Podcasts about grisey

durée : 00:28:20 - Facettes françaises II (4/4) : Ohana, Grisey, Dufourt, Dalbavie, Dusapin - par : Christian Merlin - Second volet de notre exploration de la musique orchestrale française échappant au cadre strict de la symphonie : où nous verrons passer les figures de Koechlin, Roussel, Varèse, Ibert, Milhaud, Honegger, Poulenc, Sauguet, Jolivet, Messiaen, Dutilleux, jusqu'à Pascal Dusapin et Bruno Mantovani. - réalisé par : Marie Grout

In this episode of Magic Inclined, I sit down with my dear friend Mary, an incredible artist, medium, and teacher whose work beautifully intertwines spirit and creativity. Mary's artistic medium is weaving, but her practice extends far beyond the physical—it's a deep collaboration with the unseen, a dance between intuition and form. We talk about her journey through art school, the challenges of being an artist in today's world, and how she ultimately surrendered to spirit, allowing her practice to evolve in ways she never imagined. Mary also shares insights into her upcoming Art & Altar masterclass (starting February 15th!), where she teaches students how to channel spirit through creative expression. If you've ever felt the pull to merge art with something greater—or wondered how to bring more authenticity and flow into your creative work—this conversation is for you. Tune in, and let's weave some magic together. To connect with Mary, please visit: https://thewovenchannel.com/collections/workshops/products/art-altar-a-channeling-masterclass-2025 ▶▶▶ Please rate, commnet, and share this episode to share the magic, and join the Magic Inclined community to connect with magical peeps from all aroud the world: https://magicinclined.mn.co All music provided by www.lukesweeney.com Luke's spodify: https://open.spotify.com/artist/0HUCUssIZ14hidQEb4IpwZ

La aportación del compositor francés a la historia de la música es el espectralismo—teoría musical que desarrolla junto a Tristan Murail y Hughes Dufourt en torno al Ensamble L'Itineraire—, que se basa en la descomposición espectral del sonido, inclinándose hacia la naturaleza propia del timbre._____Has escuchadoAnubis-Nout. I. Anubis [très précis] (1983). Ernesto Molinari, clarinete contrabajo. Kairos (2005)Le Noir de l'Étoile: pour six percussionistes diposés autour du public, bande magnétique et transmission in situ de signaux astronomiques (1989-1990) / texto de Jean-Pierre Luminet. Les Percussions de Strasbourg. Accord (2004)Quatre chants pour franchir le seuil (1997-1998). Catherine Dubosc, soprano; Klangforum Wien; Sylvain Cambreling, director. Kairos (2001)_____Selección bibliográficaBAILLET, Jérôme, Gérard Grisey: fondements d'une écriture. L'Harmattan, 2000BROWN, Jeffrey Arlo, The Life and Music of Gérard Grisey: Delirium and Form. University of Rochester Press, 2023CAGNEY, Liam, Gérard Grisey and Spectral Music: Composition in the Information Age. Cambridge University Press, 2023*COHEN-LEVINAS, Danielle , “Gérard Grisey: du spectralisme formalisé au spectralisme historisé”. En: Vingt-cinq ans de création musicale contemporaine. L'Harmattan, 1998COHEN-LEVINAS, Danielle (ed.), Le temps de l'écoute: Gérard Grisey ou la beauté des ombres sonores. L'Harmattan, 2004COSSETTINI, Luca y Angelo Orcalli, Diffractions: analyse de l'œuvre musicale mixte: “Jour, Contre-Jour”de Gérard Grisey. L'Harmattan, 2018FÉRON, François-Xavier, “The Emergence of Spectra in Gérard Grisey's Compositional Process: from Dérives (1973-1974) to Les espaces acoustiques (1974-1985)”. Contemporary Music Review, vol. 30, n.º 5 (2012), pp. 343-375GRISEY, Gérard, Écrits. Editado por Guy Lelong con la colaboración de Anne-Marie Réby. Éditions MF, 2008HASEGAWA, Robert, “Gérard Grisey and The ‘Nature' of Harmony”. Music Analysis, vol. 28, n.º 2-3 (2009), pp. 349-371HENNESSY, Jeffrey J., “Beneath the Skin of Time: Alternative Temporalities in Grisey's Prologue for Solo Viola”. Perspectives of New Music, vol. 47, n.º 2 (2009), pp. 36-58*HERVÉ, Jean-Luc, Dans le vertige de la durée: “Vortex Temporum” de Gérard Grisey. L'Harmattan, 2001KRIER, Yves, “Partiels, de Gérard Grisey, manifestation d'une nouvelle esthétique”. Musurgia, vol. 7, n.º 3-4 (2000), pp. 145-172*MOSCOVICH, Viviana, “French Spectral Music: An Introduction”. Tempo, n.º 200 (1997), pp. 21-27*SOLOMOS, Makis (ed.), Iannis Xenakis, Gérard Grisey. La métaphore lumineuse. L'Harmattan, 2003 *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

durée : 00:29:43 - Avec Martin Kaltenecker - par : Philippe Venturini - "Écouter ce qui est entre les notes, voyager à l'intérieur du son, tel était le projet du mouvement spectral auquel appartenait Gérard Grisey. Compositeur adulé, regretté, disparu prématurément à 52 ans, il laisse un catalogue restreint mais d'une intense éloquence." Philippe Venturini - réalisé par : Doria Zénine

Le retour à la terre : ce fut le projet dans les années 70 d'étudiants, militants de gauche, néo-hippies qui tentèrent en France, et ailleurs, de faire communauté autrement et d'inventer un mode de vie proche de la nature, éloigné de considérations consuméristes ou technicistes. Mais, on le sait moins, des travailleurs immigrés africains retournèrent au Mali pour fonder la coopérative agricole Somankidi Coura. C'est cette aventure à la fois décoloniale et écologique que raconte le documentaire les Voix Croisées, qui vient de sortir en salles en France.Raphaël Grisey en est le co-réalisateur. Il s'appuie sur de nombreuses vidéos tournées par l'un des fondateurs de cette coopérative : Bouba Touré.Musiques : Tassia Reis et Criollo, So Um Tempo et La Femme Venus.

This is a free preview of a paid episode. To hear more, visit thetwelfthhouse.substack.comWelcome back to Twelfth House Plus! This is another episode of The Green Room Chat, and we're so excited to have you with us for an insightful and inspiring conversation. So, grab a cozy seat, relax, and let's dive into today's episode.Join Michelle Pellizzon as she sits down with her mentor, Mary Grisey, to discuss the fascinating world of mediumship. They explore the intersection of science, spirituality, and the paranormal, highlighting Mary's lifelong interest in the field.Together, they talk about the potential for everyone to develop mediumship abilities, the difference between mediumship and psychism, and the importance of intuition, discernment, and trance states. Mary also shares personal experiences with paranormal phenomena and how her art connects to her spiritual practice.Episode Highlights:* Mediumship vs. Psychism: Mediumship involves communicating with spirits, whereas psychism focuses on connecting with the soul of a living person.* The Value of Discernment: Developing the ability to differentiate between personal thoughts and genuine spirit communication is essential for mediums.

Jane and Sarah are mesmerized by Mary as she shares her journey of combining art and spirituality. She discusses her sometimes scary childhood experiences with the spirit world and how they were influenced by the trauma in her home. Mary explains how she discovered her passion for art and how it evolved into creating immersive installations that connected her with past lives; and the profound experience of coming online as a channel. Mary emphasizes the importance of finding joy and simplicity in the creative process and the mystery of the universe. She shares about the validation and grounding that comes from connecting with spirits and the role of channeling in anchoring the essence of spirit into the room. Mary also shares her experience of channeling the Divine Mother and the advice she gives to people who want to tune into their creative power.    Takeaways Negative-seeming experiences with the spirit world can be informed by unhealed childhood trauma.   Art can be a powerful tool for connecting with past lives and channeling spiritual energy. Finding joy and simplicity in the creative process is essential for connecting with higher dimensions. Channeling messages from spiritual beings can provide guidance and insight into personal and universal transformation. Embracing the mystery of the universe allows for a deeper connection with the creative and spiritual realms. Evidential mediumship provides validation and grounding for channelers. Belief system and worthiness are important for connecting with spirit. The nervous system plays a role in connecting with spirit. Motherhood can be a grounding and transformative experience.   Memorable Quotes from Mary "I go to the other, the higher dimensions for a momentary time and I get to hang out with Spirit." "Channeling anchors the essence of spirit into the room."   Mary's website:  The Woven Channel Mary's Instagram: @marygrisy Support the Podcast and check out Patreon Medium Curious Website: MediumCurious Jane's Website: Jane Morgan Medium  Sarah's Website: Sarah Rathke Podcast Instagram: MediumCuriousPod (@mediumcuriouspod)  Podcast Tiktok: MediumCuriousPod (@theREAL_mediumcurious)    If you enjoyed this episode of Medium Curious, please Download, Rate, Review, Share and Subscribe to our podcast. Your support will help us make mediumship more accessible and relatable!

In the episode, I welcome back my channeling mentor Mary Grisey. Mary came on earlier this year in an episode called "Remembering Your Gifts," which is one of M2M's most downloaded for 2024. Mary is a wondrously wise and expansive being and I always get very excited to hang out with her. Mary Grisey is a psychic medium, multidimensional channeler and visual artist based in Los Angeles, California. She has been connected to the unseen world ever since she can remember and works closely with her Spirit Guides. Mary is passionate about connecting her clients to their truest selves, spirit team and loved ones who have crossed over to the Spirit world. She also loves helping other intuitives find their voice in this world whether that be through a 1:1 session or mentorship.  Mary is truly living the fuck out of her Libra Rising, Leo Sun, Cancer Moon, & Virgo Mercury-Venus chart. Learn about Mary's fall class Spirit Language +++ Learn all about my fall course Moon to Moon⁠ 12 weeks of recorded transmissions, meditations, and astrological teachings undoing the cultural conditioning around self-mistrust.  Deadline to enroll: Sept 3 +++ E M E R G E N C E  A S T R O L O G Y www.brittenlarue.comInstagram: @brittenlarue Order Living Astrology +++ Podcast art: Angela George. Podcast music: Jonathan Koe.

Es uno de los compositores más importantes de la llamada Generación del 51, grupo al que él mismo pone nombre y que dota al panorama español de técnicas de vanguardia. Aporta la combinación de elementos tradicionales con atonalidad, dodecafonismo, serialismo, música concreta, electrónica y formas clásicas._____Has escuchadoCuarteto de cuerda n.º 11 (2019). Cuarteto Quiroga. Grabación sonora realizada en directo en la sala de conciertos de la Fundación Juan March, el 9 de diciembre de 2020Fantasía sobre una sonoridad de G. F. Haendel (1981). Diego Alonso, Oleguer Aymamí, Paula Hernández, Mikel Zunzundegui, violonchelos; Joven Orquesta Nacional de España; José Luis Temes, director. Verso (2005)Tiempo para espacios (1975). Elisabeth Chojnacka, clave; Orquesta Filarmónica de Radio France; Cristóbal Halffter, director. RTVE (1996)Versus. Thesis (1983). Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt; Cristóbal Halffter, director. Auvidis (1996)_____Selección bibliográficaCASARES RODICIO, Emilio, Cristóbal Halffter. Universidad de Oviedo, 1980*CHARLES SOLER, Agustín, “La universalidad de un lenguaje, confrontación de dos obras Debla y Preludio para Madrid 92 de Cristóbal Halffter”. Nassarre: Revista Aragonesa de Musicología, vol. 8, n.º 1 (1992), pp. 9-54*DASCHNER, Hubert, Spanische Musik auf der Höhe ihrer Zeit: Cristóbal Halffter. Pfau, 2000*FOURCHOTTE, Alain, “La dialectique de l'un et du multiple dans Mizar (1977) de Cristóbal Halffter”. En: Iannis Xenakis-Gérard Grisey. La métaphore lumineuse. Editado por Makis Solomos. L'Harmattan, 2003GAN QUESADA, Germán, “Ut pictura musica: Referentes plásticos contemporáneos en la obra de Cristóbal Halffter”. En: Ante el nuevo milenio. Raíces culturales, proyección y actualidad del arte español. XIII Congreso Nacional de Historia del Arte. Granada, del 31 de octubre al 3 de noviembre de 2000, vol. 1. Universidad de Granada, 2000—, La obra de Cristóbal Halffter: creación musical y fundamentos estéticos. Tesis doctoral, Universidad de Granada, 2003*—, “La obra de Cristóbal Halffter: creación musical y fundamentos estéticos”. Revista de Musicología, vol. 27, n.º 2 (2004), pp. 1156-1161*—, “Tópico folklórico, tradición e innovación en un ballet ‘español': Jugando al toro de Cristóbal Halffter”. Revista de Musicología, vol. 30, n.º 1 (2007), pp. 181-206*—, “El universo plástico en la obra de Cristóbal Halffter: interacciones estéticas y afinidades electivas”. En: Poéticas compartidas: Convergencias artísticas en la música de los siglos XX y XXI. Editado por Belén Pérez Castillo y Ruth Piquer Sanclemente. Comares, 2023*GAN QUESADA, Germán y  José Antonio Robés, Cristobal Halffter. Hoy es siempre todavía. Lunwerg, 2005*GAN QUESADA, Germán et al., Carta blanca a Cristóbal Halffter. Orquesta y Coro Nacionales de España, 2009*HALFFTER, Cristóbal, Tradición y coetaneidad. Discurso de ingreso del Excmo. Sr. Cristóbal Halffter y Jiménez Encinas, leído en el acto de su recepción pública el día 20 de noviembre de 1983, y contestación del Excmo. Sr. D. Ramón González de Amezúa y Noriega. Real Musical, 1983—, “Lucio Muñoz y la música”. En: Lucio Muñoz. Obra sobre papel. Ministerio de Educación; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001*—, Música-poesía: semejanzas y diferencias. Visor Libros, 2007*—, “En torno a la obra Elegías a la muerte de tres poetas españoles”. Quodlibet: Revista de Especialización Musical, n.º 59 (2015), pp. 117-125*—, Una vida para la música: breve ensayo sobre composición y creación musical. Almuzara, 2016*MARCO, Tomás, Cristóbal Halffter. Servicio de Publicaciones del Ministerio de Educación y Ciencia, 1972*NAVARRO GONZÁLEZ, Javier, “Impresiones de un estreno: Don Quijote, de Cristóbal Halffter”. Revista de Occidente, n.º 232 (2000), pp. 129-133*SUÑÉN, Luis, “Cristóbal Halffter: forma y razón”. En: Músicas actuales: ideas básicas para una teoría. Editado por Jesús Villa Rojo. Ikeder, 2008 *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

Wir sprechen zu "Dokumentierter Aktivismus & aktivistisches Filmen." Zugrunde gelegt sind die Filme ›Xaraasi Xanne – Crossing Voices‹, ›Operation Namibia‹ und ›Fasia – von trutzigen Frauen und einer Troubadora‹. Die Filme erzählen von emanzipatorischen Kämpfen von den 60ern bis in die 2000er zwischen Selbstorganisation, Supporter*innentum und Aktivismus. Bei aller Unterschiedlichkeit der politischen Milieus, Zeitlichkeiten und Erzählweisen spricht aus den Filmen der Geist des Internationalismus des 20. Jahrhunderts. Die Behauptung: Alle Menschen können gleichermaßen am Kampf gegen Kapitalismus und Ausbeutung partizipieren. Respondenzen von Onome Ekeh und Abdou-Rahime Diallo werden im Rahmen der Diskussionsveranstaltung (in englischer Sprache) gehört werden. Am Sonnabend, 27.4. um 11 Uhr im Festivalzentrum fux eG. Das Festivalzentrum befindet sich in der fux eG in Altona, Bodenstedtstrasse 16. Fortsetzung von https://www.freie-radios.net/128026. Operation Namibia Martin Paret, DE 2023, 93 min, engl. OmdtU Eine Gruppe weißer linker Aktivist*innen kauft 1976 in England ein Segelboot für eine mehrmonatige Überfahrt nach Namibia. Die Mission der jungen Crew: nichts weniger als eine gewaltfreie Revolution im Apartheidsystem des von Südafrika besetzten Landes anzustoßen. Mit an Bord sind 6.000 verbotene Bücher, viel Idealismus und Zeit. Anhand des Briefverkehrs der Crew mit den Organisationsbüros in Philadelphia und London erzählt der Film geschickt und humorvoll vom Verlauf und Scheitern des Versuchs von philanthropischem Aktivismus, Selbstorganisation und all ihren zwischenmenschlichen Grenzen. ›Operation Namibia‹ ist eine vielstimmige Odyssee zwischen Briefen, Fotos und Super8-Film, aus der nicht zuletzt der naive Glaube an internationale Solidarität der 70er-Jahre spricht. Fasia – von trutzigen Frauen und einer Troubadora Re Karen, BRD 1987, 84 min, dt. OF Erstaufführung der digitalisierten 4K-Version Fasia Jansen wird 1929 als uneheliche Tochter von Elli Jansen aus Hamburg-Rothenburgsort und dem liberianischen Generalkonsul Momulu Massaquoi geboren und wächst in der Familie ihrer Mutter auf. Während der NS-Zeit hat sie als Afrodeutsche keinen Zugang zu den Luftschutzbunkern und ist medizinischen Versuchen der Nazis ausgesetzt, die ihre Gesundheit nachhaltig beeinträchtigen. Später wird das Ruhrgebiet zu ihrer Wahlheimat, und sie engagiert sich in der Anti-Kriegsbewegung. Ihre Bluesstimme und ihre Bühnenpräsenz machen sie in den 1980er-Jahren zu einer Ikone der europäischen feministischen Friedensbewegung. Der Film ist eine Hommage an Fasia Jansen und zeigt beeindruckende Interviewszenen mit ihrer Mutter und Hamburger Jugendfreundinnen. Xaraasi Xanne – Crossing Voices Raphaël Grisey, Bouba Touré, FR/DE/ML 2022, 123 min, soninké/frz./bambara/pulaar OmeU Der Film handelt von Kämpfen um Arbeit und Anerkennung in Frankreich, der Sans-Papiers-Bewegung, vom Senegal-Fluss in Mali und was von Termiten zu lernen ist. Unterschiedliche Kulturen der Aufzeichnung und Überlieferung treffen aufeinander. Dokumente migrantischen Widerstands: Videos, Fotos, Plakate und Flugblätter, die Griots und das Radio, koloniales Bildmaterial und Google Earth. Als Reisender zwischen Mali und Frankreich bringt Touré in Frankreich erworbenes landwirtschaftliches Wissen zurück nach Mali und begründet 1977 mit anderen Rückkehrer*innen die bis heute bestehende Kooperative Somankidi Coura. Touré und Grisey legen gemeinsam Pfade durch Tourés reichhaltiges Archiv und versehen sie mit einer eigenen Zeitlichkeit: die Permakultur des Kampfes gegen koloniale Dominanz.

Estilo musical surgido en Francia, en los 60, en torno a Gérard Grisey, Tristan Murail y Hugles Dufourt, adscritos al Ensemble l'Itinéraire. Se debe al descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y la descomposición espectral del sonido musical en el origen de la percepción del timbre._____Has escuchadoL'esprit des dunes: pour ensemble et électronique (1994) / Tristan Murail. Ensemble Intercontemporain; David Robertson, director. Disques Adès (1996)Mémoire / Erosion: pour cor et ensemble instrumental (1976) / Tristan Murail. Alain Noël, trompa; Ensemble L'Itinéraire; Charles Bruck, dirección. Accord (2000)Partiels: pour 18 musiciens (1975) / Gérard Grisey. Ensemble Court-Circuit; Pierre-André Valade, dirección. Accord (1999)_____Selección bibliográficaANDERSON, Julian, “The Spectral Sounds of Magnus Lindberg. Julian Anderson Introduces One of Scandinavia's Leading Composers”. The Musical Times, vol. 133, n.º 1797 (1992), pp. 565-567*—, “In Harmony. Julian Anderson Introduces the Music and Ideas of Tristan Murail”. The Musical Times, vol. 134, n.º 1804 (1993), pp. 321-323*BERANGER, Sébastien, “Les Déterminations du timbre... des perméabilités de la musique spectrale au syncrétisme compositionnel”. Musurgia, vol. 18, n.º 3 (2011), pp. 29-37*BESADA, José Luis y Pedro Ordóñez Eslava, “¿Una historia de la música espectral española? Transferencias culturales transnacionales en el último cambio de siglo”. Acta Musicológica, vol. 91, n.º 2 (2019), pp. 168-189*CÉLESTIN, Deliège, Cinquante ans de modernité musicale: de Darmstadt à l'IRCAM: contribution historiographique à une musicologie critique. Mardaga, 2003*FÉRON, François-Xavier, “Sur les traces de la musique spectrale: analyse génétique des modèles compositionnels dans Périodes (1974) de Gérard Grisey”. Revue de Musicologie, vol. 96, n.º 2 (2010), pp. 411-443*GILMORE, Bob, “Spectral Techniques in Horatiu Radulescu's Second Piano Sonata”. Tempo, vol. 64, n.º 252 (2010), pp. 66-78*GOLDMAN, Jonathan, “Boulez and the Spectralists between Descartes and Rameau: Who Said What about Whom?”. Perspectives of New Music, vol. 48, n.º 2 (2010), pp. 208-232*HASEGAWA, Robert, “Gérard Grisey and The ‘Nature' of Harmony”. Music Analysis, vol. 28, n.º 2-3 (2009), pp. 349-371*HASELBÖCK, Lukas, “French Spectral Music in the Context of Contemporary Philosophy”. En: Perspectives de l'esthétique musicale: entre théorie et histoire. Editado por Alessandro Arbo. L'Harmattan, 2007*LAINSA DE TOMÁS, Eva, “Música espectral: la representación de la naturaleza del sonido y las técnicas de escritura contemporáneas”. En: La construcción de la ciencia: abstracción y visualización. Universidad del País Vasco, 1998PUGIN, Tristan, “Through the Spectrum: The New Intimacy in French Music (I)”. Tempo, n.º 212 (2000), pp. 12-20*—, “Through the Spectrum: The New Intimacy in French Music (II)”. Tempo, n.º 217 (2001), pp. 38-44*ROSE, François, “Introduction to the Pitch Organization of French Spectral Music”. Perspectives of New Music, vol. 34, n.º 2 (1996), pp. 6-39*SEDES, Anne, “Generaciones espectrales… porvenires…”. Docenotas Notas Preliminares: Música Contemporánea. Posiciones Actuales en España y Francia, n. º 1 (1997)*VILLAR, Carlos, “El tiempo en las músicas del siglo XX”. En: El tiempo en las músicas del siglo XX. Editado por Margarita Vega Rodríguez y Carlos Villar. Universidad de Valladolid, 2001VIVIANA, Moscovich, “French Spectral Music: An Introduction”. Tempo, n.º 200 (1997), pp. 21-27* *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

#33 In this episode we will immerse ourselves in the fabric of sound, to discover how the rules governing music and harmony are emerging from sound itself. I take musical examples from Beethoven, Bach, and contemporary artists like S. Battaglia and G. Grisey to suggest how the inner architecture of sound informs music.Spectral music - WikipediaHarmonic - Wikipedia‎Partiels (1975) pour 18 Musiciens – by Gerard Grisey, Asko Ensemble – Apple MusicPartiels (1975) pour 18 Musiciens - by Gérard Grisey, Asko Ensemble | Spotify‎Streams – by Stefano Battaglia – Apple MusicStreams - by Stefano Battaglia | SpotifySupport Where is the Music Podcast: Patreon Support this Podcast My Piano Courses:Counterpoint FundamentalsFor a 30% discount on my Counterpoint Course add the code THEMUSICCODE https://www.udemy.com/course/improvising-counterpoint/?couponCode=THEMUSICCODEFollow Alberto L. Ferro:MUSICBLOGYOUTUBEINSTAGRAMFACEBOOKSPOTIFYWhere is the Music Podcast is on:SPOTIFYAPPLEYOUTUBE TUNEINRSS FEEDMentioned in this episode:Patreon

At every level of my being, I am so excited to share this conversation with the wonderful and marvelously gifted Mary Grisey. Mary is a psychic medium, multidimensional channeler and visual artist based in Los Angeles, California. I am Mary's former student, client, and soon-to-be mentee as I bravely go deeper in understanding my gifts as a multidimensional channeler. In our conversation, Mary shared her story of becoming the woman who widely shares her gifts in the world. We talk about the anxieties of being an evidential medium, and how being a medium is a healing practice in itself as it helps you release your human desire to always be right. We talk about consciousness and the soul, and how it continues to live beyond our human lifetime. We talk about the spirit realm and non-human intelligence. We talk about remembering versus learning our gifts. Mary shares an incredible story of how the spirit of her mother showed her what it was like after she passed on. I especially loved our discussion of grief, and how grief provides the alchemy to open us into our gifts. What an incredible conversation! Thank you, Mary. You are a gift. Mary Grisey has been connected to the unseen world ever since she can remember and works closely with her Spirit Guides. Mary is passionate about connecting her clients to their truest selves, spirit team and loved ones who have crossed over to the Spirit world. She also loves helping other intuitives find their voice in this world whether that be through a 1:1 session or mentorship. Visit Mary's website The Woven Channel to learn about her upcoming offerings and get on her waiting list for a 1:1 session. Follow Mary on IG at @marygrisey. In this episode, we mention our shared friend Rebecca Padgett, who connected us. +++ LEARN ABOUT THE MAGICIAN'S TABLE The Early Bird Deadline is February 18. THE HEAT IS ON! I cannot wait to see your application come in! I cannot wait to witness and celebrate your emergence. Please reach out to info@brittenlarue.com with any questions or concerns. +++ Podcast art Angela George. Podcast music Jonathan Koe.

Viel zu früh, mit gerade einmal 52 Jahren wurde Komponist Gérard Grisey aus dem Leben gerissen. Zurück ließ er nicht nur seine fassungslosen Kompositionsstudierenden am Conservatoire National Supérieur in Paris, sondern auch eine Klassikwelt, die er mit seinen Kompositionen maßgeblich geprägt hat. Anlässlich seines 25. Todestages gedenkt Viktoria Kassel Grisey und seiner unvergesslichen Musik.

Rumunas Horațiu Rădulescu (1942-2008) 20 a. pabaigoje laikytas ateities muzikos kūrėju. Jis skelbėsi spektrinės muzikos pradininku, pirmąsias kompozicijas sukūręs kiek anksčiau už prancūzų spektralizmo klasikus Gérard Grisey ir Tristan Murail. Rădulescu linko į mistiką ir ezoteriką, viduramžiškas idėjas siedamas su ultramodernia ir komplikuota muzikos kalba. Tačiau retkarčiais jis rašė paprasto skambesio kompozicijas, tiesdamas tiltus tarp senovinės sakralinės muzikos ir šiuolaikinio pasaulio.Laidos autoriai Šarūnas Nakas ir Mindaugas Urbaitis

durée : 00:25:08 - Maxime Pascal, chef d'orchestre (3/5) - par : Judith Chaine - A 37 ans, Maxime Pascal est l'un des meilleurs chefs de sa génération et un interprète incontournable du répertoire contemporain. Il est co-fondateur de l'ensemble Le Balcon, un collectif, dont la démarche s'inscrit dans un travail ambitieux sur la spatialisation et la diffusion du son. - réalisé par : Françoise Cordey

Le Beau Bizarre >>>> E.P.I.S.O.D.E #54 Son geste, traduire la partition musicale en partition chorégraphique. Sa langue, se fait vibration en mouvements. Elle s'applique à inventer un langage chorographique propre à elle, mais la démarche est toujours collective et fidèle. Le Noir de l'étoile, était le point de départ. Une partition électroacoustique certes mais l'exercice semble connu. Pourtant c'est vers un ailleurs plus intime, que cette rencontre opère. Et la mémoire entre en collision avec les pulsars, ces métronomes cosmiques. Le constat est triste, oui, les étoiles meurent aussi. C'est en mourant que l'étoile devient un phare dans notre nuit. Et c'est ainsi que son vestige nous parvient, non par un boum mais par un murmure. Et ce qui se murmure en silence, c'est d'accepter le rendez vous avec le souvenir de l'enfance. Maud Blandel signe l'œil nu. Un objet sensible qui se joue de notre perception mais nous fait vivre une expérience intime et cosmique. Je suis heureuse d'avoir à mon micro Maud Blandel, pour un épisode choral grâce à la précieuse participation de Maya Masse, Lou Colombani et Esther Welger Barboza; et les apports de Hubert Reevs, Gérard Grisey, Jean-Pierre Luminet, Chris Marker, Anne Teresea de kresemaker, et un clin d'œil à Philippe Quesne et Gaetan Vourch. Après Arsenic - Centre d'art scénique contemporain, après le Festival d'Avignon avec la Sélection suisse en Avignon, et La Bâtie-Festival de Genève,L'œil nu sera au Centre National de la danse du 16 au 18 novembre. En janvier au CNDC d'Angers et au fevrier au festival Parrallèle. Le Beau bizarre, est un posdcast du studio indépendant AudioSauti. Disponible sur les plateformes d'écoute, et si vous appréciez ce travail, sachez qu'il est désormais possible de le soutenir, vous trouverez le lien Tipeee dans la bio. Merci de votre écoute et merci de votre soutien ! Suivez nous sur les réseaux, abonnez vous sur les plateformes d'écoute ! Facebook Linkedin Instagram

“L'œil nu”, de Maud Blandel, é um espectáculo que fala sobre memória, em que a coreógrafa franco-suiça aborda a morte do pai a partir de explosões de estrelas e questiona o tempo que passa e o que dele fica. A peça, que está no Festival de Avignon de 10 a 16 de Julho, é um poema íntimo e colectivo que conta com a portuguesa Ana Teresa Pereira entre os seis bailarinos que investem o claustro de La Chartreuse de Villeneuve les Avignon. Ana Teresa Pereira falou com a RFI sobre o espectáculo. RFI: “Do que fala exactamente este espectáculo?"Ana Teresa Pereira, Bailarina: “O espectáculo é uma espécie de autobiografia da Maud Blandel e é um evento que se passa quando ela é criança. As memórias não estão por completo, por isso, são pequenos fragmentos de uma situação que aconteceu, são fragmentos porque a memória não está toda presente.”“Então o título da peça também tem a ver com a memória? Porque “a olho nu”, à partida, significa qualquer coisa que conseguimos ver à primeira vista, mas aqui são fragmentos...”“Exacto. Depois há uma coisa muito poética que ela faz, que é uma ligação ao sistema estelar que se degenera e começa a degenerar o grupo, a música, o espaço, tudo se degenera. Mesmo assim, continua a guardar pequenas espécies de memória de eventos que já tenham acontecido, que vão ser trazidos ao presente, mas os acontecimentos que estão a acontecer no presente, eles não são sempre iguais, vão sempre mudando pouco a pouco.”“Como é que se leva para a dança? Como é que encontrou o seu espaço neste espectáculo e como é que se representa pela dança esse corpo que degenera e que acaba por explodir e desaparecer?”“Somos seis bailarinos, é uma peça que começa com um sistema muito forte, onde nós todos estamos interconectados e o sistema começa assim com uma base forte. Pouco a pouco, começamos a fazer pequenos jogos entre nós, por isso, temos que estar sempre à escuta e super sensíveis ao que o outro faz. Temos pequenas tarefas que vão aparecendo e, pouco a pouco, elas vão começar a degenerar na peça.”“O espectáculo de Maud Blandel foi inicialmente inspirado pela vontade de transcrever na dança uma peça musical do compositor Gérard Grisey para seis percussionistas em torno das ondas de rádio emitidas por resíduos de estrelas. Mas evoluiu e a música do espectáculo passou a contar com temas de desenhos animados. O que conta esta música que também tem algo de trágico?”“A música está ligada a essa tal memória de infância pela qual a Maud Blendel passou e é um dos fragmentos que ela tinha mais guardado nela. Daí os ‘cartoons' aparecerem na peça e começarem também a degenerar porque começou por um desenho animado que ela estava a ver na televisão quando o evento aconteceu.”“Estamos a falar da morte do pai?”“Exactamente.”“Há também guitarras eléctricas e piano no final, com a frase de um poema de T.S. Eliot “é assim que o mundo termina, não com um estrondo, mas com um sussurro”. Como é que tudo é articulado? É uma poesia dançada sobre o fim, sobre a morte?”“Eu acho que sim, que foi uma pequena explosão que fez só um sussurro e representa a morte.”“A peça acontece num claustro. De que forma é que este espaço solene desenha a maneira como vocês dançam e habitam este espaço?”“O espaço é muito amplo, ainda estamos a passar por algumas dificuldades porque é normal porque mudámos de espaço. Como é uma peça tão espacial, o espaço é também faz parte do nosso jogo.Por isso, aqui as coisas parece que se difundem, ainda mais por termos este céu aberto, mas que também dá uma certa inspiração porque a peça está ligada ao estelar. Nós estamos em contacto com isso.E acho que é um sítio lindíssimo para fazer esta peça.”“Como é que surgiu o convite para entrar nesta peça? Já tinha trabalhado com a Maud Blandel...” “Eu fiz a primeira criação da Maud Blandel que se chamava “Touch Down”. Entretanto, fui para a Alemanha e deixei os meus contactos da Suíça. Mais tarde, eu e a Maud fomos beber um café e ela falou-me da nova peça e entendemo-nos muito bem, concordámos e agora estamos a trabalhar juntas outra vez.”“Como é trabalhar com a Maud Blandel?”“Para mim é um desafio grande porque é um trabalho super preciso. É preciso uma precisão musical, parece que temos que ter uma consciência de tudo o que está à nossa volta, de abrir a nossa cabeça a 360 graus.  Ao mesmo tempo, é um trabalho onde a sensibilidade tem muito lugar no nosso interior. Por isso é um trabalho super preciso mas, ao mesmo tempo, super sensível. E eu tenho aprendido imenso. É um prazer.”“É a música que dá compasso e sentimento à peça?”“Exactamente. A música ainda faz com que nós sintamos ainda mais esta degeneração porque a música em si degenera também e começa a ficar mais forte, a trazer-nos lembranças. Sem ela, não seria a mesma coisa.”“A música também lhe traz lembranças a si?”“Traz-me lembranças dentro desta peça. Ou seja, não é uma experiência que eu tenha passado, mas ouvi-la uma vez, se calhar um bocadinho mais longe, depois vou voltar a ouvir na peça um bocadinho mais próxima. São lembranças que eu sinto em relação à peça, dentro da peça.”“Perante o tempo que passa, até que ponto a dança pode ser terapêutica? Ajudar a ultrapassar, por exemplo, um luto?”“Porque é uma coisa que unifica. O facto de estar a dançar com outras pessoas é uma coisa que nos unifica e não nos sentimos sozinhos. Partilhamos o palco com outras pessoas e há essa sensibilidade de estar sempre atento ao outro. Acho que é uma coisa que dá imenso prazer. É super bom sentir que temos sempre alguém ao nosso lado, para quem importa qual decisão vamos tomar. Ele está lá para nos apoiar e essa peça é muito isso também.”“O que representa estar no Festival de Avignon?”“É a primeira vez que cá estou e primeiro estou super orgulhosa da coreógrafa ter conseguido fazer-nos dançar em Avignon. Estou super contente de poder dançar aqui e também de ver o que está a acontecer porque há muita coisa que se passa e para me inspirar dos outros.”

“L'œil nu”, de Maud Blandel, é um espectáculo que fala sobre memória, em que a coreógrafa franco-suiça aborda a morte do pai a partir de explosões de estrelas e questiona o tempo que passa e o que dele fica. A peça, que está no Festival de Avignon de 10 a 16 de Julho, é um poema íntimo e colectivo que conta com a portuguesa Ana Teresa Pereira entre os seis bailarinos que investem o claustro de La Chartreuse de Villeneuve les Avignon. Ana Teresa Pereira falou com a RFI sobre o espectáculo. RFI: “Do que fala exactamente este espectáculo?"Ana Teresa Pereira, Bailarina: “O espectáculo é uma espécie de autobiografia da Maud Blandel e é um evento que se passa quando ela é criança. As memórias não estão por completo, por isso, são pequenos fragmentos de uma situação que aconteceu, são fragmentos porque a memória não está toda presente.”“Então o título da peça também tem a ver com a memória? Porque “a olho nu”, à partida, significa qualquer coisa que conseguimos ver à primeira vista, mas aqui são fragmentos...”“Exacto. Depois há uma coisa muito poética que ela faz, que é uma ligação ao sistema estelar que se degenera e começa a degenerar o grupo, a música, o espaço, tudo se degenera. Mesmo assim, continua a guardar pequenas espécies de memória de eventos que já tenham acontecido, que vão ser trazidos ao presente, mas os acontecimentos que estão a acontecer no presente, eles não são sempre iguais, vão sempre mudando pouco a pouco.”“Como é que se leva para a dança? Como é que encontrou o seu espaço neste espectáculo e como é que se representa pela dança esse corpo que degenera e que acaba por explodir e desaparecer?”“Somos seis bailarinos, é uma peça que começa com um sistema muito forte, onde nós todos estamos interconectados e o sistema começa assim com uma base forte. Pouco a pouco, começamos a fazer pequenos jogos entre nós, por isso, temos que estar sempre à escuta e super sensíveis ao que o outro faz. Temos pequenas tarefas que vão aparecendo e, pouco a pouco, elas vão começar a degenerar na peça.”“O espectáculo de Maud Blandel foi inicialmente inspirado pela vontade de transcrever na dança uma peça musical do compositor Gérard Grisey para seis percussionistas em torno das ondas de rádio emitidas por resíduos de estrelas. Mas evoluiu e a música do espectáculo passou a contar com temas de desenhos animados. O que conta esta música que também tem algo de trágico?”“A música está ligada a essa tal memória de infância pela qual a Maud Blendel passou e é um dos fragmentos que ela tinha mais guardado nela. Daí os ‘cartoons' aparecerem na peça e começarem também a degenerar porque começou por um desenho animado que ela estava a ver na televisão quando o evento aconteceu.”“Estamos a falar da morte do pai?”“Exactamente.”“Há também guitarras eléctricas e piano no final, com a frase de um poema de T.S. Eliot “é assim que o mundo termina, não com um estrondo, mas com um sussurro”. Como é que tudo é articulado? É uma poesia dançada sobre o fim, sobre a morte?”“Eu acho que sim, que foi uma pequena explosão que fez só um sussurro e representa a morte.”“A peça acontece num claustro. De que forma é que este espaço solene desenha a maneira como vocês dançam e habitam este espaço?”“O espaço é muito amplo, ainda estamos a passar por algumas dificuldades porque é normal porque mudámos de espaço. Como é uma peça tão espacial, o espaço é também faz parte do nosso jogo.Por isso, aqui as coisas parece que se difundem, ainda mais por termos este céu aberto, mas que também dá uma certa inspiração porque a peça está ligada ao estelar. Nós estamos em contacto com isso.E acho que é um sítio lindíssimo para fazer esta peça.”“Como é que surgiu o convite para entrar nesta peça? Já tinha trabalhado com a Maud Blandel...” “Eu fiz a primeira criação da Maud Blandel que se chamava “Touch Down”. Entretanto, fui para a Alemanha e deixei os meus contactos da Suíça. Mais tarde, eu e a Maud fomos beber um café e ela falou-me da nova peça e entendemo-nos muito bem, concordámos e agora estamos a trabalhar juntas outra vez.”“Como é trabalhar com a Maud Blandel?”“Para mim é um desafio grande porque é um trabalho super preciso. É preciso uma precisão musical, parece que temos que ter uma consciência de tudo o que está à nossa volta, de abrir a nossa cabeça a 360 graus.  Ao mesmo tempo, é um trabalho onde a sensibilidade tem muito lugar no nosso interior. Por isso é um trabalho super preciso mas, ao mesmo tempo, super sensível. E eu tenho aprendido imenso. É um prazer.”“É a música que dá compasso e sentimento à peça?”“Exactamente. A música ainda faz com que nós sintamos ainda mais esta degeneração porque a música em si degenera também e começa a ficar mais forte, a trazer-nos lembranças. Sem ela, não seria a mesma coisa.”“A música também lhe traz lembranças a si?”“Traz-me lembranças dentro desta peça. Ou seja, não é uma experiência que eu tenha passado, mas ouvi-la uma vez, se calhar um bocadinho mais longe, depois vou voltar a ouvir na peça um bocadinho mais próxima. São lembranças que eu sinto em relação à peça, dentro da peça.”“Perante o tempo que passa, até que ponto a dança pode ser terapêutica? Ajudar a ultrapassar, por exemplo, um luto?”“Porque é uma coisa que unifica. O facto de estar a dançar com outras pessoas é uma coisa que nos unifica e não nos sentimos sozinhos. Partilhamos o palco com outras pessoas e há essa sensibilidade de estar sempre atento ao outro. Acho que é uma coisa que dá imenso prazer. É super bom sentir que temos sempre alguém ao nosso lado, para quem importa qual decisão vamos tomar. Ele está lá para nos apoiar e essa peça é muito isso também.”“O que representa estar no Festival de Avignon?”“É a primeira vez que cá estou e primeiro estou super orgulhosa da coreógrafa ter conseguido fazer-nos dançar em Avignon. Estou super contente de poder dançar aqui e também de ver o que está a acontecer porque há muita coisa que se passa e para me inspirar dos outros.”

**EPISODE IN FRENCH / EPISODE EN FRANÇAIS**Né en 1960, Jean-Luc Hervé fait ses études au Conservatoire Supérieur de Musique de Paris avec Gérard Grisey. Il y obtient un premier prix de composition. Sa thèse de doctorat d'esthétique ainsi qu'une recherche menée à l'IRCAM seront l'occasion d'une réflexion théorique sur son travail de compositeur, sa résidence à la Villa Kujoyama de Kyoto un tournant décisif dans son œuvre. Sa pièce pour orchestre Ciels a obtenu le prix Goffredo Petrassi en 1997. En 2003 il est invité en résidence à Berlin par le DAAD. Ses deux disques monographiques ont reçu le coup de cœur de l'académie Charles Cros. Il fonde en 2004 avec Thierry Blondeau et Oliver Schneller l'initiative  Biotop(e). Ses œuvres sont jouées par des ensembles tels que l'Ensemble Intercontemporain, Court-Circuit, Contrechamps, Musik Fabrik, KNM Berlin, Divertimento, Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestra della Toscana, Berliner Sinfonie-Orchester. Une partie de son travail actuel consiste en des œuvres de concert-installation conçues pour des sites singuliers. Il est actuellement professeur de composition au conservatoire à rayonnement régional de Boulogne-Billancourt et est édité aux éditions Suvini-Zerboni Milan.SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxORDER SAMUEL ANDREYEV'S NEWEST RELEASEIridescent NotationLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSPost production: Arkadiusz BuchalaPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show

durée : 00:26:54 - Kaija Saariaho, compositrice (3/5) : De l'Allemagne à la France - par : Corinne Schneider - Kaija Saariaho quitte la Finlande en 1980 pour travailler en Allemagne où elle suit les cours de Darmstadt tout en continuant de se former auprès de Klaus Huber et Brian Ferneyhough. C'est au contact de la musique de Tristan Murail et de Gérard Grisey qu'elle décide de s'installer en 1982 à Paris. - réalisé par : Gilles Blanchard

Soprano Ann Moss is an acclaimed recording artist and champion of contemporary vocal music who performs and collaborates with a dynamic array of living composers. Often described as a "fearless performer” of some of the most challenging music of our time, her high, flexible voice has been singled out by Opera News for “beautifully pure floated high notes” and by San Francisco Classical Voice for “powerful expression” … “clear, silvery tones and passionate sweetness." Mike Telin of Cleveland Classical writes, her “long fluid lines are exquisite.” In addition to working closely with well-known composers such as Jake Heggie, John Harbison, Kaija Saariaho, Aaron Jay Kernis and David Conte, Ann seeks out and performs works by new and emerging voices at forums, festivals and concert series across the USA. She has released two portrait albums: Currents (Angels Share Records 2013) and Love Life (ASR 2016), both produced and recorded by multi-GRAMMY® award winner Leslie Ann Jones at Skywalker Sound. She can also be heard on releases from labels including Albany, Arsis Audio, Jaded Ibis Productions, Naxos, Navona Records, PARMA, and Ravello Records. Moss recently made her solo debut with the San Francisco Symphony singing the music of Mozart, Gershwin and Rogers under conductor Daniel Bartholomew-Poyser. Highlights of the 2022-23 season include performances of Samuel Barber's Knoxville: Summer of 1915 with the San Francisco Chamber Orchestra, Gérard Grisey's Quatre chants pour franchir le seuil with After Everything Ensemble, and a concert tour in support of her newly released album Lifeline, which features re-imagined chants by Medieval composer Hildegard von Bingen recorded remotely with instrumental collaborators around the United States.

durée : 00:25:10 - Franck Bedrossian, compositeur (3/5) - par : Laurent Vilarem - Fondateur du courant de la saturation, Franck Bedrossian s'intéresse à ce qu'il appelle lui-même « l'articulation de l'excès ». Retour sur le parcours personnel et artistique de ce compositeur au langage musical brut et engagé. - réalisé par : Françoise Cordey

Remington is joined by Multidimensional Channeler, Psychic, Spiritual Medium and Visual Artist, Mary Grisey.They discuss Mary's emotional medium work, perks and limitations of the brain, so-called-star-seeds, “I am the one” complex, seduction of 7, the work right in front of you, parent life, resonance-based timelines and more!Follow @marygriseyWebsiteReadings waitlistThe Architecture of Remembering Masterclass waitlist

Incarnant la musique avec une sensibilité dramatique incomparable, la soprano et cheffe d'orchestre Barbara Hannigan est une artiste à l'avant-garde de la création. Ses collaborateurs artistiques incluent des metteurs en scène et des chefs d'orchestre tels que Simon Rattle, Sasha Waltz, Kent Nagano, Vladimir Jurowski, John Zorn, David Zinman, Antonio Pappano, Katie Mitchell et Kirill Petrenko. En tant que chanteuse, cheffe d'orchestre — ou les deux simultanément — elle fait preuve d'un profond engagement envers la musique de notre temps et a présenté en première mondiale plus de 85 nouvelles créations. Hannigan a collaboré avec des compositeurs tels que Boulez, Dutilleux, Ligeti, Stockhausen, Dusapin et Dean. Le premier disque de Hannigan en tant que chanteuse et cheffe d'orchestre, Crazy Girl Crazy (Alpha Classics, 2017) lui a valu le Grammy Award 2018 pour le meilleur album vocal classique solo. Elle a été nommée membre de l'Ordre du Canada en 2016. Au printemps 2020, elle a fait paraître un disque sur Alpha Classics, La Passione, avec des œuvres de Nono, Haydn et Grisey. En 2020, elle a lancé «Momentum: Our Future, Now», une initiative internationale majeure menée par des artistes de premier plan qui soutiennent leurs jeunes collègues. Elle poursuit également son travail acclamé avec l'initiative de mentorat Equilibrium Young Artists, qu'elle a lancée en 2017. En 2022, elle reçoit le prestigieux prix Grammophon ‘artiste de l'année'. Aussi, pour une période de 3 ans, Barbara Hannigan sera ‘artiste associée' à l'Orchestre Symphonique de Londres. Elle fera ses débuts avec l'Orchestre Symphonique de Montréal le 7, 10 et 11 décembre 2022. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Hi Friends and welcome to JOY IS NOW! The podcast where we take a psychologically minded look at life. I'm your host Lisa Anderson Shaffer, coach, consultant, and resident psych enthusiast.This week I am excited to host for an EMOTION segment discussion, Psychic Medium, Multidimensional Channeler, Visual Artist and Mother, MARY GRISEY.We discuss COMPASSION and how to practice it on ourselves and within the greater collective. This has been JOY IS NOW with me, Lisa Anderson Shaffer, LMFT. You can find me for hire at LISAANDERSONSHAFFER.COM and join the patronage support for this podcast and my daily practice journal, THESE THREE THINGS at patreon.com/lisaandersonshaffer. You can also follow along with my musings at @lisaandersonshaffer on Instagram.A special thanks to my affiliate friends at OSEA - the makers of clean seaweed skincare. Save 10% on your OSEA purchase with this special link and code JOYISNOW10. JOY IS NOW is listener supported. When you buy through shared links, we may earn an affiliate commission.LISA ANDERSON SHAFFER, LMFTNEWSLETTERBOOKPATRONAGEINSTAGRAMEPISODE LINKS:MARY GRISEYFINE ARTSupport the show

durée : 00:10:17 - Disques de légende du jeudi 22 septembre 2022 - En 1996, Gérard Grisey débute la composition de Quatre chants pour franchir le seuil. Sa dernière pièce. Une méditation musicale en 4 mouvements pour soprano et quinze instruments.

durée : 01:58:47 - Relax ! du jeudi 22 septembre 2022 - par : Lionel Esparza - Frank Peter Zimmermann n'avait pas encore ses vingt ans lorsqu'il grava son premier disque : deux Concertos de Mozart, classique couplage des 3e et 5e, mais déjà la pure beauté de la sonorité sans chichi, l'élégance des phrasés, et la vitalité sereine de l'archet. Gérard Grisey en disque de légende

Discovering the building stones of Sycorax, the new opera by Georg Friedrich Haas. We hear some Haas, some Grisey, some Vivier, some Tibetan throat singers, and a wonderful Jubilate.    G.F. Haas - Limited Approximations - SWR Sinfonieorchester and Sylvain Cambreling  https://www.youtube.com/watch?v=BoqvGLdjUhE&t=1540s Gérard Grisey - Partiels - Asko Ensemble and Stefan Asbury https://www.youtube.com/watch?v=1v7onrjN6RE&t=30s Claude Vivier - Lonely Child - AskoSchoenberg and Reinbert de Leeuw  https://www.youtube.com/watch?v=nP23EnBQjw8 G.F. Haas - String Quartet no 9 - Jack Quartet  https://www.youtube.com/watch?v=dk_2bg3utv8&t=409s W.A. Mozart - Exsultate, Jubilate - Julia Lezhneva and Helsinki Baroque Orchestra https://www.youtube.com/watch?v=RLan_H8w8S4 W.A. Mozart - Ach, ich fühl's by - Christiane Oelze, English Baroque Soloists, John Eliot Gardiner https://www.youtube.com/watch?v=Jg96zrTe_jY              

On episode 237 of The Quarantine Tapes, guest host Sunita Puri is joined by Jonathan Hepfer. Jonathan Hepfer is a musician and the artistic director of Monday Evening Concerts, a long-running contemporary concert series in Los Angeles.Jonathan joins Sunita to discuss the history of Monday Evening Concerts and how he first encountered the series. They talk about the role he takes on as a curator and what it means to try to make classical music more accessible. The pair mention all of the influences that have helped them form their love of classical music, and the togetherness we all feel while listening with each other. Finally, Sunita asks Jonathan about the impact of the pandemic on his work and they talk about the healing power of music.Hildegard von Bingen Canticles Of Ecstasy“Tradition is not the worship of ashes, but the preservation of fire.”Gustav MahlerHarold Budd / Brian Eno - The Pavilion Of Dreams (1978)Luigi Nono-Luigi Nono: Incontri for 24 Musicians (1955) "We make a space inside ourselves, so that being can speak."Martin HeideggerJohn Cage Four Minutes Thirty Three Seconds 4'33Yves Klein Monotone SymphonySunita Puri is an author and the Medical Director of the Palliative Medicine and Supportive Care Service at the Keck Hospital and Norris Cancer Center of the University of Southern California, where she also serves as Chair of the Ethics Committee. She graduated from Yale University with a B.A. in Anthropology and studied Modern History at Oxford University as a Rhodes Scholar. She completed medical school and residency training in Internal Medicine at the University of California San Francisco, and fellowship training in Hospice and Palliative Medicine at Stanford University. Her work has appeared in the New York Times, Slate, the Journal of the American Medical Association, and JAMA – Internal Medicine. For her writing, she has received fellowships from the MacDowell Colony, UCross Foundation, and Mesa Refuge. In 2018, she received the Etz Chaim Tree of Life Award from the USC Keck School of Medicine, awarded annually to a member of the faculty who, in the eyes of the campus community, models and provides humanistic and compassionate care. Sunita was born in Kentucky and is the daughter of naturalized citizens from Punjab state, India. Her family now lives in Los Angeles.That Good Night, by Sunita PuriJohnathan Hepfer is a percussionist, conductor, and concert curator specializing in avant-garde and experimental music. Jonathan is the Artistic Director of Monday Evening Concerts in Los Angeles, on which he performs regularly.  He has taken part in the US premieres of major works by Salvatore Sciarrino, Gérard Grisey, György Kurtág, Rolf Riehm, Jo Kondo, Aldo Clementi, Klaus Lang, Ramon Lazkano, Francisco Guerrero, Thomas Meadowcroft and Simon Steen-Andersen.  His collaborators have included such luminaries as Marino Formenti, Kim Kashkashian, Alexei Lubimov, Séverine Ballon, Natalia Pschenitschnikova, and Mario Caroli. Of particular interest to Jonathan is the alchemical relationship of language and music. 

durée : 00:26:59 - Tristan Murail, compositeur (2/5) : Du Conservatoire à la fondation de l'Itinéraire, en passant par l'électroacoustique - par : Corinne Schneider - Le compositeur évoque ses grands chocs musicaux à Paris pendant ses études (Penderecki, Ligeti, Xenakis…), les événements de mai 1968, ses recherches à la Villa Medicis (1971-1973) où il est pensionnaire en même temps que Gérard Grisey, et les motivations qui l'amènent à fonder l'Itinéraire en 1973. - réalisé par : Marie Grout

Remington is joined by Multidimensional Channeler, Psychic, Spiritual Medium and Visual Artist, Mary Grisey, and together they discuss the spirit world, how to be a clear channel, the difference between "Clare" and "Mancy" and a visit from Remington's late father. Instagram: @marygriseyWebsite: https://thewovenchannel.com/Mentorship Course: "The Architecture of Remembering" 

Les 13 et 14 janvier à la salle du Lignon assistez à la première de « All I Need »la nouvelle création de la Beaver Dam Company Concert au Victoria Hall ce dimanche 16 janvier avec l'Ensemble Contrechamps et l'Orchestre de la HEM pour « Les Espaces acoustiques » de Gérard Grisey.  

This week on Spiritual Spiral, Sam is joined by Spirit Medium, Psychic, Channeler and Artist Mary Grisey! If you are looking for a very existential episode, this one will definitely fill your cup. The women discuss: Remembering past lives through creating art. How Mary's grandmother helped her develop her gifts after she had passed and was in the spirit world. How a medium connects to a loved one that has passed and why it can be more difficult. Having past lives on other planets as other beings. Starseeds. Getting comfortable with what is uncomfortable. The effects the pandemic is having on children. Connecting to your spirit guides. Having vertigo and feeling out of your body. What the Council of 12 is and how they help Mary in her work and life. And much more! Please send us a message and let us know what you thought of this episode. And of course, please RATE, REVIEW SUBSCRIBE! Love and Light :) Mary Grisey Instagram: https://www.instagram.com/marygrisey/ Mary Grisey Website: https://thewovenchannel.com Spiritual Spiral Instagram: https://www.instagram.com/spiritualspiralshow/

durée : 01:53:24 - Musique matin du jeudi 07 octobre 2021 - par : Jean-Baptiste Urbain - Dans son nouveau livre "Du piano aux étoiles" paru chez Le Passeur, l'astrophysicien Jean-Pierre Luminet évoque avec passion et enthousiasme ses premiers émois musicaux, ses compositeurs préférés de Franz Liszt à Gérard Grisey, ses plus beaux souvenirs de concerts, son amour pour le jazz... - réalisé par : Taïssia Froidure

The way Spirit moves through our lives and work is nothing short of miraculous. In today's episode multidimensional channeler, psychic and spiritual medium, and visual artist Mary Grisey shares with us her experiences with Spirit, as an artist, as we all a professional medium and teacher of psychic development and mediumship.Mary offers powerful insights and advice for folx who experience messages from Spirit or who would like to dive deeper into this work. She also speaks openly about her art and process, and how her spiritual work informs her art. In this episode we talk about experiences with connecting to Spirit and Loved Ones, getting out of the head and into the feeling state of receiving, spiritual awakenings, and sound and the frequency of Spirit. About the GuestMary Grisey is a Multidimensional Channeler, Psychic & Spiritual Medium and Visual Artist based out of Los Angeles, California. She has been connected to the unseen world ever since she can remember and works closely with her Spirit Guides, Ruth and the Council of 12. During her sessions, Mary channels her client's ancestors, Spirit Guides, loved ones and higher selves to help in the soul remembering process. She taps into any soul agreements, contracts and timelines. Her psychic approach is heart-centered, therapeutic and always in the highest good of the client. Her fine art background provides a unique approach to her readings and teachings as they tend to foster creativity, inventiveness and imagination.To connect more with Mary's psychic development and mediumship classes, and her artwork, visitMary's website: https://thewovenchannel.com/Mary's instagram handle: @marygrisey Mentioned in this episode+ Patreon Link to join the Mycelium Conversation 9/26, Topic: When Spirit Calls+ Newsletter Link for Upcoming Info on Ecstatic Fire: a sound ritual for unleashing creative energy+ SoundArtMagic Youtube Channel for Zaneta's Art Witch Vlog series starting 10/12 About the HostZaneta (they/them) is a queer, multi Brooklyn-based sound ritualist, listening educator, nature recordist, creativity activist, tarot reader, and podcast host. At the core of their work is a deep desire to remember how to live in interconnectedness.  Whether that is through meditation and connecting with the self, or in community rituals to connect to the land, Zaneta weaves sound and ritual to create experiences that transform the way participants hear and connect to the world.  In the spirit of an interconnected world, Zaneta focuses on supporting folx to make their art and express themselves fully, knowing that interconnection and interdependence are rooted in our individual wholeness and that our authentic creative expression is at the heart of that wholeness.  It's towards this collective vision that Zaneta offers channeled tarot readings for creative liberation, and offers readings to support artists in navigating their careers and projects. To learn more about Zaneta's work, visit www.soundartmagic.comOr follow them on IG @soundartmagic About the PodcastArt Witch is where creativity, magic, and healing align for personal and collective liberation.  Hosted by Brooklyn-based sound ritualist, arts educator, and tarot reader Zaneta, Art Witch aims to provide resources for the creative journey. In this podcast you'll hear from a variety of artists, witches, healers, and experts sharing their wisdom and stories, all with the intention of helping folx make art and share their unique magic with the world.Art Witch has a Patreon community where members meet regularly for group meditations, full moon rituals, and community conversations on art and magic. In addition, we have a full library of meditations and videos for the creative mystical journey. To support this podcast and become a member, visit www.patreon.com/soundartmagic@artwitchpodcast

Chaque vision est singulière, porteuse de sens et de changement. Le but de ce format est de rassembler de nombreux artistes et que chacun nous délivre sa vision et son expérience de la photographie.  Fusionnel, c'est le mot pour qualifier le duo Édouard Taufenbach et Bastien Pourtout. Les deux artistes visuels travaillent en étroite collaboration depuis 2018 et créent depuis des projets dont la construction et l'agencement se réalisent par le biais de jeux, de répétitions, d'accumulations, tout en suivant certains protocoles bien précis. Après Elsa & Johanna, nous sommes donc très ravis, pour ce 18ème podcast sous un format Vision, d'accueillir à nouveau des artistes travaillant en tandem.       En 2020, Edouard Taufenbach et Bastien Pourtout sont lauréats, avec le compositeur Régis Campo, du Prix Swiss Life à 4 mains pour le projet Le Bleu du ciel. En plein confinement, le duo de photographes a la chance de partir en résidence à la Villa Médicis, à Rome, pour capter le vol des hirondelles. Une expérimentation commune qui se déploiera aussi au croisement des médiums photographique et musical, avec Régis Campo, pour qui les notes se transforment en oiseaux. Ce projet est ensuite exposé au Musée La Piscine de Roubaix, au salon photographique Approche de Paris, dans diverses galeries dont la galerie parisienne Thierry Bigaignon et la galerie La Belle Étoile lors des Rencontres d'Arles, puis à Arrêt sur l'image galerie, à Bordeaux. Fruit de leur riche collaboration, un livre a été publié aux éditions Filigranes, dans lequel les photographies sont présentées sous la forme d'un leporello (un livre accordéon) et peuvent être regardées en écoutant la musique aérienne de Régis Campo.      Le Bleu du Ciel est une série autour du mouvement des hirondelles et des couleurs du ciel et est l'histoire d'un voyage. Il part d'un souvenir d'enfance, de la musique de ces oiseaux dans le ciel et de leur rassemblement sur les fils électriques avant leur grand départ pour l'Afrique, annonçant la fin de l'été.      Dans ce podcast, dont l'habillage sonore est signé en grande partie par Régis Campo, que nous remercions grandement, le duo de photographes nous parle notamment de leurs nombreuses références, de leur vision du travail collaboratif, de leur rapport aux spectateurs et du lien étroit entre leur pratique et la musique. Nous espérons que ce podcast vous plaira. Bonne écoute !   Essayez gratuitement Lightroom pendant 7 jours :  http://urlr.me/hDVGZ  Nous soutenir  https://visionspodcast.fr/nous-soutenir/  Pour aller plus loin  L'empire des lumières de René Magritte, Citizen Kane d'Orson Welles, Michel Journiac, ORLAN, Pierre Molinier , Georges Perec, Éric Rohmer, Arnaud Desplechin, Régis Campo, Olivier Messiaen et les oiseaux, Gérard Grisey, Pierre et Gilles, Gilbert et George, Gina Pane. Musiques de Régis Campo utilisées pendant le podcast   Régis Campo - Become A Bird Régis Campo - Rondini, addio al maestro (dedicated to Ennio Morricone) Régis Campo - Àst (a pop song dedicated to Björk Régis Campo - The Light  Liens  https://www.instagram.com/edouardtaufenbach/  https://www.instagram.com/bastienpourtout/  https://taufenbachpourtout.com/  https://www.instagram.com/podcastvisions/   https://www.visionspodcast.fr/  

Ansambel Court Circuit on silma paistnud oma "prantsuse kõla" poolest. Kontserdil Alfortvilles, La Muse en Circuit keskuses on ettekandel Gérard Grisey, Tansy Daviese ja György Ligeti kammermuusika.

durée : 00:25:07 - Marc-André Dalbavie, compositeur (3/5) - par : Laurent Vilarem - Troisième volet de nos entretiens avec le compositeur Marc-André Dalbavie. En 1981, il compose l'une de ses premières pièces, "Les Paradis mécaniques", très influencée par le mouvement spectral et par les compositeurs Gérard Grisey et Tristan Murail. - réalisé par : Lionel Quantin

Mary Grisey is a multidimensional channeler, psychic & spiritual medium, teacher, and visual artist based out of Los Angeles, California. She has been connected to the unseen world ever since she can remember and works closely with her Spirit Guides, Ruth and the Council of 12. Her fine art background provides a unique approach to her readings and teachings as they tend to foster creativity, inventiveness, and imagination.   In this episode, we dive deep into Mary's method of integrating art and spirituality - or, rather, of seeing them as two sides of a similar coin. We also talk about the differences between mediumship and channeling and how you can begin developing your own intuitive abilities. Mary shares about her world-class mentorship and course, The Architecture of Remembering. To connect with Mary, visit www.thewovenchannel.com or www.marygrisey.com. Mary is also on Instagram at www.instagram.com/marygrisey To connect with me (Josephine), head over to www.josephinehardman.com or www.instagram.com/healer.josephine Thank you for being here, and please keep doing your inner work! Music & editing by G. Demers Inner Work 2021 All Rights Reserved.

Ansambel Court Circuit on silma paistnud oma "prantsuse kõla" poolest. Kontserdil Alfortvilles, La Muse en Circuit keskuses on ettekandel Gérard Grisey, Tansy Daviese ja György Ligeti kammermuusika.

Il 30 aprile 2010 Les espaces acoustique di Gerard Grisey viene eseguito nella versione integrale per la prima volta a Los Angeles. Giacomo Fronzi lo racconta a Wikimusic.

Devin speaks with John Clay Allen about musicians and composers who were pioneers in bridging electronic and acoustic sounds, especially around the symphony orchestra.  John Clay Allen is a composer, pianist, educator & explorer on the fringes where classical music meets electronic music. Originally from Ruidoso, New Mexico, his music is a synthesis of post-minimalist and spectralist styles, with an underlying predilection for the romantic. His music values the timbral and textural over the traditional note unit, and uses electronics to extend the realm of acoustic possibility. His body of work ranges from pieces for soloist and chamber ensembles to full orchestra, wind symphony, and opera, and his debut album Asnières (silent “s”) was released in 2020.  Clay’s compositions have been performed across the United States and internationally at festivals including SEAMUS, CICTeM in Buenos Aires, the Cortona Sessions in Italy, and the New York City Electroacoustic Music Festival. Recent commissions include works for the Boulder Symphony, Pendulum New Music’s Spark Award, sAge Brass, the Boulder Altitude Directive, and Ajax string quartet. Clay has been a fellow at New Music on the Point and the Charlotte New Music.  As a performer, Clay frequently appears as a conductor and collaborative pianist, and has performed across the United States. Passionate about education and outreach, Clay has taught lessons and classes in composition, piano, and music technology for nearly a decade and is a founding member of the Equinox New Music Collective, a nonprofit organization dedicated to bringing new music to new audiences. Clay holds degrees from West Texas A&M University, University of North Texas, and the University of Colorado Boulder where he received his doctorate in composition. Clay currently divides his time teaching at Metropolitan State University of Denver and the University of Colorado Boulder.  Thank you for joining us on One Symphony and thanks to John Clay Allen for sharing his music, knowledge, & expertise. Thank you to all the incredible performers and record labels that made this episode possible. Tchaikovsky’s 4th symphony was performed by the Oslo Philharmonic and Mariss Jansons. Respighi’s Pines of Rome was played by the Berlin Philharmonic conducted by Herbert Van Karajan. John Adams Transmigration of Souls was performed by the NY Philharmonic and Lorin Maazel on Nonesuch Records. Au Deuxième Etage by Elainie Lillios is from the album Miniatures Concrètes from the Empreintes Digitales label. Pamela Z’s Ethel Dreams of Temporal Distubances is performed by Ethel, Vijay Iyer & Pamela Z from the album Light Cantaloupe Music. Gérard Grisey’s Partiels from Les espaces acoustiques is played by the WDR Sinfonieorchester Köln, conducted by Stefan Asbury on Kairos Records. Warehouse Medicine from the B-Sides by Mason Bates is performed by San Francisco Symphony and Michael Tilson Thomas. The reminder of the tracks come from John Clay Allen’s Asnières, which you can find on all platforms, wherever you listen. You can check out John Clay Allen online at JohnClayAllen.com. You can always find more info at OneSymphony.org including a virtual tip jar if you’d like to support the show. Please feel free to rate, review, or share the show! Until next time, thank you for being part of the music!

durée : 01:00:09 - Carte Blanche au chef d'orchestre Léo Margue - Chef assistant de l'Ensemble Intercontemporain, le jeune chef d'orchestre Léo Margue a un intérêt tout particulier pour la musique des compositeurs de sa génération. Amateur d'art contemporain sous toutes ses formes, il programme ce soir Radigue, Grisey mais aussi Michelle Agnès ou Bastien David. - réalisé par : Claire Lagarde

“Le Bleu du ciel”Edouard Taufenbach (photographe) etRégis Campo (compositeur)Lauréats 2020 du Prix Swiss Life à 4 mainsà la Galerie Thierry Bigaignon, Parisdu 2 au 16 février 2021Galerie Thierry BigaignonFondation Swiss LifeEdouard TaufenbachRégis CampoPODCAST – Interview de Edouard Taufenbach, photographe plasticien, et de Régis Campo, auteur compositeur,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 2 février 2021, durée 16'38, © FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :Un an après avoir été consacrés par le Prix Swiss Life à 4 mains, Edouard Taufenbach (photographe) et Régis Campo (compositeur) présentent leur oeuvre originale commune Le Bleu du ciel à l'occasion d'une exposition inédite à la Galerie Thierry Bigaignon à Paris, du 2 au 16 février 2021.Accompagnés par la Fondation Swiss Life et ses conseillers artistiques (Emilia Genuardi et Elsa Janssen pour la photographie ; Olivier Bouley pour la musique), Edouard Taufenbach et Régis Campo ont pu travailler sur leur création originale en 2020 pour produire une oeuvre riche et variée. Edouard Taufenbach a produit une série de plus de 50 compositions photographiques, où chaque image joue avec le vol des hirondelles et les couleurs du ciel. Régis Campo à quant à lui composé 5 morceaux d'une musique qui voltige dans les airs. D'une case à l'autre, d'une mesure à l'autre, d'une hirondelle à l'autre, Le Bleu du ciel dessine des espaces de liberté, construisant un sentiment de mouvement, de vitesse, de ruptures de lignes, si caractéristiques du vol des hirondelles. Sans jamais s'illustrer l'une l'autre, l'image et la musique se pourchassent, se dépassent successivement. Un exercice de voltige où la répétition de rythmes et de motifs s'appuyant sur la composition de la musique itérative dialoguera avec la répétition d'images organisées.« Cette année 2020, si particulière, nous a demandé de nous adapter. Contrairement aux trois précédentes éditions du Prix Swiss Life à 4 mains, le livre-CD a été dévoilé en premier, dès le mois d'octobre. Nous nous réjouissons des retours très positifs sur celui-ci. Nous sommes aujourd'hui très heureux de pouvoir montrer l'oeuvre au plus grand nombre à la Galerie Thierry Bigaignon. Rien ne remplace l'émotion ressentie quand on se retrouve face aux tirages d'Edouard Taufenbach et immergé dans la musique de Régis Campo. C'est une oeuvre poétique qui nous parle de liberté et d'envol, et pouvoir exposer, surtout en cette période, est pour nous un symbole très fort. », souligne Nathalie Martin, déléguée générale de la Fondation Swiss Life.Les hirondelles du Bleu du ciel ont ainsi pris leur envol dans un livre-CD paru aux Editions Filigranes en octobre. Les deux expositions initialement prévues fin 2020 ont quant à elles dû être reportées. La Galerie Thierry Bigaignon est le premier lieu d'exposition du parcours itinérant de l'oeuvre photographie et musique qui devrait nous conduire également à Roubaix, Arles et Bordeaux, tout au long de l'année 2021. Chaque lieu d'exposition présentera des pièces et une scénographie uniques : la Galerie Thierry Bigaignon proposera une sélection de 17 tirages d'Edouard Taufenbach, accompagnée de la musique de Régis Campo.Extrait musical Rondini, addio al maestro (in memoriam Ennio Morricone), musique composée, arrangée et orchestrée par Régis Campo : – https://www.youtube.com/watch?v=74E1HRYkSgo&ab_channel=R%C3%A9gisCampo– https://www.filigranes.com/qrcode/le-bleu-du-ciel/– https://youtube.com/playlist?list=PLXEnngExAS3tZmZv2nR0GorHLItOb0R8pLe livre-CD L'ouvrage sous forme de leporello est paru aux éditions Filigraneshttps://www.filigranes.com/livre/le-bleu-du-ciel/BiographiesEdouard Taufenbach, photographe Edouard Taufenbach est né en 1988. Diplômé d'un master II arts et médias numériques de Paris 1 – Panthéon Sorbonne, il a déjà de nombreuses expositions personnelles à son actif. Il reçoit le Prix Coup de Coeur du Festival Ici & Demain en 2014 et est accepté en résidence à la Villa Médicis en 2019. Il est représenté par la galerie Binôme à Paris, la Elizabeth Houston Gallery à New York, Spazio Nuovo à Rome, et l'Almanaque Fotográfica à Mexico City. Edouard poursuit un travail formel à partir de photographies. Il retravaille des photographies déjà existantes à la manière d'un monteur. Par l'accumulation, le cadrage, la juxtaposition et la répétition, il cherche à déployer le potentiel formel et fictionnel des images. L'obsession restant liée à l'activation du souvenir, à la réminiscence et à la sensation de mouvement. Bastien Pourtout a rejoint l'atelier d'Edouard Taufenbach il y a deux ans. Travaillant pour lui, il l'a assisté dans la réalisation des derniers travaux de « Spéculaire » (2018-2019), dans la création de « La Méthode » (2020) et dans l'invention de « Le Bleu du Ciel » (2020). Depuis 2020, ils sont devenus un duo d'artistes.Régis Campo, compositeur Né en 1968, Régis Campo étudie la composition auprès de Georges Boeuf au Conservatoire de Marseille. Il poursuit dans la classe de composition et de civilisations musicales de Jacques Charpentier au Conservatoire national de région de Paris. Il entre ensuite au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris dans les classes d'Alain Bancquart et de Gérard Grisey où il obtient son premier prix de composition en 1995. Dès 1992, il rencontre le compositeur russe Edison Denisov qui le considère alors comme « l'un des plus doués de sa génération ». De 1999 à 2001, il est pensionnaire à la Villa Médicis. Depuis 2003, sa classe de composition au Conservatoire de Marseille est un lieu de partage et d'ouverture à diverses esthétiques musicales. Son style, souvent qualifié de ludique et de coloré, met l'accent sur l'invention mélodique, l'humour, la joie et sur une grande vitalité des tempos. Il est élu à l'Académie des beaux-arts, le 17 mai 2017, dans la section Composition musicale, au fauteuil précédemment occupé par Charles Chaynes. Régis a reçu en 2020 le Grand Prix Sacem pour l'ensemble de sa carrière. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Music Of Ran - Sun Ark) 00:03:20 Gérard Grisey - Vortex Temporum I 00:05:04 Dj Stretch - Do Or Die (Reinforced Records) 00:07:19 Casse Gueule - Outre (Duncan Break An Horizon Remix) 00:09:40 Pengo - Circular Firing Squad (Nashazphone) 00:13:13 Fricara Pacchu - Waydom (Lal Lal Lal) 00:15:37 Uton - ( From StraightEdgeXXS - Dekorder025) 00:17:31 Comeback Ranch - Bellows 00:19:30 Fluxion - Bilateral Motion (Chain Reaction) 00:22:35 Pan American - For A Running Dog 00:25:10 B12 - Interim 00:28:43 Vulcanizadora - Unreleased 00:30:50 The Skaters -Physicalities Of The Sensibilities Of Ingrediental Stairways (Eclipse Records) 00:34:15 François Bayle - Le Langage Des Fleurs Métaphore 2 00:36:10 Moniek Darge - Solstice Ample 00:37:25 Ital Tek - Violet 00:38:51 Mika Vainio & Stephen O’Malley - Toward All Thresholds (Mego) 00:43:29 Karlheinz Stockhausen - Mikrophonie 00:45:19 Dasein - Cygnis X-1 (Hylé Tapes) 00:47:44 Duncan - Barrage (Afterhours Eden Prostitute) 00:51:08 Saint Titus - Chinoise Noire 00:53:49 The Coalition - Alien Sanctuary (Hardleaders) 00:57:20 Af Ursin - Reverie En Mineur (La Scie Dorée)    

durée : 00:26:54 - Kaija Saariaho, compositrice (3/5) : De l'Allemagne à la France - par : Corinne Schneider - Kaija Saariaho quitte la Finlande en 1980 pour travailler en Allemagne où elle suit les cours de Darmstadt tout en continuant de se former auprès de Klaus Huber et Brian Ferneyhough. C’est au contact de la musique de Tristan Murail et de Gérard Grisey qu’elle décide de s’installer en 1982 à Paris. - réalisé par : Gilles Blanchard

durée : 01:57:29 - En pistes ! du lundi 08 juin 2020 - par : Emilie Munera, Rodolphe Bruneau Boulmier - Au menu du jour également : les oeuvres romaines de Kapsberger par le théorbiste Fred Jacobs; la soprano Barbara Hannigan dans une oeuvre qui lui est chère, les "Quatre Chants pour franchir le seuil" de Gérard Grisey; premier album solo pour le jeune pianiste Théo Fouchenneret... - réalisé par : Davy Travailleur

La pandemia está afectando a todo el planeta. Pero, de momento, solamente a este planeta. En el quinto capítulo de la serie de programas titulada “A la escucha del virus”, ampliamos todavía más nuestra perspectiva sobre la extraña, triste y dolorosa situación que afecta —en una u otra medida— a toda la humanidad, y que está modificando tantos aspectos de las sociedades contemporáneas. Dentro de la progresiva ampliación de nuestro punto de escucha (que ya ha pasado, sucesivamente, por las escalas propias del virus, de las casas, de las ciudades y del planeta), alcanzamos en este programa una dimensión cósmica (o, al menos, galáctica), que quizá pueda ayudarnos —como en todos los casos anteriores— no, desde luego, a restar importancia a las terribles desgracias causadas por la pandemia, sino a suscitar nuevas formas de escuchar, pensar, comprender o imaginar el virus y sus efectos. “Le Noir de L’Étoile” (1989-1990), una composición para seis percusionistas (dispuestos alrededor del público), cinta magnética y transmisión de señales astronómicas, firmada por compositor francés Gérard Grisey (1946-1998), puede ayudarnos a ello. En sus compases el adalid de la música espectral —cuyos planteamientos generales también recordamos en el programa— recrea musicalmente las intensas radiaciones electromagnéticas (emitidas a intervalos regulares y cortos) que generan las estrellas de gran densidad y enorme velocidad de giro que los astrónomos denominan púlsares. Los sonidos espectrales de “Le Noir de L’Étoile” orbitarán, momentáneamente, junto a los de “Nebulous Dawn” (1972), obra del grupo Tangerine Dream perteneciente a su tercer disco, “Zeit”, paradigmático de la denominada “Kosmische Musik” o “música cósmica”. En la segunda parte del programa, esos impulsos estelares —comparables, en alguna medida, a los sucesivos hitos que la proliferación contagiosa del virus imprime periódicamente en las curvas que representan gráficamente la evolución de la enfermedad— encuentran otra manifestación electroacústica en “Cosmic Pulses” (2007), una obra de Karlheinz Stockhausen que presentamos en su integridad. Invitamos así a los oyentes a contemplar con sus oídos, desde la más lejana perspectiva imaginable, nuestra anómala situación actual. Escuchar audio

Colin Hinton is an active member of Brooklyn’s creative music community. A drummer, percussionist, and composer, his music draws from the jazz and free music traditions of Henry Threadgill, Anthony Braxton, and Muhal Richard Abrams, as well as 20th century classical composers Messiaen, Scriabin, Feldman, and Grisey. He has performed in the US, Canada, Central and South America, and Asia, and has had his compositions performed in the US, Italy, and Canada. An active educator in the NYC area, Colin has taught at the City College of New York, numerous music academies, and runs a private teaching studio. He has given clinics at the City College of New York and the University of Toronto. Hinton studied drums with Ed Soph, Tyshawn Sorey, Dan Weiss, Ralph Peterson, and Ari Hoenig, and composition with Ingrid Laubrock, Tyshawn Sorey, and Eric Wubbels. He studied at the University of North Texas and City College of New York, completing a BFA in Jazz Performance and an MA in Music Performance with a focus in 20th century theory. Colin has performed with Ingrid Laubrock, Todd Neufeld, Tony Malaby, Brandon Seabrook, Michael Formanek, Lotte Anker, Jon Irabagon, Okkyung Lee, Eivind Opsvik, Tyshawn Sorey, Brandon Lopez, Jacob Sacks, Briggan Krauss, Miles Okazaki, Michaël Attias, Jesse Zubot, and Anna Webber. He performed on Jake Hanlon’s 2012 CD release “Follow” which was nominated for ECMA Jazz Recording of the Year. He has performed at notable NYC venues such as The Jazz Gallery, The Stone, Bar Next Door, Rockwood Music Hall, and Cornelia Street Café. Hinton currently leads contemporary classical/avant-jazz quintet Simulacra (Anna Webber, Yuma Uesaka, Edward Gavitt, Shawn Lovato, Colin Hinton), free-jazz/post-punk hybrid Glassbath (Peyton Pleninger, Edward Gavitt, Eva Lawitts, Colin Hinton), Aphelion (Tony Malaby, Todd Neufeld, Eivind Opsvik, Colin Hinton), and a piano trio featuring Santiago Leibson and Eivind Opsvik. Colin also co-leads Ocelot – a collaborative trio featuring Yuma Uesaka and Cat Toren whose debut recording will be released in fall 2020. Hinton is also the founder and co-curator of Off-Brand Music Series – a monthly music series hosted at Branded Saloon in Brooklyn that celebrates the avant-garde and experimental music scene. Off-Brand Music Series has been running monthly since January of 2018. For more information visit https://www.colinhinton.com/

Released today by Alpha Classics, 'La Passione' combines Luigi Nono's Djamila Boupacha for solo soprano, Haydn's Symphony No 49 (sometimes called La Passione) and Gérard Grisey's Quatre chants pour franchir le seuil. Ludwig Orchestra is conducted by Barbara Hannigan who also sings in the two modern works. James Jolly spoke to Hannigan, down the line, to find out about how she put the album together.  

El protagonista de esta edición de Ars Sonora es el compositor francés Tristan Mural, nacido en Le Havre en 1947. Conocido especialmente por su vinculación con la llamada "escuela espectral" (formada también por autores como Gérard Grisey, Hughes Dufourt o Philippe Hurel, entre otros), la formación de Murail se complementó con estudios universitarios en ciencias económicas, así como en árabe clásico y magrebí. En 1967 accedió al Conservatorio Nacional de París y cursó allí estudios -contando con Olivier Messiaen entre sus profesores- hasta 1972. En 1971 fue seleccionado para el "Prix de Rome" y pensionado en la Villa Médicis de Roma, donde conoció a Giacinto Scelsi. En 1973 también colaboró en la fundación del Ensemble l'Itinéraire. Más tarde ha sido responsable de los estudios de informática musical en el Conservatorio Nacional de París y en el IRCAM, donde cooperó para el desarrollo del software musical "Patchwork". Su actividad docente le ja conducido, en los últimos años, a la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, al Mozarteum de Salzburgo, así como a otras instituciones educativas en Asia. Las obras de Murail que presentamos en esta edición de Ars Sonora revelan algunas de las hipótesis estéticas en las cuales se basa el espectralismo, que propone una aproximación al sonido a partir del análisis (mediante aplicaciones informáticas) de su espectro armónico. Éste se compone de diferentes parciales que, dependiendo de su relación físico-acústica con la frecuencia fundamental de cada sonido, pueden ser armónicos o inarmónicos. Las técnicas de composición espectrales a menudo trasladan a una escala macro-temporal (propia de obras musicales enteras, o de pasajes de éstas) ciertos fenómenos físicos que ordinariamente acontecen en décimas o centésimas de segundo (el despliegue de los parciales que se produce cuando nace un sonido, la modulación entre los timbres de dos instrumentos que suenan simultáneamente, etc.). Sus modelos estéticos, pues, proceden de la naturaleza —comprendida a través de la física acústica— y recrean los procesos graduales mediante los que ésta opera, lo que se opone radicalmente a los planteamientos matemáticamente abstractos del serialismo integral practicado por los compositores de la generación anterior. Tras un breve fragmento de la obra orquestal "Gondwana" (1980), cuyo inicio nos presenta olas de sonidos que nos sirven para introducirnos en la música de Murail, escuchamos íntegramente "Serendib" (1992), una obra para un gran ensemble de veintidós músicos (incluyendo dos sintetizadores), que retoma ese característico recursos de las olas sonoras -así como sonoridades acampanadas, también frecuentes en el contexto espectral- en una exploración poética del concepto de "serendipia", es decir, el hallazgo valioso que se produce de manera accidental o casual (un término adaptado del inglés "serendipity", que a su vez procede de "Serendip" -actualmente Sri Lanka-, por alusión a la fábula oriental "Los tres príncipes de Serendip"). El Ensemble Intercontemporain, bajo la dirección de David Robertson, interpreta la versión de la obra que presentamos. Murail también es autor del ciclo "Random Access Memory", una serie de obras para instrumentos solistas. La sexta pieza de este conjunto, "Vampyr!", destaca por haber sido compuesta para guitarra eléctrica. "Vampyr!" es una de las pocas obras del catálogo del compositor que no usa -al menos directamente- las técnicas espectrales. En la partitura, Murail recomienda al intérprete tocar al modo de los guitarristas de la tradición rock, como Carlos Santana o Eric Clapton. Nosotros escuchamos la versión del guitarrista Wiek Hijmans. Concluimos con "Désintégrations", una ambiciosa composición resultante de un encargo del IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique) en 1982, para conjunto instrumental y sonidos de síntesis. Murail analizó, a través de los dispositivos electrónicos disponibles en el centro de investigación parisino, los sonidos acústicos que se deforman -se desintegran, como apunta el título- y se entremezclan con los timbres recogidos en el soporte magnético. La interpretación del Ensemble l'Itinéraire, dirigido por Yves Prin, nos sirve para finalizar esta exploración de la poética espectralista en la obra de Tristan Murail. Escuchar audio

French composer Franck Bedrossian speaks with Samuel Andreyev about his work, which is often associated with saturation music. He talks about his brief studies under Gérard Grisey, interrupted tragically by the latter's untimely death in 1998; as well as the formation of his radical aesthetic, the importance of electronics to his work, the influence of popular music, and the general situation of contemporary aesthetics today.See the video here:https://www.youtube.com/watch?v=OJSNb0xXb2w**SUPPORT THIS PODCASTPatreonDonorboxLINKSYouTube channelOfficial WebsiteTwitterInstagramEdition Impronta, publisher of Samuel Andreyev's scoresEPISODE CREDITSSpoken introduction: Maya RasmussenPodcast artwork photograph © 2019 Philippe StirnweissSupport the show (http://www.patreon.com/samuelandreyev)

Stephan Ajuvo (@ajuvo) vom damals(tm) Podcast, Damon Lee von der Hochschule für Musik und Sebastian Ritterbusch trafen sich zu Gulasch-Programmiernacht 2019 des CCC-Erfakreises Entropia e.V., die wieder im ZKM und der HfG Karlsruhe stattfand. Es geht um Musik, Mathematik und wie es so dazu kam, wie es ist. Damon Lee unterrichtet seit einem Jahr an der Hochschule für Musik und befasst sich mit Musik für Film, Theater, Medien und Videospielen. Im aktuellen Semester verwendet er Unity 3D um mit räumlicher Musik und Klängen virtuelle Räume im Gaming-Umfeld umzusetzen. Auch im Forschungsprojekt Terrain wird untersucht, in wie weit räumliche Klänge eine bessere Orientierungsfähigkeit im urbanen Umfeld unterstützen können. Die Idee zu dieser Folge entstand im Nachgang zur gemeinsamen Aufnahme von Stephan und Sebastian zum Thema Rechenschieber, da die Musik, wie wir sie kennen, auch ein Rechenproblem besitzt, und man dieses an jedem Klavier wiederfinden kann. Dazu spielte Musik auch eine wichtige Rolle in der Technikgeschichte, wie beispielsweise das Theremin und das Trautonium. Die Klaviatur eines herkömmlichen Klaviers erscheint mit den weißen und schwarzen Tasten alle Töne abzubilden, die unser gewöhnliches Tonsystem mit Noten abbilden kann. Der Ursprung dieses Tonsystems entstammt aus recht einfachen physikalischen und mathematischen Eigenschaften: Wird eine Saite halbiert und im Vergleich zu zuvor in Schwingung gebracht, so verdoppelt sich die Frequenz und wir hören den einen gleichartigen höheren Ton, der im Tonsystem auch gleich benannt wird, er ist nur um eine Oktave höher. Aus einem Kammerton a' mit 440Hz ändert sich in der Tonhöhe zu a'' mit 880Hz. Neben einer Verdopplung ergibt auch eine Verdreifachung der Frequenz einen für uns Menschen angenehmen Klang. Da aber der Ton über eine Oktave höher liegt, wird dazu der wieder um eine Oktave tiefere Ton, also der Ton mit 1,5-facher Frequenz betrachtet. Dieses Tonintervall wie beispielsweise von a' mit 440Hz zu e'' mit 660Hz ist eine (reine) Quinte. Entsprechend des Quintenzirkels werden so alle 12 unterschiedlichen Halbtöne des Notensystems innerhalb einer Oktave erreicht. Nur gibt es hier ein grundsätzliches mathematisches Problem: Gemäß des Fundamentalsatzes der Arithmetik hat jede Zahl eine eindeutige Primfaktorzerlegung. Es ist also nicht möglich mit mehreren Multiplikationen mit 2 zur gleichen Zahl zu gelangen, die durch Multiplikationen mit 3 erreicht wird. Somit kann der Quintenzirkel nicht geschlossen sein, sondern ist eigentlich eine niemals endende Quintenspirale und wir müssten unendlich viele unterschiedliche Töne statt nur zwölf in einer Oktave haben. In Zahlen ist . Nach 12 reinen Quinten erreichen wir also nicht genau den ursprünglichen Ton um 7 Oktaven höher, doch der Abstand ist nicht sehr groß. Es ist grundsätzlich unmöglich ein endliches Tonsystem auf der Basis von reinen Oktaven und reinen Quinten zu erzeugen, und es wurden unterschiedliche Strategien entwickelt, mit diesem Problem zurecht zu kommen. Wird das Problem ignoriert und nur die letzte Quinte verkleinert, damit sie auf den ursprünglichen Ton um sieben Oktaven höher trifft, so entsteht eine schlimm klingende Wolfsquinte. Auch im Cello-Bau können durch Wahl der Verhältnisse der Saiten und der Schwingungsfrequenzen des Korpus fast unspielbare Töne entstehen, diese werden Wolfston genannt. In der Musik wird die erforderliche Korrektur von Intervallen auch Komma-Anpassung genannt, die beispielsweise bei Streichinstrumenten automatisch, da hier die Töne nicht auf festen Frequenzen festgelegt sind, sondern durch die Fingerposition auf dem Griffbrett individuell gespielt wird. Bei Tasteninstrumenten müssen die Töne aber im Vorfeld vollständig in ihrer Frequenz festgelegt werden, und hier haben sich historisch verschiedene Stimmungen ergeben: Nach vielen Variationen, die immer durch die Wolfsquinte unspielbare Tonarten beinhalteten, wurde ab 1681 in der Barockzeit von Andreas Werkmeister die Wohltemperierte Stimmung eingeführt, in der zwar jede Tonart spielbar, aber jeweils individuelle Stimmungen und Charaktäre vermittelten. Diese Unterschiede sollen Johann Sebastian Bach bis 1742 zum Werk Das wohltemperierte Klavier inspiriert haben, wo er die jeweiligen Eigenheiten aller Tonarten musikalisch umsetzte. Die heute am häufigsten verwendete Gleichtstufige oder Gleichmäßige Stimmung verkleinert alle Quinten statt 1,5 auf den gleichen Faktor , so dass alle Töne auf die Frequenzen festgelegt sind. Damit sind alle Tonarten absolut gleichberechtigt gut spielbar, sie klingen aber auch alle gleich, und haben alle den gleichen kleinen Fehler. Da aber gerade bei Streichinstrumenten natürlich passendere Frequenzen gewählt werden, klingen gerade synthetisch erzeugte Streicher unrealistisch, wenn sie der exakten gleichstufigen Stimmung folgen. Während bei der Klavierstimmung die Töne durch die Spannung der Saiten eingestellt werden können, so werden metallische Orgelpfeifen mechanisch mit einem Stimmeisen in ihrer Frequenz angepasst. Die Porzellanorgel ist eine ungewöhnliche unter anderem in Meissen hergestellte Form, deren Pfeifen natürlich auch mit Luft und nicht durch Vibration, wie beim Schlaginstrument des Vibraphons klingen. György Ligeti, populär bekannt durch Filmmusiken in 2001: Odyssee im Weltraum und Eyes Wide Shut, hat sich in seinem späteren Schaffenswerk auch mit exotischeren Tonsystemen auf Basis reiner Intervalle mit Streichern befasst. Beispielsweise sollte Continuum, für Cembalo, mit Mitteltöniger Stimmung gespielt werden. Um in der herkömmlichen Notation auf der Basis von 12 Halbtönen auch feinere Tonschritte bezeichnen zu können, wurden die Zeichen Halb-Kreuz und Halb-b eingeführt, die auf die Viertelton-Musik führten. Hier stellt sich die interessante Frage, ob eine Erhöhung auf 24 Tönen pro Oktave bei reinen Intervallen sich der Fehler reduziert. Diese Frage beantwortet die Berechnung des entsprechenden Faktors aus Quinten mit dem nächsten Faktor aus Oktaven und die Berechnung des relativen Fehlers, der korrigiert werden muss. Bis 53 Quinten haben folgende Kombinationen einen Fehler von weniger als 7%: Quinten n 5 7 12 17 24 29 36 41 46 48 53 Oktaven m 3 4 7 10 14 17 21 24 27 28 31 Fehler5,1%6,8%1,4%3,8%2,8%2,5%4,2%1,1%6,6%5,6%0,2% Ein sehr primitives Tonsystem kann also mit 5 Tönen aufgestellt werden, aber offensichtlich treffen 12 Töne deutlich besser. 24 Töne ermöglichen zwar mehr Tonvielfalt, verbessern aber den Fehler nicht. Erst ein Tonsystem mit 29 Tönen würde bei gleichstufiger Stimmung einen exakteren Klang als bei 12 Tönen ermöglichen. Noch besser wäre dann nur noch ein Tonsystem mit 41 Tönen pro Oktave, eine extreme Verbesserung ergibt sich bei 51 Tönen pro Oktave bei entsprechenden Problemen beim Bau einer solchen Klaviatur. Dazu haben Tonsystemerweiterungen in Vielfachen von 12 eine höhere Kompatibilität zum herkömmlichen System, und die Nähe der besseren Tonsysteme mit 29 zu 24 und 53 zu 48 zeigt, dass die Vielfachen in der Aufführung als Näherungen zu den besseren Darstellungen betrachtet werden können. Gérard Grisey (z.B. Les espaces acoustiques) und Tristan Murail sind Vertreter der Spektralisten, die in ihren Partituren erweiterte Tonsysteme verwenden. Hier sind die Tonangaben jedoch harmonisch statt melodisch gedacht, sind also in der Aufführung entsprechend zu interpretieren. YouTube: Gérard Grisey - Vortex Temporum - Ensemble Recherche Natürlich dürfen die Töne von Instrumenten nicht nur mit ihrer Grundfrequenz betrachtet werden, sondern erst das Zusammenspiel aller Harmonischen und Obertöne in Vielfachen der Grundfrequenz machen den charakteristischen Klang eines Instruments aus. Durch eine Fourier-Analyse kann mathematisch ein solches Frequenzspektrum eines Geräusches oder eines Tons berechnet werden. Oft ist hier eine überraschende Anzahl von Obertönen zu sehen, die von Menschen nicht unabhängig vom Grundton gehört werden. In der Ottoman Musik finden sich oft für west-europäische Ohren ungewohnte Harmonien, die aus ihrer langen orientalischen Geschichte andere Formen der Komposition und Tonsysteme entwickelt haben. In der Audioelektronik wurden ab etwa 1912 Röhren für Verstärker und insbesondere in der Musik verwendet, und die exakte Bauform der Bleche und Elektroden hatte deutliche Auswirkungen auf die Übertragung und Erzeugung von Spektren und Audiowellen durch Verzerrungen. Die Hammondorgel war eine sehr beliebte elektromechanische Orgel, wo anstatt von Pfeifen rotierende Zahnräder vor elektrischen Abnehmern die Töne erzeugten. Mit Hilfe von Röhren wurde in der DDR versucht, Silbermann-Orgeln als elektronische Orgeln auf Basis des Prinzips der Hammondorgel nachzubilden. Die Klangfarben der Silbermann-Orgeln wurden hier durch elektronische Rekonstruktion der Obertöne nachempfunden. Was als angenehmer Klang empfunden wird, ist eine persönliche Sache. Jedoch ist auffällig, dass der harmonische Grundklang eines Dur-Akkords einen sehr mathematischen Hintergrund hat: Die Quinte integriert den Faktor 3, bzw. 3/2, also 1.5, die große Terz den Faktor 5, bzw. 5/4 also 1.25, und die Quarte zur nächsten Oktave mit Faktor 2 ist der Faktor 4/3. Ein Zusammenspiel von so kleinen Faktoren wird bei kleinem kleinsten gemeinsamen Vielfachen wieder periodisch und ergibt einen gleichmäßigen Klang. Das persönliche Empfinden kann physiologisch mit dem Aufbau der Hörschnecke zusammenhängen, wird aber auch stark durch Erfahrungen geprägt. Musik besteht aber nicht aus einem Klang, sondern einer zeitlichen Abfolge von Konsonanz und Dissonanz, und das gilt nicht nur für neue Veröffentlichungen alter Meister von Wolfgang Rehm. So spielt Ornette Coleman mit den Erwartungen der Hörenden bis ins Chaos. YouTube: Ornette Coleman Solo - Rare! Im Google-Doodle zu Ehren von Johann Sebastian Bach hingegen versucht aus eine Vorgabe mit einem neuronalen Netz gerade die erwartete Vervollständigung im Stil von Bach zu komponieren. Eine Regelmäßigkeit oder Überraschung in der Musik kann auch im Sinne eines Informationsgehalts interpretiert werden: Sehr regelmäßige Formen sind vorhersagbar und enthalten wenig Information, die unerwartete Wendung hingegen trägt viel Information. Die als algorithmischen Komposition bezeichneten Werkzeuge werden in vielen Programmen und Geräten angeboten, beispielsweise als automatische Begleitung. Die Ergebnisse erscheinen aber nicht sehr kreativ. Bei der Verwendung von künstlichen neuronalen Netzen für die Komposition ist es leider nicht möglich im Nachhinein zu analysieren, warum und wie bestimmte Passagen erzeugt wurden: Auch wenn sie mit existierenden Beispielen mit Backpropagation trainiert wurden, arbeiten dann als Black Box, aus der nicht direkt abstrakte Entscheidungsgrundlagen reproduziert werden können. Alles Lernen setzt voraus, dass es ein Maß für die Güte gibt, was ist demnach die Qualität einer Komposition, was unterscheidet Kreativität vom Zufall und wo stimmt dies zwischen unterschiedlichen Menschen überein? Wie an prähistorischen Instrumenten zu erkennen, ist Klangerzeugung und Musik mit der Stimmbildung eng mit der Evolution des Menschen verknüpft. Recht spät entstanden Techniken zur Kodifizierung von Tonfolgen, wie beispielsweise in der Gregorianik. Es ist anzunehmen, dass der gesellschaftliche Einfluss auf die Kompositionen ihrer Zeit sehr groß war, und es jeweils auch besondere Auswirkungen wie die Blue Notes gegeben hat. Heute wird Komposition in vielen Schritten gelehrt: Angefangen von der Musiktheorie, Erlernen von Instrumenten und Musikgeschichte wird dann in Kompositionstechniken unterschiedlicher Musikepochen eingeführt. Ausgehend von den Techniken von Josquin Desprez im 15. Jahrhundert zur Verwendung des Kontrapunkt im 16. Jahrhundert, oder wie Johann Sebastian Bach den Kontrapunkt im 18. Jahrhundert nutzte. In den Notenblättern von Ludwig van Beethoven ist zu erkennen, wie er von Joseph Haydn das Komponieren auf Basis von Kontrapunkten erlernte, und auch heute mit seinen inzwischen vom Betthoven-Haus umfangreich digitalisierte Werk die Musikforschung begeistert. Ein Lehrkanon kann sich wie Kompositionstechniken über die Zeit ändern, so wie in der Mathematik früher das Riemannsche Integral Standard war, so sehen wir inzwischen den Übergang zum mächtigeren und der Wirklichkeit näheren Integralbegriff nach Lebesgue. So wie heute häufiger der neuere Begriff zum Einsatz kommt, so ist es sinnvoll und gut, auch frühere Techniken, wie auch frühere Kompositionstechniken, zu kennen und daraus lernen zu können. Im Berufsbild einer Komponistin oder eines Komponisten ist es heute meisstens nicht so, dass der Kreativität freien Lauf gelassen wird, sondern die Arbeit erfolgt in interdisziplinärer Zusammenarbeit in einem Team. Besonders für Videospielmusik oder Filmmusik wird die Komposition auf besondere Situationen hin entwickelt und erarbeitet. Wie Kreativität, Teamwork, Künstliche Intelligenz und Programmieren zu neuen Lösungen zusammenwirken kann, war auf der Gulaschprogrammiernacht auch in der Projektion der Schlangenprogrammiernacht zu sehen, wo verschiedene Programme als Schlangen in einer virtuellen Welt miteinander lebten. Der spielerische Umgang mit Algorithmen wie bei Schere, Stein, Papier führt schnell auf Spieltheorie und Herausforderungen im Hochfrequenzhandel. Literatur und weiterführende Informationen C.-Z. A. Huang, C. Hawthorne, A. Roberts, M. Dinculescu, J. Wexler, L. Hong, J. Howcroft: The Bach Doodle: Approachable music composition with machine learning at scale, ISMIR 2019. U. Peil: Die chromatische Tonleiter - Mathematik und Physik, Jahrbuch der Braunschweigischen Wissenschaftlichen Gesellschaft, 2012. M. Schönewolf: Der Wolf in der Musik. Podcasts U. Häse, S. Ajuvo: Theremin, Folge 56 im damals(tm) Podcast, 2018. N. Ranosch, G. Thäter: Klavierstimmung, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 67, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2015. P. Modler, S. Ritterbusch: Raumklang, Folge 8 im Podcast Neues Terrain, 2019. R. Pollandt, S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Rechenschieber, Gespräch im damals(tm) und Modellansatz Podcast, Folge 184, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Finanzen damalsTM, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 97, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. S. Brill, T. Pritlove: Das Ohr, CRE: Technik, Kultur, Gesellschaft, Folge 206, 2014. C. Conradi: Der erste letzte Ton, Systemfehler Podcast, Folge 26, 12.4.2018. C. Conradi: Elektronische Orgel made in DDR, Zeitfragen, Deutschlandfunk Kultur, 12.6.2019. G. Follmer, H. Klein: WR051 Ortsgespräch, WRINT: Wer redet ist nicht tot, Folge 51, 2012. Audiospuren Tonbeispiele von D. Lee und S. Ritterbusch MuWi: C-g pythagoräischer Wolf, CC-BY-SA, 2007. Mdd4696: WolfTone, Public Domain, 2005. GPN19 Special P. Packmohr, S. Ritterbusch: Neural Networks, Data Science Phil, Episode 16, 2019. P. Packmohr, S. Ritterbusch: Propensity Score Matching, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 207, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/propensity-score-matching C. Haupt, S. Ritterbusch: Research Software Engineering, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 208, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/research-software-engineering D. Lee, S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Tonsysteme, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 216, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2019. http://modellansatz.de/tonsysteme GPN18 Special D. Gnad, S. Ritterbusch: FPGA Seitenkanäle, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 177, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/fpga-seitenkanaele B. Sieker, S. Ritterbusch: Flugunfälle, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 175, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/flugunfaelle A. Rick, S. Ritterbusch: Erdbebensicheres Bauen, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 168, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2018. http://modellansatz.de/erdbebensicheres-bauen GPN17 Special Sibyllinische Neuigkeiten: GPN17, Folge 4 im Podcast des CCC Essen, 2017. A. Rick, S. Ritterbusch: Bézier Stabwerke, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 141, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/bezier-stabwerke F. Magin, S. Ritterbusch: Automated Binary Analysis, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 137, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/binary-analyis M. Lösch, S. Ritterbusch: Smart Meter Gateway, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 135, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2017. http://modellansatz.de/smart-meter GPN16 Special A. Krause, S. Ritterbusch: Adiabatische Quantencomputer, Gespräch im Modellansatz Podcast Folge 105, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/adiabatische-quantencomputer S. Ajuvo, S. Ritterbusch: Finanzen damalsTM, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 97, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/finanzen-damalstm M. Fürst, S. Ritterbusch: Probabilistische Robotik, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 95, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/probabilistische-robotik J. Breitner, S. Ritterbusch: Incredible Proof Machine, Gespräch im Modellansatz Podcast, Folge 78, Fakultät für Mathematik, Karlsruher Institut für Technologie (KIT), 2016. http://modellansatz.de/incredible-proof-machine

durée : 01:00:10 - Régis Campo (1968-) : un compositeur ludique - par : Arnaud Merlin - Festival Les Détours de Babel à Grenoble - concert dimanche 31 mars 19 à Grenoble - https://www.musiquenouvelleenliberte.org/web/concerts_soutenus/par_compositeur/regis-campo et le festival Les Musiques à Marseille - 9-18 mai 19 - http://gmem.org/festivals/les-musiques-2019/ Après des études d'écriture et de composition auprès notamment de Georges Boeuf au conservatoire de sa ville natale, ainsi que de philosophie à la faculté de Lettres d'Aix-en-Provence, Régis Campo poursuit ses études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris avec Gérard Grisey où il obtient un Premier prix de composition en 1995. Il rencontre à Paris de grands compositeurs indépendants comme Edison Denisov ou encore Henri Dutilleux. La musique de Régis Campo est qualifiée de ludique, remplie d'humour et de couleurs. 1999, la Sacem lui décerne le Prix Hervé Dugardin et l'Académie des Beaux-Arts - Institut de France -, le Prix Pierre Cardin. 1999 à 2001, Régis Campo est pensionnaire à la Villa Médicis, Académie de France à Rome. - réalisé par : Patrick Lérisset

Spirit Medium + Textile Artist Extraordinaire, Mary Grisey and I sat down to discuss everything from what it means to be a Plutonian -- Saturnian Instrument to our upcoming Marrakech Retreat at the legendary Riad Enija before it closes in 2019 to purification, the Spirit House Collective and more. Join us in Marrakech December 12-16th for Soul Weaving: Unearthing the Path of the Priestess. http://sherenevismaya.com and check out Mary's work at: https://thewoventarot.com

durée : 01:00:09 - François Paris, compositeur - par : Arnaud Merlin - François Paris est un curieux, un chercheur, doublé d’un pédagogue demandé jusqu’en Chine. Ce créateur, fut très jeune reconnu par ses pairs, Luciano Berio en tête, alors qu’il sortait tout juste du Conservatoire où il eut pour professeurs Ivo Malec, Betsy Jolas, Gérard Grisey… - réalisé par : Adrien Roch

"How do we understand, connect with and react to traces of the metaphysical? My work is about becoming, a process that encompasses both doing and undoing; energy goes into my materials and then there is a natural or simulated process of destruction. Transformation is central to my practice: a metamorphosis that reveals the ruin and beauty of both the body and the psyche. With the intention of revealing layers and residual deterioration, I unravel, scratch, burn and peel parts of the work. I use many natural materials in my practice—particularly linen, sisal rope and dye—which exude a distinct smell and permeate the senses before the demanding visuality commands attention. This address to the olfactory helps to create an active environment rather than a static installation. My works, unlike the products of conventional fiber practices, bear traces of my hand—bits of imperfect or unfinished warp and weft—and the inexact results of hand-dyeing. Parts of the work are undone, unmade and unraveled, lending credence to their indeterminate nature. While the process of weaving, in its demanding repetition and methodical rhythm, is a contemplative endeavor typically exact in execution, the ruinous state of these works points to my interest in the limits of the physical and preoccupation with the ethereal. I am fascinated by the connection between the physical and metaphysical, and, in this vein, I take ancient mythology, metamorphosis, ruination and entropy as inspirations in my work. Like ruins, my works are remnants of what was once whole; they are inscribed with traces of their previous life, death endured and the hereafter. My works embody these remnants that prefigure thought and feeling." - Mary Grisey Topics Discussed In This Episode: Kindred spirits Her trajectory as an artist Finding her voice How a traumatic experience created a shift in the way she created art The relationship between creating artwork and meditating Breaking down mental systems Her spiritual journey Clairvoyance Her encounters with ghosts Working in the metaphysical realm How she got into tarot card reading www.artistdecoded.com

Im Oktober geben die Programmverantwortlichen der Elbphilharmonie das Zepter aus der Hand und bieten mit der Reihe „Reflektor“ erstmals einem Künstler die Gelegenheit, sich ein Wochenende lang musikalisch im Kleinen und Großen Saal auszutoben. Als Erster darf dies Bryce Dessner, der zum einen als Gitarrist der US-amerikanischen Indie-Rock-Band The National bekannt ist, sich in den vergangenen Jahren aber auch im Bereich der Filmmusik und Klassik einen Namen gemacht hat. Den Auftakt des von ihm kuratierten Programms bildet am 20. Oktober die „Dessner Symphony“, bei der Bryce Dessner mit Unterstützung der Hamburger Symphoniker, seinem Zwillingsbruder Aaron Dessner sowie den Schwestern Katia und Marielle Labèque Kompositionen von Philip Glass interpretieren wird. Wie groß die Dessner’sche musikalische Bandbreite ist, zeigt sich auch beim Blick auf die anderen Gäste und Freunde, mit denen der Komponist sein Programm bestreitet: Zu ihnen gehören die irische Singer-Songwriterin Lisa Hannigan, das Ensemble Resonanz und seine Band The National, die das Dessner-Wochenende beschließen wird. Was ihm bei der Zusammenstellung wichtig war, hat er unserer Moderatorin Jil Hesse im Vorfeld im Interview erzählt. Ebenfalls Thema dieses Elbphilharmonie Mixtapes sind The Rocket Men – ein Sextett aus Hamburg, das zusammen mit dem Visual Artist Lamaboy Jazz mit Samples, Zitaten, Projektionen und persönlichen Geschichten vermengt und so die Unendlichkeit des Universums auf die Bühne des Großen Saals bringt. Zu ihrer „Musical Journey Through Space“ brechen The Rocket Men am 16. Oktober auf. Außerdem gibt Jil Hesse einen Ausblick auf das Greatest Hits Festival, das im November zeitgenössische Musik in den Fokus rückt und in diesem Jahr gleich drei Schwerpunkte hat. Dazu gehört das Werk des ungarischen Komponisten Peter Eötvös, dessen Opern zu den meistgespielten der Moderne zählen: weniger sinnlich als Eötvös ging der Franzose Gérard Grisey in den 1970ern zu Werke, der Töne im Labor zerlegte und aus ihren Bestandteilen die kristalline „Spektralmusik“ fügte. Einen noch radikaleren Weg wählte einige Jahre zuvor Harry Partch, der gleich eigene Instrumente baute, um den beschränkten Tonvorrat der westlichen Musik zu sprengen. Das Programm des Greatest Hits Festivals wird sowohl in der Elbphilharmonie als auch auf Kampnagel zu sehen sein.

Programme de LEE FRASER pour webSYNradio : SUSPENDED MAGIC. La singularité formelle est au cœur des œuvres et enregistrements présentés dans cette sélection pour webSYNradio construite autour de purs moments de magie suspendue. Avec les sons de Jean Sebastian Bach, Raphaël Cendo, Horacio Vaggione, Francisco Guerrero, Claudio Monteverdi, Florian Hecker, Iannis Xenakis, Elsa Justel, Gérard Grisey, Bernard Parmegiani, Luca Marenzio, Helmut Lachenmann, Claude Debussy, Mathias Spahlinger.

Donnacha Dennehy is an Irish composer who thought he was going to study with spectral icon Gérard Grisey in Paris. When he showed up, however, it was apparent that Grisey had accepted him into his study under the mistaken notion that he was not, in fact, a gentleman but a lady. A bit put off by Grisey's visible disappointment with his gender, as well as the strikingly uninteresting uniformity in the style of his students work, Donnacha headed to Amsterdam, where he met Louis Andriessen, who changed his life. Donnacha's music fuses the old (sean-nós and other Irish styles) and the new (just intonation, pulse-based textures) to create something all his own. It's a music that is at once satisfying and supremely strange.

con Alessandro Solbiati

Fabien is a French composer who is currently living in Berlin. He studied composition with Gérard Grisey at the Paris Conservatoire. His works have been performed by the Ensemble Recherche, the London Sinfonietta, the Ensemble Modern of Frankfurt, and the Berlin Radio Symphony orchestra (among others). He won the 2004 Förderpreis from the Ernst von Siemens Foundation for music. He is currently Assistant Professor of Composition at Columbia University in New York (USA) and senior professor for composition at the Hochschule für Musik Detmold in Germany. You can listen to more of his music at www.fabienlevy.net.In our conversation we talk about his past life working for a bank, composers who write music at different paces, and his experience teaching and living in New York. The piece played in this interview is titled Danse Polyptote and was performed by Teodoro Anzellotti & Jean-Guihen Queyras.

This week on Relevant Tones, we'll delve into the music of Gerard Grisey and Tristan Murail, two composers who base their compositions on mathematic spectral analyses of the overtone series. Grisey and Murail's compositions originated the style of Spectral Music. Hosted by Seth Boustead Produced by Jesse McQuarters Gerard Grisey: Partiels (excerpt), WDR Sinfonieorchester of Cologne; Stefan Asbury Gerard Grisey: Talea (excerpt), Ensemble RechercheAbout Ensemble Recherche Gerard Grisey: Vortex Temporum (excerpt), Ensemble Recherche Tristan Murail: In Memoriam, Olivier Messiaen (excerpt), Marilyn Nonken, Piano Tristan Murail: Gondwana (excerpt), ORTF National Orchestra; Yves Prin Tristan Murail: Winter Fragments (excerpt), Argento Chamber Ensemble

MILES DAVIS: He Loved Him Madly GERARD GRISEY: Partiels for 16 Players JOHN ASHBERY: The Tennis Court Oath