Podcast appearances and mentions of Tristan Murail

La aportación del compositor francés a la historia de la música es el espectralismo—teoría musical que desarrolla junto a Tristan Murail y Hughes Dufourt en torno al Ensamble L'Itineraire—, que se basa en la descomposición espectral del sonido, inclinándose hacia la naturaleza propia del timbre._____Has escuchadoAnubis-Nout. I. Anubis [très précis] (1983). Ernesto Molinari, clarinete contrabajo. Kairos (2005)Le Noir de l'Étoile: pour six percussionistes diposés autour du public, bande magnétique et transmission in situ de signaux astronomiques (1989-1990) / texto de Jean-Pierre Luminet. Les Percussions de Strasbourg. Accord (2004)Quatre chants pour franchir le seuil (1997-1998). Catherine Dubosc, soprano; Klangforum Wien; Sylvain Cambreling, director. Kairos (2001)_____Selección bibliográficaBAILLET, Jérôme, Gérard Grisey: fondements d'une écriture. L'Harmattan, 2000BROWN, Jeffrey Arlo, The Life and Music of Gérard Grisey: Delirium and Form. University of Rochester Press, 2023CAGNEY, Liam, Gérard Grisey and Spectral Music: Composition in the Information Age. Cambridge University Press, 2023*COHEN-LEVINAS, Danielle , “Gérard Grisey: du spectralisme formalisé au spectralisme historisé”. En: Vingt-cinq ans de création musicale contemporaine. L'Harmattan, 1998COHEN-LEVINAS, Danielle (ed.), Le temps de l'écoute: Gérard Grisey ou la beauté des ombres sonores. L'Harmattan, 2004COSSETTINI, Luca y Angelo Orcalli, Diffractions: analyse de l'œuvre musicale mixte: “Jour, Contre-Jour”de Gérard Grisey. L'Harmattan, 2018FÉRON, François-Xavier, “The Emergence of Spectra in Gérard Grisey's Compositional Process: from Dérives (1973-1974) to Les espaces acoustiques (1974-1985)”. Contemporary Music Review, vol. 30, n.º 5 (2012), pp. 343-375GRISEY, Gérard, Écrits. Editado por Guy Lelong con la colaboración de Anne-Marie Réby. Éditions MF, 2008HASEGAWA, Robert, “Gérard Grisey and The ‘Nature' of Harmony”. Music Analysis, vol. 28, n.º 2-3 (2009), pp. 349-371HENNESSY, Jeffrey J., “Beneath the Skin of Time: Alternative Temporalities in Grisey's Prologue for Solo Viola”. Perspectives of New Music, vol. 47, n.º 2 (2009), pp. 36-58*HERVÉ, Jean-Luc, Dans le vertige de la durée: “Vortex Temporum” de Gérard Grisey. L'Harmattan, 2001KRIER, Yves, “Partiels, de Gérard Grisey, manifestation d'une nouvelle esthétique”. Musurgia, vol. 7, n.º 3-4 (2000), pp. 145-172*MOSCOVICH, Viviana, “French Spectral Music: An Introduction”. Tempo, n.º 200 (1997), pp. 21-27*SOLOMOS, Makis (ed.), Iannis Xenakis, Gérard Grisey. La métaphore lumineuse. L'Harmattan, 2003 *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

durée : 00:10:26 - Les classiques de la contemporaine du dimanche 17 novembre 2024 - Avec cette deuxième monographie au catalogue, æon confirme son attachement à l'un des principaux représentant de la musique spectrale en France et à l'étranger.

durée : 00:10:26 - Les classiques de la contemporaine du dimanche 17 novembre 2024 - Avec cette deuxième monographie au catalogue, æon confirme son attachement à l'un des principaux représentant de la musique spectrale en France et à l'étranger.

durée : 00:10:26 - Les classiques de la contemporaine du dimanche 17 novembre 2024 - Avec cette deuxième monographie au catalogue, æon confirme son attachement à l'un des principaux représentant de la musique spectrale en France et à l'étranger.

Estilo musical surgido en Francia, en los 60, en torno a Gérard Grisey, Tristan Murail y Hugles Dufourt, adscritos al Ensemble l'Itinéraire. Se debe al descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y la descomposición espectral del sonido musical en el origen de la percepción del timbre._____Has escuchadoL'esprit des dunes: pour ensemble et électronique (1994) / Tristan Murail. Ensemble Intercontemporain; David Robertson, director. Disques Adès (1996)Mémoire / Erosion: pour cor et ensemble instrumental (1976) / Tristan Murail. Alain Noël, trompa; Ensemble L'Itinéraire; Charles Bruck, dirección. Accord (2000)Partiels: pour 18 musiciens (1975) / Gérard Grisey. Ensemble Court-Circuit; Pierre-André Valade, dirección. Accord (1999)_____Selección bibliográficaANDERSON, Julian, “The Spectral Sounds of Magnus Lindberg. Julian Anderson Introduces One of Scandinavia's Leading Composers”. The Musical Times, vol. 133, n.º 1797 (1992), pp. 565-567*—, “In Harmony. Julian Anderson Introduces the Music and Ideas of Tristan Murail”. The Musical Times, vol. 134, n.º 1804 (1993), pp. 321-323*BERANGER, Sébastien, “Les Déterminations du timbre... des perméabilités de la musique spectrale au syncrétisme compositionnel”. Musurgia, vol. 18, n.º 3 (2011), pp. 29-37*BESADA, José Luis y Pedro Ordóñez Eslava, “¿Una historia de la música espectral española? Transferencias culturales transnacionales en el último cambio de siglo”. Acta Musicológica, vol. 91, n.º 2 (2019), pp. 168-189*CÉLESTIN, Deliège, Cinquante ans de modernité musicale: de Darmstadt à l'IRCAM: contribution historiographique à une musicologie critique. Mardaga, 2003*FÉRON, François-Xavier, “Sur les traces de la musique spectrale: analyse génétique des modèles compositionnels dans Périodes (1974) de Gérard Grisey”. Revue de Musicologie, vol. 96, n.º 2 (2010), pp. 411-443*GILMORE, Bob, “Spectral Techniques in Horatiu Radulescu's Second Piano Sonata”. Tempo, vol. 64, n.º 252 (2010), pp. 66-78*GOLDMAN, Jonathan, “Boulez and the Spectralists between Descartes and Rameau: Who Said What about Whom?”. Perspectives of New Music, vol. 48, n.º 2 (2010), pp. 208-232*HASEGAWA, Robert, “Gérard Grisey and The ‘Nature' of Harmony”. Music Analysis, vol. 28, n.º 2-3 (2009), pp. 349-371*HASELBÖCK, Lukas, “French Spectral Music in the Context of Contemporary Philosophy”. En: Perspectives de l'esthétique musicale: entre théorie et histoire. Editado por Alessandro Arbo. L'Harmattan, 2007*LAINSA DE TOMÁS, Eva, “Música espectral: la representación de la naturaleza del sonido y las técnicas de escritura contemporáneas”. En: La construcción de la ciencia: abstracción y visualización. Universidad del País Vasco, 1998PUGIN, Tristan, “Through the Spectrum: The New Intimacy in French Music (I)”. Tempo, n.º 212 (2000), pp. 12-20*—, “Through the Spectrum: The New Intimacy in French Music (II)”. Tempo, n.º 217 (2001), pp. 38-44*ROSE, François, “Introduction to the Pitch Organization of French Spectral Music”. Perspectives of New Music, vol. 34, n.º 2 (1996), pp. 6-39*SEDES, Anne, “Generaciones espectrales… porvenires…”. Docenotas Notas Preliminares: Música Contemporánea. Posiciones Actuales en España y Francia, n. º 1 (1997)*VILLAR, Carlos, “El tiempo en las músicas del siglo XX”. En: El tiempo en las músicas del siglo XX. Editado por Margarita Vega Rodríguez y Carlos Villar. Universidad de Valladolid, 2001VIVIANA, Moscovich, “French Spectral Music: An Introduction”. Tempo, n.º 200 (1997), pp. 21-27* *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

durée : 01:00:24 - En pistes, contemporains ! du dimanche 18 février 2024 - par : Emilie Munera - Ce soir, quatre disques de Olga Jegunova, Florentine Mulsant,Tristan Murail et le Choeur de l'université maritime de Szczecin. - réalisé par : Fanny Constans

durée : 00:19:54 - Tristan Murail "Le Partage des eaux, Terre d'ombre" - Le disque contemporain de la semaine est celui de Tristan Murail "Le Partage des eaux, Terre d'ombre", paru chez Radio France avec Le Festival Présences.

durée : 00:59:53 - En pistes, contemporains ! du dimanche 17 décembre 2023 - par : Emilie Munera - Un grand coffret retrace l'aventure des avant-gardes musicales, de Stockhausen à Boulez, en passant par Leo Küpper. Ce coffret publié par Deutsche Grammophon est notre disque du soir. Les dernières oeuvres de Tristan Murail ou un trio d'Helen Grime inspiré par la peinture de Whistler. - réalisé par : Céline Parfenoff

Rumunas Horațiu Rădulescu (1942-2008) 20 a. pabaigoje laikytas ateities muzikos kūrėju. Jis skelbėsi spektrinės muzikos pradininku, pirmąsias kompozicijas sukūręs kiek anksčiau už prancūzų spektralizmo klasikus Gérard Grisey ir Tristan Murail. Rădulescu linko į mistiką ir ezoteriką, viduramžiškas idėjas siedamas su ultramodernia ir komplikuota muzikos kalba. Tačiau retkarčiais jis rašė paprasto skambesio kompozicijas, tiesdamas tiltus tarp senovinės sakralinės muzikos ir šiuolaikinio pasaulio.Laidos autoriai Šarūnas Nakas ir Mindaugas Urbaitis

durée : 00:26:54 - Kaija Saariaho, compositrice (3/5) : De l'Allemagne à la France - par : Corinne Schneider - Kaija Saariaho quitte la Finlande en 1980 pour travailler en Allemagne où elle suit les cours de Darmstadt tout en continuant de se former auprès de Klaus Huber et Brian Ferneyhough. C'est au contact de la musique de Tristan Murail et de Gérard Grisey qu'elle décide de s'installer en 1982 à Paris. - réalisé par : Gilles Blanchard

Voor deze aflevering van de podcastserie De componistenkamer bezocht Melchior Huurdeman de ordentelijke werkruimte van Rozalie Hirs met uitzicht op het IJ. In het gesprek leest ze voor uit haar dagboeken, met anekdotes over haar leraar Louis Andriessen, verklaart ze haar liefde voor het fenomeen frequentieberekening en draagt ze op muzikale wijze een gedicht voor. Rozalie Hirs, geboren in de jaren zestig in Gouda. Van jongs af aan ontpopt zich de liefde voor taal, muziek, wetenschap en technologie en ontwikkelt zich gaandeweg een geheel eigen muzikale stem. In de jaren negentig studeert ze hoofdvak compositie aan ‘t Koninklijk Conservatorium in Den Haag, eerst bij Diderik Wagenaar en dan bij Louis Andriessen. In die tijd presenteert ze ook steeds vaker haar gedichten aan de buitenwereld. In 1999 vertrekt ze met een Fulbright-beurs naar New York om aan Columbia University te studeren bij de Franse componist Tristan Murail. In 2007 promoveert ze aldaar met een proefschrift over hedendaagse spectrale compositietechnieken. Haar composities worden uitgevoerd door gerenommeerde ensembles en orkesten, waaronder ASKO|Schönberg, Klangforum Wien, Musikfabrik en het Radio Filharmonisch Orkest. Sinds 2003 kan ze leven van haar werk. Bij Uitgeverij Querido verschijnt tot nu toe een zevental dichtbundels, van Locus (1998) tot recentelijk oneindige zin (2021). Nu in 2022 is Rozalie Hirs vele prijzen en onderscheidingen verder, en behoudt ze die onstilbare honger naar schoonheid.

SeaJun Kwon is a composer and bassist who focuses on exploring boundaries. His music draws from the jazz and avant-garde music traditions of Anthony Braxton and Henry Threadgill as well as contemporary classical composers György Ligeti, Tristan Murail, and Morton Feldman. Born and raised in Seoul, South Korea, Kwon graduated from Boston's New England Conservatory and is currently based in Brooklyn. He has been leading his group Walking Cliché Sextet since 2019. The ensemble released two albums, Suite Chase Reflex(2021) and Micro-Nap(2021).  If you enjoyed this episode please make sure to subscribe, follow, rate, and/or review this podcast on Spotify, Apple Podcast, Google Podcast, ect. Connect with us on all social media platforms and at www.improvexchange.com

durée : 00:59:59 - En pistes, contemporains ! du dimanche 02 octobre 2022 - par : Emilie Munera - Ce dimanche chez les contemporains, retrouvez François-Frédéric Guy et son nouveau disque mettant en regard Claude Debussy et Tristan Murail. On écoutera aussi la musique de Steve Reich ainsi que la création islandaise. - réalisé par : Céline Parfenoff

Ondes Martenot: la musique de chambre de Tristan Murail, Olivier Messiaen,Jacques  Charpentier, Gilles Gobeil, Bohuslav Martinu et pour finir Christine OTT.... à découvrir.

Ondes Martenot: la musique de chambre de Tristan Murail, Olivier Messiaen,Jacques  Charpentier, Gilles Gobeil, Bohuslav Martinu et pour finir Christine OTT.... à découvrir.

**EPISODE IN FRENCH / EPISODE EN FRANÇAIS**Hugues Dufourt privilégie les continuités et les lentes transformations d'un discours musical qui n'est que rarement interrompu. Il conçoit des formes par évolution de masses et travaille sur les notions de seuils, d'oscillations, d'interférences et de processus orientés. Pionnier du mouvement spectral, il lui accorde toutefois une définition plus large, cherchant à mettre en valeur l'instabilité que le timbre introduit dans l'orchestration. Sa musique repose sur une richesse de constellations sonores et harmoniques et s'appuie sur une dialectique du timbre et du temps. Il puise une partie de son inspiration dans l'art pictural, dont il retient essentiellement le rôle de la couleur, des matières et de la lumière (Dawn flight, quatuor à cordes créé en 2008 à Musica, Le Cyprès blanc et L'Origine du monde, créés à Musica 2004). Marqué par l'avant-garde française des années soixante, Hugues Dufourt participe aux activités de L'Itinéraire (1975-81) et fonde en 1977 le Collectif de Recherche Instrumentale et de Synthèse Sonore (CRISS) avec Alain Bancquart et Tristan Murail. Agrégé de Philosophie en 1967, il publie de nombreux écrits. Il est chargé de recherche (1973-85) puis directeur de recherche au CNRS (1985-2009) et crée en 1982 l'Unité Mixte de Recherche "Recherche Musicale" qu'il dirige jusqu'en 1995. Hugues Dufourt a reçu de nombreux prix, notamment en 2000 le Prix du Président de la République pour l'ensemble de son oeuvre, décerné par l'Académie Charles Cros. Ces dernières années, Hugues Dufourt a composé des oeuvres aux formations diverses, du piano seul (Tombeau de Debussy créé au Festival Musica 2018) au grand orchestre (Ur-Geräusch, créé en 2016 par l'Orchestre de la WDR, Les deux saules d'après Monet créé en 2020 à Vienne par l'Orchestre symphonique de la Radio), en passant par des petites formations (L'atelier rouge d'après Matisse, créé en 2020 à Varsovie par l'Ensemble Nikel) ou les percussions (Burning Bright, créé par les Percussions de Strasbourg au Festival Musica 2014). La Horde d'après Max Ernst, pour orchestre, commande du Lemanic Modern Ensemble et de Radio France sera créé au Festival Présences 2022.SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPost production: Marek IwaszkiewiczPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

durée : 00:59:46 - En pistes, contemporains ! du dimanche 20 mars 2022 - par : Emilie Munera - Ce dimanche chez les contemporains, retrouvez François-Frédéric Guy et son nouveau disque mettant en regard Claude Debussy et Tristan Murail. On écoutera aussi la musique de Steve Reich ainsi que la création islandaise. - réalisé par : Céline Parfenoff

durée : 00:27:16 - Tristan Murail, compositeur (5/5) : Du son à la composition - par : Corinne Schneider - Tristan Murail nous invite à découvrir des pistes qui mènent au processus créateur et ce qui le passionne le plus dans cette vie. Il parle de sa dernière œuvre de musique de chambre créée au Festival Présences 2017, "La vallée close" où il aborde pour la 1ère fois l'écriture pour la voix soliste. - réalisé par : Marie Grout

durée : 00:27:15 - Tristan Murail, compositeur (1/5) : Du piano à la composition, en passant par l'économie, les sciences politiques et les langues - par : Corinne Schneider - Né au Havre le 11 mars 1947, Tristan Murail étudie le piano tout en se montrant immédiatement réfractaire à la musique de Clementi qu'on lui demande de jouer… Il évoque ses années d'études jusqu'à son entrée au Conservatoire de Paris en 1967 dans la classe de composition d'Olivier Messiaen. - réalisé par : Marie Grout

durée : 00:26:59 - Tristan Murail, compositeur (2/5) : Du Conservatoire à la fondation de l'Itinéraire, en passant par l'électroacoustique - par : Corinne Schneider - Le compositeur évoque ses grands chocs musicaux à Paris pendant ses études (Penderecki, Ligeti, Xenakis…), les événements de mai 1968, ses recherches à la Villa Medicis (1971-1973) où il est pensionnaire en même temps que Gérard Grisey, et les motivations qui l'amènent à fonder l'Itinéraire en 1973. - réalisé par : Marie Grout

durée : 00:27:09 - Tristan Murail, compositeur (3/5) : De la découverte de Scelsi aux travaux de l'Ircam - par : Corinne Schneider - Tristan Murail livre dans cet épisode les principaux enjeux de ses recherches compositionnelles : ses trouvailles à l'Ircam, sa conception du timbre, la description du phénomène de la perception, mais aussi le trajet qui mène du travail sur la matière sonore à l'œuvre musicale. - réalisé par : Marie Grout

durée : 00:27:14 - Tristan Murail, compositeur (4/5) : De New York à Shanghai, en passant par le Lubéron - par : Corinne Schneider - Tristan Murail promène son regard sur le monde. Installé aux Etats-Unis où il est professeur de composition à l'Université Columbia de New York de 1997 à 2010, il vit aujourd'hui dans le Lubéron. Professeur invité au Conservatoire de Shanghai, il donne des master-classes partout dans le monde. - réalisé par : Marie Grout

A travers sa partition "Gondwana", le compositeur français Tristan Murail évoque les masses immenses de ce supercontinent primitif, appelé à se scinder au fil de centaines de millions d'années pour former les continents que nous connaissons aujourd'hui...

Concert unique a la Radio slovaque. Tristan Murail au studio de RSI en 2018. Les beautés de la Slovaquie: la région de Liptov.

durée : 00:25:07 - Marc-André Dalbavie, compositeur (3/5) - par : Laurent Vilarem - Troisième volet de nos entretiens avec le compositeur Marc-André Dalbavie. En 1981, il compose l'une de ses premières pièces, "Les Paradis mécaniques", très influencée par le mouvement spectral et par les compositeurs Gérard Grisey et Tristan Murail. - réalisé par : Lionel Quantin

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/science-technology-and-society

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/sound-studies

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/popular-culture

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/music

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/history

In From Music to Sound: The Emergence of Sound in 20th and 21st-century Music (Routledge, 2019), Makis Solomos (Professor of Musicology, University of Vincennes in Saint-Denis “Paris 8”) argues that the 20th century bears witness to a kind of paradigm shift relating to the subject matter of music, a shift “from a musical culture centered on the note to a culture of sound” (5). Crucially, Solomos sets out to track this transformation as a change that is music-internal: that is, one that may be understood with reference to the new aesthetic and cultural forms of particular compositions that put sound at stake. Solomos draws on analysis, listening, and the aesthetic writings of composers themselves to argue for the “emergence” of sound-as-such as a topic of 20th- and 21st-century music, one consequence of the increasing complexity of music since 1900.  His first sole-author monograph in English, From Music to Sound is an accessible and engaging entry point into Solomos’s work for an Anglophone audience that draws not only on his long career as a musicologist with extensive experience of contemporary music but also as a specialist in the musical thought of Theodor Adorno and the music of Iannis Xenakis. The book's attention to the contingency of the six themes around which Solomos organises this history—timbre, noise, listening, immersion, the composition of sound as material, and “sound-space”—marks it out not only as a contribution to the history of contemporary music but also to its historiography. Composers and works likely familiar to listeners are marshaled to develop these themes: Russolo, Webern, Schaeffer, Xenakis, Tristan Murail. Its rich selection of music examples provides ample points of departure into the work of composers perhaps less well known to listeners: François-Bernard Mâche, Fausto Romitelli, and Dmitri Kourliandski, among others. Though the principal focus of the book rests squarely on the tradition of Western art music composition, Solomos is careful to acknowledge that this titular transition from “music to sound” is not the exclusive preserve of institutional music culture: examples from recorded rock, jazz, and post-rock help round out the picture by pointing to the role that sound-studio cultures—and, we might say, technique and technics in general—play in the objectification of sound across genre lines. Eamonn Bell (@_eamonnbell) is a postdoctoral Research Fellow at Trinity College Dublin in the Department of Music. His current research project examines the story of the compact disc from a viewpoint between musicology and media studies. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

durée : 00:25:11 - Tristan Murail. Chaque chose en son temps - par : Anne-Charlotte Rémond - Co-inventeur de la musique spectrale, Tristan Murail s'est fait une spécialité de ce genre de composition faisant appel aux spectres sonores, composés entre autres des harmoniques des sons fondamentaux. Retour sur une fascinante carrière - réalisé par : Philippe Petit

In this episode I present a 3-way conversation between English composers Colin Matthews, Julian Anderson and myself.Colin Matthews was born in London in 1946. He studied with Arnold Whittall and Nicholas Maw; in the 1970s he was assistant to Benjamin Britten, and worked for many years with Imogen Holst. His collaboration with Deryck Cooke on the performing version of Mahler's Tenth Symphony lasted from 1963 until its publication in 1975. Over four decades his music has ranged from solo piano music through five string quartets and many ensemble and orchestral works. He was Associate Composer with the London Symphony Orchestra between 1992 and 1999, and Composer-in-Association with the Hallé from 2001-10, now their Composer Emeritus. Colin Matthews' music is published by Faber Music. Julian Anderson is one of the most talented composers of his generation. Born in London in 1967, he studied with John Lambert, Alexander Goehr and Tristan Murail and first came to prominence when his orchestral Diptych (1990) won the RPS Composition Prize in 1992.  Anderson has held Composer in Residence positions with the City of Birmingham Symphony, Cleveland and London Philharmonic orchestras, relationships which produced an impressive body of orchestral works including Stations of the Sun (1998, a BBC Proms Commission) and Eden (2005, Cheltenham Festival). Fantasias (2009), written for the Cleveland Orchestra, won a British Composer Award and The Discovery of Heaven (2011), a co-commission by the New York Philharmonic and the London Philharmonic Orchestra was awarded a South Bank Sky Arts Award. Both works were recorded by the LPO live label. Anderson has enjoyed commissions from bodies including the BCMG, London Sinfonietta, Asko-Schönberg Ensemble and Cheltenham Festival. Book of Hours for ensemble and electronics (2004) won the 2006 RPS Award for Large Scale Composition and featured on a NMC portrait disc. This was one of two recordings of his music to be nominated for a 2007 Gramophone Award, the other being the eventual winner, Alhambra Fantasy (Ondine).  Poetry Nearing Silence (1997), originally a commission from the Nash Ensemble, was later arranged to become a successful ballet choreographed by Mark Baldwin. In 2009, Anderson and Baldwin collaborated again on a Darwin-inspired ballet, The Comedy of Change, which toured nationally. Julian Anderson's music is published by Faber Music and by Schott Music.More about Julian AndersonMore about Colin MatthewsSUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

durée : 00:26:54 - Kaija Saariaho, compositrice (3/5) : De l'Allemagne à la France - par : Corinne Schneider - Kaija Saariaho quitte la Finlande en 1980 pour travailler en Allemagne où elle suit les cours de Darmstadt tout en continuant de se former auprès de Klaus Huber et Brian Ferneyhough. C’est au contact de la musique de Tristan Murail et de Gérard Grisey qu’elle décide de s’installer en 1982 à Paris. - réalisé par : Gilles Blanchard

Pianiste iranienne, Layla Ramezan a toujours cherché à créer des liens entre ses origines persanes et la musique européenne quʹelle côtoie quotidiennement. Titulaire de lʹensemble de musique contemporaine Matka basé à Genève, elle organise différents projets interculturels en Iran et travaille auprès de compositeurs comme Tristan Murail, Michael Jarrell, Luis Naón, Nicolas Bolens et William Blank. Layla Ramezan commence son éducation musicale et pianistique à Téhéran. Arrivée à Paris en 2000, boursière de la fondation Albert Roussel, elle suit ses études à lʹEcole Normale de Musique de Paris Alfred Cortot, et ensuite en Suisse à lʹHEMU de Lausanne où elle obtient deux Masters en interprétation et en accompagnement. Elle est lauréate de la Fondation Engelberts pour lʹArt et la Culture en Suisse et la Fondation Albert Roussel en France. Layla Ramezan est lʹinvitée de Mélanie Croubalian.

durée : 01:00:17 - En pistes, contemporains ! du dimanche 15 mars 2020 - par : Emilie Munera - Au menu de ce soir également : des mélodies de Nicolas Bacri et Thierry Escaich par Patricia Petibon et Susan Manoff, deux oeuvres de Thomas Adès dirigées par Thomas Adès, le nouvel opus de l'Ensemble Cairn et le dernier concerto pour piano de Gérard Pesson... - réalisé par : Claire Lagarde

El protagonista de esta edición de Ars Sonora es el compositor francés Tristan Mural, nacido en Le Havre en 1947. Conocido especialmente por su vinculación con la llamada "escuela espectral" (formada también por autores como Gérard Grisey, Hughes Dufourt o Philippe Hurel, entre otros), la formación de Murail se complementó con estudios universitarios en ciencias económicas, así como en árabe clásico y magrebí. En 1967 accedió al Conservatorio Nacional de París y cursó allí estudios -contando con Olivier Messiaen entre sus profesores- hasta 1972. En 1971 fue seleccionado para el "Prix de Rome" y pensionado en la Villa Médicis de Roma, donde conoció a Giacinto Scelsi. En 1973 también colaboró en la fundación del Ensemble l'Itinéraire. Más tarde ha sido responsable de los estudios de informática musical en el Conservatorio Nacional de París y en el IRCAM, donde cooperó para el desarrollo del software musical "Patchwork". Su actividad docente le ja conducido, en los últimos años, a la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, al Mozarteum de Salzburgo, así como a otras instituciones educativas en Asia. Las obras de Murail que presentamos en esta edición de Ars Sonora revelan algunas de las hipótesis estéticas en las cuales se basa el espectralismo, que propone una aproximación al sonido a partir del análisis (mediante aplicaciones informáticas) de su espectro armónico. Éste se compone de diferentes parciales que, dependiendo de su relación físico-acústica con la frecuencia fundamental de cada sonido, pueden ser armónicos o inarmónicos. Las técnicas de composición espectrales a menudo trasladan a una escala macro-temporal (propia de obras musicales enteras, o de pasajes de éstas) ciertos fenómenos físicos que ordinariamente acontecen en décimas o centésimas de segundo (el despliegue de los parciales que se produce cuando nace un sonido, la modulación entre los timbres de dos instrumentos que suenan simultáneamente, etc.). Sus modelos estéticos, pues, proceden de la naturaleza —comprendida a través de la física acústica— y recrean los procesos graduales mediante los que ésta opera, lo que se opone radicalmente a los planteamientos matemáticamente abstractos del serialismo integral practicado por los compositores de la generación anterior. Tras un breve fragmento de la obra orquestal "Gondwana" (1980), cuyo inicio nos presenta olas de sonidos que nos sirven para introducirnos en la música de Murail, escuchamos íntegramente "Serendib" (1992), una obra para un gran ensemble de veintidós músicos (incluyendo dos sintetizadores), que retoma ese característico recursos de las olas sonoras -así como sonoridades acampanadas, también frecuentes en el contexto espectral- en una exploración poética del concepto de "serendipia", es decir, el hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual (un término adaptado del inglés "serendipity", que a su vez procede de "Serendip" -actualmente Sri Lanka-, por alusión a la fábula oriental "Los tres príncipes de Serendip"). El Ensemble Intercontemporain, bajo la dirección de David Robertson, interpreta la versión de la obra que presentamos. Murail también es autor del ciclo "Random Access Memory", una serie de obras para instrumentos solistas. La sexta pieza de este conjunto, "Vampyr!", destaca por haber sido compuesta para guitarra eléctrica. "Vampyr!" es una de las pocas obras del catálogo del compositor que no usa -al menos directamente- las técnicas espectrales. En la partitura, Murail recomienda al intérprete tocar al modo de los guitarristas de la tradición rock, como Carlos Santana o Eric Clapton. Nosotros escuchamos la versión del guitarrista Wiek Hijmans. Concluimos con "Désintégrations", una ambiciosa composición resultante de un encargo del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) en 1982, para conjunto instrumental y sonidos de síntesis. Murail analizó, a través de los dispositivos electrónicos disponibles en el centro de investigación parisino, los sonidos acústicos que se deforman -se desintegran, como apunta el título- y se entremezclan con los timbres recogidos en el soporte magnético. La interpretación del Ensemble l'Itinéraire, dirigido por Yves Prin, nos sirve para finalizar esta exploración de la poética espectralista en la obra de Tristan Murail. Escuchar audio

Stephan Ajuvo (@ajuvo) vom damals(tm) Podcast, Damon Lee von der Hochschule für Musik und Sebastian Ritterbusch trafen sich zu Gulasch-Programmiernacht 2019 des CCC-Erfakreises Entropia e.V., die wieder im ZKM und der HfG Karlsruhe stattfand. Es geht um Musik, Mathematik und wie es so dazu kam, wie es ist. Damon Lee unterrichtet seit einem Jahr an der Hochschule für Musik und befasst sich mit Musik für Film, Theater, Medien und Videospielen. Im aktuellen Semester verwendet er Unity 3D um mit räumlicher Musik und Klängen virtuelle Räume im Gaming-Umfeld umzusetzen. Auch im Forschungsprojekt Terrain wird untersucht, in wie weit räumliche Klänge eine bessere Orientierungsfähigkeit im urbanen Umfeld unterstützen können. Die Idee zu dieser Folge entstand im Nachgang zur gemeinsamen Aufnahme von Stephan und Sebastian zum Thema Rechenschieber, da die Musik, wie wir sie kennen, auch ein Rechenproblem besitzt, und man dieses an jedem Klavier wiederfinden kann. Dazu spielte Musik auch eine wichtige Rolle in der Technikgeschichte, wie beispielsweise das Theremin und das Trautonium. Die Klaviatur eines herkömmlichen Klaviers erscheint mit den weißen und schwarzen Tasten alle Töne abzubilden, die unser gewöhnliches Tonsystem mit Noten abbilden kann. Der Ursprung dieses Tonsystems entstammt aus recht einfachen physikalischen und mathematischen Eigenschaften: Wird eine Saite halbiert und im Vergleich zu zuvor in Schwingung gebracht, so verdoppelt sich die Frequenz und wir hören den einen gleichartigen höheren Ton, der im Tonsystem auch gleich benannt wird, er ist nur um eine Oktave höher. Aus einem Kammerton a' mit 440Hz ändert sich in der Tonhöhe zu a'' mit 880Hz. Neben einer Verdopplung ergibt auch eine Verdreifachung der Frequenz einen für uns Menschen angenehmen Klang. Da aber der Ton über eine Oktave höher liegt, wird dazu der wieder um eine Oktave tiefere Ton, also der Ton mit 1,5-facher Frequenz betrachtet. Dieses Tonintervall wie beispielsweise von a' mit 440Hz zu e'' mit 660Hz ist eine (reine) Quinte. Entsprechend des Quintenzirkels werden so alle 12 unterschiedlichen Halbtöne des Notensystems innerhalb einer Oktave erreicht. Nur gibt es hier ein grundsätzliches mathematisches Problem: Gemäß des Fundamentalsatzes der Arithmetik hat jede Zahl eine eindeutige Primfaktorzerlegung. Es ist also nicht möglich mit mehreren Multiplikationen mit 2 zur gleichen Zahl zu gelangen, die durch Multiplikationen mit 3 erreicht wird. Somit kann der Quintenzirkel nicht geschlossen sein, sondern ist eigentlich eine niemals endende Quintenspirale und wir müssten unendlich viele unterschiedliche Töne statt nur zwölf in einer Oktave haben. In Zahlen ist . Nach 12 reinen Quinten erreichen wir also nicht genau den ursprünglichen Ton um 7 Oktaven höher, doch der Abstand ist nicht sehr groß. Es ist grundsätzlich unmöglich ein endliches Tonsystem auf der Basis von reinen Oktaven und reinen Quinten zu erzeugen, und es wurden unterschiedliche Strategien entwickelt, mit diesem Problem zurecht zu kommen. Wird das Problem ignoriert und nur die letzte Quinte verkleinert, damit sie auf den ursprünglichen Ton um sieben Oktaven höher trifft, so entsteht eine schlimm klingende Wolfsquinte. Auch im Cello-Bau können durch Wahl der Verhältnisse der Saiten und der Schwingungsfrequenzen des Korpus fast unspielbare Töne entstehen, diese werden Wolfston genannt. In der Musik wird die erforderliche Korrektur von Intervallen auch Komma-Anpassung genannt, die beispielsweise bei Streichinstrumenten automatisch, da hier die Töne nicht auf festen Frequenzen festgelegt sind, sondern durch die Fingerposition auf dem Griffbrett individuell gespielt wird. Bei Tasteninstrumenten müssen die Töne aber im Vorfeld vollständig in ihrer Frequenz festgelegt werden, und hier haben sich historisch verschiedene Stimmungen ergeben: Nach vielen Variationen, die immer durch die Wolfsquinte unspielbare Tonarten beinhalteten, wurde ab 1681 in der Barockzeit von Andreas Werkmeister die Wohltemperierte Stimmung eingeführt, in der zwar jede Tonart spielbar, aber jeweils individuelle Stimmungen und Charaktäre vermittelten. Diese Unterschiede sollen Johann Sebastian Bach bis 1742 zum Werk Das wohltemperierte Klavier inspiriert haben, wo er die jeweiligen Eigenheiten aller Tonarten musikalisch umsetzte. Die heute am häufigsten verwendete Gleichtstufige oder Gleichmäßige Stimmung verkleinert alle Quinten statt 1,5 auf den gleichen Faktor , so dass alle Töne auf die Frequenzen festgelegt sind. Damit sind alle Tonarten absolut gleichberechtigt gut spielbar, sie klingen aber auch alle gleich, und haben alle den gleichen kleinen Fehler. Da aber gerade bei Streichinstrumenten natürlich passendere Frequenzen gewählt werden, klingen gerade synthetisch erzeugte Streicher unrealistisch, wenn sie der exakten gleichstufigen Stimmung folgen. Während bei der Klavierstimmung die Töne durch die Spannung der Saiten eingestellt werden können, so werden metallische Orgelpfeifen mechanisch mit einem Stimmeisen in ihrer Frequenz angepasst. Die Porzellanorgel ist eine ungewöhnliche unter anderem in Meissen hergestellte Form, deren Pfeifen natürlich auch mit Luft und nicht durch Vibration, wie beim Schlaginstrument des Vibraphons klingen. György Ligeti, populär bekannt durch Filmmusiken in 2001: Odyssee im Weltraum und Eyes Wide Shut, hat sich in seinem späteren Schaffenswerk auch mit exotischeren Tonsystemen auf Basis reiner Intervalle mit Streichern befasst. Beispielsweise sollte Continuum, für Cembalo, mit Mitteltöniger Stimmung gespielt werden. Um in der herkömmlichen Notation auf der Basis von 12 Halbtönen auch feinere Tonschritte bezeichnen zu können, wurden die Zeichen Halb-Kreuz und Halb-b eingeführt, die auf die Viertelton-Musik führten. Hier stellt sich die interessante Frage, ob eine Erhöhung auf 24 Tönen pro Oktave bei reinen Intervallen sich der Fehler reduziert. Diese Frage beantwortet die Berechnung des entsprechenden Faktors aus Quinten mit dem nächsten Faktor aus Oktaven und die Berechnung des relativen Fehlers, der korrigiert werden muss. Bis 53 Quinten haben folgende Kombinationen einen Fehler von weniger als 7%: Quinten n 5 7 12 17 24 29 36 41 46 48 53 Oktaven m 3 4 7 10 14 17 21 24 27 28 31 Fehler5,1%6,8%1,4%3,8%2,8%2,5%4,2%1,1%6,6%5,6%0,2% Ein sehr primitives Tonsystem kann also mit 5 Tönen aufgestellt werden, aber offensichtlich treffen 12 Töne deutlich besser. 24 Töne ermöglichen zwar mehr Tonvielfalt, verbessern aber den Fehler nicht. Erst ein Tonsystem mit 29 Tönen würde bei gleichstufiger Stimmung einen exakteren Klang als bei 12 Tönen ermöglichen. Noch besser wäre dann nur noch ein Tonsystem mit 41 Tönen pro Oktave, eine extreme Verbesserung ergibt sich bei 51 Tönen pro Oktave bei entsprechenden Problemen beim Bau einer solchen Klaviatur. Dazu haben Tonsystemerweiterungen in Vielfachen von 12 eine höhere Kompatibilität zum herkömmlichen System, und die Nähe der besseren Tonsysteme mit 29 zu 24 und 53 zu 48 zeigt, dass die Vielfachen in der Aufführung als Näherungen zu den besseren Darstellungen betrachtet werden können. Gérard Grisey (z.B. Les espaces acoustiques) und Tristan Murail sind Vertreter der Spektralisten, die in ihren Partituren erweiterte Tonsysteme verwenden. Hier sind die Tonangaben jedoch harmonisch statt melodisch gedacht, sind also in der Aufführung entsprechend zu interpretieren. YouTube: Gérard Grisey - Vortex Temporum - Ensemble Recherche Natürlich dürfen die Töne von Instrumenten nicht nur mit ihrer Grundfrequenz betrachtet werden, sondern erst das Zusammenspiel aller Harmonischen und Obertöne in Vielfachen der Grundfrequenz machen den charakteristischen Klang eines Instruments aus. Durch eine Fourier-Analyse kann mathematisch ein solches Frequenzspektrum eines Geräusches oder eines Tons berechnet werden. Oft ist hier eine überraschende Anzahl von Obertönen zu sehen, die von Menschen nicht unabhängig vom Grundton gehört werden. In der Ottoman Musik finden sich oft für west-europäische Ohren ungewohnte Harmonien, die aus ihrer langen orientalischen Geschichte andere Formen der Komposition und Tonsysteme entwickelt haben. In der Audioelektronik wurden ab etwa 1912 Röhren für Verstärker und insbesondere in der Musik verwendet, und die exakte Bauform der Bleche und Elektroden hatte deutliche Auswirkungen auf die Übertragung und Erzeugung von Spektren und Audiowellen durch Verzerrungen. Die Hammondorgel war eine sehr beliebte elektromechanische Orgel, wo anstatt von Pfeifen rotierende Zahnräder vor elektrischen Abnehmern die Töne erzeugten. Mit Hilfe von Röhren wurde in der DDR versucht, Silbermann-Orgeln als elektronische Orgeln auf Basis des Prinzips der Hammondorgel nachzubilden. Die Klangfarben der Silbermann-Orgeln wurden hier durch elektronische Rekonstruktion der Obertöne nachempfunden. Was als angenehmer Klang empfunden wird, ist eine persönliche Sache. Jedoch ist auffällig, dass der harmonische Grundklang eines Dur-Akkords einen sehr mathematischen Hintergrund hat: Die Quinte integriert den Faktor 3, bzw. 3/2, also 1.5, die große Terz den Faktor 5, bzw. 5/4 also 1.25, und die Quarte zur nächsten Oktave mit Faktor 2 ist der Faktor 4/3. Ein Zusammenspiel von so kleinen Faktoren wird bei kleinem kleinsten gemeinsamen Vielfachen wieder periodisch und ergibt einen gleichmäßigen Klang. Das persönliche Empfinden kann physiologisch mit dem Aufbau der Hörschnecke zusammenhängen, wird aber auch stark durch Erfahrungen geprägt. Musik besteht aber nicht aus einem Klang, sondern einer zeitlichen Abfolge von Konsonanz und Dissonanz, und das gilt nicht nur für neue Veröffentlichungen alter Meister von Wolfgang Rehm. So spielt Ornette Coleman mit den Erwartungen der Hörenden bis ins Chaos. YouTube: Ornette Coleman Solo - Rare! Im Google-Doodle zu Ehren von Johann Sebastian Bach hingegen versucht aus eine Vorgabe mit einem neuronalen Netz gerade die erwartete Vervollständigung im Stil von Bach zu komponieren. Eine Regelmäßigkeit oder Überraschung in der Musik kann auch im Sinne eines Informationsgehalts interpretiert werden: Sehr regelmäßige Formen sind vorhersagbar und enthalten wenig Information, die unerwartete Wendung hingegen trägt viel Information. Die als algorithmischen Komposition bezeichneten Werkzeuge werden in vielen Programmen und Geräten angeboten, beispielsweise als automatische Begleitung. Die Ergebnisse erscheinen aber nicht sehr kreativ. Bei der Verwendung von künstlichen neuronalen Netzen für die Komposition ist es leider nicht möglich im Nachhinein zu analysieren, warum und wie bestimmte Passagen erzeugt wurden: Auch wenn sie mit existierenden Beispielen mit Backpropagation trainiert wurden, arbeiten dann als Black Box, aus der nicht direkt abstrakte Entscheidungsgrundlagen reproduziert werden können. Alles Lernen setzt voraus, dass es ein Maß für die Güte gibt, was ist demnach die Qualität einer Komposition, was unterscheidet Kreativität vom Zufall und wo stimmt dies zwischen unterschiedlichen Menschen überein? Wie an prähistorischen Instrumenten zu erkennen, ist Klangerzeugung und Musik mit der Stimmbildung eng mit der Evolution des Menschen verknüpft. Recht spät entstanden Techniken zur Kodifizierung von Tonfolgen, wie beispielsweise in der Gregorianik. Es ist anzunehmen, dass der gesellschaftliche Einfluss auf die Kompositionen ihrer Zeit sehr groß war, und es jeweils auch besondere Auswirkungen wie die Blue Notes gegeben hat. Heute wird Komposition in vielen Schritten gelehrt: Angefangen von der Musiktheorie, Erlernen von Instrumenten und Musikgeschichte wird dann in Kompositionstechniken unterschiedlicher Musikepochen eingeführt. Ausgehend von den Techniken von Josquin Desprez im 15. Jahrhundert zur Verwendung des Kontrapunkt im 16. Jahrhundert, oder wie Johann Sebastian Bach den Kontrapunkt im 18. Jahrhundert nutzte. In den Notenblättern von Ludwig van Beethoven ist zu erkennen, wie er von Joseph Haydn das Komponieren auf Basis von Kontrapunkten erlernte, und auch heute mit seinen inzwischen vom Betthoven-Haus umfangreich digitalisierte Werk die Musikforschung begeistert. Ein Lehrkanon kann sich wie Kompositionstechniken über die Zeit ändern, so wie in der Mathematik früher das Riemannsche Integral Standard war, so sehen wir inzwischen den Übergang zum mächtigeren und der Wirklichkeit näheren Integralbegriff nach Lebesgue. So wie heute häufiger der neuere Begriff zum Einsatz kommt, so ist es sinnvoll und gut, auch frühere Techniken, wie auch frühere Kompositionstechniken, zu kennen und daraus lernen zu können. Im Berufsbild einer Komponistin oder eines Komponisten ist es heute meisstens nicht so, dass der Kreativität freien Lauf gelassen wird, sondern die Arbeit erfolgt in interdisziplinärer Zusammenarbeit in einem Team. Besonders für Videospielmusik oder Filmmusik wird die Komposition auf besondere Situationen hin entwickelt und erarbeitet. Wie Kreativität, Teamwork, Künstliche Intelligenz und Programmieren zu neuen Lösungen zusammenwirken kann, war auf der Gulaschprogrammiernacht auch in der Projektion der Schlangenprogrammiernacht zu sehen, wo verschiedene Programme als Schlangen in einer virtuellen Welt miteinander lebten. Der spielerische Umgang mit Algorithmen wie bei Schere, Stein, Papier führt schnell auf Spieltheorie und Herausforderungen im Hochfrequenzhandel. Literatur und weiterführende Informationen C.-Z. A. Huang, C. Hawthorne, A. Roberts, M. Dinculescu, J. Wexler, L. Hong, J. Howcroft: The Bach Doodle: Approachable music composition with machine learning at scale, ISMIR 2019. U. Peil: Die chromatische Tonleiter - Mathematik und Physik, Jahrbuch der Braunschweigischen Wissenschaftlichen Gesellschaft, 2012. M. Schönewolf: Der Wolf in der Musik. Podcasts U. Häse, S. Ajuvo: Theremin, Folge 56 im damals(tm) Podcast, 2018. N. Ranosch, G. Thäter: Klavierstimmung, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 67, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2015. P. Modler, S. Ritterbusch: Raumklang, Folge 8 im Podcast Neues Terrain, 2019. R. Pollandt, S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Rechenschieber, Gespräch im damals(tm) und Modellansatz Podcast, Folge 184, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Finanzen damalsTM, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 97, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. S. Brill, T. Pritlove: Das Ohr, CRE: Technik, Kultur, Gesellschaft, Folge 206, 2014. C. Conradi: Der erste letzte Ton, Systemfehler Podcast, Folge 26, 12.4.2018. C. Conradi: Elektronische Orgel made in DDR, Zeitfragen, Deutschlandfunk Kultur, 12.6.2019. G. Follmer, H. Klein: WR051 Ortsgespräch, WRINT: Wer redet ist nicht tot, Folge 51, 2012. Audiospuren Tonbeispiele von D. Lee und S. Ritterbusch MuWi: C-g pythagoräischer Wolf, CC-BY-SA, 2007. Mdd4696: WolfTone, Public Domain, 2005. GPN19 Special P. Packmohr, S. Ritterbusch: Neural Networks, Data Science Phil, Episode 16, 2019. P. Packmohr, S. Ritterbusch: Propensity Score Matching, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 207, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/propensity-score-matching C. Haupt, S. Ritterbusch: Research Software Engineering, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 208, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/research-software-engineering D. Lee, S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Tonsysteme, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 216, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/tonsysteme GPN18 Special D. Gnad, S. Ritterbusch: FPGA Seitenkanäle, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 177, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/fpga-seitenkanaele B. Sieker, S. Ritterbusch: Flugunfälle, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 175, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/flugunfaelle A. Rick, S. Ritterbusch: Erdbebensicheres Bauen, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 168, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/erdbebensicheres-bauen GPN17 Special Sibyllinische Neuigkeiten: GPN17, Folge 4 im Podcast des CCC Essen, 2017. A. Rick, S. Ritterbusch: Bézier Stabwerke, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 141, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/bezier-stabwerke F. Magin, S. Ritterbusch: Automated Binary Analysis, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 137, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/binary-analyis M. Lösch, S. Ritterbusch: Smart Meter Gateway, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 135, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/smart-meter GPN16 Special A. Krause, S. Ritterbusch: Adiabatische Quantencomputer, Gespräch im Modellansatz Podcast Folge 105, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/adiabatische-quantencomputer S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Finanzen damalsTM, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 97, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/finanzen-damalstm M. Fürst, S. Ritterbusch: Probabilistische Robotik, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 95, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/probabilistische-robotik J. Breitner, S. Ritterbusch: Incredible Proof Machine, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 78, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/incredible-proof-machine

Upptakt New York - självsvåldiga nedslag i musiklivet i en av världens musikaliska huvudstäder. Möt det nya hos Claire Chase, flöjt, Marilyn Nonken, piano, performer Du Yun och Rebekah Heller, fagott. I Upptakt New York görs självsvåldiga nedslag i musiklivet i en av världens musikaliska huvudstäder. Konstnärliga ledaren för International Contemporary Ensemble, soloflöjtisten Claire Chase, pendlar mellan Lincoln Center i New Yorks Uptown och små musikskolor på den mexikanska landsbygden. - Vi arkiverar musik av den allra senaste generationen levande tonsättare, berättar hon och gläder sig åt att de vattentäta skotten mellan noterad nutida musik och experimenterande musik försvinner. Tonsättaren och performern Du Yun lever numera i New York. - I Shanghai studerade vi västerländska, vita, döda mästare: Bach, Chopin, Beethoven, Mozart, Bartok och Stravinskij. I New York experimenterar jag med den kinesiska cittran zheng för att kunna jobba med mikrotonalitet, säger Du Yun som känner sig ödmjuk inför att inpå bara kroppen uppleva frihet och demokrati.   Marilyn Nonken är en av de främsta uttolkarna av superkomplexa, pinfärska pianonoter. Till henne skriver bl a Tristan Murail musik. Hur skiljer sig den allra färskaste, mest nyskrivna musiken från tidigare nutida musik? - Jo, unga tonsättare idag sammanför delar ur olika traditioner, som tidigare var helt åtskiljda, säger Marilyn Nonken, som I sina recitals vill ge plats för kontemplation.   Unga solofagottisten Rebekah Heller bröt sig loss från födelsestaden Wanakena med 80 innevånare. Nu bor hon i 9-miljonersstaden New York och växlar mellan traditionellt orkesterpartitur och experimenterande fagottklanger, helst tonsatta av de yngsta, nu levande tonsättarna.   Låtlista: Untitled In CoF Minor A Valentine To Sherwood Anderson Mikhail/Gertrude Stein Mikhail. Gertrude Stein. DJ Spooky Remix Utgiven med boken Sound Unbound Star Spangled John Stafford Smith JIMI HENDRIX The Best of Woodstock [LIVE] Atlantic... Cat No:SD 500-2 Air Glow Du Yun Du Yun. New York Trumpet Ensemble Liveinspelning. Festival of New Trumpet of New York Eagle Song Hopi Indians in Arizona Phonograph cylinder recording Hopi Indians in Arizona Live do you be Meredith Monk Meredith Monk Do You Be ECM New Series 1336 831 782-2 Donna Lee Charlie Parker Charlie Parker All Stars The Original Bird Savoy Jazz Records ZD 71854 North American Spirituals Michael Finnissy Marilyn Nonken, piano American Spirituals CRI CD877 Echoes White Veil Jason Eckardt Marilyn Nonken American Spirituals CRI CD877 Vox Balaenae George Crumb Claire Chase, flöjt Liveinspelning. Caprice No 24 a la Claire Paganini Claire Chase, flöjt Liveinspelning.  Linea Dombra Magnus Lindberg Daniel Lippel, gitarr. International Contemporary Ensemble Abandoned Time New Focus Recordings FCR104  Obliteration (utdrag) Du Yun Du Yun, voice and Chinese zither and electronics, Jeremy Nissan and John Mannion, both on electronics Written for the Internacional Festival Cervantino 2007 Acoustic Free Improv Du Yun Du Yun, zheng Liveinspelning Vicissitudes No.3 Du Yun Radio Kamer Filharmonie of The Netherlands Liveinspelning i-Goh-do Du Yun Du Yun, sång Privat inspelning Music for Bassoon and Electronics Joshua Parmenter Rebekah Heller, fagott Liveinspelning Macunaima Francisco Mignone Rebekah Heller, fagott Liveinspelning

In this episode of Symphonies & Snacks Lucy and Jono discuss Tristan Murail’s spectral work Gondwana. They explore the difference between appreciating and liking a piece and spin of careers for Michael Ball and Alfie Boe. If you enjoy the…Read more ›

Yoshi a Japanese American composer and conductor who is currently a Teaching Fellow at Columbia University. His principal teachers at Columbia have been Fabien Lévy, Fred Lerdahl, and Tristan Murail. His music has been performed worldwide by such ensembles as JACK Quartet, Next Mushroom Promotion, and the Nieuw Ensemble. He was awarded the Gaudeamus Prize 2011. Other recent honors include an artistic residency fellowship from Civitella Ranieri Foundation in Umbertide, Italy, as well as a commission from Ensemble Intercontemporain. You can listen to more of his music at www.yoshionishi.com.In our conversation we talk about how and why he came to the U.S., how he gets his initial impulse when beginning a piece, and his relationship to social media.The first piece played in this podcast is Tramespace, performed by the Asko|Schönberg Ensemble conducted by Clark Rundell and recorded live by Richard de Gruyl for Concertzender/VPRO during Gaudeamus Muziekweek 2013. The second piece is Tr (épilogue) performed by Patrick McGuire.

Carl is a New York-based composer and conductor who was born in Hamburg, Germany. He studied composition with Hans-Jurgen von Bose and Wolfgang Rihm in Munich and Karlsruhe before moving to New York, where he received his doctorate from Columbia University under Tristan Murail. His works have been played at major new-music festivals and venues in Europe, North America, Asia, and Australia. He has received numerous awards, among them a fellowship from the DAAD, a six-month residency at the Cite des Arts in Paris, and a Fromm Foundation commission.In our chat we talk about his time studying in Munich, the festival and academic scene in Europe and America, and how he tempered the “squareness” of his music. The piece played this interview is titled Il y a l’Océan and was performed by the Mivos Quartet.

This week on Relevant Tones, we'll delve into the music of Gerard Grisey and Tristan Murail, two composers who base their compositions on mathematic spectral analyses of the overtone series. Grisey and Murail's compositions originated the style of Spectral Music. Hosted by Seth Boustead Produced by Jesse McQuarters Gerard Grisey: Partiels (excerpt), WDR Sinfonieorchester of Cologne; Stefan Asbury Gerard Grisey: Talea (excerpt), Ensemble RechercheAbout Ensemble Recherche Gerard Grisey: Vortex Temporum (excerpt), Ensemble Recherche Tristan Murail: In Memoriam, Olivier Messiaen (excerpt), Marilyn Nonken, Piano Tristan Murail: Gondwana (excerpt), ORTF National Orchestra; Yves Prin Tristan Murail: Winter Fragments (excerpt), Argento Chamber Ensemble

Composer : Tristan Murail Electric Guitar : Alexandre Gérard recording : 2005 master : 2011

I Musikmagasinet Klang: Upptakt New York gör Birgitta Tollan självsvåldiga nedslag i musiklivet i en av världens musikaliska huvudstäder. Möt Marilyn Nonken, en av de främsta uttolkarna av superkomplexa, pinfärska pianonoter. Till henne skriver bl a Tristan Murail musik. Tonsättaren och performern Du Yun bytte Shanghai mot New York och mixar den kinesiska cittran zheng med elektronik. Konstnärlige ledaren för International Contemporary Ensemble, soloflöjtisten Claire Chase, pendlar mellan Lincoln Center i New York och små musikskolor på den mexikanska landsbygden. -Vi arkiverar musik av den allra senaste generationen levande tonsättare, berättar hon. Unga solofagottisten Rebekah Heller bröt sig loss från födelsestaden Wanakena med 80 innevånare. Nu bor hon i 9-miljoners staden New York och växlar mellan traditionellt orkesterpartitur och experimenterande fagottklanger. Producent, manus och produktion: Birgitta Tollan. Poddversion.

I Musikmagasinet Klang: Upptakt New York gör Birgitta Tollan självsvåldiga nedslag i musiklivet i en av världens musikaliska huvudstäder. Möt Marilyn Nonken, en av de främsta uttolkarna av superkomplexa, pinfärska pianonoter. Till henne skriver bl a Tristan Murail musik. Tonsättaren och performern Du Yun bytte Shanghai mot New York och mixar den kinesiska cittran zheng med elektronik. Konstnärlige ledaren för International Contemporary Ensemble, soloflöjtisten Claire Chase, pendlar mellan Lincoln Center i New York och små musikskolor på den mexikanska landsbygden. -Vi arkiverar musik av den allra senaste generationen levande tonsättare, berättar hon. Unga solofagottisten Rebekah Heller bröt sig loss från födelsestaden Wanakena med 80 innevånare. Nu bor hon i 9-miljoners staden New York och växlar mellan traditionellt orkesterpartitur och experimenterande fagottklanger.