Podcast appearances and mentions of Sonia Delaunay

With The Art of Living in Avant-Garde Paris: Ethics and Self-Making in Dada, Simultanism, and Surrealism (University of Chicago Press, 2026), Rachel Silveri takes a fresh look at the desire to unify art and life, an ambition long regarded as foundational to the European historical avant-gardes. She reveals how many early twentieth-century artists saw their own everyday lives—their bodies, identities, and relationships—as a type of creative material and a central component to their avant-garde practice. These artists abandoned traditional forms of artmaking and venues of art viewing, instead aspiring to integrate art with everyday life, creating an “art of living.”  Considering Tristan Tzara's performances of Dadaist identity, Sonia Delaunay's simultaneous fashions and self-branding, and the collective endeavor to open and operate the Surrealist Research Bureau, Silveri offers a new narrative about how the artists of interwar Paris developed experiential life practices that resisted dominant forms of “lifestyle” and normative discourses surrounding gender, ethnicity, and office work. This book argues that ethical questions of “How should I live?” and “How should I relate to others?” were as important to the avant-garde as politics, and that aspirations to change the world played out in daily practices of self-making. Hannah Freed-Thall is Professor of French Literature, Thought and Culture at NYU. She is the author, most recently, of Modernism at the Beach: Queer Ecologies and the Coastal Commons. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

With The Art of Living in Avant-Garde Paris: Ethics and Self-Making in Dada, Simultanism, and Surrealism (University of Chicago Press, 2026), Rachel Silveri takes a fresh look at the desire to unify art and life, an ambition long regarded as foundational to the European historical avant-gardes. She reveals how many early twentieth-century artists saw their own everyday lives—their bodies, identities, and relationships—as a type of creative material and a central component to their avant-garde practice. These artists abandoned traditional forms of artmaking and venues of art viewing, instead aspiring to integrate art with everyday life, creating an “art of living.”  Considering Tristan Tzara's performances of Dadaist identity, Sonia Delaunay's simultaneous fashions and self-branding, and the collective endeavor to open and operate the Surrealist Research Bureau, Silveri offers a new narrative about how the artists of interwar Paris developed experiential life practices that resisted dominant forms of “lifestyle” and normative discourses surrounding gender, ethnicity, and office work. This book argues that ethical questions of “How should I live?” and “How should I relate to others?” were as important to the avant-garde as politics, and that aspirations to change the world played out in daily practices of self-making. Hannah Freed-Thall is Professor of French Literature, Thought and Culture at NYU. She is the author, most recently, of Modernism at the Beach: Queer Ecologies and the Coastal Commons. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/gender-studies

With The Art of Living in Avant-Garde Paris: Ethics and Self-Making in Dada, Simultanism, and Surrealism (University of Chicago Press, 2026), Rachel Silveri takes a fresh look at the desire to unify art and life, an ambition long regarded as foundational to the European historical avant-gardes. She reveals how many early twentieth-century artists saw their own everyday lives—their bodies, identities, and relationships—as a type of creative material and a central component to their avant-garde practice. These artists abandoned traditional forms of artmaking and venues of art viewing, instead aspiring to integrate art with everyday life, creating an “art of living.”  Considering Tristan Tzara's performances of Dadaist identity, Sonia Delaunay's simultaneous fashions and self-branding, and the collective endeavor to open and operate the Surrealist Research Bureau, Silveri offers a new narrative about how the artists of interwar Paris developed experiential life practices that resisted dominant forms of “lifestyle” and normative discourses surrounding gender, ethnicity, and office work. This book argues that ethical questions of “How should I live?” and “How should I relate to others?” were as important to the avant-garde as politics, and that aspirations to change the world played out in daily practices of self-making. Hannah Freed-Thall is Professor of French Literature, Thought and Culture at NYU. She is the author, most recently, of Modernism at the Beach: Queer Ecologies and the Coastal Commons. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/literary-studies

With The Art of Living in Avant-Garde Paris: Ethics and Self-Making in Dada, Simultanism, and Surrealism (University of Chicago Press, 2026), Rachel Silveri takes a fresh look at the desire to unify art and life, an ambition long regarded as foundational to the European historical avant-gardes. She reveals how many early twentieth-century artists saw their own everyday lives—their bodies, identities, and relationships—as a type of creative material and a central component to their avant-garde practice. These artists abandoned traditional forms of artmaking and venues of art viewing, instead aspiring to integrate art with everyday life, creating an “art of living.”  Considering Tristan Tzara's performances of Dadaist identity, Sonia Delaunay's simultaneous fashions and self-branding, and the collective endeavor to open and operate the Surrealist Research Bureau, Silveri offers a new narrative about how the artists of interwar Paris developed experiential life practices that resisted dominant forms of “lifestyle” and normative discourses surrounding gender, ethnicity, and office work. This book argues that ethical questions of “How should I live?” and “How should I relate to others?” were as important to the avant-garde as politics, and that aspirations to change the world played out in daily practices of self-making. Hannah Freed-Thall is Professor of French Literature, Thought and Culture at NYU. She is the author, most recently, of Modernism at the Beach: Queer Ecologies and the Coastal Commons. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art

With The Art of Living in Avant-Garde Paris: Ethics and Self-Making in Dada, Simultanism, and Surrealism (University of Chicago Press, 2026), Rachel Silveri takes a fresh look at the desire to unify art and life, an ambition long regarded as foundational to the European historical avant-gardes. She reveals how many early twentieth-century artists saw their own everyday lives—their bodies, identities, and relationships—as a type of creative material and a central component to their avant-garde practice. These artists abandoned traditional forms of artmaking and venues of art viewing, instead aspiring to integrate art with everyday life, creating an “art of living.”  Considering Tristan Tzara's performances of Dadaist identity, Sonia Delaunay's simultaneous fashions and self-branding, and the collective endeavor to open and operate the Surrealist Research Bureau, Silveri offers a new narrative about how the artists of interwar Paris developed experiential life practices that resisted dominant forms of “lifestyle” and normative discourses surrounding gender, ethnicity, and office work. This book argues that ethical questions of “How should I live?” and “How should I relate to others?” were as important to the avant-garde as politics, and that aspirations to change the world played out in daily practices of self-making. Hannah Freed-Thall is Professor of French Literature, Thought and Culture at NYU. She is the author, most recently, of Modernism at the Beach: Queer Ecologies and the Coastal Commons. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

This week 's Dressed Classic episodes from 2024 revisit a two-part conversation with Waleria Dorogova, co-curator of the exhibition Sonia Delaunay: Living Art. Mounted in 2024 at the Bard Graduate Center in New York City, the ground breaking exhibition by Dorogova and co-curator Laura Microulis, explored Delaunay's work beyond painting and revealed her significant creative output as a fashion and textile designer. Want more Dressed: The History of Fashion?  Our ⁠⁠⁠⁠⁠website⁠⁠⁠⁠⁠ and ⁠⁠⁠⁠⁠classes⁠⁠⁠⁠⁠ Our ⁠⁠⁠⁠⁠Instagram⁠⁠⁠⁠⁠ Our ⁠⁠⁠⁠⁠bookshelf⁠⁠⁠⁠⁠ with over 150 of our favorite fashion history titles Dressed is a part of the ⁠⁠⁠⁠⁠AirWave Media⁠⁠⁠⁠⁠ network Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

This week 's Dressed Classic episodes from 2024 revisit a two-part conversation with Waleria Dorogova, co-curator of the exhibition Sonia Delaunay: Living Art. Mounted in 2024 at the Bard Graduate Center in New York City, the ground breaking exhibition by Dorogova and co-curator Laura Microulis, explored Delaunay's work beyond painting and revealed her significant creative output as a fashion and textile designer. Want more Dressed: The History of Fashion?  Our ⁠⁠⁠⁠⁠website⁠⁠⁠⁠⁠ and ⁠⁠⁠⁠⁠classes⁠⁠⁠⁠⁠ Our ⁠⁠⁠⁠⁠Instagram⁠⁠⁠⁠⁠ Our ⁠⁠⁠⁠⁠bookshelf⁠⁠⁠⁠⁠ with over 150 of our favorite fashion history titles Dressed is a part of the ⁠⁠⁠⁠⁠AirWave Media⁠⁠⁠⁠⁠ network Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

“Dessins sans limite”Chefs-d'oeuvre de la collection du Centre Pompidouau Grand Palais [Centre Pompidou – Constellation], Parisdu 16 décembre 2025 au 15 mars 2026Entretien avecAnne Montfort-Tanguy,conservatrice, Cabinet d'art graphique, Centre Pompidou – Musée national d'Art Moderne, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 15 décembre 2025, durée 25'54,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/12/24/3680_dessins-sans-limite_grand-palais/Communiqué de presse Commissaires :Claudine Grammont, Cheffe de service, Cabinet d'art graphique, Centre Pompidou – Musée national d'Art ModerneAnne Montfort-Tanguy, Conservatrice, Cabinet d'art graphique, Centre Pompidou – Musée national d'Art ModerneCommissaires associées :Valérie Loth et Laetitia Pesenti, Attachées de conservation, Cabinet d'art graphique, Centre Pompidou – Musée national d'Art ModerneAvec plus de 35 000 dessins, la collection du cabinet d'art graphique du Centre Pompidou est l'un des plus importants ensembles au monde d'oeuvres sur papier des XXe et XXIe siècles. Ce fonds exceptionnel par sa richesse et sa diversité n'a jamais fait l'objet d'une exposition d'une telle ampleur. Dessins sans limite est donc l'occasion de révéler pour la première fois les trésors inestimables de cette collection qui offre l'opportunité unique de comprendre comment ce medium s'est totalement réinventé au XXe siècle.Nombreux sont les artistes qui se sont emparés de ce mode d'expression originel et cathartique afin de transgresser les limites de l'art. Au-delà de la feuille ou du traditionnel carnet, le dessin a investi l'espace du mur et de l'installation. Il s'est ouvert à de nouvelles pratiques, étendant son champ à d'autres formes d'expression, photographiques, cinématographiques, ou encore numériques, ce qui rend ses frontières toujours plus mouvantes et ouvertes. Le regain d'intérêt porté par les jeunes générations d'artistes pour ce medium simple et accessible est bien la preuve de sa grande actualité. S'il faut faire évoluer la notion même de dessin à l'aune des enjeux esthétiques et plastiques du XXIe siècle, cela n'exclut pas de se replonger dans les fondements d'une pratique qui, demeure par essence ouverte à l'invention et à l'expression de la pensée, qu'elle soit consciente ou inconsciente.L'exposition Dessins sans limite met à l'honneur des pièces majeures de la collection rarement montrées notamment des oeuvres de Balthus, Marc Chagall, Willem de Kooning, Sonia Delaunay, Jean Dubuffet, George Grosz, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, mais aussi Karel Appel, Jean-Michel Basquiat, Roland Barthes, Robert Breer, Trisha Brown, Marlene Dumas, William Kentridge, Robert Longo, Giuseppe Penone, Robert Rauschenberg, Kiki Smith ou encore Antoni Tàpies. Elle ne s'interdit pas d'aller au-delà du champ de la feuille de papier pour considérer le dessin en tant que performance, installation, ou bien encore dans sa formeanimée.Avec une sélection de près de 400 dessins de 120 artistes, l'exposition Dessins sans limite n'a pas pour ambition de dresser une histoire du dessin aux XXe et XXIe siècles – une entreprise que la nature même de ce fonds rendrait impossible – mais propose une exploration subjective de la collection du Cabinet d'art graphique. Sans ordre chronologique, le parcours est fondé sur une approche sensible où les oeuvres se succèdent et se répondent dans un effet domino. Articulée autour de quatre séquences – étudier, raconter, tracer et animer -, l'exposition offre une plongée inédite dans un art fragile, inventif et toujours actuel.Publications #DessinsSansLimite – catalogue de l'exposition, coédition GrandPalaisRmnÉditions / Éditions du Centre Pompidou Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

It's a banner day here on the pod, Slushies. We welcome a very special guest, American Poetry Review's Elizabeth Scanlon to the table as we discuss three prose poems from Sara Burant. Dagne sends out birthday wishes to Canada's own Margaret Atwood while Lisa shows the team her Margaret Atwood-as-saint candle. We note the recent poetry trend towards raising the profile of female visual artists whose work has been overlooked during their lifetimes. Artists like Sonia Delaunay, mentioned in Burant's poem “Fields,” and Hilma af Kilmt, whose art inspired Didi Jackson's recent book “My Infinity.”  The mention of a clay pipe in one poem sends Marion running for a treasure her husband found while mudlarking. Kathy cops to her blue-collar resistance to a precious ars poetica and we discuss what it takes to win her over in the end. Elizabeth relates how John Ashbery likens waiting for a poem to a cat's finicky arrival. We note Frank O'Hara's notion of “deep gossip,” name checking his own friends along with celebrities in his poems, a gesture Burant employs in her poem “Heat wave.” And we come full circle with a shout out to American Poetry Review's own podcast where Elizabeth interviewed Margaret Atwood during the pandemic. As always, thanks for listening! At the table: Dagne Forrest, Samantha Neugebauer, Elizabeth Scanlon, Kathleen Volk Miller, Marion Wrenn, Lisa Zerkle, and Lillie Volpe (sound engineer) Bio: Sara Burant's poems, reviews, and collaborative translations of Paul Éluard's poems have appeared in journals such as OmniVerse, Pedestal, periodicities, Ruminate, and The Denver Quarterly. Her work has been honored with a fellowship from Oregon Literary Arts and a residency at Playa. At 55, she received an MFA in Poetry from Saint Mary's College of California. She's the author of a chapbook, Verge. Fields after Frank O'Hara And the truck driver I was made in the image of has a tattoo reminiscent of a Sonia Delaunay on her chest. And on her upper left arm, a nude torso of Apollo reminiscent not only of Rilke but of the male figure who loved her passionately in a dream—my god, he knew how to kiss and be kissed and knew her better than she'll ever know herself. Nobody sees these tattoos except her, looking in the mirror in a cheap motel's bathroom. At home she has no mirrors, just the phone she occasionally snaps a selfie with to make sure she has no spinach or gristle lodged between her teeth before heading to the bar. Actually, the truck driver I was made in the image of is undercover. She's really a Jungian analyst. Those cows in another dream, her heaviest self, chewing the cud of the past, farting, trampling the delicate vegetation, forming a tight circle around the calves when threatened, bellowing when all else fails. Hauling 30 tons in her 35-ton rig, she speeds past field after field which are all the same field. Oh field of dreams, why hasn't she built you? Instead she deletes photos to make room for more photos, wondering why this sunset, that face, this puddle's reflection, that abstract painting. She fished and caught and couldn't filet the tender meat that smelled too much like drowning. One rainy winter in Paris she nearly did drown. Creeping water-logged from museum to museum, finally she clung to Cézanne's misshapen fruit as if to a buoy. The apples and pears, just one man's apprehension of apples and pears, not thoughts inside thought-balloons, not some parable of ancient September. Just tilting tabletops, shapes, colors, the suggestion of shadows and light. Ars poetica For the chickens I save tidbits, potato skins, and the outer cabbage leaves which make me think of hats. The red wobble of the hens' combs and the smell of their fecal heat, unaccountably dear to me. Awaiting a match to warm me, I chew on a clay pipe's stem, contemplating the waning moon of its bowl and my pink lipstick past. The silence behind words spoken or thought clucks softly in my inner ear. Sitting inside, I can't help looking out, a lifting, carrying blue, the wind's little pull on the earlobe of my heart. Lately I've been cutting paper into shapes that mean Feed me or Take me to your leader, wishing I'd been taught to name feelings as they arise. Tenderness for the apple still hanging from winter's limb. Loneliness drunk down with morning's darjeeling. There are conspirators for beauty. Like rabbits, they leave tracks in the snow. Like geese, they arrow through hallways of night. Without sentiment or self-pity they gaze at certain slants of light. They chip away the ice with a pick to get at the lock. Then they pick the lock. And oh, what a view. I want to walk in the dark to get there, not following anyone's directions. To enter the fortune teller's crystal ball with bread in my pocket and a botanist's loupe. Though I don't know your name, I move forward only beside you, your imaginary hand in mine.  Heat wave The woman at the table next to mine gives up loud-talking in favor of song, but it's not looking for love, it's looking for FUN—& feeling groovy. Maybe I should warn her—today's theme isn't love or fun, it's submarine & skedaddle, it's danger-danger, hold your breath & sound. This avalanche of heat, these record-shattering days. See the breakage piling up on sidewalks so hot the barefoot babies weep as they learn to toddle. Maybe, as you like to point out, I'm catastrophizing, when what I really want is to feel groovy again. To butter my skin with baby oil & sizzle, walking barefoot along the burning sand, Bradford Beach where I fell in love unrequited for the umpteenth time. Back then, who was counting? Back then summer lasted for years & still wasn't long enough. 1978, despite Mother's reservations, I saved my babysitting money for a ticket to Fleetwood Mac at County Stadium. Eilleen, Maggie, Liz, Jean, Mary, me—& Stevie Nicks & Christine McVie, the elm trees & long summer dusk of those women's voices. A dusk so filled with the orange, violet & chartreuse silk of its immense flag flying above, beside & through you, you neglect to notice shadows splotching the periphery & forget your curfew. I didn't notice much, so stoned I was, we were, melting into the moment's spotlessness, our adolescent hips grooving, our tan arms waving, here, now, this, this, this—I mean there, then, that, that, that—no one yet suspended for drinking, no one yet strung out, dropping out, running off with boys to Oregon or Wyoming, limping home pregnant or in rags. The elms, gone. Mom, Vince, Rob & Christine McVie, too. I've had to swear off many things due to poor digestion—but oblivion, I'd still like to indulge in that sometimes, diving into it like a bee into a flower, a morning glory, its dumb, purple, one day only show. 

durée : 00:58:46 - Toute une vie - par : Lénora Krief - Sonia Delaunay est difficile à qualifier tant elle expérimente ses recherches plastiques dans de multiples domaines dès les années 1910. Avec Robert Delaunay, le couple d'artistes s'engage dans le simultanisme - une voie lumineuse qu'elle poursuivra et réinventera seule après le décès de son mari. - réalisation : Lionel Quantin

“1925-2025” Cent ans d'Art décoau MAD, musée des Arts Décoratifs, Parisdu 22 octobre 2025 au 26 avril 2026Entretien avecMathurin Jonchères,assistant de conservation collections modernes et contemporaines – musée des Arts Décoratifs,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, 20 octobre 2025, durée 28'56,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/10/22/3657_1925-2025_musee-des-arts-decoratif/Communiqué de presse Commissaires :Commissaire générale : Bénédicte Gady, directrice des musées des Arts DécoratifsCommissaire : Anne Monier Vanryb, conservatrice en charge des collections 1910‑1960Commissaires associés :Jean-Luc Olivié, conservateur en chef en charge des collections de verreMathieu Rousset-Perrier, conservateur en charge des collections Moyen Âge / Renaissance et bijouxAssistés par :Véronique Ayroles, attachée de conservation collections de verreRaphaèle Billé, assistante de conservation collections modernes et contemporainesMathurin Jonchères, assistant de conservation collections modernes et contemporainesLisa Jousset-Avi, assistante de conservation collections modernes et contemporainesConseiller scientifique : Emmanuel Bréon, historien de l'artCent ans après l'exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925 qui a propulsé l'Art déco sur le devant de la scène mondiale, le musée des Arts décoratifs célèbre ce style audacieux, raffiné et résolument moderne. Du 22 octobre 2025 au 26 avril 2026, « 1925‑2025. Cent ans d'Art déco » propose un voyage au coeur de la création des années folles et de ses chefs-d'oeuvre patrimoniaux. Mobilier sculptural, bijoux précieux, objets d'art, dessins, affiches et pièces de mode : près de 1 000 œuvres racontent la richesse, l'élégance et les contradictions d'un style qui continue de fasciner.Scénographie immersive, matériaux somptueux, formes stylisées et savoir‑faire d'exception composent un parcours vivant et sensoriel, où l'Art déco déploie toutes ses facettes. L'exposition s'ouvre de façon spectaculaire sur le mythique Orient Express, véritable joyau du luxe et de l'innovation. Une cabine de l'ancien train Étoile du Nord ainsi que trois maquettes du futur Orient Express, réinventé par Maxime d'Angeac, investissent la nef du musée. Une invitation à explorer un univers où l'art, la beauté et le rêve s'inventent au présent comme en 1925. Le commissariat général de l'exposition est assuré par Bénédicte Gady, directrice des musées des Arts Décoratifs, le commissariat par Anne Monier Vanryb, conservatrice des collections modernes 1910-1960 dans une scénographie de l'Atelier Jodar et du Studio MDA.Né dans les années 1910 dans le sillage des réflexions européennes sur l'ornementation, l'Art déco puise dans les recherches de l'Art nouveau. Il se développe pleinement dans les années 1920 et se distingue par une esthétique structurée, géométrique, élégante, qui allie modernité et préciosité. Ses formes séduisent les décorateurs, architectes et fabricants d'alors, mais restent souvent réservées aux catégories sociales aisées, du fait du coût élevé des matériaux et de la finesse des techniques mises en place à cette époque. L'Art déco incarne une période foisonnante, marquée par une soif de nouveauté, de vitesse, de liberté. Il touche tous les domaines de la création : mobilier, mode, joaillerie, arts graphiques, architecture, transports… L'exposition revient ainsi sur les différentes tendances de l'Art déco, entre l'abstraction géométrique affirmée de Sonia Delaunay et Robert Mallet‑Stevens, l'épure formelle de Georges Bastard et Eugène Printz, ou encore le goût du décoratif de Clément Mère et Albert-Armand Rateau.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

In this episode of Art Ladders, Valerie and Armin engage in a rich conversation with Sarah Z. Short, a collage artist and printmaker. They explore Sarah's artistic journey, the impact of the pandemic on her creative practice, and the importance of building a community of artists online. The discussion delves into the role of social media in promoting art, the challenges of balancing artistic creation with business tasks, and the significance of typography and vintage materials in Sarah's work. Listeners gain insights into the teaching of art, the evolution of artistic practices, and the value of sharing knowledge within the creative community.Sarah Z. Short WebsiteSarah Z. Short Instagram  @sarah_Z_shortInfluential artists for Sarah are Robert Rauschenberg, Richard Diebenkorn, Robert Motherwell, Kurt Schwitters, Sophie Taeuber-Arp, Sonia Delaunay.

Après la mort d'une élève nantaise, poignardée par un garçon scolarisé dans le même établissement, le Préfet du Loir-et-Cher a décidé de mener des opérations de contrôle des sacs aux abords des collèges et lycées du département. À Blois, l'opération a pu surprendre les élèves scolairsés aux lycées Sonia-Delaunay et Dessaignes, mais tous s'y plient sans difficultés. Un reportage réalisé par Bastien Bougeard.

Episode No. 690 features curators Vivien Greene and Michael Hartman. With Tracey Bashkoff, Greene is the co-curator of "Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910-1930" at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York. The exhibition surveys a transnational art movement that joined abstraction to dance, music, and poetry and that engaged with ideas of simultaneity across kaleidoscopic pictures and sculpture. Among the artists included in "Harmony & Dissonance" are Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, František Kupka, Francis Picabia, and Stanton Macdonald-Wright. The exhibition is on view through March 9. The Guggenheim published an excellent catalogue for the exhibition. It's available from Amazon and Bookshop for about $60. Hartman is the curator of "Beyond the Bouquet: Arranging Flowers in American Art" at the Hood Museum of Art at Dartmouth College. The exhibition looks at how North American artists have made use of floral beauty. Instagram: Michael Hartman, Tyler Green.

In the 1980's, artist and curator André Heller invited over thirty renowned visionaries including Salvador Dalí, Jean-Michel Basquiat, and Sonia Delaunay to design rides, games, and attractions for Luna Luna, which opened to the public in Hamburg, Germany, in 1987. However after its closure, the park's treasures were forgotten in storage in Texas for 36 years. Chief Creative and Experience Officer Michael Goldberg joins us to discuss the restoration of the materials and bringing Luna Luna back to life at The Shed. Luna Luna: Forgotten Fantasy will close in New York City on Jan. 5.

In the early 1900s, art movements within the then-burgeoning category of modern art were exploding in multiple directions, and among them was a strand called Orphism. What was it? In some ways, it is hard to say. Relatively short-lived and debated even as soon as it was coined around 1912, Orphism was a form of abstract art, informed by motion, radial shapes of vibrant colors. Most known and neatly associated with Orphism are Robert and Sonia Delaunay, who thought colors could be used to create visual harmonies, where form and hue worked on a canvas in the same way that notes worked to build a piece of music. The artist could be thought of as composer. And yet the contours movement is still somewhat vague. In fact, there were debates about what Orphism was or meant from within the group that was most often associated with it. It remains elusive. My co-host, the art critic Ben Davis, recently went to a major showing of Orphist works, an exhibition called “Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930” at the Guggenheim, in New York that opened earlier this month and will run until March 2025. We discussed about the art form and its impact as well as some of the the unanswered questions he left the show with.

In the early 1900s, art movements within the then-burgeoning category of modern art were exploding in multiple directions, and among them was a strand called Orphism. What was it? In some ways, it is hard to say. Relatively short-lived and debated even as soon as it was coined around 1912, Orphism was a form of abstract art, informed by motion, radial shapes of vibrant colors. Most known and neatly associated with Orphism are Robert and Sonia Delaunay, who thought colors could be used to create visual harmonies, where form and hue worked on a canvas in the same way that notes worked to build a piece of music. The artist could be thought of as composer. And yet the contours movement is still somewhat vague. In fact, there were debates about what Orphism was or meant from within the group that was most often associated with it. It remains elusive. My co-host, the art critic Ben Davis, recently went to a major showing of Orphist works, an exhibition called “Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930” at the Guggenheim, in New York that opened earlier this month and will run until March 2025. We discussed about the art form and its impact as well as some of the the unanswered questions he left the show with.

Welcome to Episode 16 of Pattern Portraits!Lauren Godfrey chats with artist Zadie Xa, about alchemy and conjuring through pattern, oddness over evenness and Korean Folklore.Zadie Xa is an artist working across painting, sculpture and performance with recent presentations at Thaddeus Ropac in Paris, Hauser and Wirth in LA and The Whitechapel Gallery in London. Originally from Vancouver, Canada, Zadie explores notions of homeland and diaspora through the metaphor of water and interspecies communication. Zadie has an MA in painting from The Royal College of Art and a BFA from The Emily Carr Institute of Design in Vancouver.Her work often takes the form of textile constructions resembling garments or kimonos, heavily worked with quilting, appliqué and complex structural elements featuring recurring motifs such as the conch shell, the Yin Yang symbol, knives and kimchi. Performances have featured huge Orca whales and costumes sewn from bleach dyed denim in aqueous patterns of undulating water.I am totally entranced by Zadie's work and the way that pattern weaves its way into every element whether it's a vast patchwork shelter, housing delicately rendered paintings or a gown hanging from the ceiling, poised with a pair of platform shoes resembling cabbages.Zadie has chosen a vibrant patchwork of patterns including a Korean Bojagi wrapping (date unknown), Sonia Delaunay's ‘Simultaneous Dress' from 1913, a pattern of her own - Kimchi Rites and Kitchen Rituals, 2022, a Christopher Kane flower stamped dress from Spring/Summer 2012 and a Mori Yuzan wave drawing circa 1903.You can see all of Zadie's patterns and more on instagram @patternportraitspodcast‘Magic Motif' - The PATTERN PORTRAIT print artwork to accompany Zadie's interview and featuring the patterns we discuss is available to buy now at www.laurengodfrey.co.ukImage of Zadie Xa by Benedict JohnsonReferences:Gee's Bend Quilt MakersLegacy Russell The New Bend Exhibition at Hauser and Wirth Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, certains de ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture. Avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

Manuel Cargaleiro já tinha deixado a sua marca em Paris numa das mais conhecidas estações de metro, a Champs Elysées-Clémenceau, mas a capital francesa pediu-lhe mais. Aos 92 anos, o artista português juntou aos painéis de azulejos instalados em 1995 novas obras que são inauguradas esta segunda-feira. Nesse dia, o pintor e ceramista vai ser duplamente condecorado por Portugal e Paris. Nesta entrevista, realizada em 2017, o "mestre" recorda os tempos iniciais em Paris, quando a cidade era "uma aldeia de artistas". Esta segunda-feira, Manuel Cargaleiro vai inaugurar novos painéis na estação Champs Elysées-Clémenceau, em Paris, e depois vai receber a Medalha Grand Vermeil, a mais alta condecoração da cidade, e a Medalha de Mérito Cultural de Portugal na presença do Primeiro-Ministro português.Galardões que se juntam a outros de um artista que vive em Paris desde 1957, que conviveu com nomes precursores da arte contemporânea como Max Ernst, Hans Arp, Serge Poliakoff, Alfred Manessier, Sonia Delaunay, Zao Wou-Ki, Maria Helena Vieira da Silva, Arpad Szènes, Roger Bissière, Natalie Gontcharova e Michel Larionov, entre muitos outros.Era também vizinho de Picasso mas tinha uma admiração tão grande por ele que não teve coragem de falar com ele… À sua casa, no bairro dos artistas, vinham bater muitos portugueses que chegavam clandestinamente a França…Uma conversa sobre arte, memórias e muito trabalho num ateliê repleto de telas e centenas de desenhos e guaches…

Wykład prof. Stanisława Jaworskiego, Muzeum Narodowe w Warszawie, 30 sierpnia 2015 https://wszechnica.org.pl/wyklad/w-poszukiwaniu-nowych-drog-wyklad-prof-stanislawa-jaworskiego/ Prof. Stanisław Jaworski podczas wykładu finisażowego wystawy "Tadeusz Peiper. Papież awangardy" opisuje zmiany cywilizacyjne, które wpłynęły na powstanie awangardy artystycznej. Zlożyl się na nie rozwój przemysłu w drugiej połowie XIX w., który wpłynął na zmianę struktury społecznej, a następnie powstanie rewolucyjnych idei społecznych. Wynalazki przełomu wieków - radio, telefon, samochód, samolot - zmieniły postrzeganie świata. Rewolucja w komunikacji przemodelowała myślenie o architekturze. Stare ulice miast stały się zbyt wąskie, by umożliwić ruch samochodowy. Jednocześnie wzrosła liczba ich mieszkańców. Środowiskiem twórczym poety przestał być wiejski dworek, zastąpiła go wielkomiejska kamienica. Artyści zaczęli skłaniać się ku twórczności zaangażowanej społecznie, albo awangardowej. Prelegent wplata w swoją opowieść obrazki z życia Tadeusza Peipera. W drugiej części wykładu analizuje też wiersze Peipera: "Rano", "Powojenne wezwania", "Rozstanie z żukiem", "Naga". Wystawa "Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie" prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Peiper – debiutujący jako autor szkiców literackich i dziennikarz wiodących czasopism (El Sol, La Lectura, España i La Publicidad) – utrzymywał także kontakty z Manuelem Azañą czy José Ortegą y Gassetem. Autorzy wystawy poprowadzą widza przez Paryż 1914 roku, kosmopolityczne, artystyczno-literackie środowisko Madrytu lat 1915-21, poprzez formistyczny i futurystyczny Kraków ku awangardowym utopiom artystycznym i cywilizacyjnym lat 1920-tych aż po ich kres i narastanie katastrofizmów poprzedzający wybuch II wojny światowej. Pokażemy towarzyszący tym procesom żywiołowy rozwój komunikacji i kultury masowej. Chcemy unaocznić artystyczne alianse i efekty współpracy Peipera z wybitnymi twórcami awangardowymi. W „Zwrotnicy” publikowali Władysław Strzemiński i Kazimierz Malewicz; książki i poezje Peipera ilustrowali Juan Gris, Mojżesz Kisling, Fernand Léger i inni. Pokażemy obrazy, grafiki, rzeźby twórców europejskiej awangardy: obok prac wspomnianych już Malewicza, Grisa, Légera, Strzemińskiego – dzieła Vytautasa Kairiūkštisa, Francisco Boresa, Alberta Gleizesa, Louisa Marcoussisa, Leona Chwistka, Tytusa Czyżewskiego, Tymona Niesiołowskiego, Leona Dołżyckiego, Henryka Stażewskiego, Katarzyny Kobro, Marka Włodarskiego, Mieczysława Bermana. Towarzyszyć im będzie prezentacja awangardowych wydawnictw i filmów. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #muzeumnarodowe #tadeuszpeiper #peiper #sztuka #kultura

Wykład Karoliny Zalewskiej, edukatorki Muzeum Narodowego w Warszawie, wygłoszony został w ramach programu edukacyjnego towarzyszącego wystawie „Papież awangardy. Tadeusz Peiper”. Muzeum Narodowe w Warszawie, 14 czerwca 2015 r. [52min] https://wszechnica.org.pl/wyklad/w-pogoni-za-nowoczesnoscia-tadeusz-peiper-i-awangarda/ Nawoływali do palenia muzeów, odrzucali tradycyjne wyobrażenia o sztuce, a jako wzór doskonałości wskazywali precyzję i wydajność maszyn. Skąd wzięły się awangardowe ugrupowania, które skierowały sztukę europejską na nowe tory? Jakie idee im przyświecały? Wykład przybliżył najważniejsze zjawiska artystyczne początku XX wieku: te, z którymi Peiper zetknął się podczas studiów w Berlinie, Paryżu i kilkuletniego pobytu w Hiszpanii, oraz te, które współtworzył już po powrocie do Polski. *** Wystawa „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie” prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Peiper – debiutujący jako autor szkiców literackich i dziennikarz wiodących czasopism (El Sol, La Lectura, España i La Publicidad) – utrzymywał także kontakty z Manuelem Azañą czy José Ortegą y Gassetem. Autorzy wystawy poprowadzą widza przez Paryż 1914 roku, kosmopolityczne, artystyczno-literackie środowisko Madrytu lat 1915-21, poprzez formistyczny i futurystyczny Kraków ku awangardowym utopiom artystycznym i cywilizacyjnym lat 1920-tych aż po ich kres i narastanie katastrofizmów poprzedzający wybuch II wojny światowej. Pokażemy towarzyszący tym procesom żywiołowy rozwój komunikacji i kultury masowej. Chcemy unaocznić artystyczne alianse i efekty współpracy Peipera z wybitnymi twórcami awangardowymi. W „Zwrotnicy” publikowali Władysław Strzemiński i Kazimierz Malewicz; książki i poezje Peipera ilustrowali Juan Gris, Mojżesz Kisling, Fernand Léger i inni. Pokażemy obrazy, grafiki, rzeźby twórców europejskiej awangardy: obok prac wspomnianych już Malewicza, Grisa, Légera, Strzemińskiego – dzieła Vytautasa Kairiūkštisa, Francisco Boresa, Alberta Gleizesa, Louisa Marcoussisa, Leona Chwistka, Tytusa Czyżewskiego, Tymona Niesiołowskiego, Leona Dołżyckiego, Henryka Stażewskiego, Katarzyny Kobro, Marka Włodarskiego, Mieczysława Bermana. Towarzyszyć im będzie prezentacja awangardowych wydawnictw i filmów. Wystawie towarzyszą bogaty program wydarzeń edukacyjnych, pokaz tematyczny w Cyfrowym MNW, publikacja książkowa zawierająca artykuły znawców dzieła i biografii Tadeusza Peipera oraz badaczy europejskich ruchów awangardowych pierwszych dziesięcioleci XX wieku, a także płyta z muzyką z serii Kolekcja Muzeum Narodowego. Kuratorzy wystawy: dr Piotr Rypson we współpracy z Moniką Poliwką i Juanem-Manuelem Bonetem. Od 18 września do 6 listopada 2015 wystawa będzie prezentowana w Real Academia de Bellas Artes de San Fernando w Madrycie. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #muzeumnarodowe #tadeuszpeiper #peiper #awangarda

Dr Piotr Rypson, wicedyrektor ds. naukowych i kurator Zbiorów Sztuki Nowoczesnej Muzeum Narodowego w Warszawie, w rozmowie z Adrianą Prodeus, animatorką, dziennikarką, redaktorką programu „WOK. Wszystko o kulturze”, nadawanego w TVP2 [1h26min] https://wszechnica.org.pl/wyklad/czy-tadeusz-peiper-byl-papiezem-awangardy-dr-piotr-rypson-w-rozmowie-z-adriana-prodeus/ Piotr Rypson, wicedyrektor ds. naukowych i kurator Zbiorów Sztuki Nowoczesnej Muzeum Narodowego w Warszawie, rozmawiał o życiu i twórczości Tadeusza Peipera z Adrianą Prodeus, animatorką, dziennikarką, redaktorką programu „WOK. Wszystko o kulturze” nadawanego w TVP2. Wywiad towarzyszył wystawie „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie”. Rozmówcy dyskutowali, na czym polegała oryginalność Peipera jako krytyka sztuki. Poszukiwali też w jego biografii ludzi i wydarzeń, które go ukształtowały. Poruszyli również wątek mizoginii, która cechowała Peipera w relacjach z kobietami. Uczestnicy rozmowy nie ominęli tematów związanych z wyborami ideowymi i politycznymi krytyka. W tym kontekście przypomniany został m.in. wątek jego konfliktu ze środowiskiem skamandrytów, w efekcie którego nazwał Jarosława Iwaszkiewicza „idiotą”. Rozmówcy omówili też mniej znany okres w biografii autora manifestu „Miasto, masa, maszyna”. Tadeusz Peiper, z pochodzenia Żyd, po napaści hitlerowskich Niemiec na Polskę musiał uciekać z Krakowa do Lwowa. Tam, podobnie jak inni polscy inteligenci, zostaje aresztowany przez NKWD, i wywieziony później w głąb ZSRR. Wówczas zaczął już popadać w chorobę psychiczną. Z opresji uratowała go Wanda Wasilewska, działaczka komunistycznego Związku Patriotów Polskich, do którego krytyk wstąpił. Jak wyjaśnił jednak Rypson, Peiper nie współpracował czynnie z komunistami, był postrzegany za szaleńca i odpchany. Część wojny spędził w Gruzji, ale nic na ten temat nie opublikował. Po powrocie do Polski, w przeciwieństwie do innych literatów, nie objął żadnego stanowiska w nowych władzach. Osoby, które miały styczność z Peiperem w okresie między jego powrotem do kraju a śmiercią w 1969 r., opisują go jako osobę zdradzającą oznaki choroby psychicznej, ale wciąż żywą i interesujacą. Rybson podkreślił jednak, że wszystko są to „relacje z odległości”, bo krytyk nikogo wówczas już do siebie nie dopuszczał i cierpiał na manię prześladowczą. Nowe światło na biografię Peipera mogą rzucić liczne pozostawione przez niego manuskrypty. Ich publikacja może nastąpić jednak dopiero, gdy minie 70 lat od jego śmierci. *** Wystawa „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie” prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #tadeuszpeiper #peiper #muzeumnarodowe #sztuka #kultura #awangarda

O Centro Pompidou, em Paris, acolhe entre esta quarta-feira, 3 de Abril, e 9 de Setembro, uma exposição sobre as cumplicidades dos pintores Amadeo de Souza-Cardoso, Sonia e Robert Delaunay. O “triângulo artístico” começou em Paris e continuou em Portugal durante a Primeira Guerra Mundial. Helena de Freitas, uma das curadoras da exposição, destaca que este é um “ponto de viragem" no  reconhecimento da obra do pintor português, oito anos depois da grande retrospectiva no Grand Palais. A exposição “Amadeo de Souza-Cardoso, Sonia et Robert Delaunay. Correspondances" abre ao público esta quarta-feira, 3 de Abril, e está patente até 9 de Setembro. Cerca de trinta obras mostram as “correspondências” formais, temáticas e conceptuais dos três artistas, numa escolha que resultou das “correspondências” de três curadoras - Helena de Freitas, Sophie Goetzmann e Angela Lampe – e de duas instituições – o Centro Pompidou e a Fundação Calouste Gulbenkian.Além de ilustrar as cumplicidades deste “triângulo artístico”, a exposição volta a colocar Amadeo de Souza-Cardoso [1887-1918] entre os nomes que fizeram a história da arte do século XX. A mostra surge oito anos depois da retrospectiva do pintor português no Grand Palais, também comissariada por Helena de Freitas, que encara esta nova exposição como “um ponto de viragem” no reconhecimento internacional de Amadeo de Souza-Cardoso. No fundo, é mais uma tentativa de “colocar o artista neste complicado puzzle da História da Arte, onde ele era uma peça que não existia”.A Curadora do Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian fez uma visita guiada à RFI e mostrou como o pintor português esteve no centro das vanguardas do seu tempo e como o casal Delaunay se deixou influenciar pela cultura e artesanato popular portugueses.RFI: A exposição está num dos principais museus de arte moderna e contemporânea do mundo e acontece oito anos depois da retrospectiva no Grand Palais, também em Paris. O que representa para o reconhecimento do pintor Amadeo de Souza-Cardoso?Helena de Freitas, Curadora: A exposição do Grand Palais foi muito importante para que esta fosse possível. Esta tem, de facto, para mim, para nós, Fundação Gulbenkian, um significado muito especial porque está no coração de uma grande colecção francesa e internacional. Não é uma exposição à parte, ela está integrada no percurso da colecção e isso é uma das questões mais importantes porque é o patamar de reconhecimento internacional de Amadeo enquanto artista, integrado numa grande colecção internacional.Foi preciso esperar oito anos para voltarmos a ter Amadeo de Souza-Cardoso em Paris…Sim, foi preciso esperar algum tempo. Seja como for, Amadeo tem sido bastante solicitado para empréstimos um pouco por todo o lado. Portanto, há que fazer um trabalho em continuidade e esta exposição, na sequência da grande exposição de 2016, no Grand Palais, vem de alguma maneira estabelecer mais um passo importante nesse caminho que é o caminho de colocar o artista neste complicado puzzle da História da Arte, onde ele era uma peça que não existia. É um trabalho muito difícil, para o qual é preciso muita persistência e muita continuidade. Aqui traça-se um caminho. Este é um ponto muito importante. É uma espécie de ponto de viragem no reconhecimento do artista.Um ponto de viragem? Eu acho que sim, que é um ponto de viragem porque está no coração do Pompidou, durante vários meses. Digamos que é uma pequena grande exposição porque vai estar de 3 de Abril a 9 de Setembro nas salas da colecção do Pompidou. Isto é muito importante.O que conta a exposição? A exposição é a história do encontro entre o artista português Amadeo de Souza-Cardoso e Sonia Delaunay e Robert Delaunay que já se tinham encontrado em Paris durante o período em que o Amadeo viveu em Paris, de 1906 a 1914. Mas durante o período da guerra, quando Amadeo regressa a Portugal, em 1914, Sonia e Robert Delaunay, como refugiados de guerra, instalam-se em Vila do Conde, muito perto de onde o artista português viveu de 1914 até 1918, o ano da sua morte.Portanto, neste período, entre 1915 e 1917, eles desenvolveram projectos e contactos com alguma regularidade. Estes projectos têm um nome chamado “Corporation Nouvelle”, “Nova Corporação”. É uma ideia que nasce em Portugal e que era, de alguma maneira, uma forma de romper as fronteiras desta condição de guerra e de fechamento de fronteiras. Foi um projecto que foi pensado pelos Delaunay, onde Amadeu se inscreveu e era um projecto bastante utópico de realização de “expositions mouvantes”, de exposições itinerantes. São projectos que, de alguma maneira, deslocavam e faziam uma inversão daquilo que fazia a agora chamada Ecole de Paris, do centralismo parisiense. Era uma ideia de quebrar um pouco com essa rigidez de colocar tudo ao centro. É um projecto bastante original, muito moderno e bastante antecipador.E que se concretiza? Eles fazem essas exposições itinerantes?Infelizmente não se concretizaram. Podemos seguir toda a correspondência trocada entre estes três artistas. Estamos aqui a falar deste triângulo artístico, mas há outros artistas neste grupo. Esta exposição só se foca nos três, com as duas colecções: a colecção Gulbenkian e a Colecção Pompidou. A correspondência começou por ser muito amistosa, mas acaba por esfriar no final, quando Amadeo percebe que faz um esforço enorme para participar neste grupo - inclusive fazendo um trabalho que ele considera medíocre, que não lhe interessa, que é um trabalho com aguarelas para fazer uns álbuns de promoção para tentar encontrar meios financeiros para a realização destas exposições. Mas, no final, as exposições não se realizaram e a ideia utópica de desfazer este centralismo acaba por não se concretizar.Este triângulo artístico dá origem a uma exposição mais de 100 anos depois. Como é que surgiu a ideia da exposição e porquê concretizá-la agora?Há um passado nesta exposição. Esta exposição não teria acontecido se não tivesse havido, em 2016, no Grand Palais, uma grande exposição do artista Amadeo de Souza-Cardoso. As coisas, na verdade, acabam por pegar umas nas outras. Eu fui fazer uma conferência sobre o Amadeo, a convite da Fundação Giacometti. Nessa conferência estava uma pessoa que eu não conhecia e que me colocou uma questão pertinente: « Como é que pensa continuar a internacionalização de um artista que ainda é bastante desconhecido do público francês e internacional? » Eu disse: “Olhe que eu tenho pensado bastante no assunto e parece-me que um formato possível seria concretizar pequenos depósitos em museus internacionais e, de alguma maneira, desfazer a reunião de um peso enorme de obras de Amadeo num só museu ou em dois ou três. Portanto, tentar deslocalizar a obra e torná-la mais ampla no sentido da sua geografia, da apresentação ao público.” Esta senhora chama-se Angela Lampe. Acabámos por nos encontrar para falarmos do assunto. E começou então a nossa correspondência, que até está no título desta exposição. Portanto, é uma correspondência entre os três artistas e que está no catálogo - enfim, uma selecção dessa correspondência - e a correspondência das três curadoras para chegarmos a este formato, que é um formato muito leve, bastante ecológico.Na verdade, as obras vieram todas de Lisboa, da Fundação Gulbenkian, para o Museu Pompidou, nesta solução de três artistas de duas colecções e que aqui é apresentada como se fosse em espelho:   de um lado, vemos o desenvolvimento, a base de Amadeo de Souza-Cardoso e, do outro, vemos pontuações muito importantes de Robert e de Sonia Delaunay.À entrada encontramos um grande painel com duas fotografias muito importantes destas correspondências. É uma fotografia de Amadeo em Manhufe, olhando-nos de alto, com o seu olhar superior - como ele gostava de estar em Portugal e em França, como sempre esteve – e, ao lado, da família Sonia e Robert Delaunay e do seu filho Charles, como ele dizia “Le Petit Peintre”. Há aqui a construção deste “élan” familiar entre os três nas duas fotografias.Ambas as fotografias são em Portugal, portanto?Ambas as fotografias são em Portugal. Eu imagino que a fotografia da família Delaunay seja na sua casa de Vila do Conde, que se chamava La Simultanée e que ainda existe com uma placa em Vila do Conde.Porquê “La Simultanée”?Porque era o movimento que eles teorizaram e desenvolveram do ponto de vista artístico, o Simultaneísmo, e portanto, chamaram a casa “La Simultanée”, com uma placa na casa que regista essa memória.Como é que é as cumplicidades deste triângulo artístico são articuladas no percurso da exposição?Tentámos, nesta exposição, sinalizar os pontos de encontro, as ressonâncias, os ecos no trabalho de cada um. Houve períodos em que o trabalho oferece muitas cumplicidades no orfismo, na descoberta da cor e da luz, mas, ao mesmo tempo, também as divergências, os pontos de desencontro e a autonomia de cada um dos artistas. Do lado do Amadeo, tentámos localizar, por exemplo, os discos órficos que ele desenvolve entre 1912 e 1913, mas que já estavam inscritos no seu programa artístico. Por exemplo, há uma pequena aguarela chamada “Clown, Cavalo, Salamandra”, que é uma das aguarelas mais icónicas de Amadeo, em que vemos já inscritos os tais círculos. Portanto, é um trabalho muito precoce, onde se percebe que é desde logo um símbolo, um sinal já do seu trabalho.Um trabalho que Amadeo desenvolve em múltiplas soluções mais próximas dos Delaunay, mas também mais afastadas, quando ele, na fase final, recupera esses círculos, mas objectificando-os, incluindo mesmo, de uma forma um pouco irónica, com moscas lá dentro ou transformando-os em alvos de tiro ao alvo ou em padrões de tecidos. Cada artista, na verdade, apresenta aqui uma autonomia muito forte.Mas vemos semelhanças, como as influências da arte decorativa e popular portuguesa, não é?É muito forte, sem dúvida, porque foi o período em que, de facto, eles estiveram mais próximos, quando o Roberto e Sonia Delaunay se encantaram e se maravilharam com a luz de Portugal, com todo a arte popular, e Amadeo, Eduardo Viana, enfim, há um grupo que de se formou e que iam às feiras, aos mercados, compravam as bonecas populares. Havia um maravilhamento com a arte popular. A Sonia Delaunay reconheceu a luz, os padrões, os objectos da sua Ucrânia e, portanto, há aqui um encontro entre as duas periferias.Quais são as obras em que mais vemos essa influência portuguesa?Temos aqui a pintura talvez mais reveladora desta cumplicidade - “Chanson populaire, la Russe et le Figaro”. As canções populares alimentaram a própria iconografia de Amadeo, de Robert e de Sonia Delaunay. Aquela boneca é uma boneca popular, mas também é a Sónia. Nós sabemos que ela é “a russa”.É um retrato de Sonia Delaunay?É um retrato de Sonia Delaunay evidentemente, embora não seja explícito.  “Le Figaro” é o jornal que ambos liam em Vila do Conde. Depois, nestas pinturas de Amadeo [“Título desconhecido (Máquina registadora)” e “Título desconhecido (Entrada)”] também é importante perceber a introdução de publicidade, tecidos, padrões que depois encontramos em Sonia Delaunay. A ideia das marcas está aqui também presente, mas sobretudo nestas duas pinturas “Nature Morte Portugaise [1916], onde nós vemos a sugestão dos frutos, dos mercados e, sobretudo, a luz e a vibração das formas, articuladas com a luz muito presente e muito forte, os potes…E aqui uma mesa claramente portuguesa [‘La Verseuse', 1916], com a melancia, com a representação dos frutos, com as cerâmicas, o pano que evidentemente brilhou nos olhos de Sonia Delaunay porque são, de facto, muito próximos de uma cultura popular também ucraniana, a que ela evidentemente era muito ligada.Portanto, há aqui algumas pinturas que são muito próximas. Como também este trabalho de Sonia Delaunay [“La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France”] se encontra com “A Lenda de São Julião Hospitaleiro”, o manuscrito que Amadeo fez a partir de Flaubert, em 1913. Amadeo foi até mais antecipador nessa articulação entre texto e imagem no manuscrito de Flaubert, “A Lenda de São Julião Hospitaleiro” e esse manuscrito está aqui aberto e passamos todas as páginas em vídeo de modo a que o público possa aperceber-se da riqueza e da modernidade daquelas soluções que são muito avançadas para o seu tempo e muitíssimo precoces.Também nesta aguarela de Amadeo [“Canção d'Açude - Poema em Cor”], de 1913, na mesma data da prosa do Transiberiano, vemos um poema, mas um poema absolutamente articulado com as representações figurativas, em que as próprias letras, as próprias palavras já têm uma dimensão de imagem. Portanto, tudo isto é muitíssimo antecipador no seu tempo. Aqui é um grande sinal luminoso da criatividade e da inventividade do artista Amadeo de Souza-Cardoso.Por que é que Robert e Sonia Delaunay vão para Portugal? Quanto tempo lá ficam?Eles ficam durante dois anos, em períodos entrecortados, porque foi uma passagem muito atribulada. Eles são refugiados da guerra. Claramente, o Roberto teve que ser refugiado, ele era reformado, tinha problemas cardíacos e a ideia era mesmo estar refugiado. Foi, segundo eles, uma passagem de sonho pela Península Ibérica, em Vila do Conde e, mais tarde, em Espanha.Sonia Delaunay chegou a estar presa em Portugal, uma semana?Sim, é verdade. Houve uma confusão com os seus círculos. Imaginou-se que eles seriam códigos cifrados de mensagens para os alemães. Enfim, os círculos que sempre fizeram parte do seu trabalho! Portanto, foi um gigantesco equívoco e acabou por estar fechada e prisioneira. Revistaram-lhe todas as coisas. Foi um momento muito difícil para o casal e, na verdade, foi o Amadeo quem intercedeu, quem a ajudou e conseguiu resolver esse problema e esse equívoco. Sonia e Robert Delaunay ficaram-lhe muito gratos.

¿Cómo Sonia Delaunay con una manta cosida para su hijo recién nacido encumbró las artes decorativas? ¿Cómo reivindicó la tradición de las mujeres ucranianas abriendo un nuevo horizonte artístico de emancipación como mujer?  Sonia Delaunay rompió el rol que esperaban para ella y transformó la moda y el arte desde una óptica moderna y transgresora. Puso color y dignificó el trabajo manual, en una sociedad que lo menospreció y solo valoró el enfoque teórico del arte, siempre a cargo de los hombres, una realidad que Sonia experimentó en su propia casa. ¿Cómo se vivía como pareja de otro artista como Robert Delaunay en la sociedad de principios y mediados del s.XX?   Para responder a todas estas preguntas, contamos con Marta Ruiz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen Bornemisza.Y para descubrir el eco de Sonia en el siglo XXI, charlamos con la artista María Herreros: ¿Cómo es ser mujer, artista y madre en el siglo XXI?, ¿cómo es vivir en una familia de artistas?, ¿todavía se denigra el trabajar con las manos?

¿Cómo Sonia Delaunay, con una manta cosida para su hijo recién nacido, encumbró las artes decorativas? ¿Cómo reivindicó, como mujer, la tradición de las mujeres ucranianas, abriendo un nuevo horizonte artístico de emancipación? Sonia Delaunay rompió el rol que esperaban para ella y transformó la moda y el arte desde una óptica moderna y transgresora. Puso color y dignificó el trabajo manual, en una sociedad que lo menospreció y solo valoró el enfoque teórico del arte, una realidad que Sonia experimentó en su propia casa. ¿Cómo se vivía como pareja de un artista como Robert Delaunay en la sociedad de principios del siglo XX? Para responder a estas preguntas, contamos con Marta Ruiz del Árbol, conservadora de Pintura Moderna del museo. Y para descubrir el eco de Sonia en el siglo XXI, charlamos con la artista María Herreros: ¿Cómo es ser mujer, artista y madre en el siglo XXI?, ¿cómo es vivir en una familia de artistas?, ¿todavía se denigra el trabajar con las manos?

De la Belle Époque jusqu'aux années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Le parcours présente près de 400 œuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.

“Le Paris de la modernité” 1905-1925au Petit Palais, Parisdu 14 novembre 2023 au 14 avril 2024Interview de Juliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine et commissaire scientifique de l'expositionpar Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 13 novembre 2023, durée 15'06,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/11/14/3493_paris-de-la-modernite_petit-palais/Communiqué de presseCommissariat :Annick Lemoine, directrice du Petit Palais, commissaire généraleJuliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine, commissaire scientifiqueAprès « Paris Romantique, 1815-1858 » et « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au « (Le) Paris de la modernité, 1905-1925 ». De la Belle Époque jusqu'aux Années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Paris maintiendra ce rôle en dépit de la recomposition de l'échiquier international après la Première Guerre mondiale, période pendant laquelle les femmes jouent un rôle majeur, trop souvent oublié. Ambitieuse, inédite et trépidante, cette exposition souhaite montrer combien cette période est fascinante, en faisant ressortir les ruptures et les géniales avancées tant artistiques que technologiques. Le parcours présente près de 400 oeuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Jacqueline Marval, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.L'exposition, dont le parcours est à la fois chronologique et thématique, tire son originalité du périmètre géographique sur lequel elle se concentre largement, celui des Champs-Élysées, à mi-chemin des quartiers de Montmartre et de Montparnasse. S'étendant de la Place de la Concorde à l'Arc de Triomphe et à l'Esplanade des Invalides, il comprend le Petit et le Grand Palais, mais aussi le Théâtre des Champs-Élysées, ou encore la rue de la Boétie. Ce quartier est au coeur de la modernité à l'oeuvre. Le Grand Palais accueille alors chaque année la toute dernière création aux Salons d'Automne et des Indépendants, y sont montrées les oeuvres du Douanier Rousseau, d'Henri Matisse, de Kees van Dongen parmi tant d'autres. Durant la Première Guerre mondiale, le Petit Palais joue un rôle patriotique important, en exposant des oeuvres d'art mutilées et des concours de cocardes de Mimi-Pinson.En 1925, il est au centre de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes où se côtoient pavillons traditionnels, Art Déco et de l'avant-garde internationale. À quelques pas, dans l'actuelle avenue Franklin Roosevelt alors appelée avenue d'Antin, le grand couturier Paul Poiret s'installe dans un superbe hôtel particulier en 1909. Il marque les esprits en y organisant en 1911 la mémorable fête de « La Mille et Deuxième Nuit » pour laquelle le couturier crée des tenues accompagnées d'accessoires. Le lieu abrite aussi la galerie Barbazanges, où Les Demoiselles d'Avignon de Picasso est révélé pour la première fois en 1916. L'artiste vit rue de la Boétie avec sa femme Olga. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

durée : 00:03:38 - Le Pourquoi du comment : histoire - par : Gérard Noiriel - Elle a inventé ce qu'Apollinaire a appelé l'orphisme, une forme de peinture issue du cubisme. "Le Bal Bullier", daté de 1913, est l'un de ses tableaux les plus connus. Née Sara Stern, elle devient en 1910, l'épouse de Robert Delaunay après avoir été naturalisée française grâce à un "mariage blanc".

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, invite celles et ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture, avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

Franco Olocco"MIDA Museo Internazionale Donne Artiste"Ceresole d'Albawww.midamuseo.itMIDA Museo Internazionale Donne Artiste.Nella chiesa sconsacrata della Madonna dei Prati, alle porte del paese, aperto tutti i week end da fino ad ottobre, e in settimana su prenotazione, un piccolo scrigno di arte tutta al femminile, con opere di artiste provenienti da tutto il mondo.Realizzato grazie al contributo di Regione Piemonte, delle Fondazioni CRT e CRC, di Turismo in Langa, Diffusione Italia e del comune di Ceresole d'Alba, che mette a disposizione i locali di una struttura restaurata 15 anni fa, il museo è stato allestito con grande eleganza dal curatore e ideatore Vincenzo Sanfo, che ha sottolineato: “Mi stupiva che non ci fosse in Europa un museo del genere. Raccogliamo tutte le espressività declinate al femminile, dal figurativo, all'astrattismo, all'arte concettuale, in un percorso che mette in luce la creatività delle donne, spesso relegate a ruoli marginali o di compagne di artisti famosi, come nel caso di Sonia Delaunay”.Particolarmente orgoglioso il sindaco di Ceresole d'Alba Franco Olocco: “Siamo un paese di poco più di 2000 abitanti con due musei permanenti, il Mubatt (museo della Battaglia) e adesso questo MIDA dedicato alle artiste donne. La nostra è una scommessa: pensiamo che la cultura sia un veicolo di sviluppo e di rigenerazione del territorio, un mezzo importante per farci conoscere e consolidare la nostra immagine positiva e accogliente”.Sulla stessa lunghezza d'onda Silvio Artusio Comba, presidente dei sindaci del Roero: “La collaborazione fra le nostre amministrazioni è concreta e molto positiva. A volte si tratta di copiare, ma occorre copiare “creativamente”, distinguendosi. Ceresole d'Alba è una delle porte del Roero e la posizione stessa del MIDA conferisce subito un'impronta culturale a tutto il territorio, in cui le donne sono l'anello forte”.Sono intervenuti il presidente della provincia Luca Robaldo e l'ex presidente di CRT Giovanni Quaglia, che ha sottolineato come: “La scelta nelle graduatorie dei bandi sono fatte dalle fondazioni bancarie con molta attenzione: il fatto che spesso a vincerli siano progetti cuneesi significa che siamo bravi e facciamo innovazione meglio degli altri”.Presenti anche molti sindaci del Roero e proprio Giacomina Pellerino, sindaca di Magliano Alfieri ha tagliato il nastro durante l'inaugurazione.Da Jenny Holzer a Susanne Valadon, da Marina Abramovic a Yoko Ono. Sono molte le opere di artiste che è possibile ammirare nelle sale del MIDA.Aperture sabato domenica e festivi con orario: 10-12 14-18Prenotazioni on-line su VivaticketSito: https.//midamuseo.itDIECI di DIECIsaperne di piùDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

durée : 00:09:31 - Sonia Delaunay - par : Marianne Vourch - Nous sommes en 1913. Dans un salon parisien cossu, Sonia Terk, Robert Delaunay et Blaise Cendrars conversent sur l'art et sur la poésie. Ils se sont rencontrés un an plus tôt chez Guillaume Apollinaire. Le courant passe. Le spectacle est phénoménal. - réalisé par : Sophie Pichon

Art historian Michael Peppiatt explores his friendship with Francis Bacon, lunch with Lucian Freud, and unforgettable encounters with the likes of Sonia Delaunay and more. Peppiatt reflects on more than fifty years of writing about art, bringing to life his friendships with some of the best-known artists of the modern age. Following a life-changing encounter with Francis Bacon in a Soho pub in 1963, Peppiatt found himself suddenly immersed in the lives of extraordinary artists. Here, Peppiatt describes what it was like to interview Sonia Delaunay in Paris – beginning with her ‘complete denunciation of Picasso' – and his near-miss of Giacometti, who passed away before Peppiatt could deliver a letter of introduction from Francis Bacon himself. Peppiatt also shares the experience of assembling his new book 'Artists' Lives', which he likens to planning a dinner party, playing host to some of the biggest personalities in art.

In Episode 2, host Katie Harman tells the story of when avant-garde artist and Parisian fashion designer Sonia Delaunay collaborated with Hollywood's silent screen star Gloria Swanson on a one-of-a-kind coat. A coat that now travels the world as an icon at the intersection of art and fashion. Was their collaboration possibly the first fashion collab? Katie makes her case for why she thinks it deserves the title. In connection, Katie sits down with Morgan Hutchinson, founder of BURU, who shares her inspiring founder's story and touching details about the women who serve as her design inspiration. They also reminisce about their mutual love for one particular piece from the BURU x Katie Harman collab - which happens to be a cousin to the coat: the Katie Cocktail Blazer. Shop the blazer, collab, and all of BURU's designs at www.shopburu.com. If you're interested in seeing the work of Sonia Delaunay in person, I highly encourage a visit to www.mutualart.com which lists where her art is on display in museums throughout the world. Subscribe to www.virtuosasociety.com and follow @virtuosasociety on Instagram and Facebook for access to bonus materials from this episode, including video from Katie's visit to the comprehensive Sonia Delaunay exhibit at Louisiana Museum of Modern Art in Humelbaek, Denmark in May 2022. Producer: Katie Harman @katieharmanebner Audio Engineer: Will Cowser @williamcowser Title Song: “Reflection of the Sun” by Anna Landström

“Anna-Eva Bergman” Voyage vers l'intérieurau Musée d'Art moderne de Parisdu 31 mars au 16 juillet 2023Interview de Hélène Leroy, conservatrice, responsable des collections du MAM et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 30 mars 2023, durée 22'09.© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/03/31/3414_anna-eva-bergman_musee-d-art-moderne-de-paris/Communiqué de presse Commissariat :Hélène Leroy, conservatrice, responsable des collectionsLe Musée d'Art Moderne de Paris présente la première grande rétrospective consacrée à l'artiste norvégienne Anna-Eva Bergman (1909-1987), figure-clé de la peinture de l'après-guerre, artiste libre et visionnaire, dont l'oeuvre plastique, caractérisée par l'emploi de la feuille d'or ou d'argent, est une puissante célébration de la beauté de la nature, des paysages du Nord et de la Méditerranée.Exposée dans le monde entier de son vivant (notamment au Musée d'Art Moderne de Paris en 1977 mais aussi en Italie, Allemagne ou en Norvège), Anna-Eva Bergman reste cependant insuffisamment reconnue en Europe. Son oeuvre au langage pictural singulier, fondé sur un vocabulaire de formes pures, demande aujourd'hui à être reconsidéré plus largement dans le champ de l'histoire de l'art aux côtés du travail d'autres grandes artistes femmes comme Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe ou encore Sonia Delaunay qui ont été ses contemporaines. L'exposition Anna-Eva Bergman, Voyage vers l'intérieur apporte un éclairage décisif dans la redécouverte de cette artiste majeure en proposant un panorama de toute sa production. Composée de plus de 200 oeuvres, l'exposition fait suite à la rétrospective consacrée en octobre 2019 par le MAM à Hans Hartung, qui fut aussi l'époux de l'artiste.À cette occasion, le musée présente N°2-1964 Stèle, acquise du vivant de Bergman ainsi que la centaine d'oeuvres provenant du don exceptionnel consenti par la Fondation Hartung- Bergman au MAM en 2017. Cet ensemble est complété par des photographies, dessins et documents d'archives dont de nombreux inédits, provenant des collections de la Fondation à Antibes.Un catalogue édité aux éditions Paris Musées sous la direction d'Hélène Leroy rassemble des essais de spécialistes français et norvégiens. Les auteurs détaillent notamment la richesse des techniques plastiques abordées par Bergman et l'usage très spécifique d'un matériau devenu sa signature : la feuille de métal (or, argent, aluminium, étain, cuivre, plomb, bismuth). Différents essais s'attachent, en outre, à creuser le rapport d'Anna-Eva Bergman au dessin et à la caricature, à l'architecture, son emploi du nombre d'or, ainsi que la réception et l'exposition de son oeuvre après-guerre, sa relation aux grands maîtres du passé et à ses contemporains comme Barnett Newman, Ad Reinhardt ou Mark Rothko.#ExpoBergman Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

"Var är konsten???" Det utropade en kritiker när den stora utställningen "Documenta" i Kassel skulle efteranalyseras. Idén om VAD som är en utställning, är uppe för diskussion i år. KONSTÅRET 2022 MED GÄSTER:Det här var året då vi efter pandemins nedstängningar på riktigt började röra oss fritt på muséer och vernissagefester igen. Den uppskjutna Venedigbiennalen gav plats åt kvinnorna och placerade surrealismen i centrum. Och på lika viktiga - den tyska mastodontutställningen Documenta i Kassel - så upplöstes själva idén om vad som är en utställning så långt, att det fick kritikerna att rynka pannorna.Vi sammanfattar konståret 2022 tillsammans med konstkritikern Birgitta Rubin från Dagens Nyheter och Mårten Arndtzén på Kulturredaktionen i P1.MÅRTEN ARNDTZÈN LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets Sverigedebut: Anselm Kiefer på Artipelag, pågår till 8/1-2023.Årets återkomst: Barbro Östlihn på Göteborgs och Västerås konstmuseer, pågår i Västerås t.o.m. 5 mars 2023.Årets återupptäckt: Nicolai Astrup på Waldemarsudde.Årets utställning: Ejnar Nielsen på Den Hirschsprungske Samling i Köpenhamn. Öppnar på Vejen konstmuseum i januari 2023.CECILIA BLOMBERG LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets abstrakta pionjär: Sonia Delaunay på Louisiana Årets politiska reflektion: Yael Bartana på Moderna museet i MalmöÅrets forskarbragd: Georg Vasaris teckningar på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023Årets utställning: Det kalla ögat. Tyskland, 20-talet och nysakligheten på Louisiana, pågår till 19/2-2023. BIRGITTA RUBIN (DN) LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets angelägenhet: Klimatkonsten och medvetenheten om museernas ansvarÅrets positionering: Äldre kvinnliga konstnärer tar plats på de stora konstinstitutionernaÅrets genre: Fotografiet - t.ex. Christer Strömholm på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023 Årets utställning: Nan Goldin på Moderna museet, pågår till 26/2-2023Programledare: Cecilia Blomberg Producent: Nina Asarnoj

"Var är konsten???" Det utropade en kritiker när den stora utställningen "Documenta" i Kassel skulle efteranalyseras. Idén om VAD som är en utställning, är uppe för diskussion i år. KONSTÅRET 2022 MED GÄSTER:Det här var året då vi efter pandemins nedstängningar på riktigt började röra oss fritt på muséer och vernissagefester igen. Den uppskjutna Venedigbiennalen gav plats åt kvinnorna och placerade surrealismen i centrum. Och på lika viktiga - den tyska mastodontutställningen Documenta i Kassel - så upplöstes själva idén om vad som är en utställning så långt, att det fick kritikerna att rynka pannorna.Vi sammanfattar konståret 2022 tillsammans med konstkritikern Birgitta Rubin från Dagens Nyheter och Mårten Arndtzén på Kulturredaktionen i P1.MÅRTEN ARNDTZÈN LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets Sverigedebut: Anselm Kiefer på Artipelag, pågår till 8 januari 2023.Årets återkomst: Barbro Östlihn på Göteborgs och Västerås konstmuseer, pågår i Västerås t.o.m. 5 mars 2023.Årets återupptäckt: Nicolai Astrup på Waldemarsudde.Årets utställning: Ejnar Nielsen på Den Hirschsprungske Samling i Köpenhamn. Öppnar på Vejen konstmuseum i januari 2023.CECILIA BLOMBERG LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets abstrakta pionjär: Sonia Delaunay på Louisiana Årets politiska reflektion: Yael Bartana på Moderna museet i MalmöÅrets forskarbragd: Georg Vasaris teckningar på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023Årets utställning: Det kalla ögat. Tyskland, 20-talet och nysakligheten på Louisiana, pågår till 19/2-2023. BIRGITTA RUBIN (DN) LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets angelägenhet: Klimatkonsten och medvetenheten om museernas ansvarÅrets positionering: Äldre kvinnliga konstnärer tar plats på de stora konstinstitutionernaÅrets genre: Fotografiet - t.ex. Christer Strömholm på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023 Årets utställning: Nan Goldin på Moderna museet, pågår till 26/2-2023OBS-ESSÄN OM NAKNA GREKERAntikens greker gymnastiserade gärna nakna. Ja, det var rentav en del av deras kulturella identitet, och det avspeglades i konsten. Idag däremot verkar vi ha svårt att betrakta nakna kroppar utan en pornografisk blick. Det menar Carl Magnus Juliusson, som i dagens essä från Obs berättar om en av det antika Greklands kanske märkligaste uppfinningar.ÅRETS SJÄLVHUSHÅLLAR- OCH TRÄDGÅRDSBÖCKER (OCH EN FRÅN FÖRRA ÅRET):"Modern självhushållning" av Anders Rydell och Alva Herdevall"Odla blommor" av Hanna Wendelbo"Den blommande köksträdgården" av Anette Nilsson (2021)Dessutom tipsade Nina Asarnoj om tidningen "Åter. Praktisk kunskap om självhushållning" och dokumentären "Gubben i stugan" av Nina Hedenius på SVT Play.Programledare: Cecilia Blomberg Producent: Nina Asarnoj

durée : 00:28:38 - Poésie et ainsi de suite - par : Manou Farine - Ecrite au rythme intérieur de la mémoire, l'épique "Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France" célèbre la vitesse, le mouvement et le sentiment de la liberté. C'est aussi l'histoire d'un poème illuminé par les couleurs de Sonia Delaunay, d'un livre simultané. - invités : Enki Bilal Réalisateur, dessinateur et scénariste de bande dessinée français

3 - Sonia Delaunay, Le Bal Bullier, 1913 Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

3 - Sonia Delaunay, Le Bal Bullier, 1913 Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Até ao final do mês de Outubro a Casa Caillebotte, nos arredores de Paris, acolhe a exposição "Modernités Portugaises”. A história do modernismo português tem como curadora Anne Bonnin. Abrangendo um longo período, desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português, na qual o poeta Fernando Pessoa é uma figura central e o seu principal fundador. Um movimento que se desenvolve entre Portugal e Paris. Até ao final do mês de Outubro a Casa Caillebotte, em Yerres, arredores de Paris, acolhe a exposição "Modernités Portugaises”, “Modernidades Portuguesas”. Desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português. Anne Bonnin é a curadora da exposição.  Abrangendo um longo período, desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português, na qual o poeta Fernando Pessoa é uma figura central e o seu principal fundador. Um movimento que se desenvolve entre Portugal e Paris. A capital francesa, como centro artístico internacional desde o século XIX, acaba por atrair os portugueses em busca de modernidade.  Uma história pouco conhecida, que agora a curadora Anne Bonnin traz à ordem do dia. Com mais de uma centena de obras de artistas portugueses, uns conhecidos em França e outros menos, esta exposição acaba por fazer o visitante viajar e a pensar a história da arte, fora das suas grandes figuras.  Desde o início do século XIX que os artistas de diferentes latitudes procuram em Paris modernidades. Os portugueses não fogem à regra. A correspondência estabelecida entre 1912 e 1916, entre Fernando Pessoa e o poeta Mário de Sá-Carneiro, instalado em Paris, constitui o primeiro modernismo português. Os artistas desta exposição que integram este primeiro modernismo são Amadeo de Souza-Cardoso, José Almada Negreiros, Santa Rita Pintor e Eduardo Viana.  “Esta exposição centra-se no modernismo português. O modernismo apareceu, mais ou menos, no início da década de 1910 e corresponde à ascensão integral das vanguardas internacionais e parisienses. Paris é o centro internacional da época e, por isso, muitos artistas vão a Paris nos anos 10. Um movimento migratório de intelectuais e artistas que foi em grande parte iniciado no final do século XIX. A exposição começa nos anos 1910, é o primeiro modernismo que é encarnado por algumas figuras não muito numerosas. Amadeo Souza-Cardoso, Santa Rita Pintor, José de Almada Negreiros, Eduardo Viana, Fernando Pessoa… Pessoa que é a grande figura inspiradora deste primeiro modernismo com o seu amigo Mário Sá-Carneiro, poeta também.  Os dois de alguma forma teorizaram e conceberam o desejo de um Modernismo, que o modernismo aparecesse em Portugal. Que uma arte moderna, uma poesia moderna pudesse ganhar forma em Portugal.  Este modernismo é desenvolvido através da correspondência entre Fernando Pessoa, que permanece em Portugal, e o seu amigo Mário Sá-Carneiro, que vem para Paris. No que diz respeito aos artistas, Amadeo de Souza Cardoso é provavelmente a figura mais conhecida, Santa Rita Pintor, uma figura bastante singular, um tipo de “cometa” que se rendeu muito cedo ao cubismo e do qual temos poucas obras, porque morreu jovem e mandou destruir os seus trabalhos. Almada Negreiros que nesta aventura do modernismo participa mais como escritor na revista Orpheu, fundada por Pessoa e Sá-Carneiro. Claro, Eduardo Viana que vai fazer uma carreira, um caminho diferente, por isso é interessante. São percursos muito diferentes que nos fazem entrar numa história.” A exposição reúne artistas que vieram a Paris à procura da arte contemporânea. Apesar de todos procurarem o modernismo, cada um deles tem uma relação singular com a arte da época.  "Aqui temos um Eduardo Viana raro, que faz parte dos tesouros do modernismo, estamos diante de uma pérola rara. Plasticamente, este trabalho é único na obra de Viana. É uma manta de retalhos de peças em tecido, infelizmente vemos que perdeu algumas, pelo que é a composição de uma figura de tipo cubista com uma colagem. Vemos macramé e especialmente este patchwork de cores. É claro, pensamos em Sonia Delaunay e nos seus famosos retalhos. Ali Amadeo de Souza Cardoso pintou uma série de janelas, janelas que são de facto figurativas mas também quase abstractas e cúbicas. Mas aqui, não é cubismo, vemos um conjunto de cubos, por isso as janelas. Amadeo morreu muito jovem com a gripe espanhola, teve uma carreira deslumbrante, uma produção muito prolífica e intensa num período de tempo muito, muito curto.  Estas são as últimas pinturas de Amadeo. As cores são muito frescas porque após a sua morte, a sua mulher guardou as obras. Foram preservadas, aparentemente, debaixo de uma cama, não viram a luz do dia durante décadas. Daí a frescura das cores. Vemos nestes quadros um Amadeo a experimentar, ainda está num vocabulário um pouco cubista, mas liberta-se, é uma composicional extremamente livre. Encontramos elementos parisienses, uma caixa registadora, uma guitarra, elementos eróticos e um corpo feminino. O que vemos é a riqueza das técnicas, há uma colagem de variedades de espelhos, tecidos, variedade de técnicas. Vemos que há um gozo muito forte na pintura e que entrava numa nova fase de composição.  Vamos para a outra sala. É o retrato de Pessoa que nos acolhe. Este retrato foi feito por Almada Negreiros, inspirado num desenho que tinha feito na morte de Pessoa, inspirado pelo seu rosto morto.” Subimos as escadas e duas salas dedicadas ao casal  Maria-Helena Vieira da Silva e Árpád Szenes. Dois importantes artistas do pós guerra que encarnam a Paris cosmopolita. Um diálogo excepcional com obras únicas que testemunham a cumplicidade afectiva e artística do casal. “Vieira da Silva chega a Paris muito jovem, aos 20 anos. Conheceu Árpád rapidamente e casou-se em 1930. Nesta sala mostro obras que evocam tanto o estúdio, como o diálogo dos artistas e o seu trabalho pessoal. Duas obras predominam, dois grandes formatos, o retrato de Árpád por Vieira. Magnífico! O retrato bastante típico dos muitos retratos que Arpad fez de Vieira, que é o retrato da poltrona e que se torna uma espécie de emblema. Vieira é, muitas vezes, corpo na sombra de retratos com a sua famosa poltrona de vime.  É um magnífico retrato que faz fronteira com a abstracção, mas que não é abstracto e que é muito bonito. Ela nunca dá o passo da abstracção. Há obras abstractas, mas há sempre um elemento de uma relação com uma realidade, por exemplo, nesta mesa redonda, temos a impressão de ver, uma abstracção, mas na verdade, por trás destes motivos abstractos vemos uma cena como uma biblioteca, uma mesa." A fechar a exposição, dois nomes, muito ligados a França, mas desconhecidos: Mário Cesariny e António Dacosta que integram o movimento surrealista.  “Aqui um artista que veio para se estabelecer em França a partir de 1947: António Dacosta. Quando chegou a Paris conheceu os seus grandes mestres e entrou em choque e pára de pintar. 40 anos mais tarde, começou um período completamente diferente. Finalmente, distancia-se deste modernismo e vai para outra coisa. Aqui fez um retrato de Pessoa. Vemos esta imagem meditativa, muito melancólica. É por isso que falo de um período pós-moderno que se chama um regresso à pintura e, de qualquer forma, com outra história também. Outra relação com a pintura que já não é a da vanguarda.  É uma grande mudança. Nesta segunda fase não há cor. É uma escolha, mas é verdade que os tons são muito mais silenciados.” Até ao final do mês de Outubro a exposição "Modernités Portugaises” está patente na Casa Caillebotte, em Yerres, nos arredores de Paris. Estão expostas as obras de Sarah Affonso, José de Almada Negreiros, Mário Cesariny, António Dacosta, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Ofélia Marques, Santa Rita Pintor, Amadeo de Souza-Cardoso, Árpád Szenes, Eduardo Viana e Maria Helena Vieira da Silva. A exposição integra a programação da Temporada Cruzada Portugal-França.  Neste momento Anne Bonnin assume igualmente a curadoria da exposição  “Les Péninsules Démarrées”, o panorama da arte contemporânea portuguesa desde 1960, patente até ao dia 26 de Fevereiro de 2023, no Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA – Bordéus.

Kazymyr Malevych, Oleksandr Arkhypenko, Sonia Delaunay, Oleksandra Exter, Dziga Vertov, Oleksandr Dovzhenko: these names from Ukrainian avant-garde art of the early 20th century enriched European and global art history. However, they are too often known in the world as “Russian avant-garde”. In this episode, we explain why it this is not the case. Volodymyr Yermolenko, chief editor of UkraineWorld.org, speaks with Tetyana Filevska, creative director of the Ukrainian Institute, and a well-known Ukrainian art historian and culture manager. This series about Ukrainian culture is made with support of the EU Delegation to Ukraine. Support us at patreon.com/ukraineworld

¡Bienvenidos a una sesión más! Hoy te platico de la pionera de un movimiento artístico que nació gracias al cubismo, su obra se caracteriza por el color, la abstracción y el dinamismo. Fue una artista multidisciplinaria, que llevó su arte a distintos ámbitos más allá del lienzo, incursionó en el diseño textil, en el diseño de moda, en el diseño de escenografía y en el interiorismo. Hoy te platico de Sonia Sarah Stern Terk, mejor conocida como Sonia Delaunay. Quédate porque la creatividad de Sonia nos enseña el arte que sucede cuando la simultaneidad se encuentra con una mujer polifacética. Te recuerdo que las imágenes de referencia y el material adicional que complementa el tema lo vas a encontrar en mi página de Instagram @todoscultos y recuerda que también tengo una cuenta de Tik Tok con el mismo nombre. ¡Espero que esta sesión sea muy inspiradora y disfrutable!

In this episode, I'm honouring two amazingly talented and creative embroidery artists - Sonia Delaunay and May Morris - two very different aesthetics, yet both used stitch in their work.

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Nyhetssändning från kulturredaktionen P1, med reportage, nyheter och recensioner. Allt fler artister lanserar ny musik via tv-serier, fotoserie om det Kiruna som snart försvinner, recension av utställning om konstnären Sonia Delaunay, konstnären Carmen Herrera död 106 år gammal, espressokultur kan bli världsarv

In this interview with Eric Lagergren, he leaves us with an important message: never take your art too seriously. Perfection is unachievable, especially when you're desperate to obtain it. Featured pieces: Quarantime | Flor de Muerto | Rhopalocera Where to find Eric Lagergren and his music: Website | Instagram | Twitter SoundCloud | Bandcamp Theme music is by Daryl Banner. Alexandrian Media podcast music by Andrew Gavin. Voiced by Michael Bolton. Listen to this episode early and ad-free by supporting The Composer Chronicles on Patreon. Listen to 20 - Robert and Sonia Delaunay on Cultured, But... Not Really on your favorite podcatcher. Sign up for Amazon Music Unlimited! | Alexandrian Media Store --- Send in a voice message: https://anchor.fm/thecomposerchronicles/message

Paris was (and still is) a cultural capital of the world, especially in the 20th century. Art truly flourished then, and the painters Robert and Sonia Delaunay helped to trailblaze a new style of art taking the Parisian galleries by storm. Theme music is by Daryl Banner. Become a member on the Cultured, But… Not Really Patreon page to get access to ad-free versions of this podcast: https://patreon.com/reallycultured Alexandrian Media Merch Store --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/reallycultured/message