Podcasts about Contemporary art

Как переплавить наследие в свои истории?

As the Rocky movies demonstrate, hero myths can create cults. Joe talks about the homage paid to the Rocky statue on the steps of the Philadelphia Museum of Art and relates it to the cult that arose from the tale of Ulysses' Odyssey. There are many examples of cult formation around fascinating narratives; Joe and Jon touch on Star Wars, The Matrix, the Arthurian legends, The Holy Blood and the Holy Grail, as well as The Da Vinci Code, showing how stories easily become doctrines believed by many. Links:Joe's art pageMore about the Rocky Statue in PhiladelphiaNote from Spike: You don't have to spend a fortune on plane tickets to see the great artworks of humanity. Many of the major world museums now have virtual tours. Here's a modest sample, in no particular order: Rijksmuseum - Amsterdam, NetherlandsThe Louvre - Paris, FranceVan Gogh Museum - Amsterdam, NetherlandsThe British Museum – London, UKTate Britain - London, UKThe Museum of Modern Art - New York, USNational Museum of Modern and Contemporary Art, Korea - Gwacheon-si, South Korea Museo Del Prado – Madrid, Spain

Gugs Mhlungu chats with Kutlwano Monyai, artist, scholar and independent curator based in Johannesburg, about their solo exhibition, Dakalo – The Ultimate Gift. They explore the exhibition's themes of gratitude, desire and resilience, the creative journey behind the work, and what visitors can expect from the experience. Gugs Mhlungu is your weekend companion for thoughtful conversations on lifestyle, health, culture, books, food, and everything happening around 702Land. Thanks for listening. Catch the 702 Weekend Breakfast with Gugs Mhlungu live on 702 every weekend morning from 6 am to 10 am (SA time). Find more from the show and catch-up podcasts on the Primedia+ app https://buff.ly/gk3y0Kj Subscribe to the 702 newsletters for more https://buff.ly/v5mfetc Let’s keep the conversation going online: 702 on Facebook: https://www.facebook.com/TalkRadio702 702 on TikTok: https://www.tiktok.com/@talkradio702 702 on Instagram: https://www.instagram.com/talkradio702/ 702 on X: https://x.com/Radio702 702 on YouTube: https://www.youtube.com/@radio702 See omnystudio.com/listener for privacy information.

Hey Hey You! Do you like to dance?

Episode No. 769 features a conversation with Betye Saar recorded in 2016. Saar died on Sunday a few days short of her one hundredth birthday. Saar, known especially for her use of assemblage and her often pioneering address of complicated and often troubling US, and diasporic African and Caribbean histories, was one of the most influential artists of the last 60 years. Generations of artists, including Saar's artist-daughters Lezley and Alison, have found Saar's work foundational. Even though Saar was recognized around the world as among the most influential artists of late-twentieth and early twenty-first century United States, remarkably, shamefully, and revealingly, none of Saar's hometown art museums ever launched a retrospective of her work. Saar was a guest on The Modern Art Notes Podcast in 2016 on the occasion of a survey of her work organized by De Domijnen (which was formerly known as Museum Het Domein) in Sittard, the Netherlands in partnership with Scottsdale (Ariz.) Museum of Contemporary Art. For images of artworks discussed in this conversation, see Episode No. 222. Air date: July 30, 2026.

Artist Betye Saar, a pioneering figure in the Black Arts Movement, has died at 99. Her influential work transformed racist imagery into powerful symbols of resistance and inspired generations of Black artists while reshaping contemporary American art. Subscribe to our newsletter to stay informed with the latest news from a leading Black-owned & controlled media company: https://aurn.com/newsletter Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Writer Rachel Cusk asked: "Can a Woman who is an Artist Ever Just Be an Artist?" (NYT). Our host, contemporary art writer and curator Joana P. R. Neves, turns this  question of gender and skill on its head: can men be (good) artists? Cusk's book "Parade" (2024) is this Art & Literature special episode's book of choice.Joana embarks on an art and feminism quest: is gender a prison? Or is it the forceful power of the patriarchy? She is helped by living and fictional contemporary artists and writers, intersectional feminism, and philosophy of art via Vilem Flusser and his "theory of gestures".Did you enjoy the episode? Think about supporting Exhibitionistas by leaving a small donation: https://buymeacoffee.com/exhibitionistaArt and Feminism claim to walk hand in hand, but what if the structure of the art system itself was an inheritance of archaic patriarchal systems? The famous artist Georg Baselitz, who passed away this year, is a central figure in Cusk's book "Parade". Was he a product or an instigator of the system? And what is the patriarchal system? How and where does it manifest? And finally, where are modern men now, within this system that seems to block creative flow and artistic expression?Sign up for a tiered monthly support: https://www.buzzsprout.com/2624749/monetization/supporter_settings Your contribution keeps us going.Listen to the Women who Sarcast Episode" Sarcasm and Contemporary Art.Read Cusk's article in the New York Times (07/11/ 2019).Jingle: "Wunder", experimental poem by Joana P. R. Neves.Did the episode stir Art Wonderment memories? Share them via text or voice message.Support the showCreated & Hosted by Dr. Joana P. R. Neves, art curator and writer with over 20 years of experience in the contemporary art field. Artistic director of Drawing Now Paris since 2018, she has worked across the industry, from the art market to education. She co-launched the art residency and project space Worlding in 2020. Exhibitionistas' first year offered exhibition discussions with guest co-host Emily Harding; organically, it grew into a more experimental show exploring art topics, stories and interviews complemented by Joana's publication Art Thinkosaurus on Substack. She champions ‘Art Wonderment's' embrace of complexity against the lure of ready-made opinions. A polyglot, she grew up in Lisbon, studied and lived in Paris, to finally settle in London with her artist husband, four children and two cats. Find us:On Instagram – @exhibitionistas_podcastOn Substack (NEWSLETTER: sign up!): Art Thinkosaurus > Exhibitionistas FilesOnline: www.exhibitionistaspodcast.comDo you want to be a guest on Art Etiquette? Reach out: joana@exhibitionistaspodcast.comCopyright: Joana P. R. Neves, 2024.

Episode No. 768 features artist Derrick Adams. The Institute of Contemporary Art/Boston is presenting "Derrick Adams: View Master" through September 7. It is the first mid-career survey of Adams' twenty-year career. The exhibition was curated by Dexter Wimberly and Tessa Bachi Haas. An Adams monograph was published by Monacelli in association with Gagosian, an art dealership chain, last year in anticipation of the exhibition. Adams' work celebrates contemporary Black Life in works that emphasize joy and leisure. Among the institutions presenting solo exhibitions of his work are the Cleveland Museum of Art, the Hudson River Museum, Yonkers, NY, and the Museum of Contemporary Art, Denver. His work is in collection of museums such as the Metropolitan Museum of Art, New York; the Whitney Museum of American Art, New York; the Virginia Museum of Fine Arts, Richmond; the Studio Museum in Harlem; and Adams' hometown Baltimore Museum of Art. Series of Adams' work discussed on the program: Floater; Figure in the Urban Landscape; Profile Pics; and Family Portraits. Instagram: Derrick Adams, Tyler Green. Air date: July 23, 2026.

Artists Katherine Hubbard and Sophie Thun explore how Hubbard's work is positioned within queer feminist art and critically engages with the tradition of analogue photography. The conversation was recorded during the installation of the exhibition on 7 June 2026. Katherine Hubbard The Great Room 12.6. – 30.8.2026 How do you capture the inner life of a person whose reality no longer aligns with the outer world? And how do you remain in relation to someone who is both intimately familiar and irreversibly changing? Katherine Hubbard began her five-year project The Great Room in 2020, at the onset of the Covid-19 pandemic, when her mother, Antonette Berger, became increasingly unwell and the artist became her primary caretaker. It took several months in a time of anxiety and isolation until Berger was diagnosed with LATE (limbic-predominant age-related TDP-43 encephalopathy), a form of dementia. Hubbard has described this diagnosis as both necessary and insufficient: a gesture towards control and classification that ultimately fails to grasp the lived, shifting reality of her mother's condition. It is precisely this gap that the project inhabits. More Katherine Hubbard (b. Philadelphia, PA, 1981) considers analog photography as a mimesis of the body and asks how its procedures might be called upon to investigate social politics, history, and narrative. In her photographs the positioning of one's body has an essential relationship to how one processes images, exploring this encounter as a time-based experience. Hubbard's writing practice forms the core of her performances, harnessing the malleability of vision to frame a politics of looking. Hubbard is a 2024 Guggenheim fellow in photography and received her MFA in 2010 from the Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College. She is Associate Professor and MFA Photography Program Director at Pratt Institute, School of Art in Brooklyn, NY. Solo exhibitions include The great room, Company Gallery, New York (2023); Avoid glancing blows, Company Gallery, New York (2020); Katherine Hubbard, Higher Pictures, New York (2018); stages, Baxter St. Camera Club of New York, New York (2017); and Bring your own lights, The Kitchen, New York (2016). Her work has been exhibited in group exhibitions including Time Management Techniques, The Whitney Museum of American Art, New York; Ecstatic Land, Marfa Ballroom, Texas; A Collection of Slow Events, The Luminary, St. Louis, Missouri; The Artist's Museum, The Institute of Contemporary Art, Boston; and Greater New York, MoMA PS1. Hubbard's performances have been presented at the Chinati Foundation, Marfa, Texas; Konstfack, Stockholm, Sweden; the Metropolitan Museum of Art, New York; and the Whitney Museum of American Art, New York. Her work is included as part of the permanent collection at the Whitney Museum of American Art. Sophie Thun (*1985, lives and works in Vienna) works primarily with analogue photography techniques, their spaces, processes and production and exhibition conditions. Thun grew up in Warsaw and completed her master's degree at the Academy of Fine Arts in both Vienna and Krakow. Thun has been a member of the board of the Secession since 2021, where she had a solo exhibition in 2020; from 2023 to 2025 she was interim professor of the photography class at the Kunstakademie Düsseldorf. Since 2026, she has been Professor of Artistic Photography at the Institute of Fine Arts and Media Art at the University of Applied Arts Vienna. The Dorotheum is the exclusive sponsor of the Secession Podcast. Programmed by the board of the Secession. Jingle: Hui Ye with an excerpt from Combat of dreams for string quartet and audio feed (2016, Christine Lavant Quartett) by Alexander J. Eberhard Audio Editor: Paul Macheck Executive Producer: Bettina Spörr

Andrew Graham-Dixon's new book, Vermeer: A Life Lost and Found, rests on the conviction that you cannot understand what's in a painting without knowing what its maker was thinking about. In Vermeer's case, that context includes a forgotten liberal sect — the Remonstrants and Collegiants, Christians without a church who believed peace would come through reading and toleration rather than a returning Messiah. Recover that world and a woman alone in a sunlit room is a radical image in a Europe where half of Germany had just died in war. If he's right, the label beside every Vermeer in every museum will one day have to change. Tyler and Andrew discuss whether it was inevitable we'd rediscover Vermeer, how that vanishingly rare sect left its fingerprints all over his life, why the Met has misread its own Allegory of the Catholic Faith, whether Vermeer painted for money or pointedly refused to, where the Gardner's stolen Concert might be, why Dutch music never blossomed as much as Dutch painting did, how the Church of England rivaled the Cultural Revolution in wiping out British art, whether you can still spot an English painting on sight, the love that saturates late Rembrandt and the mystery of his soaring print prices, the nail on the wall that proves two Vermeer paintings are a pair, why the French are to blame for George Stubbs lack of status, whether we can still love Malevich, why Andrews calls recent Richter "almost like printing money," why female artists and antique textiles remain absurdly cheap, why nobody builds beautiful neighborhoods any longer, and much more. Read a full transcript enhanced with helpful links, or watch the full video on the new dedicated Conversations with Tyler channel. Recorded April 7th, 2026. Other ways to connect Follow us on X and Instagram Follow Tyler on X Follow Andrew on X Sign up for our newsletter Join our Discord Email us: cowenconvos@mercatus.gmu.edu Learn more about Conversations with Tyler and other Mercatus Center podcasts here. Timestamps: 00:00:00 - Intro 00:00:44 - The Mystery of Vermeer 00:12:53 - Dutch Music 00:15:51 - English Art 00:19:49 - Rembrandt 00:23:17 - Attributions 00:26:22 - Exhibitions and Restorations 00:30:05 - Underrated French Artists 00:35:16 - Howard Hodgkin 00:38:00 - Difficult-To-Love Artists 00:40:53 - Other Dutch Painters 00:44:20 - Contemporary Art 00:48:05 - Buying Art 00:50:39 - Neighborhood Aesthetics 00:54:39 - Advice for Aspiring Art Critics 00:56:14 - Outro Image Credit: Aliona Adrianova

[REBROADCAST FROM March 11, 2026] Carol Bove is a Brooklyn-based artist who is receiving her first museum survey with an exhibit at the Guggenheim. The show displays work from over 25 years of her career, including her drawings, massive steel sculptures, and pieces specifically inspired by the Guggenheim's rotunda. Bove and Guggenheim curator Katherine Brinson discuss the show, on view through August 2. Photo by L. Malik Anderson/WNYC, courtesy of the Guggenheim Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Ed Hicks is a London based visual artist and muralist. His highly dramatic romantic sublime landscapes, heavy on the darks, angelic with his use of light, magma, smoke, brooding skies, rugged hills riddled with text, large scale, are just fantastic. His instagram is well worth following @ed_hicks with his ongoing reel series of “crit time” being funny, informative, cathartic and valuable for all visual artists out there. Instagram: @ed_hicks

Caitlin Keogh (b. 1982 in Anchorage, Alaska) lives and works in New York. Her work has recently been included in group shows at Fondation Carmignac, Porquerolles, France, and The Church, Sag Harbor, NY. Keogh has been the subject of solo exhibitions at the Institute of Contemporary Art, Boston, MA; Melas Papadopoulos, Athens, Greece; and MoMA PS1, Long Island City, NY. In 2021, Keogh completed a mural in the city of Holbaek, Denmark in conjunction with Holbaek Art, and in 2019, she participated in Art Basel Parcours, Basel, Switzerland. Her work has also been exhibited at the Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, CA; MoMA Warsaw, Poland; the Whitney Museum of American Art, New York, NY; Künstlerhaus Bremen, Germany; the Costume Institute at the Metropolitan Museum of Art, New York, NY; and the Queens Museum, Flushing Meadows, NY. Her work is represented in the collections of the Institute of Contemporary Art, Boston; the Whitney Museum of American Art, New York; Amorepacific Museum of Art, Seoul; the Rollins Museum of Art, Winter Park, Florida; and the Rhode Island School of Design Museum, Providence. Caitlin Keogh 07.10.25, 2025 Colored pencil on paper mounted on panel 16 3/8 x 11 5/8 x 3/4 in (41.5 x 29.5 x 2 cm) Caitlin Keogh Beige Matrix, Woman With Opera Glasses, 2026 Acrylic on canvas 72 x 96 in (183 x 244 cm) Caitlin Keogh Ultramarine Matrix, La Fornarina, 2026 Acrylic on panel, postcard 23 1/4 x 13 in (59.1 x 33 cm)

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/african-american-studies

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

In this episode of Architecture, Design & Photography, Trent Bell sits down with curator, writer, and arts leader Suzette McAvoy. Suzette reflects on her career at the Farnsworth Art Museum and the Center for Maine Contemporary Art, along with Maine's long history as a place where artists come to live, work, and find space to think.  The conversation explores why art matters beyond beauty or market value, how it can build empathy and connection, and why some work takes time to understand. They also discuss contemporary art, creativity, spirituality, artistic risk, AI, and why artists may become even more important as technology continues to shape how we think and create.  It's a thoughtful conversation about learning to look, staying curious, and the role art plays in helping us better understand ourselves and others. About Suzette:  Suzette McAvoy is an independent curator, arts writer, and art advisor with more than thirty-five years experience in the field of fine art and museums. A leading authority on the art and artists of Maine, she has curated more than sixty exhibitions throughout her career, including nationally traveling exhibitions of the work of Louise Nevelson, Kenneth Noland, Lois Dodd, Karl Schrag, Alan Magee, and Alex Katz.  Website: https://www.suzettemcavoy.me  Instagram: https://www.instagram.com/suzettemcavoy More from us:  Website: www.adppodcast.com  Instagram: http://instagram.com/adppod_  Apple Podcast: https://podcasts.apple.com/us/podcast/architecture-design-photography/id1447381737  Spotify: https://open.spotify.com/show/5qTtT0lpXkVGyksEkN57VS

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/environmental-studies

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/food

In Fearless, Sleepless, Deathless: What Fungi Taught Me about Nourishment, Poison, Ecology, Hidden Histories, Zombies, and Black Survival (University of North Carolina Press, 2026), naturalist, forager, and educator Maria Pinto uncovers strange and beautiful connections between the natural and human worlds, mingling reportage, research, memoir, and nature writing, touching on topics that range from Black farmers' domestication of the unforgettable aroma of truffles, to the possibility that enslaved people wielded mycological poisons against their enslavers. Pinto brings a new perspective and a distinctive literary voice to this mix of environmental and lived history, and every page sings with her enthusiasm for the networks in which we are embedded: fungal, ecological, ancestral, and communal. Join us in pursuit of beautiful, perplexing, delicious, and deadly mushrooms as we explore this understudied kingdom's awe-inspiring diversity, discovering how fungi have been used by people, especially those on the margins, for survival, pleasure, revelation, and revolution. When she's not in the woods (and sometimes when she is), Maria Pinto is a writer, editor, and educator. She teaches writing for various literary organizations. She reads fiction for Peripheries Journal and serves on the board of Hale, an outdoor education and land conservancy nonprofit. Her writing has been supported by Assets for Artists at Massachusetts Museum of Contemporary Art, Oak Spring Garden Foundation, Vermont Studio Center, the Mass Cultural Council, the Writers' Room of Boston, The Mastheads, and The Garrett on the Green. You can find Maria at her Website and on Instagram.  Subscribe, like, follow, and rate Additions to the Archive with Sullivan Summer on Instagram, Substack, and wherever you get your podcasts.

Liên hoan Nhiếp ảnh Quốc tế tại  thành phố Arles miền nam nước Pháp ( Les Rencontres de la photographie d'Arles ) năm 2026 vừa khai mạc ngày 06/07 vừa qua. Qua sự giới thiệu của Galerie Bao tại Paris, loạt tác phẩm mang tên Re/cover của nghệ sĩ nhiếp ảnh Việt Nam Phan Quang đã được tuyển chọn để tham gia cuộc triển lãm The Best Possible Way to Tell the Truth, trong khuôn khổ giải thưởng Prix Découverte Louis Roederer tại Liên hoan. Dựa trên quá trình nghiên cứu kéo dài nhiều năm, Re/cover khai thác một chương ít được biết đến trong lịch sử Việt Nam, đó là câu chuyện của những người phụ nữ có gia đình với binh lính Nhật đã ở lại Việt Nam sau Chiến tranh Thế giới thứ hai. Trả lời RFI Việt ngữ, Lê Thiên Bảo, người sáng lập và hiện điều hành Galerie Bao, cho biết: "Tôi biết Arles là kinh đô của nhiếp ảnh thế giới và đã theo dõi các chương trình của Liên hoan Arles từ lâu, đặc biệt là giải Decouverte Louis Roederer, một giải thưởng uy tín được thành lập từ năm 2018 để giới thiệu các sáng tác của các nghệ sĩ mới đến với công chúng Châu Âu. Tôi cũng biết serie Re/cover của Phan Quang từ rất lâu rồi, khi còn ở Việt Nam và thấy serie này sẽ rất thích hợp với giải thưởng nên đã soạn kỹ một đề xuất hoàn chỉnh và nộp cho Liên hoan Arles. Rất vui là tác phẩm của nghệ sĩ đã được ban giám khảo và giám tuyển của Liên hoan Arles đánh giá rất cao về chất lượng." Đối với Lê Thiên Bảo, “hơn mười năm sau khi ra đời, tác phẩm Re/cover vẫn giữ nguyên sức mạnh của một tác phẩm thể hiện khả năng của nhiếp ảnh trong việc lưu giữ, khơi lại và tái kiến tạo lịch sử.” Về phần mình, giám tuyển Nadine Hounkpatin của giải thưởng Découverte Louis Roederer ghi nhận những nét độc đáo trong tác phẩm Re/cover của Phan Quang: " Mỗi bức ảnh khắc họa nhân vật trong không gian sống thường nhật, khoác trên mình chiếc khăn voan cô dâu màu trắng truyền thống. Chiếc khăn này trở thành một biểu tượng đa tầng nghĩa: vừa gợi nhắc về những mối lương duyên dang dở và những người cha vắng mặt, vừa đóng vai trò như tấm màn che chở ngăn cách ánh nhìn của người xem với sự riêng tư đầy mong manh. Nó vừa là tấm khăn liệm cho quá khứ, vừa là cử chỉ của sự kín đáo. Thông qua cách dàn dựng mang tính điêu khắc đầy chủ đích này, Phan Quang làm nổi bật sự hiện diện bền bỉ nhưng thầm lặng của những câu chuyện ấy ( ... ). Như vậy, một thập kỷ sau khi ra đời, *Re/cover* vẫn là một suy ngẫm đầy sức thuyết phục về khả năng kiến ​​tạo ý nghĩa thế giới của nhiếp ảnh, vượt xa khỏi vai trò đơn thuần là ghi lại thực tại." Sinh năm 1976 tại Bình Định, Phan Quang nguyên là một phóng viên nhiếp ảnh, hiện sống tại Thành phố Hồ Chí Minh, Đà Lạt. Tác phẩm của anh nằm trong các bộ sưu tập của The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, Hoa Kỳ; Asia Society Museum, New York, NY, Hoa Kỳ; Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Nhật Bản; và Singapore Art Museum, Singapore. Các triển lãm tiêu biểu của Phan Quang bao gồm The Next Step, Sàn Art, TP. HCM, 2022; RE/COVER, Blanc Art Space, TP. HCM, 2016; Space/Limit, Sàn Art, TP. HCM, 2013; The City in the Blue, Dakar Biennale lần thứ 12, Dakar, Senegal, 2016; và And That Which Was Always Known, Yavuz Gallery, Singapore, Singapore, 2015. RFI Việt ngữ đã có dịp gặp Phan Quang tại Paris ngày 07/07/2026 trước khi anh đến thành phố Arles để dự triển lãm: RFI: RFI Việt ngữ hôm nay rất vui được tiếp chuyện với nghệ sĩ Phan Quang tại Paris. Theo chúng tôi biết thì ban đầu anh là một nhiếp ảnh gia cho ngành báo chí. Thế thì vì sao anh đã quyết định chuyển sang con đường nhiếp ảnh nghệ thuật? Phan Quang: Nhiếp ảnh nghệ thuật là một cách thể hiện khác về nhiếp ảnh. Nó đã thôi thúc tôi trong rất nhiều năm, thì có một cơ duyên từ năm 2009, sự thôi thúc đó đẩy tôi ra bên ngoài và tiếp cận với nền nhiếp ảnh gọi là nghệ thuật đương đại. Đó là một trong những phương pháp thể hiện khác với lối nhiếp ảnh trong nước đang vận hành. Lối nhiếp ảnh đấy đeo đuổi tôi tới bây giờ. Từ 2009, tác phẩm của Quang nằm trải dài ở rất nhiều cuộc triển lãm ở Việt Nam cũng như quốc tế, nhưng hầu như nhiều người ở Việt Nam cũng chưa quen lắm, cho nên cách mình thể hiện cũng lẳng lặng và việc mình thực hành thì đi sâu vào trong các giá trị cốt lõi. Phải nghiên cứu rất là kỹ. Phải đọc rất là nhiều. RFI: Khi ta nói về nghệ thuật đương đại và nhiếp ảnh nghệ thuật thì có nghĩa là không chỉ có nhiếp ảnh, mà đôi khi tùy theo chủ đề chúng ta có thể kết hợp với các bộ môn nghệ thuật khác để thể hiện đúng ý đồ của mình? Phan Quang: Thực ra thì nó không có giới hạn. Do Quang “thuận tay” với nhiếp ảnh nên đi hẳn về nhiếp ảnh. Chứ còn Quang có làm phim, làm điêu khắc rất nhiều, vẽ cả tranh và bản thân trong nhiếp ảnh của Quang cũng là một performance rồi. Nên là nó không có giới hạn trong các môn thực hành. Còn đối với Quang, nhiếp ảnh là một môn mà mình giỏi nhất, thì mình thường dùng phương tiện ấy để thể hiện ý tưởng của một serie tác phẩm hoặc một tác phẩm.  RFI: Trong quá trình tìm tòi đó thì anh đã hoàn tất một công trình nghệ thuật mang tên là Re/cover vào năm 2016, đã được giới thiệu ở nhiều triển lãm quốc tế. Nay thì tác phẩm này được giới thiệu tại triển lãm ảnh nghệ thuật ở Arles. Trước hết anh có thể cho biết vì sao anh đã chọn đề tài gia đình của những phụ nữ đã lấy lính Nhật ở lại sau Thế chiến Thứ hai? Phan Quang: Thực ra Re/cover là một trong khoảng 10 serie mà trong quá trình thực hiện của Quang được show ( giới thiệu ) ra bên ngoài. Re/cover một đề tài thuộc loại “rơi tỏm” ra ngoài khỏi sự quan tâm của giới nghệ sĩ, cũng như xã hội ở Việt Nam. Tôi may mắn được tiếp cận một cách tình cờ trong quá trình chuẩn bị, vì tôi đã chọn văn hóa Nhật Bản để làm đối trọng, nên khi đó mới chú tâm tới những gì liên quan đến Nhật Bản và đã phát hiện ra manh mối rất là nhiều thứ về việc đấy. Cũng nhờ kỹ năng làm báo một phần để tìm tòi ra những mắt xích rồi, sâu chuỗi nó lại, làm cái dự án trong vòng 6 năm. Bản thân tôi tới bây giờ vẫn vậy: làm tác phẩm không lo. Bản thân tác phẩm hay thì nó sẽ tự có đời sống của nó, không có lúc này thì lúc khác. Nên thật ra đối với tôi, tôi cứ làm. Không biết nó sẽ đi tới đâu ở trong đời sống của tác phẩm ấy.  RFI: Nhưng cơ duyên nào đã đẩy Phan Quang tới với những gia đình đó? Phan Quang: Thực ra nó cũng là một cái duyên. Lúc đầu tôi dùng văn hóa Nhật Bản để đối trọng với một số nền văn hóa của châu Á. Thì tôi thấy lạ lùng vì có những người rất giống người Nhật! Rồi tôi đào sâu, đào sâu mãi và tôi ngồi với những gia đình đấy trong vòng 6 năm, trở thành giống như người thân, người anh, người em trong gia đình, thì mới triển khai được dự án này.  RFI: Như vậy thì 6 năm chắc là đủ để có được sự tin cậy của những gia đình đó để Phan Quang có thể chụp những bức ảnh theo đúng ý đồ nghệ thuật của mình. Trong những bức ảnh đó, có những người ngồi giống như bức tượng và phủ trên họ là một tấm voan ( voile ) khá là trong suốt. Vì sao anh lại có cái dụng ý đó? Phan Quang: Thật ra là năm 2013, tôi có may mắn được lưu trú ở bên Nhật, ở Yokohama, tôi mới đi tìm hiểu, mới đọc được một tài liệu về năm 1955, năm mà tất cả những người lính Nhật buộc phải về nước. Thì cũng chính năm đấy thì ở thành phố Kyoto có một cái nhà máy sản xuất vải voan. Đúng thời điểm đấy luôn thì mình may mắn tìm ra được nhà máy đó và mua vải voan đấy, vì voan đối với Việt Nam là một loại vải tượng trưng cho đám cưới. Còn ở Nhật nó cũng được dùng để may kimono, nên cũng là đại diện cho tình yêu. Năm mà những người lính Nhật phải về nước thì cuộc sống những gia đình đấy ở Việt Nam giống như bị đóng băng toàn bộ, bị bao phủ lên một lớp màn. Họ là con của những người phát xít, nên nói chung vào thời điểm đó rất mà khó phát triển ở Việt Nam. Bên Nhật thì họ cũng không có liên quan gì tới cái đấy hết. Bởi vì đối với lính Nhật, họ không đồng ý cho cưới một phụ nữ ở xứ An Nam. Cái thời điểm đấy nó khác, văn hóa khác. Giống như những cuộc sống gia đình của họ rơi ra khỏi vòng xoáy phát triển của xã hội. Khi đó mình mới giải quyết được câu chuyện chụp hình, thì mình mới mua vải voan ở bên Nhật về phủ lên hết các gia đình đó. Gia đình Việt Nam mà phủ vải trắng lên là tương đương với tang chế, nên phải đủ thân thì họ mới cho phủ lên như vậy.  RFI: Chắc họ sẵn lòng để cho phủ lên tấm voan đó bởi vì họ hiểu rằng tấm voan tượng trưng cho sự ngưng động của thời gian, tức là kể từ đó cuộc sống của họ coi như cắt đứt liên lạc với những người mà họ đã từng chung sống? Phan Quang: Đúng rồi, họ vẫn mong người cha, người chồng của họ, nhưng mà vô vọng. Có một chi tiết làm tôi vẫn khóc hoài, đó là lúc mà tôi ở Nhật thì những người con đó muốn xin một nắm đất từ bên Nhật về bỏ vô lư hương để thắp hương hằng ngày, để họ nhớ về quê cha đất tổ, thì tôi đã phải dùng một "thủ thuật" để mang được đất về cho họ, chứ còn Nhật đâu có cho mang vô, mà chính phủ Việt Nam cũng không cho mang vô. Mang nắm đất tượng trưng về để họ bỏ vô lư hương, họ thắp hương thì ai cũng khóc, tôi cũng khóc luôn! RFI: Như vậy thì mấy chục năm sau tâm trạng của những người con, người cháu trong những gia đình đó như thế nào. Họ có còn hoài niệm về thời đó hay không? Hay là đối với họ bây giờ đã trở thành quá khứ rồi?  Phan Quang: Người Việt mình mà, anh ở đâu đi nữa, anh cũng cần về quê cha đất tổ. Đối với những người đó, họ mong mỏi được qua Nhật, được sống với tinh thần hào khí của Nhật Bản, vì trên ID ( căn cước ) của họ vẫn là nguyên quán Nhật Bản mà. RFI: Trong quá trình tái lập công lý cho những gia đình đó, để gây sự chú ý của nhà chức trách Nhật, anh đã có những hành động gì và chính phủ Nhật có đáp ứng hay không?  Phan Quang: Khi tìm hiểu các dữ liệu ở Việt Nam, khi tôi làm gần xong, đọc lại toàn bộ lịch sử thì thấy tất cả châu Á đều ảnh hưởng gần giống nhau. Khi lính Nhật tràn vô thì tất nhiên phải có liên quan với phụ nữ. Khi ấy tôi đã viết gần khoảng 270 lá thư bằng tiếng Anh gửi đi tất cả các lãnh sự quán, cũng như tất cả những nơi có liên quan đang tới Nhật Bản. Tôi tin họ có một dữ liệu cụ thể nào đấy để có thể cung cấp đầu mối, vì ở Việt Nam đi tìm rất khó. Trong vòng cả năm trời gửi đi, rồi hy vọng, nhưng  không có một phản hồi nào. Sau đấy thì tôi phải tự đi tìm mua những tài liệu và xâu chuỗi từng nấc một, từng nấc một, để tìm ra những người Thái Lan, người Malaysia, người Philippines, người Hàn Quốc. Mỗi nơi sẽ có những trường hợp khác nhau, những vấn đề khác nhau và tôi phải tự đi làm hết. Thật ra Nhật Bản không support dự án này vì họ coi là không có liên quan. Nhưng có một điều đặc biệt là khi Nhật Hoàng qua thăm Việt Nam ( năm 2017 ) thì đài NHK mới phỏng vấn và đưa ra những nhận định đây là một mối liên kết. Sau đấy thì Nhật Hoàng có tới thăm bà Xuân ( một gia đình cựu binh Nhật ). Rồi mình không đi sâu vào vấn đề đấy nữa. Nhưng khi NHK bay vô Sài Gòn phỏng vấn tôi, thì tất nhiên dự án này trước đó họ đã biết rồi. Nhưng mà tôi gửi mail thì họ không trả lời, không đả động gì hết!

Liên hoan Nhiếp ảnh Quốc tế tại  thành phố Arles miền nam nước Pháp ( Les Rencontres de la photographie d'Arles ) năm 2026 vừa khai mạc ngày 06/07 vừa qua. Qua sự giới thiệu của Galerie Bao tại Paris, loạt tác phẩm mang tên Re/cover của nghệ sĩ nhiếp ảnh Việt Nam Phan Quang đã được tuyển chọn để tham gia cuộc triển lãm The Best Possible Way to Tell the Truth, trong khuôn khổ giải thưởng Prix Découverte Louis Roederer tại Liên hoan. Dựa trên quá trình nghiên cứu kéo dài nhiều năm, Re/cover khai thác một chương ít được biết đến trong lịch sử Việt Nam, đó là câu chuyện của những người phụ nữ có gia đình với binh lính Nhật đã ở lại Việt Nam sau Chiến tranh Thế giới thứ hai. Trả lời RFI Việt ngữ, Lê Thiên Bảo, người sáng lập và hiện điều hành Galerie Bao, cho biết: "Tôi biết Arles là kinh đô của nhiếp ảnh thế giới và đã theo dõi các chương trình của Liên hoan Arles từ lâu, đặc biệt là giải Decouverte Louis Roederer, một giải thưởng uy tín được thành lập từ năm 2018 để giới thiệu các sáng tác của các nghệ sĩ mới đến với công chúng Châu Âu. Tôi cũng biết serie Re/cover của Phan Quang từ rất lâu rồi, khi còn ở Việt Nam và thấy serie này sẽ rất thích hợp với giải thưởng nên đã soạn kỹ một đề xuất hoàn chỉnh và nộp cho Liên hoan Arles. Rất vui là tác phẩm của nghệ sĩ đã được ban giám khảo và giám tuyển của Liên hoan Arles đánh giá rất cao về chất lượng." Đối với Lê Thiên Bảo, “hơn mười năm sau khi ra đời, tác phẩm Re/cover vẫn giữ nguyên sức mạnh của một tác phẩm thể hiện khả năng của nhiếp ảnh trong việc lưu giữ, khơi lại và tái kiến tạo lịch sử.” Về phần mình, giám tuyển Nadine Hounkpatin của giải thưởng Découverte Louis Roederer ghi nhận những nét độc đáo trong tác phẩm Re/cover của Phan Quang: " Mỗi bức ảnh khắc họa nhân vật trong không gian sống thường nhật, khoác trên mình chiếc khăn voan cô dâu màu trắng truyền thống. Chiếc khăn này trở thành một biểu tượng đa tầng nghĩa: vừa gợi nhắc về những mối lương duyên dang dở và những người cha vắng mặt, vừa đóng vai trò như tấm màn che chở ngăn cách ánh nhìn của người xem với sự riêng tư đầy mong manh. Nó vừa là tấm khăn liệm cho quá khứ, vừa là cử chỉ của sự kín đáo. Thông qua cách dàn dựng mang tính điêu khắc đầy chủ đích này, Phan Quang làm nổi bật sự hiện diện bền bỉ nhưng thầm lặng của những câu chuyện ấy ( ... ). Như vậy, một thập kỷ sau khi ra đời, *Re/cover* vẫn là một suy ngẫm đầy sức thuyết phục về khả năng kiến ​​tạo ý nghĩa thế giới của nhiếp ảnh, vượt xa khỏi vai trò đơn thuần là ghi lại thực tại." Sinh năm 1976 tại Bình Định, Phan Quang nguyên là một phóng viên nhiếp ảnh, hiện sống tại Thành phố Hồ Chí Minh, Đà Lạt. Tác phẩm của anh nằm trong các bộ sưu tập của The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, Hoa Kỳ; Asia Society Museum, New York, NY, Hoa Kỳ; Fukuoka Art Museum, Fukuoka, Nhật Bản; và Singapore Art Museum, Singapore. Các triển lãm tiêu biểu của Phan Quang bao gồm The Next Step, Sàn Art, TP. HCM, 2022; RE/COVER, Blanc Art Space, TP. HCM, 2016; Space/Limit, Sàn Art, TP. HCM, 2013; The City in the Blue, Dakar Biennale lần thứ 12, Dakar, Senegal, 2016; và And That Which Was Always Known, Yavuz Gallery, Singapore, Singapore, 2015. RFI Việt ngữ đã có dịp gặp Phan Quang tại Paris ngày 07/07/2026 trước khi anh đến thành phố Arles để dự triển lãm: RFI: RFI Việt ngữ hôm nay rất vui được tiếp chuyện với nghệ sĩ Phan Quang tại Paris. Theo chúng tôi biết thì ban đầu anh là một nhiếp ảnh gia cho ngành báo chí. Thế thì vì sao anh đã quyết định chuyển sang con đường nhiếp ảnh nghệ thuật? Phan Quang: Nhiếp ảnh nghệ thuật là một cách thể hiện khác về nhiếp ảnh. Nó đã thôi thúc tôi trong rất nhiều năm, thì có một cơ duyên từ năm 2009, sự thôi thúc đó đẩy tôi ra bên ngoài và tiếp cận với nền nhiếp ảnh gọi là nghệ thuật đương đại. Đó là một trong những phương pháp thể hiện khác với lối nhiếp ảnh trong nước đang vận hành. Lối nhiếp ảnh đấy đeo đuổi tôi tới bây giờ. Từ 2009, tác phẩm của Quang nằm trải dài ở rất nhiều cuộc triển lãm ở Việt Nam cũng như quốc tế, nhưng hầu như nhiều người ở Việt Nam cũng chưa quen lắm, cho nên cách mình thể hiện cũng lẳng lặng và việc mình thực hành thì đi sâu vào trong các giá trị cốt lõi. Phải nghiên cứu rất là kỹ. Phải đọc rất là nhiều. RFI: Khi ta nói về nghệ thuật đương đại và nhiếp ảnh nghệ thuật thì có nghĩa là không chỉ có nhiếp ảnh, mà đôi khi tùy theo chủ đề chúng ta có thể kết hợp với các bộ môn nghệ thuật khác để thể hiện đúng ý đồ của mình? Phan Quang: Thực ra thì nó không có giới hạn. Do Quang “thuận tay” với nhiếp ảnh nên đi hẳn về nhiếp ảnh. Chứ còn Quang có làm phim, làm điêu khắc rất nhiều, vẽ cả tranh và bản thân trong nhiếp ảnh của Quang cũng là một performance rồi. Nên là nó không có giới hạn trong các môn thực hành. Còn đối với Quang, nhiếp ảnh là một môn mà mình giỏi nhất, thì mình thường dùng phương tiện ấy để thể hiện ý tưởng của một serie tác phẩm hoặc một tác phẩm.  RFI: Trong quá trình tìm tòi đó thì anh đã hoàn tất một công trình nghệ thuật mang tên là Re/cover vào năm 2016, đã được giới thiệu ở nhiều triển lãm quốc tế. Nay thì tác phẩm này được giới thiệu tại triển lãm ảnh nghệ thuật ở Arles. Trước hết anh có thể cho biết vì sao anh đã chọn đề tài gia đình của những phụ nữ đã lấy lính Nhật ở lại sau Thế chiến Thứ hai? Phan Quang: Thực ra Re/cover là một trong khoảng 10 serie mà trong quá trình thực hiện của Quang được show ( giới thiệu ) ra bên ngoài. Re/cover một đề tài thuộc loại “rơi tỏm” ra ngoài khỏi sự quan tâm của giới nghệ sĩ, cũng như xã hội ở Việt Nam. Tôi may mắn được tiếp cận một cách tình cờ trong quá trình chuẩn bị, vì tôi đã chọn văn hóa Nhật Bản để làm đối trọng, nên khi đó mới chú tâm tới những gì liên quan đến Nhật Bản và đã phát hiện ra manh mối rất là nhiều thứ về việc đấy. Cũng nhờ kỹ năng làm báo một phần để tìm tòi ra những mắt xích rồi, sâu chuỗi nó lại, làm cái dự án trong vòng 6 năm. Bản thân tôi tới bây giờ vẫn vậy: làm tác phẩm không lo. Bản thân tác phẩm hay thì nó sẽ tự có đời sống của nó, không có lúc này thì lúc khác. Nên thật ra đối với tôi, tôi cứ làm. Không biết nó sẽ đi tới đâu ở trong đời sống của tác phẩm ấy.  RFI: Nhưng cơ duyên nào đã đẩy Phan Quang tới với những gia đình đó? Phan Quang: Thực ra nó cũng là một cái duyên. Lúc đầu tôi dùng văn hóa Nhật Bản để đối trọng với một số nền văn hóa của châu Á. Thì tôi thấy lạ lùng vì có những người rất giống người Nhật! Rồi tôi đào sâu, đào sâu mãi và tôi ngồi với những gia đình đấy trong vòng 6 năm, trở thành giống như người thân, người anh, người em trong gia đình, thì mới triển khai được dự án này.  RFI: Như vậy thì 6 năm chắc là đủ để có được sự tin cậy của những gia đình đó để Phan Quang có thể chụp những bức ảnh theo đúng ý đồ nghệ thuật của mình. Trong những bức ảnh đó, có những người ngồi giống như bức tượng và phủ trên họ là một tấm voan ( voile ) khá là trong suốt. Vì sao anh lại có cái dụng ý đó? Phan Quang: Thật ra là năm 2013, tôi có may mắn được lưu trú ở bên Nhật, ở Yokohama, tôi mới đi tìm hiểu, mới đọc được một tài liệu về năm 1955, năm mà tất cả những người lính Nhật buộc phải về nước. Thì cũng chính năm đấy thì ở thành phố Kyoto có một cái nhà máy sản xuất vải voan. Đúng thời điểm đấy luôn thì mình may mắn tìm ra được nhà máy đó và mua vải voan đấy, vì voan đối với Việt Nam là một loại vải tượng trưng cho đám cưới. Còn ở Nhật nó cũng được dùng để may kimono, nên cũng là đại diện cho tình yêu. Năm mà những người lính Nhật phải về nước thì cuộc sống những gia đình đấy ở Việt Nam giống như bị đóng băng toàn bộ, bị bao phủ lên một lớp màn. Họ là con của những người phát xít, nên nói chung vào thời điểm đó rất mà khó phát triển ở Việt Nam. Bên Nhật thì họ cũng không có liên quan gì tới cái đấy hết. Bởi vì đối với lính Nhật, họ không đồng ý cho cưới một phụ nữ ở xứ An Nam. Cái thời điểm đấy nó khác, văn hóa khác. Giống như những cuộc sống gia đình của họ rơi ra khỏi vòng xoáy phát triển của xã hội. Khi đó mình mới giải quyết được câu chuyện chụp hình, thì mình mới mua vải voan ở bên Nhật về phủ lên hết các gia đình đó. Gia đình Việt Nam mà phủ vải trắng lên là tương đương với tang chế, nên phải đủ thân thì họ mới cho phủ lên như vậy.  RFI: Chắc họ sẵn lòng để cho phủ lên tấm voan đó bởi vì họ hiểu rằng tấm voan tượng trưng cho sự ngưng động của thời gian, tức là kể từ đó cuộc sống của họ coi như cắt đứt liên lạc với những người mà họ đã từng chung sống? Phan Quang: Đúng rồi, họ vẫn mong người cha, người chồng của họ, nhưng mà vô vọng. Có một chi tiết làm tôi vẫn khóc hoài, đó là lúc mà tôi ở Nhật thì những người con đó muốn xin một nắm đất từ bên Nhật về bỏ vô lư hương để thắp hương hằng ngày, để họ nhớ về quê cha đất tổ, thì tôi đã phải dùng một "thủ thuật" để mang được đất về cho họ, chứ còn Nhật đâu có cho mang vô, mà chính phủ Việt Nam cũng không cho mang vô. Mang nắm đất tượng trưng về để họ bỏ vô lư hương, họ thắp hương thì ai cũng khóc, tôi cũng khóc luôn! RFI: Như vậy thì mấy chục năm sau tâm trạng của những người con, người cháu trong những gia đình đó như thế nào. Họ có còn hoài niệm về thời đó hay không? Hay là đối với họ bây giờ đã trở thành quá khứ rồi?  Phan Quang: Người Việt mình mà, anh ở đâu đi nữa, anh cũng cần về quê cha đất tổ. Đối với những người đó, họ mong mỏi được qua Nhật, được sống với tinh thần hào khí của Nhật Bản, vì trên ID ( căn cước ) của họ vẫn là nguyên quán Nhật Bản mà. RFI: Trong quá trình tái lập công lý cho những gia đình đó, để gây sự chú ý của nhà chức trách Nhật, anh đã có những hành động gì và chính phủ Nhật có đáp ứng hay không?  Phan Quang: Khi tìm hiểu các dữ liệu ở Việt Nam, khi tôi làm gần xong, đọc lại toàn bộ lịch sử thì thấy tất cả châu Á đều ảnh hưởng gần giống nhau. Khi lính Nhật tràn vô thì tất nhiên phải có liên quan với phụ nữ. Khi ấy tôi đã viết gần khoảng 270 lá thư bằng tiếng Anh gửi đi tất cả các lãnh sự quán, cũng như tất cả những nơi có liên quan đang tới Nhật Bản. Tôi tin họ có một dữ liệu cụ thể nào đấy để có thể cung cấp đầu mối, vì ở Việt Nam đi tìm rất khó. Trong vòng cả năm trời gửi đi, rồi hy vọng, nhưng  không có một phản hồi nào. Sau đấy thì tôi phải tự đi tìm mua những tài liệu và xâu chuỗi từng nấc một, từng nấc một, để tìm ra những người Thái Lan, người Malaysia, người Philippines, người Hàn Quốc. Mỗi nơi sẽ có những trường hợp khác nhau, những vấn đề khác nhau và tôi phải tự đi làm hết. Thật ra Nhật Bản không support dự án này vì họ coi là không có liên quan. Nhưng có một điều đặc biệt là khi Nhật Hoàng qua thăm Việt Nam ( năm 2017 ) thì đài NHK mới phỏng vấn và đưa ra những nhận định đây là một mối liên kết. Sau đấy thì Nhật Hoàng có tới thăm bà Xuân ( một gia đình cựu binh Nhật ). Rồi mình không đi sâu vào vấn đề đấy nữa. Nhưng khi NHK bay vô Sài Gòn phỏng vấn tôi, thì tất nhiên dự án này trước đó họ đã biết rồi. Nhưng mà tôi gửi mail thì họ không trả lời, không đả động gì hết!

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

A local Mexican and award-winning chef is partnering with the Museum of Contemporary Art to create a specialty dish in honor of one of the Museum's newest exhibits.

Moon is a multidisciplinary artist, educator, art handler, and co-founder of DMS Atelier, an artist-run space in Los Angeles dedicated to exhibitions, artist residencies, and community programming. Originally from Chicago and a graduate of Grambling State University, he discusses the experiences that shaped his path from athletics and hip-hop culture to contemporary art and arts education. The conversation explores artistic practice, teaching, community-building, and the development of DMS Atelier's residency program and community feed initiative. Along the way, Moon reflects on regional identity, the cultural differences between Chicago, Louisiana, and California, and the importance of creating spaces that foster sustained artistic practice, accessibility, and meaningful relationships within contemporary art.

Art criticism is vanishing from mainstream media, but here's the uncomfortable question: does art and culture still need critics? Our host, Joana P. R. Neves, art curator and writer, examines why critics are leaving big outlets without being replaced—and what this means for art criticism, artistic quality assessment, curatorial etiquette, and the future of art evaluation itself. What is art criticism actually for? And where does Joana's feminist critique of critique lead to? And who decides what's good art now? Or, rather, is “good art” the yardstick by which art experiences should be measured?Did you enjoy the episode? Think about supporting Exhibitionistas by leaving a small donation: https://buymeacoffee.com/exhibitionistaJoana explores 3 questions in this episode: What is Art Criticism? Who reads it and who or what does art criticism serve? And finally, what is her own relation with it as someone who admittedly is not fond of the genre?Sign up for a tiered monthly support: https://www.buzzsprout.com/2624749/monetization/supporter_settings Your contribution keeps us going.Art Etiquette Segment guest: Elizabeth Botten, Reference Specialist at the Smithsonian's Archives of American Art Art question: what can we do to accommodate visitors and make their exhibition experience enjoyable while preserving art etiquette?Soon: Bonus – full length Art Etiquette episodes.Segment: Brainstorm in a Teacup:Come for the art, stay for the creative writing segment, where Joana reads short texts from her notebooks exposing her inner thoughts and odd fictional flash writing.Jingle: "Wunder", experimental poem by Joana P. R. Neves.0:00: Intro: Where to continue your Exhibitionistas experience.2:27: Today's question: is art criticism still valid?4:56: Why are art critics vanishing? And how?7:05: 3 guiding questions of the episode: what is it, who does it serve and who is reading - or not8:46: What is art criticism? A scandal and a text.15:35: Genius, excellence, quality: are these outdated questions?24:35: Who is reading art criticism?27:12: Art Etiquette with Elizabeth Botten38:08: What does art criticism do, and what or who is it upholding?46:44: Joana's honest reckoning with art criticism54:14: Brainstorm in a Teacup (Creative Writing segment)Did the episode stir Art Wonderment memories? Share them via text or voice message.Support the showCreated & Hosted by Dr. Joana P. R. Neves, art curator and writer with over 20 years of experience in the contemporary art field. Artistic director of Drawing Now Paris since 2018, she has worked across the industry, from the art market to education. She co-launched the art residency and project space Worlding in 2020. Exhibitionistas' first year offered exhibition discussions with guest co-host Emily Harding; organically, it grew into a more experimental show exploring art topics, stories and interviews complemented by Joana's publication Art Thinkosaurus on Substack. She champions ‘Art Wonderment's' embrace of complexity against the lure of ready-made opinions. A polyglot, she grew up in Lisbon, studied and lived in Paris, to finally settle in London with her artist husband, four children and two cats. Find us:On Instagram – @exhibitionistas_podcastOn Substack (NEWSLETTER: sign up!): Art Thinkosaurus > Exhibitionistas FilesOnline: www.exhibitionistaspodcast.comDo you want to be a guest on Art Etiquette? Reach out: joana@exhibitionistaspodcast.comCopyright: Joana P. R. Neves, 2024.

Episode 534 / Nicole EconomidesNicole Economides (b.1992) is an Athens based artist born in New York. She received her BA/BFA from the Department of Fine Arts and Arts Sciences at the University of Ioannina Greece (2015). She is an MFA Fine Arts graduate at Parsons, The New School (2019). Economides has been an artist in residence at the Agora Collective: WHILE WE WORK in Berlin, Germany (2016) and at the Macedonian Museum of Contemporary Art in Thessaloniki, Greece (2014). She was awarded the Elizabeth Greenshields Scholarship for Painters (2017) and the Artists' Grant from the Gerondelis Foundation Inc (2018). She has shown her work in many group exhibitions and workshops in Crete, Ioannina, Athens, Thessaloniki, Paris, Berlin, and New York City. She currently lives and works in New York City. 

This week, Wes and Todd talk with Chloé Duplessis! Chloé discusses her family, her education, growing up in Shreveport, Louisiana, living in New Orleans, moving back home, running for the school board, her involvement in politics, getting her diagnosis of Stargardt disease, moving to Denver, starting her art business, telling lesser known stories of history, working in different mediums, honoring her ancestors and our shared history, travel, being part of a supportive art community, creating the first accessible “I Voted” sticker for the City of Denver, the Colorado Black Equity Study, Cathay Williams, the history behind & the evolution of her exhibition “12 Tablecloths, burlap being her “soul fabric,” her exhibition “Origin Story” at Understudy, her piece “Reclaiming Liberty,” and her advice to Artists to “Serve from where you are.”Join us for a fantastic and inspirational conversation with Chloé Duplessis! Check out Chloe's work at www.chloeduplessis.com Follow Chloé on social media:Instagram - www.instagram.com/duplessis.art/ - @duplessis.art Chloé's exhibition “Origin Story” will be on display at Understudy through July 19th - https://www.denvertheatredistrict.com/understudy Hear Chloé talk about the exhibition “Origin Story” on YouTube - https://www.youtube.com/watch?v=4dNjq1pv9P0 Chloe's exhibition “Shared History” opens July 28th at the Center for Colorado Women's History - http://www.historycolorado.org/center-colorado-womens-history Check out Chloé's other shows happening later this year at www.chloeduplessis.com/eventsSend us Fan MailFollow us on Instagram:@tenetpodcast - www.instagram.com/tenetpodcast/@wesbrn - www.instagram.com/wesbrn/@toddpiersonphotography - www.instagram.com/toddpiersonphotography/ Follow us on Facebook:www.facebook.com/TenetPodcast/Email us at todd@toddpierson.com If you enjoyed this episode or any of our previous episodes, please consider taking  a moment and leaving us a review on your favorite podcast platform.Thanks for listening! 

In "Kathy Butterly: Assume Yes," a practice spanning for over three decades showcases artist Kathy Butterly's striking and distinctive ceramic sculptures. Butterly and curator Ian Berry sit down to discuss the formation of the exhibit, which is currently open at the Tang Teaching Museum as part of the museum's 25th anniversary program. Installation photo by Mindy McDaniel: 'Kathy Butterly: Assume Yes,' Tang Museum, Skidmore College, 2026 Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

A new exhibit at the Hessel Museum of Art features the work of artist and educator, Marilou Schultz. Combining traditional Navajo weaving techniques to resemble digital technologies, Schultz's work has sought to reflect the historic efforts of Navajo women as part of our collective, technological futures. Schultz and exhibit curator, Candice Hopkins, offer more insight into the inspiration of "Replica of a Chip: The Weaving Technology of Marilou Schultz." Work by Marilou Schultz: "Popular Chip" 2025, courtesy of the Gochman Family Collection Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

In this episode, Javier Proenza speaks with South African interdisciplinary artist Azole Njengele, an MFA candidate at Otis College of Art and Design, about the relationship between architecture, drawing, and photography in her evolving practice. Reflecting on her education and professional experience in South Africa before relocating to the United States, Azole discusses how architectural training continues to shape her understanding of space, image-making, and artistic process. Their conversation explores contemporary photography, portraiture, consent and ethics, South Africa's art communities, and the differences between artistic life in Cape Town, Johannesburg, and Los Angeles. They also consider the practical realities of sustaining a creative practice, the opportunities afforded by graduate study, and the role of observation, collaboration, and interdisciplinary thinking in contemporary art.

In 2025, amidst political turmoil around the United States, Brooklyn artist Izzy Barber wanted to feel more connected to her country, and decided to leave the bubble that can often take shape in New York City. She went on multiple road trips across the country, painting what she saw. The result of her travels is a new exhibit, Clay Pigeons, featuring her paintings of the diversity of American life and landscapes. The exhibit is on view through July 31, and Izzy Barber discusses her practice and inspiration for the show.  Art by Izzy Barber (Oil Field, Midland, TX (2026)): Digital photo by Max Yawney Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Today's episode was recorded in partnership with flaconi, Germany's leading online destination for beauty and fragrance. And it's one of those conversations that reminded me why I love doing this podcast so much.We're sitting down with Alicia Lindner, who runs a third-generation family business in the beauty industry called Annemarie Börlind. But this conversation is about so much more than a brand story. We talk about growing up surrounded by the scent of plant oils and flowers drifting out of a laboratory in the Black Forest and what it means to carry a legacy without turning it into something rigid.We also talk about sibling leadership, building and growing the brand independently, the spirit of the Schwarzwald, and the beauty industry as it looks today. But also about very human things. Like why skipping lunch is never a good idea and why the forest can be the best mentor when everything feels a bit too loud.This episode is thoughtful and honest. Alicia became an immediate star of the show. Please tune in and enjoy the energy that this episode will give you!Read more about the Women Authors of Achievement (WAA) Podcast via waa.berlin/aboutFollow us on Instagram & find us on LinkedInSubscribe to our newsletter via waa.berlin/newsletter ★ Support this podcast on Patreon ★

AI is forcing us to define what being human is. So, did our host, an art curator and writer, dare to create a Manifesto? Awkward? Or are we not used to women proclaiming things? How can art–seemingly at the brink of commodification–bear new forms of being human? Or is does it spotlight you, art wanderer? The self-help book "Tiny Experiments " by Anne-Laure Le Cunff sparked this art question: why did it excite such a meditative exploration of the role of art, and its urgent proclamation? Tune in to find out.Did you enjoy the episode? Think about supporting Exhibitionistas by leaving a small donation: https://buymeacoffee.com/exhibitionistaWhat else to do when we live in a society of images, but don't know what they are? In Joana's words: "Art Wonderment is me, howling, in recognition, in celebration, in fear, in respect, in defiance." Read the rest of her text here because a podcast episode is not the same beast as a text. The complete experience combines the two.Sign up for a tiered monthly support: https://www.buzzsprout.com/2624749/monetization/supporter_settings Your contribution keeps us going.With the wonderful Catalan artist Susanna INGLADA; the timeless wisdom of LAO TZU's Tao Te Ching translated by Ursula K. LE GUIN–, the most innovative Portuguese poet, Fernando PESSOA and his mind blowing creation of more than 100 heteronyms (poets he invented with a persona, a life, and their own authored poetry), amongst which the most extreme of them all, Alberto Caeiro.Art Etiquette Segment guest: Spencer Moore, Creator and host of The Hairy Chin PodcastArt question: why is contemporary art not considered art?Soon: Bonus – full length Art Etiquette episodes.Come for the art, stay for the creative writing–segment, Brainstorm in a Teacup, where Joana reads short texts from her notebooks exposing her inner thoughts and strange fictional flash writing.Jingle: "Wunder", experimental poem by Joana P. R. Neves.00:00:00 - Intro: A Different Start + Featured Artist Susanna Inglada00:02:06 - The Self-Help trap00:13:36 - Art Wonderment Manifesto00:19:26 - Art Etiquette with S. Moore: why is contemporary art not considered art?00:28:25 - Art Wonderment Manifesto – Holding the paradox wit artist Susanna Inglada00:33:07 - The mysterious life of Portugal's most intriguing poet, Fernando Pessoa00:42:06 - Brainstorm in a Teacup00:43:55 - A message, a rant, a call for voice notes, a see you soonDid the episode stir Art Wonderment memories? Share them via text or voice message.Support the showCreated & Hosted by Dr. Joana P. R. Neves, art curator and writer with over 20 years of experience in the contemporary art field. Artistic director of Drawing Now Paris since 2018, she has worked across the industry, from the art market to education. She co-launched the art residency and project space Worlding in 2020. Exhibitionistas' first year offered exhibition discussions with guest co-host Emily Harding; organically, it grew into a more experimental show exploring art topics, stories and interviews complemented by Joana's publication Art Thinkosaurus on Substack. She champions ‘Art Wonderment's' embrace of complexity against the lure of ready-made opinions. A polyglot, she grew up in Lisbon, studied and lived in Paris, to finally settle in London with her artist husband, four children and two cats. Find us:On Instagram – @exhibitionistas_podcastOn Substack (NEWSLETTER: sign up!): Art Thinkosaurus > Exhibitionistas FilesOnline: www.exhibitionistaspodcast.comDo you want to be a guest on Art Etiquette? Reach out: joana@exhibitionistaspodcast.comCopyright: Joana P. R. Neves, 2024.

Episode No. 764 features artist Louis Fratino. The Baltimore Museum of Art is exhibiting "Fratino and Matisse: To See This Light Again" through September 6. The exhibition shows how Matisse -- specifically Baltimore's great Matisse collection -- has informed Fratino's painting. The exhibition was co-curated by Virginia Anderson and Katy Rothkopf. Fratino, who earned his undergraduate degree at Baltimore's Maryland Institute College of Art, often depicts intimate personal spaces and experiences, usually by centering queer life and the male body. His work has been the subject of a solo show at the FLAG Art Foundation, New York; he has been included in group exhibitions at museums such as the Long Island Museum, Stony Brook, NY; the Institute of Contemporary Art, Boston, the RISD Museum, Providence; and the Columbus Museum of Art. His work is well-collected by art museums such as the Art Institute of Chicago, the British Museum, London, the Metropolitan Museum of Art, New York, the MCA Chicago, and the MFA Houston. Air date: June 25, 2026.

Episode 532 / KoakKoak is an artist born in  Lansing, MI who earned her BFA and MFA from California College of the Arts. In 2025, Koak was the subject of a solo exhibition at Charleston, Lewes, UK. She has participated in many institutional group shows, including at the Frye Art Museum, Seattle, WA; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO; de Young Museum, San Francisco, CA; Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, CA; Musées d'Angers, France; Xiao Museum of Contemporary Art, Rizhao; and Rudolph Tegners Museum and Statue Park, Dronningmølle, Denmark, among others. In 2020, Koak received a Eureka Fellowship from the Fleishhacker Foundation and completed residencies at the Tamarind Institute in Albuquerque, NM, and at Minnesota Street Project in San Francisco, through the Liquitex Residency program. Koak's work is part of the permanent collections of the de Young Museum, Kemper Museum of Contemporary Art, and Musées d'Angers. She lives and works in San Francisco and is represented by Perrotin, Union Pacific, and Jessica Silverman. 

Pop art and New York share a special relationship. The Guggenheim was particularly important to the evolution of the genre in the city, when a British curator organized the first museum presentation of Pop art in New York in 1963. This summer, the Guggenheim is exploring the Pop art in its collection with a new exhibit, Guggenheim Pop: 1960 to Now, featuring the work of 29 artists who engaged in Pop art, from the past to the present. Guggenheim curator Lauren Hinkson discusses the show and the unique artistic signatures of Pop. Image Courtesy of the artist and Perrotin: Maurizio Cattelan,Comedian, 2019. Bananaand duct tape, 7 7/8×7 7/8×1 15/16 in. (20×20×4.9 cm), edition 3/3. Solomon R. GuggenheimMuseum, New York, Anonymous promised giftT16.2020. © Maurizio Cattelan. Hosted by Simplecast, an AdsWizz company. See pcm.adswizz.com for information about our collection and use of personal data for advertising.

Tom Dreesen Obit + Opera Festival of Chicago Gary Zidek Happy Father's Day! On this edition of The Arts Section, host Gary Zidek revisits his interview with celebrated comedian Tom Dreesen. The Harvey native, who enjoyed a decades-long career in show business, passed away this week. Theater critic Jonathan Abarbanel joins Gary to review a world premiere at Lookingglass Theater. Later in the show, Gary highlights the mission the Opera Festival Of Chicago. And we'll take a look at a conversational exhibit at the Museum of Contemporary Art.

In this edition, we discover how some of Paris's most famous landmarks are being transformed by technology, culture and contemporary art. We travel beneath the Eiffel Tower with a new virtual reality experience that brings the monument's history to life, celebrate the 20th anniversary of the Quai Branly Museum and its extraordinary collection of art and artefacts from around the world, and cross the Pont Neuf as French artist JR turns the city's oldest bridge into a spectacular cave-inspired installation. Together, these three stories offer a fresh perspective on Paris and the many ways it continues to reinvent itself.

Welcome back to ARTMATTERS: The Podcast for ArtistsOur guest today is Margaret Curtis, a feminist painter born in Bermuda whose vivid, densely layered canvases explore power dynamics at both the personal and societal level. Margaret is an inaugural recipient of the Joan Mitchell Foundation Fellowship, and her work first gained national recognition in Marcia Tucker's landmark Bad Girls exhibition at the New Museum in New York in 1994. Since then she has shown at the Brooklyn Museum, the Andy Warhol Museum, and the Wexner Center, with recent solo shows at the Utah Museum of Contemporary Art and Post Times Gallery in New York City. Her work has been reviewed in the Times, Artforum, Art in America, and Harper's, and is held in permanent collections throughout the United States. I sat down with Margaret in the last days of her exhibition entitled ‘S at Post Times in Lower Manhattan. I set up the mics and the cameras and Margaret spoke to me about endurance, dumb mark-making, her beloved Quinacridone gold and how she describes a day in her studio as 30,000 nonverbal decisions, and feeling practically broken by the end of it. We talk Cricut, Frisket, Speedy Carve and Dibond as well as the cake decorating tools that she snatched up in a deliberate act of rebellion against her painting instructors - and originally kicked off this predilection for alternative mark-making, Margaret explains why she believes style is a market pressure, not something worth pursuing, and that each painting demands its own visual language. She also talks Jack Whitten, gives some great final advice, and tells me why painting has always been "her friendliest enemy.”Support this podcast by clicking HERE and becoming a Patreon Supporter!If you're enjoying the podcast so far, please rate, review, subscribe and SHARE ON INSTAGRAM!  If you have any questions you want answered, write in to artmatterspodcast@gmail.com host: Isaac Mannwww.isaacmann.cominsta: @isaac.mannguest: Margaret Curtiswww.margaretcurtisart.cominsta: @margarcurThank you as always to ARRN, the Detroit-based artist and instrumentalist, for the music.

Javier Proenza speaks with Ioanna Sakellaraki, a Greek visual artist, photographer, and Fulbright Scholar currently conducting research with the Smithsonian, about the development of her interdisciplinary practice across photography, collage, embroidery, and archival work. The conversation examines Sakellaraki's transition from a career in communications strategy with EU institutions into contemporary art, the influence of personal grief and the discovery of her late father's archive on her work, and her engagement with Greek mourning traditions, Orthodox ritual, memory, and the unstable boundary between documentary and conceptual image-making.

"What does it mean to age – and can we change it?" This is the question that filmmaker David Donnelly set out to explore while writing and directing the award-winning documentary Forever Young. Filmed over three years and spanning three continents, the project takes viewers from the cutting-edge research labs of the Buck Institute in Northern California to communities around the world known for their longevity and healthy aging practices. The result is an 88-minute documentary featuring scientists, physicians, researchers, and thought leaders examining one of humanity's most enduring questions: how do we age, and what can modern science teach us about living longer and healthier lives? Jump in now to discover: Surprising insights from the science of aging and longevity The difference between lifespan and healthspan Emerging therapies and technologies being studied for healthy aging How genetics, epigenetics, and cellular health may influence the aging process David is an award-winning filmmaker, writer, and visual artist whose work explores the intersection of culture, technology, and the human experience. His films, installations, and mixed-media projects have been featured in major museums, international festivals, and private collections worldwide. David's films have been showcased at premier institutions including the Whitney Museum of American Art, the Chicago Museum of Contemporary Art, the Kennedy Center, the Hamburg Elbphilharmonie, the Beijing Music Festival, and the Arvo Pärt Center. Watch the movie Forever Young on Apple TV. Connect with David: Personal Website Forever Young Website IMDB Profile

Bad at Sports Episode 951 has Duncan MacKenzie and Ryan Peter Miller still in Miami for a conversation with Chicago artist Tali Halpern at NADA, representing 1210 Gallery. The conversation spans weaving, sobriety, punk music, queer identity, labor, spectacle, and the ecstatic possibilities of fiber art. Halpern discusses their transition from painting and addiction into weaving, their work with digital looms at Loom Room, and the way embellishment, rhinestones, embroidery, and collage become acts of healing and reconstruction. The episode touches on Chicago's art community, punk aesthetics, club culture, spiritual labor, and the tension between craft traditions and contemporary experimentation.   Name Drops & Links Tali Halpern — https://tali.rocks/ Twelve Ten Gallery — https://twelvetengallery.com/ NADA Miami — https://www.newartdealers.org/ School of the Art Institute of Chicago (SAIC) — https://www.saic.edu/ Loom Room Chicago — https://www.lmrmchicago.com/ Hope Lange — https://en.wikipedia.org/wiki/Hope_Lange Gregg Araki — https://en.wikipedia.org/wiki/Gregg_Araki Nowhere — https://www.imdb.com/title/tt0119809/ Mike Kelley — https://en.wikipedia.org/wiki/Mike_Kelley_(artist) Paul McCarthy — https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_McCarthy Tracey Emin — https://en.wikipedia.org/wiki/Tracey_Emin Sylvia Plath — https://en.wikipedia.org/wiki/Sylvia_Plath Elliott Smith — https://en.wikipedia.org/wiki/Elliott_Smith Ken Burns — https://www.pbs.org/kenburns/ Nirvana — https://en.wikipedia.org/wiki/Nirvana_(band) The B-52's — https://en.wikipedia.org/wiki/The_B-52s Guns N' Roses — https://en.wikipedia.org/wiki/Guns_N%27_Roses Howardena Pindell — https://www.garthgreenan.com/artists/howardena-pindell Melissa Cody — https://www.garthgreenan.com/artists/melissa-cody Cranbrook Academy of Art — https://cranbrookart.edu/ Boulder Museum of Contemporary Art — https://bmoca.org/ The Weaving Mill — https://theweavingmill.com/ Mikey Mosher — https://www.mikeymosher.com/ Cindy Sherman — https://en.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman Noelia Towers — https://www.noeliatowers.com/ The Killers — https://en.wikipedia.org/wiki/The_Killers  

Episode No. 761 features artists Denzil Forrester and William Wylie. Forrester is featured in "Dancing the Revolution: From Dancehall to Reggaetón" at the Museum of Contemporary Art Chicago through September 20. The exhibition explores and expands the visual, political, and spiritual histories of dancehall and reggaetón through contemporary art produced in the Caribbean, New York, London, and beyond. It was curated by Carla Acevedo-Yates with Cecilia González Godino, Iris Colburn, Nolan Jimbo, and nibia pastrana santiago. A catalogue will be published by the museum and DelMonico Books in July. It is available from Bookshop and Amazon for $60-65. The Grenada-born Forrester is best known for paintings that mine London's dub reggae culture and music clubs of the 1980s for subject and verve. The drawings he made in urban dance halls then continue to inform his work. His paintings are full of references to diaspora, the policing of Black people and culture in the UK, and dub reggae music itself. White Columns, New York, the Institute of Contemporary Art, Miami and the Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City have presented solo exhibitions of his work in the US; in the UK, Nottingham Contemporary, the Jackson Foundation Gallery, Cornwall have too. His work is in the collection of museums such as the Tate, London, and the Metropolitan Museum of Art, New York. Wylie's new photobook is titled "The Eighty-Eight: Photographs from a Japanese Pilgrimage." It features pictures from Wylie's experience fo the Shikoku Pilgrimage, a trail that vists 88 temples associated with the Buddhist monk Kūkai (Kōbō Daishi) on the island of Shikoku. The book was published by George F. Thompson Publishing in association with the Center for the Study of Place, and features an essay by Pico Iyer. Amazon offers it for about $42. This is Wylie's seventh book. His pictures are in the collection of museums such as the Metropolitan Museum of Art, New York, the National Gallery of Art, Washington, and the Yale University Art Gallery. Air date: June 4, 2026.

Researcher, artist, and curator Pietro Consolandi traces the ‘wetland turn' in art, ecology, and environmental justice, via Giovanni Pellegrini's 2025 documentary film, The Venice Lagoon, a legal person.Nature Speaks: Listening for Rights of Nature in Venice and Europe is at Ocean Space in Venice until 11 October 2026. The Research Unit, curated by Pietro Consolandi and Amalia Rossi, is co-produced by TBA21–Academy and NICHE Centre for Environmental Humanities, Ca' Foscari University of Venice, in collaboration with IDRA (Initiative for the Rights of Water) and the Confluence of European Water Bodies. You can join the next Citizens' Assembly for the Rights of the Lagoon on 10 October 2026.The Venice Lagoon, a legal person (2025) is available to watch online.For more about water bodies in Europe, hear Klima Biennale Wien festival director Sithara Pathirana on climate justice, public space and the rights of the river Danube through Austria, Central, Eastern, and Southeastern Europe, in the episode about Superflux's sculptural installation, Nobody Told Me Rivers Dream (2025): pod.link/1533637675/episode/ZWQ4Mzg0Y2MtMWFkMy00ZmJkLWIyZjUtNGU3MmJmODM2ODExOn the flows between Wales and Venice, listen to artist ⁠Taloi Havini⁠, winner of Artes Mundi 10, on their film Habitat (2017) at Mostyn in Llandudno, and work with Ocean Space in Venice: pod.link/1533637675/episode/e30bd079e3b389a1d7e68f5e2937a797On archaeologist Marija Gimbutas, hear Emilija Škarnulytė on their film installation, Burial (2022), part of Folkestone Triennial 2025: pod.link/1533637675/episode/ZmJmZTIzMGItOTg0OC00YjhhLThkMjMtMWQ3Y2E5ZDU5MDAzAnd for more about Southampton's coastal connections to Europe, hear curators Ros Carter and Sofie Krogh Christensen on Pia Arke's Camera Obscura (1990) at John Hansard Gallery in Southampton and KW Institute for Contemporary Art in Berlin: pod.link/1533637675/episode/OWVhZjc3YWItNDRiYy00MTYyLTk0ZmItZmE5MmJlZDY1YmI1PRODUCER: Jelena Sofronijevic.Follow EMPIRE LINES on Instagram: ⁠⁠instagram.com/empirelinespodcast⁠⁠Support EMPIRE LINES on Patreon: ⁠⁠patreon.com/empirelinesEMPIRE LINES is a project within the ecosystem of ⁠Radical Ecology⁠ (2025-2026).

Forecasters are predicting a hotter-than-typical summer for Arizona, in the form of a “Super El Niño.” That comes as Arizonans are spending more to cool their homes. And, we'll meet the new head of Tucson's Museum of Contemporary Art.

This week on Paige's Pod, I sat down with Molly and Ray, the founders of Galaray House - a welcoming, contemporary art gallery + modern espresso bar redefining what the gallery experience can feel like. We talk about:how a casual conversation on a boat sparked the idea for Galaray Housecombining coffee culture with fine artwhy traditional galleries can feel intimidatingbuilding a space that feels approachable, warm, and community-drivenbalancing creativity, business, and motherhoodthe emotional side of selling artworksupporting artists beyond just hanging work on wallstrusting your instincts when starting something newthe behind-the-scenes realities of opening a creative businessMolly and Ray share honest stories about starting from scratch, learning the coffee world on the fly, curating their first collection, navigating self-doubt, and building meaningful relationships with both artists and collectors.This conversation felt like a reminder that art doesn't have to feel exclusive or intimidating - it can simply be human, connective, and deeply personal.If you've ever dreamed of starting something creative, building community, or making the art world feel more accessible, this episode is for you. Find Gallery House:

Episode 528 / Beverly FishmanBeverly Fishman is an artist born in 1955 in Philadelphia, who lives and works in Detroit. She received her Master of Fine Arts in 1980 from Yale University and her Bachelor of Fine Arts from the Philadelphia College of Art in 1977.Her work has been the subject of recent solo exhibitions at CUE Art Foundation, New York, NY; Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; Gavlak Gallery, Los Angeles, CA; Jessica Silverman Gallery, San Francisco, CA; Kavi Gupta Gallery, Chicago, IL; KOTARO NUKAGA, Tokyo, Japan; Kravets Wehby Gallery, New York, NY; Library Street Collective, Detroit, MI; Louis Buhl & Co., Detroit, MI; Miles McEnery Gallery, New York, NY; Ronchini Gallery, London, United Kingdom; SOCO Gallery, Charlotte, NC; The Contemporary Dayton, Dayton, OH; and Walter Storms Galerie, Munich, Germany.She has been included in group exhibitions at numerous international institutions including the American Academy of Arts and Letters, New York, NY; Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Circulo de Bessa Artes, Madrid, Spain; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; National Academy of Design, New York, NY; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; The Drawing Center, New York, NY; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC; and White Columns, New York, NY, among others.Her work is in the collections of Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Chrysler Museum of Art, Norfolk, VA; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Eli and Edythe Broad Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; MacArthur Foundation Collection, Chicago, IL; Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, TX; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, MI; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, and elsewhere.Beverly was inducted as a National Academician of the National Academy of Design in 2020. She is the recipient of the Anonymous Was A Woman Award; the American Academy of Arts and Letters' Hassam, Speicher, Betts, & Symons Purchase Award; a Guggenheim Fellowship in the Fine Arts; and a Fellowship Grant from the National Endowment for the Arts.

Episode 528 / Beverly FishmanBeverly Fishman is an artist born in 1955 in Philadelphia, who lives and works in Detroit. She received her Master of Fine Arts in 1980 from Yale University and her Bachelor of Fine Arts from the Philadelphia College of Art in 1977.Her work has been the subject of recent solo exhibitions at CUE Art Foundation, New York, NY; Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; Gavlak Gallery, Los Angeles, CA; Jessica Silverman Gallery, San Francisco, CA; Kavi Gupta Gallery, Chicago, IL; KOTARO NUKAGA, Tokyo, Japan; Kravets Wehby Gallery, New York, NY; Library Street Collective, Detroit, MI; Louis Buhl & Co., Detroit, MI; Miles McEnery Gallery, New York, NY; Ronchini Gallery, London, United Kingdom; SOCO Gallery, Charlotte, NC; The Contemporary Dayton, Dayton, OH; and Walter Storms Galerie, Munich, Germany.She has been included in group exhibitions at numerous international institutions including the American Academy of Arts and Letters, New York, NY; Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Circulo de Bessa Artes, Madrid, Spain; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Museum of Contemporary Art, Chicago, IL; National Academy of Design, New York, NY; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; The Drawing Center, New York, NY; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC; and White Columns, New York, NY, among others.Her work is in the collections of Borusan Contemporary, Istanbul, Turkey; Chrysler Museum of Art, Norfolk, VA; Columbus Museum of Art, Columbus, OH; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Detroit Institute of Arts, Detroit, MI; Eli and Edythe Broad Museum, Michigan State University, East Lansing, MI; MacArthur Foundation Collection, Chicago, IL; Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, TX; Nerman Museum of Contemporary Art, Overland Park, KS; University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, MI; Weatherspoon Art Museum, Greensboro, NC, and elsewhere.Beverly was inducted as a National Academician of the National Academy of Design in 2020. She is the recipient of the Anonymous Was A Woman Award; the American Academy of Arts and Letters' Hassam, Speicher, Betts, & Symons Purchase Award; a Guggenheim Fellowship in the Fine Arts; and a Fellowship Grant from the National Endowment for the Arts.

The conversation around the Box Elder County data center is having ripple effects throughout Utah. Executive producer Emily Means and social media manager Molly Miloscia break down the latest headlines. Plus, crafting an ideal day in Salt Lake and local shoutouts. Resources and references: ‘They asked us to come,' Kevin O'Leary tells Tucker Carlson of massive Utah data center plan [Salt Lake Tribune] ‘I do not want this in my community': Southern Utahns confront proposed data center [Salt Lake Tribune] Utah House speaker says Box Elder hyperscale project is bad ‘personally, and for my ranch' [Salt Lake Tribune] Apply for Salt Lake City's Love Your Block program. Become a member of City Cast Salt Lake today! It's the best way to support our work and help make sure we are around for years to come. Get all the details and sign up at membership.citycast.fm. Subscribe to our daily morning newsletter. You can also find us on Instagram @CityCastSLC. Text or leave us a voicemail with your name and neighborhood, and you might hear it on the show: ‪(801) 203-0137‬ Looking to advertise on City Cast Salt Lake? Check out our options for podcast and newsletter ads. If you enjoyed our interview with Laura Allred Hurtado, executive director of the Utah Museum of Contemporary Arts, learn more here. Learn more about the sponsors of this episode: TaskRabbit The Shop Salt Lake Sewciety Cozy Earth - use code COZYSALTLAKE for up to 30% off