ZKM | Karlsruhe /// Specials /// Specials

[MASTERCLASS]! Das Stipendienprogramm für kunstinteressierte Jugendliche am ZKM [15.07.2022] In der [MASTERCLASS] bekommen die Teilnehmer:innen während eines Schuljahres die Möglichkeit, mit Unterstützung des ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, aktuelle Kunstströmungen sowie das Programm des ZKM kennen zu lernen sowie die Chance selbst ein Kunstwerk zu schaffen und dies im Rahmen einer öffentlichen Präsentation auszustellen. Der Austausch mit Gleichgesinnten und professionellen Kunstschaffenden ist dabei eine einmalige Gelegenheit, sich und seine Arbeit in einem künstlerischen Umfeld auszuprobieren und weiterzuentwickeln. Fünf bis sieben Bewerber:innen mit einer erkennbaren Begeisterung an Kunst, neuen Medien und dem ZKM werden von einer Fachjury für das einjährige Stipendium ausgewählt. Gemeinsam mit der Fördergesellschaft ZKM / HfG e.V. und der Unterstützung der Gunther Schroff-Stiftung initiierte die Museumskommunikation 2014 die Schüler:innen-Begabtenförderung [MASTERCLASS] am ZKM.

Blind Date with a Book | Hugo Gernsback und seine historisch-technischen Magazine in der Bibliothek des ZKM. Der in Luxemburg geborene Hugo Gernsback (1884–1967), dessen Familie aus dem Badischen stammt, und der seine technische Ausbildung in Bingen erhielt, wanderte 1904 nach Amerika aus. Dort begründete er mit der Herausgabe der Zeitschriften wie »Amazing Stories« (1926–1929) und »Wonder Stories« (1929–1936) das moderne Genre der Science-Fiction-Literatur. Als einer ihrer wichtigsten Begründer hat Gernsback wertvolle Anregungen für erfinderische und experimentelle Arbeiten im Bereich der Technik gegeben und die an neuen Erfindungen interessierte Jugend wesentlich beeinflusst. Anfragen zur Nutzung der Archivbestände unter bibliothek@zkm.de und weitere Informationen auf zkm.de

Work-in-Progress concert [06.05.2022] Takuto Fukuda: »Simulacra« (2019 – 2022) for five cellists and audiovisual electronics, 34' European premiere »Simulacra« is a composition for five cellists and audiovisual projections. This piece reflects Jean Baudrillard's concept of “simulacrum” defined as a “copy without original,” and addresses the following question: what is it that engenders a sense of ‘authentic' concert experience in the age of simulation? In his book »Liveness: Performance in a Mediatized Culture« (2011), Philip Auslander asserts that the authentic object for listeners in pop music concerts has changed from performers' actual musicianship to a simulation of recorded performances that have never existed in the real world, but were created with the extensive use of studio production techniques (e.g., lip-synced performances). Drawing on this historical transition of authenticity in concerts from actual to fictional performance, this composition presents the hybridity of corporeal performance and audiovisual imagery as a new authentic experience in a concert. The piece reflects the concept of “simulacrum” in theatrical and musical ways. Theatrical simulacra are achieved by the use of multiple visible “copies” of a single main cellist. The copies may be other performers whose identity is unidentifiable, as they wear a mask, perform off stage and perform in a virtual world created in the video projections. Musical simulacra are brought into being by the use of audible “copies” of a cello performance. This copies may be created by splicing recorded performances, using physical modeling synthesis and immersive audio projection systems. These approaches enable »Simulacra« to merge the actually existent and fictionally projected performances into an unrealistically augmented real performance. Fundamental to the realization of the piece is the collaboration with cellist Esther Saladin, who is scanned during her playing in order to reproduce the processed recordings in the concert space. This virtualization of the cellist's playing in Takuto Fukuda's work is realized by using Volumetric Capturing. The process makes it possible to record, edit and store scenes in their three-dimensional reality. Volumetric capturing is an elaborate process that scans the instrumentalist from all sides using a large number of sensors distributed throughout the room and reassembles this data into a complete image. The process makes it possible to change the viewing angle afterwards. Esther Saladin is in demand as a soloist and chamber music partner of various trio formations and ensembles in the field of contemporary and classical music on the stages. She often combines music with other art forms in her productions.

Mit Werken von Conlon Nancarrow, Klarenz Barlow, Jagyeong Ryu (UA), Jean-Claude Risset, Ludger Brümmer, u.a.; Soloklavier: Susanne Achilles [25.09.2021] Im Rahmen des Projektes »EASTN-DC« werden selbstspielende Klavierwerke im ZKM Foyer präsentiert. Die wohl gelungensten akustischen Musikmaschinen sind durch die Integration von Instrument und Computer steuerbare Konzertflügel. Deren Entwicklung folgt einer langen Historie von autark spielenden Player Pianos bis hin zu Nancarrows präziser Papierrollen-Steuerung mit pneumatischer Mechanik. Computerflügel ermöglichen eine ungeahnte rhythmische Präzision, die sich bei mehreren verwendeten Instrumenten auch als Raumklang artikuliert. Mit freundlicher Unterstützung des ComputerStudio der Hochschule für Musik Karlsruhe, das dieses Konzert mit der Leihstellung von drei Computerflügeln ermöglicht, werden im großen Klangraum des Foyer des ZKM insgesamt vier Computerflügel von einem Computer gesteuert.

Residency initiative »bangaloREsidency-Expanded« | Concert [05.03.2022] Sultana Zana »The Only Time Is Now! Where Are You?« (2020 – 22), for live electronics, 30' – 40' As human beings, we cannot be sure if others see the world in the same way as we do. This piece creates a mythical space that is atmospheric, and through the course of the performance, it fills up with the imagery of our own mind, where behind closed eyes, the shape of our memories reveal themselves. This is a private experience. In this piece, I take the audience on a journey that is metaphysical, that starts at the surface of perception. But when we move in space, time and sound, when layers emerge, then contact with all that lies below the threshold of consciousness is possible. I also bring my observations of how other beings perceive the same world of sounds differently, into this piece. Two years ago, I was looking at the sonic space or ‘sonic land' of mycelium and insects. These two years, however, had a great psychological impact on all of us, as the world around us completely changed its shape due to the pandemic. When this happened, I could not dig into the ground. So I started digging into my own psychic world and that's how this piece came about.

Residency initiative »bangaloREsidency-Expanded« | Concert [05.03.2022] Yashas Shetty »Approximation of the Sea« (2020 – 22), for tanpura, piano and electronics, 30' The ‘drone' influences Western minimalism for almost 60 years now. Beyond its influence on Western classical music, its presence has extended into popular music as well, with early bands such as The Velvet Underground to some German Krautrock groups borrowing heavily from the concept of the drone. Its influence reaches deep into popular music and culture of today. Yet, the historical narrative of the drone has always been a one way street. It is a story told by American composers in which the early origins of this transfer of technology are shrouded in mythology and mystification. »Approximation of the Sea«, developed by sound artist Yashas Shetty in collaboration with ZKM | Hertz-Lab sound engineer Benjamin Miller for tanpura, piano, and electronics, explores both the technical and aesthetic challenges of composing with surround systems. It is designed especially for the ZKM_Cube. The piece in itself extends from Shetty's ongoing research into the history of encounters between Western composers and Indian artists in the 20th Century and is rooted in his broader artistic practice of extracting histories from mythologies.

ALEPH Gitarrenquartett »Durch die Ohren von ... « | Konzert und Gespräch [11.03.2022] Das ALEPH Gitarrenquartett führt drei Stücke auf und überrascht das Online-Publikum mit einer ganz besonderen Musikerfahrung. Ein binaural mikrofonierter Gast sitzt akustisch ideal positioniert zu den Musikern des Aleph Gitarrenquartetts. Die Mikrofone befinden sich in den Ohren einer:s Zuhörer:in. Die individuelle Anatomie bestimmt, was digitale Rezipient:innen hören. Technisch gesehen ist das Verfahren ähnlich einer Aufnahme mit einem Kunstkopf. Diese zeichnet sich durch eine präzise räumlich Richtungsabbildung aus. Im Gegensatz zu den standardisierten Ohrmuscheln des Kunstkopfes jedoch, kommen hier die ganz individuellen Ohr-Eigenschaften des Gastes zum Tragen. Besonders deutlich wird dies bei der Klangwiedergabe mittels eines Kopfhörers, der für ein optimales Hörerlebnis dringend empfohlen wird. Ludger Brümmer führt zudem Gespräche mit den Komponist:innen. Werke: Irene Galindo Quero »Ziffer H Hut«, (2011), für 4 Gitarren, 10‘ Bernhard Lang »GAME 8-4-4 Loops for ALEPH«, (2020), für 2 Gitarren, Steelguitar, Bassgitarre und Verstärkung, 10‘ Peter Jakober »triften«, (2007), für 4 Gitarren und elektronisches Zuspiel, 10‘

Giga-Hertz-Preis 2021 | Konzert [28.11.2021] Seit 2007 vergeben ZKM und SWR EXPERIMENTALSTUDIO den Giga-Hertz-Preis für elektronische Musik. Preisträgerin des Jahres 2021 ist die Klangkünstlerin Christina Kubisch, die den mit 10.000 Euro dotierten Hauptpreis für ihr pionierhaftes Lebenswerk erhält. Moderation: Ludger Brümmer »Speak & Spell«, (1983) »Homage with Minimal Disinformation«, (2006) »Night Flights«, (1986) »Bewegungen nach entfernten Orten«, (2010) »Armonica«, (2006) »Schall und Klang«, (2017) »Undercurrents«, (2018) »Travelling Voices / Viaggio 3«, (2021) »Transit Journeys 1«, (2021)

Blind Date with a Book | Buch Präsentation Vorstellung des Ausstellungskatalogs »Negative Space. Trajectories of Sculpture in the 20th and 21st Centuries« mit Peter Weibel, Anett Holzheid und der ZKM | Publikationsabteilung. Erhältlich im ZKM | Shop: https://webshop.zkm.de/ Vor 1900 basierte die Skulptur auf der mimetischen Verkörperung von Menschen, Tieren und Gegenständen. Der Raum selbst war nicht ihr Thema. Doch mit den neuen Raum- und Zeiterfahrungen, die die Industrielle Revolution und ihre Technik mit sich brachten –fahrende Maschinen wie Züge und Autos und die aufkommenden Telekommunikationsmedien – wurden die historischen Kategorien der bildenden Kunst wie Masse, Volumen und Schwerkraft, die vom Körper, dem bis dahin einzigen Medium räumlicher und zeitlicher Erfahrung, abgeleitet waren, rigoros negiert. Dieser radikale Bruch mit der körpergebundenen und objektorientierten figurativen Skulptur und der Übergang zu abstrakten Raumvektoren offenbart ein Paradoxon: Als die Skulptur nach 1900 die Gestaltung des Raumes als ihre einzige Domäne begriff, definierten sich diese Raumskulpturen durch die Negation der bis dahin dominierenden skulpturalen Merkmale: Leere statt Volumen Vakuum statt Masse luftig statt fest schwerelos statt schwer virtuell statt real Schatten statt Licht abstrakt statt figurativ Die Künstler beschäftigten sich mit den neuen Formen dieser Zwischenräume und negativen Räume. Das monumentale und reich bebilderte Buch des ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe zeigt anhand von wiederentdeckten Dokumenten der Kunstgeschichte und durch die Verknüpfung von künstlerischen mit mathematischen Modellen eine neue Theorie über die grundlegenden Unterschiede der modernen Skulptur zu Werken der Vergangenheit. Negative Space entfaltet die revolutionären Wege der abstrakten Skulptur im 20. und 21. Jahrhundert: von linearen und flächigen, hängenden und pneumatischen Skulpturen bis hin zu virtuellen Volumen und immersiven Environments.

Ein Kurzfilm mit Thomas Feuerstein, Theresa Schnell und Nataša von Kopp Jede Frau und jeder Mann könne Künstler sein, sobald die Maschinen alle stupiden Tätigkeiten übernähmen – so tönte bereits der Hoffnungsruf am Ende des 19. Jahrhunderts. Heute ist er wieder zu vernehmen, denn Robotik und Künstliche Intelligenz würden Freiräume für kreativ-sinnstiftende Tätigkeiten möglich machen, die einst in der Science-Fiction- und Utopieliteratur für eine ungenaue Zukunft prognostiziert wurden. Wie denken Medienkünstler und bildende Künstler angesichts solcher Aussichten über die Zukunft künstlerischer Arbeit? Stellen weitläufige Szenarien über den Status von Arbeit am Ende des 21. Jahrhunderts für sie unter derzeitigen Bedingungen überhaupt ein künstlerisches Interessensgebiet dar? Vermag die Kunst etwas zum wissenschaftlichen Modellieren von Arbeitszukünften beizutragen? Diese Fragen stellten sich anlässlich des Eröffnungsabends der Abschlusskonferenz des am KIT angesiedelten Forschungsprojekts »FutureWork: Arbeit im Übergang zum 22. Jahrhundert« am 17. September 2021 im Medientheater des ZKM. Der an diesem Abend veröffentlichte Impulsbeitrag von Anett Holzheid, Peter Müller und Andy Koch stellt eine videografische Interviewreise in drei Stationen dar – eine Fahrt mit Kamera nach Innsbruck, München und Berlin, um mit Thomas Feuerstein, Theresa Schnell und Nataša von Kopp über gegenwärtige künstlerische Arbeitsrealitäten, über Künstlerarbeiten und über künstlerische Positionen zur Zukunft von Arbeit zu sprechen.

Live-Coding-Performance [11.09.2021] As part of the European project »on-the-fly«, the ZKM presents an artistic live coding performance by Gaia Leandra. In live coding, the composition process is brought onto the stage. Algorithms are written and executed live and often improvisationally in the form of source code. Live coding must not be understood as a musical genre, but as a musical performance practice. The musical result is determined by the programmers and can touch on a wide variety of genres. Gaia Leandra was selected on the occasion of the open call for artistic residencies of the project »on-the-fly«. During the event, the Italian artist and scientist Gaia Leandra will introduce her artistic project and present a recording of her interactive performance »Bioxeno«. Microscopic organisms and their recorded visual parameters will be made sound in real time by means of live coding. »Bioxeno« »Necrobiopsi« is the video presentation of the performance »Bioxeno«, a bioart project exploring different tools, practices, techniques and disciplines to generate new narratives at the interface of science and arts. Why do humans presume to cure a sick earth? Why do they not take into consideration the vision of a planet taking care of us? Only equilibrium makes the survival of humans possible. We humans do not destroy the earth. It is our way of life that generates large quantities of waste changing our planet. The planet mutates. It readapts. From all its cycles. From our cyanobacterial ancestors that generated an atmosphere with oxygen, to a pulmonary asphyxy of the human physiology. We undervalue the invisible micro-world, organisms that surround us, that we are and have in our bodies, and whose balance creates the conditions for our survival. Human health, as that of the entire ecosystem, also resides in this invisible microworld that interpenetrates and maintains us. »Necrobiopsi« is the future without humans where egodriven indulgence has been the cause of its extinction. A narrative where the remains of human cells and their physiology have been phagocytosed from the protoctists. It is the genesis of meta-humans as a form of artificial intelligence, organisms without sex, without dualisms, without dichotomies but as genetic necrophiliacs, terrestrial aliens, walking communities.

#hertzlab | Streaming-Reihe [07.07.2021] In der vierten Episode von #hertzlab dreht sich alles um die computergestützte Performancetechnik des Live-Codings. Beim Live-Coding wird der Kompositionsprozess auf die Bühne gebracht. Algorithmen werden in Form von Quelltext live und häufig improvisatorisch geschrieben und ausgeführt. Die live Programmierenden treten dabei in einen Dialog sowohl mit dem Publikum als auch mit dem laufenden Prozess. Live-Coding darf nicht als musikalisches Genre, sondern muss als musikalische Aufführungspraxis verstanden werden. Das musikalische Resultat bestimmen die Programmierenden und kann die verschiedensten Genres touchieren. Zum Thema Live-Coding spricht Yannick Hofmann (ZKM | Hertz-Labor) mit zwei Gästen vom Institut für Musikinformatik und Musikwissenschaft (IMWI) der Hochschule für Musik Karlsruhe: Patrick Borgeat – Live-Coding-Experte und künstlerisch-wissenschaftlicher Mitarbeiter am IMWI – und Jia Liu – Komponistin, Live-Coderin und Masterstudentin im Bereich »Musikinformatik«.

#hertzlab | Streaming-Reihe [02.06.2021] In dieser Ausgabe von #hertzlab befinden wir uns im Kubus und widmen uns der Verräumlichung von Klang. Neben einer technischen und musikhistorischen Einführung in diese künstlerische Praxis wird ein akusmatisches Konzertwerk im Binauralformat präsentiert. Der blaue Kubus ist nicht nur das visuelle Wahrzeichen des ZKM, sondern bildet zugleich das Herzstück der musikalisch-künstlerischen Produktion und Forschung am ZKM | Hertz-Labor. Er wurde als groß-volumiges, akustisch optimiertes Tonstudio geplant und beherbergt den Klangdom. Dieses aus 47 Lautsprechern bestehende, kuppelförmige Setup ist ein idealer Ort für die Entwicklung und Reproduktion elektroakustischer bzw. akusmatischer Raummusik und Ausgangspunkt für zahlreiche aktuelle Forschungsprojekte. Wie dieses einzigartige Lautsprecher-Instrument, mit dem eine Plastizität von Klang im Raum hergestellt werden kann, technisch funktioniert, welche musikhistorischen und architektonischen Vorläufer es gibt und welche künstlerischen Projekte und Kompositionen damit am ZKM realisiert werden, erläutert Ludger Brümmer, Leiter des Hertz-Labors und Komponist, im Rahmen dieser Ausgabe von #hertzlab. Die eigens dafür entwickelte Steuerungssoftware Zirkonium erlaubt es den Komponist:innen, spektrale klangliche Figuren und Bewegungen direkt in den Raum setzen. Das demonstriert Ludger Brümmer mit der exklusiven Aufführung seiner akusmatischen 42-kanaligen Komposition »Falling«. Sie entstand anlässlich des Beethoven-Jahres und behandelt eine späte Komposition Beethovens, »Die Große Fuge« (op. 133.). Dieses Streichquartett lieferte das Material für sämtliche Klänge in Ludger Brümmers Werk »Falling« – allerdings werden diese völlig auf den Kopf gestellt, in neue energetische Gestalten überführt und folgen einer eigenen Dramaturgie. Greifen Sie für dieses virtuelle Konzert im Livestream gerne zu Ihren Kopfhörern und erfahren Sie das räumliche Klangerlebnis des Klangdoms Zuhause im eigenen Wohnzimmer. Wir präsentieren Ihnen eine binaurale Version des Stücks, die auf einer Kunstkopfmikrophon-Aufnahme basiert und eine Annäherung an die räumliche Musikerfahrung im Klangdom darstellt.

Blind Date with a Book | Book presentation The two-year, three-city exhibition and research project Digital Imaginaries brought together artists, makers, architects, and social scientists to examine digital futures on the African continent. This book presents resulting artistic and scholarly productions alongside additional works. The contributions in this volume deal with diverse digital phenomena: From the continued impact of toxic histories and the conflict-ridden extraction of minerals critical to the digital economy to video games, experimental architecture, the reappropriation of smart city and innovation practices, the commoning of resources, attempts to digitize voter trust, calls for digital resistance and decolonial healing, the relationships between humans and technics, utopia and dystopia, and the limits of reason. The contributions articulate imaginaries and agendas capable of staving off the domination of market interests, state surveillance, and postcolonial hegemonies. Starting from positions on the African continent and in the African diaspora, the works collated here contribute to the global struggle for more diverse and inclusive digital futures.

Blind Date with a Book | Book presentation With over seven hundred color illustrations of works by all of the important light artists – a new standard work on the subject. More than almost any other medium, electric light has revolutionized and democratized our world. Today we live in cities and gardens of light, and for almost a century, artists have been working with light bulbs, fluorescent and neon light, glowing LEDs, and powerful spotlights. This comprehensive publication offers a broad overview of the development of this genre, from the pioneers of light art in the 1920s and the immersing and interactive environments of ZERO, GRAV, Gruppo T, and Gruppo N, to the early light artists from Europe and North and South America. Outstanding contemporary productions – with their profound illuminated spheres, ironic cross-references, and fascinating plays of filigreed light – complete this glowing spectrum of explorations of artificial light.

Blind Date with a Book | Buchvorstellung Wie viel Tropenwald verliert die Erde jedes Jahr? Welche Stadt investiert am meisten in Radwege? Wie gut setzen die Staaten das Pariser Klimaschutzabkommen um? Wie heiß wird es 2050 in Oslo? Und überhaupt: Bestimmt jeder Einzelne über die Zukunft der Welt, oder ist vor allem die Politik gefordert? Antworten auf diese und viele andere Fragen finden sich in den erschreckenden, erhellenden und Mut machenden Karten von Deutschlands innovativstem Magazin. Auf einen Blick wird klar, wie dramatisch der Zustand der Erde ist – aber auch, wie leicht es wäre, ihn zu verbessern.

Blind Date with a Book | Buchvorstellung »BuKs – Buchkonstruktionen« zeigt Medienexperimente aus Papier: z.B. einen Roman mit Zukunftsguckloch, einen PC aus Pappe ... Unlesbare Bücher, Ausstellungskataloge zum Aufstellen sind Beispiele für neue Buchformen.

Blind Date with a Book | Buchvorstellung Vorstellung der Publikation zur Ausstellung mit Philipp Ziegler und Patrick Trappendreher. In drei Werkgruppen der späten 1990er-Jahre befasst sich Stephan von Huene mit unterschiedlichen Modi des Sprechens über Kunst und entlarvt den aufgeblasenen Sprachstil der Kunstkritik. Das Buch legt die Hintergründe der Werke offen, mit denen er für einen unvoreingenommenen Umgang mit Kunst wirbt, und versammelt zahlreiches, zum Teil unveröffentlichtes Archivmaterial wie Briefe, Zeichnungen und Texte aus seinem Nachlass. Aus vielfältigen Perspektiven wie in eindrucksvollen Bildern werden Inspiration und Schaffensprozess des Künstlers nachgezeichnet.

The Poet of Experimental Music – Celebrating Alvin Lucier’s 90th Birthday | Konzert [14.05.2021] Seit Mitte der 1960er Jahre hat Alvin Lucier eine Reihe wichtiger Kompositionen hervorgebracht, welche die Kultur der experimentellen Musik und der Klangkunst nachhaltig beeinflusst haben. Anlässlich seines 90. Geburtstags spielt ihm das ZKM ein ganz besonderes Ständchen: Dem Klangkünstler und Giga-Hertz-Preisträger 2020 zu Ehren, feiert am 14. Mai 2021 ein neues Werk Luciers im audiovisuellen Livestream des ZKM Premiere. Das Stück wurde im April 2021 am ZKM produziert mit Instrumentalistinnen des Ever Present Orchestras, das sich der Aufführung der Musik von Alvin Lucier widmet. Das ZKM ist darüber hinaus bei der Aufbereitung von 90 Künstler:innenbeiträgen im Rahmen der Veranstaltung des Issue Project Room in New York zu Ehren von Luciers Geburtstag beteiligt.

#hertzlab | Streaming-Reihe [07.04.2021] Im Hertz-Labor, der künstlerischen Forschungs- und Produktionsplattform des ZKM, wird das Thema Virtualität in vielfältiger Form sowohl künstlerisch verhandelt als auch wissenschaftlich erforscht. Zum Auftakt der neuen Streaming-Reihe #hertzlab wird Virtualität aus verschiedenen Perspektiven und am Beispiel aktueller Projekte des Hertz-Labors beleuchtet. Eine der derzeit viel diskutierten Entwicklungen im Bereich der digitalen Medien ist die virtuelle Realität. Das bereits in den 1960er Jahren entwickelte Konzept der computergenerierten Realität hat in den letzten Jahren einen regelrechten Hype erlebt, der auch ein Nicht-Fachpublikum erreicht hat. Die Idee des Eintauchens in eine nicht existierende Realität löst unterschiedliche Reaktionen aus, von Euphorie bis Ablehnung. »BEYOND MATTER« ist ein internationales, kollaboratives, praxisbasiertes Forschungsprojekt, das über die virtuelle Bedingung reflektiert, mit einem besonderen Fokus auf ihre räumlichen Aspekte in der Kunstproduktion, Kuration und Vermittlung. Zu den vielfältigen Aktivitäten und Formaten gehören digitale Revivals ausgewählter vergangener, wegweisender Kunst- und Archivausstellungen, Konferenzen, Artist-in-Residence-Programme, eine Online-Plattform und Publikationen. Wie ein künstlerisches VR-Erlebnis konkret gestaltet werden kann, zeigt beispielhaft die Arbeit »VRMe« des Medienkünstlers und Programmierers Bernd Lintermann. Die Bild- und Tracking-Qualitäten aktueller VR-Technologien können zu einem solchen Grad der Immersion in eine nicht vorhandene Realität führen, dass Betrachtende sich und ihren Körper als selbstverständlichen Teil der Szenerie erleben. Während in herkömmlichen Medien der Körper vor dem Bild steht, erlebt er sich in der virtuellen Realität als Teil des Geschehens. »VRMe« thematisiert diese neue Körperlichkeit, indem es die Betrachtenden mit unterschiedlichen Repräsentationen ihres Körpers in der virtuellen Realität konfrontiert.

#hertzlab | Streaming-Reihe [05.05.2021] In der zweiten Ausgabe der neuen Streaming-Reihe #hertzlab dreht sich alles um »Das intelligente Museum« – ein Projekt, das seit 2020 in Kooperation mit dem Deutschen Museum München durchgeführt wird. Im Rahmen des Projektes sollen Techniken des »Deep Learnings« erforscht und neue Formen der Interaktion mit den Museumsbesucher:innen entwickelt werden. Mittels verschiedenartiger Ansätze KI-gestützter digitaler Kunst soll das gesellschaftsrelevante Thema der Künstlichen Intelligenz aus unterschiedlichen Perspektiven kritisch beleuchtet und untersucht werden. Das Experimentieren mit neuen digitalen Ästhetiken und Ausdrucksformen ermöglicht zugleich neue Museumserfahrungen und damit neue Wege musealer Kommunikation und Vermittlung: der Museumsraum wird zum Forum, zu einem Ort der Erfahrung und des kritischen Austauschs. Obwohl KI-Techniken immer häufiger Verwendung finden, ist die zugrundeliegende Technologie für die meisten Menschen kaum zugänglich. Dieser Umstand erschwert eine breite gesellschaftliche Auseinandersetzung und fördert die Mystifizierung von KI. Eines der Projektziele von »Das intelligente Museum« ist daher, die Technologie für Künstler:innen und eine interessierte Öffentlichkeit besser zugänglich zu machen. Im Rahmen dieser zweiten Ausgabe von #hertzlab erhalten wir einen Einblick in die Arbeit des Projektteams aus Softwareentwicklern und KI-Expert:innen. Sie erstellen Softwarewerkzeuge, die den Zugang zur künstlichen Intelligenz für Menschen, die keine ausgewiesenen Expert:innen sind, deutlich vereinfachen sollen. Auf welch unterschiedliche Arten und Weisen Künstler:innen KI-Techniken anwenden, wird anhand einer Kurzvorstellung der neuen Gastkünstler:innen-Projekte der bevorstehenden »Intelligent Museum Residency« sowie der aktuellen Ausstellung »CRAWLERS« deutlich. Die Veranstaltung fand in deutscher Sprache mit englischen Künstler:innen-Beiträgen statt. #hertzlab ist Teil des Projekts »Das intelligente Museum«. Gefördert im Programm Kultur Digital der Kulturstiftung des Bundes. Gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Ein Rewind in 7 Bildern "Die Kunst hat die Aufgabe, Türen dort zu öffnen, wo sie andernfalls keiner bemerkt." – so lautet ein Gedanke von Peter Weibel, dem künstlerisch-wissenschaftlichen Vorstand des Zentrums für Kunst und Medien in Karlsruhe. Bislang waren die Eingänge zu Räumen der Kunst weit geöffnet und die Ausstellungen zugänglich. Aber nun bereits im 2ten Lockdown ist das keine Selbstverständlichkeit mehr und es wird deutlich: die Zugänge zu Kultur müssen zeitgemäß und anders gedacht werden.

Klangdom-Uraufführung (binaurale Version) Deutschlandpremiere [17.12.2020] Die akusmatische 42-kanalige Komposition »Falling« entstand für die Uraufführung im Centro de Cultural de Belem in Lissabon. Beim Tag der offenen Tür wird die Klangdomversion erstmalig erklingen. Das Werk behandelt anlässlich des Beethoven-Jahres 2020 eine sehr späte Komposition Beethovens: »Die Große Fuge« (op. 133.). Dieses Streichquartett lieferte das Klangmaterial für sämtliche Klänge. Das Material ist völlig auf den Kopf gestellt, in neue energetische Gestalten gepresst und verfolgt einen eigenständigen dramaturgischen Verlauf. Trotzdem scheinen einzelne Phrasen oder Akkorde Beethovens immer wieder durch. Hierzu muss man die zugrunde liegende Komposition nicht kennen und kann sich auch ohne diesen Hintergrund auf diese ausladende Komposition einlassen, die einige überraschende Wendungen aufweist. Wird das Material am Beginn immer weiter mit Energie aufgeladen, die Zeit immer weiter komprimiert, so kippt dies nach einer Weile um und wendet sich dem zeitlosen zu. Einige Akkorde Beethovens werden, ähnlich der Annäherung und Verschmelzung zweier schwarzer Löcher, nach der extremen Dichte in das zeitliche „Nichts“ überführt.

Klangdomkonzert (binaurale Version) unter Klang-Regie von Götz Dipper [17.12.2020] Daniel Blinkhorns Komposition wildflower entstand im Jahr 2014. Bevor Blinkhorn als Gastkünstler ans ZKM kam, unternahm er eine ausgedehnte Reise nach Spitzbergen im Nordpolarmeer. Er brachte von dieser Reise eine Fülle an Tonaufnahmen mit, die das Ausgangsmaterial für eine Reihe von Kompositionen bilden, zu denen auch wildflower gehört. Blinkhorns Kompositionen sind oft klangliche Landschaftsbeschreibungen (»Soundscapes«), allerdings stark abstrahiert, sodass die ursprünglichen Tonaufnahmen nur vereinzelt durchscheinen. Der Konzertsaal ZKM_Kubus verfügt über eine besondere Lautsprecher-Ausstattung, die als Klangdom bezeichnet wird: Etwa 50 Lautsprecher sind kuppelförmig über dem Publikum angebracht. Dadurch können Klänge rings um das Publikum positioniert und bewegt werden. Das Werk ist keine originale Klangdomkomposition, sondern musste eigens an den Klangdom angepasst werden. Diese Anpassung geschieht beim Konzert live durch eine Klangregie. Die Besonderheit ist, dass die Zuschauer:innen über das Videobild mitverfolgen können, was bei der Klangregie am Mischpult passiert. Der Ton wird mit der sogenannten »binauralen« Technik aufgenommen, durch die der Raumklang-Eindruck besonders gut übertragen wird. Damit diese Aufnahmetechnik funktioniert, sollte das Stück mit Kopfhörern angehört werden.

Klangdomkonzert (binaurale Version) unter Klang-Regie von Götz Dipper [17.12.2020] Gilles Gobeils Stück Le miroir triste stammt aus dem Jahr 2007. Das Werk ist inspiriert von einem Drehbuch von Andrej Tarkowski über den deutschen Schriftsteller E.T.A. Hoffmann. In Gobeils Komposition werden Szenen des Drehbuchs auf ausschließlich klangliche Art, also ohne Text, sehr plastisch und eindringlich nacherzählt. Gobeils Musik wird gerne als »Kino fürs Ohr« bezeichnet, was auf dieses Stück ganz besonders zutrifft. Der Konzertsaal ZKM_Kubus verfügt über eine besondere Lautsprecher-Ausstattung, die als Klangdom bezeichnet wird: Etwa 50 Lautsprecher sind kuppelförmig über dem Publikum angebracht. Dadurch können Klänge rings um das Publikum positioniert und bewegt werden. Das Werk ist keine originale Klangdomkomposition, sondern musste eigens an den Klangdom angepasst werden. Diese Anpassung geschieht beim Konzert live durch eine Klangregie. Die Besonderheit ist, dass die Zuschauer:innen über das Videobild mitverfolgen können, was bei der Klangregie am Mischpult passiert. Der Ton wird mit der sogenannten »binauralen« Technik aufgenommen, durch die der Raumklang-Eindruck besonders gut übertragen wird. Damit diese Aufnahmetechnik funktioniert, sollte das Stück mit Kopfhörern angehört werden.

Eine Reise zu den entlegendsten Winkeln des ZKM »Himmel & Hölle« ist der schaurig schöne Titel unseres etwas anderen Einblicks in die entlegensten Ecken des ZKM – vom Serverraum als digitales Herz bis zum Notstromaggregat im Dachgeschoss – eine Führung der etwas anderen Art.

Zirkonium – Sound Spatialization Environment | Presentation [11.12.2020] Zirkonium was developed by the ZKM | Hertz Lab and serves to control the Sound Dome. The software consists of a set of free macOS tools which aid in the composition of spatial music. It has supported the creation of spatialized works for the Sound Dome in the ZKM Kubus as well as loudspeaker systems at other institutions and performance spaces.

Dokumentation der Uraufführung begleitet von Interviews mit den Komponisten und Performern [14.06.2020] Die Komponisten, Multimedia-Künstler und Performer Óscar Escudero und Belenish Moreno-Gil schufen eine Performance, die audiovisuellen Fragmenten nachgeht und den Spuren europäischer Gemeinschaft folgt. Das Video bietet einen Blick hinter die Kulissen von »Subnormal Europe« durch Interviews mit Óscar Escudero, Belenish Moreno-Gil, Noa Frenkel und Sebastian Schottke. /// Documentation of the world premiere with interviews of the composers and performers The composers, multimedia artists and performers Óscar Escudero and Belenish Moreno-Gil created a performance that explores audiovisual fragments and follows the traces of European community. The video offers a look behind the scenes of »Subnormal Europe« by interviews with Óscar Escudero, Belenish Moreno-Gil, Noa Frenkel and Sebastian Schottke.

Giga-Hertz-Preis 2020 | Konzert [25.11.2020] for Slow Sweep Oscillator, Loudspeakers, Bass Drums and Suspended Ping Pong Balls

Giga-Hertz-Preis 2020 | Konzert [29.11.2020] für Cello und mikrophonierte Vasen. Cello: Nathan Watts; Tonmeister: Sebastian Schottke

Giga-Hertz-Preis 2020 | Konzert [29.11.2020] für Piano und kleine Trommeln. Deutsche Erstaufführung. Piano: Tayuko Nakao-Seibert; Tonmeister: Sebastian Schottke

Zirkonium | Präsentation [06.01.2021] Ludger Brümmer stellt die Software »Zirkonium« vor. Zirkonium wurde am ZKM entwickelt und dient der Steuerung des Klangdoms. Die Software besteht aus einem Set kostenloser macOS-Tools, die bei der Komposition von räumlicher Musik helfen. Zirkonium, welches vom ZKM | Hertz-Labor entwickelt wurde, unterstützt die Schaffung von verräumlichten Werken für den Klangdom im ZKM Kubus sowie für Lautsprechersysteme an anderen Institutionen und Veranstaltungsorten.

Ein Blick hinter die Kulissen mit Margit Rosen, Morgane Stricot und Daniel Heiss [18.11.2020] Das ZKM verfügt über eine besondere Expertise im Hinblick auf den Erhalt und die Restaurierung von kinetischer Kunst, Klangkunst, Videokunst und computerbasierter Kunst. Das interdisziplinäre Team experimentiert mit Ergebnissen aktueller Forschung und überprüft sie in der Praxis des Alltags. Die Spezialisten aus den Bereichen Restaurierung, Elektrotechnik, Informatik und Kunstgeschichte begegnen damit den konservatorischen Herausforderungen, die mit dem Erhalt von elektronischen bzw. computerbasierten Werke verbunden sind. Das restauratorische Team der Abteilung Wissen und der Abteilung Museums- und Ausstellungstechnik dokumentiert und restauriert Kunstwerke, die zur Sammlung des ZKM gehören oder im ZKM ausgestellt werden. Gleichzeitig arbeiten die RestauratorInnen und TechnikerInnen an der Weiterentwicklung standardisierter Methoden der Dokumentation und Langzeiterhaltung elektronischer bzw. digitaler Kunstwerke. Sie machen es möglich, dass historische Werke der elektronischen und digitalen Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts langfristig erhalten werden. So bleibt die Geschichte der Kunst, die immer auch eine Geschichte der sich wandelnden Technologien jetzt und in Zukunft sichtbar und erlebbar.

Giga-Hertz-Preis 2020 | Konzert [29.11.2020] für Sopran und zwei Sinustongeneratoren. Deutsche Erstaufführung. Sopran: Núria Cunillera Salas; Tonmeister: Sebastian Schottke

Critical Zones | Exkursion mit Artur Bossert & Dr. Peter Müller (NABU Karlsruhe) und Barbara Kiolbassa (ZKM) [28.09.2020]

A Dela? Is it working? | Performance [28.08.2020] Die Ausstellung »Is it working?« in Ljubljana präsentiert aktuelle Produktionen des ZKM | Hertz-Labors. Anlässlich dazu zeigt das ZKM die Performances »robotcowboy« und »Figure-ground« im Livestream. robotcowboy ist ein musikalisches Ein-Mann-Band-Projekt, bei dem individuelle Hard- und Software auf einem tragbaren Computer zum Einsatz kommt. Es ist ein Versuch, Rock mit algorithmischen Kompositionswerkzeugen in Echtzeit zu einer dynamischen Live-Show zu verschmelzen. Eine MIDI-Gitarre, verrückte Steuergeräte, verschiedene Masken und synchronisiertes Bildmaterial sorgen für ein New Wave-Erlebnis. robotcowboy-Shows sind immer live und enthalten Aspekte der Improvisation, Interaktion mit dem Publikum und die Möglichkeit des Scheiterns, d.h. die Live-in-Live-Performance. /// »Is it working?« is an introduction to the eponymous festival, organized by the Ljudmila association between August 24 and 28, 2020 at several locations around Ljubljana, as a part of the European network of educational and art institutions, EASTN-DC. robotcowboy is a wearable computing platform to explore new types of man-machine music & artistic performance. Embedded computing, custom software and audio electronics are utilised to build portable, self-contained systems which both embed and embody the computation on the performer. This cyborg approach is both empowering and compromising as new sonic capability and movement are offset by the need for electrical energy: elements of tension between human and system. robotcowboy shows are always live and contain aspects of improvisation, feedback with the audience and an inherent capability of failure, i.e., the live in live performance.

A Dela? Is it working? | Performance [28.08.2020] Die Ausstellung »Is it working?« in Ljubljana präsentiert aktuelle Produktionen des ZKM | Hertz-Labors. Anlässlich dazu zeigt das ZKM die Performances »robotcowboy« und »Figure-ground« im Livestream. Figure-ground beschäftigt sich mit den mentalen und kognitiven Prozessen, die zwischen Reflexion und Dissoziation oszillieren. Als Teil der Performance wird in Echtzeit eine audiovisuelle Collage erstellt. Sowohl die visuelle als auch die klangliche Ebene zielen darauf ab, eine Art Pareidolie-Effekt zu erzeugen. Unter Verwendung eines Echtzeit-Canny-Kantendetektors speisen die Umrisse des fragmentierten Selbstporträts eines Darstellers ein Gray-Scott-Modell der Reaktionsdiffusion. Seine Werte steuern die Parameter einer elektroakustischen Klanglandschaft, die aus der elektronischen Manipulation von natürlichen Klangobjekten, verstärkten kleinen Klängen und Feldaufnahmen abgeleitet wurde. Das audiovisuelle Echtzeit-Performance-System wurde von Yannick Hofmann während des Corona-Lockdown 2020 entwickelt. /// »Is it working?« is an introduction to the eponymous festival, organized by the Ljudmila association between August 24 and 28, 2020 at several locations around Ljubljana, as a part of the European network of educational and art institutions, EASTN-DC. Figure-ground deals with the mental and cognitive processes oscillating between reflection and dissociation. As part of the performance, an audiovisual collage is created in real-time. Both the visual and the sonic layer aim at creating a kind of pareidolia effect. Utilising a real-time Canny edge detector, the outlines of a performer’s fragmented self-portrait feed a Gray Scott Model of Reaction Diffusion. Its values control the parameters of an electro-acoustic soundscape which has been derived from electronic manipulation of natural sound objects, amplified small sounds and field-recordings. The audiovisual real-time performance system was developed by Yannick Hofmann during the 2020 Corona lockdown.

Feminale der Musik - Female Composers | Wohnzimmerkonzert

Feminale der Musik - Female Composers | Wohnzimmerkonzert Wohnzimmerkonzert mit Miriam Kurrle (Sopran, Klavier), Hochschule für Musik Karlsruhe

Critical Zones | BÄM Tutorial [29.05.2020] Mit Kerstin Tscherbakova. Experten-Interview mit Insektenforscher Dr. Manfred Verhaagh

Feminale der Musik - Female Composers | Wohnzimmerkonzert

Giga-Hertz Preis 2019 | Vortrag [24.11.2019] François Bonnet, Direktor der Groupe de Recherches Musicales führt mit einem Vortrag in das vielfältige Œuvre von Éliane Radigue ein. Das Giga-Hertz-Preis Festival 2019 schließt mit einer umfangreichen Einblick in das Œuvre der Preisträgerin Éliane Radigue ab! Das abschließende Konzert umfasst zwei deutsche Erstaufführungen und eine Uraufführung der Komponistin. Éliane Radigue studierte bei Pierre Schaeffer und arbeitete mit Pierre Henry (Giga-Hertz-Preis für Sound Art 2013), emanzipierte sich aber früh in ihren klangkünstlerischen Ansätzen von den beiden Musique concrète-Pionieren. Als eine der wenigen Frauen im Studio d'Essai schaffte sie es trotz der widrigen Umstände als Komponistin zu arbeiten und später eine internationale Karriere aufzubauen. Éliane Radigues abstrakt–imaginative Klanglandschaften, die sie mittels modularer Klangsynthese geschaffen hat, stellen eine klangkünstlerisch einmalige Position innerhalb der musikalischen Avantgarde dar. In New York begann sie erst mit einem Buchla Synthesizer und später ausschließlich mit dem ARP 2500 Modularsystem und mit Tonbandtechniken zu arbeiten. Zudem wurde sie zu einer überzeugten Buddhistin. Dieses führte sie zu einem Musikstil, in dem lange Klangverläufe, Klangflächen mit kleinsten Veränderungen eine fast meditative Hörhaltung provozierten. Zu einem ihrer bekanntesten Werke wurde das dreistündige zwischen 1990 und 1998 komponierte Werk »Trilogie de la Mort«. /// The Giga Hertz Prize Festival 2019 concludes with a comprehensive insight into the oeuvre of the prizewinner Éliane Radigue! The final concert includes two German premieres and a world premiere of the composer. Éliane Radigue studied with Pierre Schaeffer and worked with Pierre Henry (Giga Hertz Prize for Sound Art 2013), but emancipated herself early in her sound artistic approaches from the two Musique concrète pioneers. As one of the few women in the Studio d'Essai, she managed to work as a composer despite the adverse circumstances and later build an international career. Éliane Radigue's abstract-imaginative sound landscapes, which she created by means of modular sound synthesis, represent a unique position in sound art within the musical avant-garde. In New York she first began to work with a Buchla synthesizer and later exclusively with the ARP 2500 modular system and tape techniques. She also became a convinced Buddhist. This led her to a style of music in which long sound sequences, sound surfaces with the smallest changes, provoked an almost meditative listening posture. The three-hour work »Trilogie de la Mort« composed between 1990 and 1998 became one of her best-known works.

Giga-Hertz Preis 2019 | Konzert [24.11.2019] Baryton, Treble Viola da Gamba: Yannick Guédon Birbynė, Bassklarinette: Carol Robinson Altsaxofon: Bertrand Gauguet Das Giga-Hertz-Preis Festival 2019 schließt mit einer umfangreichen Einblick in das Œuvre der Preisträgerin Éliane Radigue ab! Das abschließende Konzert umfasst zwei deutsche Erstaufführungen und eine Uraufführung der Komponistin. Éliane Radigue studierte bei Pierre Schaeffer und arbeitete mit Pierre Henry (Giga-Hertz-Preis für Sound Art 2013), emanzipierte sich aber früh in ihren klangkünstlerischen Ansätzen von den beiden Musique concrète-Pionieren. Als eine der wenigen Frauen im Studio d'Essai schaffte sie es trotz der widrigen Umstände als Komponistin zu arbeiten und später eine internationale Karriere aufzubauen. Éliane Radigues abstrakt–imaginative Klanglandschaften, die sie mittels modularer Klangsynthese geschaffen hat, stellen eine klangkünstlerisch einmalige Position innerhalb der musikalischen Avantgarde dar. In New York begann sie erst mit einem Buchla Synthesizer und später ausschließlich mit dem ARP 2500 Modularsystem und mit Tonbandtechniken zu arbeiten. Zudem wurde sie zu einer überzeugten Buddhistin. Dieses führte sie zu einem Musikstil, in dem lange Klangverläufe, Klangflächen mit kleinsten Veränderungen eine fast meditative Hörhaltung provozierten. Zu einem ihrer bekanntesten Werke wurde das dreistündige zwischen 1990 und 1998 komponierte Werk »Trilogie de la Mort«. /// The Giga Hertz Prize Festival 2019 concludes with a comprehensive insight into the oeuvre of the prizewinner Éliane Radigue! The final concert includes two German premieres and a world premiere of the composer. Éliane Radigue studied with Pierre Schaeffer and worked with Pierre Henry (Giga Hertz Prize for Sound Art 2013), but emancipated herself early in her sound artistic approaches from the two Musique concrète pioneers. As one of the few women in the Studio d'Essai, she managed to work as a composer despite the adverse circumstances and later build an international career. Éliane Radigue's abstract-imaginative sound landscapes, which she created by means of modular sound synthesis, represent a unique position in sound art within the musical avant-garde. In New York she first began to work with a Buchla synthesizer and later exclusively with the ARP 2500 modular system and tape techniques. She also became a convinced Buddhist. This led her to a style of music in which long sound sequences, sound surfaces with the smallest changes, provoked an almost meditative listening posture. The three-hour work »Trilogie de la Mort« composed between 1990 and 1998 became one of her best-known works.

Giga-Hertz Preis 2019 | Konzert [24.11.2019] Bassklarinette: Carol Robinson Altsaxofon: Bertrand Gauguet Das Giga-Hertz-Preis Festival 2019 schließt mit einer umfangreichen Einblick in das Œuvre der Preisträgerin Éliane Radigue ab! Das abschließende Konzert umfasst zwei deutsche Erstaufführungen und eine Uraufführung der Komponistin. Éliane Radigue studierte bei Pierre Schaeffer und arbeitete mit Pierre Henry (Giga-Hertz-Preis für Sound Art 2013), emanzipierte sich aber früh in ihren klangkünstlerischen Ansätzen von den beiden Musique concrète-Pionieren. Als eine der wenigen Frauen im Studio d'Essai schaffte sie es trotz der widrigen Umstände als Komponistin zu arbeiten und später eine internationale Karriere aufzubauen. Éliane Radigues abstrakt–imaginative Klanglandschaften, die sie mittels modularer Klangsynthese geschaffen hat, stellen eine klangkünstlerisch einmalige Position innerhalb der musikalischen Avantgarde dar. In New York begann sie erst mit einem Buchla Synthesizer und später ausschließlich mit dem ARP 2500 Modularsystem und mit Tonbandtechniken zu arbeiten. Zudem wurde sie zu einer überzeugten Buddhistin. Dieses führte sie zu einem Musikstil, in dem lange Klangverläufe, Klangflächen mit kleinsten Veränderungen eine fast meditative Hörhaltung provozierten. Zu einem ihrer bekanntesten Werke wurde das dreistündige zwischen 1990 und 1998 komponierte Werk »Trilogie de la Mort«. /// The Giga Hertz Prize Festival 2019 concludes with a comprehensive insight into the oeuvre of the prizewinner Éliane Radigue! The final concert includes two German premieres and a world premiere of the composer. Éliane Radigue studied with Pierre Schaeffer and worked with Pierre Henry (Giga Hertz Prize for Sound Art 2013), but emancipated herself early in her sound artistic approaches from the two Musique concrète pioneers. As one of the few women in the Studio d'Essai, she managed to work as a composer despite the adverse circumstances and later build an international career. Éliane Radigue's abstract-imaginative sound landscapes, which she created by means of modular sound synthesis, represent a unique position in sound art within the musical avant-garde. In New York she first began to work with a Buchla synthesizer and later exclusively with the ARP 2500 modular system and tape techniques. She also became a convinced Buddhist. This led her to a style of music in which long sound sequences, sound surfaces with the smallest changes, provoked an almost meditative listening posture. The three-hour work »Trilogie de la Mort« composed between 1990 and 1998 became one of her best-known works.

Giga-Hertz Preis 2019 | Konzert [24.11.2019] Baryton: Yannick Guédon Das Giga-Hertz-Preis Festival 2019 schließt mit einer umfangreichen Einblick in das Œuvre der Preisträgerin Éliane Radigue ab! Das abschließende Konzert umfasst zwei deutsche Erstaufführungen und eine Uraufführung der Komponistin. Éliane Radigue studierte bei Pierre Schaeffer und arbeitete mit Pierre Henry (Giga-Hertz-Preis für Sound Art 2013), emanzipierte sich aber früh in ihren klangkünstlerischen Ansätzen von den beiden Musique concrète-Pionieren. Als eine der wenigen Frauen im Studio d'Essai schaffte sie es trotz der widrigen Umstände als Komponistin zu arbeiten und später eine internationale Karriere aufzubauen. Éliane Radigues abstrakt–imaginative Klanglandschaften, die sie mittels modularer Klangsynthese geschaffen hat, stellen eine klangkünstlerisch einmalige Position innerhalb der musikalischen Avantgarde dar. In New York begann sie erst mit einem Buchla Synthesizer und später ausschließlich mit dem ARP 2500 Modularsystem und mit Tonbandtechniken zu arbeiten. Zudem wurde sie zu einer überzeugten Buddhistin. Dieses führte sie zu einem Musikstil, in dem lange Klangverläufe, Klangflächen mit kleinsten Veränderungen eine fast meditative Hörhaltung provozierten. Zu einem ihrer bekanntesten Werke wurde das dreistündige zwischen 1990 und 1998 komponierte Werk »Trilogie de la Mort«. /// The Giga Hertz Prize Festival 2019 concludes with a comprehensive insight into the oeuvre of the prizewinner Éliane Radigue! The final concert includes two German premieres and a world premiere of the composer. Éliane Radigue studied with Pierre Schaeffer and worked with Pierre Henry (Giga Hertz Prize for Sound Art 2013), but emancipated herself early in her sound artistic approaches from the two Musique concrète pioneers. As one of the few women in the Studio d'Essai, she managed to work as a composer despite the adverse circumstances and later build an international career. Éliane Radigue's abstract-imaginative sound landscapes, which she created by means of modular sound synthesis, represent a unique position in sound art within the musical avant-garde. In New York she first began to work with a Buchla synthesizer and later exclusively with the ARP 2500 modular system and tape techniques. She also became a convinced Buddhist. This led her to a style of music in which long sound sequences, sound surfaces with the smallest changes, provoked an almost meditative listening posture. The three-hour work »Trilogie de la Mort« composed between 1990 and 1998 became one of her best-known works.

Feminale der Musik - Female Composers | Wohnzimmerkonzert & Lesung Malika Reyad (Mezzosopran) und Eugenia Eichhorn (Klavier) präsentieren Stücke von Clara Faisst und Pauline Viardot-Garcia, mit Lesung aus der Publikation »Frauenperspektiven in Karlsruhe« durch Christiane Möschle

Feminale der Musik - Female Composers | Vortrag