Podcasts about keyboard magazine

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Electronic Music
Suzanne Ciani: Space, Time and Buchla

Electronic Music

Play Episode Listen Later Nov 28, 2024 44:25


Electronic music pioneer and composer Suzanne Ciani discusses her career highlights in conversation with William Stokes, including early performance struggles due to her determination to present shows in quadraphonic, a career resurgence thanks to Moogfest and why she loves working with the Buchla interface.Chapters00:00 - Introduction01:06 - The First Female To Score A Movie04:01 - Having More Than 20 Albums04:36 - Golden Apples Of The Sun07:55 - Live Performance Struggles11:57 - A Love Of Programming14:09 - Interacting With A Buchla17:14 - A New Way Of Performing Music22:32 - The Buchla 250 MARF25:36 - Making A Comeback At Moogfest29:36 - Creating Spatial Content38:40 - A Meeting Of Art And Science 41:36 - Future Plans"I didn't build the machines, I certainly didn't design them, but I could interact with them and use them, you know, and that's what I liked".#buchla #moogSuzanne Ciani BiogSuzanne is a five-time Grammy award-nominated composer, electronic music pioneer, and neo-classical recording artist who has released over 20 solo albums including "Seven Waves," and "The Velocity of Love," along with a landmark quad LP “LIVE Quadraphonic,” which restarted her Buchla modular performances. Her work has been featured in films, games, and countless commercials as well. She was inducted into the first class of Keyboard Magazine's Hall of Fame alongside other synth luminaries, including Bob Moog, Don Buchla and Dave Smith and received the Moog Innovation Award. Most recently, she is the recipient of the Independent Icon Award from A2IM, The Golden Ear Award and the SEAMUS Award.Suzanne has provided the voice and sounds for Bally's groundbreaking "Xenon" pinball machine, created Coca-Cola's pop-and-pour sound, designed logos for Fortune 500 companies and carved out a niche as one of the most creatively successful female composers in the world. A Life in Waves, a documentary about Ciani's life and work, debuted at SXSW in 2017 and is available to watch on all digital platforms. Ciani is a graduate of Wellesley College and holds a Masters in Music Composition from the University of California, Berkeley.http://sevwave.com/https://transversales.bandcamp.com/album/golden-apples-of-the-sun-3William Stokes BiogWilliam Stokes is a producer, writer and artist in three-piece avant-psych band Voka Gentle. As well as being a critic and columnist for Sound On Sound, conceiving the popular Talkback column and heading up the Modular column, he has also written on music and music technology for The Guardian, MOJO, The Financial Times, Electronic Sound and more. As an artist in Voka Gentle he has made records with producers from Gareth Jones (Depeche Mode, Grizzly Bear, Nick Cave) to Sam Petts-Davies (Radiohead, The Smile, Roger Waters), has had songs featured on franchises from FIFA Football to The Sims and has toured across the UK, Europe and the USA, playing festivals from Pitchfork Avant-Garde in Paris to SXSW in Austin, Texas. He has collaborated with artists including the Flaming Lips' Wayne Coyne, Morcheeba, Panda Bear and Sonic Boom. Alongside being a guitarist and pianist, he is a synthesis enthusiast with a particular interest in sampling and explorative sound manipulation. As a producer and engineer, he has made albums with acclaimed avant-garde musicians from composer Tullis Rennie to Mute Records artist Louis Carnell. “I'm always seeking out the most ‘out-there', experimental, risk-taking musicians I can find to work with,” he says, “to capture vibrant, detailed recordings and create three-dimensional mixes of music that might otherwise struggle to know where to begin in the studio environment.” Stokes currently lectures in Music Production at City, University of London.https://www.vokagentle.com/Catch more shows on our other podcast channels: https://www.soundonsound.com/sos-podcasts

Piano Explored
39: A Rebroadcast of an Interview with Edna Golandsky in 2022 on the Piano Explored Podcast

Piano Explored

Play Episode Listen Later Jun 15, 2024 45:18


Send us a Text Message.In 2022, I (Benjamin Harding) had a podcast entitled, Piano Explored. I had the amazing opportunity to interview Edna Golandsky. My life has forever been changed. And so - today's episode is rather personal for me. This interview changed my life and I know it will have an affect on you as you listen. Here are the show notes from that particular episode. I hope you gain a glimpse into the great work that the Golandsky Institute is doing for musicians and especially, pianists. Founded by my guest today, Edna Golandsky, the Golandsky Institute has given insight to millions into how to play the piano pain-free.Edna Golandsky is one of the premiere students of Dorothy Taubman. Visit her websites listed in the descriptions below.Edna Golandsky is a world-renowned piano pedagogue and the leading exponent of the Taubman Approach. She has earned wide acclaim throughout the United States and abroad for her pedagogical expertise, and for using the Taubman piano technique. She is also known for her extraordinary ability to solve technical problems and for her penetrating musical insight.​Ms. Golandsky started piano study in Israel at the age of eight. A gifted pianist, she played recitals at the age of ten and was performing with orchestras by the age of twelve. Ms. Golandsky came to the United States when she was sixteen years old, and was immediately accepted to the Juilliard School in their Preparatory Division.  She remained at Juilliard for the next eight years, studying with Jane Carlson, Rosina Lhevinne and Adele Marcus, and graduating with bachelor and master's degrees in piano performance.​She has been featured in The New York Times,Classical Music UK, Authority Magazine, Piano & Keyboard Magazine, The Clavier Companion, New Work Weekly, Thrive Global and has written for The Strad, Interlude, TopMusic, Piano Marvel, and The Cross-Eyed Pianist among others.The Golandsky Institute was established in 2003 by Edna Golandsky, John Bloomfield, Robert Durso and Mary Moran to bring high-level training in the Taubman Approach to the musical community. This Approach has proven to be highly effective in the resolution of technical limitations and playing-related injuries. The aim of the Institute is to provide musicians with a foundation that allows for full artistic expression and the development of virtuosic technical ability.The work of the Golandsky Institute is presented internationally through private instruction, lectures, master classes, workshops, performances and symposiums by a team of expertly trained faculty members and teachers who are all highly regarded in their own right. In addition, the Institute produces critically acclaimed learning materials, including several series of DVDs, This Summer, Edna Golandsky, renowned pedagogue and leading expert on the Taubman Approach will release her first book with Amplify Publishing Group. Entitled ‘The Taubman Approach To Piano Technique: A Comprehensive Guide To Overcome Physical Limitations and Unlock Your Full Pianistic Potential.' Visit: www.ednagolandsky.com to learn more.The Golandsky Institute's mission is to provide cutting-edge instruction to pianists based on the groundbreaking work of Dorothy Taubman. This knowledge can help them overcome technical and musical challenges, cure and prevent playing-related injuries, and lead them to achieve their highest level of artistic excellence.Please visit our website at: www.golandskyinstitute.org.

Insights In Sound
Insights In Sound 144 - Dominic Milano, Synthesist/Historian

Insights In Sound

Play Episode Listen Later Jun 1, 2024 50:48


Dominic Milano's work as Editor of Keyboard Magazine put him at the forefront of documenting a new era in synthesis and music creation. We cover his work reporting and being a part of the growth of an industry, as well as his work in digital video and the multimedia revolution.

Aerophone Academy Podcast
Expressive Synthesis with Guest Dr. Tom Rhea

Aerophone Academy Podcast

Play Episode Listen Later May 19, 2024 92:42 Transcription Available


Episode 5Embark on a sonic exploration with Dr. Tom Rhea, a luminary in the field of electronic music, as we navigate the rich tapestry of musical innovation. From his formative years mastering the flutophone to revolutionizing synthesizer manuals, Dr. Rhea's insights are a treasure trove for enthusiasts and professionals alike. His storied career, including a tenure at Berklee College of Music and contributions to Keyboard Magazine, sets the stage for a profound dialogue on the evolution of electronic instruments.This episode delves into the subtleties of sound, as Dr. Rhea delves into the complex world of formants and their pivotal role in shaping the timbre of instruments. Prepare to be captivated by the Electronic Valve Instrument's (EVI) analog warmth and versatility, and learn how formants ensure each instrument in an orchestra can sing its unique song without discord. The human voice as the ultimate formant generator is also a fascinating topic we unravel, shedding light on how this knowledge enhances both synthesis and mixing techniques.We round off with a panorama of historical and modern electronic instruments that have left indelible marks on the fabric of music. From the Ondes Martenot's emotive capabilities to the expressive potential of the Haken Continuum, we trace the lineage and influence of these groundbreaking creations. Dr. Rhea's anecdotes of innovation, marketability, and the interplay between musician ingenuity and instrument design are not only enlightening but also serve as a testament to the ever-evolving narrative of music technology. Join us for this enthralling journey through the past, present, and future of electronic soundscapes.If you'd like to send us a question for an upcoming episode, please email us at info@aerophoneacademy.comOr leave us a voice message that we can include in the podcast here.For more information about Matt, visit www.patchmanmusic.comFor great Aerophone courses, visit www.isax.academy

Improv Exchange Podcast
Episode #125: Tony Monaco

Improv Exchange Podcast

Play Episode Listen Later Jul 17, 2023 54:03


Tony Monaco began his keyboard life at age eight, on the accordion. When he was twelve, his destiny as a jazz organist was sealed when he first heard Jimmy Smith. An enthusiastic student, Tony began working in Jazz clubs as a teenager in his native Columbus, Ohio, guided by local organ gurus Hank Marr and Don Patterson. For further inspiration, he studiously absorbed the mastery of Jimmy McGriff, Richard "Groove" Holmes, Charles Earland, Jack McDuff, and Dr. Lonnie Smith. All would play a role in the development of his musical palette. On Tony's sixteenth birthday, his prayers were answered. He received an encouraging phone call from Jimmy Smith, who soon became his Mentor/Teacher. Four years later, Jimmy Smith invited Tony to play at his club in California--a peak lifetime experience for Tony. From 1980 to 2006, Tony stood by his family businesses and married to have three daughters, while running Monaco's Palace Italian restaurant for ten years while performing weekly in the lounge. Tony then entered the food brokerage industry peaking towards Torchbearer status with SYSCO Foods. Always inspired by music, Tony then went to work as an assistant Broadcast producer for a prominent ad agency learning his production skills and playing gigs at night to continue supporting his family. After graduating from college with a B.S.B.A. from Franklin University in 1989, Tony's occupation changed again to supervisor of Monaco Concrete (“my Father needed a good manager and my daughters were getting close to going to college!”). Tony now enjoys and concentrates on all his musical energies flourishing ultimately as he pursues his passions. In April 2000, Tony met fellow jazz organist Joey DeFrancesco, who offered to produce a debut CD for him. This collaboration resulted in the critically acclaimed "Burnin Grooves”. The international success of the recording served as the catalyst for regional and national tours. This success was followed by two more releases for Summit Records that received critical acclaim and significant sales, charting in the Jazzweek Top 10. In September 2003, Summit Records released "A New Generation”, a unique recording featuring both Tony's and Joey DeFrancesco's Trios. They recorded the project using two "Hammond-Suzuki New B3's" as Tony was awarded a major endorsement role with Hammond and Suzuki. As Tony's reputation has grown, he has been blessed to play with some of the greatest musicians in jazz, including Mel Lewis, Lewis Nash, Red Holloway, Plas Johnson, Sonny Fortune, Jon Faddis, Adam Nussbaum, Bruce Forman, Harvey Mason, Chester Thompson (drummer) Herlin Riley, Matt Wilson, Jeff Clayton, Terrell Stafford, Eric Alexander, Late Bobby Durham, Russell Malone, Peter Bernstein, Paul Bollenback, Bruce Forman, Kevin Mahogany, Victor Lewis, Pat Martino, Fareed Haque, and even George Benson. An ardent student of the organ, it's no surprise that Tony is an accomplished teacher as well. In addition to private students, classes and clinics, Tony has produced a series of instructional DVDs titled "Playing Jazz Hammond" that have quickly become indispensable for any serious student of the organ. Tony teaches Lessons online with a system he created giving lessons one on one online to anyone from anywhere around the globe! Presently, Tony maintains a busy schedule touring, including festival appearances, clinics, and workshops In 2007 he appeared on the cover of Keyboard Magazine. In April 2012, Tony released "Celebration Life * Love * Music, a two-disc set of all originals as he continues to Celebrate his Musical gifts and shares his skills with everyone. Tony's drive as an innovator and missionary continues to carry forward his passion for the Hammond Organ. Now Executive Producer of the Summit Records subsidiary Chicken Coup Records, he has recorded and released CDs for several undiscovered organists around the globe, and his role as an educator has allowed him to spread and cultivate many new hopefuls to the art of the jazz organ. In 2014 Tony released Furry Slippers with fellow guitarist Fareed Haque and Drummer Greg Fundis! Topping the Jazz and College charts and gaining several reviews! Tony continues his mission to raise awareness and appreciation of the jazz organ and its importance in genres as diverse as traditional Gospel, RnB, and Modern Jazz. He is formulating new strategies and record deals using his network through Chicken Coup Records to help himself and his peers and students advance in this ever-changing music market and utilize new technologies and markets. Tony is a vital source of musical experience, knowledge, and humility ready, willing, and able !!! In 2017, Tony celebrated a special anniversary, celebrating 50 years as a musician! In January 2019, Tony released his 11th Internation release "The Definition of Insanity" on his Chicken Coup Records label. He will be recording his second venture with Drummer great Steve Smith and Guitarist Vinny Valentino as Groove Blue Trio Tours Russia and Europe! Tony's looking forward to recording both new Instructional Vids as well as New Music while touring globally! In this episode, Altin shares his background, education, and musical journey.

SoundGirls Podcast
SoundGirls Living History Project: Suzanne Ciani - Interviewed by Jazmín Giolito

SoundGirls Podcast

Play Episode Listen Later Aug 2, 2022 36:28


Suzanne Ciani is a five-time Grammy award-nominated composer, electronic music pioneer, and neo-classical recording artist who has released over 20 solo albums including "Seven Waves," and "The Velocity of Love," along with a landmark quad LP “LIVE Quadraphonic,” which restarted her Buchla modular performances. Her work has been featured in films, games, and countless commercials as well. She was inducted into the first class of Keyboard Magazine's Hall of Fame alongside other synth luminaries, including Bob Moog, Don Buchla, and Dave Smith, and received the Moog Innovation Award. Most recently, she is the recipient of the Independent Icon Award from A2IM. Suzanne has provided the voice and sounds for Bally's groundbreaking "Xenon" pinball machine, created Coca-Cola's pop-and-pour sound, designed logos for Fortune 500 companies, and carved out a niche as one of the most creatively successful female composers in the world. A Life in Waves, a documentary about Ciani's life and work, debuted at SXSW in 2017 and is available to watch on all digital platforms. Ciani is a graduate of Wellesley College and holds a Masters's in Music Composition from the University of California, Berkeley. http://sevwave.com/   Jazmín Giolito is an audio professional specializing in video games and interactive experiences. Trained in Music Composition and Technologies Applied to Sound Art at the National University of Rosario (Argentina) Jazmín has been a composer for 8 years and has been completely devoted to the video game industry for 4 years. Co-founder of the Aruna Collective and Tiluchi Games studios, she has worked as a sound designer, composer, and VO director for studios in Argentina, Sweden, Lithuania, Israel, and Poland. Among her most recent projects is a collaboration with Plastic Studios. A firm believer in the importance of communities, Jazmín is the lead organizer of Women Game Jam Argentina, a member of the board of directors of Rosario GameDevs, and an active member of Women in Games Argentina. Thanks to her professional career and commitment to the community, she has received scholarships and honors from institutions such as Erasmus +, Different Games, Glitch (Power Leveling Program), Game Industry Conference, and FundAV. Executive Producers: Beckie Campbell & Susan Williams soundgirls.org  Sponsored by QSC https://www.qsc.com

Piano Explored
Edna Golandsky on the Taubman Approach, Helping Pianists, and Playing Pain-Free

Piano Explored

Play Episode Listen Later Jul 14, 2022 42:32


Welcome to the Piano Explored Podcast! I'm your host, Dr. Benjamin Harding. You can follow us on Instagram and get involved in a group discussion on Facebook. Just search for Piano Explored Podcast. You can also find my website at www.benjaminharding.net for special offers from my affiliate links. I've got special offers there for you from a variety of companies and shops that I absolutely love.  I hope you gain a glimpse into the great work that the Golandsky Institute is doing for musicians and especially, pianists. Founded by my guest today, Edna Golandsky, the Golandsky Institute has given insight to millions into how to play the piano pain-free. Edna Golandsky is one of the premiere students of Dorothy Taubman. Visit her websites listed in the descriptions below. Edna Golandsky is a world-renowned piano pedagogue and the leading exponent of the Taubman Approach. She has earned wide acclaim throughout the United States and abroad for her pedagogical expertise, and for using the Taubman piano technique. She is also known for her extraordinary ability to solve technical problems and for her penetrating musical insight.​Ms. Golandsky started piano study in Israel at the age of eight. A gifted pianist, she played recitals at the age of ten and was performing with orchestras by the age of twelve. Ms. Golandsky came to the United States when she was sixteen years old, and was immediately accepted to the Juilliard School in their Preparatory Division.  She remained at Juilliard for the next eight years, studying with Jane Carlson, Rosina Lhevinne and Adele Marcus, and graduating with bachelor and master's degrees in piano performance.​She has been featured in The New York Times,Classical Music UK, Authority Magazine, Piano & Keyboard Magazine, The Clavier Companion, New Work Weekly, Thrive Global and has written for The Strad, Interlude, TopMusic, Piano Marvel, and The Cross-Eyed Pianist among others.The Golandsky Institute was established in 2003 by Edna Golandsky, John Bloomfield, Robert Durso and Mary Moran to bring high-level training in the Taubman Approach to the musical community. This Approach has proven to be highly effective in the resolution of technical limitations and playing-related injuries. The aim of the Institute is to provide musicians with a foundation that allows for full artistic expression and the development of virtuosic technical ability.The work of the Golandsky Institute is presented internationally through private instruction, lectures, master classes, workshops, performances and symposiums by a team of expertly trained faculty members and teachers who are all highly regarded in their own right. In addition, the Institute produces critically acclaimed learning materials, including several series of DVDs, a photo-rich book, and videos of lectures, master classes, and seminars available as downloads or through the digital subscription streaming service.

Tools & Craft
Suzanne Ciani

Tools & Craft

Play Episode Listen Later Feb 17, 2022 61:08


Suzanne Ciani is a five-time Grammy award-nominated musician, composer, sound designer, and record label executive whose work helped define the sound of electronic music in the 1970s and left a lasting impression on the genre as a whole. She has released over 20 solo albums including "Seven Waves," and "The Velocity of Love," and was inducted into the first class of Keyboard Magazine's Hall of Fame. She is best known for sound designing commercials like the famous Coke noise, appearing on the David Letterman show, and for her explorations in quadraphonic sound.

The Quarantine Tapes
The Quarantine Tapes 228: Suzanne Ciani

The Quarantine Tapes

Play Episode Listen Later Jan 12, 2022 40:10


On episode 228 of The Quarantine Tapes, Paul Holdengräber is joined by Suzanne Ciani. Suzanne is an incredible pioneer in electronic music. She speaks with Paul about her long history with her instrument, the Buchla, and how her relationship with machines has developed over the course of her career.Suzanne talks to Paul about her relationship with Don Buchla, the inventor of the Buchla synthesizer. She recounts how she came up in music and advertising, telling stories from creating her iconic Coca-Cola pop-and-pour sound and giving Philip Glass Buchla lessons. They discuss Morton Subotnick, the advantages of analog over digital, and the excitement Suzanne draws from the new generation of electronic musicians on a unique and fascinating episode.Suzanne Ciani and Morton Subotnick: https://daily.redbullmusicacademy.com/2016/06/encounters-suzanne-ciani-morton-subotnickCoca-Cola pop-and-pour sound:  https://youtu.be/_5OXU-dAB2MSuzanne is a five-time Grammy award-nominated composer, electronic music pioneer, and neo-classical recording artist who has released over 20 solo albums including "Seven Waves," and "The Velocity of Love," along with a landmark quad LP “LIVE Quadraphonic,” which restarted her Buchla modular performances. Her work has been featured in films, games, and countless commercials as well.She was inducted into the first class of Keyboard Magazine's Hall of Fame alongside other synth luminaries, including Bob Moog, Don Buchla and Dave Smith and received the Moog Innovation Award. Most recently, she is the recipient of the Independent Icon Award from A2IM.Suzanne has provided the voice and sounds for Bally's groundbreaking "Xenon" pinball machine, created Coca-Cola's pop-and-pour sound, designed logos for Fortune 500 companies, and carved out a niche as one of the most creatively successful female composers in the world. A Life in Waves, a documentary about Ciani's life and work, debuted at SXSW in 2017 and is available to watch on all digital platforms.Ciani is a graduate of Wellesley College and holds a Masters in Music Composition from the University of California, Berkeley.You can find Suzanne Ciani's website at https://www.sevwave.com. Paul Holdengräber is an interviewer and curator of public curiosity. He is the Founder and Director of Onassis LA (OLA), a center for dialogue. Previously he was the Founder and Director of LIVE from the NYPL, a cultural series at the New York Public Library, where he hosted over 600 events, holding conversations with everyone from Patti Smith to Zadie Smith, Ricky Jay to Jay-Z, Errol Morris to Jan Morris, Wes Anderson to Helen Mirren, Christopher Hitchens to Mike Tyson. He is the host of "A Phone Call From Paul," a podcast for The Literary Hub.Music: Morning Spring by Suzanne Ciani.

Art + Music + Technology
Podcast 363: Jeff Rona

Art + Music + Technology

Play Episode Listen Later Aug 29, 2021 45:25


Jeff Rona has fascinated me ever since he first appeared in Keyboard Magazine with his “The Reel World” column. It was a time when music-for-film was becoming interesting for tech-savvy musicians, and his writing fueled a lot of people's interest in that work. With a background that includes working with Mark Isham and Hans Zimmer, Jeff has been in the mix for some of the greatest soundtracks in the last quarter century. In our discussion, we review his background in school (with The Dartmouth System!), programming time with Roland, playing with Jon Hassell, working with some amazing producers and then moving into film music. We also get into some of his techniques, how he likes to use particular kinds of hardware, and how he puts together the palette for a film score. We also talk about his solo work (as well as an upcoming release), and learn a bit about what he is doing in games and TV. We are also very excited about a third edition of The Reel World (the book) which he is wrapping up for upcoming release. You can learn about all of this, and more, at his website: https://jeffrona.com You can also see all of the soundtracks that he's been credited for on his IMDB page: https://www.imdb.com/name/nm0006258/. Sheesh, what a list! Enjoy! Transcription available at http://www.darwingrosse.com/AMT/transcript-0363.html Exclusive extra content on the Patron page: https://www.patreon.com/darwingrosse

Phantom Electric Ghost
PEG Interviews Composer Producer Inventor Podcaster Kevin Stratton

Phantom Electric Ghost

Play Episode Listen Later Jun 12, 2021 80:08


PEG Interviews Composer Producer Inventor Podcaster Kevin Stratton The man behind “Definitive Music” Unique abilities have given Kevin a reputation for creating a definitive sound that allows artists and productions to stand apart. His commitment for developing sound that is fresh and innovative has made him a sought-after producer and composer in today's music. This passion has driven him through four Grammy-winning albums developing the unique sounds for such artists as Chicago, Toto, Stevie Wonder, Thomas Dolby, Van Halen and many others. Recently, Kevin has written and produced music for HBO Productions, Netflix, Amazon Studios and has played on numerous tracks for Guitar Hero and Rock Revolution. Currently he is engaged with a number of national symphony orchestras for scoring and film work. His work with mobile entertainment productions and his background in 3D animation has also afforded him work as a producer with such clients as; Pixar, Electronic Arts (EA) and Disney. Kevin began his film and television work on a number of film projects with Frank Serafine of Serafine FX (Santa Monica, CA.) including the development and design for the movie soundtrack of the motion picture “Nightfall” ( based on the novel by Isaac Asimov ) and sound design on films such as “Short Circuit II” and “Star Trek IV The Voyage Home” in which he received screen and production credits.. Today, Kevin is active in numerous TV, Film and Special Media projects. Kevin is a published author for a number of trade magazines and technical writings. Including; Audio Engineering Society, Electronic Musician and Keyboard Magazine. Kevin studied sound synthesis and acoustic physics under the tutelage of Stanford University's Dr. John Chowning and others, at the University of Chicago, and was awarded a scholarship to the prestigious Berkeley School of Music in Boston. Mr. Stratton was also honored to teach music composition and sound design at the Aspen Music Festival. Kevin's work also supports Charities including The Cancer Society, The Grammy Foundation and Music Cares Foundation. Building off of his work over the past three decades, Kevin has brought his skills to fruition through artist management, successful albums, sound design, as well as music supervision and placement in TV and film. In the end…those he works with say more than anything else… https://kevinstratton.com/ Watch the Podcast on YouTube here: https://www.youtube.com/watch?v=r2pqwok3fZo Watch on Twitch https://www.twitch.tv/videos/1053468290 --- Send in a voice message: https://anchor.fm/phantom-electric/message Support this podcast: https://anchor.fm/phantom-electric/support

Josephine Electric and Phantom Electric Ghost
PEG Interviews Composer Producer Inventor Podcaster Kevin Stratton

Josephine Electric and Phantom Electric Ghost

Play Episode Listen Later Jun 12, 2021 81:18


PEG Interviews Composer Producer Inventor Podcaster Kevin Stratton The man behind “Definitive Music” Unique abilities have given Kevin a reputation for creating a definitive sound that allows artists and productions to stand apart. His commitment for developing sound that is fresh and innovative has made him a sought-after producer and composer in today's music. This passion has driven him through four Grammy-winning albums developing the unique sounds for such artists as Chicago, Toto, Stevie Wonder, Thomas Dolby, Van Halen and many others. Recently, Kevin has written and produced music for HBO Productions, Netflix, Amazon Studios and has played on numerous tracks for Guitar Hero and Rock Revolution. Currently he is engaged with a number of national symphony orchestras for scoring and film work. His work with mobile entertainment productions and his background in 3D animation has also afforded him work as a producer with such clients as; Pixar, Electronic Arts (EA) and Disney. Kevin began his film and television work on a number of film projects with Frank Serafine of Serafine FX (Santa Monica, CA.) including the development and design for the movie soundtrack of the motion picture “Nightfall” ( based on the novel by Isaac Asimov ) and sound design on films such as “Short Circuit II” and “Star Trek IV The Voyage Home” in which he received screen and production credits.. Today, Kevin is active in numerous TV, Film and Special Media projects. Kevin is a published author for a number of trade magazines and technical writings. Including; Audio Engineering Society, Electronic Musician and Keyboard Magazine. Kevin studied sound synthesis and acoustic physics under the tutelage of Stanford University's Dr. John Chowning and others, at the University of Chicago, and was awarded a scholarship to the prestigious Berkeley School of Music in Boston. Mr. Stratton was also honored to teach music composition and sound design at the Aspen Music Festival. Kevin's work also supports Charities including The Cancer Society, The Grammy Foundation and Music Cares Foundation. Building off of his work over the past three decades, Kevin has brought his skills to fruition through artist management, successful albums, sound design, as well as music supervision and placement in TV and film. In the end…those he works with say more than anything else… https://kevinstratton.com/ Watch the Podcast on YouTube here: https://www.youtube.com/watch?v=r2pqwok3fZo Watch on Twitch https://www.twitch.tv/videos/1053468290 --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app --- Send in a voice message: https://anchor.fm/josephine-electric/message Support this podcast: https://anchor.fm/josephine-electric/support

CATtales
96: The one with Dream Theater’s Jordan Rudess

CATtales

Play Episode Listen Later Apr 10, 2021 44:47


In his late teens, classically trained pianist, Jordan Rudess, turned against the counsel of his parents and went on to be one of the most respected, loved and sought-after progressive-rock keyboardist of all time.He was voted “Best New Talent” in a Keyboard Magazine poll and later “Best Keyboardist of All Time” by Music Radar Magazine. Now, he is best known as the keyboardist/multi-instrumentalist extraordinaire for platinum-selling Grammy-nominated prog rock band, Dream Theater.But Jordan is also a man with many interests, as his experimental projects with Liquid Tension Experiment and Space Jam demonstrate, he’s worked with David Bowie, amongst others, and now releases his latest solo album A Chapter In Time.

Biblioteca Del Metal
Dream Theater - (El Teatro De Los Sueños Del Berklee College Of Music - Un Largo Recorrido Por Su Historia) - Para Fans - Episodio exclusivo para mecenas

Biblioteca Del Metal

Play Episode Listen Later Sep 3, 2020 199:00


Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, formada en 1985 con el nombre de Majesty por Mike Portnoy, John Myung y John Petrucci durante su estadía en el Berklee College of Music de Massachusetts. Poco a poco, fueron dejando sus estudios para dedicar más atención a la banda que terminaría llamándose Dream Theater. A pesar de que se sucedieron algunos cambios en la formación inicial, los tres miembros originales permanecieron junto a James LaBrie y Jordan Rudess hasta el 8 de septiembre de 2010, cuando Portnoy abandonó el grupo. En octubre de ese mismo año, la banda organizó unas audiciones para el reemplazo del puesto de batería. El 29 de abril de 2011 se reveló que Mike Mangini sería el nuevo baterista permanente del grupo. La banda es conocida por el virtuosismo técnico de sus instrumentistas, quienes han ganado numerosos premios a lo largo de su carrera. John Petrucci ha sido elegido como el tercer guitarrista de la gira G3 en seis ocasiones, más que ningún otro invitado. En 2009 fue también nombrado como el segundo mejor guitarrista de metal por Joel McIver en su libro «The 100 Greatest Metal Guitarists», así como uno de los «10 mejores guitarristas de shred de toda la historia» por la revista GuitarOne. ​ El exbaterista Mike Portnoy ha ganado 23 premios de la revista Modern Drummer y fue la persona más joven (con 37 años) en ser incluida en el Rock Drummer Hall of Fame. Por su parte, su sustituto, Mike Mangini, tiene en su haber 5 récords en el World's Fastest Drummer Extreme Sport Drumming, que lo acreditan como el baterista más rápido del mundo, En una encuesta dirigida por el sitio de música especializado MusicRadar entre agosto y septiembre de 2010, John Myung fue elegido como el mejor bajista de todos los tiempos. Por su parte, los usuarios de la misma web eligieron a Jordan Rudess como el mejor teclista de la historia, ​ Además, Rudess obtuvo en 1994 el galardón de Best New Talent («mejor talento nuevo») de la revista especializada Keyboard Magazine y se le califica como una leyenda en los teclados, ​ La banda fue, asimismo, incluida en el Long Island Music Hall of Fame en 2010, El álbum más vendido de la banda es Images and Words, de 1992, que obtuvo un Disco de Oro y alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200,​ Tanto su disco de 1994, Awake, como el de 2002, Six Degrees of Inner Turbulence, entraron también en las listas en los puestos 32 y 46 respectivamente, y recibieron críticas mayoritariamente positivas. Por otro lado, Six Degrees of Inner Turbulence hizo que Dream Theater fuese elegida como banda inicial para la sección musical de Entertainment Weekly durante la semana de su publicación, a pesar de que la revista suele decantarse por música mainstream. En 2007 Systematic Chaos entró en la lista Billboard estadounidense en el puesto 19. Hasta 2008 Dream Theater había vendido más de 2,1 millones de copias en Estados Unidos y, hasta 2011, más de 12 millones en todo el mundo, El decimoprimer álbum de estudio del grupo, A Dramatic Turn of Events, salió a la venta el 13 de septiembre de 2011. Se posicionó en el octavo lugar de la lista estadounidense de Billboard 200, dos puestos por debajo de su anterior trabajo, Black Clouds & Silver Linings, y entró en el primer puesto de la cartelera UK Rock Chart. El álbum es el primer trabajo de la banda con Mike Mangini, debido a la marcha de Mike Portnoy, El 30 de noviembre de 2011 se anunció que «On the Backs of Angels» había sido nominada para el Premio Grammy en la categoría de «Mejor Interpretación de Hard Rock/Metal», la primera canción de Dream Theater en conseguirlo. El 23 de septiembre de 2013, la banda lanzó a la venta su duodécimo álbum de estudio denominado de forma homónima, Dream Theater. Se trata del segundo álbum de la banda con Mike Mangini en la batería y el primero en el que participa en las labores de composición del mismo. Su single The Enemy Inside ha sido nominado a los Premios Grammy, en la categoría «The Best Metal Performance» convirtiéndose en la segunda nominación de la banda. Por otra parte, el 29 de enero del 2016 salió a la luz su decimotercer álbum llamado "The Astonishing" el tercero con Mike Mangini y con un estilo más progresivo y sinfónico, bajo el sello de RoadRunner Records. Dream Theater nació en Massachusetts en 1985 cuando el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung y el baterista Mike Portnoy decidieron formar una banda mientras estudiaban en el Berklee College of Music. El trío comenzó versionando canciones de Rush y Iron Maiden en los cuartos de ensayo de Berklee. Myung, Petrucci y Portnoy decidieron unirse bajo el nombre Majesty. De acuerdo a la documentación incluida en Score, mientras hacían cola para un concierto de Rush en el Berklee Performance Center estaban escuchando canciones del grupo en una radiocasetera, cuando Portnoy comentó que el final de la canción «Bastille Day» (del disco Caress of Steel) sonaba «majestuosa» («majestic», en inglés); fue ahí cuando decidieron cuál sería el nombre de la banda. El trío buscaba cubrir las restantes posiciones en la agrupación, por lo que Petrucci pidió a su compañero de instituto Kevin Moore que se hiciera cargo del teclado. Después de que aceptara el puesto, otro antiguo amigo fue reclutado como vocalista principal, Chris Collins, después de que los miembros de la banda lo escucharan cantar la canción «Queen of the Reich» de Queensrÿche, Durante esta época, las agitadas agendas de Portnoy, Petrucci y Myung les obligaron a abandonar los estudios para concentrarse en su música, pensando que no tenían nada más que aprender allí. Moore también abandonó su universidad para concentrarse en la banda. Durante los primeros meses de 1986 dieron varios conciertos en la zona próxima a Nueva York, lo que aprovecharían para grabar una serie de demos, titulada The Majesty Demos. El pedido inicial de 1000 unidades se agotó en seis meses y las regrabaciones del casete tuvieron mucha popularidad en los círculos de metal progresivo. Majesty Demos sigue aún disponible en su versión original, a pesar de haber sido publicado oficialmente en CD a través de YtseJam Records, propiedad de Mike Portnoy. En noviembre de 1986, después de unos meses componiendo y tocando juntos, Chris Collins fue despedido. Pasó un año hasta que encontraron a un sustituto, Charlie Dominici, que pasó satisfactoriamente su audición y tenía mucha más experiencia que cualquier otro en el grupo. Con la estabilidad que el nuevo vocalista reportó a la banda, se permitieron aumentar el número de conciertos alrededor de Nueva York y lograron atraer una considerable atención. Poco después de haber contratado a Dominici, un grupo de Las Vegas también llamado Majesty, amenazó a la banda con tomar acciones legales por una violación de su propiedad intelectual, en relación al uso de su nombre, por lo que la banda se vio forzada a adoptar una nueva denominación. Se propusieron varias alternativas, entre las que se barajaron Glasser, Magus y MI, que fueron todas rechazadas, a pesar de que la banda actuó como Glasser por una semana, si bien terminaría desechándose al no contar con el favor de los fanes. Un día, el padre de Portnoy sugirió el nombre de Dream Theater, el mismo de un pequeño teatro que dirigía en Monterrey (California), y decidieron adoptarlo, Con su nuevo nombre y una formación estable, Dream Theater se concentró en componer material nuevo, a la vez que daban más y más conciertos en su Nueva York y los estados vecinos. Su actividad llamó la atención de Mechanic Records, una división de MCA, lo que condujo a la firma del primer contrato de Dream Theater el 23 de junio de 1988, ​ y a la grabación de su álbum debut, grabado en los estudios Kajem Victory en Gladwyne, Pensilvania. Les tomó diez días grabar las pistas básicas y unas tres semanas el álbum completo. En 1989 publicaron When Dream and Day Unite, con un despliegue de medios mucho menor que el que la banda había anticipado, ya que Mechanic terminó rompiendo la mayoría de sus promesas financieras previas a la firma del contrato, de manera que la banda se vio restringida a dar tocar en torno a Nueva York. La gira promocional del álbum consistió en solo cinco conciertos locales, el primero de ellos como teloneros del clásico trío de power rock Zebra, en el Sundance en Bay Shore, Nueva York, Después del cuarto show, Charlie Dominici dejó la banda debido a que empezaban a sentir las limitaciones que suponía su voz para el estilo vocal que querían, más parecido al de Bruce Dickinson o Geoff Tate, además de que su presencia en el escenario no era la que buscaban para un frontman o líder. Poco después, no obstante, la banda Marillion pidió a Dream Theater que los telonearan en una actuación en el Ritz de Nueva York, así que le dieron a Dominici la oportunidad de actuar una última vez. ​ Pasarían dos años hasta que encontrasen un vocalista que lo reemplazara. Tras la marcha de Dominici, Dream Theater luchó con éxito por ser liberados de su contrato con Mechanic y comenzaron a escribir material para su próximo álbum y realizar audiciones a cantantes. En esta búsqueda escucharon a más de 200 personas, entre ellas John Arch, ​ exlíder de Fates Warning, que resultaron rechazadas en su totalidad. A mediados de 1990, en una actuación en Nueva York, presentaron a Steve Stone como su nuevo vocalista. Habían grabado juntos varios demos de forma satisfactoria, pero solo dieron un concierto con él, que terminó siendo un desastre y Stone fue despedido. La banda dijo que había estado bailando por el escenario de una manera extraña, al parecer haciendo una mala imitación de Bruce Dickinson. Además, en varias ocasiones se dirigió al público de forma desafortunada con «Scream for me Long Beach!» (en español, «¡Grita para mí Long Beach!»), cuando estaban tocando en Bayshore, lo que avergonzó a la banda aún más. ​ Pasaron cinco meses hasta que Dream Theater ofreció otro concierto, esta vez completamente instrumental (bajo el nombre YtseJam). Hasta 1991 la banda estuvo centrada en la contratación de otro cantante y escribieron la mayor parte de lo que se convertiría en Images and Words en 1992. En enero de 1991, Kevin James LaBrie, de la banda de glam metal Winter Rose, voló a Nueva York desde Canadá para una audición. Improvisó tres canciones con el grupo, tras las que fue inmediatamente contratado para el puesto de vocalista. Tras su incorporación, LaBrie decidió dejar su primer nombre Kevin, para evitar confusiones con el otro Kevin de la banda. Durante los siguientes meses, volvieron a dar conciertos (aún en su mayoría alrededor de su ciudad), mientras trabajaban en las pistas de voz de las canciones compuestas antes del ingreso de LaBrie. Derek Shulman y Atco Records (ahora EastWest), una división de Elektra Records, firmaron un contrato de siete álbumes con Dream Theater sobre la base de una maqueta de tres canciones (posteriormente disponible como «The Atco Demos» a través del club de fanes de la banda). El primer disco que grabaron bajo su nuevo contrato discográfico fue Images and Words, en 1992. Para la promoción la disquera publicó un CD sencillo y un videoclip para la canción «Another Day», pero no tuvieron un impacto comercial significativo. La canción «Pull Me Under», sin embargo, consiguió una buena presencia en la radio, a pesar de no contar con ningún tipo de promoción organizada por la banda o el sello. Como respuesta, Atco produjo un videoclip para esta canción, que tendría bastante exposición en la MTV. Para la canción «Take the Time» sacaron un tercer video, pero sin que tuviera un éxito similar. El éxito de «Pull Me Under» y la gira que realizaron sin descanso por Estados Unidos y Japón hicieron que Images and Words lograse un disco de oro y uno de platino en esos países. En 1993 le siguió una gira por Europa, que incluía un show en el afamado Club Marquee de Londres, que fue grabado y publicado como Live at the Marquee, el primer álbum oficial en vivo del grupo. Además, reunieron una compilación de sus conciertos japoneses en Images and Words: Live in Tokyo. Ávidos de trabajar en material fresco, Dream Theater volvió al estudio en mayo de 1994 para grabar Awake, su tercer álbum de estudio, que se publicó el 4 de octubre de 1994 y fue recibido con controversia entre sus fanes. Poco antes de la mezcla del disco, Moore anunció al resto del grupo que simplemente ya no estaba interesado en dar giras y que no le agradaba el estilo musical de Dream Theater, por lo que dejaría la banda para concentrarse en sus propios intereses musicales, Debido a este imprevisto, tuvieron que buscar otro tecladista antes de plantearse un tour. Entre los nombres más conocidos que se presentaron a las audiciones se encontraba Jens Johansson, a la postre miembro de Stratovarius, pero los miembros de la banda estaban impacientes deseando cubrir la posición con el teclista Jordan Rudess. Portnoy y Petrucci descubrieron a Rudess en la revista Keyboard Magazine, donde se le reconocía como «mejor nuevo talento» en una encuesta entre lectores, y lo invitaron a tocar con la banda en una actuación de prueba en el Foundations Forum en Burbank, California, Para los miembros de Dream Theater el show había ido realmente bien y pidieron a Rudess que se incorporara al grupo, pero éste rehusó para hacer una gira con Dixie Dregs, que le garantizaba más reconocimiento personal. Ante esta situación, contrataron para la gira promocional de Awake a un antiguo compañero del Berklee College, Derek Sherinian, que había tocado con Alice Cooper y Kiss. Al concluir el tour, Sherinian se convirtió en el sustituto de Moore a tiempo completo, Como se encontraban otra vez con un nuevo miembro, Dream Theater no empezó inmediatamente a trabajar en material nuevo. Seguidores de todo el mundo, agrupados en la lista de correo electrónico YtseJam (la principal forma de comunicación entre los fans de la banda en aquel entonces), comenzaron a presionar a la banda para que publicara oficialmente la canción «A Change of Seasons». La habían compuesto en 1989 con la intención de que formara parte de Images and Words, pero con casi 17 minutos de duración fue considerada demasiado larga para un álbum de estudio. Sin embargo, la banda la tocaba en conciertos y siguió revisándola hasta 1995. La petición fue atendida, así que la banda entró en los BearTracks Studios en Nueva York en mayo de 1995 para reescribir y grabar la canción, que terminó siendo de 23 minutos y contando con una contribución significativa de Sherinan. Para acompañar la canción, la publicaron en un EP junto con una colección de covers, grabados en directo en una actuación en el Ronnie Scott's Jazz Club de Londres ese mismo año, de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Genesis, Kansas, Journey y Pink Floyd. Después de una minigira para promocionar A Change of Seasons, la banda se tomó un descanso de unos meses. Mientras tanto, publicaron a través de su club de fanes oficial un CD especial de Navidad, que consistía de varias canciones inéditas grabadas en conciertos de los primeros años de la banda, ​ Además, durante este descanso, los distintos miembros del grupo trabajaron individualmente en componer más temas para sus futuras colaboraciones. En este tiempo hubo varios cambios en EastWest y el principal contacto de Dream Theater en la discográfica fue despedido. Producto de una relación muy distinta a la que había cultivado el anterior personal de EastWest, el nuevo equipo presionó a la banda para que escribiera un álbum más accesible. A mediados de 1997, entraron al estudio para componer su siguiente trabajo. Además de presionar al grupo para que adoptara un sonido más mainstream, la compañía contrató al productor y compositor Desmond Child para pulir con Petrucci la letra de su canción «You or Me». La banda al completo volvió a trabajar en la música de la canción, que apareció en el disco como «You Not Me» con un coro que recordaba vagamente a la original. También se notó la mano de Child en este álbum en un giro hacia composiciones menos complejas y más radiables. La banda compuso material suficiente casi para dos discos, incluyendo una larga continuación de 20 minutos para la canción de Images and Words «Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper». No obstante, la discográfica no permitió la publicación de un álbum doble, ya que entendía que una grabación de 140 minutos no sería digerible para el público general. James LaBrie también se mostró a favor de un solo disco, ​ Las canciones desechadas fueron publicadas luego en The Falling into Infinity Demos por YtseJam Records, El material que sobrevivió fue publicado en el álbum Falling into Infinity, que tuvo una recepción heterogénea entre los fanes más familiarizados con el nuevo sonido del grupo. Aun cuando el disco sonaba moderadamente progresivo, canciones como «Hollow Years» y «You Not Me» hicieron pensar a algunos que estaban ante el comienzo de una etapa más comercial de la banda; en cualquier caso, el álbum fue una decepción de crítica y ventas. Aunque Portnoy no lo comentó en público en aquel entonces, en un comentario del DVD de 2004 5 Years in a Livetime reveló que llegó a desmotivarse tanto durante este periodo que consideró la separación de la banda. Durante la gira europea de Touring into Infinity se grabaron dos conciertos, en Francia y los Países Bajos, para un álbum en directo titulado Once in a LIVEtime, que fue publicado aproximadamente a la vez que el vídeo 5 Years in a Livetime, que narraba el periodo entre la marcha de Kevin Moore y la gira promocional de Falling into Infinity. En 1997, Mike Varney, de Magna Carta Records, invitó a Portnoy a formar un supergrupo progresivo para trabajar en un álbum; esta colaboración sería la primera de una larga lista de proyectos individuales de los miembros de Dream Theater. La formación del grupo en cuestión era: Portnoy en la batería, Petrucci en la guitarra, Tony Levin en el bajo y Jordan Rudess, que se había separado de Dixie Dregs, en los teclados. La banda tomó el nombre Liquid Tension Experiment y sirvió como el medio ideal para que Portnoy y Petrucci pudieran cortejar a Rudess para que se uniera a Dream Theater. Finalmente, en 1999, aceptó la oferta, por lo que se convirtió en el tercer teclista a tiempo completo de la banda, sustituyendo a Sherinian. Con un nuevo miembro, Dream Theater volvió al estudio para grabar su siguiente álbum, esta vez con un completo control sobre el proceso creativo, fruto de un últimatum de Portnoy a la compañía. Retomaron la continuación de «Metropolis Part 1» en la que trabajaron durante las sesiones de Falling Into Infinity, que no habían usado en el disco anterior, y decidieron expandir la canción de 20 minutos a un álbum conceptual completo, que trataba temas como la reencarnación, el asesinato y la traición. Procuraron mantener un cierto nivel de secretismo en torno al proceso de composición y grabación, sin embargo, la fecha de publicación y una lista de canciones se filtraron contra los deseos de la banda. En 1999 se publicó Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory con gran aclamación de la crítica. Muchos fanes y críticos la consideraron la obra maestra de Dream Theater, a pesar de que solo alcanzó el puesto 73 en el US album chart. ​ El álbum fue mezclado por David Bottrill, pero solo unas pocas de sus mezclas llegaron al producto final, que fue remezclado por Kevin Shirley. El resto de las mezclas se pueden escuchar en el bootleg oficial de la banda «The Making of Scenes from a Memory». A la grabación le siguió una ambiciosa gira mundial, en la que durante un año tocaron Scenes From a Memory de principio a fin. En este tour, el más largo de la banda hasta la fecha, reflejaron el aspecto más teatral del álbum y se sirvieron de una pantalla de video en el fondo del escenario, que mostraba un acompañamiento narrativo de la trama del disco. Además de interpretar el álbum en su totalidad, tocaron una segunda tanda de canciones antiguas, así como algunos covers e improvisaciones. En una actuación especial en el Roseland Ballroom de Nueva York, contrataron a actores para que interpretaran a los personajes de la historia y se les sumó un coro de góspel en algunas partes del concierto. Este show, el último en su tour por América del Norte, fue grabado para la primera publicación de la banda en DVD. Después de varios retrasos por cuestiones técnicas, fue publicado a comienzos de 2001 con el título de Metropolis 2000: Scenes from New York. Poco más tarde, la banda anunció la publicación en audio del resto del concierto, de una duración total de cuatro horas. La portada para la versión CD, titulada Live Scenes From New York, representaba uno de los primeros logos de Dream Theater (el corazón ardiendo de la época de Images and Words, basado en el Sagrado Corazón de Cristo) modificado para mostrar una manzana (en referencia a la «Gran Manzana»), en lugar del corazón y con el skyline de Nueva York, incluyendo las Torres Gemelas, entre las llamas. En una desafortunada coincidencia, el álbum se publicó en la misma fecha de los ataques del 11 de septiembre. Este fue rápidamente retirado por la banda y se volvió a publicar más tarde con material artístico revisado, ​ aunque se vendieron algunas copias, que se convirtieron en un preciado objeto de coleccionistas. Dream Theater volvió a los estudios BearTracks para grabar su sexto álbum de estudio, Six Degrees of Inner Turbulence, con el que tendrían la posibilidad, cuatro años después de habérselo denegado EastWest, de hacer un doble disco. El primero consistió de cinco canciones de 7 a 13 minutos de duración, mientras que el segundo disco se dedicó exclusivamente a una canción de 42 minutos, la más larga de la banda hasta la actualidad. El origen de esta canción se produjo cuando Rudess compuso lo que sería la sección de «Overture» de «Six Degrees of Inner Turbulence» y la banda tomó diferentes ideas y melodías de ella y la expandió en capítulos de una historia completa. El álbum, que fue el más publicitado de la banda desde Awake, terminó teniendo una muy buena acogida por la crítica y la prensa, y debutó en la lista Billboard en el puesto 46, ​ y en el primer puesto de la lista Billboard Internet. Durante el siguiente año y medio volvieron a embarcarse en una gira por todo el mundo, con actuaciones en las que incluyeron algunos covers especiales y tocaron en su totalidad Master of Puppets, de Metallica, y The Number of the Beast, de Iron Maiden. Todas estas presentaciones tributo se realizaban después de cada presentación, donde se bajaba el telón y al subirse nuevamente, comenzaba un nuevo concierto pero esta vez con un disco completo de cada banda a la que se le rendía este tributo, como Iron Maiden, Metallica, Pink Floyd, entre otros. En 2003 la banda volvió en el estudio para componer y grabar otro álbum. A diferencia de Scenes from a Memory, que fue escrito y grabado sobre la marcha, en esta ocasión el grupo decidió tomarse unas tres semanas de retiro para componer antes de entrar al estudio. En mitad de las sesiones de grabación del disco, surgió un tour especial con otras dos bandas de metal progresivo, Queensrÿche y Fates Warning, en Norteamérica. Al final de cada concierto, los miembros de Queensrÿche y Dream Theater subían al escenario para tocar simultáneamente, en ocasiones versiones de otras bandas. Una vez concluida la gira, volvieron al estudio para terminar la grabación de su séptimo álbum, Train of Thought. Este álbum, a través del cual buscaron un sonido más pesado, produjo una especie de división en sus seguidores, ya que si bien ganaron más adeptos entre los metaleros, algunos fanes preferían un sonido más progresivo, al estilo de Yes o King Crimson, No obstante resultó un éxito de crítica,Le siguió otra gira mundial, durante la que Dream Theater realizó funciones de apoyo a una de sus mayores influencias, la banda inglesa Yes. Una vez que las bandas hubieron completado su modesto recorrido conjunto, Dream Theater continuó con su tour mundial, que denominaron «An Evening With Dream Theater». Posteriormente publicaron una combinación de CD y DVD grabados en directo en el famoso Nippon Budokan Hall de Tokio, durante la gira de Train of Thought, publicada bajo el nombre Live at Budokan el 5 de octubre de 2004. Después de terminar la gira promocional de Train of Thought, la banda entró en los estudios The Hit Factory de Nueva York para grabar su octavo álbum, que haría de Dream Theater el último grupo que grabase en los famosos estudios, ya que estos cerraron para siempre justo después, Octavarium fue publicado el 7 de junio de 2005 y supuso otro cambio en el sonido de la banda, por lo que tuvo una recepción dividida entre sus fanes y provocó un animando debate entre ellos. Suponía, por otra parte, el último de los siete álbumes que tenían firmados con Elektra Records, que había sucedido a EastWest en su contrato después de su absorción. El 2 de marzo de 2006 la banda celebró sus 20 años de existencia con una serie de conciertos, entre ellos uno que contó con un lleno total en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. El recital fue dividido en dos partes, «20 Years» y «Octavarium», y duró más de 4 horas, con un descanso intermedio. En 2006 la banda publicó el trabajo en directo Score, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater. Tras el show en el Radio City Music Hall, la banda decidió tomarse un verano de descanso por primera vez en su carrera. Posteriormente, en septiembre de 2006, entraron a los Avatar Studios para grabar su siguiente disco, que, con el nombre de Systematic Chaos y una vez más producido por los propios John Petrucci y Mike Portnoy y con el legendario ingeniero de sonido Paul Northfield, fue publicado el 5 de junio de 2007. Este fue el primer disco con su nuevo sello, Roadrunner Records, una filial de su anterior discográfica, Atlantic Records. Roadrunner incrementó la promoción del álbum y, como resultado, éste alcanzó el número 19 en la lista Billboard 200. También publicaron un video para «Constant Motion» el 14 de julio, por primera vez desde el de «Hollow Years» en 1997 y, además, salió a la venta un libro autorizado titulado Lifting Shadows en el que se detallan los primeros veinte años de la banda, que cuenta con una edición expandida y actualizada de 2009, Systematic Chaos tiene ocho pistas, pero técnicamente solo siete canciones. El disco contiene una canción épica titulada «In the Presence of Enemies», enmarcando el álbum como pistas 1 y 8, una continuación del Twelve-step Suite de Portnoy, «Repentance», y una canción de naturaleza política, «Prophets of War». La gira de 2007-2008 Chaos In Motion World Tour dio comienzo en Italia con un concierto el 3 de junio de 2007 en el Gods of Metal, el mayor festival de metal del país, ​ También actuaron en el Fields Of Rok Festival en los Países Bajos, el 17 del mismo mes, 4​ y en otros festivales del viejo continente, como el británico Download Festival y el francés Hellfest Summer Open Air, con otras bandas como Megadeth, Korn, Mastodon y Slayer. La banda continuó con la parte norteamericana de su gira entre el 24 de julio (en San Diego) y el 26 de agosto (en Filadelfia). Durante el resto del año y en 2008 siguieron con el tour, tocando en Asia, Sudamérica y, por primera vez, en Australia. El 1 de abril de 2008 la banda publicó un disco doble recopilatorio, cuyo título, Greatest Hit (...and 21 Other Pretty Cool Songs), es una referencia humorística a la canción «Pull Me Under», el único éxito radiofónico significativo del grupo. También incluye tres canciones remezcladas de su segundo disco, Images and Words, cinco versiones editadas de canciones antiguas y una canción de un único lado B. Al contrario que en la mayoría de los álbumes de grandes éxitos, Dream Theater se implicó a fondo en el álbum, sugiriendo el listado de canciones que sentían que representaban mejor su carrera musical. Mike Portnoy, después de la publicación del grandes éxitos, organizó una nueva gira llamada Progressive Nation 2008, en la que, a diferencia de tours anteriores, visitarían exclusivamente ciudades en las que no habían tocado antes (como en Vancouver, Canadá) o hacía mucho que no lo hacían. Además, por primera vez desde Images and Words, el grupo actuó en salas pequeñas, con público más reducido. Tras la gira, la banda publicó un set de DVD titulado Chaos in Motion 2007–2008, una compilación de canciones del tour promocional de su noveno álbum, Systematic Chaos. Se pusieron a la venta dos ediciones distintas de los DVD el 30 de septiembre de 2008; una era la estándar con dos discos, mientras que la edición especial contenía tres CD de música además de los DVD. Black Clouds & Silver Linings y salida de Mike Portnoy (2008-2010) El baterista Mike Portnoy abandonó la banda el 8 de septiembre de 2010. El 7 de octubre de 2008 Dream Theater volvió a los estudios Avatar para comenzar a trabajar en su décimo álbum y retomó su relación con el ingeniero de sonido Paul Northfield. Publicaron el nuevo trabajo, titulado Black Clouds & Silver Linings, el 23 de junio de 2009,36​ disponible, además de en CD estándar, en vinilo LP y en una edición especial de tres CD que incluye el álbum completo, un CD de mezclas instrumentales y otro con seis versiones de canciones de otros artistas como Queen y Rainbow. El 1 de julio, el álbum debutó en el número 6 de la lista Billboard's Top 200, con unas ventas de 40 285 unidades en la primera de semana, lo que marcó su mejor entrada en la lista. Mike Portnoy habló a Metal Hammer sobre el nuevo álbum y comentó que la canción «The Shattered Fortress» era la última de la serie de canciones sobre los 12 pasos en su recuperación del alcoholismo; de «The Best of Times» dijo que «es un tema personal muy heavy sobre mi padre, que falleció durante la composición del álbum», y añadió «estuvo luchando contra el cáncer durante el proceso» La banda se embarcó en un segundo Progressive Nation Tour, en el que giraron por Europa por primera vez. Opeth, Unexpect y Bigelf telonearon al grupo en ese continente, mientras que Zappa Plays Zappa, Pain Of Salvation, y Beardfish lo hicieron en la parte norteamericana. Sin embargo, Pain of Salvation y Beardfish no pudieron acompañarlos en la gira por problemas de financiación con sus respectivos sellos. Las bandas que las suplieron fueron Bigelf y Scale The Summit. Una vez terminado el Progressive Nation Tour, Dream Theater entró en el estudio justo después de Nochevieja para componer y grabar una nueva canción instrumental, titulada «Raw Dog» (God [of] War al revés), que se incluyó en la banda sonora del videojuego God of War III y en el álbum God Of War III: Blood & Metal. La enviaron a Roadrunner el 8 de enero de 2010 y supuso la primera composición de la banda para un proyecto externo, ​ «Raw Dog» contiene la primera pista comercial en ser grabada con harpejji, a cargo de Jordan Rudess, así como la última grabación de Mike Portnoy en la batería. En marzo de ese año giraron por Sudamérica con Bigelf y durante el verano acompañaron a Iron Maiden en su gira por Estados Unidos y Canadá, en los que serían los últimos conciertos de Dream Theater en 2010. El 8 de septiembre de 2010, el baterista Mike Portnoy anunció que abandonaba la banda por su necesidad de un descanso así como por otras razones, entre ellas la búsqueda de nuevas experiencias musicales, Respecto a esto, Portnoy dijo que fue una decisión que tomó después de pensárselo durante mucho tiempo y que no lo juzguen ni culpen a otras personas por ello, No quería salir del grupo y ellos tampoco querían que me fuera, pero así estamos; era la única forma de que ellos siguieran adelante y yo siguiera adelante. Es una separación extraña, porque todavía nos queremos. […] Realmente pienso que el grupo podría haber usado un par de años para recargar las pilas como tantas bandas lo han hecho -como Soundgarden, Alice in Chains, Jane's Addiction, Phish, Rage Against the Machine…-. […] Lo que me da pánico, sin embargo, es que veo cierta similitud con, por ejemplo, [la salida de] Roger Waters de Pink Floyd; ellos nunca volvieron a estar juntos, y eso me asusta. Sería una tragedia que nunca más volviera a estar en el escenario con Dream Theater. Mike Portnoy en una entrevista para Friday Night Rocks. Después de la salida de Portnoy de Dream Theater, la relación entre él y sus ex-compañeros se volvió tensa. En febrero de 2011, Portnoy se quejó por que ningún integrante de la banda devolvió sus llamadas y correos electrónicos, ​ La tensión creció cuando Portnoy llamó a LaBrie irrespetuoso por unos comentarios que este último hizo durante una entrevista, afirmando que Dream Theater no está triste en absoluto porque Portnoy ya no es un miembro de la banda. A partir de julio de ese mismo año, LaBrie no ha permanecido en contacto con Portnoy,​ En un momento, surgieron informes falsos sobre una supuesta demandada de Portnoy hacía Dream Theater. Durante este período, Portnoy fue reclutado por Avenged Sevenfold para grabar su quinto álbum de estudio y participar en su gira; remplazando así a The Rev, quien había fallecido, ​ Tras la grabación del álbum corrieron rumores sobre que Portnoy iba a seguir trabajando con Avenged Sevenfold tras su salida de Dream Theater y convertirse en el baterista permanente, pero no fue así, ya que los miembros de la banda decidieron continuar con otro baterista. Por su parte, Portnoy declaró que la permanencia en Avenged Sevefold había sido temporal y meramente como un homenaje a Jimmys «The Rev» Sullivan. Las audiciones para elegir el sustituto de Mike Portnoy comenzaron en octubre, en las que se probaron a siete bateristas de clase mundial. ​ El 3 de enero, John Petrucci dio a conocer a través de su cuenta personal de Twitter que la banda había regresado a los estudios para grabar su decimoprimer álbum, aunque no se desveló el nombre del nuevo baterista, ​ Dos meses después, Petrucci comentó en su página personal de Facebook que la banda había terminado de componer su siguiente álbum y que pronto comenzaría el periodo de grabación. Ante la impaciencia de los fanes por conocer cuál sería el nuevo miembro del grupo, Petrucci comentó: «Aprecio la paciencia de todos por conocer al nuevo baterista de Dream Theater. Sé que ha sido muy frustrante esperar a conocer noticias. ¡Creédme, nos estamos esforzando por garantizar a todo el mundo que nuestra decisión no os decepcionará en ningún momento!» El 21 de abril de 2011, durante la búsqueda del nuevo baterista, publicaron un tráiler para un próximo documental titulado «The Spirit Carries On», en referencia a una canción del álbum Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory. El tráiler muestra a los siete bateristas que tuvieron audiciones: Mike Mangini, Virgil Donati, Marco Minnemann, Peter Wildoer, Thomas Lang, Derek Roddy y Aquiles Priester, ​ El 27 de abril revelaron a través de YouTube, en el tercer y último episodio del documental, que habían escogido a Mike Mangini como sustituto de Portnoy, A través de su Twitter John Petrucci confirmó que el nombre del nuevo álbum de Dream Theater se llamaría A Dramatic Turn of Events, que posteriormente fue publicado el 13 de septiembre de 2011. En abril del 2012 fue grabado el DVD Live at Luna Park en Buenos Aires, Argentina, donde se muestra el nuevo sonido con Mike Mangini en la batería. El álbum homónimo fue lanzado en septiembre de 2013. Cuenta con 9 pistas , entre las que se incluye el tema de larga duración «Illumination Theory», pista que dura más de 22 minutos. La canción «The Enemy Inside» fue lanzada como sencillo meses antes de la salida del álbum. Tras la salida del disco, fue colocado en el puesto número 8 en la lista Billboard 200[cita requerida], lo que ha sido el segundo puesto más alto, después de Black Clouds & Silver Linings. Mike Portnoy lo calificó como un buen álbum, aunque ya no se siente identificado con este sonido de la banda.[cita requerida] Durante la gira Along For The Ride se grabó en el DVD Breaking The Fourth Wall, se divide en 3 discos en vivo desde The Boston Opera House. Además de canciones del álbum homónimo, contienen temas de Awake y Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory debido a que es el 20 aniversario de Awake 1994 Y 15 aniversario de Metropolis Pt. 2: Scenes From a Memory 1999. The Astonishing es el decimotercer álbum de la banda, lanzado el 29 de enero del 2016 a nivel mundial. Es su segundo disco conceptual , tras Metropolis, en 1999, y también su segundo lanzamiento doble, tras Six Degrees of inner turbulence (2002). Distance Over Time salió en febrero de 2019, siendo en decimocuarto álbum de estudio y el cuarto con Mangini a la batería. A lo largo de su carrera, los espectáculos en vivo Dream Theater se han ido volviendo gradualmente más grandes, más largos, más diversos y menos restrictivos. El ejemplo más obvio de ello es su política de setlist rotante. Cada noche de cada gira tiene su setlist ideado por Portnoy usando un proceso meticuloso que asegura que es completamente único. Factores como los setlists de ciudades previas son tomados en cuenta para asegurar que las personas que ven a Dream Theater múltiples veces en la misma área no vean las mismas canciones interpretadas dos veces, e incluso el setlist de la última vez que la banda estuvo en una ciudad en particular se toma en cuenta para el beneficio de los fans que ven a la banda en giras sucesivas. Para que eso sea posible, la banda se prepara para tocar la mayor parte de su repertorio en cualquier presentación, dependiendo de lo que Portnoy decidía programar para esa noche. Este proceso también requiere el empleo de un sistema de iluminación muy complejo que utiliza iluminación preconfigurada sobre la base de canciones individuales. La duración es otro elemento único de los conciertos de Dream Theater. Los conciertos de sus giras mundiales, desde Six Degrees of Inner Turbulence, han sido del tipo «Evening with…» («Una noche con…»), en el que la banda actúa al menos tres horas con un descanso y ningún telonero. El espectáculo grabado para Live scenes from New York tuvo una duración de casi cuatro horas (LaBrie graciosamente se disculpó después del espectáculo por el set tan «corto»), y resultó en la casi hospitalización de Portnoy, ​Con el anuncio del noveno álbum de estudio, Systematic Chaos, se publicó que durante este nuevo tour, Chaos in Motion World Tour 2007/2008, no se haría el famoso «An evening with…». La banda dijo que ya era momento de parar con los shows diarios desde 3 a 4 horas. Sin embargo, la versión publicada en DVD y CD del tour Chaos In Motion presenta 162 minutos de música. También hay una cantidad significativa de humor, informalidad, e improvisación asociado a un concierto de Dream Theater. En la parte media de A change of seasons es bastante común que temas como el de las Grandes Ligas de Béisbol y Los Simpson sean citados, y Rudess rutinariamente modifica su sección de solo en esta canción y otras, con frecuencia interpretando la sección ragtime de When the water breaks de Liquid tension experiment 2. Otras citas incluyen a Mary had a little lamb durante Endless sacrifice en el Gigantour, un corte inspirado en un calíope entre los versos de Under a glass moon, y la marcha turca en un concierto en Estambul. En la gira 20th Anniversary World Tour Rudess incluso interpretó una pequeña cita del tema Twinkle, twinkle, little star en un corte durante Endless sacrifice. Durante la interpretación de As I am en Bangkok en enero del 2006, Rudess tocó una escala mayor muy torpe, al estilo de un principiante, hacia adelante y hacia atrás varias veces antes del corte instrumental. También en uno de los dos conciertos dados en Buenos Aires, Argentina, en la introducción de Through Her Eyes, Petrucci interpreta la melodía de Don't cry for me Argentina. No es extraño que un miembro de la audiencia sea escogido al azar para tocar en el escenario (de lo que se puede apreciar un ejemplo en el solo de batería de Portnoy en el DVD Live at Budokan). También ha habido muchas improvisaciones del «Happy Birthday» cuando un miembro de la banda o del equipo cumple años en una fecha en la que hay concierto, lo que normalmente termina en un pastel de cumpleaños siendo arrojado al festejado. Tal vez el ejemplo más extremo de la estructura impredecible de los conciertos de Dream Theater es que durante el tiempo en que Derek Sherinian estuvo en la banda, en algunos espectáculos los miembros de la banda intercambiarían instrumentos y tocarían como la banda ficticia «Nightmare Cinema» (el opuesto aproximado de «Dream Theater»). Generalmente versionaban Perfect Strangers de Deep Purple, y en una ocasión, Suicide Solution de Ozzy Osbourne. Similarmente en algunos espectáculos Sherinian, Petrucci y Portnoy tomarían el escenario juntos, bajo el nombre «Nicky Lemons and the Migraine Brothers». Sherinian, usando una bufanda de plumas y anteojos bohemios oscuros, interpretaría una canción de pop-punk titulada «I Don't Like You» con Petrucci y Portnoy respaldando. Los fans de Dream Theater suelen abarrotar cada plaza donde la banda se presenta. La audiencia generalmente está formada de un número de espectadores que varía entre 4000 y 10000, y esa cantidad es habitualmente dictada por el espacio físico. El concierto que ha contado con la audiencia más numerosa ha sido el efectuado en la Pista Atlética del Estadio Nacional en Santiago de Chile, el 6 de diciembre de 2005, durante la gira promocional del álbum Octavarium, que contó con una asistencia de 20.000 personas, El hecho fue mencionado la misma noche del concierto por Mike Portnoy y a través de su sitio web, y fue mencionado también por Jordan Rudess en su saludo navideño de 2005 a todos los fans. El concierto grabado en el Radio City Music Hall de Nueva York en abril de 2006 tuvo una asistencia de 6.000 personas. Al principio de su carrera, Dream Theater adoptó un logo y un wordmark personalizado (conocido como el símbolo Majesty) que han aparecido en la gran mayoría de su material promocional desde entonces, con al menos una de las marcas oficiales apareciendo en la carátula de cada publicación hasta la fecha, con la excepción de Once in a LIVEtime (ver explicación más abajo). Incluso después de que la banda desechó el nombre Majesty, el símbolo continuó siendo su marca oficial, y es visto por la comunidad de fans de Dream Theater de la misma manera que los fans de Led Zeppelin han abrazado los cuatro símbolos de los miembros de esa banda. Es común ver gente con tatuajes del símbolo Majesty en conciertos de Dream Theater. El símbolo Majesty es una derivación del símbolo de María, reina de los escoceses, ​ el cual fue re-diseñado por Charlie Dominici para ser usado en el arte gráfico del álbum When Dream and Day Unite. ​ Otro hecho interesante es que el símbolo Majesty es una combinación de tres letras griegas, Fi(Φ), Mu(Μ), y Alfa (A), las letras de la fraternidad musical de la cual los miembros forman parte. El hecho de que el logo no aparezca en la carátula de Once In A LIVEtime o de su acompañante en vídeo 5 Years in a LIVEtime, fue interpretado por algunos fans como evidencia de que la banda se había «vendido» y de que se había alejado de sus raíces con sus fuentes modernizadas («fuentes» se refiere a los «tipos de letra» usados para el arte gráfico), pero para el momento en que había reclamado el lugar que le corresponde en la carátula de Scenes From a Memory la infelicidad había sido largamente olvidada (el motivo real fue que a Storm Thorgerson, el legendario diseñador gráfico para ambas publicaciones antes mencionadas, no le gusta trabajar con fuentes pre-existentes). Desde entonces ha aparecido en cada publicación subsiguiente (la carátula de Falling into Infinity tiene el logo, pero no el wordmark). Dream Theater es una de las bandas del género del metal más activamente grabadas en bootlegs. Desde sus primeros conciertos en Nueva York, como Majesty, los aficionados han grabado casi todos los espectáculos que Dream Theater ha ofrecido (ocasionalmente hay tres o cuatro versiones de un mismo concierto), y algunas grabaciones profesionales y bien elaboradas han sido publicadas. Sin embargo, no todos los miembros de la banda toleran los bootlegs de Dream Theater. Portnoy era definitivamente el miembro que los apoya más, ya que era un ávido coleccionista de bootlegs cuando era más joven y mantiene su archivo personal de material de Dream Theater. Petrucci y LaBrie han declarado oposición con respecto a las personas que graban sus conciertos. Petrucci ha dicho que prefiere que los miembros de la audiencia se concentren en los músicos en tarima, y no en los ajustes de nivel de sus dispositivos de grabación. LaBrie, por otra parte, argumenta que los bootlegs le quitan propiedad y control a la actuación en directo, y los pone en manos del público. Myung ha expresado oposición apacible a los bootlegs, pero en algunas entrevistas ha mencionado que particularmente no le molesta mucho; mientras que Rudess afirma que no le molestan pues afirma que es inevitable la propagación de los bootlegs. Sin importar sus opiniones personales, cada miembro de la banda autografía cualquier bootleg que se les presente para que sea firmado. Dream Theater también ha publicado una serie de bootlegs oficiales a través de YtseJam Records, encabezada por Portnoy. A pesar de que son bien conocidos por hacer canciones versionadas a lo largo de toda su carrera, Dream Theater llevó esta práctica a otro nivel durante la gira promocional de Six Degrees of Inner Turbulence. En tres conciertos especiales, en Barcelona, Chicago y Nueva York, versionaron el álbum completo Master of Puppets de Metallica después de un set entero de material de Dream Theater. Aquello fue impactante para los fans dado que no había señales de que eso iba a ocurrir, apartando el hecho de que se había anunciado que esos conciertos, que eran la segunda noche en cada ciudad, serían «extra especiales». Esta tradición puede ser rastreada hacia atrás seguramente hasta una de las bandas favoritas de Mike Portnoy, Phish, que comenzó a versionar álbumes enteros de otros artistas cada Halloween, empezando en 1994. Portnoy anunció este «álbum versionado» como el primero de una serie de conciertos a ser dados como tributo a bandas que han sido influyentes en la formación y desarrollo de Dream Theater. Los sets de canciones versionadas dividieron a muchos fans que asistieron al espectáculo, llevando a algunos a decir que fueron a un concierto de Dream Theater a ver música original y no el trabajo de otro artista. Otros, sin embargo, dijeron que fue un bono y no un reemplazo de un concierto de Dream Theater, dado que un concierto ordinario había sido interpretado la noche anterior. La siguiente vez que se hizo un concierto de álbum versionado esta negatividad fue más contenida, pues la mayoría de los fans ya sabían que eso iba a suceder, y que no verían una noche completa de material de Dream Theater. En la siguiente etapa de la gira versionaron el álbum The Number of the Beast de Iron Maiden, y recibieron una reacción similar a la obtenida con Master of Puppets, a pesar de que ya se sabía que un álbum versionado iba a ser interpretado esa noche porque el itinerario incluía dos conciertos en noches consecutivas en la misma ciudad. El 11 de octubre de 2005, Dream Theater versionó The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, su tercer álbum clásico versionado. El sitio web oficial de Dream Theater declaraba que «los segundos sets de las segundas noches en Ámsterdam, Londres, Buenos Aires, São Paulo y Tokio (11 de octubre, 25 de octubre, 4 de diciembre, 11 de diciembre y 13 de enero), y también el segundo set del espectáculo del 15 de enero en Osaka, serán un álbum clásico entero versionado». The Dark Side of the Moon fue interpretado una vez más el 25 de octubre en Londres. Sin embargo, en Buenos Aires (4 de diciembre) y Sao Paulo (11 de diciembre) el «álbum clásico» interpretado fue Scenes from a Memory de la mismísima Dream Theater, para compensar por no haber visitado nunca Argentina y solo una vez Brasil en su gira por 1998. El 13 de enero de 2006 (Tokio) y el 15 (Osaka), Dream Theater versionó el álbum en directo Made in Japan, de Deep Purple, su cuarto álbum clásico versionado (esto concordó brevemente con las especulaciones de los fans, quienes dijeron que era inevitable que al menos uno de los álbumes del rock progresivo de los 70, posiblemente de Rush, sería versionado). La formación tiene pensado realizar en vivo más álbumes versionados, pero se niega a revelar cuándo ocurrirán o qué álbum será interpretado. También hicieron una interpretación en directo de Cemetery Gates de Pantera en Dallas, Texas, para conmemorar a Dimebag Darrel Abott, donde contaron con la colaboración de Dave Mustaine.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Biblioteca Del Metal (Recopilation). Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://www.ivoox.com/podcast-biblioteca-del-metal-recopilation_sq_f1308558_1.html

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Behind the Backline
Michael Molenda - Guitar Player Magazine, Music Journalism & Beyond

Behind the Backline

Play Episode Listen Later May 23, 2019 32:41


No one can predict the future. No one can ever know what’s coming next (except me, just kidding). A lot of times we have to roll with what life throws at us, regardless of how predictable we want our life to be. As humans we are creatures of habit, loving every minute of having a routine, going to work, coming home, advancing our career, staying organized and having everything in its place, and knowing that we have the power to make tweaks to it whenever we want, as long as its within our comfort zone. But as we very well know, life enjoys throwing the occasional right hook at us to see how we handle it. This is something that both Michael and I, your humble podcast host, have experienced in recent years. THANK GOD YOU FOUND A REAL JOB Michael had two career path options in his early years: music and journalism. As you’ll hear, his father was super happy he chose journalism, a job that he knew was stable and had a future (cough). As time (and the Internet) will tell you, music and journalism began to have more and more in common, debunking this “some industries are future-proof” myth. But lucky for Michael, he was able to merge his two passions into one as he worked through an array of music and non-music related publications and media outlets. His crowning achievement? Landing a dream job as the longest-serving Editor-in-Chief at Guitar Player Magazine from 1997-2018, also overseeing Bass Player Magazine, Keyboard Magazine and Electronic Musician Magazine. Score! EVERY ENDING HAS A NEW BEGINNING In 2018, not long after the magazine’s parent company was purchased by a UK-based firm, several members of the team, including Michael, were let go as the new owners reorganized and changed the way the magazines were run. While not a fan of the changes, the grieving process was short-lived. Michael got back on the horse and decided to launch a new endeavor that allowed him to continue his music journalism path. In October 2018, Guardians of Guitar was born, an online media outlet that evangelizes guitarists, guitar music, and guitar gear while supporting players of all ages, genders, skill levels and styles. ABOUT OUR GUEST Michael Molenda, former Editor-in-Chief of Guitar Player Magazine and Founder of Guardians of Guitar, joins us in this episode to share his journey from his humble beginnings in journalism and Guitar Player Magazine to his new venture with Guardians of Guitar, and what he’s learned along the way. --- Support this podcast: https://anchor.fm/behindthebackline/support

Red Velvet Media ®
Tania Stavreva , Bulgarian-born piano dynamo!

Red Velvet Media ®

Play Episode Listen Later Jun 29, 2018 55:00


Bulgarian-born piano dynamo (Time Out NY) Tania Stavreva “has taken solo piano to rare heights (Classicalite).She is a unique pianist (Bachtrack), recognized for her fiery pianism (The Arts Desk),unique contemporary style”(AXS). Her edgy, knockout (The Huffington Post) album Rhythmic Movement reached the Billboard Classical Top 10, and has won 11international music awards in one season. She has performed at Carnegie Hall’s main stage, Lincoln Center, The Grammy Museum, to name a few.International multi-award winning Billboard Top 10 artist and "Bulgarian-born piano dynamo" (Time Out NY) Tania Stavreva is described by the critics as "most unique, most exciting, mesmerizing, world class, bold, dynamic, magnificent, fearless, terrific and fascinating!” Some career highlights include solo performances at Carnegie Hall's Stern Auditorium/Perelman Stage, Lincoln Center (New York), the Grammy Museum Theater/Clive Davis Auditorium (Los Angeles), Koerner Hall (Toronto, Canada), Wheeler Opera House (Aspen, CO). She has been featured on BBC Music Magazine, CNN, ABC7, NY 1 News, NY Daily News, AXS and Keyboard Magazine to name a few. Her "knockout" (The Huffington Post) album Rhythmic Movement reached Billboard Classical Top 10 and won 14 international music awards. Tania is one of the most versatile young artists of her generation who, performing also at venues such as The Hard Rock Cafe (Hollywood, CA), Webster Hall (New York) and Paradise Rock Club (Boston, MA).  

Art + Music + Technology
Podcast 173: Jim Aikin

Art + Music + Technology

Play Episode Listen Later Apr 30, 2017 61:50


Jim Aikin is one of my heroes - he introduced me (along with David Friend) to synthesizers in a way that I could grasp at the time, but also led me down many musical paths through his album reviews, deft editing of columns and excellent product reviews. I was lucky enough to corner Jim for an interview, and we ripped off a great one! One of the things I love about Jim is that he has real, heart-felt opinions - and is willing to share them. So we get to hear about his views on music, synth development, writing and the publishing industry. But more than those tidbits, we get to hear from someone that has been on the front lines of the synth business for decades. He's written about everything from 2600's to Kontakt libraries, and has a singular feel for synth design from having experienced it all. I'd strongly recommend that you check out some of Jim's writing: his music blog is available at https://synthage.wordpress.com/, and Keyboard Magazine has a collection of his work here. We also reference the review of the Serge Modular in this podcast; you can read it at this link. It was great to chat with Jim, and I look forward to doing it again at some point. In the meantime, enjoy this podcast!

May The Best Brand Win
04/21/17 Episode 50: The Fake News with Sarah Jones, Editor at Mix Magazine

May The Best Brand Win

Play Episode Listen Later Apr 23, 2017 60:17


Journalism was once a fact-based unbiased way to talk about newsworthy events and thereby attract an audience. But as the Pew Research numbers have shown, its credibility continues to plummet affecting our society and many industries including public relations. It’s a big topic and big topics require some help so I’m bringing in Sarah Jones, former editor-in-chief at Keyboard Magazine to talk about journalism in general, music journalism past, present and future. We’ll also double team who’s winning and losing this week in marketing. Extra, extra hear all about it…on the next action-packed episode of May the Best Brand Win on Entertalk Radio. 

Art + Music + Technology
Podcast 112: Gino Robair

Art + Music + Technology

Play Episode Listen Later Jan 17, 2016 49:29


A short time ago, I saw something on my Facebook feed that caught my attention: Gino Robair had been named Editor in Chief at Keyboard Magazine. Since this magazine had been at the center of my early obsessions with synths, and Gino had sort of 'grown up' in front of me as a contributor to these magazines, I was pleased to see this happen. It was as if my generation had finally taken over...! So I reached out to Gino, hoping to talk to him about magazine arts and stuff. But I also knew that he had an active performing career - and I ended up focusing on that part of his background and work. He's an amazing performer, has a lot of insights on improv and compositional techniques, and has had a chance to work with some really amazing people. I'll bet you'll be as surprised as I was about the depth of his work. Enjoy this podcast - it's a killer!

chief gino keyboard magazine
Лунный Город
Robert Rich — американский классик эмбиента (006)

Лунный Город

Play Episode Listen Later Nov 11, 2015 117:19


Роберт Рич (англ. Robert Rich) - американский эмбиент-музыкант и композитор. Родился в 1963 году, в Калифорнии. Без всяких сомнений, можно сказать, что Роберт Рич один из тех, кто довольно серьезно повлиял на сегодняшний эмбиент, нью-эйдж и экспериментальную музыку в целом. Вот уже на протяжении трех десятилетий и более чем 30-ти альбомов Роберт Рич задает тон в данных жанрах музыки эмбиент (ambient) и дарк эмбиент (dark ambient), при этом его собственный стиль довольно трудно четко классифицировать. Уникальное звучание музыки Роберта Рича складывается из звучания электронных и акустических (флейты, гитары) инструментов, микротональных гармоний, процессинга сигнала с использованием компьютерных технологий, хаотических систем и сетей обратных связей. Роберт начал создавать свои аналоговые синтезаторы в ещё 1976 году, когда ему было всего 13 лет, затем он учился в Стэнфордском Центре компьютерных исследований музыки и акустики (CCRMA). Среди музыкальных влияний на творчество Роберта Рича - работы композиторов-минималистов Терри Райли, Джона Кейджа, а также немецких музыкантов, работающих в сфере электронной музыки - Клауса Шульце и группы Cluster. Свой первый альбом "Sunyata" Роберт выпустил в 1982 году. Большинство его следующих записей до 1989 года выпускались в Европе, затем Роберт начал сотрудничать с леблом Fathom/Hearts of Space, который выпустил "Rainforest" (1989), "Gaudi" (1991), "Propagation" (1994) и "Seven Veils" (1998). Обе его совместные работы со Стивом Роучем (Steve Roach): "Strata" (1990) и "Soma" (1992) занимали первые места в чартах Billboard в течение нескольких месяцев. Также были и другие совместные записи: "Stalker" (1995 вместе с B. Lustmord), "Fissures" (1997 вместе с Alio Die) и "Outpost" (2002 с Ian Boddy), "Zerkalo" (2008 c российским музыкантом Faryus). Любовь Роберта Рича к творчеству Андрея Тарковского отразилась в названиях его концептуальных альбомов "Сталкер" и "Зеркало". Треки с различных компиляций и сборников были собраны вместе и выпущены как соло альбомы: "A Troubled Resting Place" (1996) и "Below Zero" (1998). Его группа "Amoeba" (совместный проект с Риком Дэвисом) экспериментировала с атмосферными композициями-песнями, жанр которых Рич определяет как "фолк-эмбиент". Были выпущены 2 диска проекта: "Watchful" (1997) и "Pivot" (2000). Концертные альбомы, такие как "Calling Down the Sky" (2004) и "Humidity" (2000) задокументировали его уникальные импровизации. Концертные выступления Роберта Рича проходили в гротах, кафедральных соборах, планетариях, арт-галереях и концертных залах по всей Европе и Северной Америке. Его знаменитые "концерты для сна", когда музыка использовалась в терапевтических целях для помощи людям, страдающим бессонницей, длились всю ночь, были впервые сыграны в 1982 году и стали легендарными в Сан-Франциско. В 1996 он решил возобновить свои ночные концерты и играл их во время своего трёхмесячного тура по всему США, а также вживую на радио. В 2001 Роберт выпустил DVD "Somnium", как квинтэссенцию своих "концертов для сна" - этот релиз содержит, возможно, самую длинную беспрерывную пьесу (она звучит около 7 часов). Роберт создавал много музыки для телевидения и телефильмов, включая такие фильмы как "Pitch Black", "Crazy Beautiful", "Behind Enemy Lines". Также он писал музыку для фильмов Yahia Mehamdi (Thank you for your Patience, 2003) и Daniel Colvin (Atlas Dei, 2007 - 90 минут музыки Роберта в surround-формате), а также для видеоинсталляций Michael Somoroff (Illumination, 2007). Роберт тесно сотрудничает с производителями электронных музыкальных инструментов. Он создавал музыкальные библиотеки для Emu Proteus 3 и Morpheus, Seer Systems Reality, он создал CD c семплами для Things that Go Bump in the Night, ACID Loop Library Liquid Planet, WayOutWares TimewARP2600, и для синтезаторов Camel Audio. Роберт создал серию программного обеспечения для композиторов и развивал микронастраивающиеся спецификации для MIDI. Роберт работает и как саунд-инженер, он "применил свое ухо" ко множеству альбомов во всех стилях. Его студии были посвящены два выпуска журнала Keyboard Magazine, и она известна по всему миру.

Sacred Stories with Rev. Patricia Brooks
Why On Our Quest For Our Spiritual Truth... We Have Got it All Backwards!

Sacred Stories with Rev. Patricia Brooks

Play Episode Listen Later Jul 7, 2014 56:05


"Maybe you think that you’ll get closer to enlightenment if you keep reminding yourself to work at allowing things to happen without forcing, and to be in the present, and to be centered.But you’ve got it all backwards when you copy the effects of enlightenment in order to be enlightened. Those things are just the map. They are not the territory. Occupy the territory, and those things will happen spontaneously, without you having to work at it.There is still another way that you’ve got it all backwards. That is when you desire enlightenment.You might think that you desire enlightenment. Actually, enlightenment desires you. When you are pushing toward it, you are misperceiving. It is actually pulling you. And The ocean comes to the drop, not the other way around.”Join us for a profound and life changing discussion with Jeffrey Chappell, author of his book and an International Best Seller "Answers from Silence"Learn how to shift your perception of your work, your journey towards enlightenment so that you, like me, stop doing it backwards!Jeffrey Chappell is the author of "Answers From Silence", which became an international best-seller in March this year. He is a lifelong student of spirituality, a practitioner of the MariEl healing method, and a long-term meditator. He is a professional concert pianist and has traveled around the world giving performances and music seminars. He is also a composer, recording artist, jazz musician, and college professor. His numerous writings, exploring the spiritual dimensions of music, have been published in Clavier Magazine and in Piano and Keyboard Magazine, for which he was a contributing editor. He posts articles regularly at answersfromsilence.com.

Exploring Nature, Culture and Inner Life
2014.06.20: Suzanne Cianni - Performance and Conversation w/ Michael Lerner

Exploring Nature, Culture and Inner Life

Play Episode Listen Later Jun 29, 2014 95:19


Suzanne Ciani Piano Concert Hear the inauguration of our newly gifted grand piano with a concert by Bolinas composer-pianist Suzanne Ciani. Suzanne performed original compositions for piano solo, followed by a conversation with TNS Host Michael Lerner. Ciani’s many recognitions include five Grammy nominations for Best New Age Album, the Indie Award for Best New Age Album and Keyboard Magazine’s “New Age Keyboardist of the Year.” Suzanne Ciani In the early nineties, Suzanne relocated to Bolinas from New York City to concentrate on her artistic career after 20 years as a leader in the field of sound design for film and television, creating award-winning music for a host of high profile Fortune 500 clients. Additionally, she has the recognition of being the first woman hired to score a major Hollywood feature, scoring the Lily Tomlin feature The Incredible Shrinking Woman. Suzanne also brought her special talents to games, scoring original musical FX for Bally’s Xenon Pinball and becoming the first female voice in a game; the story of her creative work became the subject of a television segment of Omni Magazine, hosted by Peter Ustinov. In 1995, she established her own record label, Seventh Wave, after many years as an artist on major labels (Atlantic, Private Music/Windham Hill/BMG/Sony). In addition to her fifteen albums, she has published four books of original piano music through the Hal Leonard Corporation. Her signature composition, “The Velocity of Love,” appears in numerous anthologies of romantic music. Find out more about The New School at tns.commonweal.org.

Icon Fetch
92 - Ernie Rideout of Keyboard Magazine - Synth Gods Book

Icon Fetch

Play Episode Listen Later May 12, 2011 23:20


Ernie Rideout, the former editor for Keyboard magazine, has just put together a new book, Keyboard Presents: Synth Gods, which profiles 20 of the most influential keyboard pioneers in music. From the early inventions of Robert Moog to the trailblazing sounds of Brian Eno, Rideout shows how each artist would take the ideas from the past and give them their own personal touch. Icon Fetch talks to the author about meeting many of the musicians in the book, including getting to hang out and play basketball with the reclusive Prince.

Inside MusiCast
David Garfield

Inside MusiCast

Play Episode Listen Later Nov 24, 2006 40:00


The Los Angeles based keyboard player David Garfield has a long career as a musical director, arranger, composer and producer behind him, and he is still one of the ‘Cats’ that you always see playing local clubs such as The Baked Potato, Cafe Cordiale, or La Ve Lee. You’ll also find him on world tours with big acts like George Benson. Garfield has also performed at Keyboard Magazine’s 20th Anniversary Concert at the NAMM show alongside Bruce Hornsby and Joe Zawinul; played at the Modern Drummer magazine’s anniversary concert with Steve Ferrone; scored the syndicated TV show Sentinel; sat in with Isaac Hayes and The Blues Brothers at a House of Blues benefit concert; written music for the trailer for the Billy Crystal-Robin Williams comedy Father’s Day with James Newton-Howard, and finally the recording sessions for the Tribute to Jeff release. He is the founder of the band Los Lobotomys and Karizma and continues to influence the music world around us.