Podcast appearances and mentions of Sonia Delaunay

Après la mort d'une élève nantaise, poignardée par un garçon scolarisé dans le même établissement, le Préfet du Loir-et-Cher a décidé de mener des opérations de contrôle des sacs aux abords des collèges et lycées du département. À Blois, l'opération a pu surprendre les élèves scolairsés aux lycées Sonia-Delaunay et Dessaignes, mais tous s'y plient sans difficultés. Un reportage réalisé par Bastien Bougeard.

Episode No. 690 features curators Vivien Greene and Michael Hartman. With Tracey Bashkoff, Greene is the co-curator of "Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910-1930" at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York. The exhibition surveys a transnational art movement that joined abstraction to dance, music, and poetry and that engaged with ideas of simultaneity across kaleidoscopic pictures and sculpture. Among the artists included in "Harmony & Dissonance" are Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, František Kupka, Francis Picabia, and Stanton Macdonald-Wright. The exhibition is on view through March 9. The Guggenheim published an excellent catalogue for the exhibition. It's available from Amazon and Bookshop for about $60. Hartman is the curator of "Beyond the Bouquet: Arranging Flowers in American Art" at the Hood Museum of Art at Dartmouth College. The exhibition looks at how North American artists have made use of floral beauty. Instagram: Michael Hartman, Tyler Green.

In the 1980's, artist and curator André Heller invited over thirty renowned visionaries including Salvador Dalí, Jean-Michel Basquiat, and Sonia Delaunay to design rides, games, and attractions for Luna Luna, which opened to the public in Hamburg, Germany, in 1987. However after its closure, the park's treasures were forgotten in storage in Texas for 36 years. Chief Creative and Experience Officer Michael Goldberg joins us to discuss the restoration of the materials and bringing Luna Luna back to life at The Shed. Luna Luna: Forgotten Fantasy will close in New York City on Jan. 5.

In the early 1900s, art movements within the then-burgeoning category of modern art were exploding in multiple directions, and among them was a strand called Orphism. What was it? In some ways, it is hard to say. Relatively short-lived and debated even as soon as it was coined around 1912, Orphism was a form of abstract art, informed by motion, radial shapes of vibrant colors. Most known and neatly associated with Orphism are Robert and Sonia Delaunay, who thought colors could be used to create visual harmonies, where form and hue worked on a canvas in the same way that notes worked to build a piece of music. The artist could be thought of as composer. And yet the contours movement is still somewhat vague. In fact, there were debates about what Orphism was or meant from within the group that was most often associated with it. It remains elusive. My co-host, the art critic Ben Davis, recently went to a major showing of Orphist works, an exhibition called “Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930” at the Guggenheim, in New York that opened earlier this month and will run until March 2025. We discussed about the art form and its impact as well as some of the the unanswered questions he left the show with.

In the early 1900s, art movements within the then-burgeoning category of modern art were exploding in multiple directions, and among them was a strand called Orphism. What was it? In some ways, it is hard to say. Relatively short-lived and debated even as soon as it was coined around 1912, Orphism was a form of abstract art, informed by motion, radial shapes of vibrant colors. Most known and neatly associated with Orphism are Robert and Sonia Delaunay, who thought colors could be used to create visual harmonies, where form and hue worked on a canvas in the same way that notes worked to build a piece of music. The artist could be thought of as composer. And yet the contours movement is still somewhat vague. In fact, there were debates about what Orphism was or meant from within the group that was most often associated with it. It remains elusive. My co-host, the art critic Ben Davis, recently went to a major showing of Orphist works, an exhibition called “Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910–1930” at the Guggenheim, in New York that opened earlier this month and will run until March 2025. We discussed about the art form and its impact as well as some of the the unanswered questions he left the show with.

Welcome to Episode 16 of Pattern Portraits!Lauren Godfrey chats with artist Zadie Xa, about alchemy and conjuring through pattern, oddness over evenness and Korean Folklore.Zadie Xa is an artist working across painting, sculpture and performance with recent presentations at Thaddeus Ropac in Paris, Hauser and Wirth in LA and The Whitechapel Gallery in London. Originally from Vancouver, Canada, Zadie explores notions of homeland and diaspora through the metaphor of water and interspecies communication. Zadie has an MA in painting from The Royal College of Art and a BFA from The Emily Carr Institute of Design in Vancouver.Her work often takes the form of textile constructions resembling garments or kimonos, heavily worked with quilting, appliqué and complex structural elements featuring recurring motifs such as the conch shell, the Yin Yang symbol, knives and kimchi. Performances have featured huge Orca whales and costumes sewn from bleach dyed denim in aqueous patterns of undulating water.I am totally entranced by Zadie's work and the way that pattern weaves its way into every element whether it's a vast patchwork shelter, housing delicately rendered paintings or a gown hanging from the ceiling, poised with a pair of platform shoes resembling cabbages.Zadie has chosen a vibrant patchwork of patterns including a Korean Bojagi wrapping (date unknown), Sonia Delaunay's ‘Simultaneous Dress' from 1913, a pattern of her own - Kimchi Rites and Kitchen Rituals, 2022, a Christopher Kane flower stamped dress from Spring/Summer 2012 and a Mori Yuzan wave drawing circa 1903.You can see all of Zadie's patterns and more on instagram @patternportraitspodcast‘Magic Motif' - The PATTERN PORTRAIT print artwork to accompany Zadie's interview and featuring the patterns we discuss is available to buy now at www.laurengodfrey.co.ukImage of Zadie Xa by Benedict JohnsonReferences:Gee's Bend Quilt MakersLegacy Russell The New Bend Exhibition at Hauser and Wirth Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, certains de ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture. Avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

Manuel Cargaleiro já tinha deixado a sua marca em Paris numa das mais conhecidas estações de metro, a Champs Elysées-Clémenceau, mas a capital francesa pediu-lhe mais. Aos 92 anos, o artista português juntou aos painéis de azulejos instalados em 1995 novas obras que são inauguradas esta segunda-feira. Nesse dia, o pintor e ceramista vai ser duplamente condecorado por Portugal e Paris. Nesta entrevista, realizada em 2017, o "mestre" recorda os tempos iniciais em Paris, quando a cidade era "uma aldeia de artistas". Esta segunda-feira, Manuel Cargaleiro vai inaugurar novos painéis na estação Champs Elysées-Clémenceau, em Paris, e depois vai receber a Medalha Grand Vermeil, a mais alta condecoração da cidade, e a Medalha de Mérito Cultural de Portugal na presença do Primeiro-Ministro português.Galardões que se juntam a outros de um artista que vive em Paris desde 1957, que conviveu com nomes precursores da arte contemporânea como Max Ernst, Hans Arp, Serge Poliakoff, Alfred Manessier, Sonia Delaunay, Zao Wou-Ki, Maria Helena Vieira da Silva, Arpad Szènes, Roger Bissière, Natalie Gontcharova e Michel Larionov, entre muitos outros.Era também vizinho de Picasso mas tinha uma admiração tão grande por ele que não teve coragem de falar com ele… À sua casa, no bairro dos artistas, vinham bater muitos portugueses que chegavam clandestinamente a França…Uma conversa sobre arte, memórias e muito trabalho num ateliê repleto de telas e centenas de desenhos e guaches…

Wykład prof. Stanisława Jaworskiego, Muzeum Narodowe w Warszawie, 30 sierpnia 2015 https://wszechnica.org.pl/wyklad/w-poszukiwaniu-nowych-drog-wyklad-prof-stanislawa-jaworskiego/ Prof. Stanisław Jaworski podczas wykładu finisażowego wystawy "Tadeusz Peiper. Papież awangardy" opisuje zmiany cywilizacyjne, które wpłynęły na powstanie awangardy artystycznej. Zlożyl się na nie rozwój przemysłu w drugiej połowie XIX w., który wpłynął na zmianę struktury społecznej, a następnie powstanie rewolucyjnych idei społecznych. Wynalazki przełomu wieków - radio, telefon, samochód, samolot - zmieniły postrzeganie świata. Rewolucja w komunikacji przemodelowała myślenie o architekturze. Stare ulice miast stały się zbyt wąskie, by umożliwić ruch samochodowy. Jednocześnie wzrosła liczba ich mieszkańców. Środowiskiem twórczym poety przestał być wiejski dworek, zastąpiła go wielkomiejska kamienica. Artyści zaczęli skłaniać się ku twórczności zaangażowanej społecznie, albo awangardowej. Prelegent wplata w swoją opowieść obrazki z życia Tadeusza Peipera. W drugiej części wykładu analizuje też wiersze Peipera: "Rano", "Powojenne wezwania", "Rozstanie z żukiem", "Naga". Wystawa "Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie" prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Peiper – debiutujący jako autor szkiców literackich i dziennikarz wiodących czasopism (El Sol, La Lectura, España i La Publicidad) – utrzymywał także kontakty z Manuelem Azañą czy José Ortegą y Gassetem. Autorzy wystawy poprowadzą widza przez Paryż 1914 roku, kosmopolityczne, artystyczno-literackie środowisko Madrytu lat 1915-21, poprzez formistyczny i futurystyczny Kraków ku awangardowym utopiom artystycznym i cywilizacyjnym lat 1920-tych aż po ich kres i narastanie katastrofizmów poprzedzający wybuch II wojny światowej. Pokażemy towarzyszący tym procesom żywiołowy rozwój komunikacji i kultury masowej. Chcemy unaocznić artystyczne alianse i efekty współpracy Peipera z wybitnymi twórcami awangardowymi. W „Zwrotnicy” publikowali Władysław Strzemiński i Kazimierz Malewicz; książki i poezje Peipera ilustrowali Juan Gris, Mojżesz Kisling, Fernand Léger i inni. Pokażemy obrazy, grafiki, rzeźby twórców europejskiej awangardy: obok prac wspomnianych już Malewicza, Grisa, Légera, Strzemińskiego – dzieła Vytautasa Kairiūkštisa, Francisco Boresa, Alberta Gleizesa, Louisa Marcoussisa, Leona Chwistka, Tytusa Czyżewskiego, Tymona Niesiołowskiego, Leona Dołżyckiego, Henryka Stażewskiego, Katarzyny Kobro, Marka Włodarskiego, Mieczysława Bermana. Towarzyszyć im będzie prezentacja awangardowych wydawnictw i filmów. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #muzeumnarodowe #tadeuszpeiper #peiper #sztuka #kultura

Wykład Karoliny Zalewskiej, edukatorki Muzeum Narodowego w Warszawie, wygłoszony został w ramach programu edukacyjnego towarzyszącego wystawie „Papież awangardy. Tadeusz Peiper”. Muzeum Narodowe w Warszawie, 14 czerwca 2015 r. [52min] https://wszechnica.org.pl/wyklad/w-pogoni-za-nowoczesnoscia-tadeusz-peiper-i-awangarda/ Nawoływali do palenia muzeów, odrzucali tradycyjne wyobrażenia o sztuce, a jako wzór doskonałości wskazywali precyzję i wydajność maszyn. Skąd wzięły się awangardowe ugrupowania, które skierowały sztukę europejską na nowe tory? Jakie idee im przyświecały? Wykład przybliżył najważniejsze zjawiska artystyczne początku XX wieku: te, z którymi Peiper zetknął się podczas studiów w Berlinie, Paryżu i kilkuletniego pobytu w Hiszpanii, oraz te, które współtworzył już po powrocie do Polski. *** Wystawa „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie” prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Peiper – debiutujący jako autor szkiców literackich i dziennikarz wiodących czasopism (El Sol, La Lectura, España i La Publicidad) – utrzymywał także kontakty z Manuelem Azañą czy José Ortegą y Gassetem. Autorzy wystawy poprowadzą widza przez Paryż 1914 roku, kosmopolityczne, artystyczno-literackie środowisko Madrytu lat 1915-21, poprzez formistyczny i futurystyczny Kraków ku awangardowym utopiom artystycznym i cywilizacyjnym lat 1920-tych aż po ich kres i narastanie katastrofizmów poprzedzający wybuch II wojny światowej. Pokażemy towarzyszący tym procesom żywiołowy rozwój komunikacji i kultury masowej. Chcemy unaocznić artystyczne alianse i efekty współpracy Peipera z wybitnymi twórcami awangardowymi. W „Zwrotnicy” publikowali Władysław Strzemiński i Kazimierz Malewicz; książki i poezje Peipera ilustrowali Juan Gris, Mojżesz Kisling, Fernand Léger i inni. Pokażemy obrazy, grafiki, rzeźby twórców europejskiej awangardy: obok prac wspomnianych już Malewicza, Grisa, Légera, Strzemińskiego – dzieła Vytautasa Kairiūkštisa, Francisco Boresa, Alberta Gleizesa, Louisa Marcoussisa, Leona Chwistka, Tytusa Czyżewskiego, Tymona Niesiołowskiego, Leona Dołżyckiego, Henryka Stażewskiego, Katarzyny Kobro, Marka Włodarskiego, Mieczysława Bermana. Towarzyszyć im będzie prezentacja awangardowych wydawnictw i filmów. Wystawie towarzyszą bogaty program wydarzeń edukacyjnych, pokaz tematyczny w Cyfrowym MNW, publikacja książkowa zawierająca artykuły znawców dzieła i biografii Tadeusza Peipera oraz badaczy europejskich ruchów awangardowych pierwszych dziesięcioleci XX wieku, a także płyta z muzyką z serii Kolekcja Muzeum Narodowego. Kuratorzy wystawy: dr Piotr Rypson we współpracy z Moniką Poliwką i Juanem-Manuelem Bonetem. Od 18 września do 6 listopada 2015 wystawa będzie prezentowana w Real Academia de Bellas Artes de San Fernando w Madrycie. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #muzeumnarodowe #tadeuszpeiper #peiper #awangarda

Dr Piotr Rypson, wicedyrektor ds. naukowych i kurator Zbiorów Sztuki Nowoczesnej Muzeum Narodowego w Warszawie, w rozmowie z Adrianą Prodeus, animatorką, dziennikarką, redaktorką programu „WOK. Wszystko o kulturze”, nadawanego w TVP2 [1h26min] https://wszechnica.org.pl/wyklad/czy-tadeusz-peiper-byl-papiezem-awangardy-dr-piotr-rypson-w-rozmowie-z-adriana-prodeus/ Piotr Rypson, wicedyrektor ds. naukowych i kurator Zbiorów Sztuki Nowoczesnej Muzeum Narodowego w Warszawie, rozmawiał o życiu i twórczości Tadeusza Peipera z Adrianą Prodeus, animatorką, dziennikarką, redaktorką programu „WOK. Wszystko o kulturze” nadawanego w TVP2. Wywiad towarzyszył wystawie „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie”. Rozmówcy dyskutowali, na czym polegała oryginalność Peipera jako krytyka sztuki. Poszukiwali też w jego biografii ludzi i wydarzeń, które go ukształtowały. Poruszyli również wątek mizoginii, która cechowała Peipera w relacjach z kobietami. Uczestnicy rozmowy nie ominęli tematów związanych z wyborami ideowymi i politycznymi krytyka. W tym kontekście przypomniany został m.in. wątek jego konfliktu ze środowiskiem skamandrytów, w efekcie którego nazwał Jarosława Iwaszkiewicza „idiotą”. Rozmówcy omówili też mniej znany okres w biografii autora manifestu „Miasto, masa, maszyna”. Tadeusz Peiper, z pochodzenia Żyd, po napaści hitlerowskich Niemiec na Polskę musiał uciekać z Krakowa do Lwowa. Tam, podobnie jak inni polscy inteligenci, zostaje aresztowany przez NKWD, i wywieziony później w głąb ZSRR. Wówczas zaczął już popadać w chorobę psychiczną. Z opresji uratowała go Wanda Wasilewska, działaczka komunistycznego Związku Patriotów Polskich, do którego krytyk wstąpił. Jak wyjaśnił jednak Rypson, Peiper nie współpracował czynnie z komunistami, był postrzegany za szaleńca i odpchany. Część wojny spędził w Gruzji, ale nic na ten temat nie opublikował. Po powrocie do Polski, w przeciwieństwie do innych literatów, nie objął żadnego stanowiska w nowych władzach. Osoby, które miały styczność z Peiperem w okresie między jego powrotem do kraju a śmiercią w 1969 r., opisują go jako osobę zdradzającą oznaki choroby psychicznej, ale wciąż żywą i interesujacą. Rybson podkreślił jednak, że wszystko są to „relacje z odległości”, bo krytyk nikogo wówczas już do siebie nie dopuszczał i cierpiał na manię prześladowczą. Nowe światło na biografię Peipera mogą rzucić liczne pozostawione przez niego manuskrypty. Ich publikacja może nastąpić jednak dopiero, gdy minie 70 lat od jego śmierci. *** Wystawa „Papież awangardy. Tadeusz Peiper w Hiszpanii, Polsce, Europie” prezentuje artystyczne relacje awangardowej sztuki i literatury początków XX wieku, za punkt odniesienia przyjmując twórczość Tadeusza Peipera, wybitnego poety, krytyka i teoretyka sztuki. Przygotowana wspólnie z hiszpańskim środowiskiem kulturalnym, w którym niegdyś aktywnie działał Peiper, podkreśli artystyczne i kulturalne związki obu krajów. Tadeusz Peiper znany jest w Polsce jako najbardziej prominentna postać środkowoeuropejskiej awangardy i założyciel „Zwrotnicy” (1922). Niewiele osób wie o jego związkach ze środowiskiem awangardy hiszpańskiej i hiszpańskojęzycznej. Lata 1915-1920 spędził Peiper w Madrycie, w otoczeniu silnie związanym z hiszpańskim ultraizmem. W tym czasie w stolicy Hiszpanii przebywali Robert i Sonia Delaunay, Guillermo de Torre, Vicente Huidobro, rodzeństwo Jorge Luis i Norah Borges, Rafael Barradas, a także Polacy – Józef Pankiewicz, Jan Wacław Zawadowski i związani z ultraistami Władyslaw Jahl oraz Marian Paszkiewicz. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #tadeuszpeiper #peiper #muzeumnarodowe #sztuka #kultura #awangarda

O Centro Pompidou, em Paris, acolhe entre esta quarta-feira, 3 de Abril, e 9 de Setembro, uma exposição sobre as cumplicidades dos pintores Amadeo de Souza-Cardoso, Sonia e Robert Delaunay. O “triângulo artístico” começou em Paris e continuou em Portugal durante a Primeira Guerra Mundial. Helena de Freitas, uma das curadoras da exposição, destaca que este é um “ponto de viragem" no  reconhecimento da obra do pintor português, oito anos depois da grande retrospectiva no Grand Palais. A exposição “Amadeo de Souza-Cardoso, Sonia et Robert Delaunay. Correspondances" abre ao público esta quarta-feira, 3 de Abril, e está patente até 9 de Setembro. Cerca de trinta obras mostram as “correspondências” formais, temáticas e conceptuais dos três artistas, numa escolha que resultou das “correspondências” de três curadoras - Helena de Freitas, Sophie Goetzmann e Angela Lampe – e de duas instituições – o Centro Pompidou e a Fundação Calouste Gulbenkian.Além de ilustrar as cumplicidades deste “triângulo artístico”, a exposição volta a colocar Amadeo de Souza-Cardoso [1887-1918] entre os nomes que fizeram a história da arte do século XX. A mostra surge oito anos depois da retrospectiva do pintor português no Grand Palais, também comissariada por Helena de Freitas, que encara esta nova exposição como “um ponto de viragem” no reconhecimento internacional de Amadeo de Souza-Cardoso. No fundo, é mais uma tentativa de “colocar o artista neste complicado puzzle da História da Arte, onde ele era uma peça que não existia”.A Curadora do Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian fez uma visita guiada à RFI e mostrou como o pintor português esteve no centro das vanguardas do seu tempo e como o casal Delaunay se deixou influenciar pela cultura e artesanato popular portugueses.RFI: A exposição está num dos principais museus de arte moderna e contemporânea do mundo e acontece oito anos depois da retrospectiva no Grand Palais, também em Paris. O que representa para o reconhecimento do pintor Amadeo de Souza-Cardoso?Helena de Freitas, Curadora: A exposição do Grand Palais foi muito importante para que esta fosse possível. Esta tem, de facto, para mim, para nós, Fundação Gulbenkian, um significado muito especial porque está no coração de uma grande colecção francesa e internacional. Não é uma exposição à parte, ela está integrada no percurso da colecção e isso é uma das questões mais importantes porque é o patamar de reconhecimento internacional de Amadeo enquanto artista, integrado numa grande colecção internacional.Foi preciso esperar oito anos para voltarmos a ter Amadeo de Souza-Cardoso em Paris…Sim, foi preciso esperar algum tempo. Seja como for, Amadeo tem sido bastante solicitado para empréstimos um pouco por todo o lado. Portanto, há que fazer um trabalho em continuidade e esta exposição, na sequência da grande exposição de 2016, no Grand Palais, vem de alguma maneira estabelecer mais um passo importante nesse caminho que é o caminho de colocar o artista neste complicado puzzle da História da Arte, onde ele era uma peça que não existia. É um trabalho muito difícil, para o qual é preciso muita persistência e muita continuidade. Aqui traça-se um caminho. Este é um ponto muito importante. É uma espécie de ponto de viragem no reconhecimento do artista.Um ponto de viragem? Eu acho que sim, que é um ponto de viragem porque está no coração do Pompidou, durante vários meses. Digamos que é uma pequena grande exposição porque vai estar de 3 de Abril a 9 de Setembro nas salas da colecção do Pompidou. Isto é muito importante.O que conta a exposição? A exposição é a história do encontro entre o artista português Amadeo de Souza-Cardoso e Sonia Delaunay e Robert Delaunay que já se tinham encontrado em Paris durante o período em que o Amadeo viveu em Paris, de 1906 a 1914. Mas durante o período da guerra, quando Amadeo regressa a Portugal, em 1914, Sonia e Robert Delaunay, como refugiados de guerra, instalam-se em Vila do Conde, muito perto de onde o artista português viveu de 1914 até 1918, o ano da sua morte.Portanto, neste período, entre 1915 e 1917, eles desenvolveram projectos e contactos com alguma regularidade. Estes projectos têm um nome chamado “Corporation Nouvelle”, “Nova Corporação”. É uma ideia que nasce em Portugal e que era, de alguma maneira, uma forma de romper as fronteiras desta condição de guerra e de fechamento de fronteiras. Foi um projecto que foi pensado pelos Delaunay, onde Amadeu se inscreveu e era um projecto bastante utópico de realização de “expositions mouvantes”, de exposições itinerantes. São projectos que, de alguma maneira, deslocavam e faziam uma inversão daquilo que fazia a agora chamada Ecole de Paris, do centralismo parisiense. Era uma ideia de quebrar um pouco com essa rigidez de colocar tudo ao centro. É um projecto bastante original, muito moderno e bastante antecipador.E que se concretiza? Eles fazem essas exposições itinerantes?Infelizmente não se concretizaram. Podemos seguir toda a correspondência trocada entre estes três artistas. Estamos aqui a falar deste triângulo artístico, mas há outros artistas neste grupo. Esta exposição só se foca nos três, com as duas colecções: a colecção Gulbenkian e a Colecção Pompidou. A correspondência começou por ser muito amistosa, mas acaba por esfriar no final, quando Amadeo percebe que faz um esforço enorme para participar neste grupo - inclusive fazendo um trabalho que ele considera medíocre, que não lhe interessa, que é um trabalho com aguarelas para fazer uns álbuns de promoção para tentar encontrar meios financeiros para a realização destas exposições. Mas, no final, as exposições não se realizaram e a ideia utópica de desfazer este centralismo acaba por não se concretizar.Este triângulo artístico dá origem a uma exposição mais de 100 anos depois. Como é que surgiu a ideia da exposição e porquê concretizá-la agora?Há um passado nesta exposição. Esta exposição não teria acontecido se não tivesse havido, em 2016, no Grand Palais, uma grande exposição do artista Amadeo de Souza-Cardoso. As coisas, na verdade, acabam por pegar umas nas outras. Eu fui fazer uma conferência sobre o Amadeo, a convite da Fundação Giacometti. Nessa conferência estava uma pessoa que eu não conhecia e que me colocou uma questão pertinente: « Como é que pensa continuar a internacionalização de um artista que ainda é bastante desconhecido do público francês e internacional? » Eu disse: “Olhe que eu tenho pensado bastante no assunto e parece-me que um formato possível seria concretizar pequenos depósitos em museus internacionais e, de alguma maneira, desfazer a reunião de um peso enorme de obras de Amadeo num só museu ou em dois ou três. Portanto, tentar deslocalizar a obra e torná-la mais ampla no sentido da sua geografia, da apresentação ao público.” Esta senhora chama-se Angela Lampe. Acabámos por nos encontrar para falarmos do assunto. E começou então a nossa correspondência, que até está no título desta exposição. Portanto, é uma correspondência entre os três artistas e que está no catálogo - enfim, uma selecção dessa correspondência - e a correspondência das três curadoras para chegarmos a este formato, que é um formato muito leve, bastante ecológico.Na verdade, as obras vieram todas de Lisboa, da Fundação Gulbenkian, para o Museu Pompidou, nesta solução de três artistas de duas colecções e que aqui é apresentada como se fosse em espelho:   de um lado, vemos o desenvolvimento, a base de Amadeo de Souza-Cardoso e, do outro, vemos pontuações muito importantes de Robert e de Sonia Delaunay.À entrada encontramos um grande painel com duas fotografias muito importantes destas correspondências. É uma fotografia de Amadeo em Manhufe, olhando-nos de alto, com o seu olhar superior - como ele gostava de estar em Portugal e em França, como sempre esteve – e, ao lado, da família Sonia e Robert Delaunay e do seu filho Charles, como ele dizia “Le Petit Peintre”. Há aqui a construção deste “élan” familiar entre os três nas duas fotografias.Ambas as fotografias são em Portugal, portanto?Ambas as fotografias são em Portugal. Eu imagino que a fotografia da família Delaunay seja na sua casa de Vila do Conde, que se chamava La Simultanée e que ainda existe com uma placa em Vila do Conde.Porquê “La Simultanée”?Porque era o movimento que eles teorizaram e desenvolveram do ponto de vista artístico, o Simultaneísmo, e portanto, chamaram a casa “La Simultanée”, com uma placa na casa que regista essa memória.Como é que é as cumplicidades deste triângulo artístico são articuladas no percurso da exposição?Tentámos, nesta exposição, sinalizar os pontos de encontro, as ressonâncias, os ecos no trabalho de cada um. Houve períodos em que o trabalho oferece muitas cumplicidades no orfismo, na descoberta da cor e da luz, mas, ao mesmo tempo, também as divergências, os pontos de desencontro e a autonomia de cada um dos artistas. Do lado do Amadeo, tentámos localizar, por exemplo, os discos órficos que ele desenvolve entre 1912 e 1913, mas que já estavam inscritos no seu programa artístico. Por exemplo, há uma pequena aguarela chamada “Clown, Cavalo, Salamandra”, que é uma das aguarelas mais icónicas de Amadeo, em que vemos já inscritos os tais círculos. Portanto, é um trabalho muito precoce, onde se percebe que é desde logo um símbolo, um sinal já do seu trabalho.Um trabalho que Amadeo desenvolve em múltiplas soluções mais próximas dos Delaunay, mas também mais afastadas, quando ele, na fase final, recupera esses círculos, mas objectificando-os, incluindo mesmo, de uma forma um pouco irónica, com moscas lá dentro ou transformando-os em alvos de tiro ao alvo ou em padrões de tecidos. Cada artista, na verdade, apresenta aqui uma autonomia muito forte.Mas vemos semelhanças, como as influências da arte decorativa e popular portuguesa, não é?É muito forte, sem dúvida, porque foi o período em que, de facto, eles estiveram mais próximos, quando o Roberto e Sonia Delaunay se encantaram e se maravilharam com a luz de Portugal, com todo a arte popular, e Amadeo, Eduardo Viana, enfim, há um grupo que de se formou e que iam às feiras, aos mercados, compravam as bonecas populares. Havia um maravilhamento com a arte popular. A Sonia Delaunay reconheceu a luz, os padrões, os objectos da sua Ucrânia e, portanto, há aqui um encontro entre as duas periferias.Quais são as obras em que mais vemos essa influência portuguesa?Temos aqui a pintura talvez mais reveladora desta cumplicidade - “Chanson populaire, la Russe et le Figaro”. As canções populares alimentaram a própria iconografia de Amadeo, de Robert e de Sonia Delaunay. Aquela boneca é uma boneca popular, mas também é a Sónia. Nós sabemos que ela é “a russa”.É um retrato de Sonia Delaunay?É um retrato de Sonia Delaunay evidentemente, embora não seja explícito.  “Le Figaro” é o jornal que ambos liam em Vila do Conde. Depois, nestas pinturas de Amadeo [“Título desconhecido (Máquina registadora)” e “Título desconhecido (Entrada)”] também é importante perceber a introdução de publicidade, tecidos, padrões que depois encontramos em Sonia Delaunay. A ideia das marcas está aqui também presente, mas sobretudo nestas duas pinturas “Nature Morte Portugaise [1916], onde nós vemos a sugestão dos frutos, dos mercados e, sobretudo, a luz e a vibração das formas, articuladas com a luz muito presente e muito forte, os potes…E aqui uma mesa claramente portuguesa [‘La Verseuse', 1916], com a melancia, com a representação dos frutos, com as cerâmicas, o pano que evidentemente brilhou nos olhos de Sonia Delaunay porque são, de facto, muito próximos de uma cultura popular também ucraniana, a que ela evidentemente era muito ligada.Portanto, há aqui algumas pinturas que são muito próximas. Como também este trabalho de Sonia Delaunay [“La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France”] se encontra com “A Lenda de São Julião Hospitaleiro”, o manuscrito que Amadeo fez a partir de Flaubert, em 1913. Amadeo foi até mais antecipador nessa articulação entre texto e imagem no manuscrito de Flaubert, “A Lenda de São Julião Hospitaleiro” e esse manuscrito está aqui aberto e passamos todas as páginas em vídeo de modo a que o público possa aperceber-se da riqueza e da modernidade daquelas soluções que são muito avançadas para o seu tempo e muitíssimo precoces.Também nesta aguarela de Amadeo [“Canção d'Açude - Poema em Cor”], de 1913, na mesma data da prosa do Transiberiano, vemos um poema, mas um poema absolutamente articulado com as representações figurativas, em que as próprias letras, as próprias palavras já têm uma dimensão de imagem. Portanto, tudo isto é muitíssimo antecipador no seu tempo. Aqui é um grande sinal luminoso da criatividade e da inventividade do artista Amadeo de Souza-Cardoso.Por que é que Robert e Sonia Delaunay vão para Portugal? Quanto tempo lá ficam?Eles ficam durante dois anos, em períodos entrecortados, porque foi uma passagem muito atribulada. Eles são refugiados da guerra. Claramente, o Roberto teve que ser refugiado, ele era reformado, tinha problemas cardíacos e a ideia era mesmo estar refugiado. Foi, segundo eles, uma passagem de sonho pela Península Ibérica, em Vila do Conde e, mais tarde, em Espanha.Sonia Delaunay chegou a estar presa em Portugal, uma semana?Sim, é verdade. Houve uma confusão com os seus círculos. Imaginou-se que eles seriam códigos cifrados de mensagens para os alemães. Enfim, os círculos que sempre fizeram parte do seu trabalho! Portanto, foi um gigantesco equívoco e acabou por estar fechada e prisioneira. Revistaram-lhe todas as coisas. Foi um momento muito difícil para o casal e, na verdade, foi o Amadeo quem intercedeu, quem a ajudou e conseguiu resolver esse problema e esse equívoco. Sonia e Robert Delaunay ficaram-lhe muito gratos.

¿Cómo Sonia Delaunay con una manta cosida para su hijo recién nacido encumbró las artes decorativas? ¿Cómo reivindicó la tradición de las mujeres ucranianas abriendo un nuevo horizonte artístico de emancipación como mujer?  Sonia Delaunay rompió el rol que esperaban para ella y transformó la moda y el arte desde una óptica moderna y transgresora. Puso color y dignificó el trabajo manual, en una sociedad que lo menospreció y solo valoró el enfoque teórico del arte, siempre a cargo de los hombres, una realidad que Sonia experimentó en su propia casa. ¿Cómo se vivía como pareja de otro artista como Robert Delaunay en la sociedad de principios y mediados del s.XX?   Para responder a todas estas preguntas, contamos con Marta Ruiz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen Bornemisza.Y para descubrir el eco de Sonia en el siglo XXI, charlamos con la artista María Herreros: ¿Cómo es ser mujer, artista y madre en el siglo XXI?, ¿cómo es vivir en una familia de artistas?, ¿todavía se denigra el trabajar con las manos?

¿Cómo Sonia Delaunay, con una manta cosida para su hijo recién nacido, encumbró las artes decorativas? ¿Cómo reivindicó, como mujer, la tradición de las mujeres ucranianas, abriendo un nuevo horizonte artístico de emancipación? Sonia Delaunay rompió el rol que esperaban para ella y transformó la moda y el arte desde una óptica moderna y transgresora. Puso color y dignificó el trabajo manual, en una sociedad que lo menospreció y solo valoró el enfoque teórico del arte, una realidad que Sonia experimentó en su propia casa. ¿Cómo se vivía como pareja de un artista como Robert Delaunay en la sociedad de principios del siglo XX? Para responder a estas preguntas, contamos con Marta Ruiz del Árbol, conservadora de Pintura Moderna del museo. Y para descubrir el eco de Sonia en el siglo XXI, charlamos con la artista María Herreros: ¿Cómo es ser mujer, artista y madre en el siglo XXI?, ¿cómo es vivir en una familia de artistas?, ¿todavía se denigra el trabajar con las manos?

De la Belle Époque jusqu'aux années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Le parcours présente près de 400 œuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.

“Le Paris de la modernité” 1905-1925au Petit Palais, Parisdu 14 novembre 2023 au 14 avril 2024Interview de Juliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine et commissaire scientifique de l'expositionpar Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 13 novembre 2023, durée 15'06,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/11/14/3493_paris-de-la-modernite_petit-palais/Communiqué de presseCommissariat :Annick Lemoine, directrice du Petit Palais, commissaire généraleJuliette Singer, conservatrice en chef du patrimoine, commissaire scientifiqueAprès « Paris Romantique, 1815-1858 » et « Paris 1900, la Ville spectacle », le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au « (Le) Paris de la modernité, 1905-1925 ». De la Belle Époque jusqu'aux Années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Paris maintiendra ce rôle en dépit de la recomposition de l'échiquier international après la Première Guerre mondiale, période pendant laquelle les femmes jouent un rôle majeur, trop souvent oublié. Ambitieuse, inédite et trépidante, cette exposition souhaite montrer combien cette période est fascinante, en faisant ressortir les ruptures et les géniales avancées tant artistiques que technologiques. Le parcours présente près de 400 oeuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Jacqueline Marval, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres. L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. À travers la mode, le cinéma, la photographie, la peinture, la sculpture, le dessin, mais aussi la danse, le design, l'architecture et l'industrie, l'exposition donne à vivre et à voir la folle créativité de ces années 1905-1925.L'exposition, dont le parcours est à la fois chronologique et thématique, tire son originalité du périmètre géographique sur lequel elle se concentre largement, celui des Champs-Élysées, à mi-chemin des quartiers de Montmartre et de Montparnasse. S'étendant de la Place de la Concorde à l'Arc de Triomphe et à l'Esplanade des Invalides, il comprend le Petit et le Grand Palais, mais aussi le Théâtre des Champs-Élysées, ou encore la rue de la Boétie. Ce quartier est au coeur de la modernité à l'oeuvre. Le Grand Palais accueille alors chaque année la toute dernière création aux Salons d'Automne et des Indépendants, y sont montrées les oeuvres du Douanier Rousseau, d'Henri Matisse, de Kees van Dongen parmi tant d'autres. Durant la Première Guerre mondiale, le Petit Palais joue un rôle patriotique important, en exposant des oeuvres d'art mutilées et des concours de cocardes de Mimi-Pinson.En 1925, il est au centre de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes où se côtoient pavillons traditionnels, Art Déco et de l'avant-garde internationale. À quelques pas, dans l'actuelle avenue Franklin Roosevelt alors appelée avenue d'Antin, le grand couturier Paul Poiret s'installe dans un superbe hôtel particulier en 1909. Il marque les esprits en y organisant en 1911 la mémorable fête de « La Mille et Deuxième Nuit » pour laquelle le couturier crée des tenues accompagnées d'accessoires. Le lieu abrite aussi la galerie Barbazanges, où Les Demoiselles d'Avignon de Picasso est révélé pour la première fois en 1916. L'artiste vit rue de la Boétie avec sa femme Olga. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

durée : 00:03:38 - Le Pourquoi du comment : histoire - par : Gérard Noiriel - Elle a inventé ce qu'Apollinaire a appelé l'orphisme, une forme de peinture issue du cubisme. "Le Bal Bullier", daté de 1913, est l'un de ses tableaux les plus connus. Née Sara Stern, elle devient en 1910, l'épouse de Robert Delaunay après avoir été naturalisée française grâce à un "mariage blanc".

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, invite celles et ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture, avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

Franco Olocco"MIDA Museo Internazionale Donne Artiste"Ceresole d'Albawww.midamuseo.itMIDA Museo Internazionale Donne Artiste.Nella chiesa sconsacrata della Madonna dei Prati, alle porte del paese, aperto tutti i week end da fino ad ottobre, e in settimana su prenotazione, un piccolo scrigno di arte tutta al femminile, con opere di artiste provenienti da tutto il mondo.Realizzato grazie al contributo di Regione Piemonte, delle Fondazioni CRT e CRC, di Turismo in Langa, Diffusione Italia e del comune di Ceresole d'Alba, che mette a disposizione i locali di una struttura restaurata 15 anni fa, il museo è stato allestito con grande eleganza dal curatore e ideatore Vincenzo Sanfo, che ha sottolineato: “Mi stupiva che non ci fosse in Europa un museo del genere. Raccogliamo tutte le espressività declinate al femminile, dal figurativo, all'astrattismo, all'arte concettuale, in un percorso che mette in luce la creatività delle donne, spesso relegate a ruoli marginali o di compagne di artisti famosi, come nel caso di Sonia Delaunay”.Particolarmente orgoglioso il sindaco di Ceresole d'Alba Franco Olocco: “Siamo un paese di poco più di 2000 abitanti con due musei permanenti, il Mubatt (museo della Battaglia) e adesso questo MIDA dedicato alle artiste donne. La nostra è una scommessa: pensiamo che la cultura sia un veicolo di sviluppo e di rigenerazione del territorio, un mezzo importante per farci conoscere e consolidare la nostra immagine positiva e accogliente”.Sulla stessa lunghezza d'onda Silvio Artusio Comba, presidente dei sindaci del Roero: “La collaborazione fra le nostre amministrazioni è concreta e molto positiva. A volte si tratta di copiare, ma occorre copiare “creativamente”, distinguendosi. Ceresole d'Alba è una delle porte del Roero e la posizione stessa del MIDA conferisce subito un'impronta culturale a tutto il territorio, in cui le donne sono l'anello forte”.Sono intervenuti il presidente della provincia Luca Robaldo e l'ex presidente di CRT Giovanni Quaglia, che ha sottolineato come: “La scelta nelle graduatorie dei bandi sono fatte dalle fondazioni bancarie con molta attenzione: il fatto che spesso a vincerli siano progetti cuneesi significa che siamo bravi e facciamo innovazione meglio degli altri”.Presenti anche molti sindaci del Roero e proprio Giacomina Pellerino, sindaca di Magliano Alfieri ha tagliato il nastro durante l'inaugurazione.Da Jenny Holzer a Susanne Valadon, da Marina Abramovic a Yoko Ono. Sono molte le opere di artiste che è possibile ammirare nelle sale del MIDA.Aperture sabato domenica e festivi con orario: 10-12 14-18Prenotazioni on-line su VivaticketSito: https.//midamuseo.itDIECI di DIECIsaperne di piùDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

durée : 00:09:31 - Sonia Delaunay - par : Marianne Vourch - Nous sommes en 1913. Dans un salon parisien cossu, Sonia Terk, Robert Delaunay et Blaise Cendrars conversent sur l'art et sur la poésie. Ils se sont rencontrés un an plus tôt chez Guillaume Apollinaire. Le courant passe. Le spectacle est phénoménal. - réalisé par : Sophie Pichon

Art historian Michael Peppiatt explores his friendship with Francis Bacon, lunch with Lucian Freud, and unforgettable encounters with the likes of Sonia Delaunay and more. Peppiatt reflects on more than fifty years of writing about art, bringing to life his friendships with some of the best-known artists of the modern age. Following a life-changing encounter with Francis Bacon in a Soho pub in 1963, Peppiatt found himself suddenly immersed in the lives of extraordinary artists. Here, Peppiatt describes what it was like to interview Sonia Delaunay in Paris – beginning with her ‘complete denunciation of Picasso' – and his near-miss of Giacometti, who passed away before Peppiatt could deliver a letter of introduction from Francis Bacon himself. Peppiatt also shares the experience of assembling his new book 'Artists' Lives', which he likens to planning a dinner party, playing host to some of the biggest personalities in art.

In Episode 2, host Katie Harman tells the story of when avant-garde artist and Parisian fashion designer Sonia Delaunay collaborated with Hollywood's silent screen star Gloria Swanson on a one-of-a-kind coat. A coat that now travels the world as an icon at the intersection of art and fashion. Was their collaboration possibly the first fashion collab? Katie makes her case for why she thinks it deserves the title. In connection, Katie sits down with Morgan Hutchinson, founder of BURU, who shares her inspiring founder's story and touching details about the women who serve as her design inspiration. They also reminisce about their mutual love for one particular piece from the BURU x Katie Harman collab - which happens to be a cousin to the coat: the Katie Cocktail Blazer. Shop the blazer, collab, and all of BURU's designs at www.shopburu.com. If you're interested in seeing the work of Sonia Delaunay in person, I highly encourage a visit to www.mutualart.com which lists where her art is on display in museums throughout the world. Subscribe to www.virtuosasociety.com and follow @virtuosasociety on Instagram and Facebook for access to bonus materials from this episode, including video from Katie's visit to the comprehensive Sonia Delaunay exhibit at Louisiana Museum of Modern Art in Humelbaek, Denmark in May 2022. Producer: Katie Harman @katieharmanebner Audio Engineer: Will Cowser @williamcowser Title Song: “Reflection of the Sun” by Anna Landström

“Anna-Eva Bergman” Voyage vers l'intérieurau Musée d'Art moderne de Parisdu 31 mars au 16 juillet 2023Interview de Hélène Leroy, conservatrice, responsable des collections du MAM et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 30 mars 2023, durée 22'09.© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/03/31/3414_anna-eva-bergman_musee-d-art-moderne-de-paris/Communiqué de presse Commissariat :Hélène Leroy, conservatrice, responsable des collectionsLe Musée d'Art Moderne de Paris présente la première grande rétrospective consacrée à l'artiste norvégienne Anna-Eva Bergman (1909-1987), figure-clé de la peinture de l'après-guerre, artiste libre et visionnaire, dont l'oeuvre plastique, caractérisée par l'emploi de la feuille d'or ou d'argent, est une puissante célébration de la beauté de la nature, des paysages du Nord et de la Méditerranée.Exposée dans le monde entier de son vivant (notamment au Musée d'Art Moderne de Paris en 1977 mais aussi en Italie, Allemagne ou en Norvège), Anna-Eva Bergman reste cependant insuffisamment reconnue en Europe. Son oeuvre au langage pictural singulier, fondé sur un vocabulaire de formes pures, demande aujourd'hui à être reconsidéré plus largement dans le champ de l'histoire de l'art aux côtés du travail d'autres grandes artistes femmes comme Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe ou encore Sonia Delaunay qui ont été ses contemporaines. L'exposition Anna-Eva Bergman, Voyage vers l'intérieur apporte un éclairage décisif dans la redécouverte de cette artiste majeure en proposant un panorama de toute sa production. Composée de plus de 200 oeuvres, l'exposition fait suite à la rétrospective consacrée en octobre 2019 par le MAM à Hans Hartung, qui fut aussi l'époux de l'artiste.À cette occasion, le musée présente N°2-1964 Stèle, acquise du vivant de Bergman ainsi que la centaine d'oeuvres provenant du don exceptionnel consenti par la Fondation Hartung- Bergman au MAM en 2017. Cet ensemble est complété par des photographies, dessins et documents d'archives dont de nombreux inédits, provenant des collections de la Fondation à Antibes.Un catalogue édité aux éditions Paris Musées sous la direction d'Hélène Leroy rassemble des essais de spécialistes français et norvégiens. Les auteurs détaillent notamment la richesse des techniques plastiques abordées par Bergman et l'usage très spécifique d'un matériau devenu sa signature : la feuille de métal (or, argent, aluminium, étain, cuivre, plomb, bismuth). Différents essais s'attachent, en outre, à creuser le rapport d'Anna-Eva Bergman au dessin et à la caricature, à l'architecture, son emploi du nombre d'or, ainsi que la réception et l'exposition de son oeuvre après-guerre, sa relation aux grands maîtres du passé et à ses contemporains comme Barnett Newman, Ad Reinhardt ou Mark Rothko.#ExpoBergman Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

"Var är konsten???" Det utropade en kritiker när den stora utställningen "Documenta" i Kassel skulle efteranalyseras. Idén om VAD som är en utställning, är uppe för diskussion i år. KONSTÅRET 2022 MED GÄSTER:Det här var året då vi efter pandemins nedstängningar på riktigt började röra oss fritt på muséer och vernissagefester igen. Den uppskjutna Venedigbiennalen gav plats åt kvinnorna och placerade surrealismen i centrum. Och på lika viktiga - den tyska mastodontutställningen Documenta i Kassel - så upplöstes själva idén om vad som är en utställning så långt, att det fick kritikerna att rynka pannorna.Vi sammanfattar konståret 2022 tillsammans med konstkritikern Birgitta Rubin från Dagens Nyheter och Mårten Arndtzén på Kulturredaktionen i P1.MÅRTEN ARNDTZÈN LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets Sverigedebut: Anselm Kiefer på Artipelag, pågår till 8/1-2023.Årets återkomst: Barbro Östlihn på Göteborgs och Västerås konstmuseer, pågår i Västerås t.o.m. 5 mars 2023.Årets återupptäckt: Nicolai Astrup på Waldemarsudde.Årets utställning: Ejnar Nielsen på Den Hirschsprungske Samling i Köpenhamn. Öppnar på Vejen konstmuseum i januari 2023.CECILIA BLOMBERG LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets abstrakta pionjär: Sonia Delaunay på Louisiana Årets politiska reflektion: Yael Bartana på Moderna museet i MalmöÅrets forskarbragd: Georg Vasaris teckningar på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023Årets utställning: Det kalla ögat. Tyskland, 20-talet och nysakligheten på Louisiana, pågår till 19/2-2023. BIRGITTA RUBIN (DN) LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets angelägenhet: Klimatkonsten och medvetenheten om museernas ansvarÅrets positionering: Äldre kvinnliga konstnärer tar plats på de stora konstinstitutionernaÅrets genre: Fotografiet - t.ex. Christer Strömholm på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023 Årets utställning: Nan Goldin på Moderna museet, pågår till 26/2-2023Programledare: Cecilia Blomberg Producent: Nina Asarnoj

"Var är konsten???" Det utropade en kritiker när den stora utställningen "Documenta" i Kassel skulle efteranalyseras. Idén om VAD som är en utställning, är uppe för diskussion i år. KONSTÅRET 2022 MED GÄSTER:Det här var året då vi efter pandemins nedstängningar på riktigt började röra oss fritt på muséer och vernissagefester igen. Den uppskjutna Venedigbiennalen gav plats åt kvinnorna och placerade surrealismen i centrum. Och på lika viktiga - den tyska mastodontutställningen Documenta i Kassel - så upplöstes själva idén om vad som är en utställning så långt, att det fick kritikerna att rynka pannorna.Vi sammanfattar konståret 2022 tillsammans med konstkritikern Birgitta Rubin från Dagens Nyheter och Mårten Arndtzén på Kulturredaktionen i P1.MÅRTEN ARNDTZÈN LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets Sverigedebut: Anselm Kiefer på Artipelag, pågår till 8 januari 2023.Årets återkomst: Barbro Östlihn på Göteborgs och Västerås konstmuseer, pågår i Västerås t.o.m. 5 mars 2023.Årets återupptäckt: Nicolai Astrup på Waldemarsudde.Årets utställning: Ejnar Nielsen på Den Hirschsprungske Samling i Köpenhamn. Öppnar på Vejen konstmuseum i januari 2023.CECILIA BLOMBERG LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets abstrakta pionjär: Sonia Delaunay på Louisiana Årets politiska reflektion: Yael Bartana på Moderna museet i MalmöÅrets forskarbragd: Georg Vasaris teckningar på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023Årets utställning: Det kalla ögat. Tyskland, 20-talet och nysakligheten på Louisiana, pågår till 19/2-2023. BIRGITTA RUBIN (DN) LISTAR ÅRETS KONSTHÄNDELSER:Årets angelägenhet: Klimatkonsten och medvetenheten om museernas ansvarÅrets positionering: Äldre kvinnliga konstnärer tar plats på de stora konstinstitutionernaÅrets genre: Fotografiet - t.ex. Christer Strömholm på Nationalmuseum, pågår till 8/1-2023 Årets utställning: Nan Goldin på Moderna museet, pågår till 26/2-2023OBS-ESSÄN OM NAKNA GREKERAntikens greker gymnastiserade gärna nakna. Ja, det var rentav en del av deras kulturella identitet, och det avspeglades i konsten. Idag däremot verkar vi ha svårt att betrakta nakna kroppar utan en pornografisk blick. Det menar Carl Magnus Juliusson, som i dagens essä från Obs berättar om en av det antika Greklands kanske märkligaste uppfinningar.ÅRETS SJÄLVHUSHÅLLAR- OCH TRÄDGÅRDSBÖCKER (OCH EN FRÅN FÖRRA ÅRET):"Modern självhushållning" av Anders Rydell och Alva Herdevall"Odla blommor" av Hanna Wendelbo"Den blommande köksträdgården" av Anette Nilsson (2021)Dessutom tipsade Nina Asarnoj om tidningen "Åter. Praktisk kunskap om självhushållning" och dokumentären "Gubben i stugan" av Nina Hedenius på SVT Play.Programledare: Cecilia Blomberg Producent: Nina Asarnoj

durée : 00:28:38 - Poésie et ainsi de suite - par : Manou Farine - Ecrite au rythme intérieur de la mémoire, l'épique "Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France" célèbre la vitesse, le mouvement et le sentiment de la liberté. C'est aussi l'histoire d'un poème illuminé par les couleurs de Sonia Delaunay, d'un livre simultané. - invités : Enki Bilal Réalisateur, dessinateur et scénariste de bande dessinée français

3 - Sonia Delaunay, Le Bal Bullier, 1913 Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

3 - Sonia Delaunay, Le Bal Bullier, 1913 Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Até ao final do mês de Outubro a Casa Caillebotte, nos arredores de Paris, acolhe a exposição "Modernités Portugaises”. A história do modernismo português tem como curadora Anne Bonnin. Abrangendo um longo período, desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português, na qual o poeta Fernando Pessoa é uma figura central e o seu principal fundador. Um movimento que se desenvolve entre Portugal e Paris. Até ao final do mês de Outubro a Casa Caillebotte, em Yerres, arredores de Paris, acolhe a exposição "Modernités Portugaises”, “Modernidades Portuguesas”. Desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português. Anne Bonnin é a curadora da exposição.  Abrangendo um longo período, desde os anos 1910 até aos anos 1960, a exposição conta a história do modernismo português, na qual o poeta Fernando Pessoa é uma figura central e o seu principal fundador. Um movimento que se desenvolve entre Portugal e Paris. A capital francesa, como centro artístico internacional desde o século XIX, acaba por atrair os portugueses em busca de modernidade.  Uma história pouco conhecida, que agora a curadora Anne Bonnin traz à ordem do dia. Com mais de uma centena de obras de artistas portugueses, uns conhecidos em França e outros menos, esta exposição acaba por fazer o visitante viajar e a pensar a história da arte, fora das suas grandes figuras.  Desde o início do século XIX que os artistas de diferentes latitudes procuram em Paris modernidades. Os portugueses não fogem à regra. A correspondência estabelecida entre 1912 e 1916, entre Fernando Pessoa e o poeta Mário de Sá-Carneiro, instalado em Paris, constitui o primeiro modernismo português. Os artistas desta exposição que integram este primeiro modernismo são Amadeo de Souza-Cardoso, José Almada Negreiros, Santa Rita Pintor e Eduardo Viana.  “Esta exposição centra-se no modernismo português. O modernismo apareceu, mais ou menos, no início da década de 1910 e corresponde à ascensão integral das vanguardas internacionais e parisienses. Paris é o centro internacional da época e, por isso, muitos artistas vão a Paris nos anos 10. Um movimento migratório de intelectuais e artistas que foi em grande parte iniciado no final do século XIX. A exposição começa nos anos 1910, é o primeiro modernismo que é encarnado por algumas figuras não muito numerosas. Amadeo Souza-Cardoso, Santa Rita Pintor, José de Almada Negreiros, Eduardo Viana, Fernando Pessoa… Pessoa que é a grande figura inspiradora deste primeiro modernismo com o seu amigo Mário Sá-Carneiro, poeta também.  Os dois de alguma forma teorizaram e conceberam o desejo de um Modernismo, que o modernismo aparecesse em Portugal. Que uma arte moderna, uma poesia moderna pudesse ganhar forma em Portugal.  Este modernismo é desenvolvido através da correspondência entre Fernando Pessoa, que permanece em Portugal, e o seu amigo Mário Sá-Carneiro, que vem para Paris. No que diz respeito aos artistas, Amadeo de Souza Cardoso é provavelmente a figura mais conhecida, Santa Rita Pintor, uma figura bastante singular, um tipo de “cometa” que se rendeu muito cedo ao cubismo e do qual temos poucas obras, porque morreu jovem e mandou destruir os seus trabalhos. Almada Negreiros que nesta aventura do modernismo participa mais como escritor na revista Orpheu, fundada por Pessoa e Sá-Carneiro. Claro, Eduardo Viana que vai fazer uma carreira, um caminho diferente, por isso é interessante. São percursos muito diferentes que nos fazem entrar numa história.” A exposição reúne artistas que vieram a Paris à procura da arte contemporânea. Apesar de todos procurarem o modernismo, cada um deles tem uma relação singular com a arte da época.  "Aqui temos um Eduardo Viana raro, que faz parte dos tesouros do modernismo, estamos diante de uma pérola rara. Plasticamente, este trabalho é único na obra de Viana. É uma manta de retalhos de peças em tecido, infelizmente vemos que perdeu algumas, pelo que é a composição de uma figura de tipo cubista com uma colagem. Vemos macramé e especialmente este patchwork de cores. É claro, pensamos em Sonia Delaunay e nos seus famosos retalhos. Ali Amadeo de Souza Cardoso pintou uma série de janelas, janelas que são de facto figurativas mas também quase abstractas e cúbicas. Mas aqui, não é cubismo, vemos um conjunto de cubos, por isso as janelas. Amadeo morreu muito jovem com a gripe espanhola, teve uma carreira deslumbrante, uma produção muito prolífica e intensa num período de tempo muito, muito curto.  Estas são as últimas pinturas de Amadeo. As cores são muito frescas porque após a sua morte, a sua mulher guardou as obras. Foram preservadas, aparentemente, debaixo de uma cama, não viram a luz do dia durante décadas. Daí a frescura das cores. Vemos nestes quadros um Amadeo a experimentar, ainda está num vocabulário um pouco cubista, mas liberta-se, é uma composicional extremamente livre. Encontramos elementos parisienses, uma caixa registadora, uma guitarra, elementos eróticos e um corpo feminino. O que vemos é a riqueza das técnicas, há uma colagem de variedades de espelhos, tecidos, variedade de técnicas. Vemos que há um gozo muito forte na pintura e que entrava numa nova fase de composição.  Vamos para a outra sala. É o retrato de Pessoa que nos acolhe. Este retrato foi feito por Almada Negreiros, inspirado num desenho que tinha feito na morte de Pessoa, inspirado pelo seu rosto morto.” Subimos as escadas e duas salas dedicadas ao casal  Maria-Helena Vieira da Silva e Árpád Szenes. Dois importantes artistas do pós guerra que encarnam a Paris cosmopolita. Um diálogo excepcional com obras únicas que testemunham a cumplicidade afectiva e artística do casal. “Vieira da Silva chega a Paris muito jovem, aos 20 anos. Conheceu Árpád rapidamente e casou-se em 1930. Nesta sala mostro obras que evocam tanto o estúdio, como o diálogo dos artistas e o seu trabalho pessoal. Duas obras predominam, dois grandes formatos, o retrato de Árpád por Vieira. Magnífico! O retrato bastante típico dos muitos retratos que Arpad fez de Vieira, que é o retrato da poltrona e que se torna uma espécie de emblema. Vieira é, muitas vezes, corpo na sombra de retratos com a sua famosa poltrona de vime.  É um magnífico retrato que faz fronteira com a abstracção, mas que não é abstracto e que é muito bonito. Ela nunca dá o passo da abstracção. Há obras abstractas, mas há sempre um elemento de uma relação com uma realidade, por exemplo, nesta mesa redonda, temos a impressão de ver, uma abstracção, mas na verdade, por trás destes motivos abstractos vemos uma cena como uma biblioteca, uma mesa." A fechar a exposição, dois nomes, muito ligados a França, mas desconhecidos: Mário Cesariny e António Dacosta que integram o movimento surrealista.  “Aqui um artista que veio para se estabelecer em França a partir de 1947: António Dacosta. Quando chegou a Paris conheceu os seus grandes mestres e entrou em choque e pára de pintar. 40 anos mais tarde, começou um período completamente diferente. Finalmente, distancia-se deste modernismo e vai para outra coisa. Aqui fez um retrato de Pessoa. Vemos esta imagem meditativa, muito melancólica. É por isso que falo de um período pós-moderno que se chama um regresso à pintura e, de qualquer forma, com outra história também. Outra relação com a pintura que já não é a da vanguarda.  É uma grande mudança. Nesta segunda fase não há cor. É uma escolha, mas é verdade que os tons são muito mais silenciados.” Até ao final do mês de Outubro a exposição "Modernités Portugaises” está patente na Casa Caillebotte, em Yerres, nos arredores de Paris. Estão expostas as obras de Sarah Affonso, José de Almada Negreiros, Mário Cesariny, António Dacosta, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Ofélia Marques, Santa Rita Pintor, Amadeo de Souza-Cardoso, Árpád Szenes, Eduardo Viana e Maria Helena Vieira da Silva. A exposição integra a programação da Temporada Cruzada Portugal-França.  Neste momento Anne Bonnin assume igualmente a curadoria da exposição  “Les Péninsules Démarrées”, o panorama da arte contemporânea portuguesa desde 1960, patente até ao dia 26 de Fevereiro de 2023, no Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA – Bordéus.

“Face au Soleil“ Un astre dans les artsau musée Marmottan Monet, Parisdu 21 septembre 2022 au 29 janvier 2023Interview de Marianne Mathieu, directrice scientifique du musée Marmottan Monet et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 20 septembre 2022, durée 8'41.© FranceFineArt.Communiqué de presseCommissariat :Marianne Mathieu, directrice scientifique du musée Marmottan Monet, ParisDr. Michael Philipp, conservateur en chef au musée Barberini, PotsdamUne exposition du musée Marmottan Monet, à Paris et du Museum Barberini, à Potsdam.Le 13 novembre 1872, Claude Monet peignait depuis la fenêtre de son hôtel au Havre, une vue du port par la brume. Exposée deux ans plus tard sous le titre Impression, soleil levant (1872, Paris, musée Marmottan Monet) l'oeuvre inspire au critique Louis Leroy le terme d'Impressionnistes et donne son nom au groupe formé par Monet et ses amis.En 2022, le musée Marmottan Monet célèbre les 150 ans du fleuron de ses collections, Impression, soleil levant et lui rend hommage à travers l'exposition « Face au Soleil, un astre dans les arts » du 21 septembre 2022 au 29 janvier 2023.Albrecht Dürer, Luca Giordano, Pierre-Paul Rubens, Claude Gellée dit « Le Lorrain », Joseph Vernet, Mallord William Turner, Gaspar David Friedrich, Gustave Courbet, Eugène Boudin, Camille Pissarro, Paul Signac, André Derain, Maurice Denis, Félix Vallotton, Laurits Tuxen, Edvard Munch, Otto Dix, Otto Freundlich, Sonia Delaunay, Vladimir Baranov-Rossiné, Joan Miró, Alexandre Calder, Otto Piene, Gérard Fromanger et Vicky Colombet sont quelques-uns des maîtres réunis pour célébrer le plus illustre lever de soleil de l'histoire de l'art.53 prêteurs, près d'une centaine d'oeuvres retracent l'histoire de la représentation du soleil dans les arts depuis l'Antiquité jusqu'à nos jours. Un rare ensemble de dessins, peintures, photographies et instruments de mesure provenant de l'Observatoire de Paris illustre les développements de l'astronomie à travers les siècles et sont mises en résonance avec l'évolution de la peinture de paysage et d'atmosphère.Orbe rouge chez les Égyptiens, figure masculine dénommée Hélios, Apollon, Phébus en Grèce puis à Rome, le soleil-dieu de l'antiquité, incarnation d'un indispensable élan vital ouvre le parcours de l'exposition. Plaque d'ivoire, précieuses enluminures, exceptionnels tarots, peintures du Moyen Âge et de la Renaissance suivent et rendent compte d'un autre soleil. Lorsqu'un seul Dieu suffit à régner sur l'occident chrétien, l'astre perd de son importance. Le soleil n'est plus créateur, mais création du Dieu fait homme (Bible sacrée, La création du Ciel et de la Lune). Sa représentation, ramenée à un cercle à visage humain, se fait rare et, avec son complément la lune, cantonne par exemple les illustrations de la crucifixion (Anonyme, Maître de Valence, Crucifixion, 1450/1460, musée Thyssen Bornemisza, Madrid).Les chutes d'Icare ou de Phaéton décrites au XVIIe par l'Italien Saraceni (Musée Capodimonte, Naples) et le néerlandais Goltzius (BNF, Paris), au XVIIIe par le français Henri-Antoine de Favanne (musée des beaux-arts, Tours) témoignent de la pérennité des thèmes mythologiques devenus l'apanage des grands souverains au premier rang desquels le Roi Soleil, Louis XIV. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

 Dans cette histoire de bijou comme un bisou, il était une fois la Haute Joaillerie été 2022, le moment dit de « La Couture » où les Maisons présentent place Vendôme leurs plus belles créations. Alors je vous partage mon pass presse pour vous emmener aux présentations de ces collections de Haute joaillerie. C'est parti pour une saison capsule de 5 épisodes !   C'est à l'hôtel d'Evreux, au 19 place Vendôme que la Maison Van Cleef & Arpels a choisi de présenter sa collection Haute Joaillerie. La grande porte bleue est pour l'occasion largement ouverte et je peux admirer la grande cour de ce chef d'œuvre de l'architecture classique française de la fin du règne de Louis XIV. Une fois passé la sécurité, je change de monde. Déjà le petit couloir éclate de couleurs. Et quand j'entre dans l'antichambre la surprise est totale. Tous les murs de la pièce résonnent des collages de l'artiste Jérémie Fischer. Des couleurs dignes de Sonia Delaunay, des à-plats qui temporisent le choc chromatique pour dessiner des paysages immenses. Ici pas de vitrines, les bijoux sont exposés le long de 3 murs comme s'ils étaient les hôtes d'une immense tablée de la Renaissance et que les visiteurs étaient le spectacle aux yeux des joyaux.      La collection s'appelle Legend of Diamond et elle est le fruit de l'exception. Tout d'abord un brut de diamant de 910 carats de couleur D et de pureté IIa. C'est le cinquième diamant brut le plus important en dimensions et en qualité qui ait été jamais extrait. Ce brut est issu de la mine Letseng au Lesotho. Cette mine est le berceau des gemmes d'exception en termes de qualité comme de proportions et c'est aussi une mine engagée qui assure une exploitation durable et une traçabilité totale.      Et dans cette collection la traçabilité est d'autant plus parfaite que les 67 diamants d'exception des 25 pièces de la collection haute joaillerie proviennent tous de ce brut d'exception appelé le Lesotho Legend. Van Cleef & Arpels l'achète au diamantaire Taché en 2018. La première technique utilisée sera le clivage, ce qui est aujourd'hui exceptionnel et ce qui permettra de créer spécialement pour la Maison les appareillages souhaités et les tailles qu'elle préfère : ovale, coussin, poire, émeraude et asscher. Au total, il aura fallu 4 ans et 30 000 heures de travail pour créer cette collection qui compte aujourd'hui 441,75 carats de diamants d'exception.     La collection reste fidèle à l'ADN de la Maison par le choix des formes : les nœuds, les chevrons, les volutes et bien sûr par la technique du serti mystérieux qu'elle a inventé en 1937.     Alors le premier collier que j'admire s'appelle Atour Mystérieux. Des volutes de diamants tout articulé s'arrondissent autour de rubis en serti mystérieux qui entourent le cou. La pierre de centre est le plus beau diamant issu du brut Lesotho Légend. Il est de taille coussin de 79,35 carats. 2 volutes de rubis en serti mystérieux traditionnel s'ouvrent en corolle de rouge intense de chaque côté du diamant et en dessous pose une collerette en serti mystérieux individuel de rubis ovales. On peut porter le diamant à part et le remplacer par une autre pièce en rubis et en serti mystérieux individuel. Ce collier rend hommage au célèbre collier Collerette que la Maison avait créée en 1939 pour la reine Nazli d'Égypte.     En contraste de couleurs, le collier Chevron Mystérieux conjugue le vert intense des émeraudes soulignées de saphirs bleus profonds. Les gemmes bien sûr en serti mystérieux créent une sorte de tissage qui fait référence au cache cœur en voque dans les années 1950. Le collier transformable en 6 portés est plat, assez large et se termine en pointe comme une couronne que l'on aurait posée retournée. 3 diamants soulignés de vert et de bleu sont suspendus et amovibles. En taille poire, le diamant central est de 31 carats et peut se porter seul. Il est encadré de 2 autres diamants poire de 12,18 et 12,07 carats qui deviennent boucle d'oreille.     Mais je crois que le collier que je préfère c'est la Collerette mystérieuse. D'abord parce que les diamants de centre sont de taille émeraude et j'adore ! Ensuite ce collier graphique alterne des panneaux de sertis diamants avec d'autres en rubis et les rubis sont suifés. Vous avez c'est quand on retaille la table donc le dessus du rubis comme un cabochon bombé tout en conservant la culasse facettée pour l'éclat. Je trouve que ça qui concentre encore plus la couleur et donne une lumière vraiment très douce. Dans ce collier presque jusqu'au motif central des diamants blancs carrés forment une dentelle qui frange le bas du collier tandis des saphirs roses sur or rose ganse le tour du cou façon couture. Un nœud en diamants blanc sur or blanc cache le fermoir. Le diamant de centre du collier est de 10,22 carats et garde suspendu celui de 51,14 carats qui se détache en cœur de bague et peut être changé pour un motif de rubis de serti mystérieux individuel.   Je ne peux pas vous raconter toutes les pièces mais pour terminer cette présentation je vous invite à traverser la place Vendôme pour aller dans la boutique Van Cleef & Arpels au numéro 20 à L'hôtel de Parabère. Car dans la Galerie du Patrimoine, jusqu'au 10 janvier, en écho à cette présentation « Légend de diamond » La Maison expose « Un siècle de créations en diamants » qui retrace les bijoux et commandes spéciales créées autour de cette pierre fascinante. Parmi les 40 pièces il y a justement le collier Collerette de la reine Nazli d'Egypte de 1939 qui a inspiré le collier Atour Mystérieux de 2022. J'ai aussi aimé le bracelet Ludo formé de briquettes imbriquées ce qui donne au bracelet une souplesse d'étoffe. Le bracelet présenté faisait partie de la collection de l'héritière américaine Barbara Hutton avant de revenir au patrimoine. Et pour les curieux du savoir faire une vidéo explique le serti mystérieux.      Ainsi ce termine laprésentation de la collection Legend of diamonds de Van Cleef & Arpels. Je suis Anne Desmarest de Jotemps et je donne une voix aux bijoux. Pour ne manquez aucune émission de cette capsule spéciale haute Joaillerie été 2022 abonnez-vous sur votre plate-forme d'écoute préférée. Si vous êtes sur Apple podcast, Spotify ou sur YouTube mettez de jolis commentaires, des pouces ou des étoiles et partagez ! C'est ce qui permet de doper le référencement des podcasts !   A demain  Je vous envoie un bisou !   Comme un bijou !   Auteure et Production : Anne Desmarest de Jotemps @iletaitunefoislebijou  Gestion du son : Anne Desmarest de Jotemps @iletaitunefoislebijou  Musique : Mer-Ka-Ba- Jesse Gallagher  Graphisme : Ghinwa Ashkar  

“Farah Atassi“ Artistes et modèlesau Musée national Picasso [2ème étage de l'hôtel Salé], Parisdu 13 septembre 2022 au 29 janvier 2023Interview de Florence Derieux, historienne de l'art et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 8 septembre 2022, durée 10'33.© FranceFineArt.Communiqué de presse Commissaire de l'exposition :Florence Derieux, historienne de l'artLe musée Picasso lance un nouveau cycle d'invitations à des artistes contemporainsAfin d'interroger la postérité de Picasso et faire écho aux débats actuels autour de son oeuvre, le Musée national Picasso-Paris lance une programmation d'interventions d'artistes contemporains. Pour sa première invitation à une figure de la création contemporaine, le Musée a convié l'artiste française ORLAN à exposer deux séries photographiques intitulées « ORLAN s'hybride aux portraits des femmes de Picasso » et « Les femmes qui pleurent sont en colère », réalisées en 2019. En septembre 2022, pour sa deuxième invitation, le Musée invite l'artiste belgo-syrienne Farah Atassi qui présente une quinzaine de ses oeuvres les plus récentes, dont six produites spécialement pour le Musée national Picasso-Paris.Un catalogue en co-édition Musée national Picasso-Paris et Manuella éditions est disponible.https://www.manuella-editions.fr/Née en 1981, d'origine syrienne, l'artiste Farah Atassi opère une relecture de la modernité en visant à la communication universelle. Elle utilise ainsi le langage formel créé par les modernes (Pablo Picasso, Fermand Léger, Georges Braque, Henri Matisse, mais aussi Jean Brusselmans ou encore Sonia Delaunay et, plus récemment, Tarsila do Amaral) non pas dans une soumission à cet héritage, mais bien pour marquer une rencontre avec un langage et un choix pictural. La régularité et la rapidité avec laquelle le travail de Farah Atassi a et continue d'évoluer, et la manière dont il se développe, en font une oeuvre particulièrement remarquable. Pour sa première exposition personnelle dans une institution parisienne, l'artiste présente une quinzaine de ses oeuvres les plus récentes, dont six d'entre elles ont été produites spécialement pour le Musée national Picasso-Paris. Cette exposition est accompagnée d'un catalogue monographique. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Kazymyr Malevych, Oleksandr Arkhypenko, Sonia Delaunay, Oleksandra Exter, Dziga Vertov, Oleksandr Dovzhenko: these names from Ukrainian avant-garde art of the early 20th century enriched European and global art history. However, they are too often known in the world as “Russian avant-garde”. In this episode, we explain why it this is not the case. Volodymyr Yermolenko, chief editor of UkraineWorld.org, speaks with Tetyana Filevska, creative director of the Ukrainian Institute, and a well-known Ukrainian art historian and culture manager. This series about Ukrainian culture is made with support of the EU Delegation to Ukraine. Support us at patreon.com/ukraineworld

¡Bienvenidos a una sesión más! Hoy te platico de la pionera de un movimiento artístico que nació gracias al cubismo, su obra se caracteriza por el color, la abstracción y el dinamismo. Fue una artista multidisciplinaria, que llevó su arte a distintos ámbitos más allá del lienzo, incursionó en el diseño textil, en el diseño de moda, en el diseño de escenografía y en el interiorismo. Hoy te platico de Sonia Sarah Stern Terk, mejor conocida como Sonia Delaunay. Quédate porque la creatividad de Sonia nos enseña el arte que sucede cuando la simultaneidad se encuentra con una mujer polifacética. Te recuerdo que las imágenes de referencia y el material adicional que complementa el tema lo vas a encontrar en mi página de Instagram @todoscultos y recuerda que también tengo una cuenta de Tik Tok con el mismo nombre. ¡Espero que esta sesión sea muy inspiradora y disfrutable!

For a second episode, we continue our new chapter that plunges us into the Paris of the inter-war period, the decade that became notoriously known as the Roaring Twenties. What did the wildness of this decade consist of? It is largely due to women who flourished in this welcoming capital, lived their lives as they wanted, and became artists on equal footing with men. They played a primordial role in the construction of modernity, and we are rediscovering them today. One of them is Sonia Delaunay, born in 1885 in Gradizhsk (today in Ukraine), and raised by her uncle in Saint Petersburg in an artistic environment. She chose to move to Paris at the age of 20, convinced by the importance of this city. She met Robert Delaunay. They married and settled in Madrid and then in Portugal until their return to Paris in 1920. For a very long time, Sonia Delaunay remained in the shadow of her husband, even though they did everything together. For example, in 1911 they established Orphism: a pictorial movement characterized by the use of bright colors and geometric shapes. She had an artistic career of her own, and also painted and created numerous decorative arts objects and textiles. She was an important woman in the art world of her time. In 1964, an exhibition of her works was organized at the Musée du Louvre. She was one of the first women to have had such a retrospective in her lifetime. The podcast Great Women of Art gives a voice to women artists of the 20th century. They speak about their work, their lives, the world around them and their achievements. Let us go in search of their presence, their secrets. Let us rediscover the hidden history of women artists through their voices.Great Women of Art is a podcast produced by AWARE: Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, in collaboration with the Institut national de l'audiovisuel, with the support of Maison Veuve Clicquot and the Ministry of Culture's Délégation à la transmission, aux territoires et à la démocratie culturelle.  AWARE is a non-profit organization co-founded in 2014 by Camille Morineau. Coordinated by: Mathilde de Croix and the AWARE team Directed by: Élodie Royer Music by: Juliano Gil Credits and Sound Editing: Basile Beaucaire Research Advisors: Catherine Gonnard and Véronique Jolivet Translation: Beth Gordon French Voice: Camille Morineau English Voice: Eléonore Besse  Illustration : Fanny Michaëlis, Sonia Delaunay, 2022 © Fanny Michaëlis      

In this episode, I'm honouring two amazingly talented and creative embroidery artists - Sonia Delaunay and May Morris - two very different aesthetics, yet both used stitch in their work.

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Þann 9. maí er ein af stærstum hátíðum í Rússlandi - Sigurdagurinn. Þetta er dagur þegar Sovétríkin ?björguðu heiminum frá fasistum?. Á þessu ári eru 77 ár liðin frá því að seinni heimstyrjöldinni lauk en þrátt fyrir stríð sem rússar hófu fyrir tveimum mánuðum í Úkraínu verður hátíðin haldin í ár. Stríðið og sigurdagurinn hefur verið lengi hluti af menningu í Rússlandi og gjarnan notað til að gera fólkið að föðurlandsvinum. Rithöfundurinn Natasha flytur okkur fjórða og síðasta pistil um sína upplifun af stríðinu í Úkraínu. ?Ég elska sköpun meira en lífið, og ég verð að tjá mig áður en ég hverf? Sonia Delaunay var frumkvöðull á sviði framúrstefnulegrar abstraktlistar á fyrri hluta 20. aldar og teygði hún möguleikana langt út fyrir strigann. Hún hannaði einnig klæðilega list eins og kjóla og búninga fyrir leiksýningar, fékkst við auglýsingagerð og myndskreytti einnig óvæntari fyrirbæri eins og bíla. Dýnamísk notkun bjartra lita var kjarninn í sköpun hennar ? hún var innblásinn af hefðbundnum aðferðum sem hún lærði í Rússlandi í bland við framúrstefnu Parísarborgar sem sprottin úr hringiðu listasenunnar þar, straumhvörfum í tækni, list, bókmenntum, leiklist, tísku og viðurkenndum venjum um hlutverk kynjanna. Við rekum aðeins nefið inn á Louisiana safnið í Danmörku þar sem yfirlitssýning um Soniu Delaunay stendur nú yfir. Kordo kvartettinn heldur tónleika í Salnum í Kópavogi næstkomandi laugardagskvöld, 30. apríl undir yfirskriftinni Frændur í norðri. Kvartettinn er nýkominn heim úr sinni fyrstu tónleikaferð, til norður-Spánar þar sem hann lék á þrennum tónleikum við góðar undirtektir. Á dagskrá verða tvö af höfuðverkum norrænnar kammertónlistar, fyrstu strengjakvartettar Carls Nielsen og Edwards Grieg sem báðir eru í g-moll. Þá verður einnig frumflutt glænýtt verk eftir Huga Guðmundsson, Redshift sem hann samdi sérstaklega fyrir Kordo kvartettinn. Við fáum til okkar helming kvartettsins, þá Hrafnkel Orra Egilsson og Þórarinn Má Baldursson og kynnumst þessari sveit betur. Umsjón: Jóhannes Ólafsson

Pour ce deuxième épisode, nous continuons le nouveau chapitre qui nous plonge dans le Paris de l'entre-deux-guerres, ces années 20 devenues célèbres grâce à l'expression des années folles. En quoi réside la folie de cette décennie ? Elle est due pour beaucoup à des femmes qui s'épanouissent dans cette capitale accueillante, deviennent des artistes célèbres.  L'une d'entre elles est Sonia Delaunay, née en 1885 à Gradizhsk (aujourd'hui en Ukraine), élevée par son oncle à Saint Pétersbourg dans un monde artistique. Elle choisit de s'établir à Paris à 20 ans, convaincue par l'importance de cette ville. Elle rencontre Robert Delaunay. Ils se marient et s'installent à Madrid puis au Portugal jusqu'en 1920, date de leur retour à Paris. Pendant très longtemps, Sonia Delaunay sera dans l'ombre de son époux. Pourtant ils font tout ensemble. Ils fondent, par exemple, l'orphisme, en 1911, un mouvement pictural caractérisé par l'utilisation de couleurs vives et de formes géométriques. Elle a une carrière artistique propre, elle peint et créé également de nombreux objets d'arts décoratifs et des textiles. C'est une femme importante dans le monde des arts. En 1964, une exposition de ses œuvres est organisée au Musée du Louvre. Elle est alors l'une des premières femmes à avoir eu une telle rétrospective de son vivant. Le podcast Les grandes dames de l'art donne la parole aux artistes femmes du XXe siècle. Elles parlent de leur œuvre, de leur vie, du monde qui les entoure et de leurs conquêtes. Partons à la recherche de leur présence, de leurs secrets. Retrouvons l'histoire cachée des artistes femmes, à partir de leurs voix. Les Grandes dames de l'art est une série de podcasts produite par AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, en partenariat avec l'INA, avec le soutien de la Maison Veuve Clicquot du ministère de la Culture. AWARE est une association loi 1901 à but non lucratif co-fondée en 2014 par Camille Morineau. À la préparation : Mathilde de Croix avec l'équipe d'AWARE À la réalisation : Élodie Royer Musique originale : Juliano Gil Générique et mixage sonore : Basile Beaucaire Conseil scientifique : Catherine Gonnard et Véronique Jolivet Voix : Camille Morineau Illustration : Fanny Michaëlis, Sonia Delaunay, 2022 © Fanny Michaëlis      

"Un musée ce n'est pas un lieu où il n'y a que des choses anciennes, c'est un musée qui va renouveler la créativité, qui va donner de l'inspiration, c'est un musée qui est dans les préoccupations actuelles aussi. C'est notre mission ici au Musée des Tissus et Arts Décoratifs mais c'est la mission de la culture, en général " — Cécile Demoncept  Responsable du service culturel et pédagogique du Musée des Tissus et Arts Décoratifs, son équipe travaille aux façons de partager l'histoire textile à tous types de publics. Installés dans deux anciens hôtels particuliers au 34 rue de la Charité, dans le deuxième arrondissement de Lyon, Cécile Demoncept nous explique comment se constitue une exposition et comment vivent les archives historiques en dialogue avec les oeuvres contemporaines.  1️⃣ Musée des Tissus et Arts Décoratifs (instagram) @museetissuslyon  (site) www.museedestissus.fr  (facebook) @museetissuslyon   On en parle : • L'exposition Art, mode et subversion    Le livre de l'exposition     (article)La collection Lee Price au musée des Tissus  • Musée des Beaux Arts de Lyon  • Musée d'Aubusson, cité de la tapisserie  • Opéra de Lyon  • Cité de la musique - Philharmonie de Paris  • Les maillots Sonia Delaunay   • Les dessous du maillot de bain (2022) ed. Les Pérégrines d'Audrey Millet   • Le livre que nous invite à lire Cécile :  Narcisse et Goldmund    2️⃣Clara Descours et Sabine Descours qui ont repris la maison familiale Descours & Genthon  " Le vêtement peut être l'occasion de sublimer cette matière qu'est la soie." — Clara Descours 200 ans d'existence, Descours et Genthon est une maison ancrée dans l'histoire textile française et lyonnaise.  @descoursetgenthon  descoursetgenthon.com  ➡️Découvrez le Village des Créateurs  (site) www.villagedescreateurs.com  (insta) @villagedescreateurs  Au Passage Thiaffait (ateliers-boutiques et bureaux)  - 19 rue René Leynaud 69001 Lyon, France Le Pop-Up Store (boutique nomade) - 3 place Bellecour Lyon 2 ⭐ MERCI à Rémon Jr. pour le  montage de cet épisode !

I denne udgave af Morgenkrydderen har vi: Vi hører først borgmester Thomas Lykke Pedersen, der fortæller lidt om et par sager fra seneste møde i Økonomiudvalget, hvor man behandlede en sag ved livestreaming af byrådsmøderne. Han beretter også om et fokus som kommunen har på handicapområdet, hvor økonomien er stigende. Borgmesteren fortæller oghså om kommunes indsats på flygtiningeområdet i forbindelse med Ukraine krisen. Børnejazz Fredensborg har den 3. april besøg af Casper Mikkelsens dejlige jazzband. Daniel har talt med Casper Mikkelsen for at høre lidt om orkestret og hvad børnepublikummet kan vente sig. Så bringer vi en reportage fra Kunstmuseet Lousiana, der i februar åbnede en udstilling med Sonia Delaunay's værker. Vi hører - Jan Hybertz Gøricke – pressechef - Poul Erik Tøjner – direktør - Tine Colstrup – museumsinspektør og kurator Udstillingen kan ses frem til 12 juni 2022.  Daniel har nyheder fra Humleborg online og Cybervejret er med Leif Jensen.

Cecilia Blomberg om en målning från 1913 med sug i färgerna, som ser ut att knuffa varandra runt över duken i en rörelse. Eller snarare elegant föra varandra - som i en dans. Det är året före Första Världskriget och konstnären Sonia Delaunay och hennes man Robert går varje torsdag till danspalatset Bal Bullier på Boulevard Saint Michel i Paris. Det sägs att Sonia själv inte dansade, utan mest satt nära orkestern och sög in energin och rörelsen i rummet. Men rytmerna gav oss lust att få färgerna att dansa, skriver hon i sin självbiografi. Hon var tidig med att röra sig fritt mellan design och konst. Och hon var uppfylld av tidens tekniska innovationer. Framtiden såg lovande ut och den nya kvinnan var född.Sonia Delaunay föddes 1885 troligen i Odessa. Hennes föräldrar var fattiga och hon adopterades av en välbeställd moster och morbror i Sankt Petersburg då hon var fem år. Hon hade guvernanter som lärde henne tyska, engelska och franska. Mötte konsten. Redan som 19-åring åker hon till Karlsruhe i Tyskland för att studera konst. Resan fortsatte sen till Paris och studier vid Académie de la Palette.Världen var för grå, för svart, för brun, tyckte Sonia Delaunay. Det behövdes inte bara ny konst utan även mer färg i kläder och inredning. Gatan och krogen och nöjeslivet skulle bli en levande visuell gestaltning av hennes tankar om färg, färg och åter mer färg.

Cecilia Blomberg om en målning från 1913 med sug i färgerna, som ser ut att knuffa varandra runt över duken i en rörelse. Eller snarare elegant föra varandra - som i en dans. Lyssna på alla avsnitt i Sveriges Radio Play. Det är året före Första Världskriget och konstnären Sonia Delaunay och hennes man Robert går varje torsdag till danspalatset Bal Bullier på Boulevard Saint Michel i Paris. Det sägs att Sonia själv inte dansade, utan mest satt nära orkestern och sög in energin och rörelsen i rummet. Men rytmerna gav oss lust att få färgerna att dansa, skriver hon i sin självbiografi. Hon var tidig med att röra sig fritt mellan design och konst. Och hon var uppfylld av tidens tekniska innovationer. Framtiden såg lovande ut och den nya kvinnan var född.Sonia Delaunay föddes 1885 troligen i Odessa. Hennes föräldrar var fattiga och hon adopterades av en välbeställd moster och morbror i Sankt Petersburg då hon var fem år. Hon hade guvernanter som lärde henne tyska, engelska och franska. Mötte konsten. Redan som 19-åring åker hon till Karlsruhe i Tyskland för att studera konst. Resan fortsatte sen till Paris och studier vid Académie de la Palette.Världen var för grå, för svart, för brun, tyckte Sonia Delaunay. Det behövdes inte bara ny konst utan även mer färg i kläder och inredning. Gatan och krogen och nöjeslivet skulle bli en levande visuell gestaltning av hennes tankar om färg, färg och åter mer färg.

Nyhetssändning från kulturredaktionen P1, med reportage, nyheter och recensioner. Allt fler artister lanserar ny musik via tv-serier, fotoserie om det Kiruna som snart försvinner, recension av utställning om konstnären Sonia Delaunay, konstnären Carmen Herrera död 106 år gammal, espressokultur kan bli världsarv

Vi är halvvägs genom Berlins filmfestival vår utsände reporter Lisa Bergström har träffat bland andra skådespelaren Emma Thompson och regissören Jöns Jönsson, båda aktuella på festivalen. BILDER FRÅN EN VARDAG UNDER HOTET AV KRIG I en serie bilder på konstmuseet MoMas hemsida tecknar den ukrainska konstnären Anna Sarvira direkt från en vardag i ett Kiev som just nu befinner sig på randen till konflikt. P1 Kultur ringde upp henne för att prata om att leva och verka som konstnär under krigets skugga.EN ABSTRAKT 1900-TALS KLASSIKER En abstrakt pionjär. Konstnären Sonia Delaunay är en föregångare i den abstrakta konsten strax efter förra sekelskiftet och blev tongivande både inom konst och design. Just nu visas hon på Louisiana utanför Köpenhamn. P1 Kultur har varit där. BOK OMSLAG FÖRVILLANDE LIKA Inom vissa bokgenrer har tydliga stilar vuxit fram på omslagen för att signalera vad det är för bok som ryms innanför pärmarna ibland så tydliga att bokomslagen blir förvillande lika. P1 Kultur undersöker varför bokomslag ser ut som de gör. ESSÄ: JERICHAUS MÄSTERVERK ÄR ALLTID ALLDELES NYTTDen danske konstnären Jens Adolf Jerichau nådde svindlande höjder tidigt i sitt korta liv. Konstkritikern Pontus Kyander berättar i dagens essä om en målning som är omöjlig att göra sig fri från.Programledare: Saman Bakhtiari Producent: Eskil Krogh Larsson

“Alicia Paz“ Juntas (Ensemble)à la Maison de l'Amérique latine, Parisdu 27 janvier au 31 mars 2022Interview de Alicia Paz, par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 26 janvier 2022, durée 21'56. © FranceFineArt.par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 26 janvier 2022, durée 21'56.© FranceFineArt.Communiqué de presseCommissaires : Julie Crenn et Lassla EsquivelCette exposition, à découvrir dès le 27 janvier 2022, est dédiée au travail de l'artiste franco-mexicaine-américaine Alicia Paz qui propose une réflexion sur une histoire transculturelle, collective et intime des femmes.Les peintures, sculptures et installations d'Alicia Paz sont les supports d'une pensée rhizomatique dont le vortex est nourri de son expérience personnelle. Elle est née et a grandi au Mexique, avant de vivre aux États-Unis, en France et aujourd'hui au Royaume-Uni. Il n'est donc pas étonnant que l'artiste explore les notions de déplacements, de territoires, de généalogies, d'identités, de cultures, d'esthétiques, de métissage et de représentation. Ces questions s'ouvrent et se déploient au sein d'oeuvres pensées comme les fragments d'une pensée plastique et critique en perpétuel mouvement.À partir d'aires culturelles plurielles, Alicia Paz puise aussi bien ses références dans le domaine des arts décoratifs (tapisserie, papier peint, assiettes de Delft, azulejos, joaillerie…), que dans les livres d'histoires, les dessins botaniques ou encore les cartes géographiques et maritimes. Elle peint sur toile des portraits de femmes. Qui sont-elles ? Des femmes qui comptent pour Alicia Paz. Des femmes qu'elle admire, qui l'ont soutenu, qui l'inspirent ou qui la bouleversent. Elles sont ses amies, des membres de sa famille, des femmes anonymes et des femmes célèbres (femmes politiques, scientifiques, poétesses, autrices, théoriciennes, militantes, chanteuses, artistes…). D'un portrait vers un autre apparaissent Nina Simone, Sor Juana Inés de la Cruz, Virginia Woolf, Marie Curie, Sonia Delaunay, Elvia Carrillo Puerto, Rosa Luxemburg, Angela Davis, Ana Mendieta, Billie Holiday, Olympe de Gouges, Phillis Wheatley, Rosario Castellanos, Mary Shelley, Anna Julia Cooper, Esperanza Brito, Audre Lorde et bien d'autres. Alicia Paz réunit des femmes issues d'époques, de cultures, de classes et de géographies différentes. Ensemble (juntas) elles sont les actrices de leur propre histoire (herstory). Au sein d'une pensée plastique organique et située, Alicia Paz rassemble les géographies, les temporalités, les expériences et les luttes des protagonistes représentées. Loin d'une éternelle représentation patriarcale où les femmes sont envisagées comme des objets, sensuels, silencieux et dociles, ici, les femmes s'expriment activement et revendiquent une histoire partagée.Les oeuvres, issues de différentes séries, sont séduisantes et font appel à un imaginaire collectif. Si elles sont le résultat d'intentions plastiques fortes, elles portent également un projet politique affirmé : celui de visibiliser une histoire transculturelle, collective et intime des femmes. Il s'agit alors de mettre des visages, des noms, des parcours, des discours aux multiples chapitres d'une histoire qui souffre d'amnésie.Julie Crenn Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

In this interview with Eric Lagergren, he leaves us with an important message: never take your art too seriously. Perfection is unachievable, especially when you're desperate to obtain it. Featured pieces: Quarantime | Flor de Muerto | Rhopalocera Where to find Eric Lagergren and his music: Website | Instagram | Twitter SoundCloud | Bandcamp Theme music is by Daryl Banner. Alexandrian Media podcast music by Andrew Gavin. Voiced by Michael Bolton. Listen to this episode early and ad-free by supporting The Composer Chronicles on Patreon. Listen to 20 - Robert and Sonia Delaunay on Cultured, But... Not Really on your favorite podcatcher. Sign up for Amazon Music Unlimited! | Alexandrian Media Store --- Send in a voice message: https://anchor.fm/thecomposerchronicles/message

Paris was (and still is) a cultural capital of the world, especially in the 20th century. Art truly flourished then, and the painters Robert and Sonia Delaunay helped to trailblaze a new style of art taking the Parisian galleries by storm. Theme music is by Daryl Banner. Become a member on the Cultured, But… Not Really Patreon page to get access to ad-free versions of this podcast: https://patreon.com/reallycultured Alexandrian Media Merch Store --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/reallycultured/message

Many of the female artists we have shared on Paris History Avec a Hemingway on La Vie Creative Podcast have been hidden behind their male contemporaries. Sonia Delaunay is just as well known as her husband Robert, but there was a whole side to her art that I had never noticed before. Sonia Stern born November 14, 1885 in the Ukraine. Her parents were working class and at 5 years old her mother gave her up for adoption to her wealthy uncle Henri Terk. Henri showed the young Sonia a life of art and culture and exposed her to an education she would not have received from her working class parents.  At 18 she was fluent in four languages and was off to the Academy of Fine arts in  Karlsruhe, Germany in 1904. The next year she was in Paris at the Academie de la Palette. The same year Wilhelm Uhde arrived in Paris from Germany and opened a gallery on Rue Notre Dame des Champs and purchased his first Picasso and built a collection and circle of friends that would include Sonia. In 1908 she and Wilhelm married, a marriage of convenience between friends. Sonia wanted to avoid returning to Russia and Wilhelm needed to conceal his homosexuality. That same year she met French artist Robert Delaunay.On November 15, 1910 Robert and Sonia married but she and Wilhelm remained close for the rest of their lives. Sonia had already begun painting and exhibiting at the Salon and the couple now influenced and inspired each other as a force few had seen in Paris. Sonia was constantly looking for other ways to share her art. She moved from the canvas to every other form of art she could find. Her focus would turn to home furnishings, fabric, clothing and even cars. During WWI while in Spain she opened Casa Sonia, selling her fabrics and home goods and opened 4 locations. Inside the Musée du Louvre while most of the greats were inspired by the masters, she was drawn to the jewelry of Egypt and Messopotamia. In 1964 she was given the first living female artist exhibition inside the walls of the museum that inspired her. Even Picasso didn't exhibit in the Louvre until 1971. Hear her entire story today at La Vie Creative Podcast - Paris History Avec a Hemingway.More info and photos: https://www.claudinehemingway.com/paris-history-avec-a-hemingway-podcast-1Support Claudine on Patreon and get more of Paris and all her stories and benefits like discounts on her tours, custom history and exclusive content  https://www.patreon.com/bleublonderougefacebook https://www.facebook.com/BleuBlondeRougeInstagram https://www.instagram.com/claudinebleublonderouge/Join us every Sunday for a LIVE walk through Paris filled with history https://www.claudinehemingway.com/eventsSign up for the weekly Blue Blonde Rouge newsletter  https://view.flodesk.com/pages/5e8f6d73375c490028be6a76 Claudine Hemingway Support the show (https://www.patreon.com/join/Laviecreative)

durée : 03:00:00 - Les Nuits de France Culture - par : Philippe Garbit - Par Marie-Christine Navarro - Avec Jean Bazaine, Jacques Bony, Gérard Houbron, Maurice Jacquemond, Jean Tardieu, Alfred Manessier, Geneviève Asse, Jean Le Moal et Jacques Banaszuc- Avec en archives, les voix de Sonia Delaunay, Georges Braque, Jacques Villon, Ferdinand Léger, Joan Miro, Alberto Giacometti et Maria Helena Vieira da Silva - Lectures Pierre-Marie Van Dievoet - Réalisation Marie-Dominique Arrighi

Rythme, on en a trop peu parlé.Cliquez ici pour voir le tableauAuteure des textes : Anne SchmauchDirection Editoriale: Pénélope BoeufVoix : Pénélope BoeufProduction : La Toile Sur Écoute Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Overshadowed but not to be underestimated, Sonia Delaunay had a truly free creative spirit that saw her become not only an influential taste-maker and important modern artist, but also a consummate entrepreneur and master of her own personal brand. Kunst Please is a micro-dose of modern art history. An exploration into the more unexpected side of modern and contemporary art, featuring stories of the famous and the infamous, the weird and the wonderful, the unheard, the cult, the criminally overlooked and the criminally insane. Created and produced by Jonathan Heath. Follow the gallery space on Instagram @kunstplease Check out show-notes and assorted ephemera at kunstpleasepod.medium.com/

This week we talked about the COMPLETELY underrated Sonia Delaunay. Not only is she the star of a lovely backstory with a charming relationship, but she also is the mother of the Orphism art movement that would go on to inspire the future of abstract art.  If that wasn't enough, she also became a set, costume, and fashion designer, starting multiple companies and even creating textiles that most likely influenced the Bauhaus school weaving style that became famous. The blog post about Sonia DelaunayAnother great article about Sonia DelaunayWant to check out some of our favorite books? Check out our booklist Follow Us on Instagram @morethanamuse.podcast

Bonjour et bienvenue dans ART au féminin, Souvenez-Vous ! Le 17 octobre 2020, j'ai partagé avec vous un épisode sous forme d'une visite guidée, commentée par Delphine Rousseau (conservatrice du XIXe siècle au Palais des Beaux Arts de Lille). A travers cet épisode, nous avons découvert ces quelques femmes artistes du musée, comme : Camille Claudel Berthe Morisot Marie Laurencin Sonia Delaunay Genevieve Asse Rosa Bonheur Si vous n'avez pas encore écouté l'épisode, c'est le moment de le faire. Je vous ai présenté la saison 2 à travers une bande-annonce : Les femmes artistes du Palais des Beaux Arts de Lille. Tout comme la première saison, je consacrerai pour cette nouvelle saison, un épisode par artiste. Vous pouvez écouter les précédents épisodes de cette saison : Camille Claudel, Berthe Morisot, Marie Laurencin, Sonia Delaunay et Geneviève Asse. Aujourd'hui, pour le dernier et 6 eme épisode de la saison 2. Je vous parle de Rosa Bonheur. Sa vie et son oeuvre. Pour l'occasion, vous entendrez Lou Brault du château Rosa Bonheur, nous en parler avec passion. Nous parlons aussi de la biographie de l'artiste, de l'histoire du château, et j'en passe. Je ne vais pas vous en dire plus et vous invite a écouter cet épisode riche en découvertes. C'est sur ART au féminin que ça se passe. Bonne écoute ! Vous pouvez aussi me suivre ici : https://www.instagram.com/artaufeminin/ Et sur le site : https://artaufeminin.fr/

Bonjour et bienvenue dans ART au féminin, Souvenez-Vous ! Le 17 octobre 2020, j'ai partagé avec vous un épisode sous forme d'une visite guidée, commentée par Delphine Rousseau (conservatrice du XIXe siècle au Palais des Beaux Arts de Lille). A travers cet épisode, nous avons découvert ces quelques femmes artistes du musée, comme : Camille Claudel Berthe Morisot Marie Laurencin Sonia Delaunay Genevieve Asse Rosa Bonheur Si vous n'avez pas encore écouté l'épisode, c'est le moment de le faire. Je vous ai présenté la saison 2 à travers une bande-annonce : Les femmes artistes du Palais des Beaux Arts de Lille. Tout comme la première saison, je consacrerai pour cette nouvelle saison, un épisode par artiste. Vous pouvez écouter les précédents épisodes de cette saison : Camille Claudel, Berthe Morisot et Marie Laurencin, et Sonia Delaunay. Aujourd'hui, pour l'épisode 5 de la saison 2. Je vous parle de Geneviève Asse. Sa vie, son art, son oeuvre, le bleu Asse. C'est sur ART au féminin que ça se passe. Bonne écoute ! Vous pouvez aussi me suivre ici : https://www.instagram.com/artaufeminin/ Et sur le site : https://artaufeminin.fr/

Bonjour et bienvenue dans ART au féminin, Souvenez-Vous ! Le 17 octobre 2020, j'ai partagé avec vous un épisode sous forme d'une visite guidée, commentée par Delphine Rousseau (conservatrice du XIXe siècle au Palais des Beaux Arts de Lille). A travers cet épisode, nous avons découvert ces quelques femmes artistes du musée, comme : - Camille Claudel - Berthe Morisot - Marie Laurencin - Sonia Delaunay - Genevieve Asse - Rosa Bonheur Si vous n'avez pas encore écouté l'épisode, c'est le moment de le faire. Je vous ai présenté la saison 2 à travers une bande-annonce : Les femmes artistes du Palais des Beaux Arts de Lille. Tout comme la première saison, je consacrerai pour cette nouvelle saison, un épisode par artiste. Vous pouvez écouter les précédents épisodes de cette saison : Camille Claudel, Berthe Morisot et Marie Laurencin. Aujourd'hui, pour l'épisode 4 de la saison 2. Je vous parler de Sonia Delaunay. La vie et l'art coloré d'une magique artiste magicienne. Pour l'occasion j'ai invité NART l'art en 3 coups de pinceau (Youtubeuse), a nous parler de cette artiste. C'est sur ART au féminin que ça se passe. Bonne écoute ! Vous pouvez aussi me suivre ici : https://www.instagram.com/artaufeminin/ Et sur le site : https://artaufeminin.fr/

Escrito y narrado por Susana Benko Imagen: Sonia Delaunay en su estudio en el bulevar Malesherbes, París, Francia, 1925. Fotografía de Germaine Krull (Alemán, 1897-1985). Biblioteca Nacional de Francia. © L & M SERVICES B.V. La Haya 20100623.

Moderne, indépendante, féministe, avant-gardiste… C’est une plongée dans la vie et dans l'œuvre de l’incontournable artiste Sonia Delaunay que je vous propose cette semaine. J’ai la chance d’avoir avec moi dans cet épisode Cécile Godefroy. historienne de l’art et docteure de l’université Paris IV, elle est surtout, en 2014, la co-commissaire de l’exposition “Sonia Delaunay, les couleurs de l’abstraction” au Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Cette exposition majeure, c’est la première grande rétrospective française d’envergure consacrée exclusivement à Sonia Delaunay. Près de 400 œuvres de l’artiste étaient présentées, de ses premiers portraits, peintures et dessins, à son travail autour du textile, du design et de l’architecture. Mais cette exposition a surtout permis de replacer Sonia Delaunay dans l’histoire de l’art en tant que pionnière de l'abstraction, de l'utilisation des couleurs, également comme "passeur" entre la génération des pionniers de l'abstraction et celle des abstraits de l'après-guerre, et non comme "femme de" Robert Delaunay, comme l'ont souvent catégorisée de nombreux critiques de l'époque. Dans cet épisode passionnant, Cécile Godefroy nous raconte l’enfance de Sonia Delaunay, passée dans l’Ukraine de la fin du XIXe. Nous revenons aussi sur son arrivée à Paris, véritable acte d’émancipation et d’indépendance, on parle également de sa peinture, de son travail, qu’elle veut un “art total”, et bien sûr de sa rencontre avec Robert Delaunay, dont elle défendra le travail longtemps après sa disparition, au risque de s’effacer elle-même des ouvrages d’histoire de l’art. Le reste est dans l’épisode ! Bonne écoute ! • Quelques ressources : Pour en savoir plus sur l'exposition du MAM de 2014 : www.mam.paris.fr/sites/default/files/documents/dossier-pedagogique-delaunay-mam.pdf Pour aller plus loin : "Sonia Delaunay, des couleurs dans les yeux" sur France Culture www.franceculture.fr/emissions/une-vie-une-oeuvre/sonia-delaunay-1885-1979-des-couleurs-dans-les-yeux Archives INA : www.ina.fr/video/I10279341 • Crédits : Femmes d’art est un podcast produit et réalisé par Marie-Stéphanie Servos Musique libre de droits www.femmes-dart.com www.instagram.com/femmesdart_ Contact : femmesdart@gmail.com

Un día como hoy, 5 de diciembre: 1890, na e Fritz Lang. 1901, nace Walt Disney. 1946, nace José Carreras. 1791, fallece W. A. Mozart. 1870, fallece Alexandre Dumas. 1979, fallece Sonia Delaunay. 2007, fallece Karlheinz Stockhausen. Una producción de Sala Prisma Podcast. 2020

Mixtape 23 sees Mexican artist Lorena Quintanilla crafting a selection of tunes to warm the late November afternoons. Originally for Guadalajara, the artist made a name for herself as one-half Lorelle Meets The Obsolete, a duo responsible for some of the most sonically adventurous psych experimentalism of recent times with a reputation for exceptional live shows and a catalogue of equally impressive albums to match. Now relocated in the less hectic city of Ensenada in Baja California, Quintanilla has reinvented herself into J. Zunz, a new solo project where she explores similar atmospherics but marking a distance with what she had been doing with the obsolete. J.Zunz is also the result of a metamorphic process whereby the minimal is rendered maximal and the personal fused with the political. The initial vision for the J. Zunz project was for Lorena to strip her approach down to the basics. She remembers reading a biography of John Cage, where the author was referring to the influence of Buddhism and meditation, and modern artists like Sonia Delaunay, Lucio Fontana, Julio Le Parc, Duchamp, futurism... that detonated something inside her and sparked a myriad of ideas. Earlier in August J. Zunz published her second album, Hibiscus, one of the most popular flowers in her native Mexico. The album marks a move on sonically from earlier comfort zones in her work, into minimal electronics, hypnotic repetition and compelling trance states, arriving at a soundworld in which cyclical synth patterns, eerie ambient textures and cathartic vocal exhortations. “It is hard to describe any record as they keep unfolding to me in time,” says Lorena. “Now it is almost a year since I recorded it. What I know is that I wrote the album during a personal crisis inside and a political crisis outside. After being profoundly hurt by a person, I trusted but also by the structures outside of me. I wrote it during sleepless nights filled with overwhelming thoughts and feelings.” The collection of tracks in Hibiscus are sinuous, enticing and mysterious; one may feel a bit spooked while wishing this mischievous journey never finishes. For this mixtape, Lorena was inspired by the content of CLOT Mag: I selected some tracks by INTERSPECIFICS, which is an amazing collective that mixes science with music. I chose some tracks that use the translation of different microorganisms and their bioelectrical activity into sound. I also added a track by Alexandra Cárdenas (a master at LiveCoding) and some political electronics from the past. The artists behind the track Ola! have been experimenting with mind and body healing through sound frequencies. I know they have a mattress filled with subwoofers where you can rest while you are feeling the vibrations. Tracklist: 1. INTERSPECIFICS - Infinites 2. Iván Pequeño - ¡Ahora! (Fragmento) 3. Niños De La Tierra - Ola! (Late Edit) 4. Jocy de Oliveira - Wave Song Para Piano e Fita 5. Alexandra Cárdenas - HELLO WORLD 6. INTERSPECIFICS - Slime Mould Music

Un día como hoy, 14 de noviembre: 1719, nace Leopold Mozart. 1805, nace Fanny Mendelssohn. 1840, nace Claude Monet. 1885, nace Sonia Delaunay. 1900, nace Aaron Copland. 1716, fallece Gottfried Leibniz. 1831, fallece Georg Hegel. 1844, fallece Flora Tristan. 1946, fallece Manuel de Falla. Una producción de Sala Prisma Podcast. 2020

Cette semaine, je reçois Florence Bamberger. Florence habite à Paris, elle est directrice artistique, illustratrice et céramiste. Avant de lancer cet épisode, je vous invite d'ores et déjà à vous rendre sur son compte Instagram (dont le lien est en bas de cette note) ou sur son site internet pour découvrir son travail. Florence a un univers assez unique : elle imagine, dessine, et donne vie à des créations étonnantes, colorées, aux formes arrondies, qui semblent être tout droit sorties d’une rêverie, et qui rappellent des visages antiques. J’ai été séduite par l’apparente simplicité de son travail. Mais il ne faut pas s’y tromper, absolument tout dans ses créations est pensé et réfléchi. Dans cet épisode, Florence revient sur son parcours, elle me raconte comment elle est passée de l’illustration pour de grandes entreprises à la céramique et comment elle lie aujourd’hui cette activité à son travail de directrice artistique. Elle me parle aussi de ses inspirations, de son processus de création et des femmes qu’elle admire, parmi lesquelles les artistes Sonia Delaunay et Claire Tabouret. Je ne vous en dis pas plus, le reste est dans l’épisode. Bonne écoute ! • Pour en savoir plus sur Florence Bamberger : www.florence-bamberger.com Rendez-vous aussi sur sa page Instagram : www.instagram.com/florencebamberger • Crédits : Femmes d’art est un podcast produit et réalisé par Marie-Stéphanie Servos Musique libre de droits www.femmes-dart.com www.instagram.com/femmesdart_ Contact : femmesdart@gmail.com

Join us as we talk about French painter and fabric designer Sonia Delaunay and how she pioneered the abstract movement in which she is barely noted. By writer Jana Marlene Mader and art historian Kaitlyn Allen

Com as medidas de confinamento um pouco por todo o mundo, os hábitos de consumo cultural estão a adaptar-se às mudanças. Os museus expõem as suas colecções online, os teatros exibem peças nas suas páginas internet, há festivais de música via Facebook e até há leilões de arte “virtuais”. “Virtuais” só mesmo por uma questão de linguagem porque “os resultados  são bem reais”. A RFI falou com Cédric Melado, co-fundador da leiloeira parisiense FauveParis. A leiloeira parisiense FauveParis nasceu em 2014 como uma “start-up” e quis descomplexar o mercado da arte. Galeria de exposições, café e restaurante, jardim interior… O objectivo era tirar de casa pessoas que nunca iam a leilões e fazê-las descobrir um mundo novo com um copo na mão e um catálogo de obras na outra, enquanto viam os lotes em exposição… O confinamento obrigou a FauveParis a fechar, as pessoas a ficarem em casa, mas os leilões continuam online. Um desafio para Cédric Melado, co-fundador da leiloeira, que iniciou a nova aventura através da internet. “Tínhamos um leilão preparado, a sala de exposições já estava pronta, todos os vendedores estavam prontos, já tínhamos bastante interesse neste leilão. Então, pensámos de que maneira poderíamos continuar, sendo que já estava quase tudo pronto. A única coisa que faltava era a técnica”, conta. A técnica estava à distância de alguns cliques. “Para eu estar em contacto com o resto da equipa usamos o Zoom e as pessoas que seguem o leilão usam a plataforma habitual Drouot Live que é um sistema já usado pelos leiloeiros para que toda a gente possa seguir os leilões na internet.” O resultado superou as expectativas. No primeiro leilão, a 21 de Março, na primeira semana do confinamento em França, houve “duas a três vezes mais pessoas conectadas na internet do que é habitual” e “foi um bom negócio”. “Vendemos mais de 80 % dos lotes, tivemos um desenho de Frantisek Kupka que estava avaliado em 15.000 euros e acabou em 35.000 euros. Tínhamos várias peças em que tivemos mesmo muitas licitações e pontos em que tivemos quatro ou cinco pessoas a licitar ao mesmo tempo ao telefone por videoconferência e outras pessoas na internet”, descreve. Seguiram-se dois outros leilões, a 28 de Março e a 4 de Abril, o primeiro dedicado à arte africana, arte pré-colombiana e arqueologia, e o segundo de pintura orientalista, essencialmente em torno do Líbano, no século XIX. O próximo leilão é a 11 de Abril e vai ser de arte moderna, arte contemporânea e design. Entre as 68 obras estão peças de Le Corbusier, Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Sonia Delaunay, Frantisek Kupka, Bram Van Velde , Salvador Dalí, Man Ray, Mel Ramos e Fernando Da Costa, entre muitos outros. Na escultura em metal do pintor de origem portuguesa Da Costa, pode ler-se, nas costas, a frase: “Um dia quem sabe esta chave será a chave da nossa felicidade ? Com todo meus sentimentos”. Para já, “a chave” passa pelos leilões online, mas quando terminar o confinamento o objectivo é voltar a abrir portas e encher a sala da leiloeira em Paris. “Gostamos de ter o contacto com as pessoas. Temos um espaço bastante grande mesmo no centro de Paris, com um café, com um restaurante. Eu gosto de ter as pessoas a licitar à minha frente”, sublinha Cédric Melado. O leiloeiro lusodescendente espera que o confinamento crie “saudades da arte ao vivo" que prevaleçam sobre os novos hábitos de consumo cultural online ganhos durante as semanas de isolamento social. “As pessoas vão ficar com saudades de poder ter este contacto com a arte. As pessoas estão tão aborrecidas agora com esta situação que quando se voltar ao normal só vão querer ver a cultura ao vivo”, conclui.  

Betty and Quinn focus in on the Ukrainian-French artist Sonia Delaunay, co-founder of the Orphism movement and brilliantly stylish designer.

Bonjour, aujourd’hui, au Centre Pompidou, nous découvrons 4 nouveaux chefs d’œuvre qui nous emmènent au cœur de la peinture, de ses formes et ses couleurs. Nous assistons à la naissance de l’abstraction avec L’Arc noir de Vassily Kandinsky, New York City I de Piet Mondrian et Prismes électriques de Sonia Delaunay, puis nous nous retrouvons en 1962, devant SE71, L’Arbre, grande éponge bleue, l’une des dernières œuvres de Yves Klein, faite l’année même de sa mort. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Entretien avec Frédéric Paul, commissaire de l’exposition « Points de rencontres », sur l’art et l’émotion.Fruit de la première saison du Fonds de dotation Centre Pompidou Accélérations, l’exposition « Points de rencontres » est née en 2018 d’une rencontre avec 7 entreprises (Teréga, Cdiscount, Orange, Neuflize OBC, Axa, Tilder, Ermewa) décidées à s’engager dans un dialogue original avec le monde artistique, les équipes et les publics du Centre Pompidou. Les œuvres créées à cette occasion par Hubert Duprat, Lionel Estève, Alexandre Estrela, Agnès Geoffray, Axa, Jonathan Monk, Camila Oliveira Fairclough et Bruno Serralongue dialoguent avec une sélection d’œuvres modernes ou contemporaines issues des collections (Joseph Albers, Brassaï, Sonia Delaunay, Paul Klee…) ; toutes ont l’émotion comme point commun, du rire aux larmes, de l’amour à la détestation.Réalisation : Iris Ouedraogo / Louie MediaDesign musical : Sixième Son Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

durée : 00:58:44 - Une vie, une oeuvre - par : Lénora Krief - Sonia Delaunay est difficile à qualifier tant elle expérimente ses recherches plastiques dans de multiples domaines dès les années 1910. Avec Robert Delaunay, le couple d’artistes s’engage dans le simultanisme - une voie lumineuse qu’elle poursuivra et réinventera seule après le décès de son mari. - réalisation : Lionel Quantin

Dive into the aura of pure color through the paintings of 20th-century painter, Sonia Delaunay. "Electric Prisms," oil on canvas, 1914; Collection of Centre Pompidou, Paris, FranceReferences I used for this podcast episode include, "Sonia Delaunay," Arthur A. Cohen and the Museum of Modern Art (www.moma.org)

Dive into the aura of pure color through the paintings of 20th-century painter, Sonia Delaunay. "Electric Prisms," oil on canvas, 1914; Collection of Centre Pompidou, Paris, FranceReferences I used for this podcast episode include, "Sonia Delaunay," Arthur A. Cohen and the Museum of Modern Art (www.moma.org)

You got questions and we got answers! The Babes pour over all sorts of interesting emails — sharing everything from GRE advice, grad school application horror stories, and research tips to updates on weird putti, Sonia Delaunay, and the Terracotta Soldiers. Plus feminism AND cannibalism !!!   YouTube: https://bit.ly/2KARhkx   Check out our Patreon for bonus episodes: www.patreon.com/arthistorybabes   Website: www.arthistorybabes.com   Insta: @arthistorybabespodcast   Twitter: @arthistorybabes   Email: arthistorybabes@gmail.com     Episode 63: Q & A   https://www.arthistorybabes.com/episode-62-qa   Episode 3: Weird Putti   https://www.arthistorybabes.com/episode-3-weird-putti   Episode 76: Women of Abstract Expressionism   https://www.arthistorybabes.com/episode-76-women-of-abstract-expressionism-w-sartle Learn more about your ad choices. Visit podcastchoices.com/adchoices

Pour ce nouvel épisode de chiffon, je reçois celle que l’on surnomme « la queen des imprimés ». Elise Chalmin a créé sa marque éponyme en 2015 à l’âge de 24 ans. Cette jeune femme dynamique est un pur produit de la génération Z. Elle aime les couleurs, les motifs, les voyages, les challenges, la liberté d’entreprendre et surtout, elle souhaite organiser son temps comme elle l’entend. Cette liberté, on la sent dans sa façon de s’habiller. Elise s’affranchit de toutes les règles et des codes de la parisienne. Point d’uniforme pour elle ! Elise aime : le bariolé, les fleurs, la soie, les formes géométriques, et mixer toutes les couleurs jaune, rouge, orange, moutarde, point d’interdits pour elle … à l’instar des artistes qu’elle aime Sonia Delaunay et Nathalie du Pasquier. Je lui ai donné rendez-vous au Terrass Hotel. Elle est arrivée toujours aussi pétillante habillée en blanc alors qu’il pleuvait averse ! Sa définition de l’élégance passe par les mains… Cet épisode de Chiffon est réalisé avec le soutien de Maison Seconde, un site internet qui revend les vêtements portés par les it girls du moment. Et grâce au code « Chiffon », vous bénéficierez de 20 % de réduction sur votre commande. Merci infiniment au Terrass Hotel partenaire de cette émission www.terrass-hotel.com ainsi que le magazine Grazia qui diffuse également cet épisode et dans lequel vous pourrez retrouver un portrait de l'invité du jour.

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Pour ce nouvel épisode de chiffon, je reçois celle que l’on surnomme « la queen des imprimés ». Elise Chalmin a créé sa marque éponyme en 2015 à l’âge de 24 ans. Cette jeune femme dynamique est un pur produit de la génération Z. Elle aime les couleurs, les motifs, les voyages, les challenges, la liberté d’entreprendre et surtout, elle souhaite organiser son temps comme elle l’entend. Cette liberté, on la sent dans sa façon de s’habiller. Elise s’affranchit de toutes les règles et des codes de la parisienne. Point d’uniforme pour elle ! Elise aime : le bariolé, les fleurs, la soie, les formes géométriques, et mixer toutes les couleurs jaune, rouge, orange, moutarde, point d’interdits pour elle … à l’instar des artistes qu’elle aime Sonia Delaunay et Nathalie du Pasquier. Je lui ai donné rendez-vous au Terrass Hotel. Elle est arrivée toujours aussi pétillante habillée en blanc alors qu’il pleuvait averse ! Sa définition de l’élégance passe par les mains… Cet épisode de Chiffon est réalisé avec le soutien de Maison Seconde, un site internet qui revend les vêtements portés par les it girls du moment. Et grâce au code « Chiffon », vous bénéficierez de 20 % de réduction sur votre commande. Merci infiniment au Terrass Hotel partenaire de cette émission www.terrass-hotel.com ainsi que le magazine Grazia qui diffuse également cet épisode et dans lequel vous pourrez retrouver un portrait de l'invité du jour.

Cubist painter, quilter, fashion designer, illustrator, flamenco dancer. This badass babe truly did it all. Join the AH Babes as they gush over the amazing (and so often overlooked) cofounder of Orphism, Sonia Delaunay. Magic color changing Art History Babes prints by featured artist, Faith Sponsler available at www.arthistorybabes.com/featured-artist/ Check out our Patreon for exclusive bonus episodes! www.patreon.com/arthistorybabes We got a blog! We got merch! We got newsletters! www.arthistorybabes.com Insta: @arthistorybabespodcast Twitter: @arthistorybabes Email: arthistorybabes@gmail.com Learn more about your ad choices. Visit podcastchoices.com/adchoices

A lot of people change majors in college. It's expected, right? But few life shifts are as extreme as Kim Eichler-Messmer's, who switched from a double engineering and Spanish major to art. Inspired by artists like Sonia Delaunay, Kim has pursued her passion through her work with textiles. In this episode of Hello Atelier, Kim talks to us about textiles, travel and taking time to step outside.

Carmen Disruption is Simon Stephens' radical reworking of Bizet's opera, exploring the place where the actor becomes the character they're playing Home From Home, a 4 hour long cinematic prequel to the 53 hour long TV series Heimat, tells the tale of a fictional rural German village from the 1840s to the 1990s. Caryl Phillips' latest novel The Lost Child reimagines Wuthering Heights through several interweaving narratives. An exhibition of the work of Sonia Delaunay at Tate Modern is designed as a radical reassessment of her importance as an artist, showcasing her originality and creativity across the twentieth Century.

1 Réduire les inégalités et prévenir les ruptures, 2 Accompagner vers l'insertion, 3 Coordonner l'action sociale et valoriser ses acteurs : voilà les trois axes du Plan pluriannuel de lutte contre la pauvreté et pour l'inclusion sociale du gouvernement. Qu'en est-il à mi-parcours ? Quelles mesures restent à prendre ? On fait le bilan ce soir avec le directeur général de la FNARS  (Fédération national des associations d'accueil et de réinsertion sociale), Florent Gueguen. Il pointe pour nous les failles de ce plan, pour lequel la FNARS demande une renégociation. Des dispositifs pourraient intervenir sur la construction de logements sociaux, sur la prévention des impayés et des exclusion ou encore intervenir sur le volet ressources en ouvrant le RSA dès 18 ans... Plusieurs propositions que nous détaille notre invité.   Martin rentre fraîchement d'un week-end à Brest et il est allé pour nous au festival radiophonique Longueur d'ondes. Qu'a-t-il entendu ? Quelles personnalités a-t-il rencontré ? Le logement, thématique de la première partie, est aussi l'une des dix  thématiques du Megacities Short Docs, un concours international du meilleur court-métrage documentaire sur la thématique des mégalopoles. Camille Bonnet et Hélène Ramajo sont là pour nous expliquer les objectifs et les modalités de ce concours. Mégalopoles synonyme du mal logement ? comment vit-on la mégacity aujourd'hui ? Quelles bonnes pratiques pour faire évoluer la société ? Dix thématiques pour faire réfléchir sur les challenge des megacities et améliorer la vie des megacitizens. Enfin, Hugo vient comme chaque semaine nous parler de l'actualité expos sur Paris. Cette semaine, l'exposition Sonia Delaunay au Musée d'Art Moderne victime de son succès a empêché Hugo d'en faire la visite. Il nous explique donc pourquoi il tenait à consacrer un temps d'antenne. Présentation : Lorène Lavocat / Co-interviews : Chloé Marchal et François Leroy / Chroniques : Martin Bodrero et Hugo Garros / Réalisation : Florian Chevassu/ Web : Laura Démocrite /Coordination : Elsa Landard

1 Réduire les inégalités et prévenir les ruptures, 2 Accompagner vers l'insertion, 3 Coordonner l'action sociale et valoriser ses acteurs : voilà les trois axes du Plan pluriannuel de lutte contre la pauvreté et pour l'inclusion sociale du gouvernement. Qu'en est-il à mi-parcours ? Quelles mesures restent à prendre ? On fait le bilan ce soir avec le directeur général de la FNARS  (Fédération national des associations d'accueil et de réinsertion sociale), Florent Gueguen. Il pointe pour nous les failles de ce plan, pour lequel la FNARS demande une renégociation. Des dispositifs pourraient intervenir sur la construction de logements sociaux, sur la prévention des impayés et des exclusion ou encore intervenir sur le volet ressources en ouvrant le RSA dès 18 ans... Plusieurs propositions que nous détaille notre invité.   Martin rentre fraîchement d'un week-end à Brest et il est allé pour nous au festival radiophonique Longueur d'ondes. Qu'a-t-il entendu ? Quelles personnalités a-t-il rencontré ? Le logement, thématique de la première partie, est aussi l'une des dix  thématiques du Megacities Short Docs, un concours international du meilleur court-métrage documentaire sur la thématique des mégalopoles. Camille Bonnet et Hélène Ramajo sont là pour nous expliquer les objectifs et les modalités de ce concours. Mégalopoles synonyme du mal logement ? comment vit-on la mégacity aujourd'hui ? Quelles bonnes pratiques pour faire évoluer la société ? Dix thématiques pour faire réfléchir sur les challenge des megacities et améliorer la vie des megacitizens. Enfin, Hugo vient comme chaque semaine nous parler de l'actualité expos sur Paris. Cette semaine, l'exposition Sonia Delaunay au Musée d'Art Moderne victime de son succès a empêché Hugo d'en faire la visite. Il nous explique donc pourquoi il tenait à consacrer un temps d'antenne. Présentation : Lorène Lavocat / Co-interviews : Chloé Marchal et François Leroy / Chroniques : Martin Bodrero et Hugo Garros / Réalisation : Florian Chevassu/ Web : Laura Démocrite /Coordination : Elsa Landard

Episode Pilote du Podcast Archivoque où on parle de Brad Pitt, du doigtd'honneur de Frank Gehry, de l'exposition d'Hokusai, de Sonia Delaunay,de Vitruve et de comment reconnaitre une bonne architecture; rien que ça ! Mais aussi de l'histoire du Ministère de la Culture et de son big boss André Malraux pour finir avecun top 10 dont le N°1 va vraiment vous surprendre ! Et en bon pilote, tout ça avec une qualité audio digne de Baghdad en 2003 bien sûr !

Hasta el 23 de mayo permanecerá abierta en la sede de la Fundación Juan March la Exposición de Robert y Sonia Delaunay, que viene ofreciendo, desde el pasado 14 de abril, un total de 158 obras, entre óleos, dibujos, grabados, guaches, acuarelas y otras piezas diversas de esta pareja de artistas. Robert, francés, murió en 1941, y Sonia, rusa, en 1979. Ambos habían nacido el mismo año: 1885. La muestra ha sido organizada en Portugal y España por la Asociación de Acción Artística, del Ministerio francés de Asuntos Exteriores, y por la Embajada de Francia en Madrid, contando con la ayuda de la familia Delaunay y del Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, de París. La Fundación Gulbenkian, de Lisboa, la Biblioteca:Nacional de París y otros museos franceses figuran entre las instituciones que han cooperado para la realización de esta muestra. «El arte de los Delaunay no se pasa de moda, sigue vigente en su armonía y dinamismo», según señaló el profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense, Julián Gállego, quien presentó la exposición de Robert y Sonia Delaunay en la Fundación Juan Marcb el pasado abril, con una conferencia en torno a «Los Delaunay, una moral del vanguardismo».Más información de este acto

Waleria Dorgova joins us for for the second part of our episode this week on the artist, interior, fashion and textile designer Sonia Delaunay. Dr. Dorogova co-curated the ground-breaking exhibition with Dr. Laura Microulis, research curator of the Bard Graduate Center, where the exhibition Sonia Delaunay: Living Art is on view through July 7, 2024.Can't make the exhibition? Check out the exceptional catalog for the show here.Want more Dressed: The History of Fashion? Our website and classesOur InstagramOur bookshelf with over 120 of our favorite fashion history titlesOur Sponsors:* Check out My Life in a Book and use my code DRESSED for a great deal: * Check out Rosetta Stone and use my code TODAY for a great deal: https://www.rosettastone.com/* Check out Wooga: www.wooga.comSupport this podcast at — https://redcircle.com/dressed-the-history-of-fashion/exclusive-contentAdvertising Inquiries: https://redcircle.com/brandsPrivacy & Opt-Out: https://redcircle.com/privacy

Now mostly remembered as a painter, this week we look at the broad spectrum of the work of Sonia Delaunay with a special emphasis on her fashion and textile designs. Waleria Dorogova, co-curator of the exhibition Sonia Delaunay: Living Art which is now on view at the Bard Graduate Center in New York City joins us to speak about the years of research she did with Laura Microulis to deliver this fresh new perspective on Sonia's career.Can't make the exhibition? Check out the exceptional catalog for the show here.Want more Dressed: The History of Fashion? Our website and classesOur InstagramOur bookshelf with over 120 of our favorite fashion history titlesOur Sponsors:* Check out Rosetta Stone and use my code TODAY for a great deal: https://www.rosettastone.com/* Check out Wooga: www.wooga.comSupport this podcast at — https://redcircle.com/dressed-the-history-of-fashion/exclusive-contentAdvertising Inquiries: https://redcircle.com/brandsPrivacy & Opt-Out: https://redcircle.com/privacy