Podcasts about Miriam Makeba

Mo´ Horizons: Some More Horizons (DJs Session, 2005) 1.- "Chiclete com banana" - Gilberto Gil 2.- "Mariguana Cha Cha Cha" - Akos Stefi 3.- "Stop" - Howard Tate 4.- "Umquokozo" - Miriam Makeba 5.- "It´s Not Unusual" - The Impressions 6.- "Boom Boom" - Donald Byrd 7.- "Puutarhassa" - Pekka Streng 8.- "Die sprache des regens" (feat. Caterina Valente) - Mo´ Horizons 9.- "Chauffeur" - Nina Simone10.- "Follow That Arab" - Corduroy11.- "Prece ao vento" - Wilson Simonal12.- "Pe na estrada" - Students from the 3rd Grade13.- "Magic Single Barrell" (Mo´ Horizons Restyle) - La Taverne Du LacTodas las músicas seleccionadas y producidas por Mo´ HorizonsTodas las músicas extraídas de la recopilación (1xCD) "Some More Horizons" (Stereo Deluxe, 2005)Escuchar audio

Le 9 mars 1964 devant l'assemblée générale de l'ONU, Miriam Makeba vient lancer un appel pour que l'Afrique du Sud soit condamnée et surtout sanctionnée pour sa politique d'apartheid. Vous vous souvenez peut-être de cette chanson de Jain il y a quelques années qui rendait hommage à Miriam Makeba : « Je veux voir ton combat parce que tu incarnes la beauté véritable des droits humains », « I want to see you fight- Because you are the real beauty of human right », un hommage enthousiaste 50 ans plus tard à celle qui lit son papier, émue, devant l'Assemblée des nations ce jour de 1964. L'égalité de toutes et tous en dignité et en droit est l'un des crédos de l'ONU depuis sa création. Avec l'instauration du régime d'Apartheid en Afrique du Sud en 1948, la nouvelle organisation se trouvait face à un défi de taille. Chloé Maurel a travaillé sur ces grands discours de personnalités à la tribune de l'ONU qui jalonnent son histoire. Réf. Bibliographique : Chloé Maurel, Histoire des idées des Nations unies. L'ONU en 20 notions (Paris, L'Harmattan, 2015).

Classic African Oldies Mix – Sweet Mother, Yéké Yéké & More Highlife classics, Soukous floor-fillers, Afrobeat gold, Makossa grooves, and township jive from the 70s, 80s & 90s—all in one nonstop throwback party! Press play and relive Africa's golden era with iconic anthems from West, East & Southern Africa: Prince Nico Mbarga's Sweet Mother, Mory Kanté's Yéké Yéké, Yvonne Chaka Chaka's Umqombothi, Brenda Fassie's Vuli Ndlela, Miriam Makeba's Pata Pata and many more. Perfect for nostalgic family moments, road-trip vibes, or an old-school house party.

En 1968, la chanteuse sud-africaine Miriam Makeba et le militant des droits civiques états-unien Stokely Carmichael, mariés depuis peu, quittent les États-Unis pour s'installer à Conakry, capitale d'une Guinée indépendante dirigée depuis dix ans par Sékou Touré. Ils vont se mettre au service du régime dont le programme anti-impérialiste de "décolonisation des esprits" rencontre des échos de part et d'autre de l'Atlantique. Elara BERTHO narre cette histoire en exploitant notamment des archives écrites et sonores inédites collectées en Afrique.Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Connaissez-vous l'histoire de Stokely Carmichael et Miriam Makeba ? Lui a été un militant révolutionnaire noir américain (l'un des responsables du mouvement « Black Panther »), elle était une chanteuse sud-africaine engagée contre l'apartheid. Ce qui est moins connu, c'est qu'ils ont été en couple et se sont installés en Guinée à la fin des années 60. Leur histoire est au cœur d'un livre qui vient d'être publié par les éditions Ròt-Bò-Krik. Il est intitulé Un couple panafricain Miriam Makeba et Stokely Carmichael en Guinée. Son autrice, Elara Bertho, est l'invitée de Laurent Correau.

Comenzamos hoy con las grandes estrellas de la música africana de todos los tiempos, con los nuevos discos del senegalés Youssou N'Dour y del maliense Salif Keita. Y con la diva de Benín, Angelique Kidjo, que actuará en Madrid este miércoles 7 de Mayo. Más novedades con el afropop del keniata Savara, los congoleños Kin Gongola Kiniata con un sonido basado en los instrumentos que fabrican ellos mismos con materiales reciclados, y con el maestro del highlife nigeriano Fatai Rolling Dollars Además, la sudafricana Miriam Makeba, el semba angoleño de Tito Paris, chimurenga con Oliver Mtukudzi, rumba y soukous con los congoleños Quatre Etoiles, y highlife ghanés con Prince Osei Kofi. Disfruta !! Track List Youssou N Dour - Tout Pour Briller Youssou N Dour - Mbegeel Soole Salif Keita - Aboubakrin Angelique Kidjo - Dignity Savara - Sianda Kin Gongola Kiniata - Elengi Ya Ko Vivre Fatai Rolling Dollars - Eroya Miriam Makeba - Liwawechi Tito Paris - Gata Morena Oliver Mtukudzi - Munoshusha Quatre Etoiles - Doly Prince Osei Kofi - Enye Mea

The Crossing No.74 from RaidersBroadcast.com as aired in April 2025, and featuring Joan Armatrading with her debut album from 1976. TRACK LISTING: 007 (Shanty Town) - Desmond Dekker; Uyadela - The Skylarks ft. Miriam Makeba; Miles from Nowhere - Cat Stevens; Ridge Rider - Judee Sill; Down to Zero - Joan Armatrading; Help Yourself - Joan Armatrading; Just Now - John Martyn; Northern Sky - Nick Drake; No Rain - Blind Melon; Can't Find My Way Home - Blind Faith; Join the Boys - Joan Armatrading; Like Fire - Joan Armatrading; Long Lankin - Steeleye Span; So Long, Frank Lloyd Wright - Simon and Garfunkel.

Ray White speaks to Advocate Sipho Mantula, Thabo Mbeki African School of Public and International Affairs on the Legacy series that aims to pay tribute Miriam Makeba at Untitled basement in Braamfontein. See omnystudio.com/listener for privacy information.

Dans la séquence des nouveautés, le duo Josey/Fanny J, Perle Lama et Tyla/Sean Paul entre autres. Et dans la séquence gold, honneur à Miriam Makeba et Mc Solaar. Pour visionner les clips, cliquez sur les titres des chansons : Mobeti Beats - LiquideDicarson One Feat Dédé Djasco - Elengi continuumSandrine Nganga feat Locko - Pas de toi sans moiJenny Paria - Petit succèsJosey feat Fanny J - Faux pasSkarabéee - Lèsé mo patiMallaury feat Cadie Nelva - TiminikPerle Lama - Je m'envoleAgana - Entrer dans le gameTyla feat Sean Paul - Push 2 startBeenie Man et Etana - Guide over usMiriam Makeba - Malcolm XMC Solaar - Nouveau westernGazo - HermèsRetrouvez notre playlist sur Deezer. 

Dans la séquence des nouveautés, le duo Josey/Fanny J, Perle Lama et Tyla/Sean Paul entre autres. Et dans la séquence gold, honneur à Miriam Makeba et Mc Solaar. Pour visionner les clips, cliquez sur les titres des chansons : Mobeti Beats - LiquideDicarson One Feat Dédé Djasco - Elengi continuumSandrine Nganga feat Locko - Pas de toi sans moiJenny Paria - Petit succèsJosey feat Fanny J - Faux pasSkarabéee - Lèsé mo patiMallaury feat Cadie Nelva - TiminikPerle Lama - Je m'envoleAgana - Entrer dans le gameTyla feat Sean Paul - Push 2 startBeenie Man et Etana - Guide over usMiriam Makeba - Malcolm XMC Solaar - Nouveau westernGazo - HermèsRetrouvez notre playlist sur Deezer. 

Sa vie et sa carrière s'écrivent au rythme des allers-retours entre Cuba et la France. Raul Paz est né dans la province de Pinar del Rio à Cuba, et c'est pour poursuivre ses études en chant lyrique qu'il a quitté son pays natal. Une formation classique dont le chant, le solfège, le violon. Quand j'étais petit, raconte-t-il, il y avait 3 disques à la maison, Led Zeppelin, La Symphonie n° 40 de Mozart et Miriam Makeba. De sacrées bases pour se lancer dans la musique. Désormais installé à Cuba dans sa ferme familiale, Raul Paz est de passage à Paris pour la sortie de son nouvel album Guajiro Chic, Le paysan chic. Raul Paz est l'invité de Sur le pont des arts. L'album Guajiro Chic est sorti le 28 février 2025. Au programme de l'émission :ReportageMuriel Maalouf nous présente Joie collective-Apprendre à flamboyer. L'exposition réunit près de 25 artistes au Palais de Tokyo.  Chronique Saison 1 / Episode 1 Jessica Taieb nous présente la série Apparences : une saga familiale captivante. Entre intrigues amoureuses et lutte de pouvoir, la série béninoise suit la bataille de succession de l'empire familial : l'ONI corporation. Et surtout, ne vous fiez pas aux apparences ! Playlist du jour- Raul Paz - Asi no- Raul Paz - Bailar.

Sa vie et sa carrière s'écrivent au rythme des allers-retours entre Cuba et la France. Raul Paz est né dans la province de Pinar del Rio à Cuba, et c'est pour poursuivre ses études en chant lyrique qu'il a quitté son pays natal. Une formation classique dont le chant, le solfège, le violon. Quand j'étais petit, raconte-t-il, il y avait 3 disques à la maison, Led Zeppelin, La Symphonie n° 40 de Mozart et Miriam Makeba. De sacrées bases pour se lancer dans la musique. Désormais installé à Cuba dans sa ferme familiale, Raul Paz est de passage à Paris pour la sortie de son nouvel album Guajiro Chic, Le paysan chic. Raul Paz est l'invité de Sur le pont des arts. L'album Guajiro Chic est sorti le 28 février 2025. Au programme de l'émission :ReportageMuriel Maalouf nous présente Joie collective-Apprendre à flamboyer. L'exposition réunit près de 25 artistes au Palais de Tokyo.  Chronique Saison 1 / Episode 1 Jessica Taieb nous présente la série Apparences : une saga familiale captivante. Entre intrigues amoureuses et lutte de pouvoir, la série béninoise suit la bataille de succession de l'empire familial : l'ONI corporation. Et surtout, ne vous fiez pas aux apparences ! Playlist du jour- Raul Paz - Asi no- Raul Paz - Bailar.

Pippa speaks to Leah Rachel Hawker and Duduzile Phiri about a project called Women Woven Together. Twenty women are working to create 10 large tapestries depicting female icons of the anti-apartheid struggle. They include Albertina Sisulu, Miriam Makeba and Cissie Gool.See omnystudio.com/listener for privacy information.

durée : 00:59:09 - Lune ou soleil ? - par : Nathalie Piolé -

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. (Rediffusion) Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d'Olivier Conan qui, après avoir passé plus d'une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60's ainsi que d'évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l'héritier francophone d'un projet qui n'aurait pu naître qu'à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ?Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n'existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d'une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d'images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d'une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d'un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j'ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l'album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu'après trente ans d'absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c'est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d'une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d'interventions conscientes. Olivier Conan.Titres jouésFracassinesParoles trouvées sur mon écran d'ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu'elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l'adresse d'Agnès Varda.Daguerre ParisLe Petit BossuChanson du XVIème siècle. La version qu'Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l'élite littéraire de l'époque. Amie de Cocteau (qui ne l'était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d'elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j'ai tant rêvé de toi..) et en fait l'héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n'est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l'opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp.Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Fefanyi – Le Bienfaiteur.Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté.Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l'écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris. Titres interprétés au grand studio- Inondi Live RFI  - Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l'album- Inamakana Live RFILine Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterieSon : Benoît Letirant, Mathias Taylor► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod – Rock'n hall 2024)Site - YouTube - Facebook

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. (Rediffusion) Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d'Olivier Conan qui, après avoir passé plus d'une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60's ainsi que d'évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l'héritier francophone d'un projet qui n'aurait pu naître qu'à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ?Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n'existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d'une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d'images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d'une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d'un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j'ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l'album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu'après trente ans d'absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c'est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d'une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d'interventions conscientes. Olivier Conan.Titres jouésFracassinesParoles trouvées sur mon écran d'ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu'elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l'adresse d'Agnès Varda.Daguerre ParisLe Petit BossuChanson du XVIème siècle. La version qu'Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l'élite littéraire de l'époque. Amie de Cocteau (qui ne l'était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d'elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j'ai tant rêvé de toi..) et en fait l'héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n'est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l'opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp.Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Fefanyi – Le Bienfaiteur.Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté.Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l'écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris. Titres interprétés au grand studio- Inondi Live RFI  - Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l'album- Inamakana Live RFILine Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterieSon : Benoît Letirant, Mathias Taylor► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod – Rock'n hall 2024)Site - YouTube - Facebook

In this episode, I will embark on a vibrant musical journey through the soul-stirring rhythms, grooves, and melodies of Brazil. From the samba-infused funk of Banda Black Rio's “Expresso Madureira” to the hypnotic pulse of Airto's “Tombo in 7/4,” this playlist celebrates the rich fusion of jazz, samba, and bossa nova that has captivated listeners around the world. I will dive into the magnetic voices of Sandra de Sá and Miriam Makeba, groove to the playful swing of Trio Mocotó, and lose ourselves in the cinematic elegance of Lalo Schifrin's “Bossa Nova em Nova York.” Experience the cosmic allure of Flora Purim alongside the timeless brilliance of Jorge Ben and Toquinho's "Carolina Carol Bela." Every track tells a story steeped in Brazilian culture, resilience, and joy. So sit back, stream in, and let Jazz Matters take you on a soulful adventure as we explore some of Brazil's rich musical tapestry. This is Jazz Matters: Digs Brazil – where music truly matters. Please Enjoy the Music I Love Essential Info Link to my blog supporting this mix - https://www.jazzmattersuk.com/blogs/exploring-brazil-s-sonic-tapestry Explore my Website and dive into Blogs, interviews Content, Music, Videos and Images - https://www.jazzmattersuk.com Music free to stream - https://pod.co/nudirections My Info - https://www.jazzmattersuk.com/introducing-jazz-matters/introducing-ray All social media links and more – https://www.jazzmattersuk.com/linkhub Feel free to reach out to me using the contact form on my website. jazzmattersuk.com and I'll respond no matter where you are. Jazz Matters Playlist Airto - Andei (l Walked) Banda Black Rio - Expresso Madureira Miriam Makeba - Xica da Silva Sandra De Så - Trem da Central Trio Mocoto - Swinga Sambaby Os Brazoes - Volks-Volkswagen Blue Rosa Maria - Deixa Nao Deixa Tenorio Jr. - Nebulosa Lalo Schifrin - Bossa Nova Em Nova York Jorge Ben, Toquinho - Carolina Carol Bela Flora Purim - Moon Dreams Dom Um Romao - Escravos de Jo Deodato – Skyscrapers Zé Roberto - Lotus 72D Salinas - Tenha Fé, Pois Amanhä um Lindo Dia Vai Nascer Airto - Tombo in 7/4 Sandra De Så - Olhos Coloridos

durée : 00:59:49 - Explosion - par : Nathalie Piolé - La playlist jazz de Nathalie Piolé.

John Maytham is joined by South African music icon PJ Powers, known as “Thandeka,” shares highlights from her four-decade career, including hits like “Jabulani” and “World in Union.” From leading Hotline to collaborating with legends like Miriam Makeba and Eric Clapton, her journey is one of resilience and unity. Catch her live at Kalk Bay Theatre this Tuesday, November 26, at 20:30, for an unforgettable evening of music and storytellingSee omnystudio.com/listener for privacy information.

Miriam Makeba pasó los primeros meses de su vida en la cárcel y el resto de su vida luchando por la libertad. Pocos artistas han dejado un legado tan importante ni un discurso tan poderoso como la cantante sudafricana, una mujer expulsada de su país que se construyó desde el exilio y que pasó a la historia como Mamá África.Miriam Makeba tuvo una vida de cine, estuvo en todas las guerras y ganó muchas batallas. Se enfrentó al racismo, al Gobierno blanco de Sudáfrica y pagó por ello, pero Makeba se abrió paso y construyó una carrera fascinante. En 1967, con 35 años, traspasó barreras con Pata Pata, un trabajo que la convirtió en una gran estrella en Estados Unidos, poco antes de tener que abandonar el país por su matrimonio con Stokely Carmichael, uno de los líderes del movimiento negro.Desde su expulsión de EEUU, Makeba se fue construyendo como una de las voces más poderosas de África, tanto en lo artístico como en lo político y así fue durante las siguientes décadas hasta que la muerte la pilló apoyando al periodista Roberto Saviano, autor de Gomorra.Esta semana queremos recorrer la figura de la gran voz femenina de África y para este viaje nos acompaña el periodista Mario Tornero y Lucía Taboada con sus reportajes.

Day 10 of Black History Bootcamp: Feminine or Fighter? Today, we honor the incredible Miriam Makeba, a trailblazer whose voice transcended borders and became a symbol of resilience and strength. Known as ‘Mama Africa,' Makeba was not just a celebrated musician, but also a fierce advocate for human rights and freedom. Her music inspired change, and her courage in standing against apartheid made her an icon for both feminine grace and unwavering defiance. Today's theme challenges us to reflect on how we balance our feminine energy with our inner fighter. Do you find strength in embracing both sides of yourself? How can we honor our power while remaining connected to our essence?

Esta semana tenemos doblete en antena. El sábado volvemos a sentar en el Sofá Sonoro un disco de los Beatles, en este caso Rubber Soul, y el domingo recorremos la historia de Miriam Makeba con Pata Pata, su álbum de 1967.PLAYLIST | Todos los episodios de Sofá Sonoro dedicados a The Beatles

 In their epic showdown, “The Fight of the Century,” Muhammad Ali takes on the Champ, Smokin' Joe Frazier. It's a stunning exhibition of strength, pain, and violence. Their fight is covered by many great writers, who transform Ali into an avatar of the age as they celebrate his ascendance as the People's Champ. A new boxing contender enters the scene: the giant George Foreman while Miriam Makeba wins hearts as she's dubbed Mama Africa by her fans.   REFERENCE MATERIALS: "Ali: A Life" by Jonathan Eig "The Fight" by Norman Mailer "Ego" (Life magazine Cover Story, March 19, 1971) article by Norman Mailer "The Redemption of the Champion" (Life magazine, Sept 9, 1966), article by Gordon Parks "Shadow Box" by George Plimpton  "Ringside: A Treasury of Boxing Reportage" by Budd Schulberg  "The Greatest, My Own Story" by Muhammad Ali (autobiography) "Smokin' Joe" by Joe Frazier and Phil Berger (autobiography) "Smokin' Joe: The Life of Joe Frazier" by Mark Kram Jr.  "By George" by George Foreman (autobiography) Miriam Makeba FBI file (available online at: https://vault.fbi.gov/miriam-makeba)See omnystudio.com/listener for privacy information.

Esta temporada queremos recordar la carrera de Miriam Makeba con un programa dedicado a su disco Pata Pata de 1967, Lucía Taboada nos cuenta cómo fue el viaje de la cantante hasta ese momento. 

The Why Music Podcast is a podcast for kids and young people to learn about different musicians and music through history! All episodes are written, recorded, and produced by Nate Holder. www.nateholdermusic.com ⁠www.thewhybooks.co.uk

Spéciale consacrée au concert qui a eu lieu avant le « combat du siècle », celui de Mohamed Ali contre George Foreman, le 30 octobre 1974, au stade du 20 mai, à Kinshasa. Du 22 au 24 septembre, six semaines avant la victoire de Mohamed Ali, le musicien sud-africain Hugh Masekela et le producteur américain Stewart Levine organisent le festival Kinshasa 74. Trois jours de concerts réunissant sur scène 31 artistes africains et afro-américains incluant BB King, James Brown, Bill Withers, Sister Sledge, Fania All Stars, The Supremes, Miriam Makeba, TP OK Jazz, Manu Dibango, Tabu Ley Rochereau, Abeti Masikini, Franco Luambo… Joseph Kabasélé African Jazz - Succès african jazzAbeti Massikini - Mobutu praise songThe Spinners - Could it be I'm falling in loveTabu Ley Rochereau - AnnieJames Brown, Maceo Parker and the Macks - Soul powerManu Dibango - Soul MakossaMiriam Makeba - UmkhokozoFranco et T.P. Ok Jazz - MosalaThe Jacksons - I'll be thereRetrouvez notre playlist sur Deezer. 

Spéciale consacrée au concert qui a eu lieu avant le « combat du siècle », celui de Mohamed Ali contre George Foreman, le 30 octobre 1974, au stade du 20 mai, à Kinshasa. Du 22 au 24 septembre, six semaines avant la victoire de Mohamed Ali, le musicien sud-africain Hugh Masekela et le producteur américain Stewart Levine organisent le festival Kinshasa 74. Trois jours de concerts réunissant sur scène 31 artistes africains et afro-américains incluant BB King, James Brown, Bill Withers, Sister Sledge, Fania All Stars, The Supremes, Miriam Makeba, TP OK Jazz, Manu Dibango, Tabu Ley Rochereau, Abeti Masikini, Franco Luambo… Joseph Kabasélé African Jazz - Succès african jazzAbeti Massikini - Mobutu praise songThe Spinners - Could it be I'm falling in loveTabu Ley Rochereau - AnnieJames Brown, Maceo Parker and the Macks - Soul powerManu Dibango - Soul MakossaMiriam Makeba - UmkhokozoFranco et T.P. Ok Jazz - MosalaThe Jacksons - I'll be thereRetrouvez notre playlist sur Deezer. 

In this inspiring episode, I talk with South African rebel singer Thandiswa Mazwai, discussing her upbringing in Soweto, South Africa, during the Apartheid era. Her memories of the violence that took place are vivid. She recalls experiencing a great sense of freedom upon Nelson Mandela's release from prison and describes meeting South African legends Miriam Makeba and Hugh Masekela, who would become her close friends and mentors. Mazwai's musical influences include Fela Kuti, Grace Jones, and UK punk band Skunk Anansie. Her parents, who were activists, had made her read books like Frantz Fanon's Wretched of the Earth. Her latest album is Sankofa, co-produced by Meshell Ndegeocello and fellow South African musician Nduduzo Makhathini; we talk about the experience of working with them. Our conversation wraps with the recollection of her 2005 performance at the legendary Apollo Theater in Harlem.https://thandiswa.comhttps://www.patreon.com/c/ALONGWAYFROMTHEBLOCKPODCAST

O meu, o seu, o nosso episódio semanal do Boia. 13 ouvintes ensandecidos correndo em direção ao quebra-coco com o patinho bradando nas mãos. É sobre isso- entusiasmo. Miriam Makeba, imperatriz da canção africana, interpretando Xica da Silva (Salve Jorge!), EBTB com When All's Well, de 1985 e M dos ingleses do The Cure. Mais não disse!

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d'Olivier Conan qui, après avoir passé plus d'une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60's ainsi que d'évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l'héritier francophone d'un projet qui n'aurait pu naître qu'à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ? Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n'existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d'une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d'images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d'une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d'un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j'ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l'album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu'après trente ans d'absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c'est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d'une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d'interventions conscientes. Olivier Conan. Titres jouésFracassinesParoles trouvées sur mon écran d'ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu'elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l'adresse d'Agnès Varda.Daguerre ParisLe Petit BossuChanson du XVIème siècle. La version qu'Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l'élite littéraire de l'époque. Amie de Cocteau (qui ne l'était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d'elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j'ai tant rêvé de toi..) et en fait l'héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n'est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l'opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp. Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Fefanyi – Le Bienfaiteur. Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté. Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l'écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris.  Titres interprétés au grand studio- Inondi Live RFI  - Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l'album- Inamakana Live RFI.Line Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterie.Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod - Rock'n hall 2024).Site - YouTube - Facebook.

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre.Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d'Olivier Conan qui, après avoir passé plus d'une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60's ainsi que d'évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l'héritier francophone d'un projet qui n'aurait pu naître qu'à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ? Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n'existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d'une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d'images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d'une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d'un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j'ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l'album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu'après trente ans d'absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c'est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d'une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d'interventions conscientes. Olivier Conan. Titres jouésFracassinesParoles trouvées sur mon écran d'ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu'elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant.88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l'adresse d'Agnès Varda.Daguerre ParisLe Petit BossuChanson du XVIème siècle. La version qu'Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l'élite littéraire de l'époque. Amie de Cocteau (qui ne l'était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d'elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j'ai tant rêvé de toi..) et en fait l'héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n'est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l'opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024).Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp. Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l'album Fefanyi – Le Bienfaiteur. Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble ses compositions originales. En plus du guitariste virtuose, on découvre qu'Abdoulaye Kouyaté est un orfèvre de mélodies et un chanteur au timbre feutré. Tantôt profonde et touchante, tantôt rythmée et dansante, sa musique métissée oscille entre ballades, instrumentaux à la kora et des morceaux aux sonorités afropop empruntant leur rythmique au coupé décalé, au zouk ou au yolé traditionnel de Guinée. Abdoulaye confie la réalisation de l'album à Patrick Ruffino et s'accompagne de Yannick Vela à la basse et Nicolas Grupp à la batterie. L'album est enrichi par les précieuses contributions du joueur de flûte peule Dramane Dembele, de la chanteuse Gabi Hartmann, du bassiste Guy Nsangué, du saxophoniste Robbie Marshall, du violoncelliste Guillaume Latil, du djembefola Dartagnan Camara et des choeurs de la chanteuse Djene Kouyaté. Ce premier disque affiche une diversité étonnante. Chantés en Soussou (la langue de la capitale guinéenne, Conakry) et en français, plusieurs titres s'inspirent de la jeunesse romanesque d'Abdoulaye dans le Conakry des années 1990-2000. Une époque où il se perfectionnait à la guitare en suivant à la trace les musiciens de son quartier, animait avec son groupe de folles soirées expatriés au Grand Hôtel Camayenne, et tombait amoureux pour la première fois (Inondi, Doumedira, On fait quoi ? et Nitanama notamment). À l'insouciance guinéenne, succède la jungle de l'Europe, la vie d'adulte, les responsabilités, le froid, et les apprentissages difficiles. Ces leçons de vie inspirent notamment les morceaux Douniéma (le rancunier), Saré (tout à un prix) ou Inamakana (si tu ne peux pas aider ton prochain, ne l'enfonce pas). Le morceau Fefanyi (le bienfaiteur) qui donne le titre de l'album reprend la tradition des griots, dont les Kouyaté sont issus, de « chanter les louanges » des grands Hommes, des généreux bienfaiteurs. Suivant le chemin ouvert par son père Sekou Kouyaté, griot moderne, guitariste respecté et chef d'orchestre de Miriam Makeba durant ses années d'exil en Guinée, Abdoulaye Kouyaté façonne son jeu de guitare à l'écoute du jazz, du funk, du reggae, le Son Cubano ou de la Biguine antillaise tout en lui donnant des sonorités mandingues. Il cite Paul Simon et Georges Benson en inspiration. En Guinée, on l'affuble du surnom «jazzman» en raison de son style qui s'écarte du mandingue traditionnel. Lorsque son père tombe malade, Abdoulaye le remplace en tant que joueur de kora dans Circus Baobab. Avec ce premier cirque d'Afrique de l'Ouest, il sillonnera le monde pendant une décennie, avant de s'établir à Marseille puis à Paris.  Titres interprétés au grand studio- Inondi Live RFI  - Toi Tu Penses nous on bouge, extrait de l'album- Inamakana Live RFI.Line Up : Abdoulaye Kouyaté - voix, guitare - Thierry Fournel - guitare - Yannick Vela - basse - Nicolas Grupp – batterie.Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor.► Album Fefanyi – Le Bienfaiteur (Reva prod - Rock'n hall 2024).Site - YouTube - Facebook.

Le 9 mars 1964 devant l'assemblée générale de l'ONU, Miriam Makeba vient lancer un appel pour que l'Afrique du Sud soit condamnée et surtout sanctionnée pour sa politique d'apartheid. Vous vous souvenez peut-être de cette chanson de Jain il y a quelques années qui rendait hommage à Miriam Makeba : « Je veux voir ton combat parce que tu incarnes la beauté véritable des droits humains », « I want to see you fight- Because you are the real beauty of human right », un hommage enthousiaste 50 ans plus tard à celle qui lit son papier, émue, devant l'Assemblée des nations ce jour de 1964. L'égalité de toutes et tous en dignité et en droit est l'un des crédos de l'ONU depuis sa création. Avec l'instauration du régime d'Apartheid en Afrique du Sud en 1948, la nouvelle organisation se trouvait face à un défi de taille. Chloé Maurel a travaillé sur ces grands discours de personnalités à la tribune de l'ONU qui jalonnent son histoire. Réf. Bibliographique : Chloé Maurel, Histoire des idées des Nations unies. L'ONU en 20 notions (Paris, L'Harmattan, 2015)

Miriam Makeba, known as the Empress of African Song, remains a symbol of the movement against colonialism, and Black Power movements in the US and the global Pan African movement. She unified the struggle for those of African descent across the world. We take a look at her story, and how Makeba used her talent to speak out against the apartheid movement in South Africa. Sources: Miriam Makeba Sharpeville massacre Follow us on IG: itsacontinentpod and Twitter: itsacontinent. It's a Continent (published by Coronet) is available to purchase: itsacontinent.com/book   We're on Buy me a Coffee too: https://www.buymeacoffee.com/itsacontinent Visit our website: itsacontinent.com Artwork by Margo Designs: https://margosdesigns.myportfolio.com Music provided by Free Vibes: https://goo.gl/NkGhTg Warm Nights by Lakey Inspired: https://soundcloud.com/lakeyinspired/... Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

This weeks episode of Upstate Vibin' In the Pocket showcases musical selections to celebrate the matriarch of the Mateus Clan. Featuring the music of Miriam Makeba, The Brothers Gibb, Shirley Brown, Sweet Honey and the Rock and more..For more info and tracklisting, visit: https://thefaceradio.com/in-the-pocket/Tune into new broadcasts of In The Pocket, LIVE, Fridays from 12 - 2 PM EST / 5 - 7 PM GMT.//Dig this show? Please consider supporting The Face Radio: http://support.thefaceradio.com Support The Face Radio with PatreonSupport this show http://supporter.acast.com/thefaceradio. Join the family at https://plus.acast.com/s/thefaceradio. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

This week's episode of Vinyl Fridays is a double date of sorts as Brandon & AP Lindsay welcome record collectors and vinyl enthusiasts Ethan & Robyn. Yes, spinning records has become the new Bridge. Oh, it's another eclectic mix of classics, newbies, folk, new wave, punk. soul, and more . . .  Including, but not limited to Miriam Makeba, Major Lance, Sparkle Horse, T.Rex, Brian Eno, Last Dinner Party, Ronee Blakley, and The Big Boys.   Vinyl Fridays theme song by Dazzleflage Bed music: Apache by Jorgan Ingmann             Apache by The Incredible Bongo Band             Apache 65' by Davie Allan & The Arrows                 Biradio.libsyn.com Instagram: @birp60406 Facebook: @blueislandradio If you'd like to support the show visit Patreon.com/blueislandradio    

We're back for Part 2 of Miriam Makeb's story!  Exiled from her country for ... literally just singing and being an icon/beacon for hope. Separated from her daughter, too.  Rude.  Let's learn how Miriam maintained hope and spread the word about it through song.  image credits: https://commons.m.wikimedia.org/w/index.php?search=Makeba+&title=Special:MediaSearch&type=image  

Lina présente son nouvel album Fado Camões et Patricia Essong, Healing Journey dans la #SessionLive. (Rediffusion) Notre première invitée est la fadista Lina pour la sortie de son nouvel album Fado Camões. Il y a trois ans, la fadista Lina et le producteur et musicien Raül Refree se sont réunis autour du répertoire d'Amália (Rodrigues), surprenant le monde avec un album audacieux, encensé dans tous les milieux. Elle est désormais de retour, encore plus puissante, non seulement par sa voix inimitable, mais aussi par la composition de quelques chansons, en compagnie du producteur et musicien britannique Justin Adams (Robert Plant, Rachid Taha, Tinariwen, Jah Wooble, Souad Massi), autour de la poésie de Camões (poète portugais du XVIè siècle).C'est un nouveau chapitre qui commence à s'écrire, après que Lina a commencé à chanter à l'âge de 10 ans au Círculo Portuense de Ópera et a étudié au Conservatoire, avant de tomber amoureuse des maisons de fado, qu'elle n'a jamais abandonnées, et d'enregistrer les albums Carolina et EnCantado, signés sous le nom de Carolina. Puis vinrent des périodes de croissance musicale et d'élargissement des horizons, et maintenant, il y a Camões à l'horizon et un son renouvelé, où le centre est encore et toujours son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, pleine de vie pour nous toucher.Titres interprétés au grand studio- Desamor Live RFI- O Que temo E O Desejo (Feat. Rodrigo Cuevas) extrait de l'album Fado Camoes- Se De Saudada Morrerei Ou Não Live RFI Line Up : Lina, chant, Ianina Khmelik, claviers, Jean-Luc Gonneau, traducteurSon : Mathias Taylor & Jérémie Besset.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Fado Camões (Galileo / MDC / Pias 2024).Choix musical RFI.Puis, nous recevons Patricia Essong pour le nouvel album Healing Journey.Patricia Essong, originaire du Cameroun et vivant en France depuis 20 ans, s'inspire de grandes artistes telles que Miriam Makeba, Tracy Chapman et Lizz Wright pour créer une musique et son propre univers qui célèbrent son héritage culturel bantou. Nourrie de folk, de jazz et de blues, sa musique éthérée et enracinée mène vers la spiritualité.Parallèlement à une carrière réussie dans le conseil, son amour pour la musique ne la quitte jamais. En 2013, elle décide de sortir de sa zone de confort pour poursuivre sa passion, marquant le début de sa carrière musicale. Elle produit en 2016 son premier album, Soul of Nü Bantu, une exploration musicale entre chants traditionnels et balades folk, révélant la richesse des langues africaines. De Paris à New York, en passant par la Suisse et le Cameroun, Patricia Essong partage son message de réalisation des rêves à travers des concerts empreints de spiritualité africaine.Son parcours prend un tournant en 2019 lorsqu'elle ressent le besoin de s'arrêter, de respirer et d'explorer une nouvelle dimension de sa créativité. Cette pause la conduit sur La Route du Sacré, un projet en trois parties. Le premier volet, Healing Journey, est un voyage musical de guérison, composé pendant le confinement. L'album, en langue duala, reflète son cheminement personnel à travers des épreuves, le deuil, la méditation et la célébration de la vie. Malgré des pertes personnelles importantes, l'album reste intime, minimaliste, et explore des sonorités ethno trip-hop, marquant une évolution audacieuse de son style musical.Titres interprétés au grand studio- Chrysalide Live RFI - Immanence, extrait de l'album- Beauty Painters Live RFI Line Up : Patricia Essong, voix, harmonica, Christophe Laxenaire, clavier, ordi.Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Healing Journey (Nü Bantu Sound 2024).ParolesChrysalide : Chrysalide est une chanson pour s'accueillir avec tendresse, justesse et patience. J'étais confinée à l'intérieur de mon faisceau chromatique, à questionner mon existence, regarder en face toutes ces mémoires traumatiques, et sans les nier, invoquer ma paix, trouver l'issue dans l'immanence pour libérer, transmuter. Chrysalide est le mantra de guérison qui m'a été inspirée pendant que je surmontais le burn-out. Faire de sa chrysalide, un espace sacré, un Autel d'accueil de ses émotions.Beauty Painters :  Chanson exprimée en anglais et en langue duala (Cameroun)Chanson en hommage aux passeurs de lumière, à ceux qui construisent la beauté du monde par leurs bonnes actions, par leurs états de vie, d'éveil, malgré de grandes épreuves, à celles et ceux qui ne sont pas souvent reconnus comme tels, si ce n'est après leur mort... Chanson de reconnaissance, dire qu'ils laissent derrière de beaux tableaux, ils marquent la terre de leur empreinte. C'est aussi un message d'encouragement à ceux qui expérimentent leur propre vie, à ceux qui prennent le relais, avec difficultés, mais avec dignité et grandeur.

Lina présente son nouvel album Fado Camões et Patricia Essong, Healing Journey dans la #SessionLive. (Rediffusion) Notre première invitée est la fadista Lina pour la sortie de son nouvel album Fado Camões. Il y a trois ans, la fadista Lina et le producteur et musicien Raül Refree se sont réunis autour du répertoire d'Amália (Rodrigues), surprenant le monde avec un album audacieux, encensé dans tous les milieux. Elle est désormais de retour, encore plus puissante, non seulement par sa voix inimitable, mais aussi par la composition de quelques chansons, en compagnie du producteur et musicien britannique Justin Adams (Robert Plant, Rachid Taha, Tinariwen, Jah Wooble, Souad Massi), autour de la poésie de Camões (poète portugais du XVIè siècle).C'est un nouveau chapitre qui commence à s'écrire, après que Lina a commencé à chanter à l'âge de 10 ans au Círculo Portuense de Ópera et a étudié au Conservatoire, avant de tomber amoureuse des maisons de fado, qu'elle n'a jamais abandonnées, et d'enregistrer les albums Carolina et EnCantado, signés sous le nom de Carolina. Puis vinrent des périodes de croissance musicale et d'élargissement des horizons, et maintenant, il y a Camões à l'horizon et un son renouvelé, où le centre est encore et toujours son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, pleine de vie pour nous toucher.Titres interprétés au grand studio- Desamor Live RFI- O Que temo E O Desejo (Feat. Rodrigo Cuevas) extrait de l'album Fado Camoes- Se De Saudada Morrerei Ou Não Live RFI Line Up : Lina, chant, Ianina Khmelik, claviers, Jean-Luc Gonneau, traducteurSon : Mathias Taylor & Jérémie Besset.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Fado Camões (Galileo / MDC / Pias 2024).Choix musical RFI.Puis, nous recevons Patricia Essong pour le nouvel album Healing Journey.Patricia Essong, originaire du Cameroun et vivant en France depuis 20 ans, s'inspire de grandes artistes telles que Miriam Makeba, Tracy Chapman et Lizz Wright pour créer une musique et son propre univers qui célèbrent son héritage culturel bantou. Nourrie de folk, de jazz et de blues, sa musique éthérée et enracinée mène vers la spiritualité.Parallèlement à une carrière réussie dans le conseil, son amour pour la musique ne la quitte jamais. En 2013, elle décide de sortir de sa zone de confort pour poursuivre sa passion, marquant le début de sa carrière musicale. Elle produit en 2016 son premier album, Soul of Nü Bantu, une exploration musicale entre chants traditionnels et balades folk, révélant la richesse des langues africaines. De Paris à New York, en passant par la Suisse et le Cameroun, Patricia Essong partage son message de réalisation des rêves à travers des concerts empreints de spiritualité africaine.Son parcours prend un tournant en 2019 lorsqu'elle ressent le besoin de s'arrêter, de respirer et d'explorer une nouvelle dimension de sa créativité. Cette pause la conduit sur La Route du Sacré, un projet en trois parties. Le premier volet, Healing Journey, est un voyage musical de guérison, composé pendant le confinement. L'album, en langue duala, reflète son cheminement personnel à travers des épreuves, le deuil, la méditation et la célébration de la vie. Malgré des pertes personnelles importantes, l'album reste intime, minimaliste, et explore des sonorités ethno trip-hop, marquant une évolution audacieuse de son style musical.Titres interprétés au grand studio- Chrysalide Live RFI - Immanence, extrait de l'album- Beauty Painters Live RFI Line Up : Patricia Essong, voix, harmonica, Christophe Laxenaire, clavier, ordi.Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Healing Journey (Nü Bantu Sound 2024).ParolesChrysalide : Chrysalide est une chanson pour s'accueillir avec tendresse, justesse et patience. J'étais confinée à l'intérieur de mon faisceau chromatique, à questionner mon existence, regarder en face toutes ces mémoires traumatiques, et sans les nier, invoquer ma paix, trouver l'issue dans l'immanence pour libérer, transmuter. Chrysalide est le mantra de guérison qui m'a été inspirée pendant que je surmontais le burn-out. Faire de sa chrysalide, un espace sacré, un Autel d'accueil de ses émotions.Beauty Painters :  Chanson exprimée en anglais et en langue duala (Cameroun)Chanson en hommage aux passeurs de lumière, à ceux qui construisent la beauté du monde par leurs bonnes actions, par leurs états de vie, d'éveil, malgré de grandes épreuves, à celles et ceux qui ne sont pas souvent reconnus comme tels, si ce n'est après leur mort... Chanson de reconnaissance, dire qu'ils laissent derrière de beaux tableaux, ils marquent la terre de leur empreinte. C'est aussi un message d'encouragement à ceux qui expérimentent leur propre vie, à ceux qui prennent le relais, avec difficultés, mais avec dignité et grandeur.

In this engaging episode of "Concerts That Made Us," Brian, sits down with the talented musician Carla to delve into her musical journey and her latest creative endeavors. The conversations kicks off with a discussion about Carla's album "Layers" which she discusses with palpable enthusiasm. She delves into the creative process behind the album, explaining how each track is meant to peel back the different aspects of her artistry and personal experiences, much like layers being uncovered. Carla is proud of the depth and variety present in the album, and she's eager for her fans to explore the nuances of her music. She also opens up about the collaboration with local artists and how she wished to highlight the immense wealth of talent within her local community.Carla is particularly excited to discuss her upcoming single. She's aiming for a tune that's so catchy it will stick in listeners' heads, even if it risks being played so frequently that it becomes ubiquitous. Carla is well aware of the fine line between a hit song and one that can potentially wear out its welcome, but she's confident that her new track will strike the right balance.Carla also reminisces about the live shows she has played, recounting memorable performances and the electric atmosphere of connecting with an audience. She and Brian exchange stories about the power of live music and the unforgettable experiences that concerts can create, both for the performer and the fans.During the conversation, Carla's vibrant personality shines through as she shares her current personal obsession with sour candies. She also indulges in a hypothetical scenario, musing about who she would choose as her ideal company if she were ever locked in a room. Without hesitation, she names the legendary musicians Miriam Makeba and Freddie Mercury, citing their incredible talent and the profound influence they've had on her as an artist.This episode is a perfect example of the hard work and perseverance that it takes to make it in the music industry.Find Carla Franco here: HTTPS://TAP.LINK/CARLAFRANCOMUSICFind CTMU hereLinktreeNewsletter: https://concertsthatmadeus.aweb.page/p/f065707b-2e34-4268-8e73-94f12bd2e938Save 10% on Band Builder Academy membership by following this link https://bandbuilderacademy.com/Brian_Concerts/join and using promo code "concerts" at signup Become a member at https://plus.acast.com/s/concerts-that-made-us. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

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Lina présente son nouvel album Fado Camões et Patricia Essong, Healing Journey dans la #SessionLive. (Rediffusion) Notre première invitée est la fadista Lina pour la sortie de son nouvel album Fado Camões. Il y a trois ans, la fadista Lina et le producteur et musicien Raül Refree se sont réunis autour du répertoire d'Amália (Rodrigues), surprenant le monde avec un album audacieux, encensé dans tous les milieux. Elle est désormais de retour, encore plus puissante, non seulement par sa voix inimitable, mais aussi par la composition de quelques chansons, en compagnie du producteur et musicien britannique Justin Adams (Robert Plant, Rachid Taha, Tinariwen, Jah Wooble, Souad Massi), autour de la poésie de Camões (poète portugais du XVIè siècle).C'est un nouveau chapitre qui commence à s'écrire, après que Lina a commencé à chanter à l'âge de 10 ans au Círculo Portuense de Ópera et a étudié au Conservatoire, avant de tomber amoureuse des maisons de fado, qu'elle n'a jamais abandonnées, et d'enregistrer les albums Carolina et EnCantado, signés sous le nom de Carolina. Puis vinrent des périodes de croissance musicale et d'élargissement des horizons, et maintenant, il y a Camões à l'horizon et un son renouvelé, où le centre est encore et toujours son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, pleine de vie pour nous toucher.Titres interprétés au grand studio- Desamor Live RFI- O Que temo E O Desejo (Feat. Rodrigo Cuevas) extrait de l'album Fado Camoes- Se De Saudada Morrerei Ou Não Live RFI Line Up : Lina, chant, Ianina Khmelik, claviers, Jean-Luc Gonneau, traducteurSon : Mathias Taylor & Jérémie Besset.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Fado Camões (Galileo / MDC / Pias 2024).Choix musical RFI.Puis, nous recevons Patricia Essong pour le nouvel album Healing Journey.Patricia Essong, originaire du Cameroun et vivant en France depuis 20 ans, s'inspire de grandes artistes telles que Miriam Makeba, Tracy Chapman et Lizz Wright pour créer une musique et son propre univers qui célèbrent son héritage culturel bantou. Nourrie de folk, de jazz et de blues, sa musique éthérée et enracinée mène vers la spiritualité.Parallèlement à une carrière réussie dans le conseil, son amour pour la musique ne la quitte jamais. En 2013, elle décide de sortir de sa zone de confort pour poursuivre sa passion, marquant le début de sa carrière musicale. Elle produit en 2016 son premier album, Soul of Nü Bantu, une exploration musicale entre chants traditionnels et balades folk, révélant la richesse des langues africaines. De Paris à New York, en passant par la Suisse et le Cameroun, Patricia Essong partage son message de réalisation des rêves à travers des concerts empreints de spiritualité africaine.Son parcours prend un tournant en 2019 lorsqu'elle ressent le besoin de s'arrêter, de respirer et d'explorer une nouvelle dimension de sa créativité. Cette pause la conduit sur La Route du Sacré, un projet en trois parties. Le premier volet, Healing Journey, est un voyage musical de guérison, composé pendant le confinement. L'album, en langue duala, reflète son cheminement personnel à travers des épreuves, le deuil, la méditation et la célébration de la vie. Malgré des pertes personnelles importantes, l'album reste intime, minimaliste, et explore des sonorités ethno trip-hop, marquant une évolution audacieuse de son style musical.Titres interprétés au grand studio- Chrysalide Live RFI - Immanence, extrait de l'album- Beauty Painters Live RFI Line Up : Patricia Essong, voix, harmonica, Christophe Laxenaire, clavier, ordi.Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant.Réalisation : Hadrien Touraud.► Album Healing Journey (Nü Bantu Sound 2024).ParolesChrysalide : Chrysalide est une chanson pour s'accueillir avec tendresse, justesse et patience. J'étais confinée à l'intérieur de mon faisceau chromatique, à questionner mon existence, regarder en face toutes ces mémoires traumatiques, et sans les nier, invoquer ma paix, trouver l'issue dans l'immanence pour libérer, transmuter. Chrysalide est le mantra de guérison qui m'a été inspirée pendant que je surmontais le burn-out. Faire de sa chrysalide, un espace sacré, un Autel d'accueil de ses émotions.Beauty Painters :  Chanson exprimée en anglais et en langue duala (Cameroun)Chanson en hommage aux passeurs de lumière, à ceux qui construisent la beauté du monde par leurs bonnes actions, par leurs états de vie, d'éveil, malgré de grandes épreuves, à celles et ceux qui ne sont pas souvent reconnus comme tels, si ce n'est après leur mort... Chanson de reconnaissance, dire qu'ils laissent derrière de beaux tableaux, ils marquent la terre de leur empreinte. C'est aussi un message d'encouragement à ceux qui expérimentent leur propre vie, à ceux qui prennent le relais, avec difficultés, mais avec dignité et grandeur.

Welthits wie "Pata Pata" machen die südafrikanische Sängerin Miriam Makeba berühmt. Sie nutzt ihre Popularität, um gegen das Apartheidregime zu kämpfen. Doch sie zahlt dafür einen hohen Preis. Autorin: Cathrin Hennicke

Le camp Boiro est un terrible souvenir pour de nombreux Guinéens. C'est dans ce camp militaire de Conakry que quelque 5000 Guinéens sont morts sous la torture. Et c'est il y a quarante ans, jour pour jour, que le colonel Lansana Conté a ouvert ce camp et a mis fin à cette usine de mort, quelques jours après la mort de Sékou Touré. Quel souvenir laisse aujourd'hui le père de l'indépendance guinéenne, l'homme qui a dit « non » à de Gaulle ? L'historienne Céline Pauthier a publié chez L'Harmattan l'ouvrage collectif Le non de la Guinée en 1958, co-écrit avec Abdoulaye Diallo et Odile Goerg. Elle revient sur l'ambivalence du personnage Sékou Touré.     RFI : La première rupture avec la France, c'est le 25 août 1958, quand Sékou Touré affronte le général de Gaulle, à Conakry. Dans quel passé a-t-il puisé cette force de caractère qui, ce jour-là, lui donne le courage de défier de Gaulle ?Céline Pauthier : Oui, c'est vrai que Sékou Touré, c'est vraiment un symbole, une figure de l'anticolonialisme, ça, c'est le point qui fait en général consensus. Il s'est engagé assez jeune, pendant sa vingtaine, dans la lutte syndicale et politique et ce qui fait sa particularité, à la différence d'autres leaders africains, c'est qu'il n'a pas été formé dans les grandes écoles coloniales ouest-africaines, telles que l'école William Ponty, ou en métropole. C'est un autodidacte qui s'est formé par le syndicalisme et par ses propres lectures. Donc il puise d'abord dans son passé de syndicaliste et, au moment du discours du 25 août, il est déjà, d'une certaine manière, aux manettes du territoire, il a déjà une grande partie de la population derrière lui avec le Parti démocratique de Guinée. Et dans son discours, il insiste sur la notion de dignité, puis c'est là qu'il lance cette phrase célèbre : « Nous préférons la liberté dans la pauvreté à l'opulence dans l'esclavage », qui symbolise la rupture. Mais quand on regarde vraiment le discours de près, il recherche, à ce moment-là encore, à négocier les termes de cette communauté française.Alors, à partir de cette rupture de 1958, Sékou Touré et Kwame Nkrumah décident d'unir les destins de leurs deux pays, la Guinée et le Ghana. Est-ce que le panafricanisme de Sékou Touré, c'était une vraie entreprise visionnaire ? Ou une posture sans lendemain ?Alors c'est sûr que Sékou Touré a soigné son image de chantre du panafricanisme, qui est aussi un idéal central de l'époque. Je ne sais pas s'il est visionnaire, en tout cas, il est représentatif de l'époque. Et donc au tournant de l'indépendance, après le 2 octobre, avec d'autres, avec ses émissaires, parmi lesquels notamment Dialo Telli, il va jouer un rôle important pour tenter des rapprochements avec de nouveaux États africains. Et là, l'union Ghana-Guinée qui est nouée, donc dès novembre 1958 – c'est vraiment juste après l'indépendance –, elle n'aura pas tellement d'effets concrets, mais elle joue un rôle important symboliquement, parce que ça dépasse les ex-frontières impériales : c'est un pays anglophone et un pays francophone qui s'unissent et qui veulent un embryon des États-Unis d'Afrique. Et d'ailleurs, c'est un Guinéen, Dialo Telli, qui va être secrétaire général de l'OUA [Organisation de l'unité africaine, NDLR]. Donc il y a une vraie action panafricaine au moment de l'indépendance. Sékou Touré va aussi accueillir sur son territoire des militants panafricains, comme [l'Américain] Stokely Carmichael, par exemple, ou [la Sud-africaine] Miriam Makeba, mais dans la suite de l'histoire, il y a eu quand même des tensions, des contradictions dans la politique panafricaine de Sékou Touré et notamment le fait que, du milieu des années 60 au milieu des années 70, il ne va pas se rendre aux réunions de l'OUA et il va être dans une attitude de repli parce qu'il est en désaccord avec beaucoup de ses voisins africains.La répression que pratique le régime de Sékou Touré à partir de 1970 et de l'opération militaire Mar Verde sur Conakry, est-ce seulement la faute à cette opération commando venue du Portugal ?En fait, dès l'indépendance, Sékou Touré craint vraiment les manœuvres de déstabilisation extérieure ou intérieure et cette peur ne va faire que grandir au cours des années 60, alors qu'il assiste dans un contexte international à la destitution de ses homologues qui sont proches de lui politiquement, comme par exemple Kwame Nkrumah au Ghana ou Modibo Keïta au Mali. Et donc, une de ses stratégies va être d'utiliser la rhétorique du complot pour dénoncer des menaces extérieures ou intérieures, qu'elles soient bien réelles, comme c'est avéré en avril 1960 ou en novembre 1970 avec l'opération Mar Verde que vous évoquez, ou qu'elles soient supposées. Et donc cette dénonciation de complot s'accompagne à chaque fois de violences politiques : arrestations, torture, détention dans des conditions très difficiles, exécutions extrajudiciaires. Cette part sombre du personnage et de son régime est symbolisée par la prison du camp Boiro, qui est installée dans Conakry.Le lieu de supplice le plus connu, vous l'avez dit, Céline Pauthier, c'est le camp Boiro à Conakry. Au moins 5 000 prisonniers y sont morts sous la torture. L'une de ces tortures, c'était l'absence d'eau et de nourriture. Dialo Telli et bien d'autres sont littéralement morts de faim et de soif. Est-ce qu'on peut dire que Sékou Touré a assumé ce régime de terreur ?Oui, je pense qu'il a assumé cette politique puisque le régime a fait publicité de la répression politique, puisque les arrestations étaient rendues publiques à la radio et dans le journal. Certaines exécutions ont été publiques également, notamment en janvier 1971. Donc oui, il y a une justification, par l'idée de patrie en danger, du recours à la violence chez Sékou Touré. De ce point de vue-là, ce régime n'a pas cherché à cacher cette répression politique. Au contraire, il l'a mise en avant pour essayer de justifier la véracité des complots.À lire aussiSékou Touré: un dirigeant révolutionnaire africain

(Antevíspera del Día Internacional para la Eliminación de la Discriminación Racial) Miriam Makeba nació en Sudáfrica. Su piel era negra como el azabache. En su país de nacimiento los negros disfrutaban de pocos derechos. Pero Miriam tenía una voz de oro. Era una cantante estupenda, que podía deleitar con su voz al público más exigente del mundo. En su repertorio tenía obras clásicas, semiclásicas, folclóricas y populares. Y todo lo interpretaba con maestría, con entusiasmo y con dulzura. Como cantaba de maravilla y era tan querida y admirada por el público en general, Miriam obtuvo la ciudadanía de ocho países: Tanzania, Guinea, Argelia, Sudán, Mauritania, Cuba, Uganda y Liberia. Discriminada en su propio país por el color de su piel, la recibieron en otras ocho naciones gracias a su voz. Todo cambió para aquella cantante sudafricana cuando el mundo comenzó a juzgarla del mismo modo en que siempre la había juzgado Dios: por lo que procedía de su interior y no por su apariencia externa. Pues Dios, a diferencia del hombre a quien creó, jamás ha juzgado a nadie por las apariencias sino por el corazón. Ese principio divino lo vemos en un caso bíblico que tiene que ver también con un músico. Se trata de David, que llegó a ser el músico de mayor renombre en su país. Es más, hasta el día de hoy se le considera el salmista por excelencia de Israel. Cuando Dios le pidió al profeta Samuel que ungiera al futuro rey de Israel, no le dijo por adelantado a quién había escogido. A Samuel lo impresionó la apariencia física de Eliab, el hermano mayor de David, así que pensó que fuera él. Pero Dios le dijo: «No te dejes impresionar por su apariencia ni por su estatura, pues yo lo he rechazado. La gente se fija en las apariencias, pero yo me fijo en el corazón.»1 Y luego Dios rechazó uno por uno a los otros seis hermanos de David hasta que por fin mandó llamarlo a él, el más pequeño, y lo escogió de entre todos. Como Dios se fija en el corazón, escogió a David, de quien más adelante dijo: «He encontrado en David, hijo de Isaí, un hombre conforme a mi corazón».2 Por lo general, el factor que determina nuestra nacionalidad es el país en el que nacimos. Pero así como para Miriam Makeba su país de origen no impidió que se hiciera ciudadana de países extranjeros, tampoco nuestro nacimiento en este mundo impide que nos hagamos ciudadanos del cielo. Porque Dios ha establecido que, cualquiera que sea nuestro origen o nuestra raza, para obtener la ciudadanía celestial todos tenemos que nacer de nuevo espiritualmente. Para que esto suceda, tenemos que permitir que Dios limpie nuestro corazón. Pues solamente los de corazón limpio podremos verlo en su gloria. Cuando, al igual que el rey David, le pedimos a Dios que nos limpie de todo pecado, dándonos así un corazón limpio, Dios pone en nuestros labios un hermoso cántico nuevo, un cántico de alabanza y de liberación. Y de ahí en adelante nuestro repertorio incluye obras de toda clase que le agradan, de modo que a juicio suyo cantamos divinamente bien, como aquella cantante sudafricana y como los ángeles del cielo. Carlos ReyUn Mensaje a la Concienciawww.conciencia.net 1 1S 16:7 2 Hch 13:22

Jess Gillam and soprano Masabane Cecilia Rangwanasha share their favourite tracks.South African soprano Masabane Cecilia Rangwanasha was the winner of the Song Prize at the BBC Cardiff Singer of the World Competition in 2021 and is a current BBC New Generation Artist. She's brought a track from iconic South African artist Miriam Makeba and Maria Callas singing a prayer from Verdi's Otello, and Jess has picked a dance of death from Saint-Saens and jazz from Charlie ‘Bird' Parker.PLAYLIST: MAHALIA JACKSON– If I Can Help Somebody CAMILLE SAINT-SAENS – Danse macabre, Op 40 [Luben Yordandoff (violin), Orchestre de Paris, Daniel Barenboim (cond)] GIUSEPPE VERDI – Ave Maria (Otello: Act 4) [Maria Callas (sop), Orchestre de la Société Des Concerts Du Conservatoire, Nicola Rescigno (cond)] HENRY PURCELL – Music for a While (Oedipus, Z 583) [Martin Fröst (clarinet), Sebastien Dube (double bass)] MIRIAM MAKEBA – The Click Song JIMMY MCHUGH/DOROTHY FIELDS– Don't Blame Me (Live) [Charlie Parker Quintet] DOMENICO CIMAROSA – Sonata No 42 in D minor, arr Ólafsson [Víkingur Ólafsson (piano)] VINCENZO BELLINI – Mira, O Norma (Norma) [Joan Sutherland (sop), Montserrat Caballé (sop), Welsh National Opera Orchestra, Richard Bonynge]Produced by Rachel Gill

DJ Marissa Mele is our guest as we listen to an album from South African singer and activist Miriam Makeba. An extraordinary musical talent and uncompromising figure, we offer an introduction to her incredible life and body of work.   If you like us, please support us at patreon.com/idbuythatpodcast to get exclusive content, or tell a friend about us. Broke and have no friends? Leave us a review, it helps more people find us. Thanks!

Throughout history and across the world, Black people have used protest songs to boost morale and inspire action. In this episode, Katie and Yves explore the history of protest songs created to uplift major social movements, including the U.S. Civil Rights Movement and the anti-apartheid struggle in South Africa. Get show notes at ontheme.show Follow us on Instagram @onthemeshow Email us at hello@ontheme.showSee omnystudio.com/listener for privacy information.

For those who haven't heard the announcement I just posted , songs from this point on will sometimes be split among multiple episodes, so this is the first part of a multi-episode look at the Byrds in 1966-69 and the birth of country rock. Click the full post to read liner notes, links to more information, and a transcript of the episode. Patreon backers also have a half-hour bonus episode on "My World Fell Down" by Sagittarius. Tilt Araiza has assisted invaluably by doing a first-pass edit, and will hopefully be doing so from now on. Check out Tilt's irregular podcasts at http://www.podnose.com/jaffa-cakes-for-proust and http://sitcomclub.com/ Resources No Mixcloud at this time as there are too many Byrds songs in this chunk, but I will try to put together a multi-part Mixcloud when all the episodes for this song are up. My main source for the Byrds is Timeless Flight Revisited by Johnny Rogan, I also used Chris Hillman's autobiography, the 331/3 books on The Notorious Byrd Brothers and The Gilded Palace of Sin, For future parts of this multi-episode story I used Barney Hoskyns' Hotel California and John Einarson's Desperadoes as general background on Californian country-rock, Calling Me Hone, Gram Parsons and the Roots of Country Rock by Bob Kealing for information on Parsons, and Requiem For The Timeless Vol 2 by Johnny Rogan for information about the post-Byrds careers of many members. Information on Gary Usher comes from The California Sound by Stephen McParland. And this three-CD set is a reasonable way of getting most of the Byrds' important recordings. Patreon This podcast is brought to you by the generosity of my backers on Patreon. Why not join them? Transcript When we left the Byrds at the end of the episode on "Eight Miles High", they had just released that single, which combined folk-rock with their new influences from John Coltrane and Ravi Shankar, and which was a group composition but mostly written by the group's lead singer, Gene Clark. And also, as we mentioned right at the end of the episode, Clark had left the group. There had been many, many factors leading to Clark's departure. Clark was writing *far* more material than the other band members, of whom only Roger McGuinn had been a writer when the group started, and as a result was making far more money than them, especially with songs like "She Don't Care About Time", which had been the B-side to their number one single "Turn! Turn! Turn!" [Excerpt: The Byrds, "She Don't Care About Time"] Clark's extra income was making the rest of the group jealous, and they also didn't think his songs were particularly good, though many of his songs on the early Byrds albums are now considered classics. Jim Dickson, the group's co-manager, said "Gene would write fifteen to twenty songs a week and you had to find a good one whenever it came along because there were lots of them that you couldn't make head or tail of.  They didn't mean anything. We all knew that. Gene would write a good one at a rate of just about one per girlfriend." Chris Hillman meanwhile later said more simply "Gene didn't really add that much." That is, frankly, hard to square with the facts. There are ten original songs on the group's first two albums, plus one original non-album B-side. Of those eleven songs, Clark wrote seven on his own and co-wrote two with McGuinn. But as the other band members were starting to realise that they had the possibility of extra royalties -- and at least to some extent were starting to get artistic ambitions as far as writing goes -- they were starting to disparage Clark's work as a result, calling it immature. Clark had, of course, been the principal writer for "Eight Miles High", the group's most experimental record to date: [Excerpt: The Byrds, "Eight Miles High"] But there he'd shared co-writing credit with David Crosby and Roger McGuinn, in part because that was the only way he could be sure they would agree to release it as a single. There were also internal rivalries within the band unrelated to songwriting -- as we've touched on, Crosby had already essentially bullied Clark off the guitar and into just playing tambourine (and McGuinn would be dismissive even of Clark's tambourine abilities). Crosby's inability to get on with any other member of any band he was in would later become legendary, but at this point Clark was the major victim of his bullying. According to Dickson "David understood when Gene left that ninety-five percent of why Gene left could be brought back to him." The other five percent, though, came from Clark's fear of flying. Clark had apparently witnessed a plane crash in his youth and been traumatised by it, and he had a general terror of flying and planes -- something McGuinn would mock him for a little, as McGuinn was an aviation buff. Eventually, Clark had a near-breakdown boarding a plane from California to New York for a promotional appearance with Murray the K, and ended up getting off the plane. McGuinn and Michael Clarke almost did the same, but in the end they decided to stay on, and the other four Byrds did the press conference without Gene. When asked where Gene was, they said he'd "broken a wing". He was also increasingly having mental health and substance abuse problems, which were exacerbated by his fear, and in the end he decided he just couldn't be a Byrd any more. Oddly, of all the band members, it was David Crosby who was most concerned about Clark's departure, and who did the most to try to persuade him to stay, but he still didn't do much, and the group decided to carry on as a four-piece and not even make a proper announcement of Clark's departure -- they just started putting out photos with four people instead of five. The main change as far as the group were concerned was that Hillman was now covering Clark's old vocal parts, and so Crosby moved to Clark's old centre mic while Hillman moved from his position at the back of the stage with Michael Clarke to take over Crosby's mic. The group now had three singer-instrumentalists in front, two of whom, Crosby and McGuinn, now thought of themselves as songwriters. So despite the loss of their singer/songwriter/frontman, they moved on to their new single, the guaranteed hit follow-up to "Eight Miles High": [Excerpt: The Byrds, "5D (Fifth Dimension)"] "5D" was written by McGuinn, inspired by a book of cartoons called 1-2-3-4 More More More More by Don Landis, which I haven't been able to track down a copy of, but which seems to have been an attempt to explain the mathematical concept of higher dimensions in cartoon form. McGuinn was inspired by this and by Einstein's theory of relativity -- or at least by his understanding of relativity, which does not seem to have been the most informed take on the topic. McGuinn has said in the past that the single should really have come with a copy of Landis' booklet, so people could understand it. Sadly, without the benefit of the booklet we only have the lyrics plus McGuinn's interviews to go on to try to figure out what he means. As far as I'm able to understand, McGuinn believed -- completely erroneously -- that Einstein had proved that along with the four dimensions of spacetime there is also a fifth dimension which McGuinn refers to as a "mesh", and that "the reason for the speed of light being what it is is because of that mesh." McGuinn then went on to identify this mesh with his own conception of God, influenced by his belief in Subud, and with a Bergsonian idea of a life force. He would talk about how most people are stuck in a materialist scientific paradigm which only admits to  the existence of three dimensions, and how there are people out there advocating for a five-dimensional view of the world. To go along with this mystic view of the universe, McGuinn wanted some music inspired by the greatest composer of sacred music, and he asked Van Dyke Parks, who was brought in to add keyboards on the session, to play something influenced by Bach -- and Parks obliged, having been thinking along the same lines himself: [Excerpt: The Byrds, "5D (Fifth Dimension)"] Unfortunately for the group, McGuinn's lyrical intention wasn't clear enough and the song was assumed to be about drugs, and was banned by many radio stations. That plus the track's basically uncommercial nature meant that it reached no higher than number forty-four in the charts. Jim Dickson, the group's co-manager, pointed to a simpler factor in the record's failure, saying that if the organ outro to the track had instead been the intro, to set a mood for the track rather than starting with a cold vocal open, it would have had more success. The single was followed by an album, called Fifth Dimension, which was not particularly successful. Of the album's eleven songs, two were traditional folk songs, one was an instrumental -- a jam called "Captain Soul" which was a version of Lee Dorsey's "Get Out My Life Woman" credited to the four remaining Byrds, though Gene Clark is very audible on it playing harmonica -- and one more was a jam whose only lyrics were "gonna ride a Lear jet, baby", repeated over and over. There was also "Eight Miles High" and the group's inept and slightly-too-late take on "Hey Joe". It also included a third single, a country track titled "Mr. Spaceman": [Excerpt: The Byrds, "Mr. Spaceman"] McGuinn and, particularly, Hillman, had some country music background, and both were starting to think about incorporating country sounds into the group's style, as after Clark's departure from the group they were moving away from the style that had characterised their first two albums. But the interest in "Mr. Spaceman" was less about the musical style than about the lyrics. McGuinn had written the song in the hopes of contacting extraterrestrial life -- sending them a message in his lyrics so that any aliens listening to Earth radio would come and visit, though he was later disappointed to realise that the inverse-square law means that the signals would be too faint to make out after a relatively short distance: [Excerpt: The Byrds, "Mr. Spaceman"] "Mr. Spaceman" did better on the charts than its predecessor, scraping the lower reaches of the top forty, but it hardly set the world alight, and neither did the album -- a typical review was the one by Jon Landau, which said in part "This album then cannot be considered up to the standards set by the Byrds' first two and basically demonstrates that they should be thinking in terms of replacing Gene Clark, instead of just carrying on without him." Fifth Dimension would be the only album that Allen Stanton would produce for the Byrds, and his replacement had actually just produced an album that was a Byrds record by any other name: [Excerpt: Gene Clark, "So You Say You've Lost Your Baby"] We've looked at Gary Usher before, but not for some time, and not in much detail. Usher was one of several people who were involved in the scene loosely centred on the Beach Boys and Jan and Dean, though he never had much time for Jan Berry and he had got his own start in the music business slightly before the Beach Boys. As a songwriter, his first big successes had come with his collaborations with Brian Wilson -- he had co-written "409" for the Beach Boys, and had also collaborated with Wilson on some of his earliest more introspective songs, like "The Lonely Sea" and "In My Room", for which Usher had written the lyrics: [Excerpt: The Beach Boys, "In My Room"] Usher had built a career as a producer and writer for hire, often in collaboration with Roger Christian, who also wrote with Brian Wilson and Jan Berry. Usher, usually with Christian, and very occasionally Wilson wrote the songs for several of American International Pictures' Beach Party films: [Excerpt: Donna Loren, "Muscle Bustle"] And Usher and Christian had also had bit parts in some of the films, like Bikini Beach, and Usher had produced records for Annette Funicello, the star of the films, often with the Honeys (a group consisting of Brian Wilson's future wife Marilyn plus her sister and cousin) on backing vocals. He had also produced records for the Surfaris, as well as a whole host of studio-only groups like the Four Speeds, the Super Stocks, and Mr. Gasser and the Weirdoes, most of whom were Usher and the same small group of vocalist friends along with various selections of Wrecking Crew musicians making quick themed albums. One of these studio groups, the Hondells, went on to be a real group of sorts, after Usher and the Beach Boys worked together on a film, The Girls on the Beach. Usher liked a song that Wilson and Mike Love had written for the Beach Boys to perform in the film, "Little Honda", and after discovering that the Beach Boys weren't going to release their version as a single, he put together a group to record a soundalike version: [Excerpt: The Hondells, "Little Honda"] "Little Honda" made the top ten, and Usher produced two albums for the Hondells, who had one other minor hit with a cover version of the Lovin' Spoonful's "Younger Girl". Oddly, Usher's friend Terry Melcher, who would shortly produce the Byrds' first few hits, had also latched on to "Little Honda", and produced his own version of the track, sung by Pat Boone of all people, with future Beach Boy Bruce Johnston on backing vocals: [Excerpt: Pat Boone, "Little Honda"] But when Usher had got his version out first, Boone's was relegated to a B-side. When the Byrds had hit, and folk-rock had started to take over from surf rock, Usher had gone with the flow and produced records like the Surfaris' album It Ain't Me Babe, with Usher and his usual gang of backing vocalists augmenting the Surfaris as they covered hits by Dylan, the Turtles, the Beach Boys and the Byrds: [Excerpt: The Surfaris, "All I Really Want to Do"] Usher was also responsible for the Surfaris being the first group to release a version of "Hey Joe" on a major label, as we heard in the episode on that song: [Excerpt: The Surfaris, "Hey Joe"] After moving between Capitol, Mercury, and Decca Records, Usher had left Decca after a round of corporate restructuring and been recommended for a job at Columbia by his friend Melcher, who at that point was producing Paul Revere and the Raiders and the Rip Chords and had just finished his time as the Byrds' producer. Usher's first work at Columbia was actually to prepare new stereo mixes of some Byrds tracks that had up to that point only been issued in mono, but his first interaction with the Byrds themselves came via Gene Clark: [Excerpt: Gene Clark, "So You Say You've Lost Your Baby"] On leaving the Byrds, Clark had briefly tried to make a success of himself as a songwriter-for-hire in much the same mould as Usher, attempting to write and produce a single for two Byrds fans using the group name The Cookie Fairies, while spending much of his time romancing Michelle Phillips, as we talked about in the episode on "San Francisco". When the Cookie Fairies single didn't get picked up by a label, Clark had put together a group with Bill Rinehart from the Leaves, Chip Douglas of the Modern Folk Quartet, and Joel Larson of the Grass Roots. Just called Gene Clark & The Group, they'd played around the clubs in LA and cut about half an album's worth of demos produced by Jim Dickson and Ed Tickner, the Byrds' management team, before Clark had fired first Douglas and then the rest of the group. Clark's association with Douglas did go on to benefit him though -- Douglas went on, as we've seen in other episodes, to produce hits for the Turtles and the Monkees, and he later remembered an old song by Clark and McGuinn that the Byrds had demoed but never released, "You Showed Me", and produced a top ten hit version of it for the Turtles: [Excerpt: The Turtles, "You Showed Me"] Clark had instead started working with two country singers, Vern and Rex Gosdin, who had previously been with Chris Hillman in the country band The Hillmen. When that band had split up, the Gosdin Brothers had started to perform together as a duo, and in 1967 they would have a major country hit with "Hangin' On": [Excerpt: The Gosdin Brothers, "Hangin' On"] At this point though, they were just Gene Clark's backing vocalists, on an album that had been started with producer Larry Marks, who left Columbia half way through the sessions, at which point Usher took over. The album, titled Gene Clark with the Gosdin Brothers, featured a mix of musicians from different backgrounds. There were Larson and Rinehart from Gene Clark and the Group, there were country musicians -- a guitarist named Clarence White and the banjo player Doug Dillard. Hillman and Michael Clarke, the Byrds' rhythm section, played on much of the album as a way of keeping a united front, Glen Campbell, Jerry Cole, Leon Russell and Jim Gordon of the Wrecking Crew contributed, and Van Dyke Parks played most of the keyboards. The lead-off single for Gene Clark with the Gosdin Brothers, "Echoes", is one of the tracks produced by Marks, but in truth the real producer of that track is Leon Russell, who wrote the orchestral arrangement that turned Clark's rough demo into a baroque pop masterpiece: [Excerpt: Gene Clark, "Echoes"] Despite Clark having quit the band, relations between him and the rest were still good enough that in September 1966 he temporarily rejoined the band after Crosby lost his voice, though he was gone again as soon as Crosby was well. But that didn't stop the next Byrds album, which Usher went on to produce straight after finishing work on Clark's record, coming out almost simultaneously with Clark's and, according to Clark, killing its commercial potential. Upon starting to work with the group, Usher quickly came to the conclusion that Chris Hillman was in many ways the most important member of the band. According to Usher "There was also quite a divisive element within the band at that stage which often prevented them working well together. Sometimes everything would go smoothly, but other times it was a hard road. McGuinn and Hillman were often more together on musical ideas. This left Crosby to fend for himself, which I might add he did very well." Usher also said "I quickly came to understand that Hillman was a good stabilising force within the Byrds (when he wanted to be). It was around the time that I began working with them that Chris also became more involved in the songwriting. I think part of that was the fact that he realised how much more money was involved if you actually wrote the songs yourself. And he was a good songwriter." The first single to be released from the new sessions was one that was largely Hillman's work. Hillman and Crosby had been invited by the great South African jazz trumpeter Hugh Masekela to play on some demos for another South African jazzer, singer Letta Mbulu. Details are sparse, but one presumes this was for what became her 1967 album Letta Mbulu Sings, produced by David Axelrod: [Excerpt: Letta Mbulu, "Zola (MRA)"] According to Hillman, that session was an epiphany for him, and he went home and started writing his own songs for the first time. He took one of the riffs he came up with to McGuinn, who came up with a bridge inspired by a song by yet another South African musician, Miriam Makeba, who at the time was married to Masekela, and the two wrote a lyric inspired by what they saw as the cynical manipulation of the music industry in creating manufactured bands like the Monkees -- though they have both been very eager to say that they were criticising the industry, not the Monkees themselves, with whom they were friendly. As Hillman says in his autobiography, "Some people interpreted it as a jab at The Monkees. In reality, we had immense respect for all of them as singers and musicians. We weren't skewering the members of the Monkees, but we were taking a shot at the cynical nature of the entertainment business that will try to manufacture a group like The Monkees as a marketing strategy. For us, it was all about the music, and we were commenting on the pitfalls of the industry rather than on any of our fellow musicians." [Excerpt: The Byrds, "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?"] The track continued the experimentation with sound effects that they had started with the Lear jet song on the previous album. That had featured recordings of a Lear jet, and "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?" featured recordings of audience screams. Those screams were, according to most sources, recorded by Derek Taylor at a Byrds gig in Bournemouth in 1965, but given reports of the tepid response the group got on that tour, that doesn't seem to make sense. Other sources say they're recordings of a *Beatles* audience in Bournemouth in *1963*, the shows that had been shown in the first US broadcast of Beatles footage, and the author of a book on links between the Beatles and Bournemouth says on his blog "In the course of researching Yeah Yeah Yeah: The Beatles & Bournemouth I spoke to two people who saw The Byrds at the Gaumont that August and neither recalled any screaming at all, let alone the wall of noise that can be heard on So You Want To Be A Rock 'n' Roll Star." So it seems likely that screaming isn't for the Byrds, but of course Taylor had also worked for the Beatles. According to Usher "The crowd sound effects were from a live concert that Derek Taylor had taped with a little tape recorder in London. It was some outrageous crowd, something like 20,000 to 30,000 people. He brought the tape in, ran it off onto a big tape, re- EQ'd it, echoed it, cleaned it up and looped it." So my guess is that the audience screams in the Byrds song about the Monkees are for the Beatles, but we'll probably never know for sure: [Excerpt: The Byrds, "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?"] The track also featured an appearance by Hugh Masekela, the jazz trumpeter whose invitation to take part in a session had inspired the song: [Excerpt: The Byrds, "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?"] While Hillman was starting to lean more towards folk and country music -- he had always been the member of the band least interested in rock music -- and McGuinn was most interested in exploring electronic sounds, Crosby was still pushing the band more in the direction of the jazz experimentation they'd tried on "Eight Miles High", and one of the tracks they started working on soon after "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?" was inspired by another jazz trumpet great. Miles Davis had been partly responsible for getting the Byrds signed to Columbia, as we talked about in the episode on "Mr. Tambourine Man", and so the group wanted to pay him tribute, and they started working on a version of his classic instrumental "Milestones": [Excerpt: Miles Davis, "Milestones"] Sadly, while the group worked on their version for several days -- spurred on primarily by Crosby -- they eventually chose to drop the track, and it has never seen release or even been bootlegged, though there is a tiny clip of it that was used in a contemporaneous documentary, with a commentator talking over it: [Excerpt: The Byrds, "Milestones (TV)"] It was apparently Crosby who decided to stop work on the track, just as working on it was also apparently his idea. Indeed, while the biggest change on the album that would become Younger Than Yesterday was that for the first time Chris Hillman was writing songs and taking lead vocals, Crosby was also writing more than before. Hillman wrote four of the songs on the album, plus his co-write with McGuinn on "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star?", but Crosby also supplied two new solo compositions, plus a cowrite with McGuinn, and Crosby and McGuinn's "Why?", the B-side to "Eight Miles High", was also dug up and rerecorded for the album. Indeed, Gary Usher would later say "The album was probably 60% Crosby. McGuinn was not that involved, nor was Chris; at least as far as performing was concerned." McGuinn's only composition on the album other than the co-writes with Crosby and Hillman was another song about contacting aliens, "CTA-102", a song about a quasar which at the time some people were speculating might have been evidence of alien life. That song sounds to my ears like it's had some influence from Joe Meek's similar records, though I've never seen McGuinn mention Meek as an influence: [Excerpt: The Byrds, "CTA-102"] Crosby's growing dominance in the studio was starting to rankle with the other members. In particular two tracks were the cause of conflict. One was Crosby's song "Mind Gardens", an example of his increasing experimentation, a freeform song that ignores conventional song structure, and which he insisted on including on the album despite the rest of the group's objections: [Excerpt: The Byrds, "Mind Gardens"] The other was the track that directly followed "Mind Gardens" on the album. "My Back Pages" was a song from Dylan's album Another Side of Bob Dylan, a song many have seen as Dylan announcing his break with the folk-song and protest movements he'd been associated with up to that point, and his intention to move on in a new direction: [Excerpt: Bob Dylan, "My Back Pages"] Jim Dickson, the Byrds' co-manager, was no longer on speaking terms with the band and wasn't involved in their day-to-day recording as he had been, but he'd encountered McGuinn on the street and rolled down his car window and suggested that the group do the song. Crosby was aghast. They'd already recorded several songs from Another Side of Bob Dylan, and Fifth Dimension had been their first album not to include any Dylan covers. Doing a jangly cover of a Dylan song with a McGuinn lead vocal was something they'd moved on from, and he didn't want to go back to 1964 at the end of 1966. He was overruled, and the group recorded their version, a track that signified something very different for the Byrds than the original had for Dylan: [Excerpt: The Byrds, "My Back Pages"] It was released as the second single from the album, and made number thirty. It was the last Byrds single to make the top forty. While he was working with the Byrds, Usher continued his work in the pop field, though as chart pop moved on so did Usher, who was now making records in a psychedelic sunshine pop style with acts like the Peanut Butter Conspiracy: [Excerpt: The Peanut Butter Conspiracy, "It's a Happening Thing"] and he produced Chad and Jeremy's massive concept album Of Cabbages and Kings, which included a five-song "Progress Suite" illustrating history from the start of creation until the end of the world: [Excerpt: Chad and Jeremy, "Editorial"] But one of the oddest projects he was involved in was indirectly inspired by Roger McGuinn. According to Usher "McGuinn and I had a lot in common. Roger would always say that he was "out of his head," which he thought was good, because he felt you had to go out of your head before you could really find your head! That sums up McGuinn perfectly! He was also one of the first people to introduce me to metaphysics, and from that point on I started reading everything I could get my hands on. His viewpoints on metaphysics were interesting, and, at the time, useful. He was also into Marshall McLuhan; very much into the effects of electronics and the electronic transformation. He was into certain metaphysical concepts before I was, but I was able to turn him onto some abstract concepts as well" These metaphysical discussions led to Usher producing an album titled The Astrology Album, with discussions of the meaning of different star signs over musical backing: [Excerpt: Gary Usher, "Leo"] And with interviews with various of the artists he was working with talking about astrology. He apparently interviewed Art Garfunkel -- Usher was doing some uncredited production work on Simon and Garfunkel's Bookends album at the time -- but Garfunkel declined permission for the interview to be used. But he did get both Chad and Jeremy to talk, along with John Merrill of the Peanut Butter Conspiracy -- and David Crosby: [Excerpt: Gary Usher, "Leo"] One of the tracks from that album, "Libra", became the B-side of a single by a group of studio musicians Usher put together, with Glen Campbell on lead vocals and featuring Bruce Johnston of the Beach Boys prominently on backing vocals. "My World Fell Down" was credited to Sagittarius, again a sign of Usher's current interest in astrology, and featured some experimental sound effects that are very similar to the things that McGuinn had been doing on recent Byrds albums: [Excerpt: Sagittarius, "My World Fell Down"] While Usher was continuing with his studio experimentation, the Byrds were back playing live -- and they were not going down well at all. They did a UK tour where they refused to play most of their old hits and went down as poorly as on their previous tour, and they were no longer the kings of LA. In large part this was down to David Crosby, whose ego was by this point known to *everybody*, and who was becoming hugely unpopular on the LA scene even as he was starting to dominate the band. Crosby was now the de facto lead vocalist on stage, with McGuinn being relegated to one or two songs per set, and he was the one who would insist that they not play their older hit singles live. He was dominating the stage, leading to sarcastic comments from the normally placid Hillman like "Ladies and gentlemen, the David Crosby show!", and he was known to do things like start playing a song then stop part way through a verse to spend five minutes tuning up before restarting. After a residency at the Whisky A-Go-Go where the group were blown off the stage by their support act, the Doors, their publicist Derek Taylor quit, and he was soon followed by the group's co-managers Jim Dickson and Eddie Tickner, who were replaced by Crosby's friend Larry Spector, who had no experience in rock management but did represent Peter Fonda and Dennis Hopper, two young film stars Crosby was hanging round with. The group were particularly annoyed by Crosby when they played the Monterey Pop Festival. Crosby took most lead vocals in that set, and the group didn't go down well, though instrumentally the worst performer was Michael Clarke, who unlike the rest of the band had never become particularly proficient on his instrument: [Excerpt: The Byrds, "So You Want to be a Rock 'n' Roll Star (live at Monterey)"] But Crosby also insisted on making announcements from the stage advocating LSD use and describing conspiracy theories about the Kennedy assassination: [Excerpt: David Crosby on the Warren Commission, from the end of "Hey Joe" Monterey] But even though Crosby was trying to be the Byrds' leader on stage, he was also starting to think that they maybe didn't deserve to have him as their leader. He'd recently been spending a lot of time hanging out with Stephen Stills of the Buffalo Springfield, and McGuinn talks about one occasion where Crosby and Stills were jamming together, Stills played a blues lick and said to McGuinn "Can you play that?" and when McGuinn, who was not a blues musician, said he couldn't, Stills looked at him with contempt. McGuinn was sure that Stills was trying to poach Crosby, and Crosby apparently wanted to be poached. The group had rehearsed intensely for Monterey, aware that they'd been performing poorly and not wanting to show themselves up in front of the new San Francisco bands, but Crosby had told them during rehearsals that they weren't good enough to play with him. McGuinn's suspicions about Stills wanting to poach Crosby seemed to be confirmed during Monterey when Crosby joined Buffalo Springfield on stage, filling in for Neil Young during the period when Young had temporarily quit the group, and performing a song he'd helped Stills write about Grace Slick: [Excerpt: Buffalo Springfield, "Rock 'n' Roll Woman (live at Monterey)"] Crosby was getting tired not only of the Byrds but of the LA scene in general. He saw the new San Francisco bands as being infinitely cooler than the Hollywood plastic scene that was LA -- even though Crosby was possibly the single most Hollywood person on that scene, being the son of an Oscar-winning cinematographer and someone who hung out with film stars. At Monterey, the group had debuted their next single, the first one with an A-side written by Crosby, "Lady Friend": [Excerpt: The Byrds, "Lady Friend"] Crosby had thought of that as a masterpiece, but when it was released as a single, it flopped badly, and the rest of the group weren't even keen on the track being included on the next album. To add insult to injury as far as Crosby was concerned, at the same time as the single was released, a new album came out -- the Byrds' Greatest Hits, full of all those singles he was refusing to play live, and it made the top ten, becoming far and away the group's most successful album. But despite all this, the biggest conflict between band members when they came to start sessions for their next album wasn't over Crosby, but over Michael Clarke. Clarke had never been a particularly good drummer, and while that had been OK at the start of the Byrds' career, when none of them had been very proficient on their instruments, he was barely any better at a time when both McGuinn and Hillman were being regarded as unique stylists, while Crosby was writing metrically and harmonically interesting material. Many Byrds fans appreciate Clarke's drumming nonetheless, saying he was an inventive and distinctive player in much the same way as the similarly unskilled Micky Dolenz, but on any measure of technical ability he was far behind his bandmates. Clarke didn't like the new material and wasn't capable of playing it the way his bandmates wanted. He was popular with the rest of the band as a person, but simply wasn't playing well, and it led to a massive row in the first session: [Excerpt: The Byrds, "Universal Mind Decoder (alternate backing track)"] At one point they joke that they'll bring in Hal Blaine instead -- a reference to the recording of "Mr. Tambourine Man", when Clarke and Hillman had been replaced by Blaine and Larry Knechtel -- and Clarke says "Do it. I don't mind, I really don't." And so that ended up happening. Clarke was still a member of the band -- and he would end up playing on half the album's tracks -- but for the next few sessions the group brought in session drummers Hal Blaine and Jim Gordon to play the parts they actually wanted. But that wasn't going to stop the bigger problem in the group, and that problem was David Crosby's relationship with the rest of the band. Crosby was still at this point thinking of himself as having a future in the group, even as he was increasingly convinced that the group themselves were bad, and embarrassed by their live sound. He even, in a show of unity, decided to ask McGuinn and Hillman to collaborate on a couple of songs with him so they would share the royalties equally. But there were two flash-points in the studio. The first was Crosby's song "Triad", a song about what we would now call polyamory, partly inspired by Robert Heinlein's counterculture science fiction novel Stranger in a Strange Land. The song was meant to portray a progressive, utopian, view of free love, but has dated very badly -- the idea that the *only* reason a woman might be unhappy with her partner sleeping with another woman is because of her mother's disapproval possibly reveals more about the mindset of hippie idealists than was intended. The group recorded Crosby's song, but refused to allow it to be released, and Crosby instead gave it to his friends Jefferson Airplane, whose version, by having Grace Slick sing it, at least reverses the dynamics of the relationship: [Excerpt: Jefferson Airplane, "Triad"] The other was a song that Gary Usher had brought to the group and suggested they record, a Goffin and King song released the previous year by Dusty Springfield: [Excerpt: Dusty Springfield, "Goin' Back"] Crosby was incandescent. The group wanted to do this Brill Building pap?! Hell, Gary Usher had originally thought that *Chad and Jeremy* should do it, before deciding to get the Byrds to do it instead. Did they really want to be doing Chad and Jeremy cast-offs when they could be doing his brilliant science-fiction inspired songs about alternative relationship structures? *Really*? They did, and after a first session, where Crosby reluctantly joined in, when they came to recut the track Crosby flat-out refused to take part, leading to a furious row with McGuinn. Since they were already replacing Michael Clarke with session drummers, that meant the only Byrds on "Goin' Back", the group's next single, were McGuinn and Hillman: [Excerpt: The Byrds, "Goin' Back"] That came out in late October 1967, and shortly before it came out, McGuinn and Hillman had driven to Crosby's home. They told him they'd had enough. He was out of the band. They were buying him out of his contract. Despite everything, Crosby was astonished. They were a *group*. They fought, but only the way brothers fight. But McGuinn and Hillman were adamant. Crosby ended up begging them, saying "We could make great music together." Their response was just "And we can make great music without you." We'll find out whether they could or not in two weeks' time.

The Internationally acclaimed South African playwright, producer and composer Mbongeni Ngema has died in a car accident at the age of 68. He was best known for writing the award-winning musical Sarafina, starring Whoopi Goldberg and Miriam Makeba. It was nominated for both the Tony and Grammy Awards. We look back at the legacy of Mbongeni Ngema.Also, part two of the discussion on coups and democracies on the continent with the Director of the Africa Programme of the International Crisis Group, Murithi Mutiga.And in the run up to the Africa Cup of Nations in Ivory Coast early next year, is the set piece 'Club versus Country' still being debated?

Popularising calypso music, performing with Sinatra's Rat pack, Nana Mouskouri, Miriam Makeba and Charlie Parker, starring in films including Otto Preminger's Carmen Jones, the hip hop film he produced called Beat Street, Robert Altman's Kansas City and Spike Lee's BlacKkKlansman: Harry Belafonte's career in film and music ran from 1949 to 2018 but he was also a tireless political activist who was inspired by Paul Robeson. As the BFI programmes a season of his films in December, Matthew Sweet is joined by Candace Allen, Kevin Le Gendre and Susanne Rostock.Producer: Torquil MacLeodOn the Free Thinking website you can find Matthew Sweet's interview with Harry Belafonte, recorded in 2012 after the publication of his autobiography My Song and the release of Susanne Rostock's documentary Sing Your Song. Susanne is currently working on another film that she made with Belafonte - Following Harry - that sees him meeting and talking to young activists. Also on the Free Thinking website are more episodes exploring Black History including a discussion about the career of Sidney Poitier and Radio 3 has a series of 5 Essays called Paul Robeson in Five Songs. Kevin Le Gendre's Edgar Allan Poe based musical project - Re:EAP - has just released its debut album 'Zoo For Barbers'.