Gstaad Menuhin Festival Podcast - Die Geschichten hinter den Meisterwerken der klassischen Musik

Wie kann man Wien seine Reverenz erweisen ohne Werke des «musikalischen Schädels in Europa», wie Richard Wagner Johann Strauss (Sohn) nannte, erklingen zu lassen? Alfred Eschwé und das Wiener Johann Strauss Orchester präsentieren seine Walzer und Polkas bei der grossen Abschlussgala im Festival-Zelt Gstaad. Doch damit nicht genug! Denn im tanz- und amüsierfreudigen Wien des 19. und frühen 20. Jahrhunderts begeisterten auch die Operetten von Franz Lehár und Emmerich Kálmán mit ihren Zigeunerklängen, oder die melodieseligen Stücke von Carl Zeller. Nicht zu vergessen Rudolf Sieczyński, ein Wiener mit polnischen Vorfahren, der Autor des unverwüstlichen Lieds «Wien, du Stadt meiner Träume» ist. Dieser Nachklang der kulturellen Vielfalt des riesigen Habsburger Imperiums bringt wie kaum ein anderes Programm die Sehnsucht nach einer längst vergangenen Zeit zum Ausdruck. Polina Pasztircsák und Dovlet Nurgeldiyev werden fraglos den rechten Ton für diese unvergänglichen Zeugnisse der leichten Muse finden.

Sie ist eines der neuen Gesichter der Deutschen Grammophon und gehört zum neuen «Jahrgang» der «Menuhin's Heritage Artists». Nach zwei hochkarätigen Auftritten 2021 ist Bomsori Kim nun wieder zurück mit einem der schönsten Solokonzerte, das vielleicht jemals geschrieben wurde: dem Violinkonzert von Beethoven. Alain Altinoglu begleitet sie am Dirigierpult, der ausserdem im zweiten Teil des Abends die Musikerinnen und Musiker des hr-Sinfonieorchesters zur Darbietung von Mahlers Vierter mitreissen wird. Dieses um die Jahrhundertwende geschriebene Monumentalwerk, das in Teilen durchaus auch mal leichter zu sein weiss (mit seiner eher klassischen Orchestrierung und der Verwendung «volkstümlicher» Elemente wie Glocken oder einer verstimmten Solovioline), hat die Besonderheit, mit einem vierten Satz in Form eines Orchesterliedes zu enden, dessen Material dem einige Jahre zuvor vollendeten Zyklus «Des Knaben Wunderhorn» entlehnt ist. Das hier verwendete Lied mit dem Titel «Das himmlische Leben», das im Sopran liegt, trägt die klar formulierte Berufung in sich, uns den Himmel berühren zu lassen.

Wie das berühmte venezolanische «El Sistema» will auch die «Sinfonía por el Perú» Musik zu denen bringen, die sonst keinen Zugang zu ihr haben, indem sie ihnen ermöglicht, Musik in einer Gruppe – einem Orchester – zu machen und so als sozialer Kitt zu wirken. Das 2011 von dem berühmten peruanischen Tenor Juan Diego Flórez ins Leben gerufene Programm setzt in erheblichem Masse auf dessen Bekanntheit. Für die talentiertesten dieser angehenden Instrumentalist*innen, die stolz auf ihre Wurzeln sind, bietet sich hier die Aussicht auf die Teilnahme an fantastischen internationalen Tourneen und die Gelegenheit, die «Stimme» Perus mit Programmen, die die lateinamerikanische Folklore aufs Beste zur Geltung bringen, in die ganze Welt zu tragen.

Konstanze berichtet, dass Mozart im Herbst 1791, in den letzten Tagen seines Lebens, jede Aufführung der Zauberflöte, die sein Freund (und Logenbruder) Emanuel Schikaneder im Theater auf der Wieden veranstaltete, vom Bett aus mit einer Uhr in der Hand verfolgte und dabei die Melodien summte … Gibt es einen schöneren Beweis für seine Liebe zu dieser Partitur, mit der er nach der sehr aristokratischen (und italienischen) «Da Ponte-Trilogie» wieder an das Genre des Volkstheaters anknüpft, das die kindliche Märchenwelt (verkörpert durch Papageno und Papagena) so wirkungsvoll mit dem Streben (Taminos und Paminas) nach spiritueller Vervollkommnung verbindet? Auf die Bühne gebracht wird das Werk von einem der versiertesten Kenner der historischen Aufführungspraxis, Christophe Rousset, der die Talens Lyriques und das Ensemble Vocal de Lausanne dirigiert. An der Spitze des Sängeraufgebots steht Sandrine Piau – eine Traumbesetzung für die Rolle der Pamina.

Seit Jahren erleben wir Patricia Kopatchinskaja mit ebenso ungewöhnlichen wie überraschenden Projekten – das hier dargebotene Programm mit den historischen Instrumenten des Mailänder Ensembles Il Giardino Armonico macht da keine Ausnahme. Es lädt ein zu einem Dialog zwischen den Konzerten Vivaldis und Werken zeitgenössischer italienischer Komponisten für Violine solo, die sie zumeist selbst in Auftrag gegeben hat. Und welche Rolle spielt Wien dabei? Die kaiserliche Metropole war – und das wird oft übersehen – der letzte Aufenthaltsort des «roten Priesters». Dort ist er 1741 verarmt und unbeachtet gestorben. Beim Trauergottesdienst für mittellose Bürger im Stephansdom soll der Legende zufolge dem Knabenchor ein junger Bursche namens... Joseph Haydn angehört haben.

Es ist die Krönung einer dreiwöchigen Residenz: Neben dem Dienst im Rahmen der Gstaad Conducting Academy präsentiert sich das Gstaad Festival Orchestra auch mit eigenen Produktionen, hier unter der künstlerischen Leitung von Jaap van Zweden und mit zwei absoluten Meisterwerken der Romantik. So steht unter anderem das Klavierkonzert mit dem vielleicht schönsten jemals komponierten langsamen Satz auf dem Programm: Im englischsprachigen Raum vor allem unter dem Titel «Emperor» bekannt, wurde das Konzert nach seiner Entstehung unter Aufführenden wie Musikliebhabenden gleichermassen schnell beliebt. Gespielt wird es hier von dem polnisch-kanadischen Ausnahmekünstler Jan Lisiecki, der für die Deutsche Grammophon trotz seines jungen Alters bereits seit 2011 Aufnahmen einspielt, zuletzt sämtliche Nocturnes von Chopin. Im vergangenen Jahr hat Lisiecki während des Festivals kurzfristig Hélène Grimaud als Solist im 20. Klavierkonzert von Mozart ersetzt. Das zweite Meisterwerk des Abends ist Tschaikowskys Vierte. Man spürt in dem Werk den Einfluss seiner neuen Muse und Brieffreundin Nadeschda von Meck, der er versprochen hat, «seine tiefsten Empfindungen» in Musik umzusetzen. Es sind zwiespältige Gefühle im Spannungsfeld zwischen der Freude, unter Menschen zu sein, die sich zu amüsieren verstehen, und dem unerbittlichen Fatum, das ständig wiederkehrt und uns daran erinnert, dass «wir den anderen gleichgültig sind».

Es ist zweifellos das am seltensten gespielte Konzert Beethovens und dennoch eines der reizvollsten. Das Tripelkonzert bietet Möglichkeiten für den Dialog zwischen Solisten und Orchester, wie man sie sonst nur in Meisterwerken der Kammermusik findet, zumal wenn die Beteiligten – wie hier – nicht nur selbst brillieren, sondern es auch verstehen, ihre Partner in Szene zu setzen. Auf dem Programm steht neben der 5. Sinfonie eine weitere Rarität des Bonner Genies, seine Chorfantasie. Dieses Stück bestreitet der grossartige Pianist Sergei Babayan ohne seine Tripelpartner Dmitry Smirnov und Edgar Moreau, aber wiederum mit Vasily Petrenko und dem Royal Philharmonic Orchestra London. Mit von der Partie ist die Zürcher Sing-Akademie, die zu den besten Schweizer Chören zählt.

Trotz eines Altersunterschieds von nahezu zwei Generationen bestehen zwischen Fritz Kreisler und Yehudi Menuhin zahlreiche Verbindungen. Für den jungen Menuhin ist Kreisler ein Idol – ebenso wie Jascha Heifetz und Mischa Elman. Er scheut sich nicht, ihn mit Beethoven, seinem Lieblingskomponisten, zu vergleichen und gesteht, dass ihm seine «subtile Emphase» mehr liegt als das «glanzvolle, aber weniger tiefgründige» Spiel von Heifetz. Kreisler stellt seinerseits fest, dass der junge Menuhin bereits mit zwölf Jahren einen Großteil der ihm von der Natur verliehenen Gaben zur Entfaltung gebracht hat und vor allem das anspruchsvollste Ziel eines jeden Künstlers erreicht hat, nämlich unabhängig vom Repertoire sich immer selbst treu zu bleiben. Als Chef der Menuhin Academy Soloists (deren Leitung er 2019 übernommen hat) knüpft Renaud Capuçon an diese geistige Verwandtschaft an, indem er die Werte, die dem Mythos dieser beiden Titanen des Violinspiels zugrunde liegen, in den Mittelpunkt seiner Lehrtätigkeit stellt.

Gute Musik kennt keine Grenzen, so können auch Mozart und die Urban Culture eine höchst klangvolle Liaison eingehen. Ein glänzendes Beispiel hierfür ist die Produktion «Breakin' Mozart» des deutschen Dirigenten und Regisseurs Christoph Hagel. Hagel, der sich auf grosse Crossover-Shows wie «Flying Bach» mit über 300 000 Besuchenden in 27 Ländern spezialisiert hat, führt hier vom Klavier aus Sänger und Breakdancer der DDC Dance Floor Destruction Crew (wörtlich «Tanzflächenverwüstungsteam») zusammen, die 1999 in Schweinfurt im Zuge kultureller Auseinandersetzungen gegründet wurde und jüngst dank Mozart ihren internationalen Durchbruch erzielte.

Beethoven hat nur eine Oper geschrieben ... aber was für eine! Sie ist Ausdruck seines dramatischen Genies, das er bekenntnishaft in den Dienst seiner tiefsten Überzeugungen stellt, durchweht vom Geist der Aufklärung und der Französischen Revolution, vom Geist der Freiheit und Brüderlichkeit. In Fidelio, das von Jean-Nicolas Bouillys Theaterstück Léonore ou l'amour conjugal inspiriert ist, sehen (und hören) wir eine Frau (Leonore), die nichts unversucht lässt, um ihren Gatten (Florestan) aus dem Gefängnis zu befreien und sich sogar (unter dem Namen Fidelio) als Mann ausgibt, um in seine Nähe zu gelangen. Das in einer konzertanten Aufführung dargebotene Meisterwerk beschert uns ein Wiedersehen mit dem Startenor Jonas Kaufmann und dem Dirigenten Jaap van Zweden am Pult des Gstaad Festival Orchestra.

Die Musikzeitschrift International Piano hat ihn als «letzten der Titanen» bezeichnet. Und tatsächlich hat Grigory Sokolovs Art zu spielen, seine Art, am Klavier zu sein, etwas Titanisches. Wie die Auftritte eines Richter oder eines Gould vor ihm, sind auch seine Konzerte Ereignisse, und seine Live-Aufnahmen (heute von der Deutschen Grammophon herausgegeben) werden mit der gleichen Spannung erwartet, wie man die nächste Folge einer Kultserie erwartet. Meilenweit entfernt von all den fabrizierten Erfolgen, die die Hochglanzcover der Zeitschriften bevölkern, ist das Erfolgsrezept des Russen ganz einfach: Musik, nichts als Musik!

In den 1770er Jahren werden die deutschen Lande von einer Strömung – dem Sturm und Drang – erfasst, die bald danach auf einen beträchtlichen Teil Europas übergreift. Die erst später aufgekommene Bezeichnung geht auf ein 1776 verfasstes Stück des Dichters Friedrich Maximilian Klinger zurück. Das berühmteste Werk dieser Periode ist Goethes Werther. Die als Vorläufer der Romantik betrachtete Strömung unterscheidet sich von der Empfindsamkeit, in deren Fussstapfen sie tritt, durch den Willen, den Gefühlsüberschwang zu kanalisieren, d. h. in eine strengere Form einzubinden. Das Programm des Ensembles Il Pomo d'Oro, in dessen Zentrum die wichtigsten Wiener Vertreter dieser Strömung – Haydn und Mozart – stehen, führt uns von den Anfängen (mit Wagenseil) bis zur Vollendung (mit einem selten gehörten Werk von Heberle) dieser bedeutenden künstlerischen Bewegung.

Dezember 1790. Mit fast siebzig Jahren stürzt sich Joseph Haydn in das verrückteste Abenteuer seines Lebens: zwanzig Konzerte in London und ebenso viele Uraufführungen – eine «Wette», die den Grundstein für das grösste Sinfonien-Feuerwerk seines Lebens legen wird, beginnend mit der Sinfonie «Das Wunder». Seine Abreise aus Wien wird sehr bedauert, vor allem von Mozart, der befürchtet, seinen «Papa Haydn» nie mehr wiederzusehen. Die Trennung ist umso schmerzlicher, als das Publikum ihn immer mehr meidet, was ihn dazu bringt, einer Einladung nach Prag zu folgen, wo sein Don Giovanni und seine Nozze di Figaro begeistert bejubelt werden – so viel Wohlwollen war dem Komponisten glatt eine Sinfonie wert!

Dieser Abend, der an die Gstaad Piano Academy anknüpft, welche in diesem Jahr unter der Leitung von Sir András Schiff und Robert Holl (Bariton) der Interpretation von Liedern und Chormusik von Franz Schubert gewidmet ist, wurde als «Schubertiade» angelegt, d. h. als zwanglose Zusammenkunft von Freunden, bei der man vergisst, wer Lehrer ist und wer Schüler. Solche Abende fanden in grossen privaten Wiener Salons wie dem Franz von Schobers statt, der nicht nur des Komponisten Freund, sondern auch ein Dichter war und einige der schönsten Liedtexte verfasste, die Schubert vertonte.

Im Laufe der Jahre sind seine Klavierabende zu einem absoluten Muss geworden. Sir András Schiff, der nicht nur ein brillanter Moderator ist, sondern auch innerhalb der Gstaad Piano Academy unterrichtet, schafft es, uns musikalische Meisterwerke, die wir auswendig zu kennen glauben, auf unerhört neue Weise darzubieten. Auf wen wird seine Wahl in diesem Sommer fallen? Mozart? Haydn? Beethoven? Schubert? Bei den Vertretern der Wiener Klassik hat er auf jeden Fall die Qual der Wahl. Freuen wir uns auf des Rätsels Lösung – am 3. August 2022!

Er ist eine der grossen pianistischen Entdeckungen der vergangenen Jahre. Gerade erst hat er den Internationalen Chopin-Wettbewerb in Warschau gewonnen, der nur alle fünf Jahre ausgetragen wird und als einer der wichtigsten Musikwettbewerbe überhaupt Weltkarrieren begründet. 2021 geht der erste Preis des Chopin-Wettbewerbs an den 25-jährigen chinesisch-kanadischen Pianisten Bruce Liu, der mit vollständigem Namen Bruce Xiaoyu Liu heisst und mit seiner Familie im Alter von sechs Jahren nach Montreal zog, um hier seine Ausbildung zu absolvieren. Sein Debüt in Gstaad gibt er mit einem Programm, in dem der Komponist im Mittelpunkt steht, mit dem er Jury und Publikum bereits in Warschau fesseln und letztlich neben der grossen Konkurrenz überzeugen konnte: Chopin. Die Deutsche Grammophon hat bereits die Wettbewerbsaufnahmen der packenden Chopin-Interpretationen veröffentlicht. Doch hat Liu auch Musik von Bach (auf französische Art), Liszt (mit lyrisch-virtuosen Tönen) und die zartsinnigen Miroirs von Maurice Ravel, Ausdruck der impressionistischen Periode des Komponisten, für sein Programm gewählt.

Sie hatten ihr gesamtes Programm bereits für 2020 geplant, doch die weltweite Pandemie machte ihnen einen Strich durch die Rechnung. In jenem beispiellosen Sommer konnte eine erste Episode gerade noch gerettet werden, doch nun freuen sich Sol Gabetta und Alexander Melnikov darauf, ihren «Beethoven-Marathon» zu vollenden, und zwar mit zwei neuen Variationszyklen und den beiden verbliebenen Sonaten, die für ganz unterschiedliche Schaffensperioden des Komponisten charakteristisch sind: Die Cellosonate Nr. 2 orientiert sich noch am Klassizismus (um nicht zu sagen, am Barock), während die der Gräfin (und Vertrauten) Marie Erdödy gewidmete Cellosonate Nr. 4 schon den innovativen Impuls der Romantik spüren lässt, der in Heiligenstadt aufkam und sich in den ersten beiden Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts weiterentwickelte.

Für den dritten Teil seines Residency-Programms hat Starklarinettist Andreas Ottensamer ein eng mit der Wiener Musik verbundenes Ensemble nach Saanen eingeladen: die Wiener Sängerknaben. Dieser 1498 von Kaiser Maximilian I. gegründete hochkarätige Knabenchor ist mit der Zeit zu einem veritablen Mythos geworden, denn aus ihm gingen grosse Musiker wie Michael Haydn oder Schubert hervor und Komponisten wie Biber, Mozart oder Bruckner arbeiteten mit ihm zusammen. Der heute aus etwa hundert Knaben bestehende Chor gibt nahezu 300 Konzerte pro Jahr und betreibt zudem eine Schule, in der ca. 250 Kinder im imposanten barocken Ambiente des Palais Augarten eine umfassende Ausbildung erhalten.

Sie gehören zu den Künstlerinnen und Künstlern, die man immer wieder gerne hört und die im Laufe der Jahre durch ihre Treue und ihr herausragendes Talent zu einer echten «Familie» geworden sind: Gstaad Menuhin Festival & Academy setzt das von Gründer Yehudi Menuhin gepriesene Ideal des gemeinsamen Musizierens unter Freunden in dieser so besonderen Umgebung ununterbrochen fort. Zu Sol Gabetta und Bertrand Chamayou gesellt sich in diesem Sommer eine der renommiertesten Geigerinnen ihrer Generation, nämlich die in München von Ana Chumachenco (einer der «Säulen» der Gstaad String Academy) ausgebildete Bayerin Veronika Eberle. Gemeinsam spielen sie Beethoven und Schubert – von letzterem das Klaviertrio Nr. 2 und dessen hypnotisches Andante, das heute untrennbar mit den legendären Szenen aus Stanley Kubricks Film Barry Lyndon verbunden ist.

Musik ist eine lebendige Kunst, was dieses Programm eindrucksvoll unterstreicht. Es folgt ganz der Linie, die wir von Daniel Hope seit vielen Jahren kennen. Er lässt verschiedene Meisterwerke in neuem Gewand, nämlich in Bearbeitungen für Geige und Streichorchester, erklingen. So zum Beispiel die West Side Story Suite, die auf seinen Wunsch von Paul Bateman arrangiert wurde, die Cavatina aus Beethovens Streichquartett Nr. 13 in einer Transkription für Streicher oder das erhabene Adagietto aus Mahlers Sinfonie Nr. 5 in einer intimeren Fassung für Kammerorchester.

Mozart an der Spitze! Zwei absolute Meisterwerke aus seinen letzten Wiener Jahren stehen hier im Fokus, vorgetragen von Klarinettistin und Weltstar Sabine Meyer, die zu den renommiertesten Solist*innen ihres Fachs überhaupt zählt, sowie dem Kammerorchester Basel, das in diesem Repertoire Wunder vollbringt, indem es die Werke in erfrischend neuem Licht präsentiert. Zu verdanken ist dies nicht zuletzt den neuen interpretatorischen Erkenntnissen, die in das Dirigat von Giovanni Antonini eingeflossen sind: Können wir uns einen schöneren Abend wünschen?

So mancher befürchtete, er könnte bald «abstürzen», denn seine phänomenale Technik schien ... nicht von dieser Welt. Aber Daniil Trifonov ist noch immer da, und seine Programme halten immer neue Überraschungen bereit. Nachdem Trifonov bereits 2015 für eine Interpretation von Rachmaninows 4. Klavierkonzert und 2018 für ein Programm rund um Chopin zum Festival reiste, kehrt er nun erneut mit einem Meisterwerk zurück nach Saanen. Auf dem Programm stehen die Klaviersonate Nr. 3 von Szymanowski (der zu jener Zeit, kurz vor der Russischen Revolution, seine impressionistische Periode beschliesst), Debussys «Pour le piano» (ein Werk, das einen Wendepunkt markiert, da es sich an den grossen Meistern des 18. Jahrhunderts orientiert und sich somit von Franck und dem spätromantischen Einfluss ablöst) und die Klaviersonate Nr. 3 des jungen Brahms, die von dessen Mentor Robert Schumann als «verschleierte Sinfonie» bezeichnet wurde.

Die Beschäftigung mit der deutschen Sakralmusik des 17. Jahrhunderts führt Christina Pluhar zurück zu ihren Quellen und damit an ihre musikalischen Wurzeln. Ausgangspunkt der neuen Einspielung von L'Arpeggiata mit Star-Countertenor Philippe Jaroussky ist das berührende Lamento «Ach, dass ich Wassers g'nug hätte» für Alt und Streicherensemble von Johann Christoph Bach, einem Vorfahren Johann Sebastian Bachs. Das Programm vereint bekannte Komponisten wie Heinrich Schütz mit zu Unrecht weniger bekannten Namen wie Philipp Heinrich Erlebach, Johann Theile und Franz Tunder und lässt die enge Verbindung der deutschen Sakralmusik mit seinen italienischen Vorbildern hören. Die himmlischen Stimmen von Céline Scheen und Philippe Jaroussky vereinigen sich mit den reichen Klangfarben von L'Arpeggiata.

Auch wenn er kein eifriger Kirchgänger ist, lässt Beethoven immer einen aufrichtigen Glauben erkennen. Als er fühlt, dass sein Körper ihm nicht mehr gehorcht, verinnerlicht er sein ganzes Leben (seine vollständige Taubheit setzt etwa gegen 1820 ein) und wendet sich zugleich dem Himmel zu. Im Jahre 1818 veranlasst ihn die bevorstehende Inthronisation des ihm besonders nahestehenden Erzherzogs Rudolph von Österreich als Erzbischof von Olmütz, die Komposition einer Messe von gewaltigen Ausmassen in Angriff zu nehmen, wie sie ihm schon lange vorgeschwebt hat. Sein schlechter Gesundheitszustand, aber auch sein hoher künstlerischer Anspruch hindern ihn daran, diese Missa solemnis rechtzeitig zu vollenden. Erst 1823 kann er das Werk Erzherzog Rudolph übergeben. Doch es gleicht einer musikalischen Kathedrale. Denn Beethoven war vor allem bemüht, das Erbe von Bach und mehr noch von Händel anzutreten, den er als den grössten Komponisten aller Zeiten ansah.

Ihre Majestät, die Queen, ihre Diamanten, ihre Corgis und nicht zu vergessen ihre Geheimagenten! Könnte es einen besseren Abschluss für ein Festival geben als eine grosse Soirée der englischen Filmmusik, bei der das City Light Symphony Orchestra hauptsächlich die Melodien aus der Welt des unverwüstlichen 007 anstimmt? Das Ensemble wird von dem in der Schweiz lebenden englischen Dirigenten Kevin Griffiths geleitet, der dem Publikum in der Region durch seine langjährige Arbeit als Leiter des Gstaad Festival Amateur Orchestra wohlbekannt ist. Und er wird die Geigerin und neues Familienmitglied der exklusiven «Menuhin's Heritage Artists», Bomsori Kim, auf der Bühne begrüssen, um die schönsten Themen aus Der Duft von Lavendel [Ladies in Lavender] erklingen zu lassen, einem Film aus dem Jahr 2004, der die Geschichte eines virtuosen Geigers (exzellent verkörpert von Daniel Brühl) erzählt, der die Aufmerksamkeit von mehr als nur einer Frau erregt!

Obwohl die internationale Situation es der Sinfonía por el Perú aktuell nicht ermöglicht, in die Schweiz zu kommen, kann Maestro Flórez Gstaad Menuhin Festival und seinen Gästen ein weiteres aussergewöhnliches Opernprogramm präsentieren. Nach einem Fest italienischer Duette mit Olga Peretyatko im Jahr 2018 ist der peruanische Tenor mit einem neuen Opernfeuerwerk und grossem Orchester zurück im Festival-Zelt Gstaad. Einmal mehr steht Italien mit den Meistern des transalpinen Kreises des 19. Jahrhunderts im Rampenlicht, von Rossini bis Puccini und über Donizetti zu Verdi; aber auch Streifzüge in die französische Welt mit Gounod werden unternommen. Um diesen Abend unvergesslich zu machen, kann der Startenor auf die Unterstützung des amerikanischen Dirigenten Christopher Franklin (mit dem er zuletzt in den grössten Sälen der Welt auftrat) und dem Musikkollegium Winterthur setzen, einem der ältesten Orchesterinstitutionen Europas, gegründet 1629.

Es ist eines der Hauptwerke des italienischen Belcanto: Gstaad Menuhin Festival ist stolz darauf, seinem Publikum mit einer von Domingo Hindoyan speziell für diesen Anlass getroffenen Auswahl ausladender Arien, Chören und Orchesterzwischenspielen alle Facetten aus Vincenzo Bellinis «I puritani» zu präsentieren. Die Zürcher Sing-Akademie und das Orchestre de la Suisse Romande führen mit einer erstklassigen Besetzung durch den Abend, bei dem die musikalische Vielseitigkeit der letzten Oper Bellinis im Mittelpunkt steht. Damit bietet sich die Gelegenheit, die zwangsläufig oberflächliche Bekanntschaft mit einem solchen Werk, das aus einer Handvoll grossartiger, durch die legendären Interpretationen unter anderem von Maria Callas und Joan Sutherland unveränderlicher Arien besteht, zu vertiefen und in das Innerste des gefeierten Kleinods Bellinis einzutauchen, das in Paris zu Beginn des Jahres 1835 und damit nur wenige Monate vor seinem viel zu frühen Tod mit 33 Jahren uraufgeführt wurde. Bellinis Belcanto-Kunst legt mehr Sorgfalt auf die Details der Instrumentation, weniger auf die solistische «Überschall»-Gesangstradition. So ist Elvira der «Prototyp der romantischen Heldin, die wegen eines seelischen Schocks den Verstand verliert» (Alain Perroux). Ihre sanften Melodien sind es, die Frédéric Chopin später das Klavier als singendes Instrument begreifen lassen …

Sie ist eine lebende Klavierlegende. Maria João Pires, die abwechselnd in ihrem Heimatland Portugal und ihrer Wahlheimat, der Schweiz, lebt, reist nach Saanen mit Schubert, Debussy und Beethovens letzter Klaviersonate, der unergründlichen Sonate op. 111. Bereits als Fünfjährige debütierte sie 1949 mit Werken von Mozart. Die u. a. bei Karl Engel ausgebildete Pianistin hat sich in den letzten Jahrzehnten auch durch ihr intensives Engagement für den musikalischen Nachwuchs hervorgetan, sowohl in dem von ihr gegründeten Belgais-Centre for the Study of Arts in Portugal, als auch in der Chapelle Musicale Reine Elisabeth in Brüssel.

Die «Schottische» und das Violinkonzert von Sibelius! Ein zweiter Abend mit Valery Gergiev und seinem Orchester des Mariinsky-Theaters St. Petersburg. Mit Alexandra Conunova und ihrer kraftvollen und zugleich warmen Spielweise wird eine Idealbesetzung an der Violine im Konzert von Sibelius mitwirken. Die gebürtige Moldawierin, die in der Schweiz lebt und zum ersten Schülerjahrgang von Renaud Capuçon an der Haute Ecole de Musique de Lausanne gehörte, schaffte 2012 ihren künstlerischen Durchbruch mit dem Gewinn des ersten Preises beim Joseph Joachim Violinwettbewerb Hannover, der drei Jahre später durch einen dritten Preis beim Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau untermauert wurde.

Es ist immer ein grosses Ereignis, wenn Valery Gergiev die Bühne betritt. Vor allem dann, wenn er sein Orchester des Mariinski-Theaters St. Petersburg durch Meisterwerke der russischen Orchesterkunst wie die «Romeo und Julia»-Ballettmusik von Prokofjew führt. Zusätzlich wird einer der neuen Menuhin's Heritage Artists, Alexandre Kantorow, die Tasten für das 2. Klavierkonzert von Prokofjew zum Klingen bringen. Der junge Pianist, Sohn des Geigers und Dirigenten Jean-Jacques Kantorow, ist eine wahre Offenbarung. Als erster Franzose gewann er 2019 den renommierten Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau und erhielt im darauffolgenden Jahr für seine Einspielung des «Ägyptischen Konzerts» von Saint-Saëns, seinem Lieblingskomponisten (neben Brahms), den Victoire de la Musique.

Ohne die 12 Cellisten der Berliner Philharmoniker wäre das namhafteste Orchester der Welt schlicht zum Schweigen verurteilt! 1972 machen sie sich zu einem neuen Abenteuer auf: einem Ensemble, das heute zu den ältesten und symbolträchtigsten Formationen gehört, die aus dem deutschen Klangkörper hervorgegangen sind. Ihr Markenzeichen ist eine Musik frei von Komplexen, die zum Grossteil aus Arrangements besteht, sowie eine lockere Haltung, die sich von der steifen Atmosphäre der grossen Konzertsäle abhebt – der natürliche Swing der Bässe!

Für sein zweites Konzert am Dirigierpult des Gstaad Festival Orchestra – das er zum dritten Mal im Rahmen der Gstaad Conducting Academy leitet – widmet sich Jaap van Zweden der Sinfonie Nr. 4 von Brahms und dem Cellokonzert von Elgar, einem musikalischen Leckerbissen, dem keine Geringere als Sol Gabetta mit ihrem Spiel die nötige Intensität verleiht. Vielleicht waren Sie dabei, als die Cellistin bereits 2013 an der Seite von Andris Nelsons und des City of Birmingham Symphony Orchestra das von Jacqueline du Pré zu neuen Höhen geführte Werk im Festival-Zelt Gstaad erklingen liess. Seitdem hat ihr Spiel zweifellos an Tiefe gewonnen: Eine wesentliche Dimension, um den Dämmerschein der Partitur wiederzugeben, die im Sommer 1919 geschrieben wurde, als Elgar de facto seit 1914 nichts mehr komponiert hatte und sein Geist durch den Kriegswahnsinn ausgedörrt war.

Schon immer übte London mit seinen zahlreichen Bühnen, seinem anspruchsvollen Publikum und seinen generösen Institutionen (darunter die Royal Philharmonic Society) eine besondere Anziehungskraft auf Kunstschaffende aus. Einen aussergewöhnlichen Einblick in diese Welt bietet dieser musikalische Abend, an dem Khatia Buniatishvili (mit Tschaikowsky), Jaap van Zweden und das Gstaad Festival Orchestra das Festival-Zelt Gstaad zum Klingen bringen. Die Sinfonie Nr. 7 ist das erste Werk, mit dessen Komposition Dvořák beauftragt wurde. Unter tosendem Applaus am 22. April 1885 in der St. James's Hall uraufgeführt, stellt sie den tschechischen Komponisten vor die heikle Frage, ob er seiner natürlichen Neigung folgen und sein Herz und seine mährischen Wurzeln sprechen lassen oder sich stärker der (für ihn neuen) Notwendigkeit zuwenden soll, ein an die Regeln der «westlichen» Romantik gewöhntes Publikum anzusprechen, wie insbesondere sein Mentor Johannes Brahms sie verkörpert. Mit seinem Talent und seinem ihn charakterisierenden Grossmut trifft der grosse Meister auf Anhieb ins Schwarze!

Seit nunmehr fast zwanzig Jahren beehrt sie das Saanenland Sommer für Sommer mit ihren Besuchen. Hélène Grimaud bittet uns an diesem Abend zu einem musikalischen Tête-à-Tête in die Kirche Saanen. Sie wartet auf mit einem Programm, das dem Phänomen der Erinnerung gewidmet ist und das 2018 für ihr vorletztes Album «Memory» bei der Deutschen Grammophon gestaltet wurde; eine äusserst subtile Reise zwischen Reflexion und purer Emotion, in deren Verlauf sich die Klänge von Debussy und Satie mit jenen von Chopin verflechten, aus denen sie zum Teil hervorgegangen sind; hier werden Kulturtraditionen fassbar als eine Form der Erinnerung, ohne die Musik gänzlich unmöglich wäre.

Freuen Sie sich auf einen Abend der musikalischen Hochgenüsse! Haydn zeichnet in seiner Sinfonie «mit dem Paukenschlag» ein musikalisches Bild des «historischen» London. Dagegen hat einer der bekanntesten zeitgenössischen Komponisten Grossbritanniens, Thomas Adès, im Auftrag des Festivals und anderer Musikinstitutionen ein Werk für Streicher mit dem Titel «Shanty – Over the Sea», geschaffen, das auf die Lieder Bezug nimmt, die seit jeher von den Seeleuten der Handelsschiffe angestimmt werden, um sich bei der Arbeit zu motivieren, und das dem extravaganten Treiben in der britischen Hauptstadt ein musikalisches Denkmal setzt. Zur Krönung des Abends wird Hélène Grimaud in Begleitung des Kammerorchester Basel mit dem 20. Klavierkonzert in d-Moll das dank seiner vollkommenen Romanze und der verträumten, gleichsam über dem unerbittlichen Lauf der Zeit schwebenden Melodie, vielleicht schönste Konzert Mozarts anstimmen.

Die Liste der treuen Weggefährten des Festivals ist lang! Patricia Kopatchinskaja und Fazil Say haben für ihr musikalisches Feuerwerk Musik von Schubert und Brahms und die viel zu selten intonierte Violinsonate von Janáček gewählt. «Ich habe diese Sonate 1914 geschrieben, als wir in Mähren auf die Russen warteten», so der Komponist. Die Russen, die er im Herzen trägt und deren Seele und Kultur in seiner Musik anklingen, ebenso wie Themen aus seiner eigenen Oper «Katja Kabanova», in der – was sonst – eine russische Geschichte erzählt wird, sind in diese Sonate eingegangen.

Das Duo Sol Gabetta und Bertrand Chamayou ist in den letzten Jahren überall umjubelt worden; hier präsentieren die beiden nun ein für diese London-Ausgabe unentbehrliches Werk, nämlich Benjamin Brittens erhabene Cellosonate, zu welcher der Komponist durch das leidenschaftliche Spiel von Mstislaw Rostropowitsch inspiriert wurde. Ergänzt wird das Programm durch César Francks Sonate, die ursprünglich für Violine geschrieben wurde, sich aber aufgrund ihrer warmen Klangfarben auch hervorragend für das Cello eignet.

Robert Schumann erspürte in diesem Trio op. 100 von Franz Schubert «himmlische Längen» – und es stimmt, dass darin etwas Ewiges, Schwebendes anklingt, insbesondere im zweiten Satz, Andante con moto, und seinem eindringlichen, vom Klavier in Staccato gehämmerten Mollthema, das 1975 durch Stanley Kubricks Film «Barry Lyndon» einem breiten Publikum bekannt wurde. Wussten Sie, dass Schubert das Thema dem schwedischen Volkslied «Se solen sjunker» («Sieh' die Sonne untergehen») entlehnt hat? Eine Aufforderung, der wir gerne folgen, vor allem, wenn uns die Himmelserscheinung wie hier von drei aussergewöhnlichen «Magiern» gedeutet wird: der Geigerin Isabelle Faust, der Cellistin Sol Gabetta und dem Pianisten Bertrand Chamayou.

«When I'm 64»: Einen besseren Titel für seine Sommertournee 2021 hätte sich Nigel Kennedy, der am 28. Dezember 1956 und damit vor genau 64 Jahren das Licht der Welt erblickte, nicht ausdenken können! Und ein schönes Paradox, handelt es sich doch um einen der ersten Songs, den Paul McCartney im zarten Alter von 15 oder 16 Jahren auf dem Klavier der Familie in der Forthlin Road 20 komponierte. Wie er später einmal erklärte, habe ihm zum einen der «schnalzende» Klang des Wortes «sixty-four» gefallen, zum anderen wollte er seinem Vater mit dem Song eine Ouvertüre für den Eintritt in das Rentenalter schenken. Kennedy, der Yehudi Menuhin bekanntermassen viel zu verdanken hat, kommt zu uns als «Freund der Familie»: Seine unzähligen «legendären» Konzerte mit klassischer oder E-Geige haben sich in goldenen Lettern in das Gedächtnis des Festivals eingebrannt.

God save the King ... und God save Händel, den englischsten aller deutschen Komponisten! Der im selben Jahr wie Johann Sebastian Bach geborene Hannoveraner, der seine Ausbildung in Italien erhielt und von dort nicht nur als Meister der Opera seria, sondern auch des Oratoriums zurückkehrte, überquerte 1711 den Ärmelkanal und fühlte sich dort sofort heimisch. Neben den brillanten und volltönenden «Coronation Anthems» bzw. «Krönungshymnen» (vier Chorwerke, deren berühmtestes, «Zadok the Priest», die meisten Fussballfans wohl auswendig kennen dürften) bringen Hervé Niquet und sein Ensemble «Le Concert Spirituel» ein weiteres grandioses Werk Händels zu Gehör, das «Dettinger Te Deum», das der Meister 1743 komponierte, und zwar anlässlich des im österreichischen Erbfolgekriegs errungenen Sieges der Engländer und Hannoveraner (!) in der Schlacht von Dettingen in Bayern über die Franzosen. Was wohl als eindeutiger Beweis für die Bescheidenheit der Musiker gewertet werden dürfte – kommen sie doch selbst aus Frankreich!

1995 gewann sie im Alter von zwölf Jahren den Menuhin-Wettbewerb, machte einen grossen Eindruck auf den Meister und gewann im darauffolgenden Jahr den Eurovisionswettbewerb für junge Instrumentalisten. Heute ist Julia Fischer eine der bekanntesten Geigerinnen der Welt. Nachdem sie beim Gstaad Menuhin Festival 2012 mit einem unvergesslichen Carte blanche-Konzert einen musikalischen Glanzpunkt gesetzt hat, ist sie nun zurück in den Bergen – die sie gut kennt, da sie als Kind jeden Sommer nach Lenk kam, um an den Kursen ihrer Lehrerin Ana Chumachenco teilzunehmen – in Begleitung eines Orchesters, mit dem sie seit langer Zeit zusammenarbeitet, der Londoner Academy of St Martin in the Fields, und zwar mit einem Mozart-Mendelssohn-Programm, das auch Menuhin gefallen würde. Und als herausragende Geigerin nimmt sie die Sache gleich selbst in die Hand und führt neben dem Geigenbogen auch das gesamte Ensemble.