Podcasts about pissarro

Connaissez-vous Berthe Morisot ? Elle co-fonda le mouvement impressionniste avec ses amis Monet, Degas, Renoir, Pissarro, Sisley, etc. et exposa ses toiles au premier salon impressionniste de 1874 à Paris.  Bienvenue sur Cultivate Your French, Slow French, le podcast qui vous offre des sujets culturels et de la vie de tous les jours. Je vous lis tout d'abord le texte à vitesse lente et eensuite vous l'entendrez à vitesse normale. La double écoute, c'est extrêmement satisfaisant et efficace pour améliorer sa compréhension.  On peut voir des tableaux de Berthe Morisot dans différents musées à travers le monde, mais il n'y a qu'un endroit qui lui soit entièrement dédié. Il s'agit d'une maison à Bougival au bord de la Seine, une maison où elle fut heureuse et où elle peignit beaucoup.  Par un après-midi pluvieux début mai, j'ai eu la grande chance de visiter cette maison en compagnie de Christine Dezaunay, directrice du développement culturel et touristique du Patrimoine de la ville de Bougival et de Gaël Diot, adjoint au maire pour le patrimoine.  La maison est donc devenue un musée. C'est un endroit qui m'a fait une forte impression : c'est bien pensé, c'est beau et c'est très intéressant. C'est une véritable plongée dans l'univers de l'artiste. Dans ce premier épisode, nous déambulons dans la maison. Christine Dezaunay et Gaël Diot nous parlent de la scénographie qui donne tant de charme à cette visite.  Dans la lettre qui accompagne cette épisode, il y aura des photos de la visite, mais aussi des repères culturels pour comprendre qui était Berthe Morisot au sein du mouvement impressionniste.  Écouter ou lire c'est bien, mais remarquer, comprendre et cultiver son français, c'est mieux. Je vous invite donc à découvrir les lettres qui accompagnent les épisodes du podcast sous la forme d'un abonnement sur www.cultivateyourfrench.com

Antes de se tornar um dos artistas mais influentes da história, Vincent van Gogh foi o produto de um entrelaçamento improvável de fé rigorosa, mercado de arte, boemia parisiense e um pequeno vilarejo transformado em laboratório pictórico. Uma exposição no Castelo de Auvers‑sur‑Oise, nos arredores de Paris, propõe revisitar esse percurso, mostrando como religião, autodidatismo, excessos e territórios específicos moldaram um pintor que, mesmo após mais de um século, continua impossível de ser ignorado.  Márcia Bechara, enviada especial da RFI a Auvers-sur-Oise Antes de se tornar um “influenciador” — termo que hoje circula livremente para designar quem molda gostos, estilos e comportamentos — Vincent van Gogh foi, ele próprio, profundamente influenciado. A exposição Van Gogh, influencer, Heranças em Movimento, em Auvers‑sur‑Oise, nos arredores de Paris, parte justamente dessa inversão de perspectiva: a mostra recua no tempo para investigar o caldo cultural, religioso e artístico que moldou o pintor antes de ele se tornar o ícone incontornável da arte moderna. Misturando facsímiles raros de obras do gênio holandês (as obras do período francês estão em sua maior parte reunidas no Museu d'Orsay, na capital francesa) e obras de artistas vivos, a mostra contempla, em efeito de espelho, os ecos da força do pintor nas gerações futuras. “Entre as primeiras influências de Vincent van Gogh, há algo que costuma ser subestimado, mas que é fundamental: a religião”, afirma Wouter van der Veen, pesquisador holandês especializado em história da arte, um dos maiores especialistas internacionais em Vincent van Gogh e diretor científico do Instituto Van Gogh, sediado em Auvers‑sur‑Oise, além de curador da exposição. “Ele nasce filho de um pastor protestante, dentro de uma tradição marcada por uma profunda desconfiança em relação às imagens”. Na Holanda do século 19, o protestantismo calvinista ainda carregava os efeitos de um longo processo de iconoclastia. A produção e o culto às imagens eram vistos, nessas comunidades, como distrações perigosas da fé considerada verdadeira. “A lógica era eliminar as representações visuais, porque elas desviariam o fiel do essencial”, observa Van der Veen. “Isso era vivido de forma bastante concreta nas comunidades de onde Van Gogh veio”. Leia tambémExposição em Paris retraça últimos meses de Van Gogh em 'vilarejo dos impressionistas' Ao mesmo tempo, a família de Vincent reunia um paradoxo social e simbólico. “Os tios de Van Gogh eram marchands de arte. Três deles atuavam no mercado, todos em um nível social elevado”, destaca o curador. Em uma mesma linhagem conviviam, portanto, o rigor moral calvinista e a circulação constante de obras de arte. “As obras passavam de casa em casa, eles se visitavam, trocavam quadros e gravuras. Vincent cresce nesse ambiente”, diz. Desde cedo, Van Gogh demonstra uma relação intensa com a imagem. “Ele recebe uma educação muito sólida, bastante rígida, mas também extremamente completa: aprende quatro línguas, literatura, cultura geral, e, naturalmente, arte”, relata o diretor científico do Instituto Van Gogh. Essa formação cria um terreno fértil. “Ele manifesta muito cedo uma inclinação artística muito clara”, afirma. O aprendizado silencioso do mercado de arte Aos 16 anos, um dos tios aceita acolher Vincent como aprendiz em sua empresa. “Ele entra no mercado de arte muito jovem”, conta Van der Veen, retomando esse período pouco lembrado da biografia do pintor. Não se trata ainda de uma vocação como artista, mas de um trabalho. “Ele não será particularmente bom como marchand, mas passa sete anos nesse meio.” Durante esse período, algo decisivo acontece. “Milhares de gravuras passam pelas mãos dele. Centenas de pinturas”, enumera o curador. Van Gogh observa, compara, memoriza. “Ele tem uma memória visual extraordinária. Tudo isso constrói o que eu chamo de seu ‘catálogo interno'.” O olhar do artista começa a se formar antes mesmo de ele considerar a possibilidade de criar. “Entre os 16 e os 23 anos, ele trabalha nesse comércio de arte sem jamais pensar em se tornar artista”, prossegue o pesquisador holandês. O contato cotidiano com imagens cria um repertório denso, silencioso, acumulado. “Quando ele olha uma imagem mais tarde, ela nunca é neutra: está sempre atravessada por tudo o que ele já viu”. Depois de anos nesse universo, surge a frustração. “Ele passa a achar o mercado de arte um pouco vazio, sem sentido”, observa Van der Veen. Vincent busca outra trajetória. “Ele decide seguir os passos do pai e se tornar pastor”. Essa tentativa ocupa quatro anos de sua vida. “Ele tenta estudar teologia, mas não consegue. Procura trabalhos como evangelizador ou pregador, e não encontra”, relata o curador. Ao final desse percurso errático, a constatação se impõe: “É então que ele se diz: não, eu sou artista”. “Ele combina três coisas fundamentais: a cultura visual acumulada ao longo dos anos, o amor pela literatura e pelas línguas, e uma vontade profunda de dar sentido à existência”, analisa Van der Veen. Dessa combinação emerge o artista que conhecemos. “Mas é importante lembrar: ele começa a pintar seriamente aos 27 anos, o que é muito tarde”. Um autodidata contra todas as regras “A formação artística de Van Gogh é, em grande parte, autodidata”, afirma o curador da mostra. “Ele não entra no ateliê de um mestre, não segue uma escola.” Frequenta cursos esporádicos, aqui e ali, mas nada se sustenta. “O problema é o caráter: ele é absolutamente impossível”. O resultado é um aprendizado solitário, feito por tentativa e erro. “A imensa maioria da formação dele aconteceu sozinho”, diz Van der Veen. Até 1885 ou 1886, Van Gogh desenvolve um estilo muito pessoal, ainda ancorado no ambiente em que vive. Leia tambémNunca exibido em público, quadro de Van Gogh é leiloado por R$ 93 milhões em Paris Até então, ele praticamente não havia saído dos Países Baixos. “É uma região com um clima específico: céu baixo, luz difusa, tons mais fechados”, descreve o pesquisador. As cores de sua chamada fase holandesa refletem isso. “São tonalidades mais cinzentas, mais terrosas, e é isso que ele explora”. A virada ocorre quando Theo, seu irmão mais novo, já estabelecido em Paris como marchand de arte, convida-o a se mudar. “Theo seguiu o caminho que Vincent abandonou: o do mercado de arte”, lembra Van der Veen. Paris, naquele final do século 19, era o epicentro da vida artística europeia — e, em muitos sentidos, mundial. Vincent aceita o convite e passa dois anos vivendo com o irmão. Na capital francesa, ele é confrontado com um universo totalmente novo. “Ele descobre as gravuras japonesas, que o marcam profundamente”, observa o curador. O japonismo era uma moda entre artistas e intelectuais parisienses, mas, no caso de Van Gogh, a paixão assume outra escala. “Ele coleciona centenas e centenas dessas estampas”. Além disso, conhece pessoalmente figuras centrais da vanguarda. “Paul Signac, Émile Bernard, Paul Gauguin, Georges Seurat”, enumera Van der Veen. E vê de perto obras de Monet, Degas, Pissarro. “Há, de um lado, a força gráfica e cromática da arte japonesa; de outro, a abordagem científica da cor, como a de Signac.” Tudo isso se mistura. “Esse conjunto de influências vai construir o estilo Van Gogh.” Montmartre: a pintura mergulha no excesso Há, porém, outra influência decisiva, muitas vezes esquecida: a festa. “E todos os excessos que vêm com ela”, ressalta Van der Veen. Montmartre, naquele período, era um território híbrido. “Metade urbano, metade rural”, descreve o curador. Havia jardins, hortas e pequenos campos ainda ativos. “Van Gogh busca motivos tanto desse lado agreste quanto do outro”. Esse outro lado era o da vida noturna. “Os cabarés, os cafés: a Nouvelle Athènes, o Chat Noir, o Rat Mort”, lista Van der Veen. Espaços históricos onde a boemia parisiense se reunia. “A vida não parava, a festa não parava.” Esses lugares reuniam intelectuais, escritores, pintores, atores e poetas. “Era um mundo lendário”, diz o pesquisador holandês. Paris, à época, era amplamente reconhecida como a capital cultural do planeta. “E Montmartre funcionava como o lado alternativo desse grande palco: o espaço da ousadia, do risco, de ir longe demais.” Van Gogh estava no centro disso tudo. “Sua maneira de repensar a pintura, de romper fronteiras, deve muito a essa imersão no caldeirão cultural francês”, conclui o curador. Leia tambémProvável revólver usado em suicídio de Van Gogh é leiloado por € 162,5 mil Auvers‑sur‑Oise, o "país dos quadros" Ao se aproximar do fim da entrevista, o foco se desloca para Auvers‑sur‑Oise, pequena cidade a cerca de 30 quilômetros de Paris. Para o leitor brasileiro, o nome pode soar discreto. Mas, na história da arte, trata‑se de um território decisivo. “Muito antes de chegar a Auvers‑sur‑Oise, Vincent já conhecia a importância do lugar”, explica Van der Veen. “Quando trabalhava no comércio de arte, ele via constantemente obras criadas ali.” Isso se deve à presença, desde 1860, de Charles‑François Daubigny. “Ele era uma espécie de papa da pintura ao ar livre”, observa o curador. Ao se instalar em Auvers, Daubigny cria uma verdadeira colônia artística. “Isso acontece 30 anos antes da chegada de Van Gogh”. O efeito é duradouro. “Corot vem, depois Pissarro, Cézanne”, lembra Van der Veen. Grandes nomes se instalam naquele vilarejo para desenvolver suas pesquisas pictóricas. “São artistas hoje presentes nos maiores museus do mundo.” Auvers torna‑se um laboratório. “É ali que surgem manifestações iniciais de uma abordagem diferente da pintura”, afirma o diretor científico do Instituto Van Gogh. Cézanne, em particular, deixa marcas profundas que repercutiriam mais tarde na arte abstrata. Van Gogh chega consciente dessa herança. “E, ao final de sua vida, ele tem a certeza de que vai morrer”, relata o curador. Convencido de sofrer de sífilis e atormentado por crises mentais recorrentes, toma uma decisão. “Ele não quer morrer em um hospital ou em uma casa de saúde. Ele quer morrer à sua maneira. E quer fazê‑lo no país dos quadros”, diz Van der Veen. Esse país, para ele, era Auvers‑sur‑Oise. Nos últimos 70 dias de vida, pinta mais de 70 telas. “Qualquer um pode pintar um quadro por dia”, ironiza o curador, “mas não com essa qualidade”. Quando percebe a aproximação de uma nova crise, toma a decisão final e “ele decide assumir o controle da própria vida”. Depois da morte, a influência inevitável A exposição se encerra olhando para o que vem depois. “O que Vincent van Gogh fez foi realmente disruptivo”, afirma o pesquisador. Autodidata, ele criou suas próprias soluções formais. “Inventou coisas que ninguém tinha visto antes”. “Mas muito rapidamente, sobretudo após sua morte, os artistas percebem que ele abriu uma via totalmente nova”, explica o curador. Poucos tentaram pintar como ele, mas o impacto mais profundo foi outro. “Muitos passaram a querer viver como ele.” O exemplo de entrega absoluta à arte se torna, então, um modelo ético. Ao mesmo tempo, sua obra começa a circular intensamente. “É um momento de expansão da indústria da imagem”, observa Van der Veen. Livros ilustrados, fotografia. “As obras de Van Gogh são fotografadas e distribuídas, em preto e branco”. Mesmo assim, o impacto é imenso. Artistas absorvem, transformam, reutilizam. “Eles não podem ignorá‑lo”, afirma o curador. "Esse é o eixo central da exposição. Mesmo quem tenta fugir de Van Gogh não consegue. Depois de Van Gogh, pintar girassóis nunca mais será um gesto neutro”, conclui Van der Veen.  A mostra Van Gogh, influencer, Heranças em Movimento, fica em cartaz até 3 de janeiro de 2027, no Castelo de Auvers, em Auvers‑sur‑Oise.

Despedimos al actor de 'El Padrino', 'Apocalypse Now', 'Network' o 'Matar a un ruiseñor', Robert Duvall, debatiendo sobre su posible (y oportuna) ausencia de carisma o belleza en comparación con las rutilantes estrellas que siempre lo rodearon. Lo hacemos con Carlos Alsina, Rubén Amón, Rosa Belmonte, Guillermo Altares, Sergio del Molino y Nacho Vigalondo. Además, hemos leído 'París en ruinas', una fascinante inmersión en la Francia artística y convulsa (Guerra Francoprusiana, Comuna de París) que, en torno a 1870, dio a luz el estilo pictórico de Monet, Degas, Cezanne o Pissarro: el Impresionismo.

Despedimos al actor de 'El Padrino', 'Apocalypse Now', 'Network' o 'Matar a un ruiseñor', Robert Duvall, debatiendo sobre su posible (y oportuna) ausencia de carisma o belleza en comparación con las rutilantes estrellas que siempre lo rodearon. Lo hacemos con Carlos Alsina, Rubén Amón, Rosa Belmonte, Guillermo Altares, Sergio del Molino y Nacho Vigalondo. Además, hemos leído 'París en ruinas', una fascinante inmersión en la Francia artística y convulsa (Guerra Francoprusiana, Comuna de París) que, en torno a 1870, dio a luz el estilo pictórico de Monet, Degas, Cezanne o Pissarro: el Impresionismo.

Despedimos al actor de 'El Padrino', 'Apocalypse Now', 'Network' o 'Matar a un ruiseñor', Robert Duvall, debatiendo sobre su posible (y oportuna) ausencia de carisma o belleza en comparación con las rutilantes estrellas que siempre lo rodearon. Lo hacemos con Carlos Alsina, Rubén Amón, Rosa Belmonte, Guillermo Altares, Sergio del Molino y Nacho Vigalondo. Además, hemos leído 'París en ruinas', una fascinante inmersión en la Francia artística y convulsa (Guerra Francoprusiana, Comuna de París) que, en torno a 1870, dio a luz el estilo pictórico de Monet, Degas, Cezanne o Pissarro: el Impresionismo.Conviértete en un supporter de este podcast: https://www.spreaker.com/podcast/mas-noticias--4412383/support.

THE 1874 EXHIBITION AND THE BIRTH OF IMPRESSIONISM Colleague Sebastian Smee. In the spring of 1874, a group of painters including Degas, Monet, Pissarro, and Renoir gathered at the studio of the photographer Nadar to exhibit their work outside the established "Salon" system. This group, organizing themselves as the "Société Anonyme," had grown tired of the Salon's hierarchical preference for large-scale history and religious paintings over landscapes and contemporary life. The movement received its name from a critic who wrote a parody of the exhibition, seizing upon the title of Claude Monet's painting, Impression, Sunrise, to mock the work as unfinished sketches lacking structure or deep meaning. While photography existed, these painters sought to tell the story of their times through a revolutionary style that defied convention. Notably absent from this founding exhibition was Édouard Manet, the group's "blood brother" and inspiration, who still believed success required acceptance within the official Salon. NUMBER 1 1849 MONET

Join Annie Sargent and Elyse Rivin as they dive deep into the tragic and brilliant life of Vincent van Gogh. This episode isn't just about his iconic paintings—it's about the man behind the masterpieces. Elyse, with her deep knowledge of art history and her gift for storytelling, guides us through Van Gogh's tumultuous journey. From his early struggles in the Netherlands to his transformative years in France, we explore how his experiences shaped his art—and how his art, in turn, shaped the world. Listen to this episode ad-free Van Gogh's life was marked by failure, rejection, and mental health struggles. Elyse explains how these challenges fueled his creativity. As a young man, he tried—and failed—at careers as an art dealer, a preacher, and even a Bible translator. His family didn't know what to do with him, and his father even considered sending him to a mental hospital. But it was his brother, Theo, who became his lifeline. Theo provided financial and emotional support, allowing Vincent to focus on painting. This support gave him the freedom to experiment, leading to the bold, vibrant style we associate with him today. Paris was a turning point for Van Gogh. Elyse paints a vivid picture of his time there, living in Montmartre, meeting artists like Toulouse-Lautrec and Pissarro, and discovering new techniques. He hated the city at first, but over time, he began to embrace its energy. His move to Arles was another pivotal moment. He dreamed of creating an artists' colony there, but his relationship with Gauguin ended in disaster. Despite the chaos, this period was incredibly productive. He painted masterpieces like Starry Night Over the Rhône and Sunflowers. After his breakdown in Arles, Van Gogh was committed to an asylum in Saint-Rémy-de-Provence. Elyse's account of this time is heartbreaking yet inspiring. He continued to paint, creating some of his most famous works, including Wheat Fields and more versions of Starry Night. His final days in Auvers-sur-Oise were marked by relentless painting and a tragic end. This episode isn't just about art—it's about humanity, perseverance, and the cost of genius. If you love stories that move you, this is a must-listen. Subscribe to Join Us in France on your favorite podcast app so you never miss an episode. And if you're planning a trip to France, don't forget to check out Elyse's Toulouse Guided Walks for an unforgettable experience.  Table of Contents for this Episode [00:00:15] Introduction [00:00:31] Today on the podcast [00:01:03] Podcast supporters [00:01:33] Bootcamp 2026 [00:01:47] Magazine segment [00:02:25] Vincent Van Gogh with Elyse [00:03:38] Van Gogh's Life in France [00:04:57] The Universal Appeal of Van Gogh's Art [00:05:53] Why do people love his work? [00:09:30] Early Life and Family Background [00:13:49] Struggles with Mental Health and Career Choices [00:14:20] Moving to The Hague [00:16:09] Moving to London [00:21:06] Moving to Paris [00:23:26] Back to England [00:28:04] Returning home [00:28:55] The Decision to Become an Artist [00:29:24] Early Artistic Endeavors and Family Support [00:37:18] Van Gogh's Time in Paris [00:38:38] Van Gogh's Literary Influences [00:39:23] Return to Holland and Artistic Evolution [00:40:28] Personal Struggles and Relationships [00:42:06] Paris and Artistic Friendships [00:45:02] The Move to Arles [00:47:24] The Yellow House and Artistic Breakthrough [00:52:53] Mental Health Struggles and Saint-Rémy [00:59:11] Final Days in Auvers-sur-Oise [01:04:27] Legacy and Impact [01:09:40] Copyright More episodes about art in France #VanGogh, #VincentVanGogh, #ArtHistory, #StarryNight, #Sunflowers, #PostImpressionism, #FrenchArt, #ArtLovers, #ArtistsLife, #TragicGenius, #JoinUsInFrance, #FrancePodcast, #TravelFrance, #FrenchCulture, #ExploreFrance, #DiscoverFrance, #FranceTravelTips, #RealFrance, #Francophile, #FranceAdventures

Paris 1874: The Artistic Revolt Against the Salon and the Birth of Impressionism. Sebastian Smee discusses how on April 15, 1874, an exhibition opened marking the birth of Impressionism. The group, including Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, Cézanne, Degas, and Berthe Morisot, set up the show deliberately outside the established Salon. The Impressionists were frustrated by repeated Salon rejections and were in revolt; they wanted to paint contemporary life and fresh landscapes, rejecting the hierarchy and "made-up landscapes." The name Impressionism originated as an insult from a critic, inspired by Monet's painting, Impression, Sunrise. Critics found the paintings unstructured and lacking deep meaning. A crucial figure absent from the exhibition was Édouard Manet, considered the "father of Impressionism," who still believed success required Salon acceptance and saw the Impressionist show as a small, isolated "silo."

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/history

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/european-studies

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/french-studies

Satorius, Nerina www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

Convidado para expor no templo dos impressionistas, o Museu d'Orsay, em Paris, o artista plástico Lucas Arruda concebeu “Que importa a paisagem” como parte da Temporada França-Brasil 2025. Em suas paisagens, ele fala através de luzes, pinceladas, gestos e memória. Patrícia Moribe, em Paris“Fiquei muito feliz pelo convite”, conta Lucas Arruda, o primeiro artista brasileiro contemporâneo a exibir no Orsay. “Acho que também tive uma certa ansiedade, um certo nervosismo, um certo medo de ter algum aspecto pretensioso em estar aqui. Mas aí, aos poucos, eu fui achando essas relações [entre os quadros] e percebendo que daria para construir algo que não confrontasse, mas que sim, respeitasse e continuasse.”A ideia de trabalhar com Lucas Arruda já estava em pauta há algum tempo, conta o co-curador Nicolas Gausserrand. "Quando estamos diante de uma tela de Lucas Arruda, temos a impressão de que ela nos é familiar, e é o poder da paisagem de nos dar a sensação de que já a vimos", observa."Seja na realidade ou na pintura, as pinturas de Lucas Arruda parecem se inserir perfeitamente nessa continuidade, que é importante no Museu d'Orsay, ao mesmo tempo, trazendo uma contribuição nova, que é o fato de que ele não pinta, ao contrário dos impressionistas, diante da cena que vê. Todas essas telas são imaginadas e são totalmente ideais de paisagens feitas em sua mente.”“Há algo bastante didático na progressão da exposição, falando primeiro sobre paisagens, em um encontro que não é conflituoso, mas organizado de maneira bastante elegante, tanto para as obras das coleções - Rousseau, Corot, Boudin, Pissarro – como para as obras de Lucas Arruda”, explica Gausserrand.“Há também um deslocamento bastante excepcional do Mar Tempestuoso, de Courbet, para a galeria impressionista. E a conversa acontece de maneira bastante fluida com a paisagem como tema”, acrescenta Gausserrand.“Que importa a paisagem”, frase tirada de um poema de Manuel Bandeira, trafega por três salas. A primeira, com vários expoentes do impressionismo; depois, uma ala só com as séries de Arruda, que funciona como uma quebra e a continuidade do diálogo.Há mais de 15 anos, Lucas Arruda vem trabalhando paisagens em quadros de pequeno formato, da série Deserto-Modelo. O formato reduzido parece concentrar e, ao mesmo tempo, aumentar essa realidade virtual. O visitante precisa auscultar traços e matizes, guiado pelas luzes e memórias de Arruda.Depois, na sala de Claude Monet, cinco versões da catedral de Rouen inspiraram Arruda a buscar cinco imagens de florestas.“Tentei achar cinco matas que tivessem luzes diferentes, construções diferentes. Então foi tudo um pouco pensado, com o entorno, com algumas limitações”, explica.Ele fala sobre a influência dos impressionistas, mas sua obra vai além, com imagens que remetem a outras gerações de artistas, como William Turner, Joseph Constable, Mark Rothko, ou ainda as fotografias de Hiroshi Sugimoto.O artista explica ainda a admiração pelo trabalho de Alfredo Volpi, um dos grandes nomes do modernismo brasileiro. “A luz que vem de trás da têmpera do Volpi tem essa transparência, essa pincelada aberta, que não fecha, que não sela. É uma pincelada que, ao mesmo tempo em que ela deposita, ela também abre luz de trás.”“Que importa a paisagem”, de Lucas Arruda, fica em exposição no Museu d'Orsay, em Paris, até 20 de julho de 2025.

Notre invitée culture nous entraîne au 19ᵉ siècle, aux prémices du mouvement impressionniste. Dans « Les Collectionnistes » , Christelle Reboul joue Jeanne, l'épouse de Paul Durand-Ruel, grand marchand de tableaux qui fut le premier admirateur (et collectionneur) de Claude Monet. Renoir, Degas, et Pissarro… sous le regard effaré de sa femme. Christelle Reboul alias Jeanne Durand-Ruel est l'invitée d'Elisabeth Lequeret. ► https://www.theatremontparnasse.com/spectacle/les-collectionnistes/

Notre invitée culture nous entraîne au 19ᵉ siècle, aux prémices du mouvement impressionniste. Dans « Les Collectionnistes » , Christelle Reboul joue Jeanne, l'épouse de Paul Durand-Ruel, grand marchand de tableaux qui fut le premier admirateur (et collectionneur) de Claude Monet. Renoir, Degas, et Pissarro… sous le regard effaré de sa femme. Christelle Reboul alias Jeanne Durand-Ruel est l'invitée d'Elisabeth Lequeret. ► https://www.theatremontparnasse.com/spectacle/les-collectionnistes/

A new series has been released this morning (3 July) on Netflix. It is called Man with 1,000 Kids, and Netflix is billing it as the true story of Jonathan Meijer, a man accused of travelling the world, deceiving women into having his babies - via sperm donation - on a mass scale. Nuala talks to Jonathan Meijer, the sperm donor, to mums Natalie and Suzanne, who had a baby conceived with Jonathan's donor sperm, to Natalie Hill, the executive producer who pitched the original idea for these films to Netflix and to Rachel Cutting, director of compliance and information at the Human Fertilisation and Embryology Authority (HFEA), the UK's independent regulator of fertility treatment.A new report from AutoTrader has found that there's a stark gender divide when it comes to going green with your vehicle choice. Hyper-masculine marketing, highly technical jargon and anxieties around running out of charge are just some of the reasons they give on why women feel excluded from making the switch to electric vehicles. Nuala talks to Erin Baker, who is the editorial director at AutoTrader and author of the report. It's 150 years since the first Impressionist exhibition was held in Paris in 1874. The artists involved included Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley and Cézanne, and just one female artist was included in that first exhibition, Berthe Morisot. But women artists were involved with Impressionism, and 150 years on, the National Gallery of Ireland is holding an exhibition to put their work front and centre. The director, Caroline Campbell, joins Nuala McGovern to talk about the exhibition, Women Impressionists, and the four female pioneers who were integral to the artistic movement.Presenter: Nuala McGovern Producer: Laura Northedge

15 aprile 1874: è la data che segna la nascita di uno dei movimenti artistici d'avanguardia più conosciuto e amato nella storia dell'arte, l'Impressionismo. Un movimento che alle origini era una società anonima di pittori e scultori, una cooperativa di una ventina di artisti decisi ad avere il controllo della propria produzione artistica e a promuoversi autonomamente, al di fuori del circuito accademico dei Salons ufficiali: è l'avvio di una rivoluzione estetica che porterà alla ribalta i nomi di Monet, Renoir, Degas, Cézanne, Pissarro, Sisley e Morisot. Ma in quegli anni si gettano anche le basi del moderno sistema dell'arte, con un mercato basato sulle gallerie indipendenti, sulla figura del mercante-gallerista e sulla critica specializzata. Per capire come, siamo andati a Parigi sulle tracce di quella prima mostra impressionista a incontrare Anne Robbins, conservatrice al Musée d'Orsay, Sylvie Patry, ricercatrice e curatrice, e il sociologo dell'arte Alain Quemin. undefined

The Impressionist painters, from Monet to Renoir, Pissarro and Morisot, are beloved around the world. This year, France is celebrating their very first exhibition – a show that was one of the most momentous exhibitions in art history 150 years ago. To mark the event, arts24's Eve Jackson takes us to the home of Claude Monet in Giverny just outside Paris – a place of flowers, fields and water bathed in natural light that inspired his most famous works.

Il 15 aprile 1874 a Parigi si apriva la prima esposizione degli Impressionisti: riuniva oltre 160 opere di 31 artisti, fra questi alcuni dei nomi che sarebbero diventati noti in tutto il mondo: Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne e Morisot. È l'inizio di un'avventura che riunisce un gruppo di pittori decisi a liberarsi dal sistema dei salons ufficiali e dai legami con la tradizione. Le mostre di questi “indipendenti” susciteranno scandalo, tra la critica e il pubblico, ma segneranno una vera e propria rivoluzione artistica che avrà un'influenza decisiva anche sulle avanguardie di primo Novecento. Ne parleremo a “Voci dipinte” con lo storico dell'arte Stefano Zuffi, co-curatore della grande mostra Cézanne-Renoir in corso a Palazzo Reale a Milano. L'avventura “impressionista” attraverso le otto mostre, le recensioni della critica e la voce dei suoi protagonisti sarà raccontata in una miniserie di dieci puntate curata dalla storica dell'arte Susanna Gualazzini intitolata “Due chili di blu”.  Dalla luce degli impressionisti alla luce-colore di Augusto Giacometti, un pittore che è stato un vero innovatore: una grande mostra al Kunsthaus di Aarau propone una rilettura dell'opera dell'artista svizzero, che oscilla tra figurazione e astrazione.

Il 15 aprile 1874 a Parigi si apriva la prima esposizione degli Impressionisti: riuniva oltre 160 opere di 31 artisti, fra questi alcuni dei nomi che sarebbero diventati noti in tutto il mondo: Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne e Morisot. È l'inizio di un'avventura che riunisce un gruppo di pittori decisi a liberarsi dal sistema dei salons ufficiali e dai legami con la tradizione. Le mostre di questi “indipendenti” susciteranno scandalo, tra la critica e il pubblico, ma segneranno una vera e propria rivoluzione artistica che avrà un'influenza decisiva anche sulle avanguardie di primo Novecento. Ne parleremo a “Voci dipinte” con lo storico dell'arte Stefano Zuffi, co-curatore della grande mostra Cézanne-Renoir in corso a Palazzo Reale a Milano. L'avventura “impressionista” attraverso le otto mostre, le recensioni della critica e la voce dei suoi protagonisti sarà raccontata in una miniserie di dieci puntate curata dalla storica dell'arte Susanna Gualazzini intitolata “Due chili di blu”.  Dalla luce degli impressionisti alla luce-colore di Augusto Giacometti, un pittore che è stato un vero innovatore: una grande mostra al Kunsthaus di Aarau propone una rilettura dell'opera dell'artista svizzero, che oscilla tra figurazione e astrazione.

How does the concept of human dignity helps us to discuss current social issues in America. Part One of a two part podcast. Read Dignitas Infinita here: https://press.vatican.va/content/salastampa/en/bollettino/pubblico/2024/04/08/240408c.html Music by St. Mark Choir pursuant to One License Annual License w/Podcasting # A-726294 Two Young Peasant Women. Camille Pissarro French 1891–92 On view at The Met Fifth Avenue in Gallery 820 By virtue of their size, placement, and quiet dignity, these youthful laborers dominate the landscape setting—an open field near Pissarro's house at Eragny. Sympathetic to anarchist ideals, the artist wanted to preserve the values of agrarian society that were being threatened by the rapid industrialization of France. He began this picture in summer 1891 and completed it in mid-January 1892, a month before the opening of a major exhibition of his work organized by his dealer Joseph Durand-Ruel. Many of the fifty paintings were sold from the show, but Pissarro kept this canvas and gave it to his wife.

In this episode, Lucie Cruz, Content Producer at Crafty Counsel, is joined by Richard Barnett, General Counsel at The National Gallery.Responsible for advising The Gallery on all regulatory and commercial matters, Richard has played a crucial role in facilitating the acquisition of Thomas Lawrence's “Red Boy” through a private treaty sale, as well as procuring works by Veronese, Pissarro, Poussin, and others.In this episode, Richard opens up about the considerations and negotiations involved in acquiring artworks. He also shares his work for The National Gallery's Bicentenary - celebrating 200 years of bringing people and paintings together.Join the Crafty Counsel Community to discover a space where in-house legal professionals can find joy, insight, and connection. Register for the Crafty Counsel Community for free.

durée : 00:58:02 - Le Cours de l'histoire - par : Xavier Mauduit - Le 15 avril 1874, dans l'ancien atelier de Nadar, au 35, boulevard des Capucines à Paris, s'ouvre une exposition retenue par la postérité comme la première exposition impressionniste. Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley sont quelques-uns des artistes qui présentent leurs œuvres. - invités : Sylvie Patry Directrice artistique, Mennour, Paris; Anne Robbins Conservatrice peinture au musée d'Orsay

Pedro Gotor Fernández, Periquillo, un niño sevillano en los años 80 criado entre las Tres Mil Viviendas y el barrio de Nervión de la capital hispalense. Él es el 'Mosturito', el protagonista de la nueva novela de Daniel Ruiz que trata sobre violencia, pero sosegada y mantenida, de esa silenciosa que no salpica, pero que duele y te hace apartar la mirada.Después vamos a sumergirnos en los universos de dos grandes de la ilustración: por un lado con nuestro crítico de cómics, Javier Alonso, entramos a lo nuevo de Mikael Ross, el dibujante alemán del momento; y seguimos con Carme Solé Vendrell, la única persona a la que Gabriel García Márquez autorizó para ilustrar sus escritos. Esta última en una exposición que ha visitado Ángela Núñez en la Biblioteca Nacional de España. Seguimos con más arte porque nos vamos a París con nuestro corresponsal en Francia, Antonio Delgado. Allí, en el Museo de Orsay, se celebran los 150 años de la primera exposición impresionista de 1874 con cuadro de Cezánne, Renoir, Monet o Pissarro entre otros. Escuchar audio

“Paris 1874” Inventer l'impressionnismeau Musée d'Orsay, Parisdu 26 mars au 14 juillet 2024Interview de Sylvie Patry, conservatrice générale du patrimoine / directrice artistique, Mennour, Paris, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 25 mars 2024, durée 19'54,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2024/03/26/3528_paris-1874_musee-d-orsay/Communiqué de presseCommissariat :À Paris :Sylvie Patry, conservatrice générale du patrimoine / directrice artistique, Mennour, ParisAnne Robbins, conservatrice Peinture, musée d'OrsayAssistées de Caroline Gaillard et Estelle Bégué, musée d'OrsayÀ Washington :Mary Morton, curator and Head of the Department of French Paintings, National Gallery of Art, WashingtonD.C. Kimberly A. Jones, curator of 19th-Century French Paintings, National Gallery of Art, Washington D.C.Cette exposition est organisée par le musée d'Orsay et la National Gallery of Art, Washington où elle sera présentée du 8 septembre 2024 au 19 janvier 2025.Avec le soutien exceptionnel du Musée Marmottan Monet et de l'Académie des beaux-arts, Paris Avec la participation exceptionnelle de la Bibliothèque nationale de FranceIl y a 150 ans, le 15 avril 1874, ouvrait à Paris la première exposition impressionniste. Un groupe d'artistes de tous horizons, parmi lesquels Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley ou encore Cézanne, décident de s'affranchir des règles et des parcours établis en organisant une exposition indépendante : ainsi naît l'impressionnisme. Le musée d'Orsay célèbre cet anniversaire avec une exposition majeure intitulée Paris 1874. Inventer l'impressionnisme. Forte de quelque 160 oeuvres, celle-ci propose de poser un regard neuf sur cette période-clé.Paris, 1874 : c'est à cette date, considérée encore aujourd'hui comme le coup d'envoi des avant-gardes, que « s'invente » l'impressionnisme. Que s'est-il passé exactement en ce printemps 1874 ? Quel sens donner aujourd'hui à une exposition devenue légendaire ? Que sait-on d'une manifestation dont on ne conserve aucune image, et où les artistes aujourd'hui qualifiés d'« impressionnistes » étaient en fait largement minoritaires ? Tel est l'enjeu de Paris 1874 : entrer dans la fabrique d'un mouvement artistique émergeant d'un monde en pleine mutation, et revenir sur une exposition visitée en son temps par seuls quelques milliers de curieux, mais dont le retentissement exceptionnel se prolonge jusqu'à aujourd'hui.A partir de recherches neuves, l'exposition fait le point sur les circonstances ayant amené cette trentaine d'artistes, dont sept seulement sont considérés comme « impressionnistes », à se réunir pour montrer leur art en toute indépendance. Le climat de leur époque est celui d'un après-guerre, faisant suite à deux conflits : la guerre franco-allemande de 1870, perdue contre la Prusse, puis une violente guerre civile. Dans ce contexte de crise, les artistes repensent leur art et explorent de nouvelles directions. Avides d'autonomie, contestant un système académique qui le plus souvent les rejette, Monet, Degas, Morisot, Pissarro et leurs amis ou confrères se rassemblent sous forme de société anonyme coopérative pour exposer leur travail, au plein coeur du Paris moderne – au 35 boulevard des Capucines, dans l'ancien atelier du photographe Nadar –, en une présentation qui n'a rien d'homogène. Des scènes de la vie moderne ou de plein-air, à la touche enlevée, rapidement exécutées, y côtoient des tableaux plus conventionnels, de même que des gravures, sculptures et émaux. De cet assemblage d'environ 200 oeuvres, éminemment divers et inclassable, se dégage un désir commun : celui de faire carrière, en parallèle – ou en complément – de la voie officielle, et d'affirmer leur liberté. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Giorgio Villani"I luoghi degli impressionisti"Officina Librariawww.officinalibraria.netPiù d'altri pittori, gli Impressionisti vollero scrollarsi di dosso la polvere degli ateliers; sciamarono dunque per le strade chiassose di Parigi delle quali Baudelaire aveva additato già l'infernale bellezza, popolarono i caffè, e abitarono soffitte e casupole sulla collina di Montmartre. Non si limitarono alla città, ma piantarono il loro cavalletto nelle radure di Fontainebleau, dai maestosi castagni, già un tempo riserva di caccia dei re di Francia, sulle coste della Normandia, nei rustici villaggi della valle dell'Oise, dove spesso le strade diventavano impraticabili per il fango o per la neve, e ancora a Bougival o ad Argenteuil, fra le increspature scintillanti della Senna. Come già i loro amici naturalisti, Zola e Maupassant, amarono confondersi tra la gente per cogliere la realtà dal vivo, dipingendo perciò dappertutto perfino su una piccola barca dove Monet aveva fatto costruire uno studio fluttuante. Di questo mondo sono oggi rimaste soltanto poche, sparute reliquie. Già al tempo della sua vecchiaia, Renoir guardava con nostalgia all'antica Francia schietta e rurale, ormai sparita per sempre. Questo libro si propone di tracciare una topografia, illustrata dai dipinti di Manet, Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Gauguin, Van Gogh e da fotografie storiche. Con l'aiuto dei romanzi, dei racconti, dei giornali e delle memorie dei loro protagonisti restituisce i bagliori della vita trascorsa.Giorgio Villani è dottore di ricerca in Letterature comparate. Si è occupato di storia del gusto e dei rapporti fra la letteratura e le arti plastiche. Suoi saggi critici su questo argomento sono apparsi su «Paragone», la «Rivista di Letterature Moderne e Comparate e Storia delle arti» e «Antologia Vieusseux». È inoltre autore di studi sulla sensibilità artistica del XVIII secolo, Il Convitato di pietra. Apoteosi e tramonto della linea curva nel Settecento (Olschki 2016), e del XIX secolo, Un atlante della cultura europea. Vittorio Pica il metodo e le fonti (Olschki 2018 – Premio Casentino). Altri suoi libri sono: Dentro una conchiglia. Note d'arte sul liberty e sul déco (Bordeaux 2022), Tra ieri e oggi. Temi dell'immaginario (Palumbo 2022). Collabora con «Alias», supplemento culturale de «Il Manifesto», con «FMR» e con «Il Giornale dell'arte». IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.

Katie and Steve discuss three recent litigation updates. They discuss the outcome of the trial in the case brought by Dmitry Rybolovlev against Sotheby's for aiding in the alleged fraud of Yves Bouvier, the most recent Richard Prince fair use copyright infringement cases brought by two photographers, and the Ninth Circuit decision applying Spanish law to deny return of a Pissarro painting to the family of Lily Cassirer, whose property was looted by the Nazis and is currently located in a Spanish museum.   Notes for this episode: http://artlawpodcast.com/2024/02/05/art-law-litigation-updates-fraud-fair-use-and-nazi-looting/   Follow the Art Law Podcast Instagram: https://www.instagram.com/artlawpodcast/ TikTok: https://www.tiktok.com/@artlawpodcast

Una familia judía de origen alemán ha reclamado un cuadro de Pissarro que forma parte de la colección Thyssen Bornemisza alegando que si no se les devuelve el estado español es cómplice del expolio nazi. Los jueces han dado sentencia

Cezanne is widely celebrated today, but he struggled early on. He was rejected by Beaux Arts multiple times. He went back home to work at the bank for a while but he felt compelled to pursue the arts and he persisted. He met other artists like Renoir and Monet who had also been rejected by academic establishment and many critics of the day. The supported each other and learned from each other. In 1863, people were so sick of being rejected by the Paris Salon, they actually set up “Salon des Refuses” (salon of the rejected) next to the official salon to exhibit works by Monet, Manet, Pissarro. Cezanne would have loved to have his paintings exhibited in The Paris Salon, but his work hung in The Salon des Refuses. Related episodes to check out: Paul Cezanne (full episode) Art Smart - Impressionism & Post Impressionism Check out my other podcasts  Art Smart | Rainbow Puppy Science Lab Who ARTed is an Airwave Media Podcast. If you are interested in advertising on this or any other Airwave Media show, email: advertising@airwavemedia.com Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Tema polémico que perdura desde el fin del nazismo. Hablaremos sobre moral y sobre las últimas noticias del Pissarro del museo Thyssen de Madrid. En la segunda parte tratamos en profundidad las causas y motivaciones del expolio de arte por parte de los nazis y su carácter obsesivo e ideológico.

Em 2024, a alta da temperatura mundial deverá bater novo recorde e o ano será marcado por novos eventos climáticos extremos. Será também um ano de turbulências na geopolítica e economia mundiais, acredita o analista de política internacional da RFI. Flávio Aguiar, analista políticoTodos os meteorologistas concordam quanto à previsão de que 2024 será um ano mais quente do que 2023, que já foi o ano mais quente da história pelo menos desde que os registros regulares de temperatura começaram a ser feitos no século 19.Há divergências quanto ao nível de aumento da temperatura. Os mais extremados afirmam que 2024 pode ser o ano em que a média dos 12 meses ultrapasse 1,5°C acima da chamada média pré-industrial. O limite de 1,5°C foi o acordado em Paris, no ano de 2015, para impedir uma catástrofe climática maior, que aumente o risco de vida do nosso já combalido planeta.De todo modo, se aquela previsão se confirmar, 2024 será, como 2023, um ano marcado por excessos: inundações, ciclones, avalanches de neve e deslizamentos de terra em toda parte.Brics ampliadoA economia mundial promete também alguns confrontos aquecidos. O ano começa com a expansão do grupo conhecido como Brics, que até agora reunia Brasil, Rússia, Índia, China e África do Sul. Passam a integrá-lo o Irã, a Arábia Saudita, os Emirados Árabes Unidos, a Etiópia e o Egito.Apesar da desistência da Argentina de Javier Milei, que preferiu não entrar no bloco por razões ideológicas, esse Brics ampliado passa a representar 36% do Produto Nacional Bruto contra 31% do G7, grupo que reúne as nações mais ricas e industrializadas do planeta. O novo grupo representa 46% da população mundial, contra 10% do G7, e produz 40% do óleo bruto e gás do mundo.São países muito diferentes entre si, mas que desejam implementar um banco alternativo ao Fundo Monetário Internacional (FMI) e ao Banco Mundial, além de desejarem instituir novas moedas de negociação internacional, para além do dólar norte-americano.Disputas eleitorais2024 será marcado também por grandes disputas eleitorais nacionais em quatro dos cinco continentes. A exceção fica por conta da Oceania.Nas Américas, haverá eleição nos Estados Unidos e a questão que se coloca neste momento é se Donald Trump poderá participar ou não da votação. Também haverá eleição no México, onde pela primeira vez duas mulheres disputarão a presidência: Claudia Sheinbaum, pelo partido no poder de esquerda, e Xóchitl Gálvez, pela oposição de direita. Haverá ainda eleições gerais no Uruguai e na Venezuela.Na África, eleições gerais  ou presidenciais acontecem na Argélia, Moçambique, Tunísia e África do Sul. Na Ásia será a vez da Indonésia, Irã, Paquistão, Taiwan e Índia, onde o partido do primeiro-ministro Narendra Modi enfrentará uma frente unificada dos 26 partidos de oposição.Na Europa ocorrem eleições gerais na Bélgica, Áustria, Finlândia, Geórgia, Islândia e Portugal. Em junho haverá eleição para o Parlamento Europeu, prevendo-se o crescimento da bancada de extrema direita.Na Rússia, país que ocupa dois continentes, haverá eleição presidencial em março, com Vladimir Putin tentando seu quinto mandato.GuerrasProsseguem as duas principais guerras do momento. Na Europa, a da Ucrânia versus Rússia, com dúvidas sobre se prevalecerá no mesmo nível o apoio financeiro e bélico dos países da Otan ao governo de Kiev.No Oriente Médio, o conflito entre Israel e o grupo Hamas já provocou mais de mil mortos civis israelenses e duas dezenas de milhares de mortos civis em Gaza, sobretudo de mulheres e crianças. A situação humanitária no enclave palestino é terrível.E o novo ano começou mal para o primeiro-ministro israelense, Benjamin Netanyahu, e seu governo de extrema direita. No dia 1° de janeiro, o Supremo Tribunal de Israel declarou inconstitucional a projetada reforma do sistema judicial do país, que retiraria poderes do judiciário em favor dos poderes executivo e legislativo.Não há ainda um horizonte de paz ou pelo menos de cessar-fogo para essas duas guerras.Paris 2024Para sairmos do âmbito catastrófico, vale registrar que Paris sediará dois eventos de importância mundial, um no campo esportivo e outro no artístico.Em julho e agosto a capital francesa será a sede dos Jogos Olímpicos de Verão. No correr do ano, o Musée d'Orsay oferecerá uma exposição comemorativa dos 150 anos do lançamento da arte impressionista, um evento que reuniu pintores rejeitados pelo Salão Oficial de Paris da época, com nomes como Renoir, Monet, Cézanne, Degas, Sisley, Pissarro, Sisley, Guillaumin e Morisot. A exposição de 1874 aconteceu no salão do fotógrafo Nadar.Como começamos esta resenha de previsões para este ano falando do meio ambiente, lembremos, para terminar, que diversas associações e agências governamentais prometem atacar de frente o acúmulo de plásticos nos oceanos e de microplásticos em toda parte, outra ameaça grave à saúde humana e ao planeta.

“Paris, Rouen, Le Havre là cùng một thành phố còn sông Seine là phố chính”. Câu nói của Napoléon năm 1802 có lẽ đúng với các họa sĩ theo trường phái Ấn Tượng (Impressionnisme), những người tìm thấy ở sông Seine nguồn cảm hứng vô tận. Họ bị coi là lập dị vì vẽ trực tiếp thiên nhiên, những con người bình dị. Tranh của họ bị coi thường vì không theo thể thống, phá vỡ mọi nguyên tắc.   Không tìm được chỗ đứng trong hệ thống do Viện Hàn Lâm và Hành Chính Mỹ thuật chi phối, Cézanne, Degas, Guillaumin, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir và 22 nghệ sĩ khác tự lập Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs... (Hội các nghệ sĩ họa sĩ, tạc, khắc vô danh…) và quyết định tổ chức triển lãm tự do, không có giám khảo, không giải thưởng. Triển lãm đầu tiên được tổ chức ở Paris năm 1874 trong xưởng của nhà nhiếp ảnh Nadar. Tổng cộng có tám triển lãm được tổ chức cho đến năm 1886. Tên gọi Ấn Tượng cũng bắt nguồn từ mỉa mai của tờ báo trào phúng Le Charivari về bức tranh Impression, soleil levant (Ấn tượng, mặt trời mọc, 1872) bên bờ cảng Le Havre của Monet. Cụm từ “ấn tượng” được thể hiện qua nét vẽ nhanh, nhiều mầu trên tác phẩm, miêu tả màn sương đang bốc hơi, phản chiếu sắc cam trên trời, dưới nước nhưng lại tạo cảm giác tác phẩm như còn dang dở trong mắt người đương thời.  Từ bị dè bỉu, “Hội họa mới” thành Trường phái Ấn Tượng Khi bị chế nhạo như vậy, Monet, tác giả bức tranh lấy luôn tên “Impression” ghép với đuôi “-isme” - chỉ các “trường phái” hoặc “chủ nghĩa” - đang thịnh hành lúc đó để đặt tên cho phong trào Hội họa mới (Nouvelle peinture), xuất hiện từ những năm 1820. Trả lời RFI Tiếng Việt, bà Florence Calame-Levert, phụ trách về Nghệ thuật hiện đại và đương đại tại Liên hiệp các Bảo tàng thành phố Rouen, giải thích thêm về nguồn gốc của trường phái Ấn Tượng :  “Không phải phất chiếc đũa thần là ra được trường phái Ấn Tượng. Đó là một quá trình được hình thành từ lâu. Vào cuối thế kỷ 18, nhiều họa sĩ, như Hubert Robert hay Pierre-Henri de Valenciennes, có sở thích đặc biệt là vẽ ngoài trời. Ý là chặng dừng chân bắt buộc trong thời gian trau dồi để trở thành họa sĩ. Rất nhiều người đã tranh thủ chuyến đi để vẽ ngoài trời. Có thể thấy xu hướng đã nhen nhóm dù công luận chưa hào hứng hẳn bởi vì những tác phẩm được giới thiệu tại các phòng tranh vẫn là những tác phẩm chủ yếu được vẽ ở xưởng, tuân theo những nguyên tắc hội họa truyền thống và cổ điển. Trường phái Ấn Tượng đặc trưng cho việc dùng hình ảnh miêu tả ánh sáng, sự biến chuyển của ánh sáng ngoài trời, với bầu không khí. Vùng Normandie là địa điểm được yêu thích do gần với biển, gần với sông Seine nên thời tiết ở đây luôn thay đổi và chất lượng ánh sáng đặc biệt thu hút những họa sĩ theo trường phái Ấn Tượng”. Sông Seine - nhân vật chính của "Hội họa mới" Trong sự “phá cách” đó, dòng sông Seine là nguồn ý tưởng vô tận cho các họa sĩ trẻ và trở thành “Sông Seine của các họa sĩ Ấn Tượng”. Cảnh vật thay đổi theo bốn mùa, bầu trời lúc mưa lúc nắng, dòng nước như tấm gương phản chiếu, luôn thay đổi. Bà Florence Calame-Levert giải thích tiếp : “Ánh sáng, rồi việc lột tả được ánh sáng đó, là điều gì đó quyến rũ các họa sĩ. Sự phản chiếu của sông Seine và quang cảnh được Claude Monet thể hiện trong một tác phẩm năm 1914, được trưng bày ở Bảo tàng Mỹ thuật Rouen. Do đến sống bên bờ sông Seine nhiều lần, Monet đã tái hiện dòng sông dưới nhiều góc ánh sáng khác nhau nhờ vào đặc tính biến đổi của không khí. Đó là một chủ đề lôi cuốn và vô tận. Sông Seine phủ mây mù tùy theo mùa. Rồi tùy theo giờ trong ngày, bầu trời có thể mang sắc xanh hay xám, sông Seine tái hiện được hết. Khu vực được gọi là Hạ lưu sông Seine (Seine-Inférieure, tên gọi hiện nay là Seine maritime) có cả sông và biển nên quang cảnh thường xuyên thay đổi, bởi vì dưới tác động của thủy triều, mây và gió đến rồi đi nên bầu trời liên tục chuyển động, khiến cảnh quan liên tục thay đổi trong ngày và quanh năm. Đối với các họa sĩ Ấn Tượng, đó là một bộ sưu tập hiện tượng thiên nhiên, ánh sáng vô tận. Trước biển, trước dòng sông Seine đầy sắc thái, đó không hẳn là một kiểu quang cảnh biển, mà là quang cảnh của một cửa sông lớn”. Những họa sĩ trẻ Ấn Tượng còn bị coi là “gàn” khi đưa vào tranh của họ hình ảnh khói nhả ra từ nhà máy, hoạt động trên các bãi cảng, những công nhân bốc vác ăn mặc xuề xòa, trái hẳn với vẻ sang trọng, uy nghiêm của những nhân vật trong hội họa cổ điển. Cũng nhờ đường sắt phát triển nên Rouen và Le Havre không còn xa Paris. Cả hai thành phố đều nổi tiếng với hoạt động công nghiệp, hải cảng giao thương, cơ sở hạ tầng phát triển và đặc biệt là nằm ngay bên bờ sông Seine. “Tôi nghĩ có một sự tương hợp vì có rất nhiều họa sĩ Ấn Tượng đã đến Rouen, như Gauguin, Sisley, Pissarro… những người sau này có ảnh hưởng trực tiếp đến trường phái Rouen. Họ đến vì nhiều lý do khác nhau, vì Rouen có nhiều nhà sưu tập, mạnh thường quân, rồi vì Claude Monet sống ở Giverny, cách đây không xa lắm, và bởi vì phải nói Rouen là một thành phố đẹp, nằm ngay bên bờ sông Seine trong thung lũng xanh mướt mắt.  Ngoài ra Rouen còn là nơi dừng chân, gặp gỡ, trao đổi và ngắm cảnh vật thay đổi dọc bờ sông Seine. Nhưng phải nói điểm đến cuối cùng là Le Havre bởi vì ở thành phố cảng cũng có rất nhiều hoạt động liên quan đến hội họa. Giới sưu tập ở đó có khuynh hướng xã hội hơi khác một chút. Nói tóm lại, về trường phái Ấn Tượng, có hai cực là Rouen và Le Havre có sức hấp dẫn đối với các họa sĩ theo phong cách này”. Sức hút của dòng sông Seine được Bảo tàng Mỹ Thuật Rouen thể hiện cô đọng nhưng rất đầy đủ trong sơ đồ địa danh dọc dòng sông gắn liền với tên tuổi của các họa sĩ Ấn Tượng, từ Moret sur Loing hay Grez-sur-Loing trên dòng sông Marne đổ vào sông Seine, đến Charenton, Meudon, Chatou, Giverny, Vernon, Rouen… đổ ra cửa sông ở Le Havre. “Sông Seine cũng là một nguồn sống, nhộn nhịp hoạt động của con người. Các họa sĩ đến vẽ dọc dòng sông Seine đơn giản là vì họ tìm được chỗ trú chân ở những thành phố lớn như Rouen, nơi cũng có hoạt động công nghiệp, hoặc Le Havre nằm ở cửa sông Seine, và hai thành phố này không xa nhau lắm, chỉ khoảng 60 km. Nhưng cũng vì dòng sông Seine quanh co tạo nên những quang cảnh khác nhau, với những ngôi làng thường xuyên được các họa sĩ lui tới và thể hiện trên những phẩm của họ, như La Bouille rất đẹp, cách Rouen không xa, chỉ cần đi phà qua sông. Bên dòng sông uốn lượn vừa có cảnh đẹp nhưng cũng tạo cảm giác như được phiêu lưu”. Rouen trong dòng sáng tác các họa sĩ Ấn Tượng Rouen có vị trí đặc biệt đối với danh họa Claude Monet, người đặt tên “Trường phái Ấn Tượng” cho dòng “tranh mới”. Đến Rouen nhiều lần, vẽ Rouen từ nhiều góc, Claude Monet có ấn tượng đặc biệt với Nhà thờ lớn Rouen (Cathédrale de Rouen) và được họa sĩ Giverny thể trong một loạt tranh gắn liền với tên tuổi của ông. Bà Florence Calame-Levert giải thích : “Loạt tranh về Nhà thờ lớn có ý nghĩa quan trọng. Lúc đó, vẽ tranh theo loạt (série) cũng nằm trong sự đổi mới đó. Trước loạt tranh về nhà thờ lớn, có rất nhiều chủ đề khác, như các cối xay gió, nhà ga Saint-Lazare… Chính Monet là người nảy ra ý tưởng vẽ loạt tranh về Nhà thờ lớn Rouen. Ông tới Rouen hai lần liên tiếp. François Depeaux là người cho Monet mượn căn hộ nhỏ để làm xưởng vẽ ngay đối diện Nhà thờ lớn để họa sĩ làm việc. Năm 1915, tác phẩm được giới thiệu tại galerie Paul Durand-Ruel và François Depeaux là người đầu tiên mua một bức trong loạt tranh về cánh cổng Nhà thờ lớn Rouen. Đó là bức La Cathédrale de Rouen - temps gris (Nhà thờ lớn Rouen - Lúc trời âm u), hiện được trưng bày trong Bảo tàng Mỹ Thuật Rouen.  Trong tác phẩm này, chúng ta thấy những nét sáng, trong nền hồng, vàng, xanh dương. François Depeaux đã chọn bức tranh đặc trưng nhất cho mảnh đất của chúng tôi : Khi mưa phùn, người ta có cảm giác là những viên đá của nhà thờ hòa lẫn trong sương mù. Mỗi một mét vuông hòn đá của nhà thờ trở thành chất phát sáng trong cơn mưa phùn với tiết trời xám đó. Claude Monet đã làm được điều tuyệt vời. Trong khi người ta vẫn cứ nghĩ là ánh sáng và trời đẹp vẫn thú vị hơn là mưa phùn và trời âm u. Tác phẩm là bằng chứng thực sự cho thấy điều ngược lại”. Thành phố công nghiệp còn nổi tiếng với các mạnh thường quân. Léon Monet (1836-1917), anh trai của Claude Monet, là nhà công nghiệp trong ngành hóa chất, sản xuất mầu và cũng là nhà sưu tập có ảnh hưởng rất lớn đến giới quý tộc Rouen giầu có và chuộng hiện đại. Trong số này có Francois Depaux (1853-1920), một trong những người chịu ảnh hưởng từ Léon Monet, được mệnh danh là “người có 600 bức tranh” : 62 của Sisley, 23 Monet, 9 Pissarro, nhiều bức của Renoir và Toulouse-Lautrec…“Đó là những người có tầm nhìn xa trông rộng. Họ không phải là trí thức mà là doanh nhân có xu hướng hiện đại. Họ cởi mở với thế giới, làm việc trên cảng biển, giao thương với bên ngoài. François Depeaux là nhà khai thác than, có nghĩa là ông cũng có tầu thuyền nhập khẩu than. Việc François Depeaux quan tâm đến tranh theo trường phái Ấn Tượng có gì đó mang tính tiên phong bởi vì vào thời kỳ đó, tranh của các họa sĩ Ấn Tượng không được trưng bày trong bảo tàng… Nhưng ngoài yếu tố sưu tập cho chính mình, họ còn hỗ trợ cho các nghệ sĩ và sau này, một số nhà sưu tập, như François Depeaux, còn tặng lại bảo tàng bộ sưu tập cho thành phố Rouen, phục vụ công chúng. Họ đi theo hướng bảo trợ. Họ giúp công việc của các nghệ sĩ có thể thành công, họ chấp nhận rủi ro ở một mức độ nhất định, mặc dù vào thời điểm đó, Monet đã là một họa sĩ nổi tiếng. Nhưng dù sao, họ chi tiền để tạo điều kiện cho các nghệ sĩ làm việc”. Rời khỏi bảo tàng Mỹ Thuật Rouen trở lại thực tại, khách tham quan như cảm nhận thời gian ngừng trôi giữa những tác phẩm được trưng bày trong bảo tàng với dòng sông Seine vẫn uốn lượn chảy qua thành phố, hay với Nhà thờ lớn Rouen vẫn uy nghiêm ở đó. 

“Paris, Rouen, Le Havre là cùng một thành phố còn sông Seine là phố chính”. Câu nói của Napoléon năm 1802 có lẽ đúng với các họa sĩ theo trường phái Ấn Tượng (Impressionnisme), những người tìm thấy ở sông Seine nguồn cảm hứng vô tận. Họ bị coi là lập dị vì vẽ trực tiếp thiên nhiên, những con người bình dị. Tranh của họ bị coi thường vì không theo thể thống, phá vỡ mọi nguyên tắc.   Không tìm được chỗ đứng trong hệ thống do Viện Hàn Lâm và Hành Chính Mỹ thuật chi phối, Cézanne, Degas, Guillaumin, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir và 22 nghệ sĩ khác tự lập Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs... (Hội các nghệ sĩ họa sĩ, tạc, khắc vô danh…) và quyết định tổ chức triển lãm tự do, không có giám khảo, không giải thưởng. Triển lãm đầu tiên được tổ chức ở Paris năm 1874 trong xưởng của nhà nhiếp ảnh Nadar. Tổng cộng có tám triển lãm được tổ chức cho đến năm 1886. Tên gọi Ấn Tượng cũng bắt nguồn từ mỉa mai của tờ báo trào phúng Le Charivari về bức tranh Impression, soleil levant (Ấn tượng, mặt trời mọc, 1872) bên bờ cảng Le Havre của Monet. Cụm từ “ấn tượng” được thể hiện qua nét vẽ nhanh, nhiều mầu trên tác phẩm, miêu tả màn sương đang bốc hơi, phản chiếu sắc cam trên trời, dưới nước nhưng lại tạo cảm giác tác phẩm như còn dang dở trong mắt người đương thời.  Từ bị dè bỉu, “Hội họa mới” thành Trường phái Ấn Tượng Khi bị chế nhạo như vậy, Monet, tác giả bức tranh lấy luôn tên “Impression” ghép với đuôi “-isme” - chỉ các “trường phái” hoặc “chủ nghĩa” - đang thịnh hành lúc đó để đặt tên cho phong trào Hội họa mới (Nouvelle peinture), xuất hiện từ những năm 1820. Trả lời RFI Tiếng Việt, bà Florence Calame-Levert, phụ trách về Nghệ thuật hiện đại và đương đại tại Liên hiệp các Bảo tàng thành phố Rouen, giải thích thêm về nguồn gốc của trường phái Ấn Tượng :  “Không phải phất chiếc đũa thần là ra được trường phái Ấn Tượng. Đó là một quá trình được hình thành từ lâu. Vào cuối thế kỷ 18, nhiều họa sĩ, như Hubert Robert hay Pierre-Henri de Valenciennes, có sở thích đặc biệt là vẽ ngoài trời. Ý là chặng dừng chân bắt buộc trong thời gian trau dồi để trở thành họa sĩ. Rất nhiều người đã tranh thủ chuyến đi để vẽ ngoài trời. Có thể thấy xu hướng đã nhen nhóm dù công luận chưa hào hứng hẳn bởi vì những tác phẩm được giới thiệu tại các phòng tranh vẫn là những tác phẩm chủ yếu được vẽ ở xưởng, tuân theo những nguyên tắc hội họa truyền thống và cổ điển. Trường phái Ấn Tượng đặc trưng cho việc dùng hình ảnh miêu tả ánh sáng, sự biến chuyển của ánh sáng ngoài trời, với bầu không khí. Vùng Normandie là địa điểm được yêu thích do gần với biển, gần với sông Seine nên thời tiết ở đây luôn thay đổi và chất lượng ánh sáng đặc biệt thu hút những họa sĩ theo trường phái Ấn Tượng”. Sông Seine - nhân vật chính của "Hội họa mới" Trong sự “phá cách” đó, dòng sông Seine là nguồn ý tưởng vô tận cho các họa sĩ trẻ và trở thành “Sông Seine của các họa sĩ Ấn Tượng”. Cảnh vật thay đổi theo bốn mùa, bầu trời lúc mưa lúc nắng, dòng nước như tấm gương phản chiếu, luôn thay đổi. Bà Florence Calame-Levert giải thích tiếp : “Ánh sáng, rồi việc lột tả được ánh sáng đó, là điều gì đó quyến rũ các họa sĩ. Sự phản chiếu của sông Seine và quang cảnh được Claude Monet thể hiện trong một tác phẩm năm 1914, được trưng bày ở Bảo tàng Mỹ thuật Rouen. Do đến sống bên bờ sông Seine nhiều lần, Monet đã tái hiện dòng sông dưới nhiều góc ánh sáng khác nhau nhờ vào đặc tính biến đổi của không khí. Đó là một chủ đề lôi cuốn và vô tận. Sông Seine phủ mây mù tùy theo mùa. Rồi tùy theo giờ trong ngày, bầu trời có thể mang sắc xanh hay xám, sông Seine tái hiện được hết. Khu vực được gọi là Hạ lưu sông Seine (Seine-Inférieure, tên gọi hiện nay là Seine maritime) có cả sông và biển nên quang cảnh thường xuyên thay đổi, bởi vì dưới tác động của thủy triều, mây và gió đến rồi đi nên bầu trời liên tục chuyển động, khiến cảnh quan liên tục thay đổi trong ngày và quanh năm. Đối với các họa sĩ Ấn Tượng, đó là một bộ sưu tập hiện tượng thiên nhiên, ánh sáng vô tận. Trước biển, trước dòng sông Seine đầy sắc thái, đó không hẳn là một kiểu quang cảnh biển, mà là quang cảnh của một cửa sông lớn”. Những họa sĩ trẻ Ấn Tượng còn bị coi là “gàn” khi đưa vào tranh của họ hình ảnh khói nhả ra từ nhà máy, hoạt động trên các bãi cảng, những công nhân bốc vác ăn mặc xuề xòa, trái hẳn với vẻ sang trọng, uy nghiêm của những nhân vật trong hội họa cổ điển. Cũng nhờ đường sắt phát triển nên Rouen và Le Havre không còn xa Paris. Cả hai thành phố đều nổi tiếng với hoạt động công nghiệp, hải cảng giao thương, cơ sở hạ tầng phát triển và đặc biệt là nằm ngay bên bờ sông Seine. “Tôi nghĩ có một sự tương hợp vì có rất nhiều họa sĩ Ấn Tượng đã đến Rouen, như Gauguin, Sisley, Pissarro… những người sau này có ảnh hưởng trực tiếp đến trường phái Rouen. Họ đến vì nhiều lý do khác nhau, vì Rouen có nhiều nhà sưu tập, mạnh thường quân, rồi vì Claude Monet sống ở Giverny, cách đây không xa lắm, và bởi vì phải nói Rouen là một thành phố đẹp, nằm ngay bên bờ sông Seine trong thung lũng xanh mướt mắt.  Ngoài ra Rouen còn là nơi dừng chân, gặp gỡ, trao đổi và ngắm cảnh vật thay đổi dọc bờ sông Seine. Nhưng phải nói điểm đến cuối cùng là Le Havre bởi vì ở thành phố cảng cũng có rất nhiều hoạt động liên quan đến hội họa. Giới sưu tập ở đó có khuynh hướng xã hội hơi khác một chút. Nói tóm lại, về trường phái Ấn Tượng, có hai cực là Rouen và Le Havre có sức hấp dẫn đối với các họa sĩ theo phong cách này”. Sức hút của dòng sông Seine được Bảo tàng Mỹ Thuật Rouen thể hiện cô đọng nhưng rất đầy đủ trong sơ đồ địa danh dọc dòng sông gắn liền với tên tuổi của các họa sĩ Ấn Tượng, từ Moret sur Loing hay Grez-sur-Loing trên dòng sông Marne đổ vào sông Seine, đến Charenton, Meudon, Chatou, Giverny, Vernon, Rouen… đổ ra cửa sông ở Le Havre. “Sông Seine cũng là một nguồn sống, nhộn nhịp hoạt động của con người. Các họa sĩ đến vẽ dọc dòng sông Seine đơn giản là vì họ tìm được chỗ trú chân ở những thành phố lớn như Rouen, nơi cũng có hoạt động công nghiệp, hoặc Le Havre nằm ở cửa sông Seine, và hai thành phố này không xa nhau lắm, chỉ khoảng 60 km. Nhưng cũng vì dòng sông Seine quanh co tạo nên những quang cảnh khác nhau, với những ngôi làng thường xuyên được các họa sĩ lui tới và thể hiện trên những phẩm của họ, như La Bouille rất đẹp, cách Rouen không xa, chỉ cần đi phà qua sông. Bên dòng sông uốn lượn vừa có cảnh đẹp nhưng cũng tạo cảm giác như được phiêu lưu”. Rouen trong dòng sáng tác các họa sĩ Ấn Tượng Rouen có vị trí đặc biệt đối với danh họa Claude Monet, người đặt tên “Trường phái Ấn Tượng” cho dòng “tranh mới”. Đến Rouen nhiều lần, vẽ Rouen từ nhiều góc, Claude Monet có ấn tượng đặc biệt với Nhà thờ lớn Rouen (Cathédrale de Rouen) và được họa sĩ Giverny thể trong một loạt tranh gắn liền với tên tuổi của ông. Bà Florence Calame-Levert giải thích : “Loạt tranh về Nhà thờ lớn có ý nghĩa quan trọng. Lúc đó, vẽ tranh theo loạt (série) cũng nằm trong sự đổi mới đó. Trước loạt tranh về nhà thờ lớn, có rất nhiều chủ đề khác, như các cối xay gió, nhà ga Saint-Lazare… Chính Monet là người nảy ra ý tưởng vẽ loạt tranh về Nhà thờ lớn Rouen. Ông tới Rouen hai lần liên tiếp. François Depeaux là người cho Monet mượn căn hộ nhỏ để làm xưởng vẽ ngay đối diện Nhà thờ lớn để họa sĩ làm việc. Năm 1915, tác phẩm được giới thiệu tại galerie Paul Durand-Ruel và François Depeaux là người đầu tiên mua một bức trong loạt tranh về cánh cổng Nhà thờ lớn Rouen. Đó là bức La Cathédrale de Rouen - temps gris (Nhà thờ lớn Rouen - Lúc trời âm u), hiện được trưng bày trong Bảo tàng Mỹ Thuật Rouen.  Trong tác phẩm này, chúng ta thấy những nét sáng, trong nền hồng, vàng, xanh dương. François Depeaux đã chọn bức tranh đặc trưng nhất cho mảnh đất của chúng tôi : Khi mưa phùn, người ta có cảm giác là những viên đá của nhà thờ hòa lẫn trong sương mù. Mỗi một mét vuông hòn đá của nhà thờ trở thành chất phát sáng trong cơn mưa phùn với tiết trời xám đó. Claude Monet đã làm được điều tuyệt vời. Trong khi người ta vẫn cứ nghĩ là ánh sáng và trời đẹp vẫn thú vị hơn là mưa phùn và trời âm u. Tác phẩm là bằng chứng thực sự cho thấy điều ngược lại”. Thành phố công nghiệp còn nổi tiếng với các mạnh thường quân. Léon Monet (1836-1917), anh trai của Claude Monet, là nhà công nghiệp trong ngành hóa chất, sản xuất mầu và cũng là nhà sưu tập có ảnh hưởng rất lớn đến giới quý tộc Rouen giầu có và chuộng hiện đại. Trong số này có Francois Depaux (1853-1920), một trong những người chịu ảnh hưởng từ Léon Monet, được mệnh danh là “người có 600 bức tranh” : 62 của Sisley, 23 Monet, 9 Pissarro, nhiều bức của Renoir và Toulouse-Lautrec…“Đó là những người có tầm nhìn xa trông rộng. Họ không phải là trí thức mà là doanh nhân có xu hướng hiện đại. Họ cởi mở với thế giới, làm việc trên cảng biển, giao thương với bên ngoài. François Depeaux là nhà khai thác than, có nghĩa là ông cũng có tầu thuyền nhập khẩu than. Việc François Depeaux quan tâm đến tranh theo trường phái Ấn Tượng có gì đó mang tính tiên phong bởi vì vào thời kỳ đó, tranh của các họa sĩ Ấn Tượng không được trưng bày trong bảo tàng… Nhưng ngoài yếu tố sưu tập cho chính mình, họ còn hỗ trợ cho các nghệ sĩ và sau này, một số nhà sưu tập, như François Depeaux, còn tặng lại bảo tàng bộ sưu tập cho thành phố Rouen, phục vụ công chúng. Họ đi theo hướng bảo trợ. Họ giúp công việc của các nghệ sĩ có thể thành công, họ chấp nhận rủi ro ở một mức độ nhất định, mặc dù vào thời điểm đó, Monet đã là một họa sĩ nổi tiếng. Nhưng dù sao, họ chi tiền để tạo điều kiện cho các nghệ sĩ làm việc”. Rời khỏi bảo tàng Mỹ Thuật Rouen trở lại thực tại, khách tham quan như cảm nhận thời gian ngừng trôi giữa những tác phẩm được trưng bày trong bảo tàng với dòng sông Seine vẫn uốn lượn chảy qua thành phố, hay với Nhà thờ lớn Rouen vẫn uy nghiêm ở đó. 

Suốt sự nghiệp cầm cọ, Vincent Van Gogh (1853-1890) không bán được một tác phẩm nào. Chỉ vài ngày sau khi có người mua tác phẩm đầu tiên, họa sĩ qua đời ở tuổi 37. Trong quãng đời ngắn ngủi, có lẽ hai năm ở Paris là giai đoạn thăng hoa trong sự nghiệp của họa sĩ đoản mệnh. Van Gogh gặp những người bạn mới, khám phá trường phái Ấn Tượng, định hình phong cách vẽ. Đến Paris vào đầu tháng 03/1886 sau thời gian dài bất định về sự nghiệp, bất ổn về cuộc đời, lận đận trong tình duyên, Van Gogh tìm bước khởi đầu mới ở Kinh đô Ánh sáng. Chuỗi thất bại của họa sĩ Hà Lan được Wouter van der Veen, người chuyên viết về nghệ thuật và là chuyên gia về Van Gogh, tóm lược trong chương trình của Culture Tube về Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Vào lúc Vincent Van Gogh bắt đầu vẽ, ông ở trong tình trạng khá là tuyệt vọng, bị rơi vào ngõ cụt. Ông buộc phải đưa ra chọn lựa đó. Ông từng muốn làm mục sư nhưng thất bại, từng muốn làm nhà buôn nghệ thuật nhưng cũng không thành, cuối cùng ông tâm sự trong một bức thư gửi em trai là những gì còn lại với ông, chỉ là chút khả năng vẽ phác thảo. Chính từ chút năng lực đó, ông quyết định tiếp tục cuộc sống và dấn thân vào một con đường mới, nơi ông hy vọng trở thành một nhà in thạch bản, người vẽ tranh minh họa, người vẽ phác thảo. Nhưng ban đầu, đó không phải tiếng gọi của nghệ thuật lớn lao, đặc trưng cho sự nghiệp của ông như chúng ta biết sau này”.Có lẽ sẽ không có một Vincent Van Gogh nổi tiếng nếu không có người em trai Théo của ông. Théo có tài kinh doanh, đến Paris làm việc từ năm 1881, được giao làm giám đốc một chi nhánh của Galerie Boussod, Valadon et Cie trên đại lộ Montmartre. Théo sống trong căn hộ nhỏ ở phố Victor Massé để tiện cho công việc. Hai tháng sau khi Vincent đến, họ chuyển sang căn hộ trong tòa nhà xây theo phong cách kiến trúc Haussman ở số 54 phố Lepic, ngay dưới chân đồi Montmartre. Théo là nguồn động viên không mệt mỏi cả về tài chính lẫn tinh thần cho Vincent, vì Théo giữ niềm tin vô hạn vào tài năng của anh trai.Những cuộc gặp mới ở MontmartreMontmartre vào Thời Kỳ Tươi Đẹp (Belle Epoque, 1871-1880) nổi tiếng là tụ điểm giải trí sành điệu. Quán rượu, cà phê thi nhau mọc lên từ năm 1888, thu hút giới tinh hoa Paris và những nghệ sĩ nổi tiếng đương thời. Nhưng bên cạnh đó, vẫn còn một Montmartre giữ nét hoang sơ, tồi tàn của những khu ổ chuột trước đó.Montmatre và Paris mở ra nhiều cơ hội cho họa sĩ Hà Lan : bạn bè mới nhờ những mối quan hệ của Théo, cơ hội triển lãm tranh, khám phá trường phái Ấn Tượng để rồi theo đuổi con đường này. Trong thư đề tháng 9 hoặc 10/1886 gửi Horace Mann Livens, bạn đồng môn năm 1885 ở Viện Hàn Lâm Mỹ Thuật Hoàng Gia Anvers (Bỉ), Vincent Van Gogh tỏ ra hào hứng với cuộc sống mới : “Paris là Paris, chỉ có một Paris và dù cuộc sống ở đây có khó khăn đến đâu... không khí Pháp làm đầu óc tỉnh táo và tốt lên”. (1)Van Gogh bắt đầu vẽ từ cửa sổ phòng ngủ trong căn hộ mới phóng tầm mắt khắp Paris, từ những bức chân dung tự họa đến những khu vườn quanh Montmartre và mỏ đá trắng. Ngay cuối năm 1886, họa sĩ Hà Lan tham gia Xưởng Vẽ Cormon (Atelier Cormon do Fernand Cormon thành lập năm 1883 tại 104 đại lộ Clichy, Paris), nơi đánh dấu những thay đổi mang tính quyết định cho sự nghiệp của ông. Vincent học vẽ khỏa thân, làm quen với những họa sĩ trẻ như Emile Bernard và Henri de Toulouse-Lautrec.Qua giới thiệu của Théo, Vincent gặp nhiều nghệ sĩ nổi tiếng khác, Georges Seurat, Camille Pissaro, Paul Gauguin và Paul Cézanne. Họa sĩ Hà Lan hòa mình vào cuộc sống nghệ thuật sôi động của thành phố, thường xuyên đi xem triển lãm của Degas, Monet, Renoir và Sisley. Được truyền cảm hứng vẽ trực tiếp ngoài trời, ông không ngại vác giá vẽ ra khỏi đồi Montmartre và Paris để đến các vùng ngoại ô Asnières-sur-Seine, rừng Boulogne hay đảo Grande Jatte ở vùng Hauts-de-Seine hiện nay, kinh nghiệm mà theo tâm sự của ông trong thư gửi người bạn Bernard là “người ta không thể học vẽ được nếu chỉ ở trong xưởng vẽ của mình”.Chuyên gia về nghệ thuật Pascal Bonafoux nhận định trong chương trình của Culture Tube : “Giữa một bên là phòng trưng bày tranh Boussod, Valadon et Cie do Théo quản lý và bên kia là cửa hàng của Cha Tanguy, người ta đoán về cơ bản là Vincent khám phá ra trường phái Ấn Tượng. Chưa bao giờ ông ấy nhìn thấy bóng của một bức tranh như thế. Theo tôi, trong gần hai năm sống ở Paris là quãng thời gian Vincent Van Gogh thực sự tạo cho mình những cách sáng tạo ra một Vincent Van Gogh và để tạo ra sự độc đáo, có một không hai, sự kỳ dị trong tranh của ông”.Cha Tanguy (Père Tanguy) là một nhân vật quan trọng trong đời sống nghệ thuật của khu vực, là ân nhân của rất nhiều họa sĩ trẻ nhưng nghèo, kể cả Monet và Pissarro thời đó. Cửa hàng Cha Tanguy có đủ loại màu vẽ và thường bán chịu. Van Gogh cũng nằm trong số những họa sĩ gán nợ bằng tranh. Để cảm ơn “người bạn lớn”, Van Gogh đã vẽ Chân dung Cha Tanguy (Portrait du père Tanguy, 1887), chưa đầy một năm sau bức tự họa khi mới đến Paris.Thấm nhuần trường phái Ấn TượngChính những bức chân dụng tự họa cho thấy rõ độ mở nghệ thuật của ông. Mọi nghiên cứu về phong cách và mầu sắc đều được ông thể hiện trong những bức chân dung tự họa này, theo giải thích của chương trình Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Những bức tự họa đầu tiên được vẽ trong các mầu xám và mầu hạt dẻ nhanh chóng nhường chỗ cho các mầu vàng, đỏ, xanh lá cây và xanh dương. Kỹ thuật cầm cọ của ông cũng bắt đầu giống kỹ thuật không ngắt đoạn của các họa sĩ trường phái Ấn Tượng. Ông viết cho một người em gái : “Ý định của anh là cho thấy rằng người ta có thể vẽ nhiều bức tranh hoàn toàn khác nhau về cùng một người” (bức Tự họa đội mũ rơm (Autoportrait au chapeau de paille, 1887). Cho dù các ảnh hưởng xuất hiện trong tác phẩm của Van Gogh là đương thời hay truyền thống, chúng đều được thể hiện trong ngôn từ nghệ thuật của riêng ông”.Paris và cuộc gặp với trường phái Ấn Tượng, rồi hậu Ấn Tượng đã khiến bảng mầu của Van Gogh được mở rộng, sáng hơn, sống động hơn so với những bức tranh u tối, sầu não lúc còn ở Hà Lan và Bỉ. Sự thay đổi này được chính họa sĩ giải thích trong thư gửi em gái : “Điều mà người ta yêu cầu trong nghệ thuật ngày này, đó là điều gì đó thật sống động, rực rỡ, nồng nàn”.Sự sôi động trong tác phẩm Đại lộ Clichy (Boulevard de Clichy, 1887) là nhờ nét vẽ bớt cứng nhắc hơn, với hai gam mầu chủ đạo là tím và xanh. Những mầu sắc tươi sáng khác cũng được Van Gogh vận dụng vào tác phẩm Những vườn rau ở Montmartre (Jardins potagers à Montmartre, 1887), Sông Seine và cây cầu Grande Jatte (La Seine avec le pont de la Grande Jatte, 1887), Cây và rừng (Arbre et sous-bois, 1887), Công viên vào xuân (Parc au printemps, 1887)…Tranh của Van Gogh còn có ảnh hưởng từ cách chấm mầu của Paul Signac. Nghệ thuật Nhật Bản - niềm đam mê của các họa sĩ thời đó - hiện rõ trong hơn 30 bức vẽ tĩnh vật hoa, qua cách ông sử dụng những phối cảnh đậm và các mẫu trang trí phẳng, điểm thêm các tông màu đỏ đậm, để “cố thể hiện cường độ mầu sắc”.“Có thể thấy được sự tiến bộ rõ rệt trong cách vẽ của Van Gogh từ 1886-1888 qua ba bức chân dung. Chân dung một người đàn ông năm 1886 tiếp nối loạt chân dung sâu kín và thống thiết trong thời kỳ đầu của Van Gogh ở Nuenen. Bức chân dung Alexander Red được vẽ vào mùa xuân năm 1887 sử dụng cách phối mầu và kỹ thuật vẽ tương đối khác. Tháng 12/1887, Van Gogh vẽ Cô gái Ý (L'Italienne), được coi là bước ngoặt nghệ thuật của họa sĩ ở hai chiều và chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Nhật Bản, trong đó các màu sắc và đường nét tạo giá trị riêng biệt, ngoài thực tế”.Vận đen đeo bámVan Gogh trưng bày tranh ở các phòng tranh của bạn bè, các quán cà phê và nhà hàng, nơi trở thành điểm giao lưu, trao đổi của họa sĩ. Không ngạc nhiên khi Van Gogh vẽ chân dung khổ lớn chủ một nhà hàng lúc đó, có thể là Lucien Martin, ông chủ của quán Grand Bouillon, nơi họa sĩ Hà Lan trưng bày tranh. Van Gogh vẽ hơn 200 tác phẩm trong hai năm ở Paris. Thế nhưng không ai đoái hoài đến tranh của ông. Đen đủi vẫn đeo bám Van Gogh, như lúc ông còn ở Hà Lan hay Bỉ. Chuyên gia Pascal Bonafoux giải thích :“Hãy hình dung là vào thời kỳ mà tranh lịch sử vẫn được coi là hội họa chân chính, tranh chân dung là thể loại lớn… Còn đối với Van Gogh , một cành hoa, một chiếc giầy, một củ khoai tây cũng quan trọng như vậy. Dù chưa biết nhưng họa sĩ đã tham gia vào phong trào sau này là trở thành trường phái Ấn Tượng, lúc đó đã thịnh hành được khoảng 10 năm, và từng bước loại dần hội họa phân cấp đối tượng. Điều này đặc biệt quan trọng”.Những tác phẩm quan trọng nhất thuộc sở hữu của Théo, còn những bức khác thì làm quà tặng hoặc bị ăn trộm. Một vài tác phẩm được họa sĩ bán rẻ cho người buôn nghệ thuật. Vincent Van Gogh chán thành phố đang dần khiến ông ngột ngạt. Ông viết cho em gái Wilhemina, “Paris lớn như biển nhưng người ta luôn để ở đó một mảnh lớn cuộc đời”. Quyết định tìm đến thiên nhiên, tháng 02/1888, họa sĩ ôm đầy hoài bão chuyển xuống thành phố Arles, miền nam Pháp.Thế nhưng Van Gogh vẫn phải đối mặt với thực tế : tranh của ông không bán được. Đổi lại, Théo an ủi trong thư đề ngày 27/10/1888 là “anh đã tạo được cho chúng ta một mạng lưới nghệ sĩ và bạn bè, điều mà em hoàn toàn không thể làm được, vậy mà anh đã làm được phần nào từ khi anh ở Pháp”.Chán nản, kiệt quệ, bệnh tật có lẽ dần bào mòn sức lực của họa sĩ. Ông qua đời ở tuổi 37 vào lúc mà nỗ lực của ông cuối cùng cũng được biết đến, theo giải thích của Wouter van der Veen, chuyên gia về Van Gogh : “Sáu tháng trước khi qua đời (ở Auvers-sur-Oise, ngoại ô Paris), công việc của Vincent Van Gogh thu hút sự chú ý của một nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng. Người này viết trong tạp chí Mercure de France một bài báo dài gần 17 trang để giải thích công việc của họa sĩ Hà Lan này tuyệt vời đến nhường nào”.(1) Bảo tàng Van Gogh, Hà Lan

Suốt sự nghiệp cầm cọ, Vincent Van Gogh (1853-1890) không bán được một tác phẩm nào. Chỉ vài ngày sau khi có người mua tác phẩm đầu tiên, họa sĩ qua đời ở tuổi 37. Trong quãng đời ngắn ngủi, có lẽ hai năm ở Paris là giai đoạn thăng hoa trong sự nghiệp của họa sĩ đoản mệnh. Van Gogh gặp những người bạn mới, khám phá trường phái Ấn Tượng, định hình phong cách vẽ. Đến Paris vào đầu tháng 03/1886 sau thời gian dài bất định về sự nghiệp, bất ổn về cuộc đời, lận đận trong tình duyên, Van Gogh tìm bước khởi đầu mới ở Kinh đô Ánh sáng. Chuỗi thất bại của họa sĩ Hà Lan được Wouter van der Veen, người chuyên viết về nghệ thuật và là chuyên gia về Van Gogh, tóm lược trong chương trình của Culture Tube về Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Vào lúc Vincent Van Gogh bắt đầu vẽ, ông ở trong tình trạng khá là tuyệt vọng, bị rơi vào ngõ cụt. Ông buộc phải đưa ra chọn lựa đó. Ông từng muốn làm mục sư nhưng thất bại, từng muốn làm nhà buôn nghệ thuật nhưng cũng không thành, cuối cùng ông tâm sự trong một bức thư gửi em trai là những gì còn lại với ông, chỉ là chút khả năng vẽ phác thảo. Chính từ chút năng lực đó, ông quyết định tiếp tục cuộc sống và dấn thân vào một con đường mới, nơi ông hy vọng trở thành một nhà in thạch bản, người vẽ tranh minh họa, người vẽ phác thảo. Nhưng ban đầu, đó không phải tiếng gọi của nghệ thuật lớn lao, đặc trưng cho sự nghiệp của ông như chúng ta biết sau này”.Có lẽ sẽ không có một Vincent Van Gogh nổi tiếng nếu không có người em trai Théo của ông. Théo có tài kinh doanh, đến Paris làm việc từ năm 1881, được giao làm giám đốc một chi nhánh của Galerie Boussod, Valadon et Cie trên đại lộ Montmartre. Théo sống trong căn hộ nhỏ ở phố Victor Massé để tiện cho công việc. Hai tháng sau khi Vincent đến, họ chuyển sang căn hộ trong tòa nhà xây theo phong cách kiến trúc Haussman ở số 54 phố Lepic, ngay dưới chân đồi Montmartre. Théo là nguồn động viên không mệt mỏi cả về tài chính lẫn tinh thần cho Vincent, vì Théo giữ niềm tin vô hạn vào tài năng của anh trai.Những cuộc gặp mới ở MontmartreMontmartre vào Thời Kỳ Tươi Đẹp (Belle Epoque, 1871-1880) nổi tiếng là tụ điểm giải trí sành điệu. Quán rượu, cà phê thi nhau mọc lên từ năm 1888, thu hút giới tinh hoa Paris và những nghệ sĩ nổi tiếng đương thời. Nhưng bên cạnh đó, vẫn còn một Montmartre giữ nét hoang sơ, tồi tàn của những khu ổ chuột trước đó.Montmatre và Paris mở ra nhiều cơ hội cho họa sĩ Hà Lan : bạn bè mới nhờ những mối quan hệ của Théo, cơ hội triển lãm tranh, khám phá trường phái Ấn Tượng để rồi theo đuổi con đường này. Trong thư đề tháng 9 hoặc 10/1886 gửi Horace Mann Livens, bạn đồng môn năm 1885 ở Viện Hàn Lâm Mỹ Thuật Hoàng Gia Anvers (Bỉ), Vincent Van Gogh tỏ ra hào hứng với cuộc sống mới : “Paris là Paris, chỉ có một Paris và dù cuộc sống ở đây có khó khăn đến đâu... không khí Pháp làm đầu óc tỉnh táo và tốt lên”. (1)Van Gogh bắt đầu vẽ từ cửa sổ phòng ngủ trong căn hộ mới phóng tầm mắt khắp Paris, từ những bức chân dung tự họa đến những khu vườn quanh Montmartre và mỏ đá trắng. Ngay cuối năm 1886, họa sĩ Hà Lan tham gia Xưởng Vẽ Cormon (Atelier Cormon do Fernand Cormon thành lập năm 1883 tại 104 đại lộ Clichy, Paris), nơi đánh dấu những thay đổi mang tính quyết định cho sự nghiệp của ông. Vincent học vẽ khỏa thân, làm quen với những họa sĩ trẻ như Emile Bernard và Henri de Toulouse-Lautrec.Qua giới thiệu của Théo, Vincent gặp nhiều nghệ sĩ nổi tiếng khác, Georges Seurat, Camille Pissaro, Paul Gauguin và Paul Cézanne. Họa sĩ Hà Lan hòa mình vào cuộc sống nghệ thuật sôi động của thành phố, thường xuyên đi xem triển lãm của Degas, Monet, Renoir và Sisley. Được truyền cảm hứng vẽ trực tiếp ngoài trời, ông không ngại vác giá vẽ ra khỏi đồi Montmartre và Paris để đến các vùng ngoại ô Asnières-sur-Seine, rừng Boulogne hay đảo Grande Jatte ở vùng Hauts-de-Seine hiện nay, kinh nghiệm mà theo tâm sự của ông trong thư gửi người bạn Bernard là “người ta không thể học vẽ được nếu chỉ ở trong xưởng vẽ của mình”.Chuyên gia về nghệ thuật Pascal Bonafoux nhận định trong chương trình của Culture Tube : “Giữa một bên là phòng trưng bày tranh Boussod, Valadon et Cie do Théo quản lý và bên kia là cửa hàng của Cha Tanguy, người ta đoán về cơ bản là Vincent khám phá ra trường phái Ấn Tượng. Chưa bao giờ ông ấy nhìn thấy bóng của một bức tranh như thế. Theo tôi, trong gần hai năm sống ở Paris là quãng thời gian Vincent Van Gogh thực sự tạo cho mình những cách sáng tạo ra một Vincent Van Gogh và để tạo ra sự độc đáo, có một không hai, sự kỳ dị trong tranh của ông”.Cha Tanguy (Père Tanguy) là một nhân vật quan trọng trong đời sống nghệ thuật của khu vực, là ân nhân của rất nhiều họa sĩ trẻ nhưng nghèo, kể cả Monet và Pissarro thời đó. Cửa hàng Cha Tanguy có đủ loại màu vẽ và thường bán chịu. Van Gogh cũng nằm trong số những họa sĩ gán nợ bằng tranh. Để cảm ơn “người bạn lớn”, Van Gogh đã vẽ Chân dung Cha Tanguy (Portrait du père Tanguy, 1887), chưa đầy một năm sau bức tự họa khi mới đến Paris.Thấm nhuần trường phái Ấn TượngChính những bức chân dụng tự họa cho thấy rõ độ mở nghệ thuật của ông. Mọi nghiên cứu về phong cách và mầu sắc đều được ông thể hiện trong những bức chân dung tự họa này, theo giải thích của chương trình Van Gogh : Những bậc thầy hội họa :“Những bức tự họa đầu tiên được vẽ trong các mầu xám và mầu hạt dẻ nhanh chóng nhường chỗ cho các mầu vàng, đỏ, xanh lá cây và xanh dương. Kỹ thuật cầm cọ của ông cũng bắt đầu giống kỹ thuật không ngắt đoạn của các họa sĩ trường phái Ấn Tượng. Ông viết cho một người em gái : “Ý định của anh là cho thấy rằng người ta có thể vẽ nhiều bức tranh hoàn toàn khác nhau về cùng một người” (bức Tự họa đội mũ rơm (Autoportrait au chapeau de paille, 1887). Cho dù các ảnh hưởng xuất hiện trong tác phẩm của Van Gogh là đương thời hay truyền thống, chúng đều được thể hiện trong ngôn từ nghệ thuật của riêng ông”.Paris và cuộc gặp với trường phái Ấn Tượng, rồi hậu Ấn Tượng đã khiến bảng mầu của Van Gogh được mở rộng, sáng hơn, sống động hơn so với những bức tranh u tối, sầu não lúc còn ở Hà Lan và Bỉ. Sự thay đổi này được chính họa sĩ giải thích trong thư gửi em gái : “Điều mà người ta yêu cầu trong nghệ thuật ngày này, đó là điều gì đó thật sống động, rực rỡ, nồng nàn”.Sự sôi động trong tác phẩm Đại lộ Clichy (Boulevard de Clichy, 1887) là nhờ nét vẽ bớt cứng nhắc hơn, với hai gam mầu chủ đạo là tím và xanh. Những mầu sắc tươi sáng khác cũng được Van Gogh vận dụng vào tác phẩm Những vườn rau ở Montmartre (Jardins potagers à Montmartre, 1887), Sông Seine và cây cầu Grande Jatte (La Seine avec le pont de la Grande Jatte, 1887), Cây và rừng (Arbre et sous-bois, 1887), Công viên vào xuân (Parc au printemps, 1887)…Tranh của Van Gogh còn có ảnh hưởng từ cách chấm mầu của Paul Signac. Nghệ thuật Nhật Bản - niềm đam mê của các họa sĩ thời đó - hiện rõ trong hơn 30 bức vẽ tĩnh vật hoa, qua cách ông sử dụng những phối cảnh đậm và các mẫu trang trí phẳng, điểm thêm các tông màu đỏ đậm, để “cố thể hiện cường độ mầu sắc”.“Có thể thấy được sự tiến bộ rõ rệt trong cách vẽ của Van Gogh từ 1886-1888 qua ba bức chân dung. Chân dung một người đàn ông năm 1886 tiếp nối loạt chân dung sâu kín và thống thiết trong thời kỳ đầu của Van Gogh ở Nuenen. Bức chân dung Alexander Red được vẽ vào mùa xuân năm 1887 sử dụng cách phối mầu và kỹ thuật vẽ tương đối khác. Tháng 12/1887, Van Gogh vẽ Cô gái Ý (L'Italienne), được coi là bước ngoặt nghệ thuật của họa sĩ ở hai chiều và chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Nhật Bản, trong đó các màu sắc và đường nét tạo giá trị riêng biệt, ngoài thực tế”.Vận đen đeo bámVan Gogh trưng bày tranh ở các phòng tranh của bạn bè, các quán cà phê và nhà hàng, nơi trở thành điểm giao lưu, trao đổi của họa sĩ. Không ngạc nhiên khi Van Gogh vẽ chân dung khổ lớn chủ một nhà hàng lúc đó, có thể là Lucien Martin, ông chủ của quán Grand Bouillon, nơi họa sĩ Hà Lan trưng bày tranh. Van Gogh vẽ hơn 200 tác phẩm trong hai năm ở Paris. Thế nhưng không ai đoái hoài đến tranh của ông. Đen đủi vẫn đeo bám Van Gogh, như lúc ông còn ở Hà Lan hay Bỉ. Chuyên gia Pascal Bonafoux giải thích :“Hãy hình dung là vào thời kỳ mà tranh lịch sử vẫn được coi là hội họa chân chính, tranh chân dung là thể loại lớn… Còn đối với Van Gogh , một cành hoa, một chiếc giầy, một củ khoai tây cũng quan trọng như vậy. Dù chưa biết nhưng họa sĩ đã tham gia vào phong trào sau này là trở thành trường phái Ấn Tượng, lúc đó đã thịnh hành được khoảng 10 năm, và từng bước loại dần hội họa phân cấp đối tượng. Điều này đặc biệt quan trọng”.Những tác phẩm quan trọng nhất thuộc sở hữu của Théo, còn những bức khác thì làm quà tặng hoặc bị ăn trộm. Một vài tác phẩm được họa sĩ bán rẻ cho người buôn nghệ thuật. Vincent Van Gogh chán thành phố đang dần khiến ông ngột ngạt. Ông viết cho em gái Wilhemina, “Paris lớn như biển nhưng người ta luôn để ở đó một mảnh lớn cuộc đời”. Quyết định tìm đến thiên nhiên, tháng 02/1888, họa sĩ ôm đầy hoài bão chuyển xuống thành phố Arles, miền nam Pháp.Thế nhưng Van Gogh vẫn phải đối mặt với thực tế : tranh của ông không bán được. Đổi lại, Théo an ủi trong thư đề ngày 27/10/1888 là “anh đã tạo được cho chúng ta một mạng lưới nghệ sĩ và bạn bè, điều mà em hoàn toàn không thể làm được, vậy mà anh đã làm được phần nào từ khi anh ở Pháp”.Chán nản, kiệt quệ, bệnh tật có lẽ dần bào mòn sức lực của họa sĩ. Ông qua đời ở tuổi 37 vào lúc mà nỗ lực của ông cuối cùng cũng được biết đến, theo giải thích của Wouter van der Veen, chuyên gia về Van Gogh : “Sáu tháng trước khi qua đời (ở Auvers-sur-Oise, ngoại ô Paris), công việc của Vincent Van Gogh thu hút sự chú ý của một nhà phê bình nghệ thuật nổi tiếng. Người này viết trong tạp chí Mercure de France một bài báo dài gần 17 trang để giải thích công việc của họa sĩ Hà Lan này tuyệt vời đến nhường nào”.(1) Bảo tàng Van Gogh, Hà Lan

La obra temprana del reconocido pintor impresionista Camille Pissarro se desarrolló precisamente en Venezuela. Procedente de Charlotte Amalie, capital de Saint Thomas, colonia danesa perteneciente a una de las Islas Vírgenes, Pissarro llegó al país junto con el artista danés Fritz Melbye en noviembre de 1852. La experiencia en Caracas fue de estímulo e intercambio recíprocos que dio lugar a una labor artística muy prolífica para ambos. A diferencia de otros visitantes extranjeros, Pissarro no recorrió el país. En Caracas, La Guaira y alrededores, obtenía todos los motivos que le interesaba registrar. La escena de género y los temas costumbristas le permitieron analizar tanto a las personas como al paisaje rural y urbano. De allí la importancia de los apuntes o bosquejos con los que tomaba el dato inmediato. Cualquier detalle, por banal o cotidiano que fuera, era interesante registrarlo. Solía dibujar el reverso y el anverso de la hoja de papel. Algunos son estudios con los que Pissarro analizaba personajes y animales para luego insertarlos en el paisaje. Gustaba reproducir bajo un concepto realista detalles locales, aparentemente triviales, que tienen, en el fondo, enorme valor documental para conocer a la Venezuela de entonces. Sin embargo, pese a esta cualidad, su factura no era detallista. Por el contrario, trabajaba las atmósferas por medio de manchas y variaciones tonales buscando sugerir más que describir. Mediante la valorización de la línea -trazada en grafito o en plumilla- creaba efectos de luces y de sombras. Podía hacerla más expresiva e intensa como dar con ella sensación de ligereza a sus paisajes y a las escenas de costumbres. El resultado son dibujos luminosos e intimistas que muestran su mirada sensible ante lo que lo rodeaba. La etapa de Caracas, considerada por los historiadores como formativa, denota la amplitud temática que el artista poseía. Además de paisajes, vegetaciones y personajes, registró las diversas vistas de la ciudad, entonces desolada y precaria pues aún era patente, por un lado, la devastación del terremoto de 1812, y por el otro, los estragos de la guerra civil entre liberales y conservadores en 1848. A ello se agregan las largas revueltas armadas que existieron durante casi todo el siglo XIX. Pissarro mostró el aspecto pueblerino de la capital con sus templos, caminos y obras de ingeniería a medio hacer. Una devastación que no escapó de su percepción sobre el país. Afortunadamente, gran parte de los dibujos de la etapa caraqueña de Pissarro se encuentran en varias colecciones de museos nacionales e instituciones públicas y privadas del país. No se destruyeron como una buena cantidad de obras que se quemaron años después, en 1870, cuando tropas prusianas invadieron a Francia e incendiaron la casa del pintor. Estos dibujos quedaron en el país, un legado que, según los historiadores, tuvo gran importancia en su obra impresionista posterior. La luz y su manera de interpretar la realidad parecen confirmarlo. Camille Pissarro regresó a Saint Thomas y luego vivió en París, donde falleció en 1903. Escrito y narrado por Susana Benko Foto: Camille Pissarro La Pastora, 1853Tinta y sepia sobre papel Colección Galería de Arte Nacional, Caracas 1854

À l'occasion de l'exposition Degas en noir et blanc, l'historien de l'art Michel Melot revient sur l'amitié paradoxale entre Degas et Pissarro.Tout aurait dû les opposer : opinions politiques, vie de famille, mode de travail. Pourtant, Degas et Pissarro furent toute leur vie les meilleurs amis du monde et résistèrent aux querelles ; ils réinventèrent le monotype. Ils peignaient des femmes nues et des scènes de bordel pour Degas, des bergères dans les champs pour Pissarro. Leur art les accordait.Par Michel Melot, historien de l'art, ancien directeur du département des Estampes et de la photographie de la BnFConférence enregistrée le 8 juin 2023 à la BnF I Richelieu. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Historiquement Vôtre réunit trois personnages qui ont mis de l'argent dans l'art : l'acheteur et marchand d'art Paul Durand-Ruel qui a fait la renommée de toute une génération de peintres, en repérant en tout premier ceux qu'on n'appelle pas encore les Impressionnistes : Monet, Cézanne, Morisot, Pissarro, Degas, Renoir.... Puis lui aussi a fait collection : le magnat de l'industrie aux Etats-Unis, Henry Clay Frick, qui a bâti sa fortune, au sortir de la guerre de Sécession, dans le charbon. Et a fini par bâtir une immense maison pour accueillir toutes les œuvres d'art qu'il a collectionnées. Et un homme d'affaires milliardaire qui possède la plus grande collection d'art contemporain du monde : François Pinault.

Cezanne is widely celebrated today, but he struggled early on. He was rejected by Beaux Arts multiple times. He went back home to work at the bank for a while but he felt compelled to pursue the arts and he persisted. He met other artists like Renoir and Monet who had also been rejected by academic establishment and many critics of the day. The supported each other and learned from each other. In 1863, people were so sick of being rejected by the Paris Salon, they actually set up “Salon des Refuses” (salon of the rejected) next to the official salon to exhibit works by Monet, Manet, Pissarro. Cezanne would have loved to have his paintings exhibited in The Paris Salon, but his work hung in The Salon des Refuses. Related episodes to check out: Paul Cezanne (full episode) Art Smart - Impressionism & Post Impressionism Arts Madness Tournament links: Check out the Brackets Tell me which artist you think will win this year's tournament Give a shoutout to your favorite teacher (I'll send a $50 Amazon gift card to the teacher who gets the most shoutouts on this form by Feb 27) Who ARTed is an Airwave Media Podcast. Connect with me: Website | Twitter | Instagram | Tiktok Support the show: Merch from TeePublic | Make a Donation As always you can find images of the work being discussed at www.WhoARTedPodcast.com and of course, please leave a rating or review on your favorite podcast app. You might hear it read out on the show. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Steve and Katie speak with appellate litigator David Barrett about the story animating a recent Supreme Court case between the heirs of Lilly Cassirer, who fled Germany in 1939 after surrendering the painting Rue Saint-Honoré Après-midi, Effet de Pluie (Rue Saint-Honoré in the Afternoon, Effect of Rain) by Camille Pissarro to the Nazis, and the Spanish Museum known as the Thyssen-Bornemisza Collection. They discuss the journey of the painting in and out of the United States over a 60-plus-year period before it found its way into the collection of a Spanish museum, the Cassirer family's efforts to find and reclaim the painting, and the decades-long litigation in California that led to the recent Supreme Court decision overturning a decision of the 9th Circuit applying the Spanish law of adverse possession in favor of the Spanish Museum.

The book, Old Masters and Young Geniuses shows there are two types of creators: experimental, and conceptual. Experimental and conceptual creators differ in their approaches to their work, and follow two distinct career paths. Experimental creators grow to become old masters. Conceptual creators shine as young geniuses. University of Chicago economist, and author of Old Masters and Young Geniuses, David Galenson – who I interviewed on episode 105 – wanted to know how the ages of artists affected the prices of their paintings. He isolated the ages of artists from other factors that affect price, such as canvas size, sale date, and support type (whether it's on canvas, paper, or other). He expected to find a neat effect, such as “paintings from younger/older artists sell for more.” But instead, he found two distinct patterns: Some artists' paintings from their younger years sold for more. Other artists' paintings from their older years sold for more. He then found this same pattern in the historical significance of artists' work: The rate at which paintings were included in art history books or retrospective exhibitions – both indicators of significance – peaked at the same ages as the values of paintings. When he looked closely at how painters who followed these two trajectories differed, he found that the ones who peaked early took a conceptual approach, while those who peaked late took an experimental approach. Cézanne vs. Picasso The perfect examples of contrasting experimental and conceptual painters are Paul Cézanne and Pablo Picasso. Paintings from Cézanne's final year of life, when he was sixty-seven, are his most valuable. Paintings from early in Picasso's career, when he was twenty-six, are his most valuable. A painting done when Picasso was twenty-six is worth four times as much as one done when he was sixty-seven (he lived to be ninety-one, and his biographer and friend called the dearth of his influential work later in life “a sad end”). A painting done when Cézanne was sixty-seven – the year he died – is worth fifteen times as much as one done when he was twenty-six. Cézanne, the experimenter Cézanne took an experimental approach to painting, which explains why it took so long for his career to peak. Picasso took a conceptual approach, which explains why he peaked early. Cézanne left the conceptual debates of Paris cafés to live in the south of France, in his thirties. He spent the next three decades struggling to paint what he truly saw in landscapes. He felt limited by the fact that, as he was looking at a canvas, he could only paint the memory of what he had just seen. He did few preparatory sketches early in his career, but grew to paint straight from nature. He treated his paintings as process work, and seemed to have no use for them when he was finished: He only signed about ten percent of his paintings, and sometimes threw them into bushes or left them in fields. Picasso, the conceptual genius Picasso, instead, executed one concept after another. He had early success with his Blue period and Rose period, then dove into Cubism. He often planned paintings carefully, in advance: He did more than four-hundred studies for his most valuable and influential painting, Les Demoiselles d'Avignon. One model described how he simply stared at her for an hour, apparently planning a series of paintings in his head, which he began painting the next day, without her assistance. Cézanne said, “I seek in painting.” Picasso said, “I don't seek; I find.” Cézanne struggled to paint what he saw, and Picasso said, “I paint objects as I think them, not as I see them.” Experimental vs. conceptual artists Here are some qualities that differ between experimental and conceptual artists: Experimental artists work inductively. Through the process of creation, they arrive at their solution. Conceptual artists work deductively. They begin with a solution in mind, then work towards it. Experimental artists have vague goals. They're not quite sure what they're seeking. Conceptual artists have specific goals. They already have an idea in their head they're trying to execute. Experimental artists are full of doubt. Since they don't already have the solution, and aren't sure what they're looking for, they rarely feel they've succeeded. Conceptual artists are confident. They know what they're after, so once they've achieved it, they're done, and can move on to the next thing. Experimental artists repeat themselves. They might paint the same subject over and over, tweaking their approach. Conceptual artists change quickly. They'll move from subject to subject, style to style, concept to concept. Experimental artists do it themselves. They're discovering throughout the process, so they rarely use assistants. Conceptual artists delegate. They just need their concept executed, so someone else can often do the work. Experimental artists discover. Over the years, they build up knowledge in a field, to invent new approaches. Conceptual artists steal. To a greater degree than experimental artists, they take what others have developed and make it their own. Other experimental & conceptual artists Some other experimental artists: Georgia O'Keeffe: She painted pictures of a door of her house in New Mexico more than twenty times. She liked to start off painting a subject realistically, then, through repetition, make it more abstract. Jackson Pollock: He said he needed to drip paint on a canvas from all four sides, what he called a “‘get acquainted' period,” before he knew what he was painting. Leonardo da Vinci: He was constantly jumping from project to project, rarely finishing. He incorporated his slowly-accrued knowledge of anatomy, optics, and geology into his paintings. Some conceptual artists: Georges Seurat: He had his pointillism method down to a science. He planned out his most-famous painting, Sunday Afternoon, through more than fifty studies, and could paint tiny dots on the giant canvas without stepping back to see how it looked. Andy Warhol: Used assistants heavily, saying, “I think somebody should be able to do all my paintings for me,” and “Why do people think artists are special? It's just another job.” Raphael: Who had a huge workshop of as many as fifty assistants, innovated by allowing a printmaker to make and sell copies of his work, and synthesized the hard-won methods of Leonardo and Michelangelo into his well-planned designs. Experimental & conceptual creators in other fields Galenson has found these two distinct experimental and conceptual trajectories in a variety of fields. This runs counter to the findings of Dean Simonton, who believes the complexity of a given field determines when a creator peaks. Galenson argues that the complexity of having an impact in a field changes, as innovations are made or integrated into the state of the art. Sculpture In sculpture, Méret Oppenheim had a conversation in a café with Picasso, and got the idea to line a teacup with fur. It became the quintessential surrealist sculpture, Luncheon in Fur, but it was totally conceptual. She continued to make art into her seventies, and never did another significant work. Constantin Brancusi spent a lifetime as an experimental sculptor. He said, “I don't work from sketches, I take the chisel and hammer and go right ahead.” He did his most famous work, Bird in Space, when he was fifty-two. Novels In novels, Mark Twain wrote The Adventures of Huckleberry Finn experimentally, in at least three separate phases, over the course of nine years. He finally published it when he was fifty. Hemingway's novels were conceptually driven, using his trademark dialog as one of his major devices. He picked up this technique and synthesized it from studying the work of Gertrude Stein, Sherwood Anderson, and Twain himself. When I talked to Galenson on episode 105, he explained the way to spot the difference between an experimental and a conceptual novel is to ask, “are the characters believable?” Conceptual novelists focus on plot, while experimental novelists focus on character. Poetry In poetry, Robert Frost, who spent his career trying to perfect how rhythms and stress patterns affected the meanings of words – so-called “sentence sounds” – wrote “Stopping by Woods on a Snowy Evening” when he was forty-eight. Ezra Pound developed his technique of “imagism” when he was twenty-eight, and had thought it through so well he published a set of formal rules. With this conceptual approach, he created the bulk of his influential poems before he was forty, despite living well into his eighties. Movies In film, Orson Welles created Citizen Kane when he was only twenty-six. The carefully-planned conceptual innovations in cinematography and musical score make it widely-regarded as the most influential film ever. Alfred Hitchcock didn't make his most-influential films until the final years of his life, as he was about sixty. He said, “style in directing develops slowly and naturally.” Are you an old master, or young genius? I really enjoyed Old Masters and Young Geniuses. I find this dichotomy of experimental versus conceptual approaches really helpful in understanding why, in general, some creative solutions come quickly, while others take months or years of searching. Do you have a choice in the matter? Galenson is careful to stress that you aren't either an experimental or conceptual creator – it's a spectrum, not a binary designation. But in case you're wondering if you can make yourself a conceptual creator, to become successful more quickly, Galenson says you can't. You might switch from a conceptual to an experimental approach, and find it works better for you, as did Cézanne, or you might try to go from experimental to conceptual and find it doesn't, as did Pissarro. But you can't change the way you think. He told me, “It's like trying to change your brain, and we don't know how to do that.” About Your Host, David Kadavy David Kadavy is author of Mind Management, Not Time Management, The Heart to Start and Design for Hackers. Through the Love Your Work podcast, his Love Mondays newsletter, and self-publishing coaching David helps you make it as a creative. Follow David on: Twitter Instagram Facebook YouTube Subscribe to Love Your Work Apple Podcasts Overcast Spotify Stitcher YouTube RSS Email Support the show on Patreon Put your money where your mind is. Patreon lets you support independent creators like me. Support now on Patreon »       Show notes: http://kadavy.net/blog/posts/old-masters-young-geniuses

The topic of this episode of the Coffee Break French Magazine is French painter and founder of impressionist painting, Claude Monet. As we hear about his life and work throughout the text, Mark and Pierre-Benoît focus on the language used before Sophie joins Mark to discuss some interesting quotations by Pissarro. We also hear examples of perfect and imperfect tenses; direct and indirect object pronouns; and the pluperfect tense with the auxiliary verbs avoir and être. Some expressions to listen out for include: ne pas avoir bon caractère and initier qqn à qqch.There will be a total of 10 episodes in Season 2 of the Coffee Break French Magazine. If you'd like to benefit from lesson notes, transcripts, vocabulary lists and exercises, you can access the premium version of the Magazine here.Don't forget to follow Coffee Break French on Facebook where we post language activities, cultural points and review materials to help you practise your French. Remember - a few minutes a day can help you build your confidence in the language. Access the Coffee Break French Facebook page here.If you'd like to find out what goes on behind the scenes here at Coffee Break Languages, follow @coffeebreaklanguages on Instagram, and check out our videos for language learners on our YouTube channel.Find out everything you need to know about Coffee Break French at http://coffeebreakfrench.com See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Ecco il secondo episodio della mini serie "Il Giardino Impressionista" ideata e realizzata insieme a Clara Stevanato. Parliamo di "Pittori in Giardino" e in particolare ci dedichiamo a Claude Monet Paul-Émile Pissarro e Gustave Caillebotte. Tutti e tre hanno dipinto molti quadri dedicati al proprio giardino ma con stili e approcci diversi . Monet coltiva il suo giardino come fosse un quadro; il giardino di Pissarro è un giardino-orto, un giardino-frutteto che si fonde con il paesaggio circostante; Caillebotte invece ha un approccio più razionale e scientifico quasi botanico nel dipingere il proprio giardino. Buon viaggio alla scoperta di questi tre grandi artisti e dei loro giardini... Buon ascolto!

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/history

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/biography

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/art

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/european-studies

Between 1862 and 1866 Gustave Courbet embarked on a series of sensuous landscape paintings that would later inspire the likes of Monet, Pissarro, and Cézanne. This series has long been neglected in favor of Courbet's paintings of rural French life. Courbet's Landscapes: The Origins of Modern Painting (Yale UP, 2022) explores these astonishing paintings, staking a claim for their importance to Courbet's work and later developments in French modernism. Ranging from the grottoes of Courbet's native Franche-Comté to the beaches of Normandy, Paul Galvez follows the artist on his travels as he uses a palette-knife to transform the Romantic landscape of voyage into a direct, visceral confrontation with the material world. In this interview, Allison Leigh talks to Dr. Galvez about why he felt we needed another book on Courbet, how he tackled the voluminous scholarship on this artist, and how to make claims about an artist's intentions from a historical standpoint. Their conversation ranges from how to best use comparisons in art historical argumentation to the difficulties of reproducing some art works—even with high resolution digital photography. Allison Leigh is Associate Professor of Art History and the SLEMCO/LEQSF Regents Endowed Professor in Art & Architecture at the University of Louisiana at Lafayette. Her research explores masculinity in European and Russian art of the eighteenth through the early twentieth centuries. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/french-studies

In questa "mini serie" di episodi insieme a Clara Rita Stevanato parliamo del "giardino impressionista": dei pittori impressionisti e della loro passione per il giardino, in tutte le sue forme dal giardino privato al parco pubblico. Ci siamo ispirati alla mostra "Côté Jardin: de Monet à Bonnard" che si è tenuta nel 2021 presso il Museo des impressionnismes a Giverny. Nel primo episodio facciamo un'introduzione generale, parlando della Parigi di metà Ottocento in cui ritroviamo tutti i principali pittori impressionisti e in cui sta avvenendo una sorta di "rivoluzione urbana" con il fiorire di parchi e giardini pubblici come luoghi di ritrovo e di divertimento. Il giardino in questo periodo diventa un'ossessione pittorica per artisti come Caillebotte, Monet e Pissarro che dipingeranno ognuno con il proprio stile i loro giardini privati. Non vi anticipiamo altro! Buon ascolto!