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La baronesa Carmen Thyssen, coleccionista, mecenas y vicepresidenta del Patronato del Museo Thyssen, celebra su legado con un nuevo museo en Barcelona, previsto para 2027, que reunirá parte de su colección de arte catalán. Reconocida por su labor filantrópica y su apuesta por compartir el arte, recibirá este mes el Premio al Fomento de las Artes Visuales.Escuchar audio

El debate alrededor de la inteligencia artificial se instala en las escuelas de diseño, animación y fotografía de París. De la productividad a la sensibilidad artística, la comunidad educativa busca respuestas y garantías en cuanto a las salidas profesionales. ChatGPT, Midjourney y Firefly son solo algunos de los muchos nombres comerciales de la inteligencia artificial generativa (IAG), una tecnología que se nutre de datos, textos e imágenes para entrenar sus algoritmos y, a su vez, producir nuevos contenidos escritos y audiovisuales. Aunque el origen de la IA generativa se remonta a varias décadas atrás, el desarrollo exponencial durante los últimos años explica el debate acerca de sus límites éticos, su impacto ecológico y la creciente preocupación por su falta de regulación. Y también sobre la banalización del arte y el trabajo creativo.“Es un insulto a la vía misma”, declaró Hayao Miyazaki, fundador del famoso estudio de animación Studio Ghibli, tras la ola de imágenes inspiradas en el estilo de sus películas creadas con inteligencia artificial. Una opinión compartida por un sector de los estudiantes que aspiran a trabajar en dicha industria.Foco en la propiedad intelectual“Es regurgitar un montón de imágenes hechas por artistas a los que no han pedido su consentimiento. No tiene sentido”, se queja Lianne, estudiante en cine de animación en la escuela de Gobelins París. "Es ilegal, no pagan por los derechos de autor, ¡es un robo!", añade su compañera Laura. Sin una delimitación clara, la cuestión de la autoría sigue siendo confusa.“Es algo cada vez más presente en nuestro día a día y creo que irá a más”, opina Louane, que también cursa cine de animación en Gobelins. Prefiere no pensar en la inteligencia artificial porque le produce cierto estrés, “pero es verdad que hay que tenerlo en cuenta”, admite. “Si hacemos una formación tan reconocida como ésta es para encontrar trabajo después. Si la IA nos lo quita, es estúpido hacerla”, concluye.El diseño gráfico, ¿en peligro?Difícil obviar la cuestión. Según el último Informe sobre el Futuro de los Empleos del Foro Económico Mundial, publicado en enero de 2025, la automatización que la IA trae consigo supondrá la destrucción de 92 millones de puestos de trabajo para 2030, mientras que creará otros 170 millones. Entre las profesiones con una rápida tendencia de declive, según este informe, está el diseño gráfico.“Una compañera de trabajo que no tenía estudios en este ámbito hizo un logo con ChatGPT y pensó que así ya podría ser grafista. Me lo dijo como si mi trabajo fuese un fraude", cuenta Axelle, estudiante de la escuela de diseño LISAA.Útil para ganar tiempoPero la IA no es perfecta. Como cualquier otra herramienta, para los que se sirven de ella como tal, es necesario utilizarla correctamente para obtener los resultados deseados. "Te hace ganar mucho tiempo, pero hay que saber hacer un prompt (la orden que se le da a la IA para que responda con un texto, imagen o vídeo, NDLR) y seleccionar las imágenes correctas. Siempre hará falta un director artístico que la supervise”, asegura Noémie, también de la escuela LISAA. “Tengo un bagaje suficiente como para poder encontrar un empleo. No puedes no usarla solo por tener miedo a que te quite el trabajo."Algunos la usan porque la ven como una herramienta, otros la rechazan por motivos éticos o ecológicos, pero el debate alrededor de la inteligencia artificial roza incluso lo filosófico. "Mientras no tengas demasiado apego a las herramientas y mantengas tu independencia y tus ideas, me parece bien", dice Tony, alumno de diseño gráfico y animación en la escuela ECV, aventurándose a hacer el paralelismo con la película “Her” (Spike Jonze, 2013), donde el personaje interpretado por Joaquín Phoenix se enamora de una inteligencia artificial.“En la escuela usamos la IA para generar storyboards que luego convertimos en secuencias de video.”. Para él, la utilidad está en la fase de preproducción de los proyectos, donde asegura que le permite avanzar mucho más rápido.Priorizar la creatividad y la sensibilidadEl grado de permisión e incorporación de la IAG en los programas educativos depende de cada escuela, de cada departamento y de cada docente. “Nosotros incorporamos la IA desde el primer año de la formación. Los alumnos aprenden técnicas de fotografía analógica y digital, pero también el tratamiento de sus fotos con inteligencia artificial”, explica Yann Philippe, enseñante de fotografía y vídeo en Gobelins."No sentimos que nuestro trabajo esté directamente amenazado por la IA y creemos que, con un buen uso e inteligencia, puede potenciar la creatividad de algunos alumnos”. Son sorprendentemente los que ingresan con amplios conocimientos de IA generativa los menos interesados en trabajar con ella y más con el formato analógico y los procesos tradicionales, a diferencia de quienes no la han utilizado aún. “De todas formas, las herramientas avanzan a tal velocidad que cuando terminamos de preparar los cursos, ya están obsoletas."“Hice el curso de Midjourney de Gobelins, pero me interesa más la autenticidad”, confiesa Axel, alumno de fotografía, con su cámara Leica analógica colgada del hombro. “Con IA o sin IA, lo importante es la motivación y la sensibilidad que cada artista pone en sus proyectos.” Este precisamente lo que Yann Philippe busca desarrollar porque considera que “es ahí donde está su valor añadido”.La inteligencia artificial generativa avanza más rápido que el ritmo al que se da respuesta a las dudas y preguntas que ésta plantea, y se exige un marco normativo a la altura de los retos que conlleva. La Ley de Inteligencia Artificial de la Unión Europea, en vigor desde el 1 de agosto de 2024, es un primer paso, pero no parece suficiente. En el ámbito educativo, la UNESCO ha realizado una llamada urgente a los gobiernos de todo el mundo para que la regulen de manera eficaz.

Aunque no se conoce la fecha exacta de composición, se cree que 'Los dos hidalgos de Verona' es una de las primeras obras de William Shakespeare. Escrita hacia 1590, no se imprimió hasta 1623 y no consta ninguna representación durante la vida del autor. La más temprana que se conoce fue en 1762. Esta obra contiene los primeros esbozos de temas y recursos que definirían el estilo del dramaturgo, como el enredo amoroso, la confusión de identidades y la exploración del deseo. Por ello, LAZONA y el director británico Declan Donnellan la han elegido para su segunda colaboración con la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Para hablar del montaje, recibimos a parte del reparto: Alfredo Noval, Irene Serrano, Jorge Basanta y Goizalde Núñez.Desde el Archivo de Navarra, Xabier Pita nos descubre una singular exposición de documentos de los siglos XVI y XVII que recopilan insultos de la época. Una forma de asomarnos al lenguaje cotidiano, los usos sociales y las emociones del pasado.El Atlàntida Mallorca Film Fest prepara su próxima edición, combinando exhibición presencial y online a través de Filmin. Desde hace 15 años, el festival ha logrado aunar cine, música y nuevos talentos en un formato híbrido único.Recordamos que en 2013 este programa inauguró la categoría de Danza en los premios El Ojo Crítico, otorgándoselo por primera vez a Antonio Ruz. Doce años después, el coreógrafo cordobés —también Premio Nacional de Danza— regresa con 'Norma', que podrá verse en los Teatros del Canal del 9 al 11 de mayo. Olga Baeza conversa con él sobre esta nueva propuesta.En Matadero Madrid, Eva Fábregas —Premio El Ojo Crítico de Artes Visuales— expone 'Respirar por la herida'. La artista barcelonesa convierte la antigua cámara frigorífica en un espacio de formas orgánicas que respiran desde las grietas del edificio. Nos lo cuenta Ángela Núñez.Y como cada semana, cerramos con la selección musical de Martín Llade.Escuchar audio

El gobierno electo de Yamandú Orsi designó ayer a los jerarcas que estarán al frente de las direcciones y organismos vinculados a la cultura a partir del 1 de marzo. La titular de la Dirección de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura (MEC) será María Eugenia Vidal; Gustavo Zidane estará al frente del Instituto Nacional de Artes Escénicas; Martín Craciún dirigirá el Instituto Nacional de Artes Visuales; Valeria Tanco, será directora del Instituto Nacional de Letras; Gustavo Berriel, encabezará el Instituto Nacional de Música; Marcel Suárez estará al frente de la Dirección de Patrimonio Cultural de la Nación; el presidente del Sodre será Luis Pérez Aquino; Erika Hoffman estará al frente de Scan (***)Canal 5; y Gisella Previtali en el Agencia del Cine y el Audiovisual del Uruguay. A partir de la noticia de estas designaciones, proponemos discutir sobre el vínculo entre Estado y cultura. ¿La cultura necesita apoyo del Estado? ¿Por qué y para qué? La Tertulia de los Viernes con Alejandro Abal, Juan Grompone, Carolina Porley y Víctor Ganón.

Polo Ramírez comentó la actualidad. En Figura y Fondo, César Gabler habló sobre la exposición de Andrés Durán, Falso histórico, en el Museo de Artes Visuales. Además, conversó con Eduardo Pérez, Investigador ICIM de la Universidad del Desarrollo, sobre la epilepsia genética.

Alberto Catena (Buenos Aires, 1941) es periodista y abogado. Se inició como profesional en la actividad de prensa en 1963, en el semanario El Popular. Actualmente es editor general de Florencio, revista de la Sociedad Argentina de Autores de la Argentina (Argentores). Es uno de los más destacados críticos teatrales en su país. Trabajó en La Nación y en las revistas Siete Días, El Periodista y Humor. Se desempeñó como director de la revista Teatro, secretario general del diario El Libertador, jefe de redacción en las publicaciones Acción y Cabal y colaborador o redactor en diarios como La Calle, La Tarde, Sur y Clarín. Ha escrito, entre otros libros, Andrés Rivera. Travesías por su vida, obra y pensamiento y dos volúmenes de entrevistas periodísticas: Demandas contra la injuria; Puertas entreabiertas y “La crítica teatral en los medios gráficos argentinos de 1960 a 2022” (Instituto Nacional del Teatro, 2022). Su visita a Chile se enmarca dentro de uno de los momentos más oscuros para la cultura de Argentina, con un presidente que ha quitado los apoyos al fomento de las artes y que prometió en su campaña, terminar con el Ministerio de las culturas, entre otros. Catena manifiesta su preocupación por el rápido deterioro del panorama cultural en Argentina, incluyendo la disminución de espacios culturales, la reducción de la cobertura periodística de la crítica teatral, y la intervención en el Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales. Sobre su último libro “La crítica teatral en los medios gráficos argentinos de 1960 a 2022” (Instituto Nacional del Teatro, 2022) ha dicho que lo hizo más bien movido por el afecto que por el afán investigativo. La editora y librera Berta Inés Concha advierte sobre la "deculturización" de la sociedades en la actualidad y la indiferencia hacia los libros, impulsada por los medios de comunicación y las redes sociales que erosionan la capacidad de reflexión de la gente. Y sin embargo, destaca que existen faros como la revista de filosofía la importancia de publicaciones como "Filosofía&Co", que busca fomentar un diálogo y un análisis significativo sobre los problemas actuales. Los dos entrevistados destacaron la necesidad de defender y promover el papel del Estado en el apoyo y la distribución de la cultura, como un instrumento de redistribución social y garantía de los derechos humanos.

Eduardo Cintron: “La música es como el agua, se ajusta a sus alrededores” - Para este episodio tuve el placer de tener como invitado a un chico súper creativo. Él es músico, artista, productor, publicista… Él es Eduardo Cintron y comenzó su exploración artística muy joven. En la Escuela Central de Artes Visuales, mejor conocida como la Central, estudió artes visuales y plásticas y una concentración en diseño publicitario. Cuando era teenager también se sumergió en la música y llegó a tocar en bandas de la escena hardcore, punk y ska. Para ese entonces, comenzó a desarrollar su mentalidad de empresario y logró organizar varios espectáculos locales, así como un disco recopilatorio que incluía a muchos músicos puertorriqueños de diversos géneros como el rock, hip hop y jazz, hasta música experimental. Cintron optó por una carrera formal en la industria publicitaria sin abandonar la música. A finales de los noventa creó "The Color of Cyan", su banda de música instrumental emotiva, que fusiona el post-rock con arreglos orquestales, música ambiental y post-metal. Actualmente, trabaja en la producción de su tercer álbum de estudio y en una sesión en vivo en el famoso estudio Electrical Audio en Chicago, ciudad donde reside.www.colorofcyan.comSpotify: The Color of CyanInstagram: @thecolorofcyanSupport the show¡Síguenos!www.gentedelencanto.comFacebook: @gentedelencantoInstagram: @gentedelencanto / @yad.nadalYouTube: @YadiraNadal Nos ayudas a mejorar si participas de esta breve encuesta.Si te gustó este episodio, por favor déjanos review en Apple Podcasts/iTunes. ¿Interesad@ en auspiciar/colaborar con nosotros? Escríbenos a gentedelencanto@gmail.com Música por: José Eduardo Santana y Daniel Díaz¡Gracias por escuchar! ¡Suscríbete y compártelo!

La banda madrileña Morgan ha buscado salirse de la ruta oficial, buscar otro lugar desde el que ver las cosas, y lo hacen con 'Hotel Morgan', su cuarto disco. Es un trabajo fuera de lo común, por lo pronto, porque se presenta un martes y solo en formato físico. Esta tarde hemos conocido a la Premio El Ojo Crítico de Artes Visuales para una artista excepcional, fotógrafa, que reivindica a través de su arte su origen afroespañol. Entre Camerún y L'Hospitalet de Llobregat está Agnes Essonti, escogida por "su capacidad para reivindicar a través de imágenes -fotografía, videos, instalaciones o tejidos- su posición como mujer de la diáspora y recuperar el imaginario de su esencia afroespañola para convertirlo en un fondo común". También viene nuestro Miguel Ángel Delgado con 'Todos los seres vivos', de Jason Roberts, publicado por Taurus.Escuchar audio

Desde 1978 se dedica a las artes visuales. Se formó en los talleres de Mirta Nadal de Badaró, Félix Bernasconi, Guillermo Fernández y en el Club de Grabado, incursionando en distintas técnicas: pintura, grabado, instalaciones y cerámica.Su primera muestra fue en 1982.Desde entonces ha obtenido distinciones en numerosos concursos y salones nacionales e internacionales, entre ellos el Salón de Arte de La Paz (Bolivia), el Premio Paul Cézanne, una mención en el Salón Nacional y el Gran Premio Ana Frank.Este último le permitió exponer en Holanda y esa exhibición, a su vez, fue el detonante de su acercamiento al tema judío desde el arte. En 2008, trabajó en el Proyecto Shoá con una obra sobre los niños de Terezín, y en 2009 viajó a Yad Vashem a estudiar arte.Utiliza mucho el collage y la escritura en sus obras: a veces brajot en hebreo, otras veces bendiciones en español, dependiendo del contexto.Su última serie, “Vidas”, se expuso en el Museo Nacional de Artes Visuales hasta el 10 de noviembre. Esta muestra recorre la vida de un ciudadano rumano-húngaro judío deportado en 1944 a Auschwitz-Birkenau junto a sus padres, hermana y abuelo.Packer toma la vida de su padre como hilo conductor para la expresión plástica de las distintas capas que componen la vida, la supervivencia, la memoria, y la percepción del tiempo.

Carlos dejó su natal Albacete y se ha forjado una carrera en Madrid como actor, creador y pedagogo de artes escénicas. Se graduó en Artes Visuales y Danza, para luego hacer un Máster en Artes Escénicas en la Universidad Rey Juan Carlos. Es uno de los fundadores de La Brava Teatro y de Accionar-Crear-Mover. Con amplia experiencia en teatro, el mundo audiovisual y la docencia Carlos nos ha regalado una interesante entrevista.

José Trujillo nació en Montevideo en enero de 1960.Se crió en Punta del Este, Maldonado, donde también residió casi toda su vida, salvo esporádicas excursiones por otros países y un período en que estuvo radicado con su familia en Montevideo.En la adolescencia comenzó a dibujar y pintar por su cuenta, como lo había hecho su tío, Felipe Seade, también fallecido prematuramente. Con el tiempo, y dadas sus notorias condiciones, pasó a frecuentar el taller de Manolo Lima, donde tomó clases de dibujo y pintura entre 1973 y 1978. Luego siguió formándose con otro recordado artista, el maestro Carlos María Tonelli.Trujillo ganó diversos premios de pintura desde su juventud y representó a Uruguay en la Bienal de San Pablo en 1983. Entre 1985 y 1990 pintó varios paisajes urbanos plagados de magia y metafísica que gustaron mucho en el país y fuera de fronteras.Las obras que se exhiben en estos días en el Museo Nacional de Artes Visuales están divididas en ocho núcleos temáticos: taller del artista/hogar, autorretratos, retratos, criaturas zoomórficas, ciudad, paisajes, dunas/playa y batallas.Algunas de sus creaciones de ese período están en importantes colecciones particulares y en museos de nuestro país, aunque se vendieron especialmente en Buenos Aires, donde expuso permanentemente por varios años con apreciable éxito.José Trujillo expuso en numerosos países y ciudades. Estuvo varias veces en Nueva York, Washington y Boston y viajó en más de una ocasión a España y otras naciones europeas.Falleció en Punta del Este el 7 de diciembre de 2019.

Desde temprana edad, mostró especial curiosidad y atracción por los materiales de creación: pinturas, lápices, crayones, marcadores, etc. Estos evocan en Paula un impulso casi irresistible a plasmar su imaginación. La hoja en blanco es, para ella, “una invitación a llenar espacios, a crear composiciones y a apropiarse del entorno”. Cursó el bachillerato de arte y expresión en el Colegio Seminario con la idea de dedicar su vida a estas actividades. Durante la pandemia y la cuarentena, Paula comenzó a experimentar con el dibujo de rostros, lo que le abrió las puertas a una exploración incesante de nuevas técnicas y enfoques artísticos. Su práctica artística incluye también escritura, danza y música, un espectro amplio de disciplinas que se ven representadas en su obra. Desde 2023 estudia la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Católica del Uruguay. Ese mismo año, en noviembre, mostró su obra en la feria @vestite.mvd que se llevó a cabo en Casa Potosí. En mayo de 2024 expuso en la Plaza de Toros del Real de San Carlos (en Colonia del Sacramento) y tres meses después realizó pintura en vivo en Estudio a la calle, un espacio cultural impulsado por el tatuador Facundo Laborde. Actualmente se presenta en ferias y exposiciones mostrando su trabajo. Además, lleva registro de sus procesos creativos en su cuenta de Instagram, donde exhibe las etapas por las que pasan sus cuadros, vende y toma pedidos de sus obras.

Vivir al norte del país la mayor parte de su vida le permitió un vínculo constante con el campo, los paisajes rurales de su país y sus animales. Es aquí donde genera el motor para la temática de su obra, la cual se basa en retratos de paisajes y animales con un estilo hiperrealista.En palabras de la artista: "Busco captar la esencia de esos seres y lugares a través de sus vivencias personales. Genero esos encuentros, los salgo a buscar, y cuando algo me llama la atención lo capturo con mi cámara fotográfica para luego tomar la fotografía como referencia y plasmarla en un lienzo."Desde pequeña tiene interés en el arte. Fue autodidacta hasta los 18 años cuando decidió aprender la técnica de la pintura al óleo con el pintor hiperrealista argentino Helmut Ditsch.Es licenciada en Artes Visuales por la Universidad Católica del Uruguay. También tomó cursos para perfeccionarse en la técnica de la acuarela con la mexicana Renatta Rizzo.Actualmente realiza una maestría en Estética y Estudios Culturales en la universidad digital TECH.Participó de muestras colectivas en Montevideo y Punta del Este, incluyendo la primera edición de Proyecto Arte (2024).A su vez expuso individualmente en Fundación Verde “Pintar la Experiencia” (Montevideo, 2023) y “Develo” en el Museo María Irene Olarreaga Gallino (Salto, 2024), y aguarda ahora presentar su trabajo en el Cantegril Country Club de Punta del Este (2024).

Archivo de las Artes Visuales del Biobío. Junto a Susana Chau y Claudia Rivera.

94. Abel Vazquez Esta semana tuvimos como invitado al artista plástico oaxaqueño Abel Vázquez, quien nos platico acerca de su obra y su trayectoria. Chisme-Arte es una colaboración de estudiantes de la carrera de Artes Visuales y el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán, MACAY. Este Podcast es un ejercicio de libertad de expresión. Las opiniones vertidas en el programa son responsabilidad de quién las realiza.

Juan Lo Bianco es Diseñador Gráfico y Director de Arte, dedicado al diseño de contenidos artísticos y culturales. Trabajó en la comunicación visual de instituciones como el Teatro San Martín, el Teatro Colón de Buenos Aires, y el Fondo Nacional de las Artes. En 2012 recibió el Premio Konex de Platino por su labor de la última década en Diseño Gráfico y Artes Visuales. En el campo académico, dirigió cursos de posgrado y talleres internacionales en la Universidad Nacional de San Martín, y fue director de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Universidad Nacional de Lanús. Invitamos a Juan para charlar sobre su amplia trayectoria profesional, su trabajo en diversas universidades públicas, y su visión sobre la educación y el diseño en la actualidad y a futuro. Este episodio fue realizado por: ⁠Sebastián Gagin⁠ – dirección, contenidos, diseño y conducción ⁠Darío Margulis⁠ – producción y realización sonora ⁠Paula Rodríguez⁠ – investigación y contenidos Encontranos en ⁠⁠formapodcast.com.ar⁠⁠ y ⁠⁠@formapodcast⁠⁠ Forma cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes de Argentina, el Fondo Metropolitano de las Artes de Buenos Aires y la colaboración del Centro Cultural de España en Buenos Aires – ⁠CCEBA⁠ y de ⁠Fundación IDA⁠, Investigación en Diseño Argentino.

Nació en Rivera en 1974.En el período 1987-1989 se formó en dibujo y pintura con Osmar Santos. En el año 1992 se trasladó a Montevideo, donde reside actualmente. Entre 2008 y 2014 vivió en Brasilia, donde participó de varios talleres y cursos de arte, interesado en otras disciplinas: cine, fotografía y arte digital.Además de formarse como Diseñador Teatral por la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático “Margarita Xirgú”, también estudió Artes Plásticas y Visuales en la Facultad de Artes (Universidad de la República).Es integrante de la Asociación de Pintores y Escultores del Uruguay. En 2020 es seleccionado en la II Bienal de Colonia (FIC) y también es uno de los ganadores del Concurso de Artes Visuales de la Alianza Francesa de Montevideo.En forma individual ha realizado exposiciones en el Centro Cultural Terminal Goes (2020), la Alianza Francesa de Montevideo (2020), el Museo de Artes Plásticas de Rivera (2021 y 2024) y el Consulado General de Brasil en Rivera (2024).Su muestra “Paisajes en Transición” está disponible hasta el 25 de octubre en la Embajada de México (25 de Mayo, 512).

Gastón Duprat, Mariano Cohn y Andrés Duprat son de los nombres más exitosos de hoy en el audiovisual argentino y, más aún, hispanoamericano. Mariano Cohn y Gastón Duprat son directores, mientras que Andrés, hermano de Gastón, es guionista. El trío realizó películas como El hombre de al lado, El ciudadano ilustre, Mi obra maestra, Competencia oficial, y más recientemente se pasó al mundo de las series con Bellas artes, con protagónico de Óscar Martínez; Nada, con Luis Brandoni y la participación de Robert de Niro; y su gran hit, El encargado, en la que Guillermo Francella hace de un portero de edificio con grna habilidad para los negocios turbios. Varias de esas obras están influidas o directamente atravesadas por el arte, y con eso tiene bastante que ver que Andrés Duprat, que además de guionista es arquitecto y curador de arte, y que desde 2015 dirige el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. ¿Cómo nutre esa experiencia su trabajo en el audiovisual? ¿Cómo hacer cercanas al público general discusiones y debates propios del mundo intelectual, como la cancelación de artistas? ¿Y cómo le caen los señalamientos, que suelen recibir en Argentina, de que sus series y películas son conservadoras o antipopulares? Conversamos En Perspectiva con el propio Andrés Duprat, y Enrique Aguerre, director del Museo Nacional de Artes Visuales.

El Museo Nacioal de Artes Visuales de Motevideo, Uruguay, acoge una exposición de las obras del ceramista catalán Josep Collell, que estará disponible hasta el 6 de octubre. En ella se podrán ver los inicios del artista, así como la técnica que descubrió: el engobe bruñido en barro seco. Además, también se podrán disfrutar piezas que Collell creó cuando estubo en el Taller Torres-García y, posteriormente, cuando fundó y enseño en Taller Collell, sin olvidar cómo los trabajos de Pablo Picasso influyeron en el color y temática del artista catalán.Escuchar audio

¡Bienvenidos a nuestro canal! En este nuevo episodio de "Un Minuto con las Artes", tenemos el placer de entrevistar a la talentosa Dulce Gómez. Con una sólida formación en Artes Visuales, Dulce ha recorrido un fascinante camino en el mundo del arte, obteniendo su licenciatura en Artes Plásticas, Mención Pintura, en la Universidad Experimental de las Artes, y una maestría en Artes Plásticas en la UCV. Desde el inicio de su carrera, ha explorado diversos medios como la pintura, el ensamblaje y la instalación, fusionando su creatividad con técnicas innovadoras. En 2009, su pasión por el arte la llevó a Nueva York, donde participó en un prestigioso programa de residencias para artistas en The Bronx Museum. Además, Dulce es la fundadora de “Dulce Compañía”, una librería ubicada en el café Madame Black, en Las Mercedes, que se ha convertido en un punto de encuentro para charlas sobre arte, literatura y filosofía. No te pierdas esta entrevista, donde Dulce compartirá sus experiencias, inspiraciones y proyectos actuales. ¡Dale like, suscríbete y acompáñanos en este viaje artístico!

Maestros de la pintura uruguaya, así se titula una colección de diez volúmenes realizados por Ediciones de la Banda Oriental en conjunto con el Museo Nacional de Artes Visuales. Con la curaduría del artista plástico, diseñador gráfico y escritor Fidel Sclavo, cada fascículo está dedicado a uno de esos protagonistas de la pintura nacional, con reproducciones en alta calidad de un conjunto de sus obras y textos del investigador, crítico de arte y poeta Pablo Thiago Rocca, que aportan contexto, datos biográficos y herramientas de análisis para quienes quieran apreciar mejor lo que están viendo y disfrutando. Hoy en Se Hace Tarde conversamos con Alcides Abella, director de Ediciones de la Banda Oriental, sobre esta colección que cuenta con el auspicio de En Perspectiva y Radiomundo, cuyos oyentes pueden acceder a la colección con un precio bonificado durante estas primeras semanas de comercialización.

93. Jafet Rojas Esta semana tuvimos como invitado al artista emergente Jafet Rojas. Quien nos platicó acerca de su trabajo y trayectoria Chisme-Arte es una colaboración de estudiantes de la carrera de Artes Visuales y el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán, MACAY. Este Podcast es un ejercicio de libertad de expresión. Las opiniones vertidas en el programa son responsabilidad de quién las realiza.

Pequeña charla con Iván Garzón y Santiago Posada, director y productor de la más reciente película 'Lo peor hasta el momento' que estrena en salas nacionales el 19 de septiembre. Dos amigos que para su tesis de pregrado en Artes Visuales decidieron hacer un filme sobre relaciones familiares marcadas por el abandono, la distancia, la enfermedad y la precariedad que se roba los sueños. Sinopsis: Tras años de no saber nada de su familia, Juan decide ir a Bogotá a visitar a su mamá enferma. Allí se reencuentra con su hermano menor Mario, y con su tía Gloria, a quienes los cuidados de la enfermedad los han drenado económica y vitalmente. Para sorpresa de ambos hermanos, su tía les informa que por una oportunidad laboral, que no puede rechazar, ahora el cuidado de su madre lo deben afrontar ellos juntos mientras se enfrentan a sus diferencias.

Juan Manuel Blanes, el pintor de la patria. Joaquín Torres García, el que creó una corriente propia. Pedro Figari, el que capturó al candombe en el lienzo. Carlos Federico Sáez, que retrató el 900 antes de morir con solo 22 años. Las lunas de José Cúneo. La oscuridad de Luis Solari, la luminosidad de Petrona Viera, los colores y la gente de a pie de Rafael Barradas. Las acuarelas de Raúl Javiel Cabrera, “Cabrerita”, que pasó 30 años de su vida en instituciones psiquiátricas y nunca dejó el pincel. Los grabados de denuncia de Antonio Frasconi y Leonilda González. Los maestros de la pintura uruguaya. Así, Maestros de la pintura uruguaya, se titula una colección de diez volúmenes realizados por Ediciones de la Banda Oriental en conjunto con el Museo Nacional de Artes Visuales. Con la curaduría del artista plástico, diseñador gráfico y escritor Fidel Sclavo, cada fascículo está dedicado a uno de esos protagonistas de la pintura nacional, con reproducciones en alta calidad de un conjunto de sus obras y textos del investigador, crítico de arte y poeta Pablo Thiago Rocca, que aportan contexto, datos biográficos y herramientas de análisis para quienes quieran apreciar mejor lo que están viendo y disfrutando. Es, en síntesis, una colección para destacar. Y además es limitada: se imprimen 10 mil ejemplares, ni uno más ni uno menos. Profundizamos en este proyecto, que cuenta con el auspicio de En Perspectiva y Radiomundo. Para eso conversamos con Alcides Abella, director de Banda Oriental; y con Pablo Thiago Rocca, que además dirige el Museo Figari. *** La colección de diez volúmenes Maestros de la pintura Uruguaya de Ediciones de la Banda Oriental está disponible en bandaoriental.com.uy

El domingo pasado se cumplieron 150 años del nacimiento de Joaquín Torres García, tal vez el artista plástico uruguayo más trascendente de la historia. A modo de ejemplo, el director del Museo Nacional de Artes Visuales, Enrique Aguerre, decía al diario El Observador: “El único artista uruguayo que está en el canon universal del arte moderno occidental es Joaquín Torres García”. Fue fundamental su labor docente, con la Escuela del Sur, luego llamada Taller Torres García, que formó a figuras tales como José Gurvich, y que continuó con su actividad luego del fallecimiento de su fundador, en 1949. En el nombre de aquella escuela había una visión política: "He dicho Escuela del Sur, porque en realidad, nuestro norte es el Sur”, escribió al respecto Torres García, que simbolizó aquel concepto en su dibujo tan famoso, América invertida. Pero sobre todo Torres es recordado por la creación de una corriente propia, el universalismo constructivo: reconocible de inmediato, es la versión nacional de las vanguardias que sacudieron las artes plásticas en la primera mitad del siglo XX. La Tertulia de los Viernes con Alejandro Abal, Marcia Collazo, Juan Grompone y Gonzalo Pérez del Castillo.

Entrevista con el promotor cultural Carlos Fong, sobre el Círculo Infantil y Juvenil de Narradores de Historias que tendrán participación en la Feria del Libro de Panamá 2024. Con el pintor Blas Petit, conoceremos los detalles del Concurso Nacional de Artes Visuales. L'articolo Círculo Infantil y Juvenil de Narradores de Historias – Sábado 27 julio 2024 proviene da Radio Maria.

¿Qué pasaría si en uno de los edificios de principios del siglo XX más significativos de Bizkaia se expusiesen obras contemporáneas de artistas emergentes? En 'Hoy por Hoy Bilbao-Bizkaia' respondemos a esa pregunta. Hablamos del entorno donde están ubicadas estas obras, las auténticas Galerías de Punta Begoña creadas por Ricardo Bastida. También hablamos de las propias obras, una exposición itinerante de Artes Visuales titulada "Ertibil-Bizkaia"

Nuestro amigo es un reconocido pintor al que conocemos hace muchos años. Nace en Cuernavaca, Morelos. Licenciado en Arquitectura y en Artes Visuales, con especialidad en Artes Plásticas. Ha siso alumno de grandes pintores como Santiago Carbonell. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales por todo el mundo y también ha participado en las ferias de arte contemporáneo más importantes a nivel internacional. Sus obras son muy singulares y se cotizan muy bien en el mercado del arte. En esta entrevista conocemos más a fondo a la persona detrás el artista.

Yvonne Venegas estudió en el International Center of Photography en Nueva York y obtuvo una Maestría en Artes Visuales por la Universidad de California, San Diego. Ha participado en las exposiciones colectivas Pulsions Urbaines, Rencontres d'Arles; Point Counterpoint, MOPA, y Mexican Photography, SFMOMA; individualmente en la Galería Shoshana Wayne, Santa Mónica; Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC; Casa de América, Madrid; Museo de Arte Carrillo Gil, GAM en Ciudad de México, y la Galería Baxter, Nueva York. Obtuvo el premio Magnum Expression Award 2010 otorgado Magnum Photos; fue miembro del SNCA del Fonca en 2011 y 2015. Su proyecto “Gestus” fue publicado por Editorial RM con el apoyo de la beca de Fundación BBVA en 2015. Obtuvo la beca Guggenheim Fellowship 2016 para la realización de su proyecto “San Pedro Garza García” y en 2020 obtuvo el premio de adquisición de la Fundación Cuervo, el apoyo de la Fundación Jumex para su proyecto “El Lápiz de la Naturaleza” y la Beca Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca 2020-2023 para su proyecto “Mar de Cortes”. Ha publicado cinco monografías de su trabajo. Vive y trabaja en la Ciudad de México.*Fotografía de la portada por Karla Lisker.Síguenos en redes:http://instagram.com/cableatierrapodhttp://facebook.com/cableatierrapodcasthttp://instagram.com/tanialicious Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Conoce a Javier León, un destacado artista visual e investigador venezolano. Javier es licenciado en Artes Plásticas con mención en Pintura del Instituto Armando Reverón y magíster en Artes Plásticas: Historia y Teoría por la Universidad Central de Venezuela. Con amplia experiencia docente en instituciones como el Instituto Armando Reverón, la Escuela de Artes de la UCV y la Universidad Simón Bolívar, Javier es el creador del proyecto Centro de Estudios Especializados en Investigaciones y Prácticas Curatoriales (CEEIPC), un importante archivo en progreso que aplica el socioanálisis al arte post-conceptual en Venezuela. Sus exposiciones destacadas incluyen 'Caracas Inmortal' en 2015 y 'CCS' en 2019, esta última galardonada con el Premio AICA a la mejor exposición individual. No te pierdas esta entrevista para conocer más sobre la trayectoria y el trabajo de este artista visual cuya obra explora los campos culturales de las artes plásticas en Venezuela.

Ilustrador, animador, creador de comics y profesor de Artes Visuales. Este chico italiano, originario de Sicilia, se enamoró de España cuando vino a estudiar ilustración y animación en Barcelona. Por supuesto se quedó, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha estudiado Fotografía, Diseño Gráfico y Pintura. Apasionado de los comics, se dedica a la ilustración, animación, el diseño y la docencia. Enfocando su trabajo hacia la diversidad cultural. Ha colaborado con organizaciones tan diversas como ACNUR (Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados), Disney o Marvel.

¡Hola a todos! En este episodio especial de Un minuto con las artes, tuvimos el placer de entrevistar a Rigel García, una destacada investigadora de arte con una trayectoria impresionante. Rigel es Licenciada en Artes por la Universidad Central de Venezuela (UCV) y cuenta con una Maestría en Historia del Arte por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Ha dedicado gran parte de su carrera a la investigación y preservación del patrimonio artístico de Venezuela. Ha trabajado como investigadora en el prestigioso Museo de Bellas Artes de Caracas y también en el Departamento de Artes Visuales del Consejo Nacional de la Cultura, donde coordinó actividades para apoyar la presencia de artistas venezolanos en exposiciones y eventos a nivel nacional e internacional. Actualmente, Rigel colabora en el programa ArchivoAbierto, una iniciativa de la galería Abra de Caracas que se enfoca en la documentación y difusión del arte venezolano. En esta entrevista, Rigel nos comparte su pasión por la cultura venezolana, su compromiso con la investigación y preservación del patrimonio artístico, y nos brinda su perspectiva sobre los desafíos y oportunidades que enfrenta el sector artístico en Venezuela. ¡No te pierdas esta fascinante conversación con Rigel García, una verdadera experta en el mundo del arte venezolano!

Es un acontecimiento histórico en varios sentidos. La Sala 1 del Museo Nacional de Artes Visuales, en el Parque Rodó, tiene en exhibición una rareza, un hallazgo que viene atrapando la atención de los visitantes desde hace un par de semanas. Es la pintura Gaucho en el Campo, de Juan Manuel Blanes, una obra del llamado “pintor de la patria” que era desconocida por estos lares hasta hace poco más de un año. El cuadro, que fue realizado alrededor de 1875, muestra a un gaucho montándose a su caballo en medio de una pradera. La pintura estuvo por debajo del radar de los museos, los historiadores y los críticos de arte durante 120 años. En ese lapso fue cambiando de dueño entre los herederos de una familia de la nobleza inglesa. Finalmente, el cuadro llegó a una casa de subastas del sur de Inglaterra, que la remató en febrero del año pasado por 1.380.000 dólares. El ganador de la puja fue un coleccionista uruguayo que, al traerla a nuestrro país, decidió prestarla para su exhibición. Primero estuvo este verano en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry, en Punta del Este, y luego, desde este mes de abril, en el Museo Nacional de Artes Visuales, en Montevideo, donde se quedará hasta el 26 de mayo. ¿Qué implica este hallazgo? ¿Cuáles son los valores de esta pieza? ¿Cómo arribó a Uruguay? ¿Qué pasará con ella? Conversamos En Perspectiva con Enrique Aguerre, director del Museo Nacional de Artes Visuales, que además es el curador de esta exposición.

Cuando se trata de arte, nosotros somos los indicados para eso. En este nuevo episodio, nos acompaña Ianka Alicea, estudiante de Artes Visuales y Teatro y presidenta de la Asociación de Estudiantes de Artes Plásticas de la PUCPR. Nos adentramos en el diálogo donde hacemos la fusión de estas dos ramas de las bellas artes. ¿Qué tanto se complementan? ¡Averígualo dándole play a este episodio divertido ahora!

Nos sentamos con la directora de ARCO, Maribel López, muy satifecha con cómo se está desarrollando esta edición para que nos guie por ella. Con la galerista Rocío Santacruz, que vende obra de artistas como Pilar Aymerich o Colita, hablamos de las mujeres en el arte contemporáneo y las tendencias actuales en relación.Con Marta Pérez Ibáñez, de Mujeres en las Artes Visuales, hablaremos con perspectiva de género del mercado del arte y el informe que presentan.Conocemos las 30 piezas que ha adquirido el Ministerio de Cultura a través del Museo Reina Sofía en la feria y lo hacemos con el director de la pinacoteca, Manuel Segade.No nos queremos olvidar de las jóvenes artistas de la galería Chiquita Room con Alba Yruela y Julia Aurora Guzmán. Nos vamos con el adelanto de lo que puede pasar en los Oscar este finde con Conxita Casanovas, pendientes de 'Robot Dreams' y 'La sociedad de la nieve' y el country hecho por mujeres, empezando por Beyoncé, que trae Leyre Guerrero para cerrar la semana.Escuchar audio

Tren Maya ha detonado el turismo en Quintana Roo afirma la gobernadora Mara Lezama Tatiana Cuevas asumirá en mayo la dirección del el MUAC y nueva titular de la Dirección de Artes Visuales de la UNAMDesplegar tropas en Ucrania traería “trágicas“ consecuencias: Vladímir PutinMás información en nuestro podcast

Hace una semana, el viernes 26 de enero, falleció Ricardo Pascale, uno de los intelectuales más activos y más respetados de los últimos años en Uruguay. Pascale fue economista, doctor en Sociedad de la Información y del Conocimiento, docente, y catedrático de Finanzas en la Universidad de la República. Además ocupó la presidencia del Banco Central del Uruguay en dos oportunidades. La primera, con el retorno del país a la democracia (entre 1985 y 1990) y luego entre 1995 y 1996, en ambos casos en gobiernos encabezados por Julio María Sanguinetti. Uno de los temas centrales de su actividad académica fue el futuro, la innovación y su convicción de que Uruguay debe volcarse a la economía del conocimiento. Así lo expresaba aquí En Perspectiva en 2021. "Uno de los problemas graves que tienen muchos países de América Latina y Uruguay en particular es que no tienen una buena relación con el futuro. El futuro de hecho no está en la agenda. Estos países no han sabido amalgamar el legado del pasado, las prioridades del presente y el futuro que se nos avecina y que tenemos que estar cada vez más atentos y más veloces". La otra disciplina en la que Ricardo Pascale se destacó fue las artes plásticas. Fue un prolífico escultor que expuso su obra en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. De hecho en noviembre del año pasado había inaugurado su última exposición en el Museo Nacional de Artes Visuales, una instalación titulada “Leibniz saltando la cuerda”, que todavía está abierta al público. Pese a que las artes plásticas y la economía parecen muy distintas o distantes, él las llevaba paralelamente con toda naturalidad. "La economía tiene como fin mejorar el nivel de vida de los habitantes. Pueden haber distintos caminos, distintas teorías de como llegar a él. Pero ese es el fin. Y el arte tiene ese mismo fin". La Tertulia de los Viernes con Alejandro Abal, Gustavo Calvo, Juan Grompone y Carolina Porley.

El viernes pasado falleció Ricardo Pascale. La noticia sacudió a buena parte de la sociedad porque si bien tenía 81 años, estaba en plena actividad y era un intelectual respetado por todo el espectro político. Aquí En Perspectiva conversamos varias veces con él sobre temas vinculados a su gestión como presidente del Banco Central, su especialización en finanzas y su prédica de los últimos años para que Uruguay avanzara hacia una economía basada en el conocimiento. Incluso fue columnista de nuestro programa donde escribió sobre temas de desarrollo, ciencia e innovación. Pero al mismo tiempo Pascale fue un prolífico escultor que expuso su obra en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Pese a que las artes plásticas y la economía parecen disciplinas muy distintas, él las llevaba paralelamente con toda naturalidad. De hecho, en noviembre presentó un nuevo libro, “El Uruguay que nos debemos”, y con pocos días de diferencia inauguró su última exposición en el Museo Nacional de Artes Visuales, una instalación titulada “Leibniz saltando la cuerda”, que todavía está abierta al público. ¿Qué legado deja Ricardo Pascale en esa otra faceta de su vida, la del artista? Conversamos En Perspectiva con Enrique Aguerre, artista plástico, director del Museo Nacional de Artes Visuales, y curador de la última instalación de Ricardo Pascale.

Leo se ha especializado en la fotografía documental, en el fotoperiodismo y en la fotografía cinematográfica. Con una amplia trayectoria nacional e internacional, Leo ha trabajado como Fotógrafo Stringer, desde el 2002 y el 2007, de la Agencia Associated Press en Venezuela;  y ha sido Fotógrafo colaborador para la Revista Estampas del Diario El Universal.  Ha colaborado e impartido clases en el Taller de Fotografía de Roberto Mata hasta el año 2022. Actualmente, es Director del Centro de Estudios de Investigaciones Fotográficas, del Centro de Artes Visuales, en donde realiza una renovación de todos los pensum y diplomados que comenzarán en febrero de 2024. Desde hace más de un año ha estado dictando talleres fotográficos a través de su propio espacio: Leo Alvarez Workshops.  Asimismo sus trabajos han sido publicados en revistas como Time (EEUU), Paris Match (Francia);  The Guardian (UK);  El País (España); Revista "Cromos/Shock" (Colombia); Revista "Fotografía" (Venezuela);  y  Arte al Día (Venezuela), entre otras.  Recientemente, obtuvo dos menciones honoríficas en el International Photography Awards (2019) realizado en Nueva York, EEUU, por su trabajo "Rituales de Sorte", mostrando así su destacada trayectoria y habilidad creativa en el ámbito fotográfico. Explora lo que tenemos para ti en nuestra página web:  https://tramauniversity.org/ Síguenos en Instagram para estar al día con todas nuestras actividades: https://www.instagram.com/tramauniversity/

Nos trasladamos hasta Gran Canaria para asistir al Foro bianual de la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales.  Lo hacemos en una mesa redonda en la que nos acompañan Gloria Oyarzábal, f

Nos pidió disculpas por no coger el teléfono a la primera porque tenía las manos húmedas. No fueron las musas sino los premios quienes le pillaron trabajando. Escuchar audio

Felicitamos a la escultora Eva Fábregas por nuestro Premio El Ojo Crítico de Artes Visuales 2023 para viajar a la selva paranaense con Gabriela Cabezón, porque acaba de publicar 'Las niñas del naranjel'. Con Miguel Ángel Delgado embarcamos el Beagle para releer 'El origen de las especies' de Charles Darwin por su nueva edición en Alianza. Terminamos con las palabras que se incorporan al diccionario de la RAE: crack, perreo o chunda-chunda. Escuchar audio

Hoy me acompaña Lluís Nacenta, comisario local de la exposición "IA: Inteligencia artificial" en el CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona), para hablar del impacto de la inteligencia artificial en el arte. Lluís nos explica la exposición y los debates que plantea sobre el uso de esta tecnología. Hablamos sobre si existe una diferencia entre IA y arte digital y comentamos si la creatividad está amenazada o no. Finalmente debatimos sobre la autoría de las obras de arte y el peligro que supone la IA para los puestos de trabajo en la industria creativa. Lluís es comisario, escritor, músico e investigador en el espacio de confluencia de la música, el arte, la tecnología y la ciencia. De 2015 a 2017, fue jefe de másters y postgrados de Eina, Centro Universitario de Diseño y Arte de Barcelona; y de 2018 a 2021, director de Hangar, Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales. 

¿Por qué escuchar esta entrevista?   Roberto es fotógrafo, promotor y docente. Ha sido fotógrafo colaborador de Pandora, Diario El Nacional, Feriado, el Papel Literario, Prodavinci, Gatopardo, Complot, Estampas, +Salud y Mono, entre otras publicaciones. Asimismo ha sido docente desde el año 1983. Fundó el Roberto Mata Taller de Fotografía en agosto de 1993, legando una institución que ha formado a más de 8.000 estudiantes a lo largo de los años. Además de impartir clases, Roberto ha participado en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas, donde ha exhibido su trabajo y compartido su visión artística. También ha organizado concursos y proyectos fotográficos, dejando una destacada contribución en la comunidad artística. Además ha publicado diversos trabajos, entre los que destaca: “February Testimonies” written and photographs by Roberto Mata. A lo largo de su carrera, Roberto ha recibido reconocimientos y premios por su destacado trabajo en el campo de la fotografía. Entre ellos: el Segundo Premio en la Bienal de Christian Dior (1995), el Premio Sebastián Garrido en la V Bienal de Artes Visuales de Puerto La Cruz (2001) y el Gran Premio en el 31º Salón Nacional de Arte Aragua (2006). ¡ Comparte esta entrevista a quieren estar a la vanguardia en el mundo de la fotografía !

El antiguo edificio de la Central High School ha sufrido una secuencia de daños incrementados por el paso del Huracán María. Este programa entrevista al grupo de diseñadores detrás de los esfuerzos de resturación y los procesos para lograrlo. Invitado: Astrid Díaz y José Basora Síguenos en Facebook: www.facebook.com/arquitecturahoypr Programa original transmitido en Radio Universidad el 11/9/2023. Este programa es auspiciado por el Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas de Puerto Rico.

Licenciada en Artes por la Hartford Art School, en Connecticut, y tiene una Maestría en Artes Visuales en la Universidad de Nueva York. Sus proyectos de investigación son de carácter multidisciplinario, combinando en distintas etapas estrategias como la fotografía, la instalación, la gráfica, el collage y especialmente, la pintura. Para María Elena Álvarez su obra intenta configurarse como una narrativa abstracta, con vestigios y pistas de los detonantes figurativos y sensoriales que alimentan los procesos del arte. Desde estas geometrías de lo sensible, presenta el discurso visual como un viaje, real e imaginario, donde las formas desarrolladas se transforman en puntos de partida. Entre otros reconocimientos, recibe en 2014 y 2016, el Premio Armando Reverón en el Salón Arturo Michelena, ediciones 67 y 68, Valencia, Venezuela. Un Minuto con las Artes, la Academia en tu Radio, con Susana Benko, Álvaro Mata, Humberto Ortiz y Rafael Castillo Zapata. Al aire por Radio Capital 710 AM el miércoles 4 de octubre de 2023. ----------------- Sigue nuestro contenido a través de: ▸ Instagram → ⁠https://bit.ly/42DmGK6⁠ ▸ Spotify → ⁠https://acortar.link/Pazhqo⁠  ▸ Apple Podcast → ⁠https://apple.co/42oUwCO⁠  ¿Qué te pareció esta entrevista? ¡Déjanos tu comentario!

Curadora de la Fundación Gego, donde lleva a cabo el catálogo razonado de la artista. Estudió Letras en la UCAB y realizó estudios de Administración de Empresas en la misma universidad, así como Filosofía en la UCV. Manrique ha sido profesora de literatura, historia del arte e historia del diseño gráfico en diversas instituciones de educación superior del país. Ha escrito y colaborado para catálogos y otros proyectos editoriales. Y entre sus últimas actividades profesionales destacadas, está la coordinación del Proyecto de Documentos del Arte Latinoamericano y Latino del Siglo XX (Museum of Fine Arts, Houston) en Venezuela. Fue directora ejecutiva de la Fundación Gego durante siete años, en los que hizo exposiciones y proyectos editoriales y audiovisuales que documentan la obra de esa artista. Un Minuto con las Artes, la Academia en tu Radio, con Susana Benko, Álvaro Mata, Humberto Ortiz y Rafael Castillo Zapata. Al aire por Radio Capital 710 AM el miércoles 26 de julio de 2023. ----------------- Sigue nuestro contenido a través de: ▸ Instagram → https://bit.ly/42DmGK6 ▸ Spotify → https://acortar.link/Pazhqo  ▸ Apple Podcast → https://apple.co/42oUwCO  ¿Qué te pareció esta entrevista? ¡Déjanos tu comentario!

Disney estrenó esta semana una nueva miniserie de alto presupuesto del universo de superhéroes de Marvel: Invasión secreta. Y este lanzamiento dio mucho que hablar, no por la calidad del contenido o por las actuaciones de estrellas como Samuel L. Jackson, sino porque en ella se utilizó inteligencia artificial generativa. La producción de Invasión secreta contrató a un estudio para desarrollar la introduccción con los créditos de la serie, eso que muchos espectadores se saltean con el botón de “omitir intro”. Y ese estudio, en vez de contratar artistas visuales, recurrió a herramientas de IA para elaborar lo que se buscaba. El director de Invasión secreta, Ali Selim, dijo que por los temas que se tratan en la serie que tiene que ver con seres alienígenas que se hacen pasar por humanos- les parecía interesante la sensación extraña de que el comienzo fuera con arte no generado por personas reales. Pero enseguida se generó una importante polémica desde el punto de vista de ética laboral. Por comparación, la introducción de otra serie del mismo universo cinematográfico, Jessica Jones, empleó a una veintena de artistas visuales, mientras que en la de Invasión secreta aparecen acreditados solamente ocho. Además de por la cantidad de puestos de trabajo que pueden perderse, hay todo un aspecto filosófico con respecto al arte generado por IA. ¿Puede considerarse arte una obra si en ella no hay humanos involucrados? Tomamos este tema, y para eso conversamos En Perspectiva con Martín Rumbo, director general creativo de la agencia Notable, y con el artista visual y diseñador gráfico Vittorio Santarcieri, quienes han trabajado en conjunto desarrollando productos visuales con IA. Y con Enrique Aguerre, quien dirige el Museo Nacional de Artes Visuales y tiene una larga trayectoria en el mundo del videoarte.

En octubre de 2022, en Los Angeles, el Museo de la Academia de las Ciencias y Artes Cinematográficas de Estados Unidos llevó a cabo un ciclo de cine llamado Mexico Maleficarum. Curado por el especialista Abraham Castillo presentó una larga selección de películas mexicanas de horror para, como se anunció, “resucitar al cine de horror mexicano del siglo XX”. Hoy, en plena primavera de 2023 una idea similar aterrizó en México gracias al trabajo del propio Abraham y de Alameda Films. Con ello regresaron a las pantallas de buena parte del país grandes clásicos del género restaurados. Este nuevo esfuerzo fue nombrado Espectros, delirios y colmillos y presentó títulos como El vampiro de Fernando Méndez, El barón del terror de Chano Urueta y Chabelo y Pepito vs los monstruos de José Estrada . No faltaron las quejas y las burlas y por eso quisimos hacer este podcast ¿De qué nos sirve revisar películas de un género tan menospreciado por los académicos? ¿Por qué darle valor y resonancia a películas que incluso la crítica y la prensa nacional tachan de basura, de películas sin valor? A ello hay que sumar la dificultad no sólo de rescatar las películas, sino de restaurarlas y ponerlas de nuevo ante los ojos de su público natural. Para hablar del tema, de ambos ciclos y de lo que es y significa el género de horror para México y desde México para el mundo invitamos, evidentemente, al responsable principal de Espectros, delirios y colmillos, Abraham Castillo, graduado de la Escuela de Artes Visuales con sede en Nueva York, promotor, rescatista y estudioso de películas de género y ex programador de Mórbido, Festival Internacional de Cine de Terror y Fantástico.  Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices