Crónica Cultural

El Parque del Chiribiquete, en la selva amazónica de Colombia, guarda un tesoro milenario que los científicos apenas empiezan a estudiar. Enigmáticos murales rupestres se extienden sobre cientos de metros cuadrados rocosos. Juan José Lozano ha llevado al cine la historia de esta memoria pintada para narrar de otra manera a la Amazonia y sus habitantes. Una coproducción del canal público europeo Arte y el audiovisual público colombiano RTVC Señal Colombia. Juan José Lozano es colombiano de nacimiento y convertido en suizo por errancia. Autor de películas de ficción, de animación y documentales. Una filmografía que indaga en la memoria, la individual y la colectiva. Sus películas han sido presentadas en varios festivales internacionales y en una cincuentena de países. Su último documental es Chiribiquete, filmado en un parque inmenso del mismo nombre, anclado al sur de la selva amazónica colombiana, entre los departamentos del Guaviare y Caquetá Juan José Lozano: “Es un territorio de 42.000 kilómetros cuadrados, articulado alrededor de la Serranía del Chiribiquete, que es una cadena montañosa de unos 350 kilómetros de larga”   RFI: Del tamaño de Cuba o Suiza.   Juan José Lozano: “Exactamente. Treinta veces Bogotá, ese fue el dato que me dio un investigador”. RFI: En ese trozo inmenso de selva abrazado por los ríos Guaviare y Caquetá se levantan unas montañas majestuosas y milenarias. Sobre sus rocas escarpadas se extiende unos murales gigantescos con miles de pinturas rupestres de pigmento rojo que podrían datar de 19.500 años atrás. ¿Cómo llegas tú a esta historia tan fascinante como inédita? Juan José Lozano: “Yo me entero de la existencia de ese sitio en el 2018, cuando es declarado Patrimonio Mixto de la Humanidad por su valor natural y cultural. Y fue fascinante ver las imágenes. ¿Yo decía cómo es posible que hoy en día sigamos descubriendo cosas de esta dimensión y de esta belleza y que no haya sido visto por la ciencia antes? Y una de las respuestas es que durante años nos ocupamos esencialmente del conflicto armado interno y era una zona de difícil acceso”. “El cine que yo hago  trabaja con la memoria y me dije quiero contar qué es Chiribiquete como otra manera de acercarse y descubrir un país diferente. Empecé a documentarme y a contactar a los investigadores que trabajan allí. Y fui armando un proyecto que presenté a la productora francesa Film à la Patte, especializada en documentales científicos, sobre todo arqueológicos, y gracias a ella el proyecto se convirtió en película”.   Chiribiquete, un documental de primeras veces El documental Chiribiquete es en sí mismo una primicia. Esta es la primera vez que se descubren en Colombia este tipo de vestigios en esa selva vasta, llena de secretos, de mitos, de pueblos escondidos, de culturas arrasadas. Y es la primera vez que un documental nos permite conocer el hallazgo. RFI: ¿Por qué se ha tardado tanto?  Antes era difícil, dices. ¿Hay también una negligencia frente al estudio del arte rupestre?     Juan José Lozano: “Primero, el conflicto armado interno nos alejó de esa región. La primera expedición que hubo en el Chiribiquete fue en el año 1991. Desde entonces hasta el 2016, los científicos no pudieron volver allí. Segundo,  tradicionalmente hemos sido negligentes y no hemos visto que Colombia va mucho más allá de Bogotá, de Cali, de Medellín, de las ciudades que están en el eje andino y no hemos sabido mirar la Amazonía. Pero también hay científicos que han dedicado su vida a trabajar allí.  Lo que no ha habido es un acompañamiento sólido institucional importante de parte del Estado. Solo hasta ahora estamos descubriendo que eso es medio país de un valor incalculable y que hay que ponerle cuidado a lo que hay allí”. RFI: O sea que hay que darle gracias a la paz. Por que es a partir del proceso de paz firmado en 2016 que se puede ir a estos lugares y apostar en este tipo de inversión científica, no? Juan José Lozano: “Claro! Pero, ojo, al Parque Chiribiquete no se puede ir porque tiene el acceso restringido”. RFI: ¿Pueden ir los científicos? Juan José Lozano: “Sí, claro, pero no es un sitio abierto al turismo. La salvaguarda de este parque está en manos del ICANH, el Instituto Colombiano de Antropología e Historia y ellos desarrollaron una zona tampón al norte del Parque de Chiribiquete, pegada a la ciudad de San José del Guaviare, donde hay una cadena montañosa chiquita llamada La Serranía de la Lindosa y que cuenta con unos diez o 12 frescos murales inmensos con pictografías muy parecidas a las de Chiribiquete. Ahí la gente sí puede hacer turismo. Es un sitio absolutamente hermoso y hay que ir”.  RFI: Un sitio que también aparece en tu película, cercano a la comunidad de los llamados Huitotos. En diferentes momentos y por fenómenos diversos, estos pueblos han sido diezmados. Al punto que en esta parte de la Amazonia colombiana no hay indígenas. ¿Cuántas familias quedan? Juan José Lozano: “Se calcula que apenas hay unas cinco o seis familias en aislamiento voluntario. Son pueblos que decidieron hace 100 años, huyendo de las guerras del caucho del sur, refugiarse en la Serranía del Chiribiquete. Hay otras familias, dos o tres, que nunca han tenido contacto con la sociedad mayoritaria”. RFI: Lo que les ha permitido sobrevivir. Juan José Lozano: “Sí”. RFI: Un hallazgo de este tipo podría contribuir a una nueva narrativa sobre la llegada del hombre al continente americano. Un relato que otros descubrimientos similares en Suramérica ya han empezado a tejer: el relato que desmiente que los hombres llegaron por el Estrecho de Bering. Juan José Lozano:: “Hace 13.000 años... Esa es la pregunta del millón que se hace la arqueología hoy: ¿Cuándo llegó Homo Sapiens a América y por dónde entró? Hasta los años 1990 existía el Dogma Clovis, desarrollado y avanzado por universidades de Estados Unidos, que decía que hubo solo una ruta de migración. Familias que venían de Siberia, atravesaron el estrecho de Bering, bajaron por lo que hoy es Estados Unidos y se establecieron en un sitio que se llama Clovis, en Nuevo México, donde hay unas evidencias líticas, unas piedras que servían para hacer flechas, datadas en 13.500 años. Todo lo que fuera anterior a esa fecha era negado por el dogma norteamericano hasta comienzos de los años 90, cuando investigaciones muy serias en Chile, Brasil, Perú, mostraron otras evidencias más antiguas y, desde entonces, se empieza a hablar de diferentes rutas de migración en distintos momentos de la historia: 17.000, 18.000, 35.000 años atrás”. “Y es en ese contexto donde aparece la primera datación de científicos colombianos en el Chiribiquete, que es la expedición del 1991-1992 que mencionaba, adelantada por Carlos Castaño Uribe y por Thomas Van der Hammen. Ellos encontraron pedazos de piedra que se habían caído de los paredones pintados. Las enviaron a un laboratorio en la Universidad de Gröningen. Hay dos evidencias una de 22.000 años y otra de 19.500 años. Desafortunadamente, esas fechas no pudieron ser validadas después por otras excavaciones en el lugar. Entonces, la fecha más antigua validada por la ciencia en el Parque de Chiribiquete es de 12.500 años”.    “Lo que quiero decir es que sí hay investigaciones serias apoyadas por con un músculo financiero importante, podríamos escribir páginas importantes de la historia de la arqueología en América”. RFI: También de la identidad de los colombianos porque tu película muestra como la Amazonia está lejos de corresponder a ese estigma de selva virgen poblada por pueblos salvajes. Esta sería la primera vez que un documental le mueve el piso a esa negación racista que hay en Colombia sobre el origen indígena y lo que han sido los indígenas.  Juan José Lozano: “Sin duda, ha habido una mirada colonialista de siglos, una mirada negacionista que se ha concentrado solamente en el eje andino; es decir, en las culturas andinas y de los valles interandinos. Los orfebres siguen siendo el centro de la preocupación de arqueólogos y antropólogos en Colombia. Pero lo que estamos descubriendo, gracias al trabajo de investigadores en Colombia y, sobre todo, en Brasil es que, tal vez, las primeras civilizaciones de lo que llamamos amerindios se establecieron en la Amazonía y que, en algún momento de la historia, por presión demográfica, tal vez, - no se sabe exactamente por qué- esas civilizaciones emigraron y colonizaron la Cordillera de los Andes y crearon las grandes ciudades y los grandes imperios que conocemos”. “Lo que pasa es que en la Amazonía no hay piedra para construir. Entonces no se construyeron pirámides. Pero hoy sabemos que hubo grandes ciudades de más de mil personas. Hubo complejos urbanísticos importantes en donde se sabía utilizar todos los recursos de la tierra, con canalización de agua, y que eso desapareció muy rápidamente con la llegada allí de los europeos en el siglo XVI”. RFI: Y volvemos a las primeras veces. Es también la primera vez que con este documental se logra que se asocien la televisión europea, el excelente canal público franco alemán Arte, con un medio colombiano, RTVC, el audiovisual público. Cuéntanos un poco de esta importante alianza inédita . Juan José Lozano: “Yo llevo 25 años haciendo cine y televisión, trabajando con empresas como Arte o la radiotelevisión suiza, siempre sobre temas de Colombia y es la primera vez que puedo montar una coproducción con un canal colombiano. Aunque desde el comienzo, hace cinco años, nos acercamos con la casa de producción a Señal Colombia, no fue posible que entendieran la importancia de este documental por el valor que tiene el sitio Chiribiquete” ‘Y esa coproducción solo fue posible el año pasado con la llegada de Hollman Morris a la gerencia del canal. Hollman entendió que es una  importante trabajar aliados con el canal de televisión pública por excelencia en Europa, que es Arte, y que Chiribiquete es un sitio importante para los colombianos porque nos permite entender la Amazonía de otra manera, una de las preocupaciones del presidente Gustavo Petro”. “El documental es una coproducción financiera entre esos dos canales. El equipo es franco colombiano, mitad y mitad, y desde el año pasado hacen parte juntos de la aventura”.  RFI: Una aventura que permite que los dos medios públicos, Arte de Europa y RTVC de Colombia, lo difundan al mismo tiempo y, además, desde un lugar inédito: San José del Guaviare que hasta el 2016 era impenetrable. Zona roja, por excelencia. Juan José Lozano: Sí. Las cosas están cambiando en ese país y en los territorios, sobre todo. Esa fue una idea muy bella que surgió en las discusiones con RTVC. Dijimos, no hagamos el lanzamiento del documental en Bogotá, descentralicemos ese tipo de eventos y, además, porque se trata de una historia que viene del territorio. Y, por qué no, desde San José del Guaviare, con la comunidad, con los guías y con las personas que trabajaron con nosotros y nos abrieron la puerta de sus casas para poder hacer el documental”. RFI: ¿Cuándo va a ocurrir eso? Juan José Lozano: Eso va a ser el sábado 14 de junio, Día Europeo de la Arqueología. El documental va a ser difundido también por el canal Arte en su horario de las 21h00 (9 p.m) y al mimo tiempo, (2 p.m. hora de Colombia), por Señal Colombia”.    “Durante el día vamos a tener una serie de eventos en San José del Guaviare, organizados por el Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH). Un conversatorio desde el parque de la ciudad con algunos de los investigadores que participaron en el documental y guías y líderes de la región. Se va a instalar una pantalla en el parque para proyectar el documental. Esto hace diez años, por supuesto, era impensable. San José del Guaviare fue durante mucho tiempo la retaguardia del de las Farc y del narcotráfico y era muy difícil entrar allá”.

El Festival de Cannes vive sus últimos días. En la competencia este año por la Palma de Oro está la película española Romería, una cinta sobre la memoria familiar y sobre los años negros del sida en España. Marina, 18 años, hace un viaje de Cataluña a Galicia para estrechar lazos con la familia paterna que nunca conoció.El contacto con sus abuelos, tíos y primos le hace descubrir la historia oculta de sus padres: unos jóvenes despreocupados que en los años 80 se engancharon con la heroína, murieron de SIDA y la familia optó por tapar esta tragedia.Esa es la verdadera historia de los padres de Carla Simón, historia que la directora llevó al cine en Romería, un intento por reconstituir su rompecabezas familiar."Es una película sobre la memoria, intentando explorarla a través de los relatos de mis familiares", dijo RFI la cineasta.Esta película es una ficción sin embargo porque "cuando recuerdas, no recuerdas el hecho en sí, sino la última vez que lo recordaste. Eso genera un relato cambiante en realidad, que muchas veces puedes incluso adaptar a tu conveniencia para contarte lo que tú necesitas para sobrevivir", explicó Simón."La heroína arrasó con todo"La directora pone en escena la epidemia del SIDA en España y sus consecuencias en las familias. "A mi familia le ha costado digerir esa historia por todo el tabú", dijo."En Estados Unidos la epidemia empezó con una relación muy directa con el tema de la homosexualidad. En Gran Bretaña con la inmigración africana. Pero en España tuvo más que ver con la heroína. Después de la represión franquista, y en una sociedad pues muy conservadora, muy católica, durante la transición llegó la heroína y arrasó de una manera muy fuerte".Romería, tercer largometraje de la española Carla Simón, es una de las 22 aspirantes a la Palma de Oro. 

Una película latinoamericana puso ritmo, baile y fuerza feminista al Festival de Cannes. El chileno Sebastián Lelio presentó en estreno mundial La ola, un musical exaltado sobre las tomas universitarias en 2018 en Chile. ¿Cómo restituir en un musical para el cine el movimiento masivo por el derecho a la integridad sexual y física de mujeres y jóvenes en Chile? Ese fue el ambicioso reto que se puso Sebastián Lelio con La ola, película llena de ritmo, euforia y sororidad, presentada en preestreno mundial en el Festival de Cannes.Lelio trabajó en el guión durante cinco años y luego rodó en inmersión durante dos. "En total fueron siete años", explicó a RFI.El cineasta destacó la ausencia de una tradición arraigada de cine musical en Latinoamérica. "Digamos, no tenemos nuestra 'West Side Story'," apuntó Lelio, subrayando la audacia de su empresa.El desafío no solo radicaba en el género, sino también "pensar, concebir, filmar nuestra propia solución al problema de hacer un musical que cruza política con esplendor", admitió Lelio."Y por supuesto que aprendimos a porrazos y aprendimos sobre la marcha, libres de toda tradición porque no la tenemos, para bien y para mal."Lelio también reflexionó sobre la magnitud y el impacto del movimiento real que inspira la película, describiéndolo como "masiva, fue transgeneracional, fue tremendamente influyente en la política chilena, se convirtió en un pilar ineludible de la discusión pública."Reconoció que el fenómeno trascendió el simple eco del #MeToo, buscando entender "cómo eso cambió un poco la conciencia en general," aunque también observó que "mucha gente complotó contra el cambio para que las cosas estuvieran casi peor que antes. Las olas, van y vienen.""Plantea nuevas preguntas"La potencia de La ola se sustenta en las interpretaciones de sus protagonistas, entre ellas las actrices Daniela López y Lola Bravo, quienes a través de la actuación, el canto y el baile rinden homenaje al movimiento feminista chileno."Lo lindo de esta película es que toma esa fuerza y esa energía que ocurrió en el 2018 en Chile, y la renueva. Plantea nuevas preguntas, nuevos conflictos... que nos hacen cuestionarnos hoy en día lo que pasó ese día y lo que podría pasar hoy y en el futuro", dijo Daniela López."Como, estamos haciendo un musical, queremos hacer historia. Y esa era nuestra pieza fundamental en este proceso", expresó por su parte Lola Bravo.La ola se presentó en la sección Cannes Premiere del Festival de Cine de Cannes.

Una cinta protagonizada por el mexicano Gael García Bernal se presentó en la sección Cannes Première. Magallanes, del cineasta filipino Lav Díaz, cuenta los últimos años de vida del explorador portugués del siglo XVI. RFI conversó con el actor. El navegante portugués Fernando de Magallanes tenía una sola obsesión: cumplir con la empresa de colonización y de evangelización del Imperio español, en el siglo XVI, más allá del continente americano. Fue quien por primera vez cruzó el océano Pacífico para alcanzar lo que hoy se conoce como Filipinas. El cineasta filipino Lav Díaz pidió al mexicano Gael García Bernal dar vida al explorador."Sabemos acerca de la figura histórica de Magallanes, pero hay muchos vacíos. No se escribía acerca de los sentimientos, no se escribía acerca de lo que pensaban", dijo a RFI García Bernal."La película se arriesga con un par de cosas  y menciona cosas que son controversiales en el mejor de los sentidos. Los historiadores no han podido llegar ahí.""Me llamaron a mí, un mestizo"Con largas secuencias y planos fijos que a menudo recuerdan pinturas renacentistas, Magallanes cuenta el primer contacto entre portugueses y comunidades autóctonas filipinas."Está perfectamente documentado, fueron muy bien recibidos por los isleños", apunta. "Es muy interesante de ver que hay una curiosidad innata del ser humano de encontrarse. Quizás de ahí nace también una de las de las realidades que vivimos hoy en día: el mestizaje". Al actor mexicano le sorprendió que le propusieran este papel. "Me llamaron a mí, un mestizo, para interpretar el personaje. Me dije: "llamarían a un europeo para hacer de él, ¿no? Pero está bueno en realidad porque nosotros venimos de estos exploradores, conquistadores, colonizadores, venimos también de allí."Magallanes de Lav Díaz se presentó en la sección Cannes Première, creada para las películas de alto rango que no entraron en la competencia del festival de cine.

La única película latinoamericana en la competencia del Festival de Cannes es El agente secreto del brasileño Kleber Mendonça Filho. Un thriller ambientado en el Brasil de la dictadura y protagonizado por Wagner Moura.   La ciudad de Recife, en el nordeste brasileño, es el escenario de violencias. Intelectuales y estudiantes son asesinados, con la complicidad de las autoridades y la policia. El relato trascurre en 1977, en plena dictadura. "Era un momento de la historia en la que todo estaba al revés. O sea, si decías alguna evidencia como que el agua moja, te convertías en opositor", explicó a RFI el cineasta brasileño Kleber Mendonça Filho.En El agente secreto, las ideas de Armando lo convierten en el blanco de un funcionario todopoderoso y corrupto. En medio de la temporada de  carnaval, lo acoge una comunidad de clandestinos. Se reunen en el mítico cine de San Luis, un lugar que marcó al director brasileño. "Es un crónica en forma de largometraje sobre un momento de la historia de Brasil que yo personalmente todavía recuerdo porque era un niño. Y los recuerdos infantiles son los que construyen quién eres. Pero al mismo tiempo, hay mucha investigación histórica y muchos relatos de personas mayores, de mi familia y de mis amigos”, aseguró.Protagonizada por Wagner MouraEn el papel de Armando, está el actor Wagner Moura, quien se dio a conocer en el resto de Latinoamérica por su actuación en la série Narcos.“El agente secreto es una película política diferente. Es cine de género, un cine de un género que no fue inventado en Brasil, porque es un thriller, pero sí es una película muy brasileña", declaró. La película compite por la Palma de Oro en esta edición 78 del Festival de cine de Cannes.

La sección "Una cierta mirada" del Festival de Cannes presentó una cinta chilena. La misteriosa mirada del flamenco es el primer largometraje de Diego Céspedes, quien llevó el público al desierto del norte de Chile, al inicio de la epidemia de VIH. RFI fue al encuentro del cineasta y del elenco. En medio de las minas del norte de Chile, en los años 80 reina una atmósfera de película de vaqueros.En este escenario, la cantina la maneja un grupo de mujeres trans, unidas por la hermandad y el amor. Se cuidan como madres y hermanas, llamándose entre ellas con afectuosos nombres de animales.Pero cuando los clientes comienzan a enfermarse y morir de SIDA, creen que se trata de un hechizo y la cacería de brujas comienza. Pero La misteriosa mirada del flamenco no es un nuevo relato sobre feminicidios."Entre más violencia se genera inevitablemente un sistema de resistencia, que es mucho más hermoso de contar", dijo a RFI su director Diego Céspedes."Lo más lindo es rescatar lo que todavía se puede hacer y hablar de amor, ya sea familiar, romántico, no romántico. Es un diálogo más real"."No es victimización"Ante la violencia Boa, Leona, Flamenco y todas las residentes de la cantina optan por defenderse por sí mismas, para quitarse la etiqueta de víctimas.La actriz Paula Cundinamarca, en el rol de la matriarca Mamá Boa, conoció de joven la transfobia de esta sociedad conservadora. "Me tocó vivir en una época en donde la palabra travesti era sinónimo de persona trastornada, de delincuente. Era una cosificación muy demonizada. Pero la victimización es una zona de confort", aseguró.Nuevas generacionesEl joven actor Matías Catalán tomó el papel de Flamenco, contagiada con VIH. "Me da la impresión que el panorama sigue siendo el mismo hoy en día. Pero lo que sí he logrado ver es un cambio en la forma de relacionarse dentro de las comunidades LGBTQ+. Ahora está mucho más permitido el amor, el cariño, el respeto", constató.La misteriosa mirada del flamenco y otras 19 películas se presentan en la sección "Una cierta mirada" de la edición 78 del Festival de Cannes. 

La nueva película del aclamado director español Oliver Laxe, "Sirat", se presenta como un viaje intenso y transformador por el desierto marroquí. La cinta se presentó este jueves en la competencia del Festival de Cannes, y sacudió a más de uno en La Croisette. Luis y su hijo Esteban se adentran en el desierto de Marruecos en busca de Mar, la hija mayor, desaparecida cinco meses atrás sin dejar rastro. La búsqueda de Mar los lleva a una fiesta salvaje y, luego, a un peligroso viaje por la inmensidad del desierto, donde las cosas no salen como lo habían imaginado.Esta es la historia de Sirat, la cuarta película del talentoso Oliver Laxe, quien se inspiró en el Sirat de la cultura árabe, es decir, el puente suspendido sobre el infierno que separa a creyentes y no creyentes— para hablarnos aquí de la vida y la muerte."A mí me interesa mucho la muerte", dijo Laxe en entrevista con RFI. "Me interesa espiritualidad, el trascenderme, y desde luego el miedo a la muerte. Ha configurado mi psicología y creo que nos la configura a todos. Tenía ganas de meditar la muerte y al mismo tiempo al espectador."Sirat no es únicamente una reflexión sobre la muerte. También profundiza sobre la naturaleza de la vida. "Yo he desplegado en esta película una mirada en el que la vida pues a veces se expresa de manera dura, pero siempre benéfica, siempre te ayuda a crecer, a mirar adentro aunque sea de la manera más atroz", asegura el cineasta español."En el desierto el ser humano es minúsculo"El actor Sergi López interpretó a este padre de familia que se lanza de manera inconciente por el desierto y al que todo le sale mal.López evocó "un viaje espiritual profundo a través de un hombre, de una familia, de un grupo, de un colectivo que al que la vida golpea y transforma y les pone delante el espejo de sí mismos".La experiencia extrema que viven les enseña que "al final la única manera de atravesar el dolor y de crecer es seguramente compartiendo", dijo el actor.Sobre la experiencia de rodar en un entorno tan imponente, López añadió: "El desierto nos regaló tormentas de arena que convierten la realidad en una cosa que parece de otro mundo. Te das cuenta de que en el desierto el ser humano es minúsculo". Sirat, de Oliver Laxe, es una de las 22 candidatas a la Palma de Oro a la mejor película en Cannes 2025.

El Festival de Cannes abrió recordando a Fatem Hassona, fotógrafa palestina y heroína de un documental que se estrenó este el jueves sobre la situación catastrófica en Gaza. Fatem sin embargo no estará en Cannes. Murió junto a otros miembros de su familia en un bombardeo israelí. RFI conversó con la directora de la cinta.  Durante un año la directora de cine franco-iraní Sepideh Farsi pudo comunicar por video llamada con una joven fotógrafa en Gaza, Fatem Hassona, quien quería documentar con sus fotos la situación en el enclave palestino y denunciar la situación humanitaria de los gazatíes.De estas conversaciones, a veces alegres, a veces desesperadas, nació el documental “Pon tu alma en la mano y camina”, presentada en la sección Acid del Festival de Cannes.Poco después del anuncio de la selección en Cannes, una bomba israelí acabó con la vida de Fatem y otros 10 miembros de su familia.A pesar de esto, Sepideh Farsi está en Cannes para mostrar el testimonio que dejó Fatem. "Luego de los ataques del 7 de octubre, de la guerra que se desató en Gaza y de las imágenes horribles que nos llegaban de civiles y niños muertos o heridos, y que comenzaban a invadir el paisaje mediático, me percaté de que nunca escuchábamos la voz de los propios palestinos. El relato siempre era de los medios internacionales, de Israel, de los países europeos, pero nunca de los habitantes de Gaza", dijo a RFI la cineasta.Creencias distintas, lenguaje comúnLas conversaciones entre Sepideh y Fatem son un testimonio en primera persona del horror en Gaza.Fatem cuenta los bombardeos, las muertes a su alrededor, la hambruna y el dolor de los gazatíes, pero también su fe y su esperanza.Las dos mujeres tienen creencias y vidas diametralmente opuestas, y sin embargo, se comprenden y respetan."Siempre hablamos con calma. Creo que eso es precisamente lo que nos hace falta hoy en día. No solo en lo que respecta al conflicto israelo-palestino y el genocidio del pueblo palestino, sino en todo. Es como una herida que se infecta. Tendriamos que aprender a dialogar, incluso aquí en Europa", aseguró Farsi.Put your soul in your hand and walk (Pon tu alma en la mano y camina) se estrenó este jueves en un homenaje en Cannes, sin Fatem. 

Cuando un grupo japonés se pone a rescatar canciones tradicionales japonesas con ritmos latinos y afro, el resultado es 'Minyo Crusaders', un grupo que se ha convertido en embajador de la cumbia, el mambo o la salsa en el archipiélago nipón. En la playlist de este mes de mayo, destacamos asímismo el retorno del dúo francés 'Neg Marrons' y terminamos con el fenómeno argentino 'Ca7riel y Paco Amoroso' y su nuevo disco 'Papota'.  Hoy les presentamos a los japoneses Minyo Crusaders, cuya traducción literalmente es "los cruzados del Minyo"; el minyo es una canción tradicional del archipiélago nipón. El grupo de Fussa, una ciudad al oeste de Tokio, se formó por iniciativa del líder Katsumi Tanaka y el cantante Freddie Tsukamoto, ambos apasionados por el minyo de los 60, mezclado con jazz y música latina.Después de un primer álbum publicado en 2017, 'Ecos of Japan', y un EP exclusivamente de cumbia 'Minyo Cumbiero De Tóquio a Bogotá' editado en 2020, vuelven con un nuevo trabajo 'Tour of Japan' cuya salida está prevista este mes de julio, lo edita la casa discográfica '180g', un sello especializado en importaciones japonesas.'Tour Of Japan' sigue teniendo una alta dosis de música latina, con mambo, cumbia y salsa, pero también ritmos afro. Seguimos con canciones tradicionales japonesas y con arreglos que reviven clásicos de todo el archipiélago como el tema Kaigara Bushi.En la actualidad de este mes de mayo, destacamos también el retorno de una banda emblemática del reggae hip hop francés 'Neg Marrons', la traducción francesa de "cimarrones", los esclavos que consiguieron liberarse huyendo a través de las selvas y que formaron comunidades.Jacky y Ben, los dos integrantes de los Neg Marrons, son originarios de los suburbios de París, formaron parte del colectivo Secteur A, un grupo que tuvo mucho éxito en el hip hop francés de los 90.   Los dos artistas destacaron también con otro colectivo que triunfó también bastante, Bisso Na Bisso más dedicado a los ritmos africanos.   Jacky y Ben, con casi 50 años, están preparando un nuevo álbum para 2025 pero ya tenemos al nuevo sencillo 'Un peu de temps', (un poco de tiempo en español). Un tema, como siempre, muy reggae y muy dance hallEl fenómeno argentino Ca7riel y Paco AmorosoCuando el músico guitarrista Catriel Guerreiro conoció al cantante, batería y compositor Ulises Guerriero, se crea el duo Ca7riel y Paco Amoroso.Originarios de Buenos Aires, empezaron en 2018 haciendo música trap latina experimental. Adquieren relevancia nacional con algunos títulos, pero poco a poco van cambiando de estilo, mezclando trap con rap, música Electro, música pop y funky.El éxito llega rápido con dos nominaciones a los Grammys del 2022. En 2024 durante su gira 'Paga a Dios Tour' arrasan en el programa Tiny Desk de la Radio Pública de Estados Unidos que ya suma más de 34 millones de vistas en Youtube, donde tocan con una banda acústica que francamente sorprendió a todos.De este éxito acaban de sacar un nuevo disco 'Papota', super original y conceptual. Un disco justamente donde se puede escuchar este mismo concierto. Esta banda argentina nos ha conquistado completamente. 

La cuenta regresiva para el Festival de Cannes comenzó con la presentación de la selección oficial. Como siempre, un ramillete de estrellas se dejará ver en la prestigiosa alfombra roja de la Croisette. Pero también se incluyeron muchas primeras películas. Dos cintas chilenas figuran en la selección oficial; el brasileño Kleber Mendonca Filho disputará la Palma de oro junto a otros 18 cineastas de horizontes diversos. Dos películas chilenas, "La ola", de Sebastián Lelio, y "La misteriosa mirada del flamenco", ópera prima de Diego Céspedes, forman parte de la selección oficial, fuera de competición, del próximo Festival de Cannes, anunció el jueves la organización.La cinta de Lelio, sobre la movilización feminista en Chile, será proyectado en la sección paralela de Cannes Première de la muestra, que se llevará a cabo del 13 al 24 de mayo. El director chileno, conocido por "Gloria" y "Una mujer fantástica", presenta en esta cinta a una estudiante chilena involucrada en el movimiento feminista en su universidad.Por su parte, "La misteriosa mirada del flamenco", de Céspedes, forma parte de la sección paralela Una Cierta Mirada, dedicada a los jóvenes talentos y la más importante después de la competición. La película está ambientada en un desértico pueblo minero donde se propaga una enfermedad desconocida, que se transmite cuando un hombre se enamora de otro a través de la mirada, según resume una de las empresas productoras de la cinta.“El festival de Cannes, como el cine, es universal. Por eso, escogemos películas de todas partes del mundo. Este año tenemos dos películas chilenas. Es una satisfacción muy grande, porque son películas fantásticas”, expresó Thierry Frémaux.Lo mejor del cine de autor mundialEn liza por la Palma de Oro, muchos cineastas veteranos, pero también nuevas caras que traerán vientos de frescura en la distinguida Croisette.Entre las firmas conocidas, el cineasta iraní Jafar Panahi, el estadounidense Wes Anderson, la francesa Julia Ducournau que aspira a una segunda Palma de Oro, y los belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne que buscan una tercera, competirán en el 78º Festival de Cannes, se anunció este jueves.Seis directoras --el récord de realizadoras fue siete en 2023-- figuran entre la veintena de cineastas cuyos filmes seleccionados fueron anunciados por el delegado general Thierry Frémaux durante una conferencia de prensa el jueves.Otros nombres elegidos para la competición principal son el veterano cineasta independiente estadounidense Richard Linklater, y Ari Aster, el nuevo maestro del terror estadounidense cuyos créditos anteriores incluye "Midsommar".El festival también acogerá el debut como directora de la actriz Scarlett Johansson, quien además actúa en la película en competición de Anderson "The Phoenician Scheme", junto a Benicio del Toro y Tom Hanks.Entre los jóvenes cineastas de la competencia, dos españoles, Carla Simón y Oliver Laxe. La directora de 38 años vuelve a posar la mirada en su traumático pasado con "Romería". La película narra el viaje familiar de una joven catalana a Galicia tras perder a sus padres por el sida, el mismo drama que vivió Simón cuando era una niña.“Sirat", del gallego Oliver Laxe, es "una road movie de gente inadaptada", explicó Frémaux. Es la cuarta película de Laxe, y está protagonizada por el actor Sergi López, conocido tanto en el cine español como francés.Más allá de los nombres de culto, Cannes será de nuevo el lugar de acogida de las estrellas y grandes producciones estadounidenses.La Croisette recibirá con los brazos abiertos a Tom Cruise, de 62 años, una de las estrellas favoritas del público francés, el día 14."The final reckoning" es la segunda parte de "Misión Imposible: Sentencia mortal" (2023), en la que Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo se enfrentan a la amenaza de la inteligencia artificial.El festival rendirá también homenaje, en su gala de apertura, al legendario Robert de Niro, de 81 años, doble ganador del Oscar, pero nunca premiado como actor en Cannes. El intérprete de "Taxi driver" recibirá una Palma de Oro honorífica.Con AFP

La Playlist de RFI nos propone un inusual cóctel de ritmos, desde el caribeño del cubano Issac Delgado hasta el samba rock del brasileño Seu Jorge, pasando por las suaves melodías jazz del francés Voyou y por el rap sin maquillaje del belga Krisy. Una demostración en definitiva de la riqueza de la música francófona y latinoamericana. El regreso del cubano Issac Delgado a la escena musical es uno de los momentos más esperados en la Playlist de este mes. Con una carrera que ha marcado la salsa, el músico vuelve a la carga con su inconfundible voz, tras un destacado premio Grammy obtenido hace 4 años en la categoría Mejor Álbum tradicional tropical. En su tema "Tu Pensabas", fusiona el sabor de la timba cubana con la elegancia de sus colaboraciones, como la que mantiene con el bajista, también cubano, Alain Pérez.Desde Francia, Voyou (algo así como "bandido") nos propone un homenaje a la leyenda de la chanson française, Henri Salvador, con su álbum Henri Salvador est un Voyou. Con una sonoridad que recuerda al jazz suave y la bossa nova, el músico crea un puente entre lo clásico y lo moderno, con una formidable serie de versiones, como "Mon Pauvre Jesus Christ", un tema que ironiza sobre un retorno imposible de Jesús a la tierra. Krisy, el rapero belga, también regresa a la Play con "Noé y Toumani", un tema fresco y emotivo dedicado a un jugador de baloncesto de la NBA. Con un estilo cercano al minimalismo, su rap se distingue por su autenticidad, alejada de los artificios del auto-tune.Finalmente, la leyenda brasileña Seu Jorge presenta Baile a la Baiana, un disco que mezcla samba rock, MPB y ritmos caribeños. Con un toque festivo y vibrante, Seu Jorge promete ser la banda sonora perfecta para cualquier fiesta de sábado por la noche... Y qué casualidad, "Sabado a noite" es el tema que ingresa en abril en la Playlist de RFI, un viaje musical que celebra la diversidad y la innovación, y que puedes encontrar en todas las plataformas digitales.

El festival Circulation(s) llega a su 15ª edición mostrando el trabajo de jóvenes fotógrafos en Europa, en el centro cultural Centquatre de la capital francesa. Entre ellos, la fotógrafa española Manuela Lorente, una defensora de la “novela fotográfica”. Aunque el Festival Circulation(s) está dedicado a la fotografía emergente en Europa, las temáticas que se muestran en esta edición muestran territorios geográficamente muy diversos, así como dimensiones sociales o íntimas, a través de los trabajos de 23 artistas, de 13 nacionalidades.Entre ellos, la fotógrafa madrileña Manuela Lorente quien trajo a París su serie “Él pone la música, nosotros bailamos”. Este trabajo documental narra la historia de unos hermanos delincuentes que se dedican a cometer robos menores. Un día alguien les informa de la llegada de un botín de reliquias francesas a un puerto en Galicia. Los hermanos deciden organizar una acción para hacerse con el tesoro, pero todo les sale mal.Manuela Lorente es una adepta de contar historias a través de la fotografía. Su trabajo explora la narración a través de la fotografía documental, bajo la foto de “novelas fotográficas”. En ellas, Lorente mezcla ficción, costumbrismo, cultural popular, las relaciones personales, así como la tradición e identidad de su ciudad, Madrid.“Él pone la música, nosotros bailamos” se compone de 12 fotografías y es parte de un trabajo mucho más extenso con varias historias. La serie que se presenta en París comienza con el retrato de un perro dóberman en posición alerta, con la que Lorente busca llevar al espectador al mundo de las mafias.“Trabajo mucho con los estereotipos, con los clichés, para que la gente pueda entrar de una manera rápida en la historia. En este caso, utilicé el dóberman de mi vecino, porque es un animal que inquieta sobre un fondo rojo”, explicó Lorente.La fotógrafa madrileña también dejó claro que, aunque hay una historia, cada persona puede construir su propio relato a partir de sus fotografías.“Es algo que me gusta mucho de este trabajo, que a veces tiene un lado un poco fragmentado: que el público tenga libertad a la hora de interpretar. Yo escribo una sinopsis, pero dejo que cada uno interprete y sea partícipe a la hora de imaginar la historia. Yo solo pongo los ingredientes para que la imaginación se ponga en marcha”, dijo.El Festival Circulation(s) se lleva a cabo en el centro cultural Centquatre, hasta principios de junio.

Con la selección musical de marzo de RFI descubrimos al nuevo referente del Neo Soul francés, Oscar Emch. Pero para llegar al francés, escucharemos las voces magistrales de dos mujeres recientemente galardonadas: la ghanesa Queen Rima y la rapera estadounidense Doechii. Y ¿quién dijo que había tensiones entre Colombia y Venezuela? Los amantes de lo latino tendrán su parte con el fruto del encuentro entre dos grandes bandas, la colombiana Bomba Estéreo y la venezolana Rawayana. Las novedades de "la play" comienzan con la ganadora del Premio RFI Découvertes, la ghanesa Queen Rima. Tras dos intentos fallidos, la artista se alzó con el galardón gracias al dancehall, un género jamaiquino que ella ha logrado imponer en un continente africano muy dominado por el afrobeats y el amapiano. Con su canción "Chocolat", Marie Tolno, alias Queen Rima, no solo se desmarca por su música, sino también por su defensa en sus letras de la igualdad de género en la industria musical.Continuamos con Doechii, la rapera que ha conquistado el Grammy al mejor álbum de rap. Originaria de Tampa, Florida, la joven comenzó su carrera en la música tras ser despedida de su trabajo, y fue seleccionada por Beyoncé para abrir sus conciertos. Un consejo: no te pierdas su participación en el Tiny Desk de la radio pública estadounidense NPR y su tema "Denial is a river", incluido en nuestra selección.Desde Francia, te presentamos a Oscar Emch, un cantautor y multi-instrumentista originario de la ciudad de Toulouse. Tras estudiar musicología y jazz, se mudó a París y comenzó su carrera solista. Su voz, intensa y frágil, narra historias que nos transportan a la infancia y al amor. De su álbum Ma voix, hemos elegido el tema "Les Moyens" par que te hagas una idea de su talento.Y para despedirnos de manera "explosiva", te traemos la sorprendente colaboración entre las bandas colombiana Bomba Estéreo y la venezolana Rawayana, de la que ha salido el formidable disco Astropical. Y como su nombre lo sugiere, el LP incluye doce temas basado en los signos astrológicos, de los cuales te proponemos escuchar el que habla de Piscis, "Me pasa".Y ya lo sabes, "La Playlist de RFI" está en rfimundo.com y en tu plataforma musical favorita. ¡Hasta la próxima!

El grupo francés Arat Kilo se ha convertido en el principal vocero del ethio-jazz, un estilo que viene del continente africano y que te explicamos en esta Playlist de febrero. También hablaremos de la lluvia de nomidados nigerianos para los Grammys 2025, además de un par de cruces singulares, como el de un tecladista de Texas con una voz soul de Francia y el de dos DJ australianos con raperos estadounidenses. Vale la pena ponerse los auriculares y escuchar... El Ethio-jazz tiene sus orígenes en Etiopía y forma parte de los tres pilares del groove africano, junto al Highlife de Ghana y al Afrobeat de Nigeria. Estaba muy de moda en los ‘60 y ‘70 en los clubes de Adís Abeba, la capital etíope y su mayor representante es Mulatu Astatke de quien dicen inspirarse los miembros de Arat Kilo. Este grupo francés, junto a la cantante de Mali, Mamani Keita, y el rapero estadounidense, Mike Ladd, están a punto de sacar a la venta el álbum Danama, que incluye 12 temas que son una verdadera invitación al viaje por África, como el de esta Playlist de RFI, "Nbendia".También te hablamos este mes de las nominaciones para los Grammys en la categoría The Best African Music Performance. Este año, salvo el cantante R&B estadounidense Chris Brown, todos los artistas son nigerianos íconos de la ola Afrobeat, como Asake y Wizkid.El cantante Burna Boy, premiado ya en 2021, volvió a entrar en la lista de los Grammys 2025 con la canción "Higher", del año pasado. Pero nosotros, como estamos siempre con las novedades, hemos preferido seleccionar uno que a acaba de salir al público, "Bundle By Bundle".Leer tambiénEsta Playlist de RFI te va a alegrar el corazón para entrar en 2025JaRon Marshall es un pianista estadounidense y tecladista de la banda de soul, funk, R&B y blues, Black Pumas quienes se están haciendo cada vez más famosos fuera de las fronteras de su Texas. Pero JaRon Marshall se ha venido a vivir a Francia donde suele frecuentar los tipicos festivales de jazz de verano. Tal vez en uno de ellos, se encontró con la joven francesa Jadanae, una cantante francesa soul y R&B que con su voz suave, en inglés o francés, no debería demorar mucho en hacerse conocida. En la Playlist escucharás "A Win Is A Win", un tema de Marshall con Jadanae de invitada.Joseph Da Rin De Barbera, más conocido como Young Franco, es un DJ productor australiano de 30 años basado en Sydney y que está cobrando cada vez más peso en el mundo de la música electrónica. Son innumerables sus colaboraciones, y la que acaba de entrar en la Playlist de RFI es la que realizó con otro DJ productor y multi instrumentista australiano, JaFunk y los raperos estadounidenses EarthGang. Una verdadera tribu que compuso "Lose Control" con una clara voluntad de hacernos bailar.Young Franco, JaRon Marshall y Jadanae, Burna Boy, Arat kilo más el resto de La Playlist de  RFI de febrero están en nuestro sitio, en YouTube y en todas las plataformas musicales, como Deezer.

La cinta musical del francés Jacques Aurdiard sobre un narcotraficante que cambia de sexo, seduce a los cinéfilos. Pero ha causado críticas acérrimas en México, país en el que está inspirada, por banalizar el drama de la violencia criminal. La película hablada en español y rodada en Francia logró 13 nominaciones al Oscar, un récord para una obra cinematográfica no hablada en inglés. Esta cinta musical sobre un narcotraficante que decide cambiar de sexo, ha tenido un recorrido extraordinario, desde su estreno en el Festival de Cannes, ganando premio a Europa y en Hollywood.Pero el entusiasmo ha sido directamente proporcional al repudio suscitado en México y en América Latina. Muchos le reclaman a la película francesa y a su director, Jacques Audiard, una visión estereotipada de México, e incluso hacer lucro a costa de la violencia y de las desapariciones forzadas ligadas al crimen organizado. En las últimas semanas, “Emilia Pérez” ha sido objeto de una lluvia de críticas enardecidas en los medios mexicanos y en redes sociales.“Me ha sorprendido bastante la polémica que ha habido en México. Yo la vi en Cannes y me gustó. Hubiera agradecido que hubiera más mexicanos en la película, que se cuidaran más los acentos. Hubo incluso participaciones que no me convencieron, como la de Selena Gomez. Pero creo que no por eso la película se merece el linchamiento que se le está dando en México. Es una creación cinematográfica, no un documental sobre los problemas mexicanos. Me parece que se debe respetar la libertad de creación”, expresó a RFI la corresponsal mexicana en París, Florencia Ángeles.En efecto, algunos periodistas y críticos han repudiado la cinta considerando que Audiard abordó de forma ligera la tragedia mexicana. Otros especialistas subrayan que el tema es doloroso para muchos mexicanos afectados por la situación de violencia o de desapariciones forzadas. Aunque la polémica tiene también un componente político para algunos.“Es una herida muy profunda y a la gente le afecta ese tipo de temas. Pero también creo que se ha convertido en el pretexto perfecto para reforzar agendas de derecha, en momentos en los que tenemos un gobierno que se supone es de izquierda. Una película que trata de nuestros problemas, con una mujer trans como protagonista, no es visto con buenos ojos para los más conservadores, y mucho menos que eso sea lo que se ve de nuestro país en el exterior”, aseveró Gonzalo, periodista cultural para varios medios en México.Lira también explicó que la cinta ha despertado malestar entre la comunidad LGBTQ+. “Se sienten agredidos por esta narrativa donde hay un personaje que, a través de una reasignación de género, cambia completamente, como si eso fuera una solución mágica. Eso le quita fuerza a la lucha de esa comunidad, en un país donde hay mucha violencia contra la comunidad LGBTQ+, y en una sociedad ultra machista”, concluyó Lira.

Este jueves abre al público el festival internacional de historieta de Angulema. Como cada año, la ciudad sur suroeste francés se convierte en el epicentro del cómic mundial. El evento se inauguró la víspera con la tradicional entrega del Gran Premio, que recompensa la carrera de autores prestigiosos.   La francesa Anouk Ricard recibió este miércoles 29 de enero el Gran Premio de Angulema.El festival internacional recompensó una de las figuras multipremiadas del humor absurdo en Francia, autora de decenas de historietas, como Cucos Benítez y Ana y Froga.Sus personajes son animales un poco zonzos, pero llenos de verdades sobre la especie humana contemporanea. "Desde pequeña dibujo con humor, no sé por qué. De pronto para ser apreciada", aseguró a RFI.Ricard recibió el galardón de la mano de la británica Posy Simmonds, Gran Premio 2024.Como es costumbre, el festival rinde este año homenaje a la ganadora anterior, dedicándole una vasta exposición. Posy Simmonds dará también una masterclass.Leer tambiénLa gran dama de la historieta Posy Simmonds se lleva el Gran Premio de Angulema 2024Cómic y EspañaDurante cuatro días Angulema se vuelve la meca de los amantes de la historieta, del cómic y del manga. La ciudad acoge decenas de eventos, encuentros y dedicatorias hasta este domingo, en la calle y en diferentes pabellones y museos.Entre ellos, la muy esperada muestra sobre Superman, con autores y dibujantes del superhéroe más famoso del mundo."Casi 200 autores españoles trabajan actualmente en Estados Unidos en el mercado de superhéroes, tanto en Marvel como en DC Comics", destaca Emilio Gonzalo, secretario general del Sectorial del Comic español. Y es que el 2025 será el año de España en Angulema. El país es invitado de honor, y ocupará todo un pabellón especial dedicado al noveno arte 100% ibérico. 

El Petit Palais de París consagra una muestra a uno de los grandes maestros del tenebrismo barroco, José de Ribera, mejor conocido como Jusepe de Ribera. Esta exposición, la primera en Francia dedicada al pintor español del siglo XVII, nos sumerge en el universo del que han apodado el “Caravaggio español” a través de más de cien obras. París se baña en la luz y sobre todo en las sombras de Jusepe de Ribera, maestro español del claroscuro que cautivó las cortes de Roma y Nápoles en el siglo XVII. El Petit Palais expone un centenar de pinturas y dibujos de quien fue contemporaneo de Caravaggio, y al igual que él supo capturar la intensidad de la vida con juegos de luz y modelos que encontraba en los bajos fondos de la sociedad.  "Hay un mendigo que acoge al visitante de la exposición. Es la primera vez que vemos en los principios de del siglo XVI a este tipo de figura. A Ribera le interesa realmente esta dignidad de de los humildes. Rinde un homenaje increíble a esta gente de de la calle”, explica a RFI Maité Metz, comisaria de la exposición.El tenebrismo de Ribera deslumbra por su precisión anatómica y la fuerza emocional de sus modelos. Sus obras eran encargos de los virreyes españoles que reinaban en Nápoles en aquel entonces. "Es un gran pintor de los detalles. Las uñas, las  manos y la piel muestran su virtuosidad técnica impresionante", resalta Metz.Santos MartirizadosSe dice de Ribera que era un Caravaggio más feroz y crudo, porque pintaba con un realismo descarnado las escenas de tortura de los Santos Martirizados, como San Bartolomé o San Sebastián. Nápoles en ese entonces también pasó por un período de Inquisición. Había escenas de tortura en la calle"Se ha podido decir que él es sádico, pero el realidad le apasiona el cuerpo, el cuerpo en movimiento", explica Maité Metz. "José de Ribera dibujaba de lo natural". El Petit Palais de París expone Ribera: Oscuridad y luz hasta el 23 de febrero de 2025.

Llega el fin de año y todos queremos un poco de fiesta para despedir 2024. Por eso en esta Playlist de RFI de diciembre, seleccionamos exclusivamente los temas que nos alegran el corazón. Comenzamos con el regreso Setenta, una gran banda de funk latino basada en París que acaba de sacar su nuevo disco, Appollo Solar Drive, del que escucharán en nuestro podcast el tema "Libérame".El funk latino es una versión urbana del funk de los años 60 y 70. Mezcla el mambo con el soul y apareció en el Bronx y en el East Harlem de New York llamándose al principio boogaloo o latin soul. Luego la parte soul se transformó en funk para inundar las pistas de baile del mundo entero.James Brown africanoDaremos después un salto a Togo, con la banda Vaudou Game de Peter Solo, conocido popularmente como el "James Brown africano" por cómo se mueve en el escenario.Fintou es el título de su nuevo álbum que saldrá a la venta el próximo 17 de enero (por cierto, la misma fecha que el de Setenta) y que nos ha sorprendido incluyendo la cumbia en su repertorio, como en "Râler" (Quejarse), un tema capaz de limpiar cualquier mala vibra.Leer tambiénLa Playlist de RFI de noviembre, entre Francia, Puerto Rico y un pilar de la bossa nova¿Vamos al mar este viernes?La cantante suiza Charline Mignot, alias Vendredi sur mer se había hecho conocida en 2018 con el single electro pop "Ecoute chérie" y un video muy sensual. Después de dos discos en el mercado, reaparece con un nuevo single, "Hard", que interpreta junto al estadounidense Hanni El Khatib. Es un duo improbable, porque el muchacho es más bien roquero, pero que funciona perfecto.Lo mejor del año viene de RíoY para el final nos reservamos el disco de una brasileña que para muchos en RFI accede al podio del 2024. ¿Has oído hablar ya de Dora Morelenbaum y de su álbum Pique?Dora es hija del músico, autor y compositor Jacques Morelenbaum. Integra la banda carioca Bala Desejo, creada durante la pandemia, que forma parte a la movida renacentista del tropicalismoPero Dora Morelenbaum tiene una vida artística paralela en el mundo de la MPB (Música Popular Brasileña). Acaba de sacar (en octubre) su primer disco, Pique, con once temas espectacularmente luminosos de los que te proponemos "Nem te procurar" en este podcast. La riqueza de los arreglos es tan grande que al terminar de escuchar el disco (¡entero, por favor!) es imposible no sentirse renovado por dentro… ¡y listos para encarar 2025 con una sonrisa!Leer tambiénLa indiscutible Aya Nakamura lidera la nueva Playlist de RFI Como siempre les recordamos, todos estos temas y el resto de la Playlist de RFI están en nuestra sitio y en todas las plataformas musicales.

Emilia Pérez arrasó este lunes 9 de diciembre en las nominaciones a los Globos de Oro con 10 candidaturas, en el inicio de la temporada de premios de Hollywood. El sorprendente narco-thriller musical del francés Jacques Audiard entusiasmó a los críticos del Festival de Cannes 2024 y se llevó finalmente el premio del jurado. Audiard abordó una historia de cambio de sexo en un México gangrenado por el narcotráfico, con una comedia musical. Está protagonizada por la actriz transexual Karla Sofía Gascón y Zoe Saldaña, ambas nominadas y con quienes conversó RFI en mayo pasado. En el papel, el proyecto de Jacques Audiard parecía loco: una película sobre el cambio de sexo de un sanguinario capo de la droga en México, pero bajo la forma de un musical.Emilia Pérez es el nombre de esta obra cinematográfica audaz e impecable, la historia entre diálogos y canciones del narcotraficante Manitas del Monte, quien ofrece una jugosa suma de dinero a una talentosa abogada para que haga realidad su sueño de convertirse en mujer.En el papel de la abogada Rita Moro Castro está la actriz Zoé Saldaña quien dijo  "sí" al proyecto insólito de Audiard."Sus películas siempre me han hecho sentir es incómoda. Yo empiezo viendo sus películas y me siento como que 'Ay, Dios mío, no, no quiero sentir esto'. Sus personajes viven en ambientes que no son convencionales para mi conocimiento y al final de cada película, el amor que yo siento, o el respeto o la admiración, o simplemente el reconocimiento que siento de ciertos personajes se quedan conmigo", expresó la actriz al micrófono de RFI.Leer también‘Emilia Pérez', el insólito musical queer de Jacques AudiardDoble papelPor su parte, la actriz transexual española Karla Sofía Gascón protagoniza a la vez a Manitas del Monte y a Emilia Pérez y sorprendió a muchos en Cannes."Ser una persona transexual en esta sociedad es ser la nueva minoría a la que todo el mundo le echa la culpa de las cosas que suceden. Para muchísimas familias es mejor ser un delincuente que tener un hijo gay", , denuncia Gascón. "La verdad es así y ese es el caso de Manitas, que no puede salir de de esa basura de vida en la que vive. Esa fue una de las discusiones más importantes que tuvimos al principio de las primeras lecturas del guión, de ver cómo enfocábamos esta historia. Creo que el camino que ha tomado la película era el el correcto".Emilia Pérez causó sensación en el Festival de Cannes 2024 y obtuvo el Premio del Jurado y a la Mejor interpretacion femenina para sus cuatro actrices.

En el menú de este mes de noviembre, la selección musical de RFI nos trae unas pizcas de Pop y de Rap en francés, ritmos de Puerto Rico con una figura emergente y bossa nova con el inoxidable brasileño Marcos Valle  La Playlist de noviembre arranca con el francés Mathieu Boogaerts quien comienza a lanzar los adelantos de su nuevo álbum Grand Piano, previsto para enero.Casi tres décadas después de su hit histórico, "Ondulé", inicia una gira y como decíamos sacó a la venta su primer tema, "Ma jeunesse", Mi juventud, un tema con acentos groovy, que trata de las angustias del tiempo que pasaUna artista puertorriqueña que sube y subeDonald Trump ganó las elecciones en Estados Unidos pero, contrariamente a lo que se escuchó decir durante la campaña republicana, la isla caribeña no dejó de producir estrellas internacionales durante las últimas décadas, como Bad Bunny, Jennifer Lopez o Ricky Martin.A esas estrellas se acerca ahora RaiNao, una nueva cantante que acaba de presentar su primer álbum, Capicu, con 16 temas que atraviesan los ritmos urbano, R&B, reggaeton y electro-pop. Clasificarlo de pone difiicil y ella misma admite que es "una artista puertorriqueña apasionada por la música y el arte en general, y me gustan tantos estilos diferentes que no puedo encasillar mi música en una caja u otra".En esta playlist escucharás su tema "Gualero Reff 12.31" con alma de bolero e instrumentos de verdad, al estilo puertorriqueño, muy latino y donde realmente se puede apreciar la textura de su voz.Un poco de rap francés no viene malDe las novedades francesas, seleccionamos a una de las raperas más originales del momento, Le Juiice, a quien descubrimos hace 5 años, durante la pandemia, con el tema "Trap Mama".Su nombre real es Joyce Okrou, es originaria de Costa de Marfil y su aparición le hizo mucho bien al hip hop francés, un estilo que, hay que reconocer, sigue dominando por el género masculino.Tras 3 discos y 2 EPS, Le Juiice reaparece con un tema con sonoras raices en el rap estadounidense, "Mapessa".Bossa nova my love La Playlist de noviembre se cierra con la flamante producción del cantante brasileño Marcos Valle quien, junto al recientemente fallecido Sergio Mendes, encarnó la revolución mundial de la Bossa Nova en los años 60. Ahora, ya octogenario, acaba de lanzar Túnel Acústico, un disco funky y MPB (música popular de Brasil) con 13 canciones que demuestran que no ha perdido nada de su potencia. Nuestro oído vibró particularmente con "Bora meu bem".Y no lo olvides, todos estos temas así como la totalidad de la Playlist oficial de RFI, se pueden escuchar en nuestra página y en todas las plataformas musicales.

Noviembre es el mes de la fotografía en Francia. En ese marco abrió sus puertas este jueves la 27ª "Paris Photo". Esta concurrida feria reúne en el Grand Palais de la capital francesa a casi 200 galerías del mundo entero. Serán cuatro días para celebrar el bicentenario de la aparición de la fotografía, a los grandes artífices de este arte visual y el centenario del surrealismo, entre otros. El imponente y recién renovado Grand Palais de París vuelve a abrir sus puertas, esta vez para “Paris Photo”. Una feria masiva con 240 expositores y 195 galerías de 34 países en la nave central del edificio, lo que convierte a la capital francesa en la meca de la fotografía mundial hasta el 10 de noviembre.“Este año volvemos a este edificio increíble que es el Grand Palais. Todos los galeristas están encantados. La feria recibe al público con una referencia,“People of the XX Century” de August Sander. Celebramos el centenario de Robert Frank, tenemos como invitado al multidisciplinario Jim Jarmush con quien celebramos el centenario del surrealismo. No hay otro evento como Paris Photo que reúne a tantos actores de la fotografía, aficoinados y artistas”, aseveró a RFI la directora de Paris Photo, la española Anna Planas.Esta 27ª edición de Paris Photo pondrá de relieve la obra del mexicano Manuel Alvarez Bravo, con la exhibición de su "La buena fama durmiendo" (1938), considerada una de las primera fotografías surrealistas. La feria también estrena este año un sector llamado "Voices" (Voces), con tres curadores internacionales. Entre ellos, Elena Navarro, fundadora de Foto México, y quien representa a artistas de América Latina a través de una selección de cinco galerías, de Brasil, México, Colombia y España.“Estamos felices de volver al Grand Palais. Este edificio es magnánimo. Paris Photo es una referencia, pero también es muy importante todo el programa público de a ciudad en la promoción de la fotografía”, expresó Navarro.“Paris Photo” es uno de los eventos del mes de la fotografía en la capital francesa y se extenderá hasta el domingo 10 de noviembre.

Las novedades musicales de RFI nos traen un reguetón de la cantante francesa más famosa del mundo, la aparición de un nuevo heredero musical de Bob Marley y el regreso del más francés de los salseros colombianos. Después de su éxito planetario "Djadja", la estrella francesa Aya Nakamura aumentó su fama mundial cantando en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos París 2024 sobre el Pont des Arts envuelta en su espectacular vestido dorado y con la Guardia Republicana a sus pies, acompañándola con los instrumentos de viento. Ahora, la cantante vuelve con un nuevo single, titulado "42", con ritmo de reggaeton y donde canta sobre el amor, las relaciones tóxicas, el poder y la autenticidad.En esta Playlist de RFI, escucharás también al congoleño Fally Ipupa (alias Anelka, Rey Mago, el Rey, el profesor y muchos otros apodos), un músico nacido en 1977 en Kinshasa, desde hace un par de décadas se unió a la banda de rumba congoleña Quartier Latin y a partir de 2006 soltó amarras para iniciar una carrera solista.El tema que te proponemos también es una cifra: "207".Bob Marley tiene un nuevo herederoEn el planeta Marley, aparece un nuevo miembro de la familia con fibra musical. Se trata del nieto de Bob Marley, Joshua Marley cuyo nombre artístico es YG Marley. Tiene 22 años es el hijo de Rohan Marley y de la exestrella de los Fugees, Lauryn Hill, quien está moviendo los hilos para lanzarlo como músico. Y es que Rohan estuvo en la sombra del éxito de su hermano, Ziggy, y en los Estados Unidos se lo conocía más como jugador de fútbol americano.En nuestra selección te proponemos escuchar su segundo single, "Survival".Yuri está de vuelta y pide que lo amesY al final te hablamos del regreso del más francés de los colombianos en la música latina, Yuri Buenaventura, quien se había hecho famoso en 1966 con su versión de "Ne me quite pas", del belga Jacques Brel. Desde entonces, han sido varios los álbumes salseros con los que dominó los dancings franceses. Ahora, con el disco "Ámame" parece decirnos lo que necesita de su púbico y anuncia su retorno con el primer sencillo titulado, para que quede claro, "Aquí llegamos".Yuri Buenaventura y el resto de la playlist oficial de RFI, la encuentras en rfi.fr y en todas las plataformas musicales

El Festival de Biarritz presentó a la CMQ Big Band, una banda que rescató el patrimonio musical del emblemático cantante cubano. Esta orquesta de 17 músicos hizo bailar al público el miércoles por la noche durante el gran concierto en la Gare du Midi de Biarritz. En el país del bolero, el chachachá, el son, la rumba y guaracha, la música de Benny Moré, el que llamaban “el bárbaro del ritmo”, había caído en el olvido. Pero un joven músico cubano, levantó una “banda gigante” como la de Moré para rescatar su música. Para ello debió transcribir una a una cada nota de sus canciones, a partir de las grabaciones del músico fallecido en 1963, porque con el tiempo las partituras se habían perdido.“Creé el proyecto en 2012 porque, aunque parezca mentira, la música de Benny Moré más nunca se tocó después de su muerte, con la formación que él utilizaba en su época. Somos 17 músicos: cinco saxofones, tres trompetas, dos trombones, la sección de ritmo, piano, contrabajo y coro, para tocar exactamente como lo hacía la ‘banda gigante' de Moré”, explicó a RFI el pianista y director de la orquesta, Luis Guerra.La CMQ Big Band estuvo a cargo del gran concierto del Festival Biarritz América Latina, que tradicionalmente se realiza el miércoles por la noche en el principal teatro del certamen. La sala estuvo repleta durante el concierto de estos músicos que lograron que el público francés se levantara de sus asientos para bailar.“Yo diría que los años 40 y 50 fueron cruciales para la música cubana. Antes de 1959, Cuba tenía relaciones muy fructíferas con Estados Unidos. Artistas como Nat King Cole o Ella Fitzgerald solían tocar en el Tropicana de La Habana. Y así mismo, músicos cubanos como Machito o Chano Pozo, tocaban regularmente en Nueva York. Entonces, todo lo que se hacía a nivel musical en Estados Unidos, particularmente el jazz, se conocía muy bien en Cuba, y los músicos cubanos se encargaron se ponerle sandunga y sabor”, aseguró Guerra.El triunfo de la Revolución cubana acabó con esos intercambios musicales entre los dos países. La música estadounidense o en inglés fue declarada “antirrevolucionaria” y estallo una guerra contra el “diversionismo ideológico” que censuro al jazz, a los artistas de habla inglesa, que fueran estadounidenses o de otras latitudes, como Los Beatles.En La Habana se quedaron varados talentosos músicos que vieron desaparecer su forma de ganarse la vida. Otros optaron por escapar de la isla comunista; fue el caso de del pianista y arreglista Bebo Valdés, la guarachera Celia Cruz, o la bolerista Olga Guillot, quienes se refugiaron en el “vecino del Norte”.La música de Benny Moré fue relegada al cajón de los olvidos, aunque se mantuvo en la memoria de aquellos que conocieron esa época de oro, pero que han ido desapareciendo. La CMQ Big Band es un proyecto importantísimo para la rehabilitación del rico y variado patrimonio musical de Cuba.

Este miércoles se estrena en Francia « Las semillas del figo sagrado », película del director iraní Mohammad Rasoulof. A dos años del asesinato de Mahsa Amini, Rassoulof muestra el Irán contemporáneo, una sociedad entre represión y deseo de libertad. Un hombre íntegro, padre de familia y funcionario del régimen iraní, es ascendido a juez en momentos en lo que estallan las manifestaciones de jóvenes y mujeres contra la ley de los Mulá.  Él defiende la posición del régimen con el apoyo de su esposa; sus hijas en cambio desafían su autoridad y se oponen a la represión.Esa es la historia que pone en la pantalla el director iraní exiliado Mohammad Rasoulof en su nueva película, “Las semillas del higo sagrado”. Cinta filmada en la clandestinidad e inspirada en el movimiento femenino “Mujer, vida y libertad”, es un retrato impactante de la vida en el régimen ultraconservador en Irán, y un reflejo del grito de libertad de la juventud."Este proyecto nació tras años de confrontación con los servicios secretos y la censura iraní. Todos los personajes y todas las escenas fueron inspirados de personas y situaciones reales. La historia que se cuenta en la película es muy similar a lo que sucede diariamente en Irán. Estuve en prisión justo cuando comenzaron las protestas. En la cárcel conocí a un prisionero político en una huelga de hambre y los servicios penitenciarios lo examinaron. Uno de los examinadores, vino a verme en ese momento y me confesó que todos los días se preguntaba cuando llegaría el día en que se ahorcaría allí mismo, en prisión. Sus hijos le preguntaban por qué trabajaba allí, por qué colaborada con ese régimen violento y represivo. Esa conversación inspiró esta película", expresó Mohammad Rasoulof.En el papel de la hija menor de este funcionario y quien adhiere a la rebelión, la joven actriz iraní Setareh Maleki."No tengo esperanza en la juventud iraní de hoy. Tengo la certeza de que en Irán seremos libres y no solo gracias a los y las jóvenes de hoy, sino también a las generaciones anteriores que abonaron el terreno para lo que está sucediendo hoy", declaró Maleki.“Las semillas del higo sagrado” del iraní Mohammad Rasoulof, se estrena este miércoles en las salas francesas, cuando se cumplen dos años del asesinato de Mahsa Amini a manos de la policía iraní. La película tuvo su estreno en el Festival de Cannes, donde fue distinguida con el premio especial del jurado.

La artista franco malgache se encuentra de gira por Francia y se alista a subir al escenario del festival Les Francofolies de la Rochelle 2024 tras haberse destacado en el programa de apoyo a los artistas emergentes del evento musical "Les ateliers" des Francofolies. Fety significa Fiesta en el idioma Malagasy de Madagascar y es el nombre del primer disco de Joanne Radao, un libro abierto sobre sus orígenes malgaches que fue concebido entre Bruselas y París. Joane Radao mezcla los universos de Francia y Madagascar.El EP lleva cinco canciones inspiradas del folkor, del afrobeat, electropop con un gusto pronunciado por el nuevo movimiento musical nacido de las noches y los clubes sudafricanos, el Amapiano.En una entrevista a RFI para el programa Carrusel de las Artes, la artista franco malgache describe la riqueza que significa tener una doble cultura pero también las ambigüedades y dualidades que esto conlleva.Joanne Radao habla de ese sentimiento en su canción que nombró "Diego Suarez", un homenaje a dos personajes históricos que pisaron la isla de Madagascar en el siglo 16 y que marcaron la cultura de la isla, Diado Días y Fernan Soarez, que dieron sus nombre al puerto bautizado Diego Suarez.Su próximo concierto tendrá lugar en el festival Les Francofolies de la Rochelle el 12 de Julio 2024.@natofel

"Simón de la montaña", primer largometraje del director argentino Federico Luis, se alzó este miércoles con el Gran Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes. La película narra la amistad que entabla Simón (encarnado por el actor Lorenzo "Toto" Ferro) con un grupo de discapacitados mentales en una localidad de los Andes, para sorpresa de sus padres. Simón de la montaña intenta una nueva mirada sobre la discapacidad. Su joven protagonista decide pasar el tiempo con dos chicos diferentes. Descubre así una condición que le permite crear sus propias reglas, en un mundo que no parece estar diseñado para las personas diferentes.Se trata de la primera película de Federico Luis, presentada en la Semana de la Crítica en Cannes. "Simón es un personaje que se me fue apareciendo durante muchos años", explica el cineasta a RFI. "Con uno de los actores de la cinta, estábamos hablando de nuestras zonas de imperfección en común. Él me contó las suyas, yo le conté las mías y en un momento él me preguntó por qué no tenía un certificado de discapacidad. La profundidad de su pregunta se me reveló un poco. Simón tiene el deseo de formar parte de este grupo de personas con particularidades físicas y mentales", agrega.Simón de la montaña está protagonizada por Lorenzo Ferro y actores naturales.La película está en Cannes casi por milagro: "Soy quizás una de las últimas personas que lograron acceder a hacer una película en Argentina con el INCAA, el instituto de cine abierto. Esta película solo pudo existir por las instituciones públicas en Argentina", comenta Federico Luis quien desde Cannes, intenta dar cuenta de la situación del cine y de la cultura en Argentina.

Este 2024 el Festival de Cannes hizo un guiño a los dos conflictos mayores en el mundo con dos películas documentales que se filmaron antes del inicio de las guerras en Ucrania y Gaza, pero que muestran las realidades en esas zonas del mundo.  Por tercera vez, el Festival de Cannes se desarrolla en un contexto de guerra en Ucrania. Un conflicto que tiene consecuencias profundas para el pueblo ucraniano y que fueron captadas por la cámara de Sergei Loznitsa.La invasión se abre con una larga secuencia sobre el sepelio de varios soldados muertos en el frente, para luego explorar otras situaciones cotidianas, más al alegres o dramáticas, porque la vida continúa pero en guerra: el matrimonio una pareja llena de esperanzas o el adiestramiento de los jóvenes al manejo de las armas.  Sergei Loznitsa firma aquí un documental casi sin palabras sobre la guerra de Vladimir Putin. Pero las imágenes valen más que mil palabras."Lo que esta ocurriendo en Ucrania puede ser la antesala de una guerra de gran magnitud", dijo el cineasta ucraniano a RFI. "La gente suele olvidar que la guerra es un virus sicológico. Es una enfermedad que se propaga. Su influencia en el mundo es enorme, incluso en países donde no se considera que hay guerra”.La Bella de GazaOtro documental presentado en Cannes permitió recordar el conflicto en Medio Oriente. La Bella de Gaza narra el destino muchas veces trágico de las mujeres trans que huyeron de Palestina para asumir su cambio de sexo y empezar una nueva vida en Tel Aviv.La película busca a una leyenda: una misteriosa mujer que corrió desde Gaza hasta Israel, y que habría sido vista en la calle Hanufa. En el documental, las chicas de la calle cuentan sus infancias como varones, sus transiciones, su sexualidad. "Es una película sobre la libertad de ser lo que uno quiera. Esas mujeres están encerradas en cuerpos de hombre. Pero lograron deshacerse de ese cuerpo, cada una a su manera. Han tenido el coraje de desafiar la mirada de los demás y de vivir lejos de sus familas. En Medio Oriente, la familia es muy importante y estas mujeres tuvieron que soportar el dolor de ser rechazadas por sus propios padres, hermanos, amigos", explica la directora de la cinta, la francesa Yolande Zauberman. Talleen Abu Hanna es un personaje central de este documental. Nacida en Palestina, hoy es actriz y modelo.Dice haber nacido en la guerra: "La de mi país, y la de mi cuerpo contra mi mente. Pero logré que mi cuerpo y mi alma hicieran las paces", dice a RFI."Gaza es para nosotras el lugar de nuestra cultura, el de nuestra comunidad. Pero lamentablemente, no es un lugar que acepta a las mujeres trans. En cambio, en Tel Aviv no hay ese problema si eres gay, si eres transgénero, si eres transexual. Aquí pude ser quien quería ser", recuerda Abu Hanna, quien fue ganadora del primer Miss Trans de Israel, en 2016.La Bella de Gaza se estrena en Francia el 29 de mayo.

Se proyectó este lunes en la competencia del Festival de Cannes The Apprentice, una cinta con mucha resonancia actual sobre la juventud de Donald Trump y su relación con quien fuera su mentor en los negocios y la corrupción. El bando Trump anunció su intención de demandar al cineasta iraní Ali Abbasi. Nueva York, en la década de los 70. La ciudad está a punto de cambiar para siempre con la llegada de un empresario inmobiliario llamado Donald Trump.Pero nada de esto hubiera podido ocurrir si no hubiera conocido a su abogado y maestro, Roy Cohn, interpretado por Jeremy Strong.El inescrupuloso Cohn, obsesionado por mantener su estatuto en el jet set neoyorkino, será el artífice del fenómeno Donald Trump, transmitiendo a su joven aprendiz tres reglas de vida: atacar, manipular la verdad y jamás admitir la derrota."Deconstruir la figura mitológica"The Apprendice es un doble retrato brutal que el brillante cineasta iraní Ali Abbasi presentó en la  competencia del Festival de Cannes, defendiendo una "película cuya ideología es humanista". En ella vemos un Donald Trump inepto, doble, ambicioso y violador, en plena evolución mental y física. “Son seres humanos. Incluso los monstruos más aborrecibles y las personas más reprensibles tuvieron experiencias normales, se enamoraron o tuvieron algún momento de amabilidad. Quisimos tomar estos íconos amados y odiados y colocarlos en la realidad, para deconstruir la figura mitológica. Esto no significa perdonarlos, pero sí entender mejor quiénes son. Es la misión catártica del cine", dijo en conferencia de prensa Abbasi."Lo escuchaba en mi celular 24 horas al día"El director recreó con minuciosidad la estética retro de los 70 y 80, tanto en la técnica cinematografica como en la personificación del magnate que no acata ninguna ley ni ética, a través del actor Sebastian Stan, su calco excepcional.Stan dijo a la prensa haberse preparado para imitar a Trump con extrema disciplina. "Ese proceso de inmersión se extendió 24 horas al día, siete días a la semana. Era como vivir con él. Lo escuchaba en mi celular, en YouTube, a toda hora en todo momento. Solo había una forma de prepararme y era al 100%", detalló.The Apprentice no tiene fecha de difusión aunque Ali Abbasi sueña con su estreno durante el primer debate presidencial en Estados Unidos.El equipo de campaña de Trump ya prometió una demanda contra lo que calificó de "basura de pura ficción".

Una de las películas que más entusiasmó a los críticos fue Emilia Pérez, del francés Jacques Audiard, quien abordó una historia de cambio de sexo en un México grangrenado por el narcotráfico, con una comedia musical.  En el papel, el proyecto de Jacques Audiard parecía loco: una película sobre el cambio de sexo de un sanguinario capo de la droga en México, pero bajo la forma de un musical.Emilia Pérez es el nombre de esta obra cinematográfica audaz e impecable, la historia entre diálogos y canciones del narcotraficante Manitas del Monte, quien ofrece una jugosa suma de dinero a una talentosa abogada para que haga realidad su sueño de convertirse en mujer.En el papel de la abogada Rita Moro Castro está la actriz Zoé Saldaña quien dijo  "sí" al proyecto insólito de Audiard."Sus películas siempre me han hecho sentir es incómoda. Yo empiezo viendo sus películas y me siento como que 'Ay, Dios mío, no, no quiero sentir esto'. Sus personajes viven en ambientes que no son convencionales para mi conocimiento y al final de cada película, el amor que yo siento, o el respeto o la admiración, o simplemente el reconocimiento que siento de ciertos personajes se quedan conmigo", expresó la actriz al micrófono de RFI.Doble papelPor su parte, la actriz transexual española Karla Sofía Gascón protagoniza a la vez a Manitas del Monte y a Emilia Pérez y sorprendió a muchos en Cannes."Ser una persona transexual en esta sociedad es ser la nueva minoría a la que todo el mundo le echa la culpa de las cosas que suceden. Para muchísimas familias es mejor ser un delincuente que tener un hijo gay", , denuncia Gascón. "La verdad es así y ese es el caso de Manitas, que no puede salir de de esa basura de vida en la que vive. Esa fue una de las discusiones más importantes que tuvimos al principio de las primeras lecturas del guión, de ver cómo enfocábamos esta historia. Creo que el camino que ha tomado la película era el el correcto".Emilia Pérez causó sensación en el Festival de Cannes y se posicionó como una seria candidata para la Palma de Oro a la Mejor película.

Los cineastas argentinos se tomaron la croisette en el Festival de Cannes para protestar contra los recortes a la cultura del presidente Javier Milei. Temen que no llegue una sola película a Cannes en 2025. Melissa Barra estuvo en la manifestación. Con siete películas en el Festival de Cannes, el cine argentino alzó la voz este fin de semana para denunciar la política de Javier Milei.Decenas de cineastas, actores y trabajadores del sector se congregaron en la playa de la Quincena de cineastas para denunciar los recortes que han paralizado la industria.“Toda la delegación argentina en Cannes está apoyada por las de otros países, programadores y directores de festivales”, dijo a RFI la actriz y cineasta Maria Alché, organizadora de la movilización en Cannes. El gobierno de Javier Milei impuso un ajuste de 2 millones de dólares al Instituto nacional de cine, generando cierres y despidos en el Instituto Nacional de Cine.Despidos"Muchos colegas talentosos se han quedado desemplados por este vaciamiento. Es un intento de acabar con la cultura, con la ciencia y con la educación. Los recortes no implican grandes sumas de dinero para el presupuesto del gobierno, pero sí tienen un valor simbólico para la construcción del país. El cine argentino es plural y diverso, no responde a una ideología en particular", explicó la actriz.Leer tambiénLa Semana de la Crítica en Cannes se inaugura con la cinta argentina 'Simón de la montaña'Nadie en Cannes es muy optimista sobre la presencia argentina el próximo año. "Va a ver menos películas, generalmente Argentina es punta de lanza en la región. Todo esto se va a ver totalmente debilitado", argumentó Alché.Los manifestantes leyeron un comunicado en español, francés e inglés.

La multimillonaria cinta de la leyenda de Hollywood causó gran estruendo en Cannes. A la vez alabada por su ambición y profusión, Megalópolis cierra la carrera de Francis Ford Coppola dejando un sabor amargo.  Era sin duda la película más esperada de la competencia.. Y fue una de las más desconcertantes. 45 años después de haberse llevado la Palma de Oro con Apocalypse Now, Francis Ford Coppola regresó al Festival de Cannes con Megalópolis, una superproducción épica de 120 millones de dólares con tintes satíricos y muy dorados.En esta fábula de ciencia ficción Coppola transforma a Nueva York en la Roma antigua, un imperio al borde de su extinción."La historia de Roma antigua, ambientada en los Estados Unidos actuales, es muy interesante. Todo lo que está ocurriendo con nuestra democracia. Fue la forma como los romanos perdieron su república", dijo el cineasta."Llegamos a un punto en el que podemos perder la nuestra. No se si los políticos pueden darnos respuestas. Pero los artistas son como faros, que pueden arrojar luz sobre esto. Escojo proyectos que iluminan la vida contemporánea."Megalópolis es una recopilación barroca de los vicios políticos y sociales modernos, como el auge de los extremismos, la codicia capitalista o los excesos de la sociedad del espectáculo."Cuando yo muera, al menos diré que logré hacer esta cinta"Alegoría de todo pero a la vez de nada en particular, dejó a los críticos pasmados. "Sabía que la cinta no iba a ser como las demás, pero fue así que la concebí. Al final, cuando la gente muere lamenta no haber hecho ciertas cosas. Cuando yo muera, al menos diré que logré hacer esta cinta", contestó Coppola.En la película, Adam Driver es un genio incomprendido de la arquitectura, que busca salvar a la civilización creando una ciudad ecológica y supertecnológica. En esta obra testamentaria de Francis Ford Coppola, de 85 años, una noción vuelve de manera obsesiva: el tiempo, que transcurre demasiado rápido. El cineasta autofinanció esta megaproducción de 120 millones de dólares.

El #MeToo del cine francés y los casos de violencias sexuales irrumpieron en esta 77° edición del Festival de Cannes. La actriz Judith Godrèche presentó este miércoles su cortometraje Moi aussi (Yo también). RFI fue a su encuentro. Judith Godrèche y el equipo del cortometraje Moi aussi caminaron por la alfombra roja del Festival de Cannes tapándose la boca con las manos, como símbolo de años de violencias sexuales silenciadas en el mundillo del cine pero también en la sociedad francesa. La actriz francesa pasó detrás de la cámara para rodar un corto titulado en español Yo también, en el que entrevistó a mil personas, para componer un mosáico de relatos personales y romper ese silencio.Leer tambiénEmpieza el Festival de Cannes, entre grandes películas y grandes polémicas"Cinco mil personas me escribieron de hecho", explica a RFI Godrèche. "Hice un llamado por Instagram. Quise usar el cine de forma benéfica para contar las experiencias de estas personas pero también la mía", detalla.Judith Godrèche reveló que durante su adolescencia fue sometida sicológicamente y abusada sexualmente por el director de cine Benoît Jacquot a los 15 años, y luego por el cineasta Jacques Doillon.Las generaciones futurasMoi aussi no es una obra trágica. Es de cierta forma una celebración de la libertad. Tess Barthélémy, la hija de Godrèche, aparece en la cinta bailando en medio de la multitud. "Quería que participara una actriz, para representar la juventud y el futuro. Para preguntarnos: '¿Bueno, ahora qué?' Ahora la idea es que cuando le preguntemos a nuestros hijos si ellos han sido víctimas de abusos sexuales, la respuesta sea que no", expresó.Una comisión parlamentariaGracias a Judith Godrèche, el Parlamento francés creó una comisión de investigación sobre las violencias sexuales en el mundo del espectáculo. Se alzó como portavoz, junto a Juliette Binoche y otras actrices, del movimiento francés de #MeToo, cuya apelación dice corresponder perfectamente al cine. "'Yo también', 'Me too', es algo que decimos y sentimos cuando vemos películas. Nos identificamos con lo que está en la imagen. Ese es el poder del cine: el no sentirte tan solo. La idea era hacer una cinta que hable de la multitud, de todas estas historias tan distintas y que después de la película uno pueda volver a casa pensando: 'Yo también'".Moi aussi se proyectó este miércoles en la ceremonia de apertura de la sección "Una cierta mirada" del Festival de cine de Cannes.

Durante los 12 días del Festival de Cannes, el exclusivo balneario del sur de Francia será el epicentro del cine de autor mundial. Este miércoles se abren tres secciones paralelas. Una de ellas es la Semana de la Crítica, dedicada a primeras o segundas películas. Ahí se presenta la cinta argentina Simón de la montaña, del director Federico Luis. Simón de la montaña intenta una nueva mirada sobre la discapacidad. Su joven protagonista decide pasar el tiempo con dos chicos diferentes. Descubre así una condición que le permite crear sus propias reglas, en un mundo que no parece estar diseñado para las personas diferentes.Se trata de la primera película de Federico Luis, presentada en la Semana de la Crítica en Cannes. "Simón es un personaje que se me fue apareciendo durante muchos años", explica el cineasta a RFI. "Con uno de los actores de la cinta, estábamos hablando de nuestras zonas de imperfección en común. Él me contó las suyas, yo le conté las mías y en un momento él me preguntó por qué no tenía un certificado de discapacidad. La profundidad de su pregunta se me reveló un poco. Simón tiene el deseo de formar parte de este grupo de personas con particularidades físicas y mentales", agrega.Simón de la montaña está protagonizada por Lorenzo Ferro y actores naturales.La película está en Cannes casi por milagro: "Soy quizás una de las últimas personas que lograron acceder a hacer una película en Argentina con el INCAA, el instituto de cine abierto. Esta película solo pudo existir por las instituciones públicas en Argentina", comenta Federico Luis.Desde Cannes, intenta hacer correr la voz sobre la situación del cine y de la cultura en Argentina.

En la 60ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, el pabellón español decidió mostrar e interrogar las cicatrices de la colonización. La "Pinacoteca migrante" es una aparente galería histórica de arte occidental donde se trata la noción de "migración" en sus múltiples facetas. "Pinacoteca Migrante" es la propuesta de España en la Bienal de Arte de Venecia 2024. El pabellón español tiene como objetivo releer y cuestionar, por primera vez casi sin filtros, el colonialismo."Descolonizar las mentes y los corazones"Épocas complejas, que aún hoy dividen. "Lo importante es descolonizar las mentes y los corazones, para que las leyes y las formas de relacionarse con otros se modifiquen", dice la peruana Sandra Gamarra.Gamarra es la primera artista no nacida en España que representa a este país en el certamen veneciano, que este año se inaugura el 20 de abril bajo el lema "Extranjeros en todas partes"."Pareciera que nuestra forma de ver las cosas es la natural y todas las demás son ideologías, pero nuestras formas de ver también responden a un mito. No es que yo quiera destruir el mito, pero sí quiero nombrarlo", añade Gamarra."Hablar abiertamente""Pinacoteca Migrante" está comisariada por Agustín Pérez Rubio, historiador que ha trabajado en países como Chile, Argentina y Perú. Pérez Rubio coincide en la llamada a la descolonización, pero también es consciente de las resistencias que aún existen en España."Sobre todo, creo que no quieren entender por qué ha sido tan fuerte esa hegemonía y ese eurocentrismo, además en España con los 40 años de dictadura que justamente potenciaban ese imperialismo, esa manera de entender América Latina, de sentirse los conquistadores", afirma el comisario español."Entonces, tampoco nos vamos a rasgar las vestiduras. Hay que exponer y hay que hablar abiertamente, sin culpa, pero reconociendo lo que sucede", añade, en entrevista con RFI. Suzana, una visitante de Brasil, cree que es el camino correcto. "Lo he estado pensando y creo que es muy noble", concluye.

Gabriel García Márquez falleció el 17 de abril 2014 y para recordar a uno de los pilares de la literatura latinoamericana, en RFI desempolvamos nuestros archivos para rendirle homenaje con su voz. Es un documento sonoro excepcional con extractos de una la entrevista que el Nobel colombiano concedió a Conchita Penilla en Cartagena de Indias en 1998 para un documental del canal de televisión France 3. Leer a Gabriel García Márquez es un placer, pero escucharlo también. Esto es lo que les propone RFI con esta entrevista, una de las últimas que dio el escritor colombiano a una cadena de televisión.Se trata del documental “La escritura embrujada” para el programa “Un siglo de escritores” de la cadena France 3 realizado por la periodista de RFI en español, Conchita Penilla, y difundido en 1998.

Con ocasión de la 29ª Semana de La Lengua Francesa y de la Francofonía que tiene lugar del 16 al 24 de marzo, viajamos hasta el origen del primer diccionario bilingüe español-francés con Miguel Ángel Esparza, catedrático de lingüística general de la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid). Una entrevista de Leticia Fuentes. No sé si recordarán cuando la maestra mandaba la tarea de aprenderse algunas palabras del diccionario español, o cuando aquel señor de traje llamaba al timbre vendiendo diccionarios. Los tiempos han cambiado. El diccionario ha pasado a ser un objeto 'vintage', propio de un coleccionista. Ahora ya nadie estudia el diccionario y pocos tienen uno en casa. Sobre todo, pocos se preguntan por su historia.Ésta se remonta a 1607. Se cree que el primer diccionario bilingüe español-francés nació ese año de la mano de Cesar Oudin, bajo la influencia del auge del español en la sociedad francesa gracias a las bodas dinásticas entre Luís XIII y Ana de Austria, o Luis XIV y Maria Teresa de Austria. César Oudin (c.1560-1625) fue lexicógrafo, gramático, maestro, traductor y secretario de los reyes franceses Enrique IV y Luis XIII. Se ganó el respeto de la Corte, tal y como explica la historiadora Sabina Collet. Según los historiadores, Oudin no fue el primero en juntar en un libro, un recopilatorio de palabras españolas. Ya existían otros tomos similares, pero él fue el primero en reunir y sintetizar muchos de los conceptos de los otros diccionarios para crear un único diccionario bilingüe español-francés. Oudin fue además un personaje que sabía moverse muy bien en la Corte."Hay figuras históricas que nacen de pie y otras que nacen estrelladas. César Oudin es una persona que tiene el gran acierto de convertirse en una persona imprescindible en la Corte. Es nombrado Secretario de Intérprete Oficial de Lenguas. Esto le daba una posición muy sólida en ese círculo", explica a RFI, Miguel Ángel Esparza."Sin embargo, otro gramático, del que sabemos muy poco, que le había precedido y que publicó una gramática solo un año antes, fue condenado a morir en la horca, porque fue tachado de conspirador y de hispanófilo. Ya saben que entre los países vecinos no siempre había buenas relaciones", agrega este catedrático de lingüística general de la Universidad Rey Juan Carlos en Madrid.A pesar de años de enemistad entre ambos países, el primer diccionario español-francés de Oudin nace en el momento adecuado, pues es cuando las relaciones entre España y Francia se encuentran en un buen momento. Además, nace de la necesidad de conocer más la lengua española, como consecuencia de las bodas dinásticas y de los flujos comerciales de la época."César Oudin tuvo mucho criterio para utilizar las mejores fuentes e ir componiendo y ampliando su diccionario, con los autores que había antes de él y luego otros muy importantes, como Covarrubias", comenta Esparza y añade: "El papel de las rutas comerciales es muy importante en el gran desarrollo de las obras para aprender idiomas en los siglos XVI y XVII", dice. "En realidad, ha habido investigadores que han reconstruido los focos editoriales de producción de obras en razón a las rutas comerciales, ya que había dos grandes líneas comerciales que atravesaban toda Europa: la que va de Florencia, Avignon, Lyon. Y la otra es; Venecia, Génova, Milán, Frankfurt, Colonia, Amberes. Curiosamente, resulta que las poblaciones que he citado son precisamente donde estaban radicados los focos editoriales y las imprentas", precisa el catedrático.La evolución hacia un diccionario costumbristaLa influencia de las rutas comerciales provocó una evolución del diccionario bilingüe español-francés. Lo que en un inicio empezó como una recopilación de léxico y gramática, evolucionó en un libro con palabras usuales que facilitaba los intercambios comerciales entre artesanos. "Tienen relación con ofrecer ayuda a los comerciantes y a los viajeros que transitan por esas rutas comerciales. Eran materiales que tenían un glosario de palabras usuales: los días de la semana, diálogos que reproducían escenas de la vida cotidiana, modelos de cartas y documentos que se utilizaban para hacer facturas o recibos. Luego tenían otro tipo de secciones, como las oraciones del cristiano", precisa Esparza.Gracias a esta evolución, los diccionarios de la épocase han convertido en un testimonio de la historia de la lengua y grandes documentos que nos sirven, a día de hoy, para documentar, no solo cómo era la lengua de ese entonces, sino también las costumbres. 

Los amantes del jazz funk, el de los '70 de Herbie Hancock, o del samba rock de Banda Black Rio tienen que saber que en Francia existe Cotonete, uno de los mejores combos reunido alrededor de sus fundadores, Frank Chatona (saxo) y Florian Pelissier (teclado). Esta es la primera parada del viaje musical que nos trae la nueva Playlist de RFI. El grupo Cotonete acaba de sacar el disco Victoire de la musique con la participación del trompetista y vocalista estadounidense Leron Thomas y del inglés Omar. Para esta selección elegimos el título Bebete Väobora, con la cantante brasileña Sabrina Malheiros, una versión de Jorge Ben con una línea de metales inspirada en James Brown.Kali UchisHace 6 años descubrimos a la diva colombo-estadounidense Kali Uchis (Karly-Marina Loaiza, nacida en Virginia, Estados Unidos), gracias al rapero Tylor The Creator, con el tema After the Storm, pero hace dos años, causó furor en TIk Tok con Telepathy. Y después del álbum Red Moon in Venus, (2023), está de vuelta con uno nuevo, Orquideas. Kali Uchis navega en el bolero y en el reggaetón, así como en el afrobeats y el R&B. Este mes te proponemos su dúo reggaetón Bitten Lips junto a Karol G, quien acaba de ganar un Grammy.También te proponemos descubrir al cantante y productor nigeriano Wizkid, un especialista del afro fusión con el tema Ololufe, junto a la cantante nigeriana Wande Coal.Y en cuanto a la curiosisdad francesa, se trata de un duo de raperos, muy influenciados por la bossa nova y que acaba de publicar el tema R&B Goodbye, una historia de ruptura con una canción muy gro¡ovy.¡Ojalá te guste esta Playlist de RFI y si es así, no dudes en compartirla con tus amigos! Hasta la próxima.

La canción francesa no sería lo que es sin sus artistas belgas o canadienses  como Céline Dion, Angèle o Johny Halliday. Una de esas grandes carreras de la francofonía es la de Diane Tell, autora de uno de los éxitos más sonados de la música en francés “Moi si j'étais un homme”. La canción que la llevó a la fama internacional en los años 80 no fue escrita como un texto feminista en su inicio. Cuenta la vida de un joven artista con ambiciones de “hombre”.Sin embargo, se convirtió en un tema inspirante para las nuevas generaciones y para llevar un mensaje en defensa de los derechos de la mujer. Así, la cantante Chilla se inspiró directamente de esa canción para escribir 'Si j'étais un homme' un texto más crudo, más militante sobre la violencia de género.Diane Tell, tras una carrera de 40 años, explica que hasta el día de hoy no es lo mismo ser mujer que hombre en esta industria musical. En 2023 Diane Tell ha producido y escrito su último álbum 'Haikú' en homenaje a la poesía japonesa, a su manera.A pesar de las trabas por ser mujer pudo mantener su independencia musical artística y financiera en un mundo “todavía controlado por los hombres”. 

Apenas clausurado, el Festival de cine de Berlín ha tenido que enfrentar fuertes críticas. Varias voces lo acusan de haber sido una palestra para declaraciones antisemitas o contra Israel, principalmente durante la ceremonia de entrega de los premios, el sábado pasado. "Es muy difícil para mí celebrar cuando hay decenas de miles de palestinos esclavizados y masacrados por Israel en Gaza”, declaró el director de cine palestino Basel Adra.Adra tuvo la palabra luego de recibir el premio al mejor documental por "No other Land", una cinta sobre las expulsiones de palestinos en Cisjordania."Ya que estoy en Berlín, le pido una cosa a Alemania: respetar el llamado de Naciones Unidas y detener el envío de armas a Israel", agregó.Esta fue una de las declaraciones que se escucharon el sábado por la noche durante la gala de entrega de los premios en la Berlinale. PeroBasel Adra no fue el único, el también palestino Hamdan Ballal hizo un llamado al cese el fuego en Gaza. Así mismo el cineasta estadounidense Ben Russel subió a la escena con el tradicional pañuelo palestino y acusó a Israel de genocidio.Estas declaraciones fueron aplaudidas por el público presente en la sala, pero suscitaron la indignación de figuras políticas, entre ellas, el alcalde de la capital alemana, Kai Wegner, quien consideró que lo sucedido en la Berlinale era una "relativización insoportable".Por su parte, Helge Lindh, una líder del Partido Socialdemócrata del actual jefe de gobierno Olaf Scholz, calificó de "chocante" el aplauso del público."Me avergüenza ver en mi país a gente que hoy aplaude unas acusaciones de genocidio contra Israel", declaró al diario Die Welt.La polémica se avivó cuando aparecieron publicaciones con los eslóganes " Palestina Libre" y "Paren el genocidio en Gaza" en una de las cuentas Instagram de la Berlinale.La dirección del festival indicó que esa cuenta había sido pirateada y estimó que las declaraciones de los cineastas constituyen "opiniones individuales e independientes del festival".En cuanto a los galardones, la franco-senegalesa Mati Diop se llevó el Oso de Oro a la mejor película por "Dahomey", cinta que narra la restitución a Benín de 26 obras saqueadas por las tropas coloniales francesas en 1892.Por su parte, el dominicano Nelson Carlos De Los Santos Arias obtuvo el premio al mejor director, por su película “Pepe”.

En la primera selección musical RFI del año, suena en lo alto de la cartelera el polifacético belga y congolés Baloji quien, además de músico, es actor, director de cine e incursiona en la moda. Pero la nueva Playlist de RFI tiene muchas otras novedades.  Baloji Tshiani nació en 1979 en Lubumbashi, cuando la República Democratica del Congo se llamaba aún Zaire, pero se crió en la ciudad belga de Lieja.De entre sus múltiples proyectos actuales, la Playlist de RFI destaca esta vez la banda sonora de su última película Augure, con la que representará a Bélgica en los próximos premios Oscar. Elegimos el tema Mujila-Gorgone, en dúo con la cantante soul estadounidense Jamilia Woods.Nueva incorporaciónLa casa editora RFI Talent suma una nueva voz, la franco-colombiana Ëda Díaz quien parece llevar la cumbia impregnada en su ADN pero de una manera muy poco ortodoxa.Lo original de Eleonore Arbeláez, su verdadero nombre, es que ademas de cantante es contrabajista y mezcla de manera adictiva melodías tradicionales sudamericanas, pop experimental sonidos electrónicos con los que acaba de confeccionar su primer LP, Suave Bruta del que les proponemos descubrir Tiemblas, el quinto tema de 11 en total.Desembarco brasileñoAsi como apreciamos cuando un músico encara un cambio de estilo, también es para aplaudir cuando un sello, como el californiano Stone Throw (creado por Peanut Butter Wolf), más conocido por ahondar en el hip hop, se arroja a la piscina con un músico que aporta lo que nadie esperaba. Se trata del brasileño Gabriel Da Rosa, quien ofrece una interesante variante de la música popular brasileña.Da Rosa nació en el sur de Brasil y se crió en el universo musical de un padre DJ antes de convertise él mismo en DJ cuando se mudó a Los Ángeles y comenzó a escribir su propia música.Su primer disco apareció en 2023 con el titulo O que a casa oferece y tuvo una buena acogida entre los amantes de la bossa y de la samba de los '70.Ahora vuelve con un nuevo single, Cafuné, un tema con apariencia easy listenning, que ha cautivado a los programadores de RFI.Una francesa "encantada"Enchantée Julia es un verdadero flechazo. La cantante, autora y compositora nacida en el sur de Francia es una encarnación de la neo soul francesa en quien algunos finos conocedores adivinan una mezcla de Claude Nougaro y de la cantante R&B colombiana Kali Uchis.Para entenderlo mejor habria que oir su último single Sois pas presse que podriamos traducir como un "no te apures" en colaboración con el cantante Lossapardo.

Lola Lorente es oriunda de Alicante, en España. Su novela gráfica “Maganta” ha sido traducida al francés y seleccionada para competir por el premio al mejor álbum en el festival de Angulema de 2024. Es un relato lleno de esperanza sobre lo que significa fracasar y volverse a levantar.  Mary Pain (María Dolores si se traduce literalmente al español) es una joven treintañera sin empleo ni dinero, obligada a regresar a su pueblo natal en la Costa Blanca, la región de origen de la autora, para ocuparse de su abuelo y enfrentar su pasado.  “Es una excusa para hacer una especie de viaje interior donde este personaje ha intentado reencontrarse en ese ambiente del que partió y en el que todo ha cambiado”, dice a RFI Lola Lorente.  Su historieta aborda una realidad muy contemporánea, la de los jóvenes que se ven forzados a regresar al hogar de sus padres. “Es un fantasma que a mí misma siempre me ha perseguido. Vivimos la crisis del 2008 y siempre nos persigue esa falta de seguridad”, explica Lorente. Como predestinada al dolor con su nombre, Mary Pain carga en ella un duelo. Maganta cuenta con mucha sutileza y de forma sugerida la tragedia familiar que vivió 13 años atrás en la piscina de la casa donde creció.  El álbum tiene color en la portada, pero Lola Lorente ha escogido la tinta negra para representar el ambiente de este pequeño pueblo bochornoso.  “Hay un contraste bastante grande entre este personaje voluptuoso, grande, redondo y el espacio constreñido, cerrado y sofocante en el cual ella intenta sobrevivir y no dejarse llevar por la tragedia”. “Maganta” es una palabra en desuso que se usa en la región de Alicante. “Significa perezosa, vaga”, explica Lorente. “Esa sensación de fracaso que puede tener la gente a los 30, cuando se supone que tenía expectativas y que han sido difíciles de cumplir. La visión de su propio fracaso”, observa su autora. Maganta se publicó en español en 2021 y fue traducido al francés con el título Mary Pain en 2023.Leer también'El cielo en la cabeza' de Antonio Altarriba, otra mirada a la migración africana

La capital francesa estrenará en marzo su primer salón dedicado exclusivamente al perfume. Se llama “Paris Perfume Week”, una cita internacional para profesionales y aficionados, pero también para desarrollar la curiosidad olfativa.   La primera “Paris Perfume Week” reunirá entre el 21 y el 24 de marzo a unos 50 exponentes locales e internacionales, principalmente de la perfumería independiente. Pero también, todo un programa de 60 conferencias y taller en torno al aprendizaje de la perfumería, la química de los olores o los grandes clásicos del perfume.La iniciativa nació entre apasionados del mundo de la cultura olfativa y el perfume, reunidos en el movimiento “Nez” (nariz), creado 2016, que edita la revista del mismo nombre.“Es un evento inédito en París, la ciudad emblemática del perfume. No había un salón dedicado a la cultura olfativa. El olfato es un sentido que se ha abandonado, quizás porque los olores son invisibles, inmateriales, o porque está ligado a nuestro lado más animal. La industria además ha hecho del perfume un producto de consumo y de lujo. Así que nos pareció pertinente rehabilitar al perfume como un objeto cultural, que a veces es artesanal y artístico”, explicó a RFI Mathieu Chévara, uno de los fundadores de Nez.La semana del perfume en París reunirá casas de composición y perfumistas y permitirá a un público amplio, reapropiarse del sentido del olfato.“El origen del perfume es lo divino. En todos los continentes, en todos los países y en todas las religiones, el hombre aprendió a quemar materias para liberar el perfume. El humo traía los olores y por eso en latín se dice “perfumum”, es decir, perfume. La otra vertiente del perfume es el erotismo. Desde la antigüedad, hombres y mujeres se perfuman para seducir. Esto generó expediciones y batallas terribles para buscar las mejores esencias y plantas por el mundo. Es decir que la historia del perfume cuenta la historia de las civilizaciones”, aseveró Marc-Antoine Corticchiato, uno de los perfumistas más brillantes de Francia.Corticchiato es el creador de la casa Parfum d'empire, con 20 años en el mercado y una gran conexión con las materias primas naturales. El será el padrino de la primera edición de la Paris Perfume Week, convencido de que la humanidad está perdiendo sus facultades olfativas.“El hombre ha perdido la curiosidad olfativa. Desarrollar el olfato es constituir un patrimonio de olores. Hay gente que vive sin tener conciencia de que tenemos una nariz y que debemos utilizarla. El resultado es un repertorio olfativo miserable: Ellos son la presa perfecta para los industriales que fabrican perfumes comerciales, hechos con las mismas moléculas de siempre”, aseguró el perfumista francés.La inauguración de la primera Paris Perfume Week coincidirá con el Día Internacional del perfume, el 21 de marzo.