Podcasts about palazzo pitti

Die Dynastie der Medici bringt Kunst und Architektur nach Florenz. Mit Cosimo I. de Medici kommt politische Macht dazu: Am 5. März 1570 krönt ihn der Papst zum Großherzog. Von Irene Dänzer-Vanotti.

În al 5-lea episod din seria “Discuțiilor filosofice în parc” m-am reîntâlnit după doi ani cu Eric, Șerban și Cristian, de data aceasta în Cluj, luna mai 2024. Am vorbit cam despre tot ce se putea vorbi, unde mai în glumă, unde mai în serios. ▶LINKURI RELEVANTE:
 – Videoul original: https://youtu.be/KSMGD-5CzXM?si=n1Prv-lrTWwz7K1T – Discuțiile precedente: https://www.youtube.com/watch?v=mCmg2Owhe6s&list=PLLnaYpeWGNO8VNp5GgTZe0Pn636-WJgtW&index=1&t=0s ▶DISCORD:
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 ▶CRONOLOGIE:
 0:00 – Intro 1:13 – Nietzsche, Amurgul idolilor și disprețul față de Socrate 5:46 – Heidegger și Nazismul 8:17 – Mitologia și contradicțiile naziste 9:44 – Nietzsche, Wagner și esteticul 12:54 – Eterna reîntoarcere și viața ca mit 14:16 – Planeta Moldova și Mitoș Micleușanu 16:29 – Eric: “eu nu cred în creier” 17:25 – Platon, Republica și modelul tripartit al sufletului 19:47 – Cristian, „matca transcendentală” și Geneza 22:00 – Andrei: „băi, existența e absurdă” 22:59 – Kierkegaard: Frică și cutremur 23:31 – Noua ordine mondială 24:38 – Satul ideal al lui Cristian 25:14 – Dante: Divina Comedie 28:27 – Palazzo Pitti și arta barocă 29:18 – Artificialul vs. Naturalul; intenția în artă 38:44 – Șerban se alătură 38:58 – „În [ultimii] doi ani, care-i credința care v-ați schimbat-o?” 43:22 – Andrei: „eu mă văd ca un romantic târziu” 43:58 – Șerban: „eu arăt a Fiodor Karamazov... și atât” 44:14 – Frații Karamazov 45:36 – „Fac Tarkovski” 47:46 – Eric și Platonismul 49:00 – Lumea e făcută din valori sau lucruri? 52:01 – Frederick Copleston vs. Bertrand Russell (1948) 56:43 – Hemingway: Bâtrânul și marea 58:51 – Sinuciderea lui Hemingway 1:00:15 – De ce scriitorii de azi scriu mai rău ca înainte? 1:00:43 – Frumusețea și fantezia 1:10:37 – Proust: În căutarea timpului pierdut 1:16:15 – André Gide 1:16:42 – Româna și limbile străine 1:18:18 – ASMR cu covrigi 1:19:15 – Cultura de astăzi e sterilă? 1:26:46 – Intenția artistului contează? 1:38:21 – Ce este o operă de artă? 1:45:53 – Diferența dintre artă și propagandă 1:48:17 – Eureka lui Cristian 1:48:47 – Șerban: “Act juridic consensual. Act juridic consenzual” 1:49:19 – Schimbarea sistemului de valori 1:51:37 – Cristian: “abandonul valorilor manifestat în simbolul gunoiului” 1:53:24 – Artistul care nu mai poate crea 1:55:45 – Abundența, piatra filosofală și alchimia artistică 1:58:27 – Ce este un artist adevărat? 2:07:10 – Trebuie să fim fideli intenției autorului? 2:12:20 – L'Adorazione dei Magi: pictura nefinisată a lui Leonardo da Vinci 2:16:32 – În altă ordine de idei 2:16:58 – Am epuizat toate ideile; Sam Harris 2:17:53 – Filosoful din Linella 2:19:09 – Outro

Known for being the birthplace of the Renaissance, Florence, Italy was a cultural hub where literature, science, and the arts all thrived. Joining Stevie to talk about some top sites to see in Florence and more about Florence's history is Kasia Chojecki from the Amongst Romans blog and podcast.Show Notes ⬇️ Published on 9/27/24 Timecodes0:00 - Intro1:39 - Why Florence is a Special Place3:38 - More About Florence's History and the Medici Family10:36 - The Duomo12:47 - The Ponte Vecchio14:03 - The Palazzo Vecchio, Palazzo Pitti & Boboli Gardens16:20 - Piazza della Signoria18:12 - When is the Best Time of Year to Visit Florence?21:10 - Stay Connected with Amongst Romans24:56 - Kasia Chojecki is a Student of Travel Follow Along With This Blog Post From Amongst RomansUnlocking the Secrets of Florence: Must-Sees & Local GemsListen to the Amongst Romans Podcast onSpotifyPodbeanApple PodcastsFollow Amongst Romans onFacebookInstagramPinterestExplore Group Experience to Learn how to Build your Travel Tribe

#ItalianSecrets #ElkeHeselmeyer #DNEWS24 #BellaFigura #Mode #Modeschau Vor wenigen Tagen jährte sich ein für die italienische Modewelt sehr wichtiges Ereignis: Am 12. Februar 1951, also vor nunmehr 73 Jahren, fand nämlich in Florenz „das“ Ereignis statt, das die Geschichte der italienischen Mode maßgeblich beeinflusst hat. Der Unternehmer Giovanni Battista Giorgini organisiert in seiner Villa in Florenz die erste Moden-schau Italiens. Vor der internationalen Presse präsentieren die Models Kleidung verschiedener italienischer Hersteller und Modehäuser. Diese Modenschau war sehr erfolgreich und sorgte dafür, dass von nun an deutlich mehr italienische Mode exportiert wurde: In nur einem Jahr stiegen die Exporte von 125.000 Dollar auf 1,5 Mio Dollar. Dies war auch die Veranstaltung, bei der italienische Mode ihre ersten Schritte auf der Weltbühne machte und dann in die Sala Bianca im Palazzo Pitti verlegt wurde, was wiederum Giorginis Idee war. Doch wer oder was steckt dahinter? Wie kam es dazu?

Annamaria Giusti, Emanuele Pellegrini"All'ombra di San Martino"Arte, storia, devozioneOlschki Editorewww.olschki.itIn quanto insigne esempio di architettura e di arte, ma anche in virtù del suo peso nella vita cittadina, la cattedrale di San Martino è partecipe dei maggiori eventi della storia di Lucca. Dal Medioevo alle epoche successive: luogo vitale di culto, centro vivace di pellegrinaggi e scambi, espressione dell'impegno plurisecolare di artisti ed architetti, essa risulta protagonista delle trasformazioni sociopolitiche sul territorio. Il presente studio raccoglie saggi di specialisti delle diverse discipline, che proiettano il monumento in una dimensione europea e ne ravvivano la storia millenaria.Annamaria GiustiPremio Nelli 2005. Anna Maria Giusti è la direttrice del Museo dell'Opificio delle Pietre Dure, in cui ha operato dagli anni settanta alla fine degli anni novanta, ritornandovi nel 2012. Come direttrice ha curato diversi settori fra cui quello del restauro dei mosaici e delle pietre semipreziose, la terracotta, il bronzo e le armi antiche. La dott.ssa Giusti è stata cofondatrice della Rivista Scientifica dell'Opificio nel 1986 e ha diretto innumerevoli restauri importanti come quelli dei marmi dell'Orsanmichele, dei mosaici del Battistero del Duomo e quello della Porta del Paradiso del Ghiberti. Nel 2008 ha iniziato a dirigere la Galleria d'Arte Moderna di Palazzo Pitti. Nel corso della sua carriera la dott.ssa Giusti ha pubblicato più di 120 volumi, in particolare libri riguardanti i laboratori granducali all'Opificio nel Settecento.Storica dell'Arte, eletta Accademico Onorario il 18.10.2007, eletta Accademico Corrispondente il 05.10.2016; eletta Accademico Ordinario il 18.10.2017; eletta Accademico d'Onore il 29.09.2022.Emanuele Pellegrini È professore associato di storia dell'arte presso IMT Alti Studi di Lucca, dove dirige il corso di dottorato in Analysis and Management of Cultural Heritage. Si occupa di storia della critica d'arte, della tutela e di storia del collezionismo in particolare tra Settecento e Novecento. È direttore della rivista «Predella. Journal of Visual Arts».IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/show/tracce-di-il-posto-delle-parole_1/support.Questo show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

Le prime pagine dei principali quotidiani nazionali commentate in rassegna stampa da Davide Giacalone. Putine e la morte di Prigozhin, l'India sulla luna, la Meloni sulla Crimea. L'appuntamento con Donna Moderna. Nel numero in edicola troviamo la cover story dedicata a Greta Thunberg, ma si parla anche di ecoansia. Ne abbiamo parlato con Myriam Defilippi, di Donna Moderna. In questi giorni il caldo torrido torna a farsi sentire un po' in tutta la penisola. Gli ultimi colpi di coda dell'estate? Lo abbiamo chiesto a Nikos Chiodetto di 3BMeteo. Il giallo sull'aereo della Wagner abbattuto ieri in Russia, a bordo c'era il capo Yevgeny Prigozhin? Ne abbiamo parlato questa mattina con il presidente del Centro Studi Internazionali, Andrea Margelletti. Ieri mattina i fiorentini hanno trovato imbrattato il Corridoio Vasariano, la passeggiata coperta che unisce gli Uffizi con Palazzo Pitti. Il Sindaco di Firenze Dario Nardella, che si trova a Barcellona, ha subito fatto aprire un'indagine dalla polizia municipale attaccando duramente gli autori del gesto. Il Sindaco Nardella è in diretta con noi. All'interno di Non Stop News, con Giusi Legrenzi, Enrico Galletti e Massimo Lo Nigro.

In s2e29, Platemark hosts Ann Shafer and Tru Ludwig talk about Claude Lorrain, the arbiter of landscape painting in the 17th century. He worked most of his life in Rome and elevated landscape as a subject up the academic hierarchy by including small figural groups and naming the compositions with mythological or biblical subjects. He's known by various names that can be confusing. He was born Claude Gelée in the independent duchy of Lorraine, which is why the French call him le Lorrain. The English, who collected his works assiduously and even now have the highest number of his works (by country), refer to him simple as Claude. He created an amazing cache of ink and wash drawings of each of his painted compositions in a first catalogue raisonné of sorts. He dubbed this book the Liber Veritatis («the book of truth»). Claude told his biographer Filippo Baldinucci that he kept the record as a defense against others passing off his work as theirs. This bound group of drawings was collected and owned by the Dukes of Devonshire from the 1720s until 1957 when it was given to the British Museum (in lieu of estate taxes upon the death of Victor Christian William Cavendish, the 9th Duke of Devonshire). While Claude died in 1682, his renown in England was enough to prompt the print publisher John Boydell to hire artist Richard Earlom to create prints after the drawings nearly one hundred years after Claude's death. Two hundred etchings with mezzotint were created between 1774 and 1777, and were published in two volumes as Liber Veritatis. Or, A Collection of Two Hundred Prints, After the Original Designs of Claude le Lorrain, in the Collection of His Grace the Duke of Devonshire, Executed by Richard Earlom, in the Manner and Taste of the Drawings.... Later, a third volume of an additional 100 prints was published in 1819. Earlom used etching to mimic Claude's ink lines and mezzotint for the wash areas. They were printed in brown ink to mimic iron gall ink. Hugely influential in England, the books were popular with collectors and were used by artists as models for copying. The Liber Veritatis also inspired J.M.W. Turner to produce a similar project of 71 prints after Turner's painted compositions, which he called Liber Studiorum. They may appear old fashioned to contemporary viewers, but rest assured, landscape was just getting its legs under it. Boring imagery? Maybe. But important for our story of the history of prints in the West. Episode image: Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Seaport with Ulysses Returning Chryseis to Her Father, c. 1644. Pen and brown ink with brown and blue wash, heightened with white on blue paper. 19.8 x 26.2 cm. British Museum, London.   Gian Lorenzo Bernini (Italian, 1598–1680). Bust of Louis XIV, 1665. Marble. Palace of Versailles. Hyacinth Rigaud (French, 1659–1743). Louis VIX, 1700–01. Oil on canvas. 277 x 194 cm. (109 x 76 3/8 in.) The Louvre, Paris. Claude Mellan (French, 1598–1688). Louis XIV as a Child, 1618–1688. Engraving. Sheet (trimmed to platemark): 13 9/16 x 9 1/2 in. (34.5 x 24.2 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Federico Barocci (Italian, 1528–1612). The Stigmatization of St. Francis, after the painting in the Church of the Capuccines, Urbino, c. 1575. Etching, engraving, and drypoint. Plate: 228 x 145 mm. (9 x 5 ¾ in.). Achenbach Foundation for Graphic Arts, Fine Arts Museum of San Francisco. Federico Barocci (Italian, 1528–1612). The Annunciation, c. 1585. Etching and engraving. Sheet (trimmed within platemark): 17 3/8 × 12 5/16 in. (441 × 312 mm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Rembrandt (Dutch, 1606–1669). Christ Crucified between the Two Thieves: The Three Crosses (iv/iv state), c. 1660. Drypoint. Sheet (trimmed to platemark): 15 1/16 x 17 1/2 in. (382 x 444 mm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Annibale Carracci (Italian, c. 1557–c. 1642). St. Jerome in the Wilderness, c. 1591. Etching and engraving. Sheet (trimmed to platemark) : 24.8 x 19.2 cm. (9 ¾ x 7 9/16 in.). Metropolitan Museum of Art, New York. Guido Reni (Italian, 1575–1642). The Holy Family, c. 1595–1600. Etching and engraving. Sheet (trimmed to platemark): 20 x 14 cm. (7 7/8 x 5 12 in.). Metropolitan Museum of Art, New York. Jusepe de Ribera (Spanish, 1591–1652). The Penitence of St. Peter. 1621. Etching and engraving. Sheet (trimmed to platemark): 31.8 x 24.2 cm. (12 ½ x 9 ½ in.). Metropolitan Museum of Art, New York. Salvator Rosa (Italian, 1615–1673). Jason and the Dragon, 1663–64. Etching and drypoint. Plate: 13 5/16 × 8 9/16 in. (33.8 × 21.8 cm.); sheet: 14 5/16 × 9 15/16 in. (36.4 × 25.3 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Gian Lorenzo Bernini (Italian, 1598–1680). The Ecstasy of Saint Teresa, 1647-52.  White marble set in an elevated aedicule in the Cornaro Chapel, Santa Maria della Vittoria, Rome. Caravaggio (Italian, 1571–1610). Conversion of Saint Paul on the Way to Damascus, 1600–01. Oil on canvas. 230 × 175 cm. (91 × 69 in.). Santa Maria del Popolo, Rome. Andrea Pozzo (Italian, 1642–1709). Assumption of St. Francis, c. 1685. Sant'Ignazio, Rome. Pietro Testa (Italian, 1612–1650). The Martyrdom of St. Erasmus, c. 1630. Etching. Sheet: (trimmed to platemark): 27.9 x 18.9 cm. (11 7 7/16 in.). Metropolitan Museum of Art, New York. Jacques Callot (French, 1592–1635). Plate eleven: The Hanging from the series The Large Miseries and Misfortunes of War, 1633. Etching. Sheet: 4 1/8 x 8 1/4 in. (10.5 x 21 cm.); plate: 3 1/4 x 7 5/16 in. (8.2 x 18.6 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Peter Paul Rubens (Flemish, 1577–1640). The Consequences of War, 1637–38. Oil on canvas mounted to panel. 206 x 342 cm. (81 x 134 ½ in.). Palazzo Pitti, Florence. Diego Velasquez (Spanish, 1599–1660). Surrender at Breda, 1634–35. Oil on canvas. 307 x 367 cm. (121 x 144 in.) Museo del Prado, Madrid. Callot's Hanging Tree spreads word of the facts of the attack on Nancy, whereas paintings can only be in one place (Rubens' Consequences of War and Velasquez's Surrender at Breda). Jean Marot (French, 1619–1679), after Gian Lorenzo Bernini (Italian, 1598–1680). The Louvre in Paris, elevation of the principal facade facing Saint-Germain l'Auxerrois. Plate 8 from Jacques-François Blondel's Architecture françoise, volume 4, book 6. Nicolas Poussin (French, 1594–1665). Et in Arcadia ego, 1637–38. Oil on canvas. 85 × 121 cm. (34 1/4 × 47 1/4 in.). Louvre, Paris. Nicolas Poussin (French, 1594–1665). Landscape with St. John Patmos, 1640. Oil on canvas. 100.3 × 136.4 cm (39 1/2 × 53 5/8 in.). Art Institute of Chicago, Chicago. Nicolas Poussin (French, 1594–1665). The Abduction of the Sabine Women, c. 1633–34. Oil on canvas. 60 7/8 x 82 5/8 in. (154.6 x 209.9 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Rembrandt van Rijn (Dutch, 1606–1669). Landscape with the Good Samaritan, 1638. Oil on oak panel. 46.2 × 65.5 cm. (18 × 25 3/4 in.). Czartorynski Museum, Kraków. Jacob van Ruisdael (Dutch, 1628/1629–1682). View of Haarlem with Bleaching Fields, c. 1670–75. Oil on canvas. 62.2 x 55.2 cm. (24 ½ x 21 ¾ in.). Kunsthaus Zurich, Zurich. Thomas Cole (American, born England, 1801–1848). Catskill Mountains Landscape, c. 1826. Oil on panel. 15 15/16 x 21 7/8 in. Sheldon Museum, University of Nebraska-Lincoln. Tru's diagrams of Poussin's Et in Arcadia Ego. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Self-Portrait. Oil on canvas. Musée des Beaux-Arts de Tours. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Frontispiece for the Liber Studiorum, 1777. Plate: 7 x 5 in. New York Public Library. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba, 1648. Oil on canvas. 149.1 × 196.7 cm. (58 3/4 × 77 1/2 in.). National Gallery, London. One of many Claude Lorrain paintings with its corresponding diagram. Several diagrams showing compositional plans according to the Golden Ratio. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Rustic Dance, 1637. Oil on canvas. Galleria degli Uffizi, Florence. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). The Village Boerendans Dance, c. 1637. Etching. 29.7 x 24.1 cm. (11 ¾ x 9 ½ in.). Alamy Stock Photo. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Harbor Scene with Rising, 1634. Etching. Sheet: 5 9/16 x 8 1/4 in. (14.1 x 21 cm.); plate: 5 1/8 x 7 13/16 in. (13 x 19.8 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Harbor Scene with Rising Sun, c. 1649. Oil on canvas. 97 x 119 cm. (38 x 46 ¾ in.). Hermitage Museum, St. Petersburg. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Seaport with Ulysses Returning Chryseis to Her Father, c. 1644. Pen and brown ink with brown and blue wash, heightened with white on blue paper. 19.8 x 26.2 cm. British Museum, London. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Seaport with Ulysses Returning Chryseis to Her Father, 1650s. Oil on canvas. 119 x 150 cm (46 ¾ x 59 in.). Louvre, Paris. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Landscape wirth Aeneas at Delos, c. 1672. Pen and brown ink and brown wash, with gray-brown wash. 19.3 x 25.6 cm. British Museum, London. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Landscape with Aeneas at Delos, 1672. Oil on canvas. 99.6 x 134.3 cm. National Gallery, London. Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Index of owners of Claude's paintings in the Liber Veritatis. British Museum, London. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682). Holy Family, from the Liber Veritatis, 1776. Etching and aquatint. Sheet : 23 x 29.4 cm.; plate: 20.8 x 26.3 cm. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682), published by John Boydell (British, 1719–1804). Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York. John Boydell (British, 1719–1804), publisher. Dedication from Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York. James Mallord William Turner (British, 1775–1851). Fifth Plague of Egypt, from the Liber Studiorum, part III, plate 16), 1808. Etching only (before first state). Plate: 7 x 10 in. (17.8 x 25.4 cm.); sheet: 8 1/8 x 25 in. (20.6 x 63.5 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. James Mallord William Turner (British, 1775–1851) and Charles Turner (British, 1774–1857). Fifth Plague of Egypt, from the Liber Studiorum, part III, plate 16), 1808. Etching and mezzotint (first state of three). Plate: 7 1/16 x 10 1/4 in. (17.9 x 26 cm.); sheet: 8 1/4 x 11 7/16 in. (21 x 29.1 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Claude Glass. Science Museum, London. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682), published by John Boydell (British, 1719–1804). No. 154 from Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682), published by John Boydell (British, 1719–1804). No. 1 and 2 from Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682), published by John Boydell (British, 1719–1804). No. 3 and 4 from Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York.  Richard Earlom (British, 1743–1822), after Claude Lorrain (French, c. 1600–1682), published by John Boydell (British, 1719–1804). No. 13 and 14 from Liber veritatis: or, A collection of prints, after the original designs of Claude le Lorrain ; in the collection of His Grace the Duke of Devonshire, 1777–1819. New York Public Library, New York. Claude Mellan (French, 1598–1688). Moses Before the Burning Bush, 1663. Engraving. Sheet (trimmed to platemark): 9 7/16 x 13 3/16 in. (24 x 33.5 cm.). Metropolitan Museum of Art, New York. Golden mean diagram, https://blog.artsper.com/en/a-closer-look/golden-ratio-in-art/.  

Cristina Acidini"L'arte della moda"L'età dei sogni e delle rivoluzioni 1789-1968Forlì, Museo Civico San DomenicoFino al 2 luglio 2023http://www.mostremuseisandomenico.itTintoretto, William Hamilton, George Romney, Francesco Hayez, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, James Tissot, Giovanni Boldini, Vittorio Corcos, Henry Matisse, Josef Hoffmann, Giacomo Balla, Piet Mondrian, Umberto Boccioni, Giorgio de Chirico, Damien Hirstinsieme con Charles Frederick Worth, Ventura, Mariano Fortuny, Paul Poiret, SalvatoreFerragamo, Coco Chanel, Germana Marucelli, Valentino Garavani e Pierpaolo Piccioli, Giorgio Armani, Christian Dior per John Galliano, Gucci, Prada, Tom Ford, Cristobal Balenciaga, Yohij Yamamoto: sono soltanto alcuni dei 100 artisti e dei 50 stilisti e couturier protagonisti di L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968, la grande mostra ideata e realizzata da Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì negli spazi del Museo Civico San Domenico, fino al 2 luglio 2023. Diretta da Gianfranco Brunelli e curata da Cristina Acidini, Enrico Colle, Fabiana Giacomotti e Fernando Mazzocca, l'esposizione è dedicata all'affascinante rapporto fra arte e moda. Il periodo preso in considerazione attraversa tre secoli: dall'Ancien Régime al secondo Novecento. Un racconto unico. Un percorso espositivo di confronti che comprende oltre 300 opere, tra quadri, sculture, accessori, abiti d'epoca e contemporanei. L'esposizione forlivese, la prima del suo genere, somiglia a un vero e proprio kolossal. Le opere, che a partire dal Settecento attraversano la Rivoluzione francese, il Romanticismo, la Macchia, l'Impressionismo, il Simbolismo e tutte le Avanguardie novecentesche fino a oggi, identificano un rapporto tra arte e moda dove l'arte rispecchia, crea e si fa moda e la moda appartiene definitivamente alle arti. La moda dipinta, ritratta, scolpita, realizzata dai grandi artisti. L'abito che modella, nasconde, dissimula e promette il corpo. L'abito come segno di potere, di ricchezza, di riconoscimento, di protesta. Come cifra distintiva di uno stato sociale o identificativa di una generazione. La moda come opera e comportamento. L'arte come racconto e come sentimento del tempo Tra le opere esposte Ritratto dell'avvocato Carlo Manna (1907) di Umberto Boccioni, Ritratto di Emiliana Concha de Ossa (1888) di Giovanni Boldini, Grande composizione A con nero, rosso, grigio giallo e blu (1919) di Piet Mondrian, Donna e anemoni (1920-1921) di Henry Matisse a cui fanno da contrappunto due completi ricamati di Giorgio Armani, il Panciotto di Marinetti (1923 – 1924) di Fortunato Depero, la Camicia Orlando (A/I 2001-02) di Gianfranco Ferré, il Delphos in seta con sopravveste in velluto (1920 circa) di Mariano Fortuny in dialogo con una Kore di tipo Eleusidella fine del II secolo, l'Abito da giorno “Linea Assira” (1961) di Germana Marucelli e un abito da sera inedito di Elsa Schiaparelli. Accompagnato dal catalogo edito da Dario Cimorelli Edizioni, il progetto espositivo, curato dall'architetto Alessandro Lucchi, si è avvalso della preziosa collaborazione dei più importanti musei d'arte, degli archivi, dei musei e maison di moda. L'esposizione forlivese porta in Italia capolavori provenienti da importanti istituzioni museali internazionali quali, tra gli altri, il Musée d'Orsay di Parigi, la Galleria Belvedere di Vienna, il Musée d'Art et d'Histoire di Ginevra, la Klimt Foundation e il MAK- Museum of Applied Arts, di Vienna, la Galerie Neue Meister di Dresda, Le Domaine de Trianon | Château de Versailles, il Kunstmuseum de l'Aia, il Museum National di Cracovia, il Castello Reale di Varsavia. Accanto ad essi i maggiori musei italiani: le Gallerie degli Uffizi di Firenze, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma, la Pinacoteca Agnelli di Torino, il Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, il Museo e Real Bosco di Capodimonte di Napoli, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, la Pinacoteca di Brera di Milano, i Musei Civici di Mantova, l'Istituto per il Teatro e il Melodramma - Fondazione Giorgio Cini di Venezia, il Museo del Novecento di Milano, l'Accademia di Belle Arti di Brera, il Museo Poldi Pezzoli di Milano, le Gallerie Nazionali d'Arte Antica di Roma, la Fondazione Magnani Rocca di Fontanellato, le Gallerie d'Italia di Intesa Sanpaolo, la Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca, la Fondazione Cariverona, il Museo Palazzo Ricci di Macerata, la Biblioteca Nazionale Centraledi Firenze, i Musei Civici di Padova, la Galleria d'Arte Moderna di Roma, il Museo Revoltella di Trieste, la Galleria d'Arte Moderna Restivo di Palermo. Prestigiosi anche i prestiti degli abiti e degli accessori provenienti da fondamentali case di moda come Giorgio Armani, Curiel, Prada, Christian Dior Couture, Archivio Storico Gucci, Maison Valentino, Lanvin, Max Mara; e da importanti istituzioni come Palazzo Morando | Costume Moda Immagine di Milano, Archivio Renato Balestra, il Museo Stibbert di Firenze, Centro di ricerca Gianfranco Ferré, il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti di Firenze, Archivio Storico Galitzine, il Museo Ferragamo di Firenze, il Museo Boncompagni Ludovisi di Roma, il Museo del Costume - Castello di Donnafugata di Ragusa, il Museo dell'Aeronautica Caproni di Trento, il Museo Mariano Fortuny y Madrazo e il Museo Correr di Venezia, la Fondazione Archivio Capogrossi di Roma, l'Archivio Germana Marucelli di Milano, gli Archivi Mazzini di Massa Lombarda, Fortuny di Venezia, la Collezione Tirelli Trappetti di Roma e la Collezione Massimo Cantini Parrini. Importanti anche i prestiti da collezioni private fra cui quella di AlbertoTagliabue e Giovanna Frossi. Ideata e realizzata dalla Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì in collaborazione con il Comune di Forlì e il Museo Civico San Domenico, la mostra è frutto del lavoro del prestigioso comitato scientifico presieduto ad honorem da Antonio Paolucci e composto da Marco Antonio Bazzocchi, Silvia Casagrande, Simona Di Marco, Fabriano Fabbri, Mario Finazzi, Gioia Mori, Francesco Parisi, Paola Refice, Giorgio Restelli, Stefania Ricci, Ines Richter, Chiara Squarcina, Ulisse Tramonti. Anche per L'arte della moda. L'età dei sogni e delle rivoluzioni, 1789 – 1968 si conferma la preziosa collaborazione avviata nel 2014 tra la Fondazione e Mediafriends, l'Associazione Onlus di Mediaset, Mondadori e Medusa, nel segno di arte e solidarietà, grazie alla quale una parte del biglietto di ingresso alla mostra verrà devoluto per sostenere il progetto “Scuola di Vita”, rivolto a ragazze e ragazzi che non hanno ancora trovato una strada.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.itQuesto show fa parte del network Spreaker Prime. Se sei interessato a fare pubblicità in questo podcast, contattaci su https://www.spreaker.com/show/1487855/advertisement

Postać Eleonory Toledańskiej czy też Eleonory z Toledo zafascynowała mnie po odwiedzinach we Florencji. Jej obecność namacalna jest w najważniejszych miejscach w mieście: Palazzo Vecchio, Palazzo Pitti i w galerii Uffizi. Żona Kosmy I Medyceusza, księcia Florencji, matka jego jedenaściorga dzieci i córka Wicekróla Neapolu. Pomimo tak arystokratycznego pochodzenia była niezwykle zaradną przedsiębiorczynią i zarządzała z zyskiem dobrami Medyceuszy. Posłuchajcie sami! ... Nagrań możecie posłuchać na: Spotify: https://spoti.fi/3bS7qEa Anchor: https://anchor.fm/otulina-otulina Apple Podcasts: https://apple.co/3lgoqoS You Tube: https://bit.ly/3wynHGl Możecie znaleźć moje wpisy na profilu na Facebooku: https://www.facebook.com/otulinablogpl lub na Instagramie: https://www.instagram.com/otulina_o_sztuce

At the Train Station with Francesca: Italian Version A – Ciao Francesca F – Ciao Anthony A – Sono davvero emozionato di andare a Firenze F – Anch'io. Cosa vuoi fare lì? A – Vorrei visitare tutto. So che ci sono un sacco di musei pieni di opere. E tu? F – Preferisco mangiare in tutti gli eccellenti locali come un vero fiorentino. A – Conosco un posto vicino Santo Spirito per mangiare. Dopo mangiato possiamo andare a Palazzo Pitti lì vicino. C'è anche il fantastico parco Giardino di Boboli. F – Ho due grandi amici che vivono a Firenze. Sono guide turistiche e ci possono mostrare un po' i dintorni. A – Compriamo il nostro biglietto del treno dal chiosco. Faremo Roma Firenze. Scendiamo a Firenze alla stazione di Santa Maria Novella. È di fronte la bellissima chiesa Santa Maria Novella. F – Ecco qui i nostri biglietti. Cerchiamo il binario 2. Il treno parte tra 30 minuti. A – Ho dimenticato di darti i soldi per il biglietto, Mi dispiace. Ecco. Voglio darti la mia parte. F – Nessun problema! Il treno sta arrivando. A – Ottimo! Sembra che ci siano molti posti liberi. F – E anche l'aria condizionata. Assicurati di avere un po' d'acqua e degli spuntini per il tragitto. A – Andiamo a Firenze! At the Train Station with Francesca: English Version A - Ciao Francesca. F - Ciao Anthony. A - I am excited to go to Florence. F - Me too. What do you want to do there? A - I would like to take in all the sights. I know there are a lot of museums filled with treasures. What about you? F - I prefer to eat at all the excellent local spots just like a Florentine. A - I know of a great spot near Santo Spirito to eat. When we finish eating we can walk over to Palazzo Pitti nearby. There is also the wonderful park the Boboli Gardens. F - I have two great friends that live in Florence. They are tour guides and can show us around a bit too. A - Let's buy our train tickets from the kiosk. We are going from Rome to Florence. We get off in Florence at the Santa Maria Novella Station. It's across from the beautiful church Santa Maria Novella. F - Here are our tickets. Let's find track 2. The train leaves in 30-minutes. A - I forgot to give you money for my ticket. I'm sorry. Here is it. I want to pay my share. F - No problem. Here comes the train. A - Great. It looks like there are a lot of seats available. F - And air conditioning. Make sure you have some water and a little snack for the ride. A - Let's go to Florence. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/theitalianmind/message

From Gold at the Ponte Vecchio to Sandwiches at All'Antico Vinaio to Art at the Uffizi Gallery, Firenze has just about everything a traveler can ask for, but none of these things were my favorite finds!Find out my favorite Historical Finds from Mr. DGMH's latest visit to Florence, Italy!Plus, I started talking about Monks and Saints for some reason... again. Key Topics:  Palazzo Pitti, Old Pharmacies, Dominican Monks, and Renaissance Art & History Thanks for listening!Cheers!Support the show here...Patreon Link - https://www.patreon.com/user?u=34398347&fan_landing=trueBe sure to follow DGMH on Instagram @drinkswithgreatminds_podcast and Join the DGMH Facebook group @ "Drinks with Great Men in History"Music:Hall of the Mountain King by Kevin MacLeodLink: https://incompetech.filmmusic.io/song/3845-hall-of-the-mountain-kingLicense: http://creativecommons.org/licenses/by/4.0/Artwork by @Tali Rose... Check it out!Support the show

Per undici anni è stata direttrice della Galleria moderna di Palazzo Pitti a Firenze, poi dell'Archivio delle collezioni asiatiche in Italia al Museo Nazionale d'Arte Orientale. Quindi dal 1987 al 1994 Soprintendente per i beni artistici e storici del Piemonte e dal 1995 al 2004 Soprintendente della Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, della quale ha curato il restauro e il riallestimento. Ma è stata anche la storica dell'arte che ha rivalutato la pittura dell'800 e che per prima l'ha studiata direttamente sulle fonti - tanto che oggi il suo lavoro è un pilastro insostituibile per gli studiosi di tutto il mondo. Schiva e totalmente dedita alla promozione del patrimonio artistico italiano, non ha mai considerato importante il successo personale, così che i suoi meriti vanno ben oltre la sua popolarità.

Starka känslor, tunga krav från konsthistorien och en molande värk i ländryggen. I den här essän funderar konstnären och kritikern Sonia Hedstrand på hur vi ska bete oss framför konsten. ESSÄ: Detta är en text där skribenten reflekterar över ett ämne eller ett verk. Åsikter som uttrycks är skribentens egna.Efter att ha blivit utskälld av en äldre man som hävdar att jag trängt mig i kön till Palazzo Pitti, och tillrättavisad av en nitisk vakt för att ha hängt lite för avslappnat på en träbänk på museet, beger jag mig i eftermiddagshettan till Piazza Santa Croce och sjunker ned på en uteservering. Känslomässigt utmattad av att ha sett verk av Sandro Botticelli, Piero della Francesca och Caravaggio med egna ögon. Efter en vecka i Milano och Florens kan jag inte ta in någon mer konst överhuvudtaget.Så fort jag kliver in på ett museum händer det. Ryggen värker, jag känner mig helt kraftlös och får ett akut behov av att lägga mig på en bänk. Jag vill verkligen se allting, men orkar inte.Problemet med så kallad museum fatigue, museitrötthet, diskuterades flitigt bland museologer vid förra sekelskiftet, skriver Eva-Lena Bergström, i sin bok Om söndagarne 1800-talets museibesökare och konsten att betrakta konst. Vissa kännare menade att det var den röriga salongshängningen som verkade utmattande på besökarna. Eller så berodde den mystiska tröttheten på de obekväma poser som betraktaren måste inta för att se verken. Vilket enligt den brittiske konstkritikern John Ruskin borde åtgärdas genom en linjär skolhängning i ögonhöjd.Själv funderar jag på om det inte bara är betraktarens passiva position som är tröttande. Uppfostrade sedan barnsben vet vi att vi borde beundra konst på ett kultiverat och bildat vis. Kravet på att prestera en uppmärksam men distanserad kontemplation hänger över en, medan kroppen längtar efter att springa runt i salarna eller sträcka ut sig på golvet.Där jag tar igen mig i skuggan under ett parasoll, övermätt på skönhetssträvande renässanskonst, får jag ändå dåligt samvete för att jag bara kastat ett snabbt öga på alla de duktiga 1700- och 1800-tals-målare som jobbat så hårt, och nu trängs på väggarna i de senare salarna av familjen Medicis fort, utan att någon bryr sig om deras livsverk. Överrumplad av känslor inför konsthistoriens alla bortglömda konstnärer, vilket självskrivet innefattar mitt eget missförstådda geni, ger jag mig hän åt den lysande idén att prova mig igenom hela vinlistan av lokal Chianti, Montepulciano och Brunello di Montalcino i högsommarvärmen.Mitt emot mig ståtar Basilica di Santa Croce där den franske författaren Stendhal tvåhundra år tidigare, år 1817, även han drabbades av Florens konstnärliga överdåd. I reseberättelsen Rom, Neapel och Florens utgjuter han sig om sina känslor; Min själ erfar ett slags druckenhet, skriver han en sensommar i Milano, just hemkommen efter ett besök på sitt älskade La Scala. Sedan tar han sig till Florens. Dantes, Michelangelos och Leonardos hem! Utropar han för sig själv, glad som ett barn. Han frågar sig fram bland lokalbor och finner till slut Santa Croce, där han betraktar freskerna:Där, sittande på trappan till en bönepall, med huvudet bakåtkastat för att vila på bänken, så att jag kunde låta min blick stanna i taket, genomgick jag, genom Volterranos Sibyllor, den djupaste upplevelsen av extas som, så vitt jag vet, jag någonsin har stött på genom målarens konst. Min själ, påverkad av själva tanken på att vara i Florens, och av närheten till de stora män vars gravar jag just skådat, var redan i ett tillstånd av trans. Absorberad i kontemplationen av sublim skönhet, kunde jag uppfatta dess essens helt nära.Men när han lämnar kyrkan händer något:När jag kom ut på trappan till Santa Croce, greps jag av en häftig hjärtklappning (samma symptom som i Berlin kallas en nervattack); livets källa torkade ut inom mig, och jag gick i ständig rädsla för att falla till marken.Stendhal hade konstchockats in i ett tillstånd som kallas hyperkulturemi. Eller numera just: Stendhalsyndromet.Psykoanalytikern Graziella Magherini hade under tjugo års tid vid Ospedale di Santa Maria Nuova i Florens tagit emot ett antal patienter som lidit psykiska sammanbrott efter ett överintag av stadens konstskatter. År 1989 gav hon ut boken Il Sindrome di Stendhal, där hon beskriver hur en stark konstupplevelse hakar i ett undertryckt trauma hos konstbesökaren och för upp det till ytan. Patienterna är ofta, liksom Stendhal och jag själv, lite sköra redan innan de anländer till den pittoreska staden.Stendhalsyndromet är alltså motsatsen till det berömda Parissyndromet, som uppstår då japanska turister får sin romantiska bild av Paris krossad av de snäsiga parisarna, stadens grå snålblåst och hundbajset på trottoarerna. I Florens är det ingen risk att bli besviken. Och en behöver inte vara kulturfattig nordbo för att överväldigas av stadens skönhet. År 2018 fick en italienare en hjärtattack framför Botticellis Venus födelse.Det är sannerligen inte lätt att vara en lagom engagerad konstpublik.År 1881, efter att Nationalmuseum hållit öppet i femton år, kände sig dess ledning föranledd att publicera ordningsregler för konstpubliken. I den andra paragrafen konstateras att Öfverlastade eller osnygga personer tillåtes icke inträde. Besökande, som stör god ordning eller eljest visar oskickligt uppförande, kan utvisas. Det var vid samma tidpunkt skyltar med rör ej konsten började sättas upp. Uppfostringen av medborgarna medelst konst hade börjat.Just det där med osnygghet  kan jag i och för sig hålla med om, tänker jag när en turist i t-shirt och något som liknar badbyxor (!) i kön till Santa Croce blir tilldelad en pappersponcho att täcka axlar och knän med.Florens var en av de första städerna i världen att öppna konstutställningar för allmänheten. Konsthistoriens fader Giorgio Vasari visade konst för publik på Akademien redan på 1500-talet. Medicifamiljens konstsamling gjordes tillgänglig för besökare på Uffizierna under 1600-talet, och för hela allmänheten år 1765. Snart följde resten av Europa efter. När kungafamiljen avrättats under franska revolutionen blev slottet Louvren till ett konstmuseum, och i Sverige instiftade Gustav den tredje sitt Kongl. Museum år 1792.På den tiden var det helt comme il faut att sitta i timmar framför en målning. Idag anses konstpubliken ha ett mycket kortare koncentrationsfönster. Häromåret sa en konsthallschef till mig: dina verk är för komplicerade för vår publik, de stannar bara 10 minuter i utställningarna. Vänta bara, tänkte jag, om några hundra år står de i timmar och bråkar i kön för att få se konst som en gång kallades samtida.Min bildningsresa till Milano och Florens är till ända. Stendhal, som älskade Italien, ville inte tillbaka till vardagen i det trista Lyon. I sin reseberättelse reflekterar han över sin högkänslighet inför konst och skönhet: finnes det icke en säkrare garanti för lycka // än att ha ett hjärta utformat så.Med en släng av Stendhal-syndromet och en baksmälla av toscanskt 1500-talsmått värdig Caravaggio hasar jag till lokaltåget mot Bergamo och hinner precis med lågprisflyget hem till Sverige, där jag kan vila upp mitt känsliga skönhetssinne.Sonia Hedstrand, konstnär och kritikerLitteraturEva-Lena Bergström: Om söndagarne 1800-talets museibesökare och konsten att betrakta konst. Appell förlag, 2021.Stendhal: Rome, Naples and Florence, 1817.Graziella Magherini: La Sindrome di Stendhal, 1989.

Abbiamo deciso di visitare il Palazzo Pitti a Firenze, con i suoi meravigliosi giardini di Boboli. Non so voi, ma noi siamo grandi fan dei palazzi maestosi e imponenti, segni di tempi gloriosi, ormai andati. In ogni caso, vi portiamo con noi nel meraviglioso palazzo e i suoi incantevoli giardini. E in più, vi lasciamo anche delle curiosità su questi! Siamo sicuri che non le sapete tutte! Pronti?    PALAZZO PITTI  Caratteristiche generali Palazzo Pitti è un edificio rinascimentale, si trova vicino a Ponte Vecchio, a Firenze, ed era la residenza urbana del mercante fiorentino Luca Pitti. Originariamente la sua facciata era costituita da 7 imponenti finestre, al primo e al secondo piano, e da 3 ampi portoni. Un'altra caratteristica della facciata è la tecnica utilizzata per costruirla: il bugnato. Il bugnato è una lavorazione muraria usata anche in antichità, costituita da blocchi di pietra sovrapposti in file sfalsate. Davanti al palazzo è situata una piazza, la prima costruita davanti ad un edificio privato. Il palazzo è stato soggetto a diversi cambiamenti e rinnovazioni che hanno contribuito a renderlo sfarzoso.   Elementi intricati e sfarzosi Nel 1560 venne ampliato il palazzo e Bartolomeo Ammannati edificò il giardino che era stato ideato da Nicolò Tribolo, di cui parleremo nel dettaglio più avanti. Nel 1565 Vasari costruì il Corridoio Vasariano, (voluto da Cosimo I de' Medici) un percorso sopraelevato che collega Palazzo Pitti con Palazzo Vecchio, passando per gli Uffizzi e sopra Ponte Vecchio. È stato ideato con l'idea che i nobili potessero muoversi liberamente, senza incappare in pericoli. Ammannati invece creò un salone monumentale per il piano nobile e sulla terrazza venne posta la Fontana del Carciofo. Il nome della fontana deriva dalla somiglianza delle foglie della pianta del carciofo, con le decorazioni della fontana. Oltre a queste decorazioni la fontana presenta putti, pesci e figure fantastiche. Un'ulteriore elemento voluto da Cosimo I de' Medici fu la Cappella delle Reliquie, che conteneva armadi decorati, reliquiari della collezione del Granduca e oggetti liturgici e profani.   Luca Pitti e la rivalità con la famiglia Medici Quando è stato costruito (nel 1446), Palazzo Pitti era la residenza più grande e sfarzosa di Firenze, ed era proprio questo l'obiettivo del proprietario, Luca Pitti. Questi, infatti, era un acerrimo rivale della famiglia dei Medici, e desiderava una residenza più sfarzosa di quella appena realizzata da Michelozzo per Cosimo il Vecchio. Tuttavia, Pitti non è stato capace di portare a termine l'opera perché si era enormemente indebitato. Non ci sono fonti certe, ma sembra che Pitti avesse scelto il progetto che Brunelleschi aveva realizzato per il palazzo di Cosimo il Vecchio ma che lui aveva rifiutato perché lo vedeva troppo sfarzoso. Cosimo, infatti, non voleva scatenare l'invidia del popolo fiorentino. Cosa che invece non importava affatto a Luca Pitti! Inoltre, sembrerebbe che Pitti volesse che le finestre del suo palazzo fossero più grandi della porta principale di quello di Cosimo. In effetti… che finestre! E in generale: che imponenza! Stiamo parlando di 250 metri di lunghezza!   Un'ironica conseguenza La famiglia Pitti non è riuscita, nel corso degli anni, a ripagare i debiti contratti da Luca Pitti e così, nel 1550, Buonaccorso Pitti, nipote di Luca, ha dovuto vendere il palazzo… indovinate a chi? A Eleonora di Toledo, nientepopodimeno che la moglie di Cosimo I de' Medici! Quanto è piccolo il mondo! Il palazzo è diventato quindi la principale residenza dei Medici, senza però cambiare nome. Grazie a loro si sono aggiunti tanti elementi (che abbiamo citato poco fa) che l'hanno reso ancora più prezioso!   Made in Italy A Palazzo Pitti è nato il Made in Italy! No, non sto scherzando! Infatti, il marchese Giovanni Battista Giorgini, all'inizio degli anni '50, realizza nella Sala Bianca del Palazzo Pitti, le prime sfilate di moda.

Versione audio: Ci racconta Vasari nelle sue Vite che Cosimo il Vecchio dei Medici decise di costruire un nuovo palazzo in prossimità delle chiese protette dalla sua famiglia, ossia San Lorenzo e San Marco, in quello che oggi viene chiamato, per questo motivo, “Quartiere mediceo”. A tale scopo, convocò Filippo Brunelleschi (1377-1446) e gli conferì […] L'articolo Palazzo Medici di Michelozzo, Palazzo Pitti e Palazzo Strozzi proviene da Arte Svelata.

The living spring of creativity (a presentation by Luca Cottini, PhD)* A lively approach to creativity. Humanistic studies and practical training* A Roman family story. From Delia's Roman atelier to Laura's company* The 1972 fashion show at Palazzo Pitti and the evolution of Biagiotti's style* Laura's extraordinary missions to Beijing and Moscow. Fashion and cultural diplomacy* On motherhood and entrepreneurship. Laura and her daughter Lavinia* A complex fashion brand, connecting to archaeology, painting, theatre, and sportVisit the official webpage at www.italianinnovators.com to find out more about the project and sign up for the newsletter of the show. Check out the video version of the episode on YouTube and subscribe to the Italian Innovators channel to receive notification of new episodes and lessons. Thanks for listening!

Should art be beautiful? This forbidden question guides Stephen Blackwood's conversation with eminent sculptor and aesthetic luminary, Alexander Stoddart. Stoddart describes, in his usual incandescent fashion, his aesthetic awakening and his views on the failings of modernist and contemporary art. He also speaks about iconoclasm, about art's battle with nature, and about the power of beauty to still the will. Finally, he offers parting advice for young artists and other seekers of meaning and beauty. The conversation took place in Stoddart's studio in Scotland. Artists, Art, and Writings Mentioned in this Episode: The paintings of Eisenhower, Churchill, and Hitler; The Buddhas of Bamayan; Venus de Milo; Richard Wagner: Tristan and Isolde; Bust of Beatrice in the Palazzo Pitti, Florence; The Statue of Liberty; Mount Rushmore; Gutzon Borglum; Christ of the Andes; The Angel of the North; Jackson Pollock; Desiderio da Settignano; Michelangelo: Staircase in the Laurentian Medicean Library, Medici tombs, Medici Chapel; Michelangelo: The Slaves; Giambologna; Adolf von Hildebrand; Copenhagen, especially the work and museum of Bertel Thorvaldsen; Hermann Ernst Freund; Arthur Schopenhauer; Antonio Canova; Lorenzo Bartolini, Plaster Cast Gallery at the Accademia Gallery

  Il était dit que le New Generation Festival devait avoir lieu. Dans les jardins de Boboli de Florence, à quelques mètres du véritable lieu de naissance de l'opéra (la Galerie Blanche du Palazzo Pitti), Jean-Romain Vesperini investit une scène gigantesque, posée devant un amphithéâtre à ciel ouvert, où les sièges sont agencés avec prudence et distance. Nous l'avons rencontré dans les derniers jours de répétitions pour évoquer ce projet qui – ce n'est pas galvaudé – ressemble au caprice d'une joyeuse compagnie d'esthètes.  Voir la production intégralement

Florence Episode 13 The Palazzo Pitti Hear how the Medicis lorded it over the Pittis by buying up the grand palace which the latter could no longer afford. There are brief biographies of various Medici, some who patronised the arts and sciences and others who murdered each other to ensure their own succession. Find out which one was the 'the spendthrift cardinal' and which one was said to have 'passed his brief life between luncheons, receptions and literary or scientific debates.' Finally, hear about the most noteworthy things to look out for at the Palazzo, such as the Boboli Gardens, and paintings by Raphael and Titian.

La Sala della Stufa a Palazzo Pitti raccontata da Tomaso Montanari

Petko Turner - Technotronica Gucci's Youngster Academy '16 - After Show Firenze Technoid Bassed House Music 2 CDJ900, DJM2000, TR808 synced, iPhone Jingles, Zoom H1 Firenze anche Fiorenza nel Medioevo], Florentia in latino) è un comune italiano di 383 083 abitanti, capoluogo della Toscana e centro della propria città metropolitana con una popolazione di 1 013 820 abitanti. È l'ottavo comune italiano per popolazione e il primo della Toscana. La città di Firenze è il cuore dell'Area metropolitana Firenze - Prato - Pistoia, una conurbazione che conta oltre 1 520 000 abitanti Nel Medioevo è stata un importante centro culturale, commerciale, economico e finanziario. Nell'età moderna ha ricoperto il ruolo di capitale del Granducato di Toscana, dal 1569 al 1859, con il governo delle famiglie dei Medici e dei Lorena. Fu capitale d'Italia dal 1865 al 1871, dopo l'unificazione del Paese (1861). Importante centro universitario e patrimonio dell'umanità UNESCO, è considerata il luogo d'origine del Rinascimento ed è universalmente riconosciuta come una delle culle dell'arte e dell'architettura, nonché rinomata come una delle più belle città del mondo, grazie ai suoi numerosi monumenti e musei – tra cui il Duomo, Santa Croce, gli Uffizi, Ponte Vecchio, Piazza della Signoria e Palazzo Pitti. Download for free on The Artist Union

Un highlight de Miguel Ángel por cero euros y un palacio descomunal, la residencia de verano de los Médici, al otro lado del Arno.

"Senza errori": così Giorgio Vasari definì le figure di Andrea del Sarto. Figure "di somma perfezione" in quanto caratteristica maggiore di Andrea del Sarto fu la capacità di creare sempre composizioni formalmente ineccepibili, armoniose, ben bilanciate: una pittura, insomma, classica, che fece scuola (per secoli gli artisti hanno copiato le sue opere) e che con i suoi colori luminosi e con i suoi effetti di luce costituì anche una base imprescindibile per i primi pittori manieristi. Lavorò quasi sempre a Firenze, si formò nella bottega di Piero di Cosimo ma ben prestò passò a studiare i modelli più aggiornati, ovvero quelli di Leonardo e di Raffaello. Lontano dalla monumentalità del contemporaneo fra' Bartolomeo (al quale comunque si avvicinò nelle ultime fasi della carriera), seppe creare composizioni sempre dotate di grazia, eleganza ed equilibrio. Nella puntata di oggi scopriamo, con Ilaria e Federico, alcuni dei suoi più importanti capolavori!

"Senza errori": così Giorgio Vasari definì le figure di Andrea del Sarto. Figure "di somma perfezione" in quanto caratteristica maggiore di Andrea del Sarto fu la capacità di creare sempre composizioni formalmente ineccepibili, armoniose, ben bilanciate: una pittura, insomma, classica, che fece scuola (per secoli gli artisti hanno copiato le sue opere) e che con i suoi colori luminosi e con i suoi effetti di luce costituì anche una base imprescindibile per i primi pittori manieristi. Lavorò quasi sempre a Firenze, si formò nella bottega di Piero di Cosimo ma ben prestò passò a studiare i modelli più aggiornati, ovvero quelli di Leonardo e di Raffaello. Lontano dalla monumentalità del contemporaneo fra' Bartolomeo (al quale comunque si avvicinò nelle ultime fasi della carriera), seppe creare composizioni sempre dotate di grazia, eleganza ed equilibrio. Nella puntata di oggi scopriamo, con Ilaria e Federico, alcuni dei suoi più importanti capolavori!

La quinta puntata del podcast di quest'anno è dedicata a Jacopo Ligozzi e alla mostra "Jacopo Ligozzi. Pittore universalissimo" che si tiene alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti fino al 28 settembre 2014. La mostra esplora una gran parte della produzione dell'artista veronese (ma fiorentino d'adozione) Jacopo Ligozzi, che fu abilissimo nella pittura a soggetto naturalistico (a Firenze sono esposte diverse delle sue tavole botaniche e zoologiche), ma fu anche estremamente interessato (anzi, quasi ossessionato) dal tema del macabro e dell'orrido, e fu anche un notevole ritrattista nonché un eccellente pittore di soggetti religiosi. Insomma, un artista completo e versatile: in mostra, la sua produzione è ricostruita per temi, che però cercano di mantenere un ordine cronologico. Ilaria e Federico dopo essere stati alla mostra ve ne parlano (e ve la consigliano) per portarvi alla scoperta di alcuni dei capolavori esposti!

La quinta puntata del podcast di quest'anno è dedicata a Jacopo Ligozzi e alla mostra "Jacopo Ligozzi. Pittore universalissimo" che si tiene alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti fino al 28 settembre 2014. La mostra esplora una gran parte della produzione dell'artista veronese (ma fiorentino d'adozione) Jacopo Ligozzi, che fu abilissimo nella pittura a soggetto naturalistico (a Firenze sono esposte diverse delle sue tavole botaniche e zoologiche), ma fu anche estremamente interessato (anzi, quasi ossessionato) dal tema del macabro e dell'orrido, e fu anche un notevole ritrattista nonché un eccellente pittore di soggetti religiosi. Insomma, un artista completo e versatile: in mostra, la sua produzione è ricostruita per temi, che però cercano di mantenere un ordine cronologico. Ilaria e Federico dopo essere stati alla mostra ve ne parlano (e ve la consigliano) per portarvi alla scoperta di alcuni dei capolavori esposti!

Nel Seicento, a Firenze, si produsse un'arte molto sontuosa ed elegante, in linea con i gusti della corte medicea che probabilmente all'epoca era la più raffinata d'Europa: uno dei massimi esponenti del Seicento fiorentino fu Jacopo Vignali. Artista molto versatile, nacque nel 1592 a Pratovecchio nel Casentino dove imparò i primi rudimenti, ma all'età di tredici anni si trasferì a Firenze dove entrò nella bottega di Matteo Rosselli: iniziò la sua carriera con opere dal tono classicheggiante, molto pacate e di semplice lettura, in accordo con lo stile del maestro. Nel corso degli anni però le diverse suggestioni, provenienti ora dal Cigoli, ora dai pittori caravaggeschi, ora da Salvator Rosa, determinarono l'evoluzione del suo stile, che mantenne però la sua caratteristica principale: la grandissima e raffinatissima eleganza che troviamo soprattutto negli abbigliamenti. Scopriamo i capolavori più belli di Jacopo Vignali con Ilaria e Federico!

Nel Seicento, a Firenze, si produsse un'arte molto sontuosa ed elegante, in linea con i gusti della corte medicea che probabilmente all'epoca era la più raffinata d'Europa: uno dei massimi esponenti del Seicento fiorentino fu Jacopo Vignali. Artista molto versatile, nacque nel 1592 a Pratovecchio nel Casentino dove imparò i primi rudimenti, ma all'età di tredici anni si trasferì a Firenze dove entrò nella bottega di Matteo Rosselli: iniziò la sua carriera con opere dal tono classicheggiante, molto pacate e di semplice lettura, in accordo con lo stile del maestro. Nel corso degli anni però le diverse suggestioni, provenienti ora dal Cigoli, ora dai pittori caravaggeschi, ora da Salvator Rosa, determinarono l'evoluzione del suo stile, che mantenne però la sua caratteristica principale: la grandissima e raffinatissima eleganza che troviamo soprattutto negli abbigliamenti. Scopriamo i capolavori più belli di Jacopo Vignali con Ilaria e Federico!

AIl 2010 è il quattrocentesimo anniversario della scomparsa di Caravaggio, e per l'occasione sono tante le mostre dedicate a Michelangelo Merisi in giro per l'Italia. Noi di Finestre sull'Arte abbiamo visitato la mostra "Caravaggio e caravaggeschi a Firenze", che si tiene tra Palazzo Pitti e Uffizi fino al 17 ottobre. Nella puntata di oggi vi raccontiamo, parlando delle opere presenti in mostra, il genio rivoluzionario di Caravaggio, uno degli artisti più importanti e più influenti della storia dell'arte nonché uno dei pittori più amati da parte del pubblico. I suoi capolavori e la sua vita sregolata hanno affascinato generazioni: scopriamo i temi principali della sua arte con Ilaria e Federico!

AIl 2010 è il quattrocentesimo anniversario della scomparsa di Caravaggio, e per l'occasione sono tante le mostre dedicate a Michelangelo Merisi in giro per l'Italia. Noi di Finestre sull'Arte abbiamo visitato la mostra "Caravaggio e caravaggeschi a Firenze", che si tiene tra Palazzo Pitti e Uffizi fino al 17 ottobre. Nella puntata di oggi vi raccontiamo, parlando delle opere presenti in mostra, il genio rivoluzionario di Caravaggio, uno degli artisti più importanti e più influenti della storia dell'arte nonché uno dei pittori più amati da parte del pubblico. I suoi capolavori e la sua vita sregolata hanno affascinato generazioni: scopriamo i temi principali della sua arte con Ilaria e Federico!

Jorg Merz from the University of Munster speaks on the draughtman's transformation of nature into art. Part of a one-day symposium presented in conjunction with Drawn to Drawings: The Goldman Collection. This podcast is brought to you by the Ancient Art Podcast. Explore more at ancientartpodcast.org.