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de La Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico. Su labor pedagógica se desarrolla en el Instituto Superior de Arte de Cuba, la Universidad de Berkeley, Estados Unidos y otras europeas. Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable, ha impartido conferencias magistrales en la Universidad de Banff en Canadá, la Real Academia de Música de Londres, Centro de Altos Estudios de los Ángeles y San Francisco en el estado norteamericano de California. Entre sus composiciones más famosas figuran Misa Negra, 1968; Contradanza (dedicada a María Cervantes), 1968; Cien años de juventud (danzón), 1979; Las Margaritas, 1981; Crisol of Havana con Roy Hargrove; Latin Jazz (obtuvo premio Grammy 1997); Homenaje a Peruchín, 1990, Live at village vanguard (obtuvo Grammy 2000). Mención especial merece la versión que hizo de la obra The Duke, originalmente escrita por Brubeck y dedicada a Duke Ellington. Con el CD Canciones inéditas obtuvo el premio Grammy Latino 2002. Además Mercy cha, Niña, Por la libre, Valle Picadura (danzón), Juana 1600, Calzada del Cerro, entre otras. Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano. El 16 de octubre de 2006, Chucho Valdés fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO). Premios -1979 con Irakere y el álbum del mismo nombre. - Premio Grammy ,1997 con Roy Hargrove's Crisol y el álbum Habana. - Premio Grammy, 2000 por el álbum Live at the Vanguard Village. - Premio Grammy Latino, 2009 con el álbum Juntos para siempre, esta vez compartió honores con su padre Bebo Valdés. - Premio Grammy, 2011 por el Mejor Álbum de Jazz Latino concedido a su grabación Chucho’s Steps, primer fonograma con su nueva agrupación The Afro-Cuban Messengers. - Premio Grammy Latino, 2002, por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem como Mejor Álbum Instrumental Pop. - Premio Nacional de la Música Cubana. - Doctor Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de La Habana. -Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte de La Habana. - Medalla Félix Varela (máxima distinción de la cultura cubana).

"Entrevista a Juan Delgado"

Al corazón de la Familia

Play Episode Listen Later Feb 27, 2020 55:24

Hoy tenemos como invitado a Juan Delgado, un cantautor católico que fue galardonado en el año 2019 con el Premio Grammy a mejor album cristiano por su trabajo "Todo pasa". Nos contará su testimonio y nos hablará sobre aspectos importantes de su vida profesional.

2020-02 Premio Grammy

Historias del Blues

Play Episode Listen Later Jan 26, 2020 29:35

En este programa escucharemos apartes de los ganadores de los premios Grammy en las categorías Mejor Álbum de Blues Tradicional y Mejor Álbum de Blues Contemporáneo: "Tall, Dark & Handsome" de Delbert McClinton & Self Made Men + Dana y "This Land" de Gary Clark Jr.

grammy tall gary clark jr this land premio grammy

Nada más que música - 1975 La eclosión

chicago san francisco toronto detroit nos grammy heat escape kansas pero burn cuando cada durante crash estados unidos esto rock and roll dust hasta david bowie elton john tras londres metallica lp top ten otro luego nosotros elf algunos otras inglaterra canad billy joel reino unido parsons obras gambler four seasons hard rock travers scholz radioactive continuando styx carlos santana herbie hancock ganador bob seger piano man open arms steve perry stop believin escucharemos frankie valli concretamente pat metheny night moves originalmente innocent man lincoln park steve reich blackmore seger gaudi nadam milton nascimento alan parsons project kirk hammett ornette coleman alan parsons trade winds ritchie blackmore james young jim hall david stone antonio carlos jobim michael brecker neal schon uptown girl pat travers nicko mcbrain silver bullet band enrique morente le chateau long live rock tom scholz cobo hall brad delp old time rock gregg rolie premio grammy eric woolfson

Play Episode Listen Later Dec 6, 2019 26:34

Continuando con nuestra pequeña historia del rock, nos habíamos quedado en el final de la crisis energética y admirando la eclosión de un buen número de grandes grupos. Como una pincelada, escuchamos la excelente canción de Kansas, “Dust in the wind”. Pero hubo muchos más, por ejemplo, Styx, con su éxito “Lady”. Los orígenes de Styx se remontan a 1963, cuando, en Chicago, los hermanos Chuck y John Panozzo (bajista y batería, respectivamente) empezaron a tocar, por diversión, con el teclista y cantante Dennis De Young. Durante los primeros cinco años, la música fue un hobby para ellos. Luego, en 1968, entraron en escena los guitarristas James Young y John Curulewski, y el grupo, bajo el nombre de Tradewinds, comenzó a actuar por el área de Chicago. No eran tan potentes y originales como Chicago, que en aquel periodo dominaba la escena jazz-rock americana, pero tenían un gran espíritu de superación, que se lo curraban, vamos. En 1970, tras haber cambiado su nombre por el de Styx, publicaron su primer álbum, 'Styx', prometedor y lleno de ideas, aunque realizado con muy bajo presupuesto. Su segundo disco, 'Styx II' (1973), contiene su primer gran éxito, la canción 'Lady', que acabamos de escuchar, y que, en 1975, escaló las listas de singles; fue un caso aislado, ya que tanto este disco como los siguientes, pasaron casi inadvertidos. Otro grupo de esta misma época, Boston, también tuvo su momento de gloria con una canción: “More tan a feeling” Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero de sonido Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras un inicio algo incierto, el batería deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, y además el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo. Es así, como en 1976 y gracias a las composiciones ingeniosas del Scholz, el grupo lanza en 1976 su primer álbum titulado simplemente "Boston" y colocando inmediatamente éxitos en las listas de popularidad, como la clásica "More than a feeling", que acabamos de oír. Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado "Don´t look back", el cual, a pesar de ser bastante más flojo que su antecesor, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al álbum se convierte en un éxito comercial. Nos despedimos de Boston con esta canción: "Don´t look back" Otro de estos grupos fue Journey, una banda de rock creada en 1973 en San Francisco, por el teclista Gregg Rolie y el guitarrista Neal Schon, por cierto, integrantes originales de Santana. Esta banda, de estilo rock progresivo en sus inicios, fue cambiando a un estilo más melódico con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Este tipo, con la aportación de voz, convirtió a la banda en una de las más destacadas de los años 1980, con ventas de más de 80 millones de discos en todo el mundo. Journey alcanzó la cima del éxito en 1981 con el álbum Escape, que contenía canciones como "Open Arms", "Who's Crying Now" y "Don't Stop Believin'". Escucharemos esta última. Robert Clark "Bob" Seger, nacido en Lincoln Park, Míchigan, el 6 de mayo de 1945, es cantante, compositor, guitarrista y pianista, lo tiene todo. Al principio de su carrera se dedicó a actuar y grabar de forma local, llegándole el éxito en la misma medida. Pero, en 1973, reunió The Silver Bullet Band, un grupo de músicos del área de Detroit, con el que alcanzó ya el éxito a nivel nacional con el álbum Live Bullet, grabado en vivo en 1975 en el Cobo Hall de Detroit, Míchigan. En 1976, consigue un nuevo éxito nacional con el álbum de estudio Night Moves. Bob Seger es un roquero de raíces, con una clásica voz raspada. Ha escrito y grabado canciones que tratan del amor, las mujeres y temas sobre la clase trabajadora, y se ha preocupado siempre por escribir sobre el estilo de vida del trabajador estadounidense. Seger ha tenido numerosos éxitos, pero creo que le recordaremos por su icónico tema "Old Time Rock and Roll" Rainbow es una banda británica de hard rock y heavy metal liderada por el guitarrista Ritchie Blackmore, cuyo período de actividad tuvo lugar entre 1975 y 1984 aunque volvieron a escena entre 1994 y 1997. Originalmente fue fundada por Blackmore y los componentes del grupo Elf, pero con el tiempo la banda sufrió varios cambios en su formación y, desgraciadamente, ninguna de ellas grabó más de un disco. Originalmente su música mezclaba letras épicas con el sonido del metal neoclásico, pero con el paso del tiempo y, supongo, por las exigencias del mercado, el grupo adoptó posturas más comerciales. En 1978, el grupo se reunió en París, en los estudios Le Chateau, para preparar un nuevo LP. Tras dos meses de sesiones intermitentes, Blackmore, disgustado con los resultados, despide a varios de sus músicos por “incompatibilidad de caracteres”, supongo… La grabación queda detenida y Blackmore regresa a Inglaterra para probar músicos. Al no quedar conforme con ninguno, vuelve a París y graba él mismo todas las partes de bajo. Otras pistas son regrabadas en diciembre por un músico de sesión llamado David Stone. Tras todos estos avatares, el grupo dio a luz “Long Live Rock 'n' Roll, trabajo lanzado en el Reino Unido el 14 de abril de 1978. Y es éste: “Long Live Rock and Roll” The Alan Parsons Project fue un grupo inglés de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990.1 La banda estuvo liderada por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson. En él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de once discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, quienes lograron vender más de cincuenta millones de copias. Cuando mejor rodaban las cosas, y como siempre ocurre en casi todos los grupos, las relaciones entre Woolfson y Parsons no eran las mejores y, consecuentemente, llegó la separación. Mientras Parsons siguió su propia carrera en solitario y llevó a muchos miembros del proyecto de gira por primera vez con gran éxito, Woolfson produjo obras musicales influenciadas por la música de The Alan Parsons Project. Obras como Freudiana, Gaudi y Gambler fueron tres musicales que incluyeron canciones como "Eye in the Sky". Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares y logrado más de 40 éxitos desde 1973 (empezando con el sencillo "Piano Man" que ya hemos oído en este programa) hasta su retirada en 1993, aunque, bueno, el hombre sigue haciendo tours. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que consiguieron éxitos en el "Top Ten" de los 70, 80, y 90. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de discos en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos. Ha realizado exitosas giras artísticas algunas veces con Elton John además de escribir y grabar música clásica. En 1983 lanzó el álbum "An Innocent Man" que incluía la pegadiza "Uptown Girl". En este álbum Billy Joel hace un tributo a la música de su infancia y siempre ha considerado este trabajo como “un álbum de cantantes”. Concretamente, "Uptown Girl" es un homenaje a Frankie Valli y The Four Seasons y su estilo doo-wop, hecho popular a mediados de los años 50. Escuchamos Uptown Girl. En esta época, destacaron varios guitarristas que no podemos pasar por alto. Cada uno con un estilo diferente, aportaron a la creatividad del momento páginas inolvidables. El primero de ellos Pat Metheny. Pat Metheny es un guitarrista estadounidense de jazz, reconocido como uno de los más grandes músicos de este género. Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 20 Grammy. A lo largo de su dilatada carrera, ha tocado con artistas tan diversos como Antonio Carlos Jobim, Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, Jim Hall, Michael Brecker, Milton Nascimento, Enrique Morente, David Bowie o Carlos Santana. Nosotros vamos a escucharle, con su Pat Metheny Grup, en Better Days Ahead. Patrick Henry Travers , nacido el 12 de abril de 1954 en Toronto, Canadá, es un guitarrista de Hard Rock que inició su carrera musical a mediados de los setenta. Por su banda han pasado gente tan reconocida como Nicko McBrain o Jerry Riggs, entre otros. De su producción destacan los discos de sus inicios, como Heat in the Street de 1978, álbum en el que contó con el reconocido batería Tommy Aldridge; Crash and Burn de 1980 y Radio Active de 1981. A partir de allí, la carrera de Travers no ha logrado el éxito comercial obtenido en su primera época, sin embargo, conserva una leal base de fanáticos seguidores desde entonces. En retrospectiva, Pat Travers es considerado uno de los guitarristas más influyentes que emergió de la escena hard rock de los setentas. Algunos guitarristas, incluyendo a Kirk Hammett de Metallica, han citado a Travers como una de sus mayores influencias. Esto que suena es Snortin Whiskey Y bueno, no tenemos tiempo para más. Se nos han quedado en la recámara unos cuantos artistas que hubieran merecido nuestra atención. Se la prestaremos más adelante. En cualquier caso, ha sido un placer para mi, y espero que para vosotros, recordar a toda la gente que ha desfilado hoy por el programa. Así que, queridos amigos, me despido de todos vosotros amenazando con volver la próxima semana como siempre con… más historias, más músicos y más música. Hasta entonces… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES !!!

Nada más que música - 1975 La eclosión

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Play Episode Listen Later Dec 5, 2019 26:34

Continuando con nuestra pequeña historia del rock, nos habíamos quedado en el final de la crisis energética y admirando la eclosión de un buen número de grandes grupos. Como una pincelada, escuchamos la excelente canción de Kansas, “Dust in the wind”. Pero hubo muchos más, por ejemplo, Styx, con su éxito “Lady”. Los orígenes de Styx se remontan a 1963, cuando, en Chicago, los hermanos Chuck y John Panozzo (bajista y batería, respectivamente) empezaron a tocar, por diversión, con el teclista y cantante Dennis De Young. Durante los primeros cinco años, la música fue un hobby para ellos. Luego, en 1968, entraron en escena los guitarristas James Young y John Curulewski, y el grupo, bajo el nombre de Tradewinds, comenzó a actuar por el área de Chicago. No eran tan potentes y originales como Chicago, que en aquel periodo dominaba la escena jazz-rock americana, pero tenían un gran espíritu de superación, que se lo curraban, vamos. En 1970, tras haber cambiado su nombre por el de Styx, publicaron su primer álbum, 'Styx', prometedor y lleno de ideas, aunque realizado con muy bajo presupuesto. Su segundo disco, 'Styx II' (1973), contiene su primer gran éxito, la canción 'Lady', que acabamos de escuchar, y que, en 1975, escaló las listas de singles; fue un caso aislado, ya que tanto este disco como los siguientes, pasaron casi inadvertidos. Otro grupo de esta misma época, Boston, también tuvo su momento de gloria con una canción: “More tan a feeling” Boston se crea a mediados de 1969 por el ingeniero de sonido Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras un inicio algo incierto, el batería deja el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, y además el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo. Es así, como en 1976 y gracias a las composiciones ingeniosas del Scholz, el grupo lanza en 1976 su primer álbum titulado simplemente "Boston" y colocando inmediatamente éxitos en las listas de popularidad, como la clásica "More than a feeling", que acabamos de oír. Para 1978, el grupo lanza su segundo álbum titulado "Don´t look back", el cual, a pesar de ser bastante más flojo que su antecesor, el disco alcanza ventas que le llevan al disco de platino y la canción que da título al álbum se convierte en un éxito comercial. Nos despedimos de Boston con esta canción: "Don´t look back" Otro de estos grupos fue Journey, una banda de rock creada en 1973 en San Francisco, por el teclista Gregg Rolie y el guitarrista Neal Schon, por cierto, integrantes originales de Santana. Esta banda, de estilo rock progresivo en sus inicios, fue cambiando a un estilo más melódico con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Este tipo, con la aportación de voz, convirtió a la banda en una de las más destacadas de los años 1980, con ventas de más de 80 millones de discos en todo el mundo. Journey alcanzó la cima del éxito en 1981 con el álbum Escape, que contenía canciones como "Open Arms", "Who's Crying Now" y "Don't Stop Believin'". Escucharemos esta última. Robert Clark "Bob" Seger, nacido en Lincoln Park, Míchigan, el 6 de mayo de 1945, es cantante, compositor, guitarrista y pianista, lo tiene todo. Al principio de su carrera se dedicó a actuar y grabar de forma local, llegándole el éxito en la misma medida. Pero, en 1973, reunió The Silver Bullet Band, un grupo de músicos del área de Detroit, con el que alcanzó ya el éxito a nivel nacional con el álbum Live Bullet, grabado en vivo en 1975 en el Cobo Hall de Detroit, Míchigan. En 1976, consigue un nuevo éxito nacional con el álbum de estudio Night Moves. Bob Seger es un roquero de raíces, con una clásica voz raspada. Ha escrito y grabado canciones que tratan del amor, las mujeres y temas sobre la clase trabajadora, y se ha preocupado siempre por escribir sobre el estilo de vida del trabajador estadounidense. Seger ha tenido numerosos éxitos, pero creo que le recordaremos por su icónico tema "Old Time Rock and Roll" Rainbow es una banda británica de hard rock y heavy metal liderada por el guitarrista Ritchie Blackmore, cuyo período de actividad tuvo lugar entre 1975 y 1984 aunque volvieron a escena entre 1994 y 1997. Originalmente fue fundada por Blackmore y los componentes del grupo Elf, pero con el tiempo la banda sufrió varios cambios en su formación y, desgraciadamente, ninguna de ellas grabó más de un disco. Originalmente su música mezclaba letras épicas con el sonido del metal neoclásico, pero con el paso del tiempo y, supongo, por las exigencias del mercado, el grupo adoptó posturas más comerciales. En 1978, el grupo se reunió en París, en los estudios Le Chateau, para preparar un nuevo LP. Tras dos meses de sesiones intermitentes, Blackmore, disgustado con los resultados, despide a varios de sus músicos por “incompatibilidad de caracteres”, supongo… La grabación queda detenida y Blackmore regresa a Inglaterra para probar músicos. Al no quedar conforme con ninguno, vuelve a París y graba él mismo todas las partes de bajo. Otras pistas son regrabadas en diciembre por un músico de sesión llamado David Stone. Tras todos estos avatares, el grupo dio a luz “Long Live Rock 'n' Roll, trabajo lanzado en el Reino Unido el 14 de abril de 1978. Y es éste: “Long Live Rock and Roll” The Alan Parsons Project fue un grupo inglés de rock progresivo formado en 1975 en Londres y activo hasta 1990.1 La banda estuvo liderada por el productor, ingeniero y compositor Alan Parsons y el productor ejecutivo, compositor y vocalista Eric Woolfson. En él participaron varios músicos de estudio y un grupo amplio de cantantes. En conjunto grabaron un total de once discos, acreditándose la mayoría de las canciones como Parsons/Woolfson, quienes lograron vender más de cincuenta millones de copias. Cuando mejor rodaban las cosas, y como siempre ocurre en casi todos los grupos, las relaciones entre Woolfson y Parsons no eran las mejores y, consecuentemente, llegó la separación. Mientras Parsons siguió su propia carrera en solitario y llevó a muchos miembros del proyecto de gira por primera vez con gran éxito, Woolfson produjo obras musicales influenciadas por la música de The Alan Parsons Project. Obras como Freudiana, Gaudi y Gambler fueron tres musicales que incluyeron canciones como "Eye in the Sky". Billy Joel ha grabado muchos éxitos populares y logrado más de 40 éxitos desde 1973 (empezando con el sencillo "Piano Man" que ya hemos oído en este programa) hasta su retirada en 1993, aunque, bueno, el hombre sigue haciendo tours. Es uno de los pocos artistas de rock y pop que consiguieron éxitos en el "Top Ten" de los 70, 80, y 90. Ganador del Premio Grammy en seis ocasiones, ha vendido más de 100 millones de discos en el mundo y es el sexto artista con más ventas en Estados Unidos. Ha realizado exitosas giras artísticas algunas veces con Elton John además de escribir y grabar música clásica. En 1983 lanzó el álbum "An Innocent Man" que incluía la pegadiza "Uptown Girl". En este álbum Billy Joel hace un tributo a la música de su infancia y siempre ha considerado este trabajo como “un álbum de cantantes”. Concretamente, "Uptown Girl" es un homenaje a Frankie Valli y The Four Seasons y su estilo doo-wop, hecho popular a mediados de los años 50. Escuchamos Uptown Girl. En esta época, destacaron varios guitarristas que no podemos pasar por alto. Cada uno con un estilo diferente, aportaron a la creatividad del momento páginas inolvidables. El primero de ellos Pat Metheny. Pat Metheny es un guitarrista estadounidense de jazz, reconocido como uno de los más grandes músicos de este género. Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 20 Grammy. A lo largo de su dilatada carrera, ha tocado con artistas tan diversos como Antonio Carlos Jobim, Steve Reich, Ornette Coleman, Herbie Hancock, Jim Hall, Michael Brecker, Milton Nascimento, Enrique Morente, David Bowie o Carlos Santana. Nosotros vamos a escucharle, con su Pat Metheny Grup, en Better Days Ahead. Patrick Henry Travers , nacido el 12 de abril de 1954 en Toronto, Canadá, es un guitarrista de Hard Rock que inició su carrera musical a mediados de los setenta. Por su banda han pasado gente tan reconocida como Nicko McBrain o Jerry Riggs, entre otros. De su producción destacan los discos de sus inicios, como Heat in the Street de 1978, álbum en el que contó con el reconocido batería Tommy Aldridge; Crash and Burn de 1980 y Radio Active de 1981. A partir de allí, la carrera de Travers no ha logrado el éxito comercial obtenido en su primera época, sin embargo, conserva una leal base de fanáticos seguidores desde entonces. En retrospectiva, Pat Travers es considerado uno de los guitarristas más influyentes que emergió de la escena hard rock de los setentas. Algunos guitarristas, incluyendo a Kirk Hammett de Metallica, han citado a Travers como una de sus mayores influencias. Esto que suena es Snortin Whiskey Y bueno, no tenemos tiempo para más. Se nos han quedado en la recámara unos cuantos artistas que hubieran merecido nuestra atención. Se la prestaremos más adelante. En cualquier caso, ha sido un placer para mi, y espero que para vosotros, recordar a toda la gente que ha desfilado hoy por el programa. Así que, queridos amigos, me despido de todos vosotros amenazando con volver la próxima semana como siempre con… más historias, más músicos y más música. Hasta entonces… ¡¡¡BUENAS VIBRACIONES !!!

Episodio 150 women selection

Green In Jazz

Play Episode Listen Later Nov 13, 2019 55:14

Como en el resto de las demás facetas de la sociedad, del arte, y de la vida en general, en el mundo de la música hemos tardado demasiado en reconocer el monumental rol de la mujer. Subimos el telón de nuestro episodio 150 para encontrar un enorme ramillete de grandes vocalistas e instrumentistas como la estadounidense Nicole Atkins o la trompetista y cantante canadiense Bria Skonberg. Otras invitadas a esta sesión de Green In Jazz son Etta James, Jolie Holland o Kat Edmonson, entre otras. Esperanza Emily Spalding ?? es una cantante, contrabajista y bajista estadounidense de jazz que en el 2011, ganó el Premio Grammy a la Artista Revelación, siendo la primera artista de jazz que recibió dicho reconocimiento o Jill Barber que abandona aqui sus inicios de folk y pop para abrazar definitivamente el jazz o la voz familiar la de Dee Dee Bridgewitar ,cantante estadounidense de jazz tres veces ganadora del premio Grammy.

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Quick Remember 479-Michael Omartian, productor de Christopher Cross

Quick Remember

Play Episode Listen Later Jul 1, 2019 46:26

Michael Omartian ha contribuido con su talento a más de 350,000,000 de álbumes y CD vendidos en todo el mundo como productor, compositor, arreglista, artista o músico. Es el primer productor de discos en registrar éxitos # 1 en tres décadas consecutivas. Con diecisiete nominaciones al Grammy, incluyendo Productor del Año, Álbum del Año y Álbum del Evangelio del Año, Omartian es un ganador múltiple del Premio Grammy. Además, Michael ha sido reconocido por The Recording Academy como Teclista del Año y es un artista patrocinado por Yamaha. Michael ha trabajado como productor y miembro del personal de A&R tanto para ABC / Dunhill Records como para Warner Brothers Records. Michael Omartian ha producido artistas como: Susan Ashton, Sheena Easton, Barry Manilow, John Berry, First Call, Richard Marx, Stephen Bishop, Roberta Flack, Reba McEntire, Clint Black, Bela Fleck, Larry Wayne Morbitt, Michael Bolton, 4HIM, Lorrie Morgan, Karla Bonoff, Vince Gill, Willie Nelson, Debby Boone, Amy Grant, David Pack, Steve Camp, Howard Hewitt, Sandi Patti, Bob Carlisle, Whitney Houston, Jonathan Pierce, Peter Cetera, Janis Ian, Michael W. Smith, Gary Chapman, The Imperials, Rod Stewart, Steven Curtis Chapman, Jermaine Jackson, Marty Stuart, Cher, The Jacksons, Donna Summer, Michael Crawford, Waylon Jennings, Kathy Troccoli, Christopher Cross, Alison Krauss, Sheila Walsh, Helen Darling, Crystal Lewis, Wayne Watson, The Dirt Band, Trisha Yearwood. Él ha co-escrito muchas canciones, algunas de las cuales son: “When Love Finds You” – Vince Gill “That’s What Love Is For” – Amy Grant “She Works Hard For the Money” – Donna Summer “Tell Me I’m Not Dreamin” – Jermaine Jackson “Unconditional Love” – Donna Summer “Every Turn of the World” – Christopher Cross “Charm the Snake” – Christopher Cross “Rhythm of Life” – Richard Marx “Boogie Down” – Al Jarreau “Fool For Your Love” – Dolly Parton & Leo Sayer “Traces of Heaven” – Bryan Duncan La música del recuerdo en Quick Remember.

Quick Remember 473-Jimmy Earl

Quick Remember

Play Episode Listen Later Jun 10, 2019 45:02

Jimmy Earl (nacido en 1957) es un bajista de jazz estadounidense que es miembro de la banda Jimmy Kimmel Live! . En 1973, con sus compañeros de la escuela secundaria Dan Hovey y Rex Wilson, formó su primera banda, Cosmic Rainbow. En 1983, se unió a Baku de Tiger Okoshi, que se presentó en el Festival de Jazz de Newport en 1984. En 1985, se unió a una banda liderada por el baterista de jazz Bob Moses, con quien apareció en Boston y Cambridge. Earl comenzó su carrera de grabación en Boston en 1986 cuando apoyó a David Gilden en Ancestral Voices. En 1986, Jimmy Earl se mudó a la ciudad de Nueva York y por recomendación de su amigo Steve Hunt se unió a Jazz Explosion. En este grupo trabajó con Gato Barbieri, Angela Bofill, Tom Browne, Stanley Clarke, George Duke, Freddie Hubbard, Phyllis Hyman, Ramsey Lewis, Lonnie Liston Smith y Stanley Turrentine. Conoció al bajista Stanley Clarke, quien se convirtió en su mentor y amigo, y se unió a la gira de Clarke por Brasil con Larry Graham. Poco después, se reunió con Joe Sample en el Blue Note Jazz Club en la ciudad de Nueva York, y Sample lo invito a unirse a The Crusaders. Durante 1986 y 1987, realizó una gira con ellos en los Estados Unidos, Europa y Japón. En 1988, Jimmy Earl se mudó a Los Ángeles y grabó en el álbum de Clarke If This Bass Could Only Talk. Fue seguido en 1993 por East River Drive, en el que se acredita a Earl como coautor de “I’m Home Africa”. En 1990 apareció en dos álbumes por el Proyecto Mark Varney. El primero, Truth in Shredding, que contó con el guitarrista de jazz Allan Holdsworth y Frank Gambale. En el segundo, Centrifugal Funk, trabajó como arreglista y productor. En 1993, Jimmy Earl reemplazó a John Patitucci en la Banda Elektric de Chick Corea, que salió de gira. Al regresar, trabajó con su compañero de banda de Elektric Eric Marienthal en el álbum One Touch y ayudó a escribir la canción “Backtalk”. Durante el mismo año, apareció en el álbum Elektric Band II: Paint the World y coescribió con Corea “Ished”, “Spanish Sketch”, y “Reprise”. El álbum fue nominado para el Premio Grammy de 1994 al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo. Dos años después se unió a la banda ‘Steve Vai está en el álbum tributo de The Songs of West Side Story, que fue certificado como oro. En 2002, participó en la gira de reunión de la Elektric Band en los EE. UU., que incluyó dos actuaciones en el Blue Note. En otra reunión, Earl actuó en el álbum The Chick Corea Songbook (2009) de Manhattan Transfer. Mientras viajaba con Corea en 1993, Earl actuó en Roma, Italia, con Pino Daniele, quien le invitó a grabar en su álbum Che Dio ti benedica. Este fue el primero de los cinco álbumes que grabó con Daniele de 1993 a 1999. En 1995, mientras estaba de gira con Daniele para promocionar Non calpestare i fiori nel deserto, tocó en Milán, Italia, con Pat Metheny. En ese año, grabó Jimmy Earl, que contó con David Batteau, Mitchel Forman, Franke Gambale, Deron Johnson, Gary Novak, Rique Pantoja, Randy Roos, Steve Tavaglione y Dave Weckl. Este álbum presenta la interpretación en bajo de Earl de “Pavane for a Dead Princess” de Maurice Ravel (1899). Fue seguido en 1997 por su segundo álbum, Stratosphere, que presenta a John Beasley, Daniele, Johnson, Forman y Simon Phillips. Es una exploración en la combinación de actuaciones de músicos en vivo con música electrónica. El 20 de marzo de 2012, Severn Records reeditó versiones actualizadas de estos álbumes, que fueron revisadas en la revista Bass Player. Posteriormente, el 21 de enero de 2014, Severn lanzó otro álbum de Earl, Renewing Disguises. La portada de este álbum se basa en una caricatura de Earl dibujada por Dicky Barrett. En 1996, Tom Brechtlein recomendó a Earl como reemplazo de Roscoe Beck en la banda de Robben Ford, The Blue Line, que estaba a punto de emprender una gira en autobús por Europa. Al regresar, Ford comenzó una nueva banda, que comenzó con una serie de actuaciones en la costa oeste. Estas incluyeron apariciones en Catalina Bar and Grill en Hollywood, y en Yoshi’s en Oakland, California, donde Vinnie Colaiuta apareció en la batería. El álbum Supernatural de Ford fue grabado y lanzado en 1999. En 2001, la banda de Ford grabó New Morning: The Paris Concert. Este DVD capturó una actuación en vivo en el club New Morning en París. Fue seguido, en 2002, por el primer álbum de Ford con Concord Jazz , Blue Moon, en el que se le atribuye a Earl la producción de “Good to Love”. Más tarde, Earl grabó en dos álbumes más de Ford: Keep on Running (2003), y Truth (2007), que fue nominado para el Premio Grammy 2008 al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo. Por otra parte, en agosto de 2007, Verdad se convirtió en el álbum de blues número uno en la lista de Billboard. A finales de 2002, invitaron a Jimmy Earl a unirse a una nueva banda, Cleto y los Cletones, que acababa de ser elegida para ser la banda de house en el programa de televisión de la ABC Jimmy Jimmy Live en la noche. Después del espectáculo y los fines de semana, Earl se presenta una o dos veces al mes en el club Baked Potato en Studio City. Ha aparecido con Dean Brown, Deron Johnson, Scott Kinsey, Simon Phillips, Jeff Richman, Steve Tavaglione, Steve Weingart, Zigaboo Modeliste, y con la cantante de salsa Cecilia Noel y los Wild Clams. La asociación de Earl con los Wild Clams se remonta a 1995 cuando actuó con ellos en el Teatro Nacional de Cuba, en La Habana. Este concierto terminó un período de dieciséis años durante el cual se prohibió a los grupos musicales estadounidenses actuar en Cuba.

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Episodio 5 : GRAMMYs 2019

Supercut Podcast

Play Episode Listen Later Feb 8, 2019 70:29

En este capitulo comentamos algunas de las categorías y los nominados a los Premio GRAMMY 2019, además de hacer nuestras predicciones sobre los ganadores.

premio grammy grammys 2019

El Castor Cibernético del 23, 24 y 25 de noviembre 2018

RCI | Español : Canadá en las Américas Café

Play Episode Listen Later Nov 23, 2018

Desde Montreal, un saludo a todos nuestros oyentes e internautas que nos siguen en este momento en directo a través de Facebook Live y en nuestro canal de YouTube , y también a los que siguen a través nuestro sitio www.rcinet.ca/es . Hoy estamos en el estudio: Leonora Chapman, Pablo Gómez Barrios, Leonardo Gimeno y Rufo Valencia. Como siempre, les agradecemos a todos nuestros oyentes/internautas por participar en el programa a través de sus correos-comentarios en nuestro sitio web y en las redes sociales. Escuche ES_Reportage_4-20181123-WRS40 Ward, de 10 años, vive en el zoológico de TorontoPhoto Credit: U de Toronto Música Alessia Cara La estrella del pop canadiense Alessia Cara (Evan Mitsui / CBC) Ella actuó junto a Taylor Swift, realizó una gira con Coldplay y se convirtió en ganadora del Premio Grammy a la edad de 21 años. Ahora, Alessia Cara está llevando su carrera musical a un nuevo nivel al lograr un objetivo que la cantante y compositora canadiense dice que ella misma estableció hace años. Cara es la escritora principal de todas las canciones de su próximo segundo álbum, The Pains of Growing, una rareza entre las jóvenes estrellas del pop que a menudo buscan mantenerse en la cima de las listas con éxitos garantizados. https://www.youtube.com/watch?v=uF9YayOgjRg Reportajes destacados de la semana La UNAM-CANADÁ conmemora el 50 aniversario del M68 Este 2018 se conmemoran tanto en la Universidad Nacional Autónoma de México como en su extensión en Canadá, los 50 años del movimiento estudiantil del 68, M68, también conocido como la Masacre de Tlatelolco en la que un número indeterminado de estudiantes perdieron la vida (se habla de entre 200 y 300 estudiantes muertos) en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. Para conmemorar este 50 aniversario del M68, la Escuela de extensión universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México en Canadá, UNAM-CANADÁ, organizó la exposición “Hace 50 años…el M68 y la UNAM”. Pablo Gómez Barrios conversó con Gerardo Familiar-Ferrer, Secretario Técnico de la UNAM-CANADÁ y curador de la exposición. Intolerancia política en universidades brasileñas provoca reacción en el medio académico canadiense Detrás de la campaña en las universidades se encuentra el movimiento "Escuela sin partido", un lobby ultra conservador que lucha contra las clases de educación sexual y que desea reescribir la historia, presentando entre otros al ex dictador chileno Augusto Pinochet como liberador.Photo : AFP/Getty Images / CARL DE SOUZA Un proyecto de ley presentado ante el Parlamento brasileño dirigido específicamente a las universidades causa inquietud no solo en Brasil sino también en el medio académico canadiense. Este proyecto de ley dice que se propone garantizar a los estudiantes universitarios una “educación no partidista». La derecha brasileña, dice Julián Durazo Herrmann, presidente de la Asociación Canadiense de Estudios Latinoamericanos, ha estado buscando maneras de entrar en el medio universitario y limitar los debates y las reflexiones cercanas a la izquierda. Leonora Chapman con la entrevista. Premio Giller de literatura: la voz de los de abajo es recompensada en Canadá La escritora canadiense Esi Edugyan antes de la ceremonia de premiación en Toronto el lunes 19 de noviembre. (Chris Young/Canadian Press) La noche del lunes 19 de noviembre en Toronto, la escritora Esi Edugyan fue declarada como la ganadora en 2018 del Premio Giller de Scotiabank, uno de los premios literarios más prestigiosos de Canadá, con un valor de 100.000 dólares. La escritora nacida en Calgary en 1978, hija de inmigrantes provenientes de Ghana, África, y radicada en Victoria, provincia de Columbia Británica, ganó este año el premio por su novela “Washington Black”. La novela narra la experiencia de un niño de once años que escapa de la esclavitud en una plantación de azúcar de Barbados con la ayuda del hermano menor del propietario. Reportaje de Rufo Valencia.

El Castor Cibernético del 23, 24 y 25 de noviembre 2018

RCI Canadá en las Américas Café

Play Episode Listen Later Nov 23, 2018

Desde Montreal, un saludo a todos nuestros oyentes e internautas que nos siguen en este momento en directo a través de Facebook Live y en nuestro canal de YouTube , y también a los que siguen a través nuestro sitio www.rcinet.ca/es . Hoy estamos en el estudio: Leonora Chapman, Pablo Gómez Barrios, Leonardo Gimeno y Rufo Valencia. Como siempre, les agradecemos a todos nuestros oyentes/internautas por participar en el programa a través de sus correos-comentarios en nuestro sitio web y en las redes sociales. Escuche ES_Reportage_4-20181123-WRS40 Ward, de 10 años, vive en el zoológico de TorontoPhoto Credit: U de Toronto Música Alessia Cara La estrella del pop canadiense Alessia Cara (Evan Mitsui / CBC) Ella actuó junto a Taylor Swift, realizó una gira con Coldplay y se convirtió en ganadora del Premio Grammy a la edad de 21 años. Ahora, Alessia Cara está llevando su carrera musical a un nuevo nivel al lograr un objetivo que la cantante y compositora canadiense dice que ella misma estableció hace años. Cara es la escritora principal de todas las canciones de su próximo segundo álbum, The Pains of Growing, una rareza entre las jóvenes estrellas del pop que a menudo buscan mantenerse en la cima de las listas con éxitos garantizados. https://www.youtube.com/watch?v=uF9YayOgjRg Reportajes destacados de la semana La UNAM-CANADÁ conmemora el 50 aniversario del M68 Este 2018 se conmemoran tanto en la Universidad Nacional Autónoma de México como en su extensión en Canadá, los 50 años del movimiento estudiantil del 68, M68, también conocido como la Masacre de Tlatelolco en la que un número indeterminado de estudiantes perdieron la vida (se habla de entre 200 y 300 estudiantes muertos) en la Plaza de las Tres Culturas de Tlatelolco. Para conmemorar este 50 aniversario del M68, la Escuela de extensión universitaria de la Universidad Nacional Autónoma de México en Canadá, UNAM-CANADÁ, organizó la exposición “Hace 50 años…el M68 y la UNAM”. Pablo Gómez Barrios conversó con Gerardo Familiar-Ferrer, Secretario Técnico de la UNAM-CANADÁ y curador de la exposición. Intolerancia política en universidades brasileñas provoca reacción en el medio académico canadiense Detrás de la campaña en las universidades se encuentra el movimiento "Escuela sin partido", un lobby ultra conservador que lucha contra las clases de educación sexual y que desea reescribir la historia, presentando entre otros al ex dictador chileno Augusto Pinochet como liberador.Photo : AFP/Getty Images / CARL DE SOUZA Un proyecto de ley presentado ante el Parlamento brasileño dirigido específicamente a las universidades causa inquietud no solo en Brasil sino también en el medio académico canadiense. Este proyecto de ley dice que se propone garantizar a los estudiantes universitarios una “educación no partidista». La derecha brasileña, dice Julián Durazo Herrmann, presidente de la Asociación Canadiense de Estudios Latinoamericanos, ha estado buscando maneras de entrar en el medio universitario y limitar los debates y las reflexiones cercanas a la izquierda. Leonora Chapman con la entrevista. Premio Giller de literatura: la voz de los de abajo es recompensada en Canadá La escritora canadiense Esi Edugyan antes de la ceremonia de premiación en Toronto el lunes 19 de noviembre. (Chris Young/Canadian Press) La noche del lunes 19 de noviembre en Toronto, la escritora Esi Edugyan fue declarada como la ganadora en 2018 del Premio Giller de Scotiabank, uno de los premios literarios más prestigiosos de Canadá, con un valor de 100.000 dólares. La escritora nacida en Calgary en 1978, hija de inmigrantes provenientes de Ghana, África, y radicada en Victoria, provincia de Columbia Británica, ganó este año el premio por su novela “Washington Black”. La novela narra la experiencia de un niño de once años que escapa de la esclavitud en una plantación de azúcar de Barbados con la ayuda del hermano menor del propietario. Reportaje de Rufo Valencia.

Cumple de Mark Tremonti

cumple scott stapp alter bridge tremonti mark tremonti premio grammy

Play Episode Listen Later Apr 18, 2018 1:13

Mark Thomas Tremonti (18 de abril de 1974) es un guitarrista ganador del Premio Grammy y líder de las bandas de rock: "Alter Bridge" y "Tremonti". Es también conocido por ser el cofundador junto a Scott Stapp de la banda de rock "Creed".

Cumple de Mark Tremonti

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Play Episode Listen Later Apr 18, 2018 1:13

Mark Thomas Tremonti (18 de abril de 1974) es un guitarrista ganador del Premio Grammy y líder de las bandas de rock: "Alter Bridge" y "Tremonti". Es también conocido por ser el cofundador junto a Scott Stapp de la banda de rock "Creed".

2018-2

Historias del Blues

Play Episode Listen Later Jan 29, 2018 61:08

En este programa seguimos el recorrido por los nominados a Premio Grammy, esta vez en la categoría Mejor álbum de blues contemporáneo. Además, homenaje al fallecido Preston Shannon.

adem premio grammy preston shannon

2018-01

Historias del Blues

Play Episode Listen Later Jan 22, 2018 62:49

En este programa: Nominados a Premio Grammy en la categoría de Mejor álbum de blues tradicional y homenajes a Zora Young, Junior Wells y Junior Kimbrough.

nominados junior wells junior kimbrough premio grammy

#8. Mike Posner - i took a pill in ibiza

R.D.M.

Play Episode Listen Later Jun 29, 2017 3:24

El videoclip de esta canción es simplemente buenísimo, es literalmente lo que vivimos una noche de Juerga alocada. Este single fue lanzado el pasado año, (2016) pertenece al álbum At Night, Alone. Esta canción tiene varios premios en el pasado año y en el 2017, por ejemplo: MTV Video Music Awards: Premio MTV Clubland (2016), también MTV Europe Music Award a la Canción del Año (2016), Premio Grammy por Canción del Año, entre varios otros galardones entregados al cantante.

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The Winners de Celia Cruz y Willie Colón

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Play Episode Listen Later Jun 23, 2017 55:34

Nominado al Premio Grammy de 1988, el tercer y último encuentro discográfico como titulares de Celia Cruz y Willie Colón, The Winners, supuso un cierre magnífico para un dúo que siempre se sintió a gusto de trabajar en común. Las vibrantes y generosas orquestaciones de Colón propiciaron un mayor realce a la poderosa voz de Celia. Ambos habían grabado en 1977 Solamente Ellos Pudieron Haber Hecho Este Álbum, y en 1981 Celia & Willie. Esta vez pusieron punto final a su relación con Fania Records y entraron en la leyenda. Esto y más en La Hora Faniática.

GLOBAL HITS CON ARMANDO PLATA SHOW # 128

GLOBAL HITS CON ARMANDO_PLATA

Play Episode Listen Later Apr 21, 2017 54:51

WISH I KNEW YOU con THE REVIVALISTS es # 1 en música alternativa en USA el listado de Billboard. PISO 21 con el remix de ME LLAMAS con MALUMA es top 18 de las 40 en España. TREM BALA de JET LAG MUSIC juega entre el # 1 y 2 en las plataformas de ITunes, Spotify y Shazam Brasil. En Abril de 2017 DEJA VU de PRINCE ROYCE con la colaboración de SHAKIRA es uno de los tres actos más escuchados en el mercado hispano de USA DIRTY WORK de AUSTIN MALONE se toma Japon y es # 1 de todas las plataformas de audio.RUN THIS TOWN de LUNA y el rapero francés Iyaz; es el tema que más rápido asciende en las listas de Francia según A Charts. ENRIQUE IGLESIAS CON SÚBEME LA RADIO rompe su propio record con 29 # 1 en el listado Latin Airplay de Billboard.HUMBLE. del cuarto Álbum de KENDRICK LAMAR debuta como # 2 de Top40 Charts en USA y es # 2 en Nueva Zelanda, Australia y Canadá.La GOOD LIFE con G-EASY y KHELANI incluida en banda sonora de la película RÁPIDO Y FURIOSO 8 tiene considerables descargas digitales: JESSE Y JOY ganadores del Premio Grammy al Mejor Álbum de Pop Latino llegan al top 5 en México con ME SOLTASTETHE CURE el nuevo Global Hit de LADY GAGA es el nuevo # 1 mundial de Itunes y de paso destrona de esa posición a Ed Sheeran con su Shape of you. LUIS FONSI Y DADDY YANKEE ingresan con DESPACITO al club de los mil millones en VEVO en menos de 100 días!Es la primera canción hispana, en la historia de Spotify, en llegar al top 10; es el # 1 en mayor número de países en Monitor Latino; es la producción más transmitida en la radio de todos los países de habla hispana; es # 1 en el mercado latino de USA; tiene dos versiones remix, una con Justin Bieber y otra en salsa con Víctor Manuel; es disco de diamante en centro américa; es # 2 en Francia, # 1 mundial en YouTube, y # 1 en Italia, España, Portugal, Bulgaria y Suiza. Una vez más DESPACITO es el Top de Global Hits.

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Cumple de Mark Tremonti

Play Episode Listen Later Apr 18, 2017 1:54

Mark Thomas Tremonti (18 de abril de 1974) es un guitarrista ganador del Premio Grammy y líder de las bandas de rock estadounidense Alter Bridge y Tremonti. Es también conocido por ser el cofundador junto a Scott Stapp de la banda de rock Creed. Tremonti, no solo realiza la música de sus proyectos, también es el autor de las algunas letras y contribuye como vocalista realizando diversidad de coros y segundas voces.Junto a Scott Stapp compuso todos los éxitos de Creed, sus álbumes My Own Prison, Human Clay, Weathered y Full Circle.

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Cumple de Mark Tremonti

Play Episode Listen Later Apr 18, 2017 1:54

Mark Thomas Tremonti (18 de abril de 1974) es un guitarrista ganador del Premio Grammy y líder de las bandas de rock estadounidense Alter Bridge y Tremonti. Es también conocido por ser el cofundador junto a Scott Stapp de la banda de rock Creed. Tremonti, no solo realiza la música de sus proyectos, también es el autor de las algunas letras y contribuye como vocalista realizando diversidad de coros y segundas voces.Junto a Scott Stapp compuso todos los éxitos de Creed, sus álbumes My Own Prison, Human Clay, Weathered y Full Circle.

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Ritmo en el Corazón de Ray Barretto & Celia Cruz

Play Episode Listen Later Mar 15, 2017 55:34

La idea surgió en 1983, cuando los dos grandes artistas grabaron Tremendo Trío junto a Adalberto Santiago, pero todo comenzó a tener cuerpo en 1987 con las reuniones para definir el tratamiento y playlist. A comienzos de 1988 se grabó y dos años más tarde Ritmo en el Corazón, de Ray Barretto y Celia Cruz obtuvo el Premio Grammy. Fue un justo homenaje para dos leyendas que tras este álbum cambiaron de compañía discográfica y de estilo en sus músicas. Barretto entraría al jazz latino y Celia a una música mucho más mainstream. Y además, si hay algún disco que represente el final de Fania Records como imperio sonoro, es este. Llegaban los años 90 y ni siquiera la salsa saldría indemne de aquellos nuevos tiempos. Ray Barretto, Jimmy Bosch, Adalberto Santiago y Celia Cruz narran la historia de Ritmo en el Corazón en La Hora Faniática.

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Cloud Jazz Nº 1129 (Candidatos Grammy 2017) - Episodio exclusivo para mecenas

Cloud Jazz Smooth Jazz

Play Episode Listen Later Dec 8, 2016 59:28

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! Repasamos algunos de los artistas que están nominados para los Premio Grammy 2017 en el mundo del Jazz y el R&B. Escuchamos música de Chuck Loeb, Herb Alpert, Terrace Martin, Lalah Hathaway, Jill Scott, Anderson Paak, Snarky Puppy, Branford Marsalis & Kurt Elling y Gregory Porter.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Cloud Jazz Smooth Jazz. Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/27170

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Palo Pá Rumba de Eddie Palmieri en LA HORA FANIATICA con José Arteaga

Play Episode Listen Later Apr 21, 2015 55:34

Siempre se suele decir que en la música de Eddie Palmieri hay varias etapas. Pues bien, hoy acudiremos a ese tópico de su biografía para hablar de Palo pa' Rumba, que significó un cambio en su música y su formato. Palmieri ya había roto con Fania Records, pero le quedaban dos álbumes por contrato, y con ambos ganó el Premio Grammy. Este fue el primero, y eso ya de por si habla de un cambio que lo consolidaría en el primer lugar de la música latina dentro y fuera de ella. En el año de Tina Turner, contaremos la historia de Palo pa' Rumba en La Hora Faniática.PLAYLIST:1. Decla: Grammy 1985 – TV promo2. Eddie Palmieri - Palo Pa Rumba 3. Entrevista: Eddie Palmieri – Charlie Palmieri4. Eddie Palmieri - 1983 5. Eddie Palmieri - Pensando En Ti 6. Entrevista: Giovanni Hidalgo – Estilo Palmieri7. Eddie Palmieri - Bajo Con Tumbao 8. Eddie Palmieri - Venezuela9. Entrevista: Eddie Palmieri – Jerry Masucci10. Eddie Palmieri - Bomba De Corazón 11. Eddie Palmieri - Prohibición De Salida

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El que La Hace La Paga de Rubén Blades en LA HORA FANIATICA con José Arteaga