19th-century French artist
POPULARITY
3 episodes with Georges Seurat
3 episodes with Georges Seurat
3 episodes with Georges Seurat
2 episodes with Georges Seurat
2 episodes with Georges Seurat
3 episodes with Georges Seurat
7 episodes with Georges Seurat
2 episodes with Georges Seurat
2 episodes with Georges Seurat
The Daily Quiz - Art and Literature Today's Questions: Question 1: Which book contains the character 'Santiago'? Question 2: Which author wrote 'Prose Edda'? Question 3: Which author wrote 'Mortal Engines'? Question 4: The painting "A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" by Georges Seurat is a part of which art movement? Question 5: Whose first collection of short stories entitled "In Our Time" was published in 1925? Question 6: Which artist painted "Dogs Playing Poker" Question 7: Which Shakespeare play begins with 3 witches? Question 8: Which author wrote 'The Dispossessed'? Question 9: Which author wrote 'Notes from Underground'? This podcast is produced by Klassic Studios Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
Join me for conversation with Dr. Jaleh Mansoor (Associate Professor of Art History in the Department of Art History, Visual Art, and Theory, University of British Columbia) about her book Universal Prostitution and Modernist Abstraction: A Counterhistory (Duke University Press, 2025). Our discussion brought us to topics like the artists' muse, the modern laborer, and other figures precariously suspended between the object/subject dialectic. In Universal Prostitution and Modernist Abstraction, Dr. Mansoor provides a counternarrative of modernism and abstraction and a reexamination of Marxist aesthetics. Mansoor draws on Marx's concept of prostitution—a conceptual device through which Marx allegorized modern labor—to think about the confluences of generalized and gendered labor in modern art. Analyzing works ranging from Édouard Manet's Olympia and Georges Seurat's The Models to contemporary work by Hito Steyerl and Hannah Black, she shows how avant-garde artists can detect changing modes of production and capitalist and biopolitical processes of abstraction that assign identities to subjects in the interest of value's impersonal circulation. She demonstrates that art and abstraction resist modes of production and subjugation at the level of process and form rather than through referential representation. By studying gendered and generalized labor, abstraction, automation, and the worker, Mansoor shifts focus away from ideology, superstructure, and culture toward the ways art indexes crisis and transformation in the political economic base. Ultimately, she traces the outlines of a counterpraxis to capital while demonstrating how artworks give us a way to see through the abstractions of everyday life. This episode was hosted by Asia Adomanis, a PhD student in the Department of History of Art at Ohio State. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network
Join me for conversation with Dr. Jaleh Mansoor (Associate Professor of Art History in the Department of Art History, Visual Art, and Theory, University of British Columbia) about her book Universal Prostitution and Modernist Abstraction: A Counterhistory (Duke University Press, 2025). Our discussion brought us to topics like the artists' muse, the modern laborer, and other figures precariously suspended between the object/subject dialectic. In Universal Prostitution and Modernist Abstraction, Dr. Mansoor provides a counternarrative of modernism and abstraction and a reexamination of Marxist aesthetics. Mansoor draws on Marx's concept of prostitution—a conceptual device through which Marx allegorized modern labor—to think about the confluences of generalized and gendered labor in modern art. Analyzing works ranging from Édouard Manet's Olympia and Georges Seurat's The Models to contemporary work by Hito Steyerl and Hannah Black, she shows how avant-garde artists can detect changing modes of production and capitalist and biopolitical processes of abstraction that assign identities to subjects in the interest of value's impersonal circulation. She demonstrates that art and abstraction resist modes of production and subjugation at the level of process and form rather than through referential representation. By studying gendered and generalized labor, abstraction, automation, and the worker, Mansoor shifts focus away from ideology, superstructure, and culture toward the ways art indexes crisis and transformation in the political economic base. Ultimately, she traces the outlines of a counterpraxis to capital while demonstrating how artworks give us a way to see through the abstractions of everyday life. This episode was hosted by Asia Adomanis, a PhD student in the Department of History of Art at Ohio State. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/critical-theory
Join me for conversation with Dr. Jaleh Mansoor (Associate Professor of Art History in the Department of Art History, Visual Art, and Theory, University of British Columbia) about her book Universal Prostitution and Modernist Abstraction: A Counterhistory (Duke University Press, 2025). Our discussion brought us to topics like the artists' muse, the modern laborer, and other figures precariously suspended between the object/subject dialectic. In Universal Prostitution and Modernist Abstraction, Dr. Mansoor provides a counternarrative of modernism and abstraction and a reexamination of Marxist aesthetics. Mansoor draws on Marx's concept of prostitution—a conceptual device through which Marx allegorized modern labor—to think about the confluences of generalized and gendered labor in modern art. Analyzing works ranging from Édouard Manet's Olympia and Georges Seurat's The Models to contemporary work by Hito Steyerl and Hannah Black, she shows how avant-garde artists can detect changing modes of production and capitalist and biopolitical processes of abstraction that assign identities to subjects in the interest of value's impersonal circulation. She demonstrates that art and abstraction resist modes of production and subjugation at the level of process and form rather than through referential representation. By studying gendered and generalized labor, abstraction, automation, and the worker, Mansoor shifts focus away from ideology, superstructure, and culture toward the ways art indexes crisis and transformation in the political economic base. Ultimately, she traces the outlines of a counterpraxis to capital while demonstrating how artworks give us a way to see through the abstractions of everyday life. This episode was hosted by Asia Adomanis, a PhD student in the Department of History of Art at Ohio State. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art
Viaxamos á Francia da 2ª metade do s. XIX, para descubrir algo máis sobre a Historia da Arte Contemporánea, seguindo a guia das obras seleccionadas polo grupo de Historia de Arte da CIUG para as probas PAU. Obra de Georges Seurat: Tarde de domingo na Grande Jatte.Serie:Historia da Arte Contemporánea, Historia da Arte, 2º de Bacharelato. Músicas da sintonía (Creative Commons Attribution 3.0): District Four, de Kevin MacLeod (https://incompetech.com), Temptation March, de Jason Shaw (http://audionatix.com). Música:Cadros dunha exposición, de Modest Mussorgsky. Public Domain Mark 1.0 Universal. Este pódcast está baixo a licencia CC BY-NC 4.0.Máis recursos en: facemoshistoria.gal
On part 2 of this week's episode, Michael Maslin joins us to talk about the New Yorker 100th Anniversary and his recent book that he collaborated on with photographer, Alen MacWeeney, titled "At Wit's End: Cartoonists of The New Yorker". Michael also maintains a database of the New Yorker cartoonists on his website, "The Ink Spill" and posts a daily New Yorker cartoon related article there as well (he also posts it as a Substack).You can order his book here:https://www.amazon.com/At-Wits-End.../dp/0593581059And check out the Ink Spill here:https://michaelmaslin.comOr subscribe to the Substack here:https://michaelmaslinsinkspill.substack.comMichael also mentions the New Yorker cartoon and cover art exhibition, hosted by the Society of Illustrators, "Drawn From The New Yorker: A Centennial Celebration". You can find more information about the exhibition here:https://societyillustrators.org/event/drawn-from-the-new-yorker-a-centennial-celebration/The cartoons that people don't get that Michael mentions can be found in the Nov. 2, 2009 edition of the New Yorker (it's that year's cartoon issue). It's titled, "I Don't Get It". If you have a subscription, you can find it in the archives.On Part 1 of the episode, we discuss the current contests:Winning captions for New Yorker contest #931 (When you whisk upon a yarr).Finalists for contest #933 (You've been sitting here all day. I'm going to have you pigeon towed). Current New Yorker contest #935 (I think it's a trap). We also discuss our favorite cartoons from the current issue of the New Yorker (The painting depicted in the Jason Adam Katzenstein cartoon is "A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" by Georges Seurat. We really should have known that).You can buy original New Yorker cartoon art at Curated Cartoons:https://www.curatedcartoons.comSend us questions or comments to: Cartooncaptioncontestpodcast@gmail.com
The Daily Quiz - Art and Literature Today's Questions: Question 1: Which artist painted "The Sleeping Gypsy" Question 2: The painting "A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte" by Georges Seurat is a part of which art movement? Question 3: What did Harry Potter get for Christmas in his first semester at Hogwarts School? Question 4: Which author wrote 'Joseph and His Brothers'? Question 5: In poetry, what is the name for a 4-line stanza? Question 6: Which of the following is not a play by William Shakespeare? Question 7: What famous character did Edgar Rice Burroughs create? Question 8: Which author wrote 'Jurassic Park'? This podcast is produced by Klassic Studios Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
We're back! This is the second part of our deep dive on drawing. I asked my artist-guests: Jennifer Coates, David Humphrey and Catherine Haggarty to bring along a fave drawing from art history to share and describe what "drew" them to it (please forgive the pun). It was so fun to see what they selected. See images of all of the works on IG @peptalksforartists The drawings discussed were: 1) "The Grotto of Neptune in Tivoli" ca 1640 by Claude Lorrain 2) Rocks near the caves above Château Noir (Rochers à Bibémus) 1895/00 by Paul Cézanne, Watercolor on paper 18¼ by 12 in. 3) "Moon and Clouds" 1945 by George Ault 4) Ledger Drawing ca. 1875-78 attributed to William Cohoe, Cheyenne, Central Plains, Inscribed "Cheyenne Soldiers" Find my guests online here: David Humprhrey: web and IG Jennifer Coates: web and IG Catherine Haggarty: web and IG See more Ledger Drawings at DonaldEllisGallery.com: https://www.donaldellisgallery.com/offerings/plains-indian-drawings Artists also mentioned: Georges Seurat ("Monkey"), Alexander Cozens, Caspar David Friedrich, Julia Gleich (choreographer) Books mentioned: "Lake Superior" by Lorine Niedecker, "Keeping Time: Plains Indian Ledger Drawings 1865-1900" (pub by Donald Ellis Gallery) Catherine's show "Just Drawing" online at Geary Contemporary: https://geary.nyc/exhibition/just-drawing-catherine-haggarty/ You can watch the original IG Live video of my guests' panel talk at Geary here: https://www.instagram.com/reel/C9qMilKRs-f/?utm_source=ig_web_copy_link&igsh=MzRlODBiNWFlZA== Thank you for listening! All music by Soundstripe ---------------------------- Pep Talks on IG: @peptalksforartists Pep Talks Website: https://www.peptalksforartists.com/ Amy, your beloved host, on IG: @talluts Amy's website: https://www.amytalluto.com/ Pep Talks on Art Spiel as written essays: https://tinyurl.com/7k82vd8s BuyMeACoffee Donations always appreciated! --- Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/support
Welcome to the Instant Trivia podcast episode 1110, where we ask the best trivia on the Internet. Round 1. Category: That'S A Rap. With Rap in quotation marks 1: Go ahead, let your hair down reading the story of this princess locked in a tower. Rapunzel. 2: To descend a steep slope by rope. rappel. 3: Any bird of prey. raptor. 4: This 212-mile river flows into Chesapeake Bay. the Rappahannock. 5: Greedy and grasping, especially for money. rapacious. Round 2. Category: I Played Her In The Movie 1: Bad singer Florence Foster Jenkins. Meryl Streep. 2: Good singer Beca, a member of the Barden Bellas who is pitch perfect. Anna Kendrick. 3: Andy Sachs, assistant to the editor of a fashion magazine. (Anne) Hathaway. 4: Jenny Curran, Forrest Gump's beloved. Robin Wright. 5: Rachel Watson, the girl on the train. Emily Blunt. Round 3. Category: Reconstruction 1: Founded at the end of Reconstruction, Nicodemus in this "Sunflower State" was the 1st Black settlement west of the Mississippi. Kansas. 2: By the end of Reconstruction, production of this "king" crop in the South was nearly equal to pre-war levels. cotton. 3: This largest Tennessee city needed its own reconstruction after 1866 race riots there. Memphis. 4: Ironically, President Johnson opposed the 14th Amendment but this state was the first former Confederate state to pass it. Tennessee. 5: In 1872 the Union general this D.C. HBCU was named for wrote about "the cosmopolitan character of the university". Howard. Round 4. Category: Birth, Art, Death 1: Born Aug. 6, 1928 in Pittsburgh,"Mao",died Feb. 22, 1987. Andy Warhol. 2: Born 1606 in the Netherlands,"The Anatomy Lesson of Dr. Tulp",died 1669. Rembrandt. 3: Born 1834 in Massachusetts,"Arrangement in Grey and Black, No. 2: Thomas Carlyle", died 1903. Whistler. 4: Born 1912 in Wyoming,"Lavender Mist", died 1956 in East Hampton, New York. Pollock. 5: Born 1859 in Paris, "A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte"died 1891. (Georges) Seurat. Round 5. Category: Musical Prime Numbers 1: Prince:"2000 zero zero party over, oops, out of time, so tonight I'm gonna party like it's blank". 1999. 2: ABBA:"You are the dancing queen, young and sweet, only blank". 17. 3: Counting Crows:"In 1492 Columbus sailed the ocean blue, in blank he came home across the deep blue sea". 1493. 4: Foreigner:"Well I'm hot blooded, check it and see, got a fever of blank". 103. 5: Blink-182:"That's about the time she walked away from me, nobody likes you when you're blank". 23. Thanks for listening! Come back tomorrow for more exciting trivia!Special thanks to https://blog.feedspot.com/trivia_podcasts/ AI Voices used
At the Art Institute of Chicago, there is a large painting titled “A Sunday on La Grande Jatte” by Georges Seurat. It depicts 19th-century people relaxing by a river. However, upon closer inspection, you see that this is no ordinary painting! Seurat used a technique called pointillism, fashioning the image from thousands of tiny dots. While we may be tempted to skip past genealogies in the Bible, these lists of individual names come together to paint a larger picture of God's plan and faithfulness. This genealogy in Genesis 10 also communicated important truths for ancient Israel and for us today. In the ancient world, most societies traced their lineage directly to the beginning of the world and to the gods. They told stories of their founding that made them somehow better than all the other people in the world. In contrast, Genesis 10 describes the formation of most of the nations that existed in Israel's world: Egypt, Canaan, Assyria, the Philistines. Israel is not even mentioned in the chapter. There are two important points that follow from this. First, we are told that all the peoples of the world trace their origins back to Noah and Adam. Israel was not to view itself as superior because of their lineage. Nowhere in Scripture do we find an endorsement for racism or a sense of ethnic superiority. We are all connected in one great human family. Second, it should not surprise Israel that God cares for all the nations. As one theologian put it, “Prior to the particularity of God's call to Abram...we have the Table of Nations with its universal concern for nations and territories.” This concern for the nations is also reflected in Jesus' command to the church to “go and make disciples of all nations” (Matt. 28:19). Go Deeper Did you find any surprises in this genealogy? For further study, look up information on Egypt, Canaan, Assyria, and the Philistines on the internet or in a Bible encyclopedia!See omnystudio.com/listener for privacy information.
Lee Génesis 10:1–32 En el Instituto de Arte de Chicago hay un cuadro de gran tamaño titulado Un domingo en La Grande Jatte de Georges Seurat. Representa a personas del siglo XIX relajándose junto a un río. Sin embargo, tras una inspección más cercana, verás que no se trata de una pintura cualquiera. Seurat utilizó una técnica llamada puntillismo, modelando la imagen a partir de miles de pequeños puntos. Si bien podemos sentirnos tentados a saltarnos genealogías pasadas en la Biblia, estas listas de nombres individuales se combinan para pintar un panorama más amplio del plan y la fidelidad de Dios. Esta genealogía en Génesis 10 también comunicó verdades importantes para el antiguo Israel y para nosotros hoy. En el mundo antiguo, la mayoría de las sociedades remontaban su linaje directamente al principio del mundo y a los dioses. Contaron historias de su fundación que de alguna manera los hicieron mejores que todas las demás personas del mundo. En contraste, Génesis 10 describe la formación de la mayoría de las naciones que existieron en el mundo de Israel (Egipto, Canaán, Asiria y los filisteos). Sorprendentemente, Israel ni siquiera se menciona en el capítulo. De esto se desprenden dos puntos importantes. Primero, se nos dice que todos los pueblos del mundo remontan sus orígenes a Adán y Noé. Israel no debía verse a sí mismo como superior debido a su linaje. En ninguna parte de las Escrituras encontramos un respaldo al racismo o un sentido de superioridad étnica. Todos estamos conectados en una gran familia humana. En segundo lugar, no debería sorprender a Israel que Dios se preocupe por todas las naciones. Como lo expresó un teólogo, “antes de la particularidad del llamado de Dios a Abram . . . tenemos la mesa de las naciones con su preocupación universal por las naciones y territorios”. Esta preocupación por las naciones también se refleja en el mandato de Jesús a la iglesia de: “vayan y hagan discípulos de todas las naciones” (Mateo 28:19). ¿Encontraste alguna sorpresa en esta genealogía? Para profundizar tu estudio, busca información sobre Egipto, Canaán, Asiria y los filisteos en Internet o en una enciclopedia bíblica. Ora con nosotros Tú creaste las naciones y amas lo que has creado. Padre, llena nuestros corazones con Tu amor y preocupación por todos los pueblos y naciones. Conoces íntimamente a cada pueblo, tribu y nación.See omnystudio.com/listener for privacy information.
Último fin de semana del año y aquí está de nuevo “Un buen día para viajar” para acompañaros en los últimos coletazos del 2023…Dos horas de radio viajera del mejor nivel con Sara Moro desde el Bellas Artes de Asturias y con la Huida a Egipto como fondo artístico…Víctor Guerra culmina el regreso del peregrino desde Pintueles hasta Villaviciosa y nos lo narra con calidad de detalles…y Francisco Borge nos hace resumen de algunos de los múltiples temas tratados en esta sección de arte prerrománico a lo largo del año…gran segunda hora con un viaje a través de la historia de los volcanes más impresionantes y que dejaron huella en amplios sentidos, que no os dejará indiferentes, y contado por el gran Rubén López, Ingeniero Geógrafo perteneciente al Grupo de Vulcanología del Instituto Geográfico Nacional…y cierre con Jesús Manuel Morón, historiador del arte, guía oficial de Madrid y escritor que nos lleva al Paris de finales del siglo XIX, desde Claude Monet a Georges Seurat, pasando por Sargent, Manet, Renoir o Berthe Morisot, seguiremos los pasos de la inspiración creativa de estos genios que cambiaron el transcurso de la historia del arte a traves de su obra…dos horas de radio viajera en Rpa!!
Último fin de semana del año y aquí está de nuevo “Un buen día para viajar” para acompañaros en los últimos coletazos del 2023…Dos horas de radio viajera del mejor nivel con Sara Moro desde el Bellas Artes de Asturias y con la Huida a Egipto como fondo artístico…Víctor Guerra culmina el regreso del peregrino desde Pintueles hasta Villaviciosa y nos lo narra con calidad de detalles…y Francisco Borge nos hace resumen de algunos de los múltiples temas tratados en esta sección de arte prerrománico a lo largo del año…gran segunda hora con un viaje a través de la historia de los volcanes más impresionantes y que dejaron huella en amplios sentidos, que no os dejará indiferentes, y contado por el gran Rubén López, Ingeniero Geógrafo perteneciente al Grupo de Vulcanología del Instituto Geográfico Nacional…y cierre con Jesús Manuel Morón, historiador del arte, guía oficial de Madrid y escritor que nos lleva al Paris de finales del siglo XIX, desde Claude Monet a Georges Seurat, pasando por Sargent, Manet, Renoir o Berthe Morisot, seguiremos los pasos de la inspiración creativa de estos genios que cambiaron el transcurso de la historia del arte a traves de su obra…dos horas de radio viajera en Rpa!!
Último fin de semana del año y aquí está de nuevo “Un buen día para viajar” para acompañaros en los últimos coletazos del 2023…Dos horas de radio viajera del mejor nivel con Sara Moro desde el Bellas Artes de Asturias y con la Huida a Egipto como fondo artístico…Víctor Guerra culmina el regreso del peregrino desde Pintueles hasta Villaviciosa y nos lo narra con calidad de detalles…y Francisco Borge nos hace resumen de algunos de los múltiples temas tratados en esta sección de arte prerrománico a lo largo del año…gran segunda hora con un viaje a través de la historia de los volcanes más impresionantes y que dejaron huella en amplios sentidos, que no os dejará indiferentes, y contado por el gran Rubén López, Ingeniero Geógrafo perteneciente al Grupo de Vulcanología del Instituto Geográfico Nacional…y cierre con Jesús Manuel Morón, historiador del arte, guía oficial de Madrid y escritor que nos lleva al Paris de finales del siglo XIX, desde Claude Monet a Georges Seurat, pasando por Sargent, Manet, Renoir o Berthe Morisot, seguiremos los pasos de la inspiración creativa de estos genios que cambiaron el transcurso de la historia del arte a traves de su obra…dos horas de radio viajera en Rpa!!
Good News: The EU has agreed not to dump waste on poorer nations! Link HERE. The Good Word: Another lovely quote about happiness! Good To Know: More amazing facts about Disneyland… Good News: Ads for SUVs have been pulled in the UK, Link HERE. Wonderful World: Check out some of the amazing new developments at […]
In 1894, George Seurat began going out to an idyllic little island away from the urban center of Paris. It was a place where people of various classes would relax. While the image is of people at leisure, Seurat was anything but relaxed. He was a disciplined artist on a mission to create a work that would be significant in art history. He spent years developing this work. He made dozens of preparatory sketches to work out the composition and technique. While the 1890s was the heyday for Impressionists, Seurat was part of a new breed. Some consider him a post-impressionist or neo-Impressionist. Today his technique is called pointillism, but in his day, Seurat preferred the term divisionism. He was dividing the image into discrete bits, carefully painted, uniform dots of paint like pixels that make up our digital images. While his process was careful and hand-crafted, Seurat was fascinated by science. He developed his approach after reading the works of scientists like Michel Eugene Chevreul and Ogden Rood. One of the key concepts that Seurat latched onto had to do with how color is perceived in relation to its surroundings. Seurat read about the trouble restoring tapestries because they could not simply dye to match a piece, they had to account for surrounding colors. Seurat's idea was that by dividing the image into discrete dots of color, the painter could arrange combinations that would heighten the contrast and make the colors more vibrant. Seurat wanted to make his work even more vibrant by painting a frame of colored dots around the perimeter of his painting and that was offset by a clean white painted frame. Check out my other podcast Art Smart | Rainbow Putty Science Lab Who ARTed is an Airwave Media Podcast. If you are interested in advertising on this or any other Airwave Media show, email: advertising@airwavemedia.com Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte by Georges Seurat is one of my favorite paintings. A few years ago I had the pleasure of standing in front of this massive masterwork at the Art Institute of Chicago while having an expert show me a few of the painting hidden secrets. You may, if you grew up in the 80's like I did remember this painting from the 1986 moving Ferris Bueller's Day Off where Matthew Broderick's character skips school and, in one scene becomes lost in this painting. Seurat used a technique called pointillism to create his painting. Simply put pointillism is the of making dots of color lay side by side or on top of each other such that when you step back you don't see the original color or the dot but rather the mixture of color and the images created by the thousands of individual points. The experience of seeing “A Sunday Afternoon” up close versus stepping back and taking the painting in from a distance couldn't be more diametrically opposed. So, how does Seurat's painting, the technique he used an the simple act of laying one dot of color next to another teach us about how our brain works and how we can harness if for peak performance? That's what we will be exploring today on The EVOLVE Podcast. Follow Us! EVOLVE Insta: https://www.instagram.com/official_evolve_podcast/ Steve Cutler Insta: https://www.instagram.com/stevecutler_/ W Myles Reilly Insta: https://www.instagram.com/wmyles.reilly/ Twitter: https://twitter.com/stevecutler_ Web: https://www.evolve-cast.com The EVOLVE Podcast is produced by Steve Cutler, all rights reserved. The mission of the EVOLVE Podcast is to empower people to disrupt their lives to EVOLVE their body, mind, soul and tribe. Steve Cutler helps people and organizations Evolve to higher levels. As a coach and consultant Steve has helped hundreds of people and businesses improve processes and protocols that have led to skyrocketing performance. With over 20 years in health, fitness, tech and entrepreneurial ventures Steve brings a strong background in operations, marketing, sales, and financial performance. Currently Steve runs EVOLVE, a lifestyle clothing, coaching and consulting business. Steve is the host of the EVOLVE Podcast, a podcast that disrupts peoples lives leading them to greater growth and evolution. #evolve #evolvepodcast #stevecutler #disrupt
Suốt sự nghiệp cầm cọ, Vincent Van Gogh (1853-1890) không bán được một tác phẩm nào. Chỉ vài ngày sau khi có người mua tác phẩm đầu tiên, họa sĩ qua đời ở tuổi 37. Trong quãng đời ngắn ngủi, có lẽ hai năm ở Paris là giai đoạn thăng hoa trong sự nghiệp của họa sĩ đoản mệnh. Van Gogh gặp những người bạn mới, khám phá trường phái Ấn Tượng, định hình phong cách vẽ. Đến Paris vào đầu tháng 03/1886 sau thời gian dài bất định về sự nghiệp, bất ổn về cuộc đời, lận đận trong tình duyên, Van Gogh tìm bước khởi đầu mới ở Kinh đô Ánh sáng. Chuỗi thất bại của họa sĩ Hà Lan được Wouter van der Veen, người chuyên viết về nghệ thuật và là chuyên gia về Van Gogh, tóm lược trong chương trình của Culture Tube về Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Vào lúc Vincent Van Gogh bắt đầu vẽ, ông ở trong tình trạng khá là tuyệt vọng, bị rơi vào ngõ cụt. Ông buộc phải đưa ra chọn lựa đó. Ông từng muốn làm mục sư nhưng thất bại, từng muốn làm nhà buôn nghệ thuật nhưng cũng không thành, cuối cùng ông tâm sự trong một bức thư gửi em trai là những gì còn lại với ông, chỉ là chút khả năng vẽ phác thảo. Chính từ chút năng lực đó, ông quyết định tiếp tục cuộc sống và dấn thân vào một con đường mới, nơi ông hy vọng trở thành một nhà in thạch bản, người vẽ tranh minh họa, người vẽ phác thảo. Nhưng ban đầu, đó không phải tiếng gọi của nghệ thuật lớn lao, đặc trưng cho sự nghiệp của ông như chúng ta biết sau này”.Có lẽ sẽ không có một Vincent Van Gogh nổi tiếng nếu không có người em trai Théo của ông. Théo có tài kinh doanh, đến Paris làm việc từ năm 1881, được giao làm giám đốc một chi nhánh của Galerie Boussod, Valadon et Cie trên đại lộ Montmartre. Théo sống trong căn hộ nhỏ ở phố Victor Massé để tiện cho công việc. Hai tháng sau khi Vincent đến, họ chuyển sang căn hộ trong tòa nhà xây theo phong cách kiến trúc Haussman ở số 54 phố Lepic, ngay dưới chân đồi Montmartre. Théo là nguồn động viên không mệt mỏi cả về tài chính lẫn tinh thần cho Vincent, vì Théo giữ niềm tin vô hạn vào tài năng của anh trai.Những cuộc gặp mới ở MontmartreMontmartre vào Thời Kỳ Tươi Đẹp (Belle Epoque, 1871-1880) nổi tiếng là tụ điểm giải trí sành điệu. Quán rượu, cà phê thi nhau mọc lên từ năm 1888, thu hút giới tinh hoa Paris và những nghệ sĩ nổi tiếng đương thời. Nhưng bên cạnh đó, vẫn còn một Montmartre giữ nét hoang sơ, tồi tàn của những khu ổ chuột trước đó.Montmatre và Paris mở ra nhiều cơ hội cho họa sĩ Hà Lan : bạn bè mới nhờ những mối quan hệ của Théo, cơ hội triển lãm tranh, khám phá trường phái Ấn Tượng để rồi theo đuổi con đường này. Trong thư đề tháng 9 hoặc 10/1886 gửi Horace Mann Livens, bạn đồng môn năm 1885 ở Viện Hàn Lâm Mỹ Thuật Hoàng Gia Anvers (Bỉ), Vincent Van Gogh tỏ ra hào hứng với cuộc sống mới : “Paris là Paris, chỉ có một Paris và dù cuộc sống ở đây có khó khăn đến đâu... không khí Pháp làm đầu óc tỉnh táo và tốt lên”. (1)Van Gogh bắt đầu vẽ từ cửa sổ phòng ngủ trong căn hộ mới phóng tầm mắt khắp Paris, từ những bức chân dung tự họa đến những khu vườn quanh Montmartre và mỏ đá trắng. Ngay cuối năm 1886, họa sĩ Hà Lan tham gia Xưởng Vẽ Cormon (Atelier Cormon do Fernand Cormon thành lập năm 1883 tại 104 đại lộ Clichy, Paris), nơi đánh dấu những thay đổi mang tính quyết định cho sự nghiệp của ông. Vincent học vẽ khỏa thân, làm quen với những họa sĩ trẻ như Emile Bernard và Henri de Toulouse-Lautrec.Qua giới thiệu của Théo, Vincent gặp nhiều nghệ sĩ nổi tiếng khác, Georges Seurat, Camille Pissaro, Paul Gauguin và Paul Cézanne. Họa sĩ Hà Lan hòa mình vào cuộc sống nghệ thuật sôi động của thành phố, thường xuyên đi xem triển lãm của Degas, Monet, Renoir và Sisley. Được truyền cảm hứng vẽ trực tiếp ngoài trời, ông không ngại vác giá vẽ ra khỏi đồi Montmartre và Paris để đến các vùng ngoại ô Asnières-sur-Seine, rừng Boulogne hay đảo Grande Jatte ở vùng Hauts-de-Seine hiện nay, kinh nghiệm mà theo tâm sự của ông trong thư gửi người bạn Bernard là “người ta không thể học vẽ được nếu chỉ ở trong xưởng vẽ của mình”.Chuyên gia về nghệ thuật Pascal Bonafoux nhận định trong chương trình của Culture Tube : “Giữa một bên là phòng trưng bày tranh Boussod, Valadon et Cie do Théo quản lý và bên kia là cửa hàng của Cha Tanguy, người ta đoán về cơ bản là Vincent khám phá ra trường phái Ấn Tượng. Chưa bao giờ ông ấy nhìn thấy bóng của một bức tranh như thế. Theo tôi, trong gần hai năm sống ở Paris là quãng thời gian Vincent Van Gogh thực sự tạo cho mình những cách sáng tạo ra một Vincent Van Gogh và để tạo ra sự độc đáo, có một không hai, sự kỳ dị trong tranh của ông”.Cha Tanguy (Père Tanguy) là một nhân vật quan trọng trong đời sống nghệ thuật của khu vực, là ân nhân của rất nhiều họa sĩ trẻ nhưng nghèo, kể cả Monet và Pissarro thời đó. Cửa hàng Cha Tanguy có đủ loại màu vẽ và thường bán chịu. Van Gogh cũng nằm trong số những họa sĩ gán nợ bằng tranh. Để cảm ơn “người bạn lớn”, Van Gogh đã vẽ Chân dung Cha Tanguy (Portrait du père Tanguy, 1887), chưa đầy một năm sau bức tự họa khi mới đến Paris.Thấm nhuần trường phái Ấn TượngChính những bức chân dụng tự họa cho thấy rõ độ mở nghệ thuật của ông. Mọi nghiên cứu về phong cách và mầu sắc đều được ông thể hiện trong những bức chân dung tự họa này, theo giải thích của chương trình Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Những bức tự họa đầu tiên được vẽ trong các mầu xám và mầu hạt dẻ nhanh chóng nhường chỗ cho các mầu vàng, đỏ, xanh lá cây và xanh dương. Kỹ thuật cầm cọ của ông cũng bắt đầu giống kỹ thuật không ngắt đoạn của các họa sĩ trường phái Ấn Tượng. Ông viết cho một người em gái : “Ý định của anh là cho thấy rằng người ta có thể vẽ nhiều bức tranh hoàn toàn khác nhau về cùng một người” (bức Tự họa đội mũ rơm (Autoportrait au chapeau de paille, 1887). Cho dù các ảnh hưởng xuất hiện trong tác phẩm của Van Gogh là đương thời hay truyền thống, chúng đều được thể hiện trong ngôn từ nghệ thuật của riêng ông”.Paris và cuộc gặp với trường phái Ấn Tượng, rồi hậu Ấn Tượng đã khiến bảng mầu của Van Gogh được mở rộng, sáng hơn, sống động hơn so với những bức tranh u tối, sầu não lúc còn ở Hà Lan và Bỉ. Sự thay đổi này được chính họa sĩ giải thích trong thư gửi em gái : “Điều mà người ta yêu cầu trong nghệ thuật ngày này, đó là điều gì đó thật sống động, rực rỡ, nồng nàn”.Sự sôi động trong tác phẩm Đại lộ Clichy (Boulevard de Clichy, 1887) là nhờ nét vẽ bớt cứng nhắc hơn, với hai gam mầu chủ đạo là tím và xanh. Những mầu sắc tươi sáng khác cũng được Van Gogh vận dụng vào tác phẩm Những vườn rau ở Montmartre (Jardins potagers à Montmartre, 1887), Sông Seine và cây cầu Grande Jatte (La Seine avec le pont de la Grande Jatte, 1887), Cây và rừng (Arbre et sous-bois, 1887), Công viên vào xuân (Parc au printemps, 1887)…Tranh của Van Gogh còn có ảnh hưởng từ cách chấm mầu của Paul Signac. Nghệ thuật Nhật Bản - niềm đam mê của các họa sĩ thời đó - hiện rõ trong hơn 30 bức vẽ tĩnh vật hoa, qua cách ông sử dụng những phối cảnh đậm và các mẫu trang trí phẳng, điểm thêm các tông màu đỏ đậm, để “cố thể hiện cường độ mầu sắc”.“Có thể thấy được sự tiến bộ rõ rệt trong cách vẽ của Van Gogh từ 1886-1888 qua ba bức chân dung. Chân dung một người đàn ông năm 1886 tiếp nối loạt chân dung sâu kín và thống thiết trong thời kỳ đầu của Van Gogh ở Nuenen. Bức chân dung Alexander Red được vẽ vào mùa xuân năm 1887 sử dụng cách phối mầu và kỹ thuật vẽ tương đối khác. Tháng 12/1887, Van Gogh vẽ Cô gái Ý (L'Italienne), được coi là bước ngoặt nghệ thuật của họa sĩ ở hai chiều và chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Nhật Bản, trong đó các màu sắc và đường nét tạo giá trị riêng biệt, ngoài thực tế”.Vận đen đeo bámVan Gogh trưng bày tranh ở các phòng tranh của bạn bè, các quán cà phê và nhà hàng, nơi trở thành điểm giao lưu, trao đổi của họa sĩ. Không ngạc nhiên khi Van Gogh vẽ chân dung khổ lớn chủ một nhà hàng lúc đó, có thể là Lucien Martin, ông chủ của quán Grand Bouillon, nơi họa sĩ Hà Lan trưng bày tranh. Van Gogh vẽ hơn 200 tác phẩm trong hai năm ở Paris. Thế nhưng không ai đoái hoài đến tranh của ông. Đen đủi vẫn đeo bám Van Gogh, như lúc ông còn ở Hà Lan hay Bỉ. Chuyên gia Pascal Bonafoux giải thích :“Hãy hình dung là vào thời kỳ mà tranh lịch sử vẫn được coi là hội họa chân chính, tranh chân dung là thể loại lớn… Còn đối với Van Gogh , một cành hoa, một chiếc giầy, một củ khoai tây cũng quan trọng như vậy. Dù chưa biết nhưng họa sĩ đã tham gia vào phong trào sau này là trở thành trường phái Ấn Tượng, lúc đó đã thịnh hành được khoảng 10 năm, và từng bước loại dần hội họa phân cấp đối tượng. Điều này đặc biệt quan trọng”.Những tác phẩm quan trọng nhất thuộc sở hữu của Théo, còn những bức khác thì làm quà tặng hoặc bị ăn trộm. Một vài tác phẩm được họa sĩ bán rẻ cho người buôn nghệ thuật. Vincent Van Gogh chán thành phố đang dần khiến ông ngột ngạt. Ông viết cho em gái Wilhemina, “Paris lớn như biển nhưng người ta luôn để ở đó một mảnh lớn cuộc đời”. Quyết định tìm đến thiên nhiên, tháng 02/1888, họa sĩ ôm đầy hoài bão chuyển xuống thành phố Arles, miền nam Pháp.Thế nhưng Van Gogh vẫn phải đối mặt với thực tế : tranh của ông không bán được. Đổi lại, Théo an ủi trong thư đề ngày 27/10/1888 là “anh đã tạo được cho chúng ta một mạng lưới nghệ sĩ và bạn bè, điều mà em hoàn toàn không thể làm được, vậy mà anh đã làm được phần nào từ khi anh ở Pháp”.Chán nản, kiệt quệ, bệnh tật có lẽ dần bào mòn sức lực của họa sĩ. Ông qua đời ở tuổi 37 vào lúc mà nỗ lực của ông cuối cùng cũng được biết đến, theo giải thích của Wouter van der Veen, chuyên gia về Van Gogh : “Sáu tháng trước khi qua đời (ở Auvers-sur-Oise, ngoại ô Paris), công việc của Vincent Van Gogh thu hút sự chú ý của một nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng. Người này viết trong tạp chí Mercure de France một bài báo dài gần 17 trang để giải thích công việc của họa sĩ Hà Lan này tuyệt vời đến nhường nào”.(1) Bảo tàng Van Gogh, Hà Lan
Suốt sự nghiệp cầm cọ, Vincent Van Gogh (1853-1890) không bán được một tác phẩm nào. Chỉ vài ngày sau khi có người mua tác phẩm đầu tiên, họa sĩ qua đời ở tuổi 37. Trong quãng đời ngắn ngủi, có lẽ hai năm ở Paris là giai đoạn thăng hoa trong sự nghiệp của họa sĩ đoản mệnh. Van Gogh gặp những người bạn mới, khám phá trường phái Ấn Tượng, định hình phong cách vẽ. Đến Paris vào đầu tháng 03/1886 sau thời gian dài bất định về sự nghiệp, bất ổn về cuộc đời, lận đận trong tình duyên, Van Gogh tìm bước khởi đầu mới ở Kinh đô Ánh sáng. Chuỗi thất bại của họa sĩ Hà Lan được Wouter van der Veen, người chuyên viết về nghệ thuật và là chuyên gia về Van Gogh, tóm lược trong chương trình của Culture Tube về Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Vào lúc Vincent Van Gogh bắt đầu vẽ, ông ở trong tình trạng khá là tuyệt vọng, bị rơi vào ngõ cụt. Ông buộc phải đưa ra chọn lựa đó. Ông từng muốn làm mục sư nhưng thất bại, từng muốn làm nhà buôn nghệ thuật nhưng cũng không thành, cuối cùng ông tâm sự trong một bức thư gửi em trai là những gì còn lại với ông, chỉ là chút khả năng vẽ phác thảo. Chính từ chút năng lực đó, ông quyết định tiếp tục cuộc sống và dấn thân vào một con đường mới, nơi ông hy vọng trở thành một nhà in thạch bản, người vẽ tranh minh họa, người vẽ phác thảo. Nhưng ban đầu, đó không phải tiếng gọi của nghệ thuật lớn lao, đặc trưng cho sự nghiệp của ông như chúng ta biết sau này”.Có lẽ sẽ không có một Vincent Van Gogh nổi tiếng nếu không có người em trai Théo của ông. Théo có tài kinh doanh, đến Paris làm việc từ năm 1881, được giao làm giám đốc một chi nhánh của Galerie Boussod, Valadon et Cie trên đại lộ Montmartre. Théo sống trong căn hộ nhỏ ở phố Victor Massé để tiện cho công việc. Hai tháng sau khi Vincent đến, họ chuyển sang căn hộ trong tòa nhà xây theo phong cách kiến trúc Haussman ở số 54 phố Lepic, ngay dưới chân đồi Montmartre. Théo là nguồn động viên không mệt mỏi cả về tài chính lẫn tinh thần cho Vincent, vì Théo giữ niềm tin vô hạn vào tài năng của anh trai.Những cuộc gặp mới ở MontmartreMontmartre vào Thời Kỳ Tươi Đẹp (Belle Epoque, 1871-1880) nổi tiếng là tụ điểm giải trí sành điệu. Quán rượu, cà phê thi nhau mọc lên từ năm 1888, thu hút giới tinh hoa Paris và những nghệ sĩ nổi tiếng đương thời. Nhưng bên cạnh đó, vẫn còn một Montmartre giữ nét hoang sơ, tồi tàn của những khu ổ chuột trước đó.Montmatre và Paris mở ra nhiều cơ hội cho họa sĩ Hà Lan : bạn bè mới nhờ những mối quan hệ của Théo, cơ hội triển lãm tranh, khám phá trường phái Ấn Tượng để rồi theo đuổi con đường này. Trong thư đề tháng 9 hoặc 10/1886 gửi Horace Mann Livens, bạn đồng môn năm 1885 ở Viện Hàn Lâm Mỹ Thuật Hoàng Gia Anvers (Bỉ), Vincent Van Gogh tỏ ra hào hứng với cuộc sống mới : “Paris là Paris, chỉ có một Paris và dù cuộc sống ở đây có khó khăn đến đâu... không khí Pháp làm đầu óc tỉnh táo và tốt lên”. (1)Van Gogh bắt đầu vẽ từ cửa sổ phòng ngủ trong căn hộ mới phóng tầm mắt khắp Paris, từ những bức chân dung tự họa đến những khu vườn quanh Montmartre và mỏ đá trắng. Ngay cuối năm 1886, họa sĩ Hà Lan tham gia Xưởng Vẽ Cormon (Atelier Cormon do Fernand Cormon thành lập năm 1883 tại 104 đại lộ Clichy, Paris), nơi đánh dấu những thay đổi mang tính quyết định cho sự nghiệp của ông. Vincent học vẽ khỏa thân, làm quen với những họa sĩ trẻ như Emile Bernard và Henri de Toulouse-Lautrec.Qua giới thiệu của Théo, Vincent gặp nhiều nghệ sĩ nổi tiếng khác, Georges Seurat, Camille Pissaro, Paul Gauguin và Paul Cézanne. Họa sĩ Hà Lan hòa mình vào cuộc sống nghệ thuật sôi động của thành phố, thường xuyên đi xem triển lãm của Degas, Monet, Renoir và Sisley. Được truyền cảm hứng vẽ trực tiếp ngoài trời, ông không ngại vác giá vẽ ra khỏi đồi Montmartre và Paris để đến các vùng ngoại ô Asnières-sur-Seine, rừng Boulogne hay đảo Grande Jatte ở vùng Hauts-de-Seine hiện nay, kinh nghiệm mà theo tâm sự của ông trong thư gửi người bạn Bernard là “người ta không thể học vẽ được nếu chỉ ở trong xưởng vẽ của mình”.Chuyên gia về nghệ thuật Pascal Bonafoux nhận định trong chương trình của Culture Tube : “Giữa một bên là phòng trưng bày tranh Boussod, Valadon et Cie do Théo quản lý và bên kia là cửa hàng của Cha Tanguy, người ta đoán về cơ bản là Vincent khám phá ra trường phái Ấn Tượng. Chưa bao giờ ông ấy nhìn thấy bóng của một bức tranh như thế. Theo tôi, trong gần hai năm sống ở Paris là quãng thời gian Vincent Van Gogh thực sự tạo cho mình những cách sáng tạo ra một Vincent Van Gogh và để tạo ra sự độc đáo, có một không hai, sự kỳ dị trong tranh của ông”.Cha Tanguy (Père Tanguy) là một nhân vật quan trọng trong đời sống nghệ thuật của khu vực, là ân nhân của rất nhiều họa sĩ trẻ nhưng nghèo, kể cả Monet và Pissarro thời đó. Cửa hàng Cha Tanguy có đủ loại màu vẽ và thường bán chịu. Van Gogh cũng nằm trong số những họa sĩ gán nợ bằng tranh. Để cảm ơn “người bạn lớn”, Van Gogh đã vẽ Chân dung Cha Tanguy (Portrait du père Tanguy, 1887), chưa đầy một năm sau bức tự họa khi mới đến Paris.Thấm nhuần trường phái Ấn TượngChính những bức chân dụng tự họa cho thấy rõ độ mở nghệ thuật của ông. Mọi nghiên cứu về phong cách và mầu sắc đều được ông thể hiện trong những bức chân dung tự họa này, theo giải thích của chương trình Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Những bức tự họa đầu tiên được vẽ trong các mầu xám và mầu hạt dẻ nhanh chóng nhường chỗ cho các mầu vàng, đỏ, xanh lá cây và xanh dương. Kỹ thuật cầm cọ của ông cũng bắt đầu giống kỹ thuật không ngắt đoạn của các họa sĩ trường phái Ấn Tượng. Ông viết cho một người em gái : “Ý định của anh là cho thấy rằng người ta có thể vẽ nhiều bức tranh hoàn toàn khác nhau về cùng một người” (bức Tự họa đội mũ rơm (Autoportrait au chapeau de paille, 1887). Cho dù các ảnh hưởng xuất hiện trong tác phẩm của Van Gogh là đương thời hay truyền thống, chúng đều được thể hiện trong ngôn từ nghệ thuật của riêng ông”.Paris và cuộc gặp với trường phái Ấn Tượng, rồi hậu Ấn Tượng đã khiến bảng mầu của Van Gogh được mở rộng, sáng hơn, sống động hơn so với những bức tranh u tối, sầu não lúc còn ở Hà Lan và Bỉ. Sự thay đổi này được chính họa sĩ giải thích trong thư gửi em gái : “Điều mà người ta yêu cầu trong nghệ thuật ngày này, đó là điều gì đó thật sống động, rực rỡ, nồng nàn”.Sự sôi động trong tác phẩm Đại lộ Clichy (Boulevard de Clichy, 1887) là nhờ nét vẽ bớt cứng nhắc hơn, với hai gam mầu chủ đạo là tím và xanh. Những mầu sắc tươi sáng khác cũng được Van Gogh vận dụng vào tác phẩm Những vườn rau ở Montmartre (Jardins potagers à Montmartre, 1887), Sông Seine và cây cầu Grande Jatte (La Seine avec le pont de la Grande Jatte, 1887), Cây và rừng (Arbre et sous-bois, 1887), Công viên vào xuân (Parc au printemps, 1887)…Tranh của Van Gogh còn có ảnh hưởng từ cách chấm mầu của Paul Signac. Nghệ thuật Nhật Bản - niềm đam mê của các họa sĩ thời đó - hiện rõ trong hơn 30 bức vẽ tĩnh vật hoa, qua cách ông sử dụng những phối cảnh đậm và các mẫu trang trí phẳng, điểm thêm các tông màu đỏ đậm, để “cố thể hiện cường độ mầu sắc”.“Có thể thấy được sự tiến bộ rõ rệt trong cách vẽ của Van Gogh từ 1886-1888 qua ba bức chân dung. Chân dung một người đàn ông năm 1886 tiếp nối loạt chân dung sâu kín và thống thiết trong thời kỳ đầu của Van Gogh ở Nuenen. Bức chân dung Alexander Red được vẽ vào mùa xuân năm 1887 sử dụng cách phối mầu và kỹ thuật vẽ tương đối khác. Tháng 12/1887, Van Gogh vẽ Cô gái Ý (L'Italienne), được coi là bước ngoặt nghệ thuật của họa sĩ ở hai chiều và chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Nhật Bản, trong đó các màu sắc và đường nét tạo giá trị riêng biệt, ngoài thực tế”.Vận đen đeo bámVan Gogh trưng bày tranh ở các phòng tranh của bạn bè, các quán cà phê và nhà hàng, nơi trở thành điểm giao lưu, trao đổi của họa sĩ. Không ngạc nhiên khi Van Gogh vẽ chân dung khổ lớn chủ một nhà hàng lúc đó, có thể là Lucien Martin, ông chủ của quán Grand Bouillon, nơi họa sĩ Hà Lan trưng bày tranh. Van Gogh vẽ hơn 200 tác phẩm trong hai năm ở Paris. Thế nhưng không ai đoái hoài đến tranh của ông. Đen đủi vẫn đeo bám Van Gogh, như lúc ông còn ở Hà Lan hay Bỉ. Chuyên gia Pascal Bonafoux giải thích :“Hãy hình dung là vào thời kỳ mà tranh lịch sử vẫn được coi là hội họa chân chính, tranh chân dung là thể loại lớn… Còn đối với Van Gogh , một cành hoa, một chiếc giầy, một củ khoai tây cũng quan trọng như vậy. Dù chưa biết nhưng họa sĩ đã tham gia vào phong trào sau này là trở thành trường phái Ấn Tượng, lúc đó đã thịnh hành được khoảng 10 năm, và từng bước loại dần hội họa phân cấp đối tượng. Điều này đặc biệt quan trọng”.Những tác phẩm quan trọng nhất thuộc sở hữu của Théo, còn những bức khác thì làm quà tặng hoặc bị ăn trộm. Một vài tác phẩm được họa sĩ bán rẻ cho người buôn nghệ thuật. Vincent Van Gogh chán thành phố đang dần khiến ông ngột ngạt. Ông viết cho em gái Wilhemina, “Paris lớn như biển nhưng người ta luôn để ở đó một mảnh lớn cuộc đời”. Quyết định tìm đến thiên nhiên, tháng 02/1888, họa sĩ ôm đầy hoài bão chuyển xuống thành phố Arles, miền nam Pháp.Thế nhưng Van Gogh vẫn phải đối mặt với thực tế : tranh của ông không bán được. Đổi lại, Théo an ủi trong thư đề ngày 27/10/1888 là “anh đã tạo được cho chúng ta một mạng lưới nghệ sĩ và bạn bè, điều mà em hoàn toàn không thể làm được, vậy mà anh đã làm được phần nào từ khi anh ở Pháp”.Chán nản, kiệt quệ, bệnh tật có lẽ dần bào mòn sức lực của họa sĩ. Ông qua đời ở tuổi 37 vào lúc mà nỗ lực của ông cuối cùng cũng được biết đến, theo giải thích của Wouter van der Veen, chuyên gia về Van Gogh : “Sáu tháng trước khi qua đời (ở Auvers-sur-Oise, ngoại ô Paris), công việc của Vincent Van Gogh thu hút sự chú ý của một nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng. Người này viết trong tạp chí Mercure de France một bài báo dài gần 17 trang để giải thích công việc của họa sĩ Hà Lan này tuyệt vời đến nhường nào”.(1) Bảo tàng Van Gogh, Hà Lan
Within the framework of mokuhanga, you have the freedom to go anywhere, try anything and explore so many places with your own work. The skies the limit. Whether through colour, shapes, size, or technique, you are able to explore as far as you want. On this episode of the Unfinished Print, I speak with mokuhanga printmaker, teacher and artist Kate MacDonagh. Based in Dublin, Kate's mokuhanga live in the ethereal, through colour and shape, making abstract work which engages and attracts. Kate speaks to me about her artistic background, gallery experience, teaching and the adaptation of mokuhanga. We discuss the mokuhanga aesthetic, bad days and believing in yourself, local shopping for your materials, abstraction and colour, the spiritual realm, and residencies and travel. Please follow The Unfinished Print and my own mokuhanga work on Instagram @andrezadoroznyprints or email me at theunfinishedprint@gmail.com Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Artists works follow after the note. Pieces are mokuhanga unless otherwise noted. Kate MacDonagh - website, Instagram Cadence - diptych Museum of Fine Arts, Boston - is an art museum located in Boston, Massachusetts, USA and was founded in 1870. With over 450,000 works in the museum, the MFA is one of the most distinguished museums in the world. In regards to mokuhanga, the MFA has had a long relationship with the Japanese woodblock print starting from the late 19th century. It was the first museum in the US to develop a Japanese art collection, and with the help of major donations the MFA developed one of the most important Japanese print collections in the world. More information about the museum can be found, here. Information regarding their Japanese collection can be found, here. To browse some of their digitized collection, here. ukiyo-e - is a multi colour woodblock print generally associated with the Edo Period (1603-1867) of Japan. What began in the 17th Century as prints of only a few colours, evolved into an elaborate system of production and technique into the Meiji Period (1868-1912). With the advent of photography and other forms of printmaking, ukiyo-e as we know it today, ceased production by the late 19th Century. The National Print Museum - one of a kind in Ireland, is a print museum located in Dublin. It was founded in 1996 and is a registered charity focusing on education. More info about the museum can be found, here. Debra Bowden - is a mokuhanga printmaker, bookbinder, and artist based in Thomastown (Grennan), Ireland. She conducts mokuhanga workshops in and around Ireland. About all I could find of her is through Facebook, although that hasn't been updated since 2018. Her website doesn't seem to exist any longer. You can find her Facebook page, here. Tangent Script I Nagasawa Art Park (MI Lab) Awaji City - Nagasawa Art Park was an artist-in-residence program located in Awaji City, Hyōgo Prefecture, Japan. It was open for 12 years before evolving into MI Lab in 2012. More info, here. Robert Blackburn (1920-2003) - was an African American printmaker based in New York City. His lithogrpahy work represented his life experiences, being influenced by the Harlem Renaissance, and American society at large. His studio and his workshop in Chelsea attracted artists from around the world. More information about Robert Blackburn, his life and work can be found here from the Smithsonian, and here, from The Elizabeth Foundation for the Arts where the Robert Blackwell Printmaking Workshop Program continues today. Color Symphony (1960) - lithograph The Kentler International Drawing Space - is an art gallery located in Red Hook, Brooklyn, New York. It has hosted several mokuhanga centred exhibitions. The most recent was Between Worlds as hosted by The Mokuhanga Sisters, from July 17 - July 31, 2022. More info, here. Keiko Kadota (1942-2017) - was the director of Nagasawa Art Park at Awaji City from 1997-2011, and then of MI Lab at Lake Kawaguchi from 2011 until her passing. MI Lab - is a mokuhanga residency located in Kawaguchi-ko, near Mount Fuji. More info can be found, here. Graphic Studio, Dublin - is a printmakers studio located in Dublin, Ireland. The studio was established in 1960 as a space for printmakers to share ideas and their works. The gallery was established in 1980 as Dublin's first fine art gallery. It is a space where printmakers are able to work in a subsidized environment with the freedom to create work. Kate has been on the Board of Directors since 2019. More info about the Graphic Studio can be found, here. gomazuri - is a mokuhanga technique where slight pressure is used with pigments too make a “spotty” image, what look like sesame seeds. It can add depth to your prints. sōsaku-hanga - or creative prints, is a style of printmaking which is predominantly, although not exclusively, prints made by one person. It started in the early twentieth century in Japan, in the same period as the shin-hanga movement. The artist designs, carves, and prints their own works. The designs, especially in the early days, may seem rudimentary but the creation of self-made prints was a breakthrough for printmakers moving away from where only a select group of carvers, printers and publishers created woodblock prints. kizuki kozo - is a handmade Japanese paper with many uses. Of a moderate weight and cooked with caustic soda. It's widely available. Ozu Washi - is a paper store located in the Nihonbashi district of Tokyo. website, Instagram Chester Beatty Museum - is a museum and library founded by the American-British philanthropist Sir Alfred Chester Beatty (1875-1968). He was made an honourary citizen of Ireland in 1957. The museum is located in Dublin Castle. More info can be found, here. Rebecca Salter - is the President of The Royal Academy of Arts, in London, England. She is also an artist who has written two books about Japanese woodblock printing, Japanese Woodblock Printing (2001), and Japanese Popular Prints (2006). She worked with the Satō Woodblock Print Workshop, documenting their process. Her interview with The Unfinished Print can be found, here. 2017-12 (mixed media on paper 20 ½ x 20 ½ ins) [2017] shina - is a type of Japanese plywood used in mokuhanga. Not all shina is made equally, buyer beware. Lucy May Schofield - is a printmaker, photographer, and scroll maker (kakemono, 掛物) and is based in England. website, Instagram. Lucy's interview with The Unfinished Print can be found, here. The Blue Between Us The Mokuhanga Sisters - are a mokuhanga collective consisting of Yoonmi Nam, Mariko Jesse, Lucy May Schofield, Melissa Schulenberg, Kate MacDonagh, Katie Baldwin, Mia-O, Patty Hudak, and Natasha Norman. Instagram Yoonmi Nam (b. 1974) - is a contemporary mokuhanga printmaker, lithographer, sculptor, and teacher, based in Lawrence, Kansas. Her work can be found, here. Her interview with The Unfinished Print can be found, here. Book of Bamboo (2020 - 8 3/5 × 12 1/5 in | 21.8 × 31 cm) Melissa Schulenberg - is a woodblock printmaker and professor of Art and Art History at St. Lawrence University, Canton, NY. Some of her work can be found on her website, here. Stumps (reduction) 23.6 x 16 in Katie Baldwin - is a contemporary mokuhanga printmaker, illustrator, book maker, and artist based in Huntsville, Alabama. Her work can be found, here. Her interview with The Unfinished Print can be found, here. Outside (2012 - woodblock and letterpress) Between Worlds - was a mokuhanga specific show hosted by the Kentler International Drawing Space from July 17 - July 31, 2022. bokashi - is a Japanese term associated with the gradation of water into ink. There are several types of bokashi. For more information regarding these types of bokashi please check out Professor Claire Cuccio's lecture called “A Story in Layers,” for the Library of Congress, and the book Japanese Printmaking by Tōshi Yoshida, and Rei Yuki. Below are the following types of bokashi. This is from the Yoshida book: ichimonji bokashi - straight line gradation ichimonji mura bokashi - straight line gradation with an uneven edg. Ō-bokashi - a gradual shading over a wide area atenashi bokashi - gradation without definition futairo bokashi - two tone gradation Northumberland, Britain - is a county located in the northernmost area of Britain. It shares a border with Scotland. It is known for its nature, industry, castles, and history. More info, here. Centre Culturel Irelandais - is located in Paris, France. It is a cultural center for Irish culture and events in France. There are artist in residence programs, exhibtions, concerts and more. For information regarding the CCI in Paris, here. Georges Seurat (1859-1891) - was one of the pioneers of Neo Impressionism, a term coined by art critic Félix Fénéon (1861-1944). Seurat used Pointillism, where different colours are dabbed on various areas of the canvas and it is through the eyes that colour blends together. Through these new ideas, as well as the concept of Divisionism, the Neo Impressionists created a new way of seeing the canvas. Deeply rooted in the “science” of painting, Seurat attempted successfully to blend the past and his present through painting, during his short life. The Harbour of Honfleur (1886) oil on canvas Musée d'Orsay - located in Paris, France the Musée d'Orsay is an art museum established in 1986. Mostly holding and exhibiting French art from the years 1848-1914, the MO conatins many Impressionist and Post Impressionsit paintings and works. More info can be found, here. Sligo, Ireland - is a town with a population of 19,199, located in County Sligo, in the province of Connacht in Ireland. it is the final resting place of poet YB Yeats (1865-1939) More info can be found, here. nori - is a type of paste made from starch. It is used when making mokuhanga. You can make nori from any type of material made from starch. For instance, paste can be made with tapioca, rice, corn, even potato. You can purchase nori pretty much anywhere but making it is more environmentally friendly. Laura Boswell has a great recipe, here. mokuhanga in the 1950's and 1960's - Japanese woodblock printmaking became quite popular after World War II. With Japan growing exponentially post war, through industry and art, the independent philosphy that the West perpetuated began to filter into the Jpaanese art world. Sōsaku hanga became increadingly popular where there is only one carver, printer and draughtsman. These prints touched on various themes, but especially in the abstract. Artists such as Shigeru Hatsuyama (1897-1973), and Kiyoshi Saitō (1907-1997) spring to mind, who created a new kind of mokuhanga by using various techniques, colours, and sizes that were unique and expressive. Oliver Statler's book, written in 1956, Modern Japanese Prints : An Art Reborn, was published because the art form was growing so quickly. It is a great summary on the sōsaku hanga movement during that time. Nymphs (Birds and Flowers) by Shigeru Hatsuyama House in Aizu (1972) by Kiyoshi Saitō hangitō - a Japanese carving knife which is primarily used for mokuhanga and comes in a variety of blade sizes. McClains has a varied assortment, here. kentō - is the registration system used by printmakers in order to line up the colour woodblocks with your key block, or outline block, carved first. nikawa - this definition from the Yamatane Museum of Art in Tōkyō is the perfect definition of nikawa, better than I could ever write. I've included it here, verbatim, describing how nikawa is used in nihon-ga painting, A gelatin made by boiling and extracting protein from skins and bones of animals and fish, it has long been used as an adhesive. Since the pigments used in nihonga have no adhesive strength, the use of nikawa is needed to fix them to the surface of the painting. The two types commonly used now are shika nikawa (industrially processed from cow skin, bones, and tendons) and sanzenbon (which is made by hand, of the same materials). gum arabic - is a sap from two types of Acacia tree. In art it is used as a binder for pigments which creates viscosity (depending on how much or little is applied to your pigments) for your watercolours and oils. Rachel Levitas has a fine description on how she uses gum arabic in her work, here. Holbein - is a pigment company with offices located in Japan, The United States, and Canada. They offer high end gouache, watercolour, and pigment pastes. sumi - is a rich black stick, or liquid used by artists, calligraphers, and traditional Japanese horimono tattoo artists. It is made from the soot of burnt lamp oil. Used in key blocks predominantly in traditional mokuhanga, it can also be used to mix pigments. Pigment Tōkyō conducts a great interview with their chief of pigments, Kei Iwaizumi, about sumi ink, here. International Mokuhanga Conference - is a bi-yearly conference dedicated to mokuhanga which started in 2011 by the International Mokuhanga Association. Each conference is themed. The latest conference was in 2021, delayed a year because of the pandemic. More information can be found, here. Mariko Jesse - is an illustrator, and mokuhanga printmaker who splits her time in Tōkyō, London, and California. Her work can be found, here. Mariko is also a part of the collective, wood+paper+box, which can be found, here. Two Frogs Six Leaves Patty Hudak - is an American artist who splits her time between Vermont and NYC, who works in installation, and mokuhanga. She has travelled the world, and is a part of three artist collectives. Patty's interview with The Unfinished Print can be found, here. Force of Nature 1 print panels - artworks, like woodblock prints, can come in various numbers of panels. Single panel is one print, diptychs are two panels, triptychs are three panels, quadriptych is four panels, pentaptych is five panels. The Art Institute of Chicago - is an art museum located in Chicago, Illinois, USA. Founded both as a school and a museum of fine arts in 1879. It is built on the debris from the Great Chicago Fire of 1871. Its research library was opened in 1901 and the new wing was opened in 2009. More information about the AIC's history can be found on their website, here. Recollections of Tokyo: 1923-1945 - was a mokuhanga and lithography print show held at The Art Institute of Chicago from July 2 - September 25, 2022. It showed works by U'nichi Hiratsuka (1895-1997), Kawakami Sumio (1895-1972), Oda Kazuma (1882-1956) amongst others. More info can be found, here. Paul Furneaux - is a Scottish born mokuhanga printmaker and teacher who uses the medium of mokuhanga creating pieces of work that are third dimensional, abstract and sculptural. Lewis: Orange Black (2020) 135 x 183 x 5 cm mokuhanga stretched over three aluminium panels coated with resin coating Lascaux UV Spray coating - is a UV protecting archival varnish produced by Lascaux, a manufacturer of artist materials since 1963. This is the product used by mokuhanga artist Paul Furneaux for some of his works. More info about their products can be found on their website, here. Lafcadio Hearn (1850-1904) - also known as Koizumi Yakumo, was an Irish/Greek/Japanese author, translator, and teacher of Japanese culture and customs to the West. He spent a portion of his life in Japan where he studied and taught. His most famous books are Glimpses of Unfamiliar Japan (1894), and Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1904). An interesting article in The Paris Review about Lafcadio Hearn can be found, here. Yuki Onna (雪女) - was a short story as written from the Japanese ghost story by Lafcadio Hearn, in Kwaidan, in 1904. According to an article about the story by Yoko Makino in 1991, Hearn contends he heard the tale from a someone in Musashino, a district in what is Tōkyō today. There are many different legends of this story from around Japan. You can read the Hearn story, here. Your First Print: David Bull - this was the first DVD I ever purchased on how to make mokuhanga. This was in and around 2007. While I look back at that time thinking about why I didn't take it up as seriously as I do now, I sometime wonder, "Where would I be now in my Mokuhanga journey?" I realize that that is a redundant way of thinking. I am where I am now today, and to be happy with just that. You can still find this product on Dave's website. © Popular Wheat Productions opening and closing musical credit - Hater Players, by Black Star from the album Mos Def and Talib Kweli are Black Star (1998). Released on Rawkus Records. logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :) Слава Українi If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***
1. Allègre — 2. Très calme — 3. VitePierre Onfroy de Bréville (1861-1949) was a French composer, teacher and critic and a friend of Franck, Debussy and Ravel. His music was elegantly crafted but has not been performed much since his death. His Sonatine for Oboe and Piano (1927) could be the sound track for an imaginary Parisian art exhibit. It first paints a jaunty tapestry of interwoven colors and textures in the spirit of Georges Seurat's Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte*. The second movement seems like a serene interlude, perhaps contemplating one of Claude Monet's paintings from his floating studio on the Seine. The final movement, Vite is a burst of kinetic exuberance in the spirit of a music hall poster by Henri de Toulouse-Lautrec. *Property of The Art Institute of Chicago. Featured in Sundays in the Park with George, a musical by Stephen Sondheim
En 1884, il achève sa première grande composition, Une baignade à Asnières, qui connaît un franc succès dans la communauté artistique contemporaine. George Seurat vient de mettre au point la technique picturale du “divisionnisme”, aussi communément appelée : le pointillisme. Cette technique consiste à juxtaposer de petites touches de couleur sur la toile. Vue de près, l'œuvre semble se composer de points de couleurs désordonnés, mais vue dans son ensemble celle-ci donne vie à des portraits ou des scènes plus élaborées. Les points prennent tout leur sens. La technique de vision par ordinateur nommée segmentation se rapproche nettement dans son esprit à l'art divisionniste de Seurat. Découvrez-en davantage dans ce Podcast! ROBERTA, le podcast : Nous sommes des spécialistes en intelligence artificielle (IA) et nous souhaitons partager notre passion avec vous. Avec ce podcast Roberta, en hommage à Roberta Wohlstetter, pionnière du renseignement moderne, nous nous sommes intéressés aux parcours de celles et ceux qui ont influencé ou ont été influencés par l'IA. Ce podcast mensuel retrace les histoires de scientifiques, cinéastes, romanciers, politiques et décrypte leur lien avec l'IA. Ecoutez les épisodes précédents: Episode #1 : Roberta Wohlstetter Episode #2 : Stanley Kubrick Episode #3 : Jules Verne Episode #4 : Hannah Arendt et Hans Jonas Episode #5 : Elizabeth McIntosh Episode #6 : Eric Tabarly Episode #7 : Alan Turing Episode #8 : Ada Lovelace Crédit Musique : Boogie Belgique - Once Have I
In 1884, he completed his first major composition, Une baignade à Asnières, which was a great success in the contemporary art community. George Seurat had just developed the pictorial technique of "divisionism", also commonly known as pointillism. This technique consists of juxtaposing small touches of colour on the canvas. Seen up close, the work seems to be composed of disordered dots of colour, but seen as a whole it gives life to more elaborate portraits or scenes. The dots take on their full meaning. The computer vision technique known as segmentation is very similar in spirit to Seurat's divisionist art. Find out more in this podcast! ROBERTA, the podcast: We are specialists in artificial intelligence (AI) and we want to share our passion with you. With this podcast Roberta, in honour of Roberta Wohlstetter, a pioneer of modern intelligence, we looked at the stories of those who have influenced or been influenced by AI. This monthly podcast traces the stories of scientists, filmmakers, novelists, politicians and deciphers their connection to AI. Listen to previous episodes: Episode #1 : Roberta Wohlstetter Episode #2 : Stanley Kubrick Episode #3 : Jules Verne Episode #4 : Hannah Arendt et Hans Jonas Episode #5 : Elizabeth McIntosh Episode #6 : Eric Tabarly Episode #7 : Alan Turing Episode #8 : Ada Lovelace Music credits : Boogie Belgique - Once Have I
Good News: The European Union is introducing legislature to reduce plastic bottle waste, Link HERE. The Good Word: A really lovely quote from C.S. Lewis about friendship! Good To Know: Another surprising fact about C.S. Lewis and his own feelin.gs about his legacy. Good News: Even more reason to eat fruits and veggies: they can […]
Georges Seurat | A Sunday on La Grande Jatte In 1894, George Seurat began going out to an idyllic little island away from the urban center of Paris. It was a place where people of various classes would relax. While the image is of people at leisure, Seurat was anything but relaxed. He was a disciplined artist on a mission to create a work that would be significant in art history. He spent years developing this work. He made dozens of preparatory sketches to work out the composition and technique. While the 1890s was the heyday for Impressionists, Seurat was part of a new breed. Some consider him a post-impressionist or neo-Impressionist. Today his technique is called pointillism, but in his day, Seurat preferred the term divisionism. He was dividing the image into discrete bits, carefully painted, uniform dots of paint like pixels that make up our digital images. While his process was careful and hand-crafted, Seurat was fascinated by science. He developed his approach after reading the works of scientists like Michel Eugene Chevreul and Ogden Rood. One of the key concepts that Seurat latched onto had to do with how color is perceived in relation to its surroundings. Seurat read about the trouble restoring tapestries because they could not simply dye to match a piece, they had to account for surrounding colors. Seurat's idea was that by dividing the image into discrete dots of color, the painter could arrange combinations that would heighten the contrast and make the colors more vibrant. Seurat wanted to make his work even more vibrant by painting a frame of colored dots around the perimeter of his painting and that was offset by a clean white painted frame. Who ARTed is an Airwave Media Podcast. Connect with me: Website | Twitter | Instagram | Tiktok Support the show: Merch from TeePublic | Make a Donation As always you can find images of the work being discussed at www.WhoARTedPodcast.com and of course, please leave a rating or review on your favorite podcast app. You might hear it read out on the show. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
We meet Alex Rotter, Chairman of Christie's 20/21 Art Departments, to discuss Christie's New York forthcoming auction 'Visionary: The Paul G. Allen Collection' which runs from 9–10 November 2022 at Rockefeller Center. The collection of philanthropist Paul G. Allen, co-founder of Microsoft, includes more than 150 masterpieces spanning 500 years of art history. Reflecting the depth and breadth of Paul G. Allen's collection, the auctions connect this visionary innovator to a range of ground-breaking artists, joining Paul Cezanne with David Hockney, Alberto Giacometti with Louise Bourgeois, Georges Seurat with Jasper Johns and Agnes Martin with Yayoi Kusama. Valued in excess of $1 billion, The Paul G. Allen Collection is poised to be the largest and most exceptional art auction in history. Pursuant to his wishes, the estate will dedicate all the proceeds to philanthropy.From 29 October – 8 November 2022, view The Paul G. Allen Collection in-person at Christie's Rockefeller Center galleries in New York. Follow @ChristiesInc and visit their official website: https://www.christies.com/en/events/visionary-the-paul-g-allen-collection/overviewFrom Canaletto's famed vistas of Venice and Paul Cezanne's magisterial vision of the Mont Sainte-Victoire to Gustav Klimt's Birch Forest, Georgia O'Keeffe's 'Red Hills with Pedernal, White Clouds', and latterly, David Hockney's joyful depictions of his native Yorkshire, the collection highlights landmark moments in the development of landscape painting through centuries. Botticelli's Madonna of the Magnificat, Georges Seurat's pointillist masterwork Les Poseuses, Ensemble (Petite version) and Lucian Freud's Large Interior, W11 (after Watteau) demonstrate the enduring power of the human figure in art, while the polyvalent practice of artists such as Max Ernst and Jasper Johns show how artists can subvert tradition to move art forward. We explore some of our own personal favourite works by Georgia O'Keeffe, Agnes Martin, David Hockney, Louise Bourgeois, Bridget Riley and Barbara Hepworth.Alex Rotter grew up in a family of art dealers in his native Austria, and studied at the University of Vienna. He currently lives in New York and is responsible for overseeing a global team of specialists spanning the full scope of 20th and 21st Century art. Rotter's progressive approach to presenting extraordinary works of art to the market has yielded many of the most groundbreaking moments in auction history. Career highlights include the 2017 sale of Leonardo da Vinci's Salvator Mundi , which sold for $450 million, becoming the most expensive object ever sold at auction, and Jeff Koons' Rabbit from the Collection of SI Newhouse, which sold for $91.1 million and set a world auction record for a living artist. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
Start off your new homeschool year with fun art activities by celebrating Dot Day- inspired by the epic book: The Dot by Peter H Reynolds (2003). A worldwide phenomenon, this book has simple illustrations and brief text but it packs a punch on valuing creativity. It's a tale of young student Vashti who doesn't feel she has much to offer in her art class, but her teacher thinks otherwise. Upon her next visit to art class, Vashti is surprised to see her defiant painting of a single, small dot in the middle of a piece of paper has been framed and displayed behind her teacher's desk. This inspires Vashti to create more dot paintings and to experiment with her creativity and she becomes a role model for other young artists. In addition to reading this book together, you can extend your studies to include various artists who featured dots as a main element in their art – like Yayoi Kusama!+++++++++++++++✏️ Download the FREE Homeschool Art History Starter Kit, featuring a sample lesson introducing Georges Seurat and Pointillism! ✏️► https://www.arthistorykids.com/starterkitRecommended Videos: ► 9 No Prep Art History Ideas for Your Homeschoolhttps://youtu.be/STWfzYNT29g
Are you ready for a new homeschool year?! There is something really fun and exciting about getting organized, sprucing up your school area, and thinking about all of the fun new things you'll explore together in the coming year.When it comes to new art supplies, I try to balance my (and my kids') excitement for getting new things with a thoughtful approach where we consider what we'll really need and use.I mostly stick to the basics and mix in a few new exotic things to add a little intrigue. We've tried lots of different things, and I have some fun tips to think about as you head out to gather your supplies for the year!In today's video I'm sharing some of my favorites, and how you can take a simple approach to adding life and excitement to your homeschool art area.+++++++++++++++✏️ Download the FREE Homeschool Art History Starter Kit, featuring a sample lesson introducing Georges Seurat and Pointillism! ✏️► https://www.arthistorykids.com/starterkitRecommended Videos: 9 No Prep Art History Ideas for Your Homeschool► https://youtu.be/STWfzYNT29g
Georgia O'Keeffe's art (and especially the art she created in Hawaii) is so much fun to explore in your homeschool as you wrap your summer activities or jump into your first few weeks of the new year!You can read more and find a link to the book I mentioned in the video here:
Khi nhắc đến những tác phẩm của danh họa người Hà Lan, Vincent Van Gogh, mọi người không thể không nghĩ đến tác phẩm « Đêm đầy sao ». Người xem luôn muốn tìm hiểu sức cuốn hút của tác phẩm, cũng như cuộc đời đầy thăng trầm và đam mê của danh họa, tâm trạng và cảm xúc của ông khi vẽ tác phẩm mà ông cho là « thất bại » nhưng sau này được xem như tác phẩm nổi tiếng nhất của Van Gogh, một trong những tuyệt tác nghệ thuật của thế kỷ XX. Van Gogh sinh ngày 30/03/1853 tại ngôi làng nhỏ Groot-Zundert, vùng Brabant-Septentrional, phía đông bắc Hà Lan. Ở tuổi 27, sau một thời gian loay hoay tìm định hướng, với sự khuyến khích của người em trai Théo, Van Gogh quyết định trở thành họa sỹ chuyên nghiệp. Ông đến Bruxelles, Bỉ, để theo học họa sỹ nổi tiếng Hà Lan, Willem Roelofs, trong vòng một năm. Những tác phẩm thời kỳ đầu của ông chủ yếu là những bức chân dung của những người hàng xóm, phong cảnh đồng quê khắc họa cuộc sống của tầng lớp nông dân. Màu sắc ưa thích là các tông màu đất và màu nâu tối với lối vẽ thô ráp. Tác phẩm được coi là sáng tác đầu tay là bức « Những người ăn khoai », được sáng tác vào mùa thu năm 1885 khi ông đã 32 tuổi. Lúc này giới nghệ thuật ở Paris đã bắt đầu quan tâm đến các tác phẩm của ông. Nhưng tranh của Van Gogh không bán được ở Paris vì tông màu u tối so với tranh của các họa sỹ phong cách « Ấn tượng » với màu sắc tươi vui đang thịnh hành vào thời điểm đó. Nguồn cảm hứng từ tranh in khắc gỗ Nhật Bản Trong thời kỳ làm công việc buôn bán tranh, Van Gogh đã được tiếp xúc và khám phá nghệ thuật tranh in khắc gỗ Nhật Bản. Van Gogh là một trong những họa sỹ chịu ảnh hưởng và được truyền cảm hứng từ tranh in khắc gỗ của Utagawa Hirosighe, bậc thầy đại diện cho trường phái Ukiyo-e (những hình ảnh của thế giới nổi) hình thành ở thế kỷ XVII ở Nhật Bản. Van Gogh sưu tầm các tác phẩm tranh in của Hiroshige, thông qua đó ông đã học được cách xử lý bố cục, nét vẽ đơn giản cô đọng và màu sắc trong sáng. Ông cũng được truyền cảm hứng về tình yêu thiên nhiên và những chuyến du hành. Nó khiến ông luôn khao khát đi tìm miền đất « Nhật Bản » của riêng mình. Cuộc gặp gỡ với trường phái « Ấn tượng » Đến Paris vào năm 1886, những cuộc gặp gỡ và thảo luận bổ ích với những họa sĩ trường phái « Ấn tượng » như các họa sĩ Georges Seurat và Paul Signac đã giúp Van Gogh khám phá một lý thuyết màu sắc mới. Đó là kỹ thuật điểm màu gốc trực tiếp lên tranh với những hiệu ứng tương hỗ được tạo ra bởi những cặp màu cơ bản (đỏ, xanh lam và vàng) và các màu bổ sung (tím, cam và xanh lá cây). Khi chúng được đặt cạnh nhau, kết quả màu sắc thu được sống động và rực rỡ hơn cách pha màu truyền thống trên bảng pha màu. Kỹ thuật vẽ theo lý thuyết màu sắc mới này đã tạo ra một trường phái « Ấn Tượng mới » khoa học hơn. Sự khám phá mới này đã tạo một bước đột phá trong phong cách vẽ và phối màu của Van Gogh. Bảng màu - trước đây quá tối - đã trở nên rực rỡ hơn và nét cọ - trước đây vốn thiếu cường độ - trở nên rõ ràng, mãnh liệt hơn. Ám ảnh với ánh sáng Van Gogh muốn rời bỏ Paris, rời bỏ những mùa đông khắc nghiệt với bầu trời u ám thiếu ánh sáng mặt trời. Ông muốn đi tìm sự thuần khiết, tĩnh lặng và tình yêu dành cho thiên nhiên, nơi ông hy vọng sẽ nhìn thấy nhiều ánh sáng mặt trời hơn, nhiều màu sắc hơn, một « miền đất Nhật Bản » mà ông khao khát của riêng mình. Tháng 2 năm 1888, khi ông 35 tuổi, Van Gogh rời Paris đến Arles. Cảnh quan mùa xuân của đồng quê tuyệt đẹp hiện lên trước mắt ông : những vườn cây ăn trái nở hoa đầy màu sắc, những cánh đồng lúa mì chín vàng với đường chân trời trải dài mênh mông. Bầu không khí trong lành gợi nhớ sự trong trẻo trong tranh khắc in Nhật Bản. Ông vẽ mọi lúc, mọi nơi, ngay dưới ánh nắng ban trưa chói chang, say sưa và hạnh phúc như những chú ve sầu. Ông viết cho em trai Théo hồi tháng 04/1888 : « Anh đang say mê cuồng nhiệt vẽ vì cây cối đang nở hoa, anh muốn vẽ một vườn cây ăn trái ở Provence thật tỏa sắc », « Màu vàng mới đáng yêu làm sao! Nó tượng trưng cho mặt trời », « sẽ không có màu xanh biển nếu thiếu đi màu vàng hoặc màu cam ». Van Gogh cuối cùng đã phát hiện ra thứ ánh sáng mà ông mơ ước, thứ làm tôn lên sức mạnh màu sắc và bộc lộ sự biểu cảm của chúng. Van Gogh đặc biệt yêu thích màu vàng vì theo ông màu vàng là hiện thân cho ánh mặt trời. Ông đã thể hiện sự yêu thích màu vàng qua série tác phẩm « Hoa hướng dương » nổi tiếng. Sự cuốn hút của bầu trời đêm Từ khi đặt chân đến Arles, việc mô tả « hiệu ứng ban đêm » là một mối bận tâm thường xuyên đối với Van Gogh. Cũng trong tháng 04/1888, ông viết cho em trai Théo : « Anh cần một bầu trời đêm đầy sao với cây bách hoặc, có lẽ, trên một cánh đồng lúa mì chín », hay trong một bức thư gửi cho em gái, Van Gogh gợi lên cùng một chủ đề: « Đối với anh, dường như vào ban đêm màu sắc phong phú hơn ban ngày ». Việc vẽ « hiệu ứng ban đêm » theo đuổi và ám ảnh Van Gogh. Với bức « Đêm đầy sao trên sông Rhône », bầu trời đêm đã chiếm một vị trí trung tâm với hình ảnh thành phố Arles soi mình bên bờ sông Rhône. Màu xanh coban của bầu trời đêm làm nền cho một dải các ngôi sao phản chiếu lấp lánh trên dòng sông tĩnh lặng đã thống trị bố cục của kiệt tác này. Hình ảnh cặp tình nhân bên bờ sông đang ngắm sao đêm thể hiện sự đắm chìm của con người vào khung cảnh lãng mạn thơ mộng của thành phố về đêm bên bờ sông. « Đêm đầy sao » và sự giải thoát Tháng 10/1888, người bạn thân của Van Gogh, họa sỹ Gauguin, tới Arles để cùng ông sáng tác. Gauguin đã khuyến khích Van Gogh vẽ dựa vào trí tưởng tượng nhiều hơn. Tác phẩm « Đêm đầy sao » là tác phẩm duy nhất mà Van Gogh sử dụng trí tưởng tượng để vẽ. Ngày 08/05/1889, Van Gogh phải nhập viện tâm thần ở Provence, cách Saint-Rémy không xa, nơi ông dành hơn một năm ở đó. Các bác sỹ chẩn đoán ông mắc chứng động kinh, rối loạn tâm lý, ảo giác và biểu hiện mà ngày nay gọi là « chứng lưỡng cực ». Tại đây, Van Gogh được đối xử nhân hậu với sự cảm thông. Các bác sỹ nhận ra rằng để giúp Van Gogh tồn tại và chiến đấu với bệnh tật, cách duy nhất là cung cấp cho ông một không gian nhỏ để ông tự do vẽ và sáng tạo. Nghệ thuật sẽ nuôi dưỡng sự sống cho ông. Chế độ chăm sóc ở viện tâm thần tạo sự ảnh hưởng tích cực đến ông với thói quen đều đặn ba bữa một ngày, không rượu, không tình cảm phức tạp. Các nghiên cứu cho thấy Van Gogh là bệnh nhân khỏe mạnh tỉnh táo nhất của viện. Hóa ra, sự cô lập lại tốt cho ông. Lúc tỉnh táo khỏe mạnh, ông tập trung vẽ và vẽ rất nhanh : thường là những bức phong cảnh với tông màu rất hứng khởi, lạc quan. Thật đáng kinh ngạc khi trong giai đoạn này ông đã hoàn thành ít nhất 150 tác phẩm, có nghĩa là mỗi bức tranh trong vòng hai ngày. Rất nhiều trong số đó là những tuyệt tác hội họa sau này, như bức « Hoa diên vĩ », « Đêm đầy sao » … Bức tranh « Đêm đầy sao » được ông vẽ ngày 18/06/1889. Quang cảnh được mô tả từ cửa sổ phòng bệnh của ông, tầng phía trên. Đây là quang cảnh ông đã vẽ rất nhiều trước đây. Nhưng lần này là khung cảnh ban đêm, nên ông phải sử dụng trí nhớ và vẽ nó vào ban ngày ở studio tầng trệt. Bố cục của tranh được phân chia làm hai bởi đường chéo bắt đầu từ bên phải : khởi điểm là mặt đất và điểm kết thúc nối với bầu trời đêm. Đường chéo này mô tả hình dáng đồi núi trập trùng của dãy Alpilles. Cây bách được Van Gogh vẽ ở tiền cảnh với ý định tạo điểm nhấn phân chia bố cục theo chiều ngang. Cây bách là sự kết nối mặt đất với bầu trời đêm theo phương thẳng đứng. Sự kết nối tầm nhìn từ « tiền cảnh » - cây bách đến « hậu cảnh » - dãy Alpilles và bầu trời đêm đã tạo chiều sâu phối cảnh không gian cho bức tranh. Đây là kỹ thuật mà ông đã học ở cách xử lý phối cảnh của bậc thầy tranh in khắc gỗ Nhật Bản Hiroshige. Các nhà thiên văn học phát hiện ra rằng mặt trăng đêm đó gần tròn chứ không khuyết như trong tranh. Sao Kim - ngôi sao sáng nhất - và chòm sao Bạch Dương chỉ nhìn thấy được ngay trước bình minh. Bối cảnh « Đêm đầy sao » là sự kết hợp khung cảnh ban đêm và bình minh từ cửa sổ phòng của ông. Dải màu trắng xanh lơ lửng phía trên ngọn núi có vẻ như là lớp sương sớm Dải thiên hà xoắn ốc là hình ảnh cách điệu mà các nhà thiên văn cho là của dải thiên hà Whirlpool. Nhưng liệu lúc đấy Van Gogh có thực sự biết đến nó để thể hiện trong tác phẩm của mình? Có lẽ Van Gogh đã nghiên cứu thiên văn và nhìn thấy bức vẽ phác thảo cách điệu dải thiên hà của nhà thiên văn học người Anh Lord Rosse vào năm 1850. Bức vẽ này được khắc in lại trong cuốn sách thiên văn học của Pháp gây tiếng vang thời bấy giờ. Van Gogh, người đam mê thiên văn học, thậm chí đã gặp tác giả ở Paris. Khung cảnh ngôi làng được vẽ nhờ vào trí nhớ và phác thảo chì khi ông được tự do ra ngoài ngắm cảnh. Để tạo một ấn tượng sinh động và sự gần gũi hiện diện trong cuộc sống nông thôn, ông đã vẽ rất nhiều ngôi nhà với những ánh đèn màu vàng ấm áp hắt ra từ bên trong, và để cân bằng màu sắc với những ngôi sao vàng trên bầu trời đêm. Đó là một ngôi làng lý tưởng của sự tưởng tượng, ngay cả mái chuông nhà thờ Saint Rémy được miêu tả gợi nhớ mái chuông nhà thờ ở Hà Lan nơi ông sinh ra. Vòng xoắn địa ngục và sự điên cuồng của đêm đầy sao Tại sao Van Gogh lại làm xáo động và cố gắng nhấn mạnh sức mạnh của bầu trời đêm bình yên ở làng quê như vậy ? Có phải đó là một đêm chứa đựng sự nguy hiểm hay là một đêm tôn giáo thiêng liêng ? Van Gogh sử dụng nét cọ nhanh, thô ráp và dữ dội. Những nét vẽ đường cong uốn lượn, xoắn ốc tập trung miêu tả sự chuyển động không ngừng của những luồng không khí như một dòng năng lượng liên tục của bầu trời đêm. Ông muốn nắm bắt và thể hiện cảm xúc của mình một cách tức thời và trực quan nhất. Sử dụng hiệu ứng tương hỗ giữa màu vàng: vàng chanh, vàng đất và màu bổ sung : xanh coban, xanh nước biển đậm để tạo sự tương phản và ấn tượng mạnh đến thị giác. Những đường xoắn ốc đóng kín là sự ảnh hưởng rõ nét từ thủ pháp vẽ tranh khắc in Nhật Bản với hai tác phẩm nổi tiếng « Sóng lửng ngoài khơi Kanagawa » của nghệ nhân Hokusai và « Vòng xoáy nước Naruto ở Awa » của nghệ nhân Hiroshige. Sự chuyển động trong bức tranh « Đêm đầy sao » được tính toán hơn là ngẫu hứng, với sự đối lập của hai sức mạnh : sức mạnh của sự hiện hữu chắc chắn của mặt đất và sức mạnh đầy năng lượng của bầu trời đêm đang chuyển động. « Cây cầu » nối liền hai sức mạnh này là cây bách to lớn và mãnh liệt như một ngọn lửa. Cây bách, một loài cây trong nghĩa trang, gợi đến cái chết là sự du hành từ mặt đất đến ánh sáng thiêng liêng. Dưới sự ảnh hưởng của căn bệnh, Van Gogh bắt đầu bị ám ảnh về cái chết và những hiện tượng hùng vĩ của thiên nhiên, những giấc mơ giao thoa giữa hiện thực và siêu thực. Ông đi tìm sự bao la vĩnh cửu của bầu trời đêm trong dải ngân hà như là một sự giải thoát cho tâm hồn mình. Sự nghiệp hội họa của VanGogh chỉ kéo dài trong 10 năm rực rỡ. Ông đã để lại 2.100 tác phẩm, trong đó có 860 tranh sơn dầu, còn lại là những bức vẽ, bức thư và phác thảo. Ông đã từng coi tác phẩm « Đêm đầy sao », tác phẩm nổi tiếng nhất sau này của ông, là một thất bại và nếu sống lâu hơn ông sẽ vẽ lại nó. Mặc dù trong suốt sự nghiệp, ông chỉ bán được một bức tranh nhưng những tác phẩm của ông, tiêu biểu là tác phẩm « Đêm đầy sao », với phong cách vẽ sáng tạo, cách sử dụng màu sắc mạnh mẽ ấn tượng, đã mở lối cho hội họa hiện đại và đặt nền tảng cho trường phái « biểu hiện » sau này. Thiên nhiên đối với ông là nguồn cảm hứng vô tận nơi các vì sao tỏa sáng và thắp lên niềm tin nơi Van Gogh trong những lúc ông cô đơn, mệt mỏi vì bệnh tật. Những ngôi sao này ắt hẳn đã an ủi Van Gogh khi ông ngắm nhìn bầu trời đêm từ phòng bệnh của mình. Ông khao khát tự do và tỏa sáng như những ngôi sao trong dải ngân hà của nghệ thuật. Van Gogh đã từng nói : « Tôi mơ về hội họa và rồi tôi vẽ giấc mơ của chính mình ».
Khi nhắc đến những tác phẩm của danh họa người Hà Lan, Vincent Van Gogh, mọi người không thể không nghĩ đến tác phẩm « Đêm đầy sao ». Người xem luôn muốn tìm hiểu sức cuốn hút của tác phẩm, cũng như cuộc đời đầy thăng trầm và đam mê của danh họa, tâm trạng và cảm xúc của ông khi vẽ tác phẩm mà ông cho là « thất bại » nhưng sau này được xem như tác phẩm nổi tiếng nhất của Van Gogh, một trong những tuyệt tác nghệ thuật của thế kỷ XX. Van Gogh sinh ngày 30/03/1853 tại ngôi làng nhỏ Groot-Zundert, vùng Brabant-Septentrional, phía đông bắc Hà Lan. Ở tuổi 27, sau một thời gian loay hoay tìm định hướng, với sự khuyến khích của người em trai Théo, Van Gogh quyết định trở thành họa sỹ chuyên nghiệp. Ông đến Bruxelles, Bỉ, để theo học họa sỹ nổi tiếng Hà Lan, Willem Roelofs, trong vòng một năm. Những tác phẩm thời kỳ đầu của ông chủ yếu là những bức chân dung của những người hàng xóm, phong cảnh đồng quê khắc họa cuộc sống của tầng lớp nông dân. Màu sắc ưa thích là các tông màu đất và màu nâu tối với lối vẽ thô ráp. Tác phẩm được coi là sáng tác đầu tay là bức « Những người ăn khoai », được sáng tác vào mùa thu năm 1885 khi ông đã 32 tuổi. Lúc này giới nghệ thuật ở Paris đã bắt đầu quan tâm đến các tác phẩm của ông. Nhưng tranh của Van Gogh không bán được ở Paris vì tông màu u tối so với tranh của các họa sỹ phong cách « Ấn tượng » với màu sắc tươi vui đang thịnh hành vào thời điểm đó. Nguồn cảm hứng từ tranh in khắc gỗ Nhật Bản Trong thời kỳ làm công việc buôn bán tranh, Van Gogh đã được tiếp xúc và khám phá nghệ thuật tranh in khắc gỗ Nhật Bản. Van Gogh là một trong những họa sỹ chịu ảnh hưởng và được truyền cảm hứng từ tranh in khắc gỗ của Utagawa Hirosighe, bậc thầy đại diện cho trường phái Ukiyo-e (những hình ảnh của thế giới nổi) hình thành ở thế kỷ XVII ở Nhật Bản. Van Gogh sưu tầm các tác phẩm tranh in của Hiroshige, thông qua đó ông đã học được cách xử lý bố cục, nét vẽ đơn giản cô đọng và màu sắc trong sáng. Ông cũng được truyền cảm hứng về tình yêu thiên nhiên và những chuyến du hành. Nó khiến ông luôn khao khát đi tìm miền đất « Nhật Bản » của riêng mình. Cuộc gặp gỡ với trường phái « Ấn tượng » Đến Paris vào năm 1886, những cuộc gặp gỡ và thảo luận bổ ích với những họa sĩ trường phái « Ấn tượng » như các họa sĩ Georges Seurat và Paul Signac đã giúp Van Gogh khám phá một lý thuyết màu sắc mới. Đó là kỹ thuật điểm màu gốc trực tiếp lên tranh với những hiệu ứng tương hỗ được tạo ra bởi những cặp màu cơ bản (đỏ, xanh lam và vàng) và các màu bổ sung (tím, cam và xanh lá cây). Khi chúng được đặt cạnh nhau, kết quả màu sắc thu được sống động và rực rỡ hơn cách pha màu truyền thống trên bảng pha màu. Kỹ thuật vẽ theo lý thuyết màu sắc mới này đã tạo ra một trường phái « Ấn Tượng mới » khoa học hơn. Sự khám phá mới này đã tạo một bước đột phá trong phong cách vẽ và phối màu của Van Gogh. Bảng màu - trước đây quá tối - đã trở nên rực rỡ hơn và nét cọ - trước đây vốn thiếu cường độ - trở nên rõ ràng, mãnh liệt hơn. Ám ảnh với ánh sáng Van Gogh muốn rời bỏ Paris, rời bỏ những mùa đông khắc nghiệt với bầu trời u ám thiếu ánh sáng mặt trời. Ông muốn đi tìm sự thuần khiết, tĩnh lặng và tình yêu dành cho thiên nhiên, nơi ông hy vọng sẽ nhìn thấy nhiều ánh sáng mặt trời hơn, nhiều màu sắc hơn, một « miền đất Nhật Bản » mà ông khao khát của riêng mình. Tháng 2 năm 1888, khi ông 35 tuổi, Van Gogh rời Paris đến Arles. Cảnh quan mùa xuân của đồng quê tuyệt đẹp hiện lên trước mắt ông : những vườn cây ăn trái nở hoa đầy màu sắc, những cánh đồng lúa mì chín vàng với đường chân trời trải dài mênh mông. Bầu không khí trong lành gợi nhớ sự trong trẻo trong tranh khắc in Nhật Bản. Ông vẽ mọi lúc, mọi nơi, ngay dưới ánh nắng ban trưa chói chang, say sưa và hạnh phúc như những chú ve sầu. Ông viết cho em trai Théo hồi tháng 04/1888 : « Anh đang say mê cuồng nhiệt vẽ vì cây cối đang nở hoa, anh muốn vẽ một vườn cây ăn trái ở Provence thật tỏa sắc », « Màu vàng mới đáng yêu làm sao! Nó tượng trưng cho mặt trời », « sẽ không có màu xanh biển nếu thiếu đi màu vàng hoặc màu cam ». Van Gogh cuối cùng đã phát hiện ra thứ ánh sáng mà ông mơ ước, thứ làm tôn lên sức mạnh màu sắc và bộc lộ sự biểu cảm của chúng. Van Gogh đặc biệt yêu thích màu vàng vì theo ông màu vàng là hiện thân cho ánh mặt trời. Ông đã thể hiện sự yêu thích màu vàng qua série tác phẩm « Hoa hướng dương » nổi tiếng. Sự cuốn hút của bầu trời đêm Từ khi đặt chân đến Arles, việc mô tả « hiệu ứng ban đêm » là một mối bận tâm thường xuyên đối với Van Gogh. Cũng trong tháng 04/1888, ông viết cho em trai Théo : « Anh cần một bầu trời đêm đầy sao với cây bách hoặc, có lẽ, trên một cánh đồng lúa mì chín », hay trong một bức thư gửi cho em gái, Van Gogh gợi lên cùng một chủ đề: « Đối với anh, dường như vào ban đêm màu sắc phong phú hơn ban ngày ». Việc vẽ « hiệu ứng ban đêm » theo đuổi và ám ảnh Van Gogh. Với bức « Đêm đầy sao trên sông Rhône », bầu trời đêm đã chiếm một vị trí trung tâm với hình ảnh thành phố Arles soi mình bên bờ sông Rhône. Màu xanh coban của bầu trời đêm làm nền cho một dải các ngôi sao phản chiếu lấp lánh trên dòng sông tĩnh lặng đã thống trị bố cục của kiệt tác này. Hình ảnh cặp tình nhân bên bờ sông đang ngắm sao đêm thể hiện sự đắm chìm của con người vào khung cảnh lãng mạn thơ mộng của thành phố về đêm bên bờ sông. « Đêm đầy sao » và sự giải thoát Tháng 10/1888, người bạn thân của Van Gogh, họa sỹ Gauguin, tới Arles để cùng ông sáng tác. Gauguin đã khuyến khích Van Gogh vẽ dựa vào trí tưởng tượng nhiều hơn. Tác phẩm « Đêm đầy sao » là tác phẩm duy nhất mà Van Gogh sử dụng trí tưởng tượng để vẽ. Ngày 08/05/1889, Van Gogh phải nhập viện tâm thần ở Provence, cách Saint-Rémy không xa, nơi ông dành hơn một năm ở đó. Các bác sỹ chẩn đoán ông mắc chứng động kinh, rối loạn tâm lý, ảo giác và biểu hiện mà ngày nay gọi là « chứng lưỡng cực ». Tại đây, Van Gogh được đối xử nhân hậu với sự cảm thông. Các bác sỹ nhận ra rằng để giúp Van Gogh tồn tại và chiến đấu với bệnh tật, cách duy nhất là cung cấp cho ông một không gian nhỏ để ông tự do vẽ và sáng tạo. Nghệ thuật sẽ nuôi dưỡng sự sống cho ông. Chế độ chăm sóc ở viện tâm thần tạo sự ảnh hưởng tích cực đến ông với thói quen đều đặn ba bữa một ngày, không rượu, không tình cảm phức tạp. Các nghiên cứu cho thấy Van Gogh là bệnh nhân khỏe mạnh tỉnh táo nhất của viện. Hóa ra, sự cô lập lại tốt cho ông. Lúc tỉnh táo khỏe mạnh, ông tập trung vẽ và vẽ rất nhanh : thường là những bức phong cảnh với tông màu rất hứng khởi, lạc quan. Thật đáng kinh ngạc khi trong giai đoạn này ông đã hoàn thành ít nhất 150 tác phẩm, có nghĩa là mỗi bức tranh trong vòng hai ngày. Rất nhiều trong số đó là những tuyệt tác hội họa sau này, như bức « Hoa diên vĩ », « Đêm đầy sao » … Bức tranh « Đêm đầy sao » được ông vẽ ngày 18/06/1889. Quang cảnh được mô tả từ cửa sổ phòng bệnh của ông, tầng phía trên. Đây là quang cảnh ông đã vẽ rất nhiều trước đây. Nhưng lần này là khung cảnh ban đêm, nên ông phải sử dụng trí nhớ và vẽ nó vào ban ngày ở studio tầng trệt. Bố cục của tranh được phân chia làm hai bởi đường chéo bắt đầu từ bên phải : khởi điểm là mặt đất và điểm kết thúc nối với bầu trời đêm. Đường chéo này mô tả hình dáng đồi núi trập trùng của dãy Alpilles. Cây bách được Van Gogh vẽ ở tiền cảnh với ý định tạo điểm nhấn phân chia bố cục theo chiều ngang. Cây bách là sự kết nối mặt đất với bầu trời đêm theo phương thẳng đứng. Sự kết nối tầm nhìn từ « tiền cảnh » - cây bách đến « hậu cảnh » - dãy Alpilles và bầu trời đêm đã tạo chiều sâu phối cảnh không gian cho bức tranh. Đây là kỹ thuật mà ông đã học ở cách xử lý phối cảnh của bậc thầy tranh in khắc gỗ Nhật Bản Hiroshige. Các nhà thiên văn học phát hiện ra rằng mặt trăng đêm đó gần tròn chứ không khuyết như trong tranh. Sao Kim - ngôi sao sáng nhất - và chòm sao Bạch Dương chỉ nhìn thấy được ngay trước bình minh. Bối cảnh « Đêm đầy sao » là sự kết hợp khung cảnh ban đêm và bình minh từ cửa sổ phòng của ông. Dải màu trắng xanh lơ lửng phía trên ngọn núi có vẻ như là lớp sương sớm Dải thiên hà xoắn ốc là hình ảnh cách điệu mà các nhà thiên văn cho là của dải thiên hà Whirlpool. Nhưng liệu lúc đấy Van Gogh có thực sự biết đến nó để thể hiện trong tác phẩm của mình? Có lẽ Van Gogh đã nghiên cứu thiên văn và nhìn thấy bức vẽ phác thảo cách điệu dải thiên hà của nhà thiên văn học người Anh Lord Rosse vào năm 1850. Bức vẽ này được khắc in lại trong cuốn sách thiên văn học của Pháp gây tiếng vang thời bấy giờ. Van Gogh, người đam mê thiên văn học, thậm chí đã gặp tác giả ở Paris. Khung cảnh ngôi làng được vẽ nhờ vào trí nhớ và phác thảo chì khi ông được tự do ra ngoài ngắm cảnh. Để tạo một ấn tượng sinh động và sự gần gũi hiện diện trong cuộc sống nông thôn, ông đã vẽ rất nhiều ngôi nhà với những ánh đèn màu vàng ấm áp hắt ra từ bên trong, và để cân bằng màu sắc với những ngôi sao vàng trên bầu trời đêm. Đó là một ngôi làng lý tưởng của sự tưởng tượng, ngay cả mái chuông nhà thờ Saint Rémy được miêu tả gợi nhớ mái chuông nhà thờ ở Hà Lan nơi ông sinh ra. Vòng xoắn địa ngục và sự điên cuồng của đêm đầy sao Tại sao Van Gogh lại làm xáo động và cố gắng nhấn mạnh sức mạnh của bầu trời đêm bình yên ở làng quê như vậy ? Có phải đó là một đêm chứa đựng sự nguy hiểm hay là một đêm tôn giáo thiêng liêng ? Van Gogh sử dụng nét cọ nhanh, thô ráp và dữ dội. Những nét vẽ đường cong uốn lượn, xoắn ốc tập trung miêu tả sự chuyển động không ngừng của những luồng không khí như một dòng năng lượng liên tục của bầu trời đêm. Ông muốn nắm bắt và thể hiện cảm xúc của mình một cách tức thời và trực quan nhất. Sử dụng hiệu ứng tương hỗ giữa màu vàng: vàng chanh, vàng đất và màu bổ sung : xanh coban, xanh nước biển đậm để tạo sự tương phản và ấn tượng mạnh đến thị giác. Những đường xoắn ốc đóng kín là sự ảnh hưởng rõ nét từ thủ pháp vẽ tranh khắc in Nhật Bản với hai tác phẩm nổi tiếng « Sóng lửng ngoài khơi Kanagawa » của nghệ nhân Hokusai và « Vòng xoáy nước Naruto ở Awa » của nghệ nhân Hiroshige. Sự chuyển động trong bức tranh « Đêm đầy sao » được tính toán hơn là ngẫu hứng, với sự đối lập của hai sức mạnh : sức mạnh của sự hiện hữu chắc chắn của mặt đất và sức mạnh đầy năng lượng của bầu trời đêm đang chuyển động. « Cây cầu » nối liền hai sức mạnh này là cây bách to lớn và mãnh liệt như một ngọn lửa. Cây bách, một loài cây trong nghĩa trang, gợi đến cái chết là sự du hành từ mặt đất đến ánh sáng thiêng liêng. Dưới sự ảnh hưởng của căn bệnh, Van Gogh bắt đầu bị ám ảnh về cái chết và những hiện tượng hùng vĩ của thiên nhiên, những giấc mơ giao thoa giữa hiện thực và siêu thực. Ông đi tìm sự bao la vĩnh cửu của bầu trời đêm trong dải ngân hà như là một sự giải thoát cho tâm hồn mình. Sự nghiệp hội họa của VanGogh chỉ kéo dài trong 10 năm rực rỡ. Ông đã để lại 2.100 tác phẩm, trong đó có 860 tranh sơn dầu, còn lại là những bức vẽ, bức thư và phác thảo. Ông đã từng coi tác phẩm « Đêm đầy sao », tác phẩm nổi tiếng nhất sau này của ông, là một thất bại và nếu sống lâu hơn ông sẽ vẽ lại nó. Mặc dù trong suốt sự nghiệp, ông chỉ bán được một bức tranh nhưng những tác phẩm của ông, tiêu biểu là tác phẩm « Đêm đầy sao », với phong cách vẽ sáng tạo, cách sử dụng màu sắc mạnh mẽ ấn tượng, đã mở lối cho hội họa hiện đại và đặt nền tảng cho trường phái « biểu hiện » sau này. Thiên nhiên đối với ông là nguồn cảm hứng vô tận nơi các vì sao tỏa sáng và thắp lên niềm tin nơi Van Gogh trong những lúc ông cô đơn, mệt mỏi vì bệnh tật. Những ngôi sao này ắt hẳn đã an ủi Van Gogh khi ông ngắm nhìn bầu trời đêm từ phòng bệnh của mình. Ông khao khát tự do và tỏa sáng như những ngôi sao trong dải ngân hà của nghệ thuật. Van Gogh đã từng nói : « Tôi mơ về hội họa và rồi tôi vẽ giấc mơ của chính mình ».
Philip Quast graduated from the National Institute of Dramatic Art in 1979 and began his career with State Theatre Company of South Australia debuting as Adam in The Mystery Plays of Wakefield. He went on to appear in numerous productions with the company including On The Wallaby, A Hard God, No End of Blame and The Threepenny Opera. His first musical was in the title role of Nimrod Theatre Company's Candide. Philip also began appearing as a presenter on the Australian children's show Play School, a program he would continue to present for 17 years.He shot to prominence in 1987 when he appeared as Javert in the original Australian production of Les Misérables. This performance won him a Sydney Critic Award and in 1989, he travelled to London to play Javert on the West End and eventually in Les Misérables: The Dream Cast at The Royal Albert Hall.Philip's stage success continued as he won the coveted role of Georges Seurat in the original London production of Stephen Sondheim's Sunday in the Park with George at the National Theatre where he also performed in David Hare's Stuff Happens, A Funny Thing Happened On The Way to the Forum, South Pacific and most recently the award winning Follies (which screened live around the world.)He has won three Laurence Olivier Awards for Best Actor in a Musical; Sunday in the Park with George, South Pacific and The Fix.He has appeared with the Sydney Theatre Company in Coriolanus, Sondheim's Into the Woods,The Cherry Orchard, Democracy and the much-lauded production of Waiting For Godot. Most recently with Death of a Salesman.Philip has been a member of the Royal Shakespeare Company's seasons in London and Stratford Upon Avon with The White Devil, Macbeth, Troilus and Cressida and The Secret Garden.His other innumerable roles include Juan Peron in Andrew Lloyd Webber's 2006 production of Evita at the Adelphi Theatre, Judge Turpin in Sweeney Todd at London's Royal Festival Hall, The Lincoln Centre in New York and for The English National Opera. He played Georges in the Menier Chocolate Factory's production of Jerry Herman's La Cage aux Folles in the West End.His many film and television appearances include; Midsomer Murders, Morse, UltraViolet, Brides of Christ, The Damnation of Harvey McCue,Truth, Hacksaw Ridge,The Devil's Double and Picnic At Hanging Rock.Philip can be heard in over 15 cast recordings. He now devotes much of his time to directing, writing and teaching.Philip will be performing at this year's Adelaide Cabaret Festival with Moments In The Woods – Songs & Stories of Sondheim, directed by Mitchell Butel. Moments In The Woods also features Geraldine Turner, Queenie van de Zandt, Josie Lane and Mitchell Butel. The show plays June 23rd at Her Majesty's Theatre, Adelaide.The STAGES podcast is available to access and subscribe from Whooshkaa, Spotify and Apple podcasts. Or from wherever you access your favourite podcasts. A conversation with creatives about craft and career. Recipient of Best New Podcast at 2019 Australian Podcast Awards. Follow socials on instagram (stagespodcast) and facebook (Stages).www.stagespodcast.com.au
Philip Quast graduated from the National Institute of Dramatic Art in 1979 and began his career with State Theatre Company of South Australia debuting as Adam in The Mystery Plays of Wakefield. He went on to appear in numerous productions with the company including On The Wallaby, A Hard God, No End of Blame and The Threepenny Opera. His first musical was in the title role of Nimrod Theatre Company's Candide. Philip also began appearing as a presenter on the Australian children's show Play School, a program he would continue to present for 17 years.He shot to prominence in 1987 when he appeared as Javert in the original Australian production of Les Misérables. He travelled to London to play Javert on the West End and eventually in Les Misérables: The Dream Cast at The Royal Albert Hall.Philip's stage success continued as he won the coveted role of Georges Seurat in the original London production of Stephen Sondheim's Sunday in the Park with George at the National Theatre where he also performed in David Hare's Stuff Happens, A Funny Thing Happened On The Way to the Forum, South Pacific and most recently the award winning Follies (which screened live around the world.)He has won three Laurence Olivier Awards for Best Actor in a Musical; Sunday in the Park with George, South Pacific and The Fix.He has appeared with the Sydney Theatre Company in Coriolanus, Sondheim's Into the Woods,The Cherry Orchard, Democracy and the much-lauded production of Waiting For Godot. Most recently with Death of a Salesman.Philip has been a member of the Royal Shakespeare Company's seasons in London and Stratford Upon Avon with The White Devil, Macbeth, Troilus and Cressida and The Secret Garden.His other innumerable roles include Juan Peron in Andrew Lloyd Webber's 2006 production of Evita at the Adelphi Theatre, Judge Turpin in Sweeney Todd at London's Royal Festival Hall, The Lincoln Centre in New York and for The English National Opera. He played Georges in the Menier Chocolate Factory's production of Jerry Herman's La Cage aux Folles in the West End.His many film and television appearances include; Midsomer Murders, Morse, UltraViolet, Brides of Christ, The Damnation of Harvey McCue,Truth, Hacksaw Ridge,The Devil's Double and Picnic At Hanging Rock.Philip can be heard in over 15 cast recordings. He now devotes much of his time to directing, writing and teaching.Philip will be performing at this year's Adelaide Cabaret Festival with Moments In The Woods – Songs & Stories of Sondheim, directed by Mitchell Butel. Moments In The Woods also features Geraldine Turner, Queenie van de Zandt, Josie Lane and Mitchell Butel. The show plays June 23rd at Her Majesty's Theatre, Adelaide.The STAGES podcast is available to access and subscribe from Whooshkaa, Spotify and Apple podcasts. Or from wherever you access your favourite podcasts. A conversation with creatives about craft and career. Recipient of Best New Podcast at 2019 Australian Podcast Awards. Follow socials on instagram (stagespodcast) and facebook (Stages).www.stagespodcast.com.au
Market rant! Charts from afar. Georges Seurat and the stock market. Choose wisely. Speculation vs. investment. What about rising rates? Energy and failure to plan. Twitter saga. Recession?? The politics of education.
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/history
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/intellectual-history
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/european-studies
With this book, Emmelyn Butterfield-Rosen brings a new formal and conceptual rubric to the study of turn-of-the-century modernism, transforming our understanding of the era's canonical works. Butterfield-Rosen analyzes a hitherto unexamined formal phenomenon in European art: how artists departed from conventions for posing the human figure that had long been standard. In the decades around 1900, artists working in different countries and across different media began to present human figures in strictly frontal, lateral, and dorsal postures. The effect, both archaic and modern, broke with the centuries-old tradition of rendering bodies in torsion, with poses designed to simulate the human being's physical volume and capacity for autonomous thought and movement. This formal departure destabilized prevailing visual codes for signifying the existence of the inner life of the human subject. Exploring major works by Georges Seurat, Gustav Klimt, and the dancer and choreographer Vaslav Nijinsky— replete with new archival discoveries—Modern Art and the Remaking of Human Disposition (U Chicago Press, 2021) combines intensive formal analysis with inquiries into the history of psychology and evolutionary biology. In doing so, it shows how modern understandings of human consciousness and the relation of mind to body were materialized in art through a new vocabulary of postures and poses. Allison Leigh is Assistant Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/eastern-european-studies
Friend-of-the-pod Donovan is back to help Phil and Jake rank John Hughes' classic film Ferris Bueller's Day Off, fireworks, and the meteorological phenomenon known as wind on the List of Every Damn Thing.If you have something to add to the list, email it to list@everydamnthing.net (or get at us on Twitter, Instagram and Facebook).SHOW NOTES: One of our tweets got a like from DC the Brain Supreme of Tag Team, who of course brought you “Whoomp! (There It Is)”. Here's the Geico commercial where they do a new ice cream-themed version of the song. We just realized DC shouts “Sprinkles!” at the end of the commercial, which probably has something to do with why he liked our tweet for the episode in which we rank cake sprinkles. When Phil said there was a woman who calls herself Jessica Rabbit, he was referring to Melyssa Ford, who is a model who used to be in a lot of rap videos. Naturally, we talk a lot about movies, including other works by director John Hughes (Home Alone, The Breakfast Club) and many of the films that are already on the List of Every Damn Thing (Bill & Ted's Excellent Adventure, Caddyshack, The Matrix, Trading Places, The Truman Show, Drumline, Star Wars). War Games is another movie where Matthew Broderick uses a computer to change his grades. There's also Career Opportunities, the last Hughes teen comedy. It's not discussed much except by creeps who remember it mostly for the scene where Jennifer Connelly rides a hobby horse. The Prestige is the best Christopher Nolan movie, it's about rival Victorian magicians & about doubles, doppelgangers, brothers, etc. The best part is when Hugh Jackman's character hires an actor that resembles him to be half of the magic trick. The second best part is whenever Michael Caine opens his mouth. John Mulaney is a well-known stand-up comedian from suburban Chicago who kind of seems like Ferris Bueller. He was a writer for Saturday Night Live. Phil might have been confused as usual when he was talking about Abe Froman being the name of the character in the Palm Beach Story. He's called "the Weenie King" and he's a rich old man who knows where to buy meat cheap. Rampage was a video game where you can control one of three giant monsters that destroy a city. When they're defeated they turn back into naked humans. It was adapted into a movie starring Dwayne "the Rock" Johnson. The painting that Phil mentioned was Georges Seurat's A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte which is at the Art Institute of Chicago. It was the inspiration for the musical Sunday in the Park with George, which Phil's never seen. Of course we devote time to the Sport-o's, Motorheads, Geeks, Sluts, Bloods, Wasteoids, Dweebies and Dickheads. We went over the crimes of Jeffrey Jones in our Howard the Duck episode, in case you care to learn more. The Ferris Bueller sitcom was on TV at the same time as Parker Lewis Can't Lose but didn't last as long because it presumably sucked. Ferris Bueller's Day Off gave the song “Oh Yeah” by Yello a real boost. Does Donovan think the NYPD is giving him Havana syndrome? No, but that doesn't mean he trusts them. We briefly discuss dog suicide. If you're having suicidal thoughts, call the Suicide Prevention Lifeline at 800-273-8255. Phil mentions the Simpsons episode “The Itchy & Scratchy & Poochie Show”, maybe his favorite episode. It includes a short cartoon called The Beagle Has Landed in which Itchy and Scratchy are on their way to the fireworks factory but are interrupted by Poochie, who introduces himself by rapping. They never go to the fireworks factory. Jake tells a Warped Tour story about Rusty Pistachio from the band H2O flexed on some dudes from an unnamed mediocre punk band who were shooting very lethal fireworks very close to Jake and his friends. Smith Puget gets quite a lot of well-deserved compliments in the episode. The “little man” is the system used by the San Francisco Chronicle to review movies. Instead of stars there are pictures of a man in one of five positions: clapping wildly and jumping out of his seat, clapping, sitting attentively, asleep, or the dreaded empty chair. They should probably make some more specific ones like the guy's face is melting off because the movie is too trippy or he's eating a movie theater hot dog. The “Sonoma Aroma” is a phenomenon in which, on some days, in some parts of Sonoma County, California, there will be a smell of cow manure in the air. This is not to be confused with the Tacoma Aroma, which is caused by some kind of wood processing. Many windmills are hardly more than glorified dilapidated shacks (which is still high praise coming from us). ALSO DISCUSSED IN THIS EPISODE:glitter * Chicago * feminism * Charlie Sheen * Irish twins * cutting school aka skipping class * real estate * John Candy * Alan Ruck * the Von Steuben Day Parade * Pee-Wee Herman * Ben Stein * metatextuality * Star Trek: The Next Generation * bottle rocket fights * Black Cats * BIC lighters * firefighters * earplugs * handkerchiefs * beer & wings * San Francisco's Chinatown * nail clippers * rye bread * snare drums * Bon Jovi * sailors * forest fires * air * volcanoes * Don Quixote * tornadoes * hurricanes * fans * the sea * Mendocino County * podcastsBelow are the Top Ten and Bottom Top items on List of Every Damn Thing as of this episode (for the complete up-to-date list, go here).TOP TEN: Dolly Parton - person interspecies animal friends - idea sex - idea bicycles - tool coffee - beverage Clement Street in San Francisco - location Prince - person It's-It - food Doctor Doom - fictional character Cher - person BOTTOM TEN:251. Jon Voight - person252. Hank Williams, Jr - person253. British Royal Family - institution254. Steven Seagal - person255. McRib - food256. death - idea257. war - idea258. cigarettes - drug259. QAnon - idea260. transphobia - ideaTheme song by Jade Puget. Graphic design by Jason Mann. This episode was produced & edited by Jake MacLachlan, with audio help from Luke Janela. Show notes by Jake MacLachlan & Phil Green.Our website is everydamnthing.net and we're also on Twitter, Instagram and Facebook.Email us at list@everydamnthing.net.
Randall talks to Chris about the transition to modernism in painting. slideshow download: https://traffic.libsyn.com/secure/chrisandrandall/ep90slideshow.zip Timeline: 1863 -- Salon des Refusés 1874 -- Impression, Sunrise by Monet 1875 -- James Abbott McNeill Whistler paints Nocturne in Black and Gold -- The Falling Rocket 1877 -- John Ruskin published his attack on the paintings of James McNeill Whistler exhibited at the Grosvenor Gallery 1878 -- Whistler v Ruskin trial (https://gutenberg.org/ebooks/24650) 1881 -- Paul Gauguin moves to Tahiti. His avowed intent was to escape European civilization and "everything that is artificial and conventional" 1884 -- Georges Seurat founds theory of chromoluminarism, divisionism 1886 -- Symbolism coined 1888 -- Cloisonnism coined 1889 -- Synthetism coined 1890 -- Whistler publishes The Gentle Art of Making Enemies with full transcript of case 1903 -- Gauguin dies 1903 - 1906 -- Gauguin retrospectives in Paris 1903 -- Kandinsky paints the Blue Rider Topics discussed include: "alternative" art alternative music Camille Pisarro Impressionism Eugène Delacroix Islamic art Zen art Alexander Cozens inkblots traditional African art James Abbott McNeill Whistler Positivism recorded March 7, 2022 Visit us at https://chrisandrandall.com/
Georges Seurat's masterpiece A Sunday on La Grande Jatte–1884, is the kind of painting that has become so ubiquitous it almost disappears into itself, but within this busy scene of curiously automata-like human interaction lie many clues to the transformations of the period. For one, this picture manifests a shift in thinking from imitation to civilization, mimesis to evolution, insofar as it encapsulates Darwin's theories of natural selection and their ramifications for the understanding of human psychology at the time.
What we mean by art has changed in modern times -- and there has never been a better time to be an artist. Nishant Jain aka Sneaky Artist joins Amit Varma in episode 260 of The Seen and the Unseen to talk about his journey, and to share his insights on the creator economy. Also check out: 1. The Sneaky Artist -- Nishant Jain's website. 2. The Sneaky Art Post -- Nishant Jain's newsletter. 3. The Sneaky Art Podcast on Apple and Spotify. 4. Nishant Jain on Twitter, Instagram and Linktree. 5. Earlier episodes of The Seen and the Unseen on the creator ecosystem with Roshan Abbas, Varun Duggirala, Neelesh Misra, Snehal Pradhan and Chuck Gopal. 6. The Story of Art -- EH Gombrich. 7. Population Is Not a Problem, but Our Greatest Strength -- Amit Varma. 8. The Time a Stiff Caught Fire — Keith Yates. 9. Random BOOMER Journalist Says WHAT About Paul Simon??? — Rick Beato's magnificent rant. 10. Puneet Superstar interviewed on Dostcast. 11. Only Fans. 12. 1000 True Fans — Kevin Kelly. 13. 1000 True Fans? Try 100 — Li Jin. 14. XKCD -- Webcomic by Randall Munroe. 15. Objects Speak to Annapurna Garimella -- Episode 257 of The Seen and the Unseen. 16. Roam Research. 17. Zettelkasten on Wikipedia. 18. PG Wodehouse and Agatha Christie on Amazon. 19. Fixing Indian Education -- Episode 185 of The Seen and the Unseen (w Karthik Muralidharan). 20. Kashmir and Article 370 -- Episode 134 of The Seen and the Unseen (w Srinath Raghavan). 21. The Citizenship Battles -- Episode 152 of The Seen and the Unseen (w Srinath Raghavan). 22. The Importance of Being Earnest -- Nishant Jain. 23. Shantaram -- Gregory David Roberts. 24. Supermen of Malegaon. 25. The Existentialism of Tiny People -- Nishant Jain. 26. The Dictionary of Obscure Sorrows. 27. A Meditation on Form -- Amit Varma. 28. Reddit Gets Drawn. 29. Imaginary Number -- Vijay Seshadri. 30. A path to infinity, and beyond -- Nishant Jain. 31. Art is for everyone -- Nishant Jain. 32. At The Existentialist Café -- Sarah Bakewell. 33. Levon Aronian interviewed by Sagar Shah. 34. After the End of Art -- Arthur Danto. 35. A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte -- Georges Seurat 36. Kya Surat Hai -- Bombay Vikings. 37. Fountain -- Marcel Duchamp. 38. The Notebooks of Leonardo Da Vinci. 39. Cat's Cradle -- Kurt Vonnegut. 40. Who Broke Our Republic? — Episode 163 of The Seen and the Unseen (w Kapil Komireddi). 41. The Multitudes of Our Maharajahs -- Episode 244 of The Seen and the Unseen (w Manu Pillai). 42. The Life and Times of Abhinandan Sekhri -- Episode 254 of The Seen and the Unseen. 43. r/vancouver, r/mildlyinteresting and r/interestingasfuck. 44. Some Reddit posts by Nishant Jain: 1, 2, 3, 4, 5, 6. 45. David Letterman and Bill Gates talk about the Internet. 46. Exhalation -- Ted Chiang. 47. Kurt Vonnegut on Amazon. 48. Catch 22 -- Joseph Heller. 49. V for Vendetta -- Alan Moore and David Lloyd. 50. Watchmen -- Alan Moore and Dave Gibbons. 51. Alan Moore on Amazon. 52. Identity -- Francis Fukuyama. 53. The Anarchy -- William Dalrymple. 54. Dynasty: The Rise and Fall of the House of Caesar -- Tom Holland. 55. The Origins of Political Order -- Francis Fukuyama. 56. Political Order and Political Decay -- Francis Fukuyama. 57. Bluebird -- Charles Bukowsky. Check out Amit's online courses, The Art of Clear Writing and The Art of Podcasting. And subscribe to The India Uncut Newsletter. It's free!
Prof. David Galenson shares fascinating model of two types of artists from his book, Old Masters and Young Geniuses: experimental/old masters and conceptual/young genius. This interview by Bootstrap Art Subgroup Lead Marcy Hoen, expanded into a conversation with Bootstrap Art members Till Richter, Roi James and others. The old dictum "know thyself" starts with the artist understanding whether they are experimental and conceptual. This is especially important for experimentalists, because modern art is dominated by conceptualist. The blessing of being a conceptual artist who is recognized, becomes the curse, because they get identified for that innovation. On the other hand, an experimentalist often has to work in obscurity for long periods of time, before ever achieving. There's a process of actually discovering whether you are one or the other. You might spend a long time trying to be one, like Cézanne. Don't compare yourself to the other. Artists discussed include: Louise Bourgeois, Jackson Pollock, Leonardo Da Vinci (experimental), Vincent van Gogh (conceptual), Paul Cézanne (experimental), Eric Clapton, Paul Signac, Georges Seurat, Andy Warhol, Jeff Koons, Ignazio Jacometti, Frank Lloyd Wright (experimental), Virginia Woolf, (experimental) Pablo Picasso, Jasper Johns (conceptualist), Joseph Heller (conceptualist), Stanley Kubrick (conceptualist), Martin Scorsese, Steven Spielberg, George Lucas, Norman Rockwell, Camille Pissaro, Paul Gauguin, Damien Hirst, Matthew Barney, Gerhard Richter, Kehinde Wiley, Anselm Kiefer. BootRap ATX is produced by Brian Massey of the Intended Consequences Podcast.
Adam & British comedian/poet/actor Tim Key enjoy a rambly conversation as they look at some art in London's Courtauld Gallery.This episode was sponsored by ART FUND, the national fundraising charity for art. Find out more by visiting Artfund.org/BUXTONTIM KEY TOUR DATES: https://www.timkey.co.uk/Thanks to Séamus Murphy-Mitchell for production support. Music and jingles by Adam BuxtonThe Supermarket Confrontation jingle features bass from Dan Hawkins: https://www.onlinebassplayer.com/ and instruments from the Soniccouture plug in: http://www.soniccouture.com/en/RELATED LINKS‘DON QUIXOTE AND SANCHO PANZA' by HONORÉ DAUMIER (1869 - 1872)https://www.bbc.co.uk/programmes/p02tvn6d/p02tvm60‘LA LOGE' by PIERRE AUGUSTE RENOIR (1874)https://www.telegraph.co.uk/culture/art/3671758/Renoir-A-glorious-night-of-intrigue.html‘A BAR AT THE FOLIES-BERGÈRE' by ÉDOUARD MANET (1882)https://courtauld.ac.uk/gallery/collection/impressionism-post-impressionism/edouard-manet-a-bar-at-the-folies-bergereANDY WARHOL ‘YES' 'NO' INTERVIEW (1964)https://www.youtube.com/watch?v=jr8NE7r1szU‘QUEUE' by ALEKSEI SUNDUKOV (1986)http://en.rusmuseum.ru/collections/painting-of-the-second-half-of-the-xix-century-beginning-of-xxi-century/artworks/ochered/WILLIAM WEGMAN - STOMACH SONG (1970)https://www.youtube.com/watch?v=7bOym_kkvaEWILLIAM WEGMAN - DEODORANT (1972)https://www.youtube.com/watch?v=lrdnlPK9sUQ‘YOUNG WOMAN POWDERING HERSELF' by GEORGES SEURAT (1888 - 1890)http://www.artandarchitecture.org.uk/images/gallery/6007ba8c.html‘ESCAPING CRITICISM' by PERE BORRELL DEL CASO (1874)http://rijksmuseumamsterdam.blogspot.co.uk/2012/01/pere-borrell-del-caso-escaping.htmlTIM KEY DELVES INTO DANIIL KHARMS AND THAT'S ALL (2016)https://www.bbc.co.uk/programmes/b072n5xcTHE INCOMPLETE TIM KEY (AUDIOBOOK)https://www.audible.co.uk/pd/Arts-Entertainment/The-Incomplete-Tim-Key-Audiobook/B005FYK89EAnd finally, here's ‘CHARLYWOOD'http://www.intro.charlywood.com/index.html See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.
“Life imitates Art far more than Art imitates Life,” Oscar Wilde famously observed. Wilde's waning romanticism can be read in stark contrast with Nietzsche, who argued around the same time, “art is nothing but a kind of applied physiology.” Robert Brain's The Pulse of Modernism: Physiological Aesthetics in Fin-de-Siecle Europe (University of Washington Press, 2015) unveils a fascinating world of exchange between artistic studios and physiology laboratories concealed by such pithy aphorisms. Brain argues that the influence and stature of physiological aesthetics have been overlooked in accounts of modernism in science and art, and seeks to recover experimental systems that were incredibly influential and fertile in their cultural situation. Brain first sets himself to chart the development of physiological recording in the sciences, first as experimental technique, then as ontology, in a fascinating chapter on the protoplasm theory of life and on to its application to the human qua human problems of linguistic analysis. He then describes the experimentalization of visual art (Georges Seurat, Edvard Munch) and poetry (Gustave Kahn, F. T. Marinetti). The influence of Charles Henry, who inhabited both artists' circles and physiology laboratories in his work as a preparateur, becomes a key pivot in Brain's narrative through his creation a scientific aesthetic that could be deployed as a kind of productive black-box. The Pulse of Modernism is a rich portrait of fin-de-siecle material and intellectual culture, and challenges the pride of place given to Victorian sensibilities in the fashioning of the late modern (early modernist) scientific subject. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices
在5.1日的夜晚，微醺，想到了我最爱的画家，随意的在钢琴上弹奏了许多。今晨整理。
在5.1日的夜晚，微醺，想到了我最爱的画家，随意的在钢琴上弹奏了许多。今晨整理。
© 2020-2025 Ivy Podcast Discovery LLC
