Los Vinilos de Barbarella

Como se trataba de hacer algo navideño, Eduard ha traído el cuarto disco en solitario de Jon Anderson, ex-cantante de la banda de rock progresivo Yes, titulado '3 Ships'. Lanzado en 1985, es un disco con temática navideña, aunque con un enfoque bastante particular. No es el típico álbum de villancicos tradicionales interpretados de la manera convencional. Si bien el álbum incluye algunas canciones navideñas tradicionales, Jon Anderson les da su propio sello, con arreglos y producciones que fusionan elementos de rock progresivo, folk y música celta. Además, incluye composiciones originales de Jon Anderson que se integran perfectamente con el espíritu navideño. El título del álbum hace referencia a la canción tradicional inglesa 'I Saw Three Ships (Vi tres barcos)', que trata sobre tres barcos que navegan hacia Belén el día de Navidad. Esta canción está incluida en el álbum y es uno de los temas más conocidos del mismo.

Ya estamos aquí. en un nuevo programa de Los Vinilos de Barbarella. Estamos en el esperado programa navideño que hacemos cada año. Hoy tenemos aquí a Carlos Buendía participando del programa, también hablando y al mando de la nave con todos los aparatos y todos los cables. En frente tengo a Isidro Soria. Eduardo, a su lado que nos desea Feliz Navidad. Y un servidor, Antonio Buendía. Después de 365 días, se ha desvelado el secreto de la Navidad con Bob Dylan cantando Villancicos. Un disco del 2009, que justamente esta semana ha salido en vinilo. O sea, que tenemos aquí el recién salido del horno. Había salido un CD en su momento. Es el número 34 en la carrera de Bob Dylan. El disco en cuestión se llama "Christmas in the Heart", o sea, algo así como "Navidades en el corazón”. Bob Dylan ha sido y es una de las figuras más importantes del folk contemporáneo y, de hecho, de los artistas más influyentes, tanto para el folk como para incluso del rock. Las letras y lo reivindicativo que era todo fue algo que marcó a una generación. Una de sus canciones más rockeros y recordadas "Like a rolling stone", fue considerada o está considerada como el mejor tema en todos los tiempos. Un músico a los que las generaciones. posteriores han usado como referente. Sin duda alguna, junto a The Beatles y Rolling Stones, Bob Dylan es una de las figuras más influyentes que ha habido en la historia de la música. Con una discografía tan extensa, tiene muchísimos altibajos. De hecho, la mitad de discografía de Dylan, o más de la mitad, es complicada. Este disco que vamos a escucharm está grabado en las épocas más bajas de Dylan. La recaudación de este disco iba destinado a dos causas benéficas como erradicar el hambre en Estados Unidos y luego un programa de la ONU de alimentos. A destacar la participación en el disco del músico David Hidalgo, de la banda de origen mexicano, Los Lobos, en el que ha tocado el acordeón, guitarra, mandolina y violín. Otra figura destacada es el bajista Tony Garnier, que hizo durante mucho tiempo de director musical del músico americano. Como bien sabéis, el hecho de ser judió no le impidió grabar esta serie de villancicos y canciones tradicionales de la cristiandad, algunas de ellas con arreglos efectuados por él mismo, tocando también la guitarra, teclados, cantando (con más bien poco acierto) y por supuesto, su conocidísima armónica. En Estados Unidos el disco llegó a alcanzar el número 23 en el Billboard 200 y el número 1 como disco navideño.

Han pasado dos años desde que el equipo de Los Vinilos de Barbarella inició su andadura en Ràdio Sant Feliu. Más de un año antes, el director de la emisora, había contactado con nosotros, que ya veníamos de una largo camino en el podcasting. Nos ofreció formar parte de la parrilla de Ràdio Sant Feliu para poder hacer llegar nuestra pasión por los vinilos musicales a los oyentes de esta emisora del Baix Llobregat. Por desgracia, la pandemia truncó esa primera entrada, pero una vez dejada atrás, volvimos a las conversaciones y se pudo poner fecha para el primer programa. Hemos tenido muchos invitados, amigos que se han pasado por el programa, para hablar de sus proyectos y de los vinilos que más le gustaban. Porque eso sí, no hemos dejado de hablar de música y vinilos. Hemos querido ser un bálsamo para los tiempos que nos han tocado vivir, intentado evitar cualquier distracción más allá de escuchar de lo que nosotros entendemos por buena música, con mejor o peor acierto. De esta corta pero provechosa estancia, nos llevamos buenas cosas: La experiencia de trabajar en radio, algo que desconocíamos. Esto nos ha servido para ser más metódicos, más rigurosos, marcarnos pautas y metas. Esto que parecen pequeños detalles, no lo son en absoluto y esperamos poder aplicarlos en el mundo del podcasting a partir de ahora. Conocer a gente del entorno radiofónico: a todo el equipo técnico y de comunicación. A Jymy Jiménez, del programa BlackCorb Day, compañero con el que compartimos música y cervezas. Y a todos los que hemos podido ver por allí y con los que hemos podido coincidir. No quisiéramos olvidarnos de ninguno, perdón si al final lo hacemos. Como decíamos en la grabación de este último programa, con dos canciones icónicas como pueden ser 'The Next Goodbye' de The Rolling Stones y 'Hello Goodbye' de The Beatles, no es una despedida, es un hasta siempre, volvemos al sito de donde procedemos, al podcasting. Creemos que será un nuevo camino con nuevas formas de hacer las cosas, con más experiencia y algunos años más, y con unos conocimientos que sin este paso por Ràdio Sant Feliu no hubiese sido posible adquirir, excepto los de Carlos Buendía, que estuvo haciendo sus prácticas de sonido en esta casa. Y lo hemos hecho con un álbum que también fue una despedida. Eso sí, una despedida inesperada, una despedida sin decir adiós, como lo hemos hecho nosotros. El gran guitarrista norteamericano Jimi Hendrix y su banda, The Jimi Hendrix Experience, grababa este último disco, 'Electric Ladyland', con muchas ideas para futuros trabajos que no se materializaron, porque desgraciadamente, pasaría a formar parte de ese terrible Club de los 27, donde también están otros grandes como Brian Jones, de los Stones, Janis Joplin, Kurt Kobain de Nirvana, Amy Winehouse o Jim Morrison de The Doors, entre otros. Este disco de casi despedida ha sido el que escogimos entre los colaboradores habituales del programa (Eduardo Antón, José María Arellano, Antonio Benete, Carlos Buendía, Juan Manuel Escrihuela, Albert García Carbó y Patricia Torres o la reciente incorporación de Isidro Soria), personas sin las que estos Vinilos de Barbarella, sería imposible llevar a cabo, y personas que se han comprometido para seguir adelante con lo que venga a continuación. Escoger este disco y poder hablar sobre él, ha sido una forma especial de despedida de Ràdio Sant Feliu. Un adiós que es menos adiós si es Hendrix quien nos acompaña. A todos, gracias por todo. ¡Salud y Vinilos!

A pesar de tener solo diecinueve años cuando grabó este trabajo, Mike Oldfield ya había sido músico profesional desde los quince años, cuando tocó con su hermana Sally Oldfield en el dúo Sallyangie. Con sólo 13 años, ya había actuado en algún que otro club de folk del área de Reading. En 1969, el dúo firmó con el sello Trasanlantic, grabando un único álbum ‘Children Of The Sun’, siendo sus representantes la agencia NEMS, que fue creada en su día por Brian Epstein, el que fuese mánager de The Beatles. Trasanlantic decidió no seguir con ellos, y el dúo como tal, desapareció. Sally Oldfield continuó en solitario (con algunas idas y venidas posteriores con Mike), y éste formó con Terry, otro de los hermanos, la banda de rock Barefoot. A través de dicha agencia NEMS, pasaron a trabajar para Blackhill Enterprises, dirigida por los primeros managers de Pink Floyd, Peter Jenner y Andrew King. En la agencia, además contaban con Syd Barret o el ex-bajista de Soft Machine, Kevin Ayers, con el que posteriormente Mike Oldfield tendría una dilatada carrera. Ayers ya había empezado su carrera en solitario con el álbum ‘Joy Of a Toy’. Como necesitaba una banda , Blackhill le puso en contacto con Mike Oldfield. En 1970 pasó a formar parte de dicha banda, Kevin Ayers and The Whole World como bajista. En 1970 ya compartirían cartel con Pink Floyd.

El pasado 30 de noviembre nos dejó Christine Anne Perfect, conocida como Christine McVie (1943-2020), a la edad de 79 años. Christine fue teclista, cantante y compositora de muchos de los éxitos de una de las bandas más legendarias y laureadas de la historia: Fleetwood Mac. Y el disco que traemos hoy, es nada más ni nada menos que Rumors, el undécimo disco de Fleetwood Mac, publicado en 1977, y uno de los discos más vendidos de la historia, exactamente está en el nº 7 del ranking, con más de 40 millones de copias vendidas en todo el mundo. Antes de hablar del primer tema del programa, un poco de cotilleo, ya que al hablar de Christine McVie y John McVie, hay quien se preguntará que relación habían entre ellos. Christie Ann Perfect se casó con John McVie en 1968, adoptó su apellido, y se divorciaron en 1976, aunque siguieron juntos en la banda. El primer tema que escucharemos en el programa, es el que abre el álbum: Second Hand News, “noticias de segunda mano”. Está compuesta por Lindsey Buckingham (guitarra y voz en esta formación), y según cuenta, la escribió después de escuchar el Jive Talkin de los Bee Gees. Trata de un amante despreciado, aunque las guitarras suenen un poco alegres y sugieran más un sentimiento de despedida. Cuenta también que como Mike Fleetwood, el batería, no daba con el ritmo, Buckingham lo tocó en una silla de oficina, para conseguir el efecto que quería. La línea de bajo la reescribió John McVie, usando solamente notas negras y haciéndola más sencilla de cómo la había pensado Buckingham

Dark Side of the Moon es el octavo disco de Pink Floyd, un hito en la historia de la música, y sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de la historia de todos los tiempos. Es un álbum conceptual. Cada cara del álbum está formada por cinco temas unidos que representan varios estados de la vida humana: el estrés, el envejecimiento, el miedo a la muerte, la avaricia, la empatía, y también la locura, esto último inspirado por el deterioro mental de Syd Barrett, quien había sido el fundador de la banda, amigo, líder, compositor y letrista desde 1964 hasta 1968. Pero esa es otra historia. La contamos en nuestro podcast número 78, dedicado a su noveno disco, 'Wish You Were Here' (volverá a estar disponible en esta web en breve). Como en ese programa dimos un repaso a la biografía del grupo, en éste, nos vamos a centrar solamente en 'The Dark Side of the Moon', y os remito a escuchar quien no lo haya hecho ese podcast, que nos quedó muy chulo e interesante. El disco empieza y termina con los latidos del corazón. 'Speak To Me' es un tema firmado por Mason, y 'Breath (In The Air)', firmado por Waters, Gilmour y Wright donde se refieren a las cosas cotidianas y fútiles de la vida, pero con la amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida Curiosamente, nunca llegó al número 1 en las listas inglesas, y solamente estuvo 1 semana en el número 1 en los Estados Unidos. En cambio, acumuló 19 años en la lista Billboard y vendió más de 50 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los discos más vendido de la historia. Con motivo del 50 aniversario, además de la inevitable caja especial con el disco, CD y contenidos extras, que seguro son interesantes, resulta que en uno de esos delirios de grandeza a los que nos ha acostumbrado Roger Waters, ha regrabado de nuevo el disco, porque considera que fue una idea suya, que es suyo, y todo ese rollo. Pero antes de intentar desmontar la historia, hablaremos del siguiente tema 'On The Run', que evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en donde trasladan en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto.

Los Brincos se formaron en Madrid en 1964, su representante Luís Sartorius, consiguió que fueran fichados por la discográfica española Zafiro. Convenció a la compañía de que en España podía lanzarse con éxito un grupo al estilo de las bandas británicas del beat, pero con personalidad propia e interpretando sus propias composiciones. Sartorius murió en accidente de tráfico poco antes del lanzamiento de este disco, habiendo sentado las bases de un proyecto que se plasmó en el estudio de la mano de Marini Callejo, que había sido cantante y pianista de Los Brujos, grupo donde él fue el fundador. A Los Brincos se les llegó a conocer como Los Beatles españoles En la promoción anterior al disco, RTVE elaboró un reportaje llamado “Así se forma un conjunto”, donde se mostraba cómo se aplicaban los métodos que habían hecho grandes a The Beatles en la creación de Los Brincos. Se les conoció como Los Beatles españoles. Si bien en este primer trabajo el principal referente es el merseybeat. El mayor problema en la elaboración del disco surge en la mayoría de los temas cantados en inglés, ya que sin dominar todavía el idioma se les nota las carencias para componer de forma que suenen más propios. Su imagen en los primeros tiempos, aunque inspirada en los grupos beat británicos, incluía elementos más o menos castizos como podían ser las capas españolas o los cascabeles en sus zapatos.

Hoy vamos a dedicar el programa al 40 Aniversario de uno de los grandes discos del rock, este caso, se trata del vinilo 'Synchronicity', quinto y último trabajo de la banda de rock inglesa The Police. La elección ha sido complicada dentro de su discografía. Es bien cierto que podíamos haber escogido alguno de sus dos primeros discos, que son también muy conocidos, pero hemos optado por este porque creemos que es el trabajo más maduro de la banda, que recoge un nuevo sonido y parecía abrir nuevas puertas y un gran futuro a The Police. Lamentablemente, no fue así. La banda se separó prácticamente al año de la salida de este disco, justo al terminar la gira de presentación del mismo. Fue una lástima porque nos The Police creer que tenían todavía mucho camino por delante y que el sonido y la creatividad estaban cogiendo gran fuerza, y que estaban preparados para ofrecer mucho más. El término 'Sincronicidad' fue creado por el psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo Carl Gustav Jung. Dicho término se refiere a la "simultaneidad de dos sucesos vinculados por el sentido pero de manera casual." Es un término complejo para los que somos neófitos en la materia. Explicándolo en palabras más sencillas, la sincronicidad se da cuando ocurre una coincidencia sorprendente que se da de forma casi mágica. Estos dos temas del disco (Synchronicity I y Synchronicity II) hablan en sí de estas teorías y de otras relacionadas con ellas. Sting desde luego es mucho más que un músico al uso, es una persona interesada en muchos otros aspectos ajenos a ésta. En estos dos temas tenemos a Sting a la voz, sintetizador y caja de ritmos. Andy Summers a la guitarra y teclados y Stewart Copeland a la batería. 'Synchrocity II' suena mucho más rockera que su primera parte, donde se hace más uso de los sintetizadores. La guitarra de Summers suena genial, con unos riffs impactantes. Fue lanzada como single del álbum alcanzando el puesto 17 en las listas del Reino Unido y el 16 en USA.

Hoy os vamos a traer un proyecto recién salido del horno, que es el ‘This Is Why’ de Paramore, que se trata del sexto álbum de la banda americana. Paramore ha pasado por varias épocas dentro de su discografía tal y como ya comentamos en un programa anterior, pero en esta ocasión nos vamos a centrar más en su evolución analizando de forma más o menos breve cada álbum de estudio, intentando ser lo más imparcial posible ya que es una banda que me encanta, pero como todas, no es perfecta. El primer disco de la banda fue el ‘All We Know Is falling’ del año 2005. Personalmente considero que sin ser un mal disco, y aunque en una época que me enganchó bastante, no es su mejor proyecto. En muchas de las canciones se nota ese sentimiento adolescente de «nadie me entiende y todo el mundo está en mi contra», y es algo que claramente, no ha envejecido bien. A nivel de general no está mal dentro de lo que fue el Pop Punk y el Emo Pop de la época, pero teniendo en cuenta que en el año 2005 ya habían salido discos como el ‘Three Cheers for Sweet Revenge’ de MCR que eran mucho mejores en todos los sentidos Su segundo disco fue el “Riot!” del año 2007, que fue el disco que les catapultó a la fama sobretodo gracias a su single ‘Misery Business’. Es un proyecto que, a pesar de que también varias de sus canciones, fueron escritas en una época muy temprana de su carrera, mejora en todo respecto al anterior. La producción se notaba más cuidada, del mismo modo la mezcla que era bastante mejor que su anterior proyecto, y el cambio hacía una dirección más cercana a lo que hicieron Blink-182 con su proyecto homónimo les sentó realmente bien. Sin entrar mucho más en detalles, tiene algunas de las mejores canciones de toda su discografía, pero también tiene otras que dejan que desear un poco por motivos parecidos al primer disco. El tercer disco de la banda fue el “Brand New Eyes” lanado el año 2009. Durante mucho tiempo fue mi disco favorito de la banda y la verdad es que no es para menos, porque aquí fue cuando el grupo empezó a despuntar a nivel creativo. El grupo tomo una dirección hacia el Rock Alternativo parecido al de bandas como Placebo o Anberlin, pero manteniendo parte del estilo más Emo, tanto a nivel lírico como en gran parte de la composición melódica de los temas, algo que les había caracterizado hasta la fecha, siendo así uno de los proyectos más interesantes de aquella década de dicho género. Entrando ya a principios de la década pasada, más concretamente en el año 2013 Paramore lanzó el que fue su cuarto album de título homónimo, ‘Paramore’ la banda ya se aleja totalmente de toda aquella escena Emo de la que les hizo brillar tanto en su primera época. Esta vez nos trajeron un disco doble de Pop Rock y Power Pop a medio camino entre lo que serían bandas como Weezer, pero con un toque algo ochentero. Era un disco con letras mucho más positivas y empoderadas en líneas generales y con una producción muchísimo más cuidada, además de tener temas realmente memorables. Sin duda la banda evolucionaba a pasos agigantados y los cambios de estilo les sentaba realmente bien.

Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita'. Los músicos que grabaron este disco son: Manuel Martinez voz, Miguel Galán guitarra, Manuel Salvador Molina bajo, Jose Antonio Molina batería y a los teclados Pablo Rabadán. Medina Azahara está reconocida como una de las agrupaciones más emblematicas del Rock Andaluz, se formaron en 1979 en Córdoba. El nombre de la banda viene de la ciudad califal cercana a la ciudad. Fueron lanzados al gran público por Rafael Martín Parraga, en la feria de septiembre de Córdoba. Poco después de su formación tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios de CBS para grabar su primer el album, que contenía 'Paseando por la mezquita', que se convirtió en un himno del grupo. Este primer trabajo recoge las influencias de la banda, mezclando el Hard Rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con caracteristicas propias del Rock Sinfónico. También del mencionado Rock Andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en su estilo. Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita' Siguen grabando nuevos álbumes de estudio, 'Dónde está la luz' , 'Arabe' y 'Tánger' entre otros. Aparece su segundo disco en directo, 'A toda esa gente' donde se muestran como un grupo potente sobre los escenarios . Con la entrada del nuevo siglo, siguen grabando algunos discos, rindiendo homenaje con sus versiones a Triana, Miguel Ríos, Los Módulos o Los Salvajes. También se atrevieron con una versión en castellano del tema de Scorpions, 'Wind of Change'. En la actualidad siguen activos a día de hoy, sacando algún que otro disco de estudio, pero su fuerte sigue siendo los conciertos en directo. El guitarrista Paco Ventura, que entró en la banda en 1989, les ha dado mucha garra en los escenarios.

Hace unos días, nos vino a visitar al estudio Rubén Rois, un buen amigo, que aprovechó para presentarnos su libro 'La Desbanalización de los Videojuegos', de la Editorial Autografía. Rubén tiene su propio Podcast, “Co-oP 2 Players” así como co-productor del programa “El Raccoon del Joc”, tanto en Youtube como en Ivoox. Asimismo, ha participado en política y en activismo social, habiendo sido voluntario de organizaciones como Cruz Roja y Banc d’Aliments. Actualmente, colabora con la protectora de animales 7Vides en Òdena (Igualada). En el libro "La Desbanalización de los videojuegos" Rubén argumenta que los videojuegos han sido banalizados en la cultura popular, y que esto ha llevado a una falta de comprensión de los videojuegos como una forma de arte y entretenimiento legítima. Asimismo, aborda la idea de que los videojuegos son a menudo considerados como una forma de entretenimiento infantil o inmaduro, y que esta percepción ha llevado a una falta de respeto hacia el medio en la cultura popular. El libro también explora la idea de que los videojuegos pueden ser una forma de contar historias y transmitir mensajes importantes. Los videojuegos pueden ser una herramienta poderosa para abordar temas sociales y políticos, y que su capacidad para involucrar al jugador puede hacer que estos temas sean más accesibles y significativos. En definitiva, "La banalización de los Videojuegos" es un libro interesante y provocativo que desafía la idea de que los videojuegos son una forma de entretenimiento inferior. Para amenizar dicha entrevista, hemos pinchado la banda sonora original del videojuego 'The Last Of June', del músico inglés Steven Wilson.

Para ilustrar este programa tenemos en nuestras manos el doble LP editado en 1997 por el sello Strange Fruits Records, que lleva por título BBC In Concert 1972-1973, también contaremos con EP y un single promos de Japón. Hoy vamos a hablar de Badfinger banda de power rock originaria de Gales, que a pesar de ser grandes músicos y excelentes compositores no tuvieron especial reconocimiento, siendo hoy son una banda de culto. A lo largo de su carrera vieron como a pesar de ser una banda prometedora, una serie de circunstancias de las que más tarde hablaremos, los llevó a una serie de desgracias que truncaron su carrera. En los años 60 y 70, la política de las emisoras de radio inglesas era la de no pinchar vinilos. Los músicos accedían al estudio a cantar en directo el éxito que querían promocionar. La BBC disponía de algunos teatros donde se grababan conciertos para su posterior emisión. El disco que nos ocupa consta de dos conciertos de siete temas cada uno de ellos grabados en el Paris Theatre de Londres. El primero se grabó el 8 de junio de 1972 y el segundo 14 meses después, el 10 de agosto de 1973. Molland y Pete Ham muestran sus dotes con las guitarras solistas en estas grabaciones. El grupo se formó en los 60 con el nombre de The Iveys en Swansea, Gales, por el guitarrista Pete Ham, el bajista Ron Griffiths y Dai Jenkins a la guitarra. El sello de The Beatles, Apple Records que había sido creado para promocionar nuevos talentos les firmó un contrato. Grabaron el single 'Maybe Tomorrow', para posteriormente grabar su primer álbum con el mismo título que no tuvieron repercusión alguna. A pesar de ello, McCartney vio algo en ellos y les cedió su canción 'Come and get it', que grabaron como sencillo, teniendo un éxito apabullante. El tema formó parte de la banda sonora del film 'The Magic Christian'. Lennon bautiza al grupo como Badfinger, inspirado en una canción de The Beatles, 'With a Little Help From my Friends', que en sus inicios se llamaba 'Bad Finger Boogie'. Entra Joey Molland guitarrista y cantante rudo, lo que sirve a la banda para encontrar nuevos sonidos. Graban su primer álbum con el nuevo nombre de título 'Magic Christian Music', con canciones de la película 'Magic Christian' y remezclas de los temas de su debut como Iveys. El siguiente álbum, el que está considerado el mejor de la banda salió al mercado en 1970 con el nombre No dice, incluyo su éxito No matter what y la preciosa balada Without you, que se convertiría en un hit mundial a cargo de Harry Nilsson.

Una vez más nos visita Juan Manuel Escrihuela, escritor y dibujante, que tiene en su haber entre otros, 'Marc bolan - el Guerrero electrico de los 70', el único libro en español escrito sobre Marc Bolan y la que fuese su banda, T. Rex. Hoy nos acompaña para conmemorar los 50 años de la aparición de 'The Slider', uno de los mejores discos de la banda. En mayo de 1971, la fama de Marc Bolan había alcanzado su punto álgido, tanto que los sucesivos intentos –entre febrero y junio de 1971 por parte de dos discográficas, Fly Records y Vision of Britain Records– de que firmara un contrato discográfico resultaron fallidos ya que Marc decidió lanzar su propia compañía discográfica con la ayuda de Tony Secunda, para que él mismo pudiera regular sus propios materiales. T.Rex Wax Co. fue noticia porque, a partir de enero de 1972, la empresa la distribuyó para grabar toda la discografía de Marc Bolan y T. Rex. EMI era el sello discográfico encargado de producir discos y enviarlos a todo el Reino Unido (aquí en España era la compañía Ariola). Bolan también establecióque Wizard Publishing, administraría la edición y publicación de sus nuevas canciones. Antes de que todo el mundo quedase encantado del primer álbum de estudio lanzado por el grupo con este nombre, el 13 de enero de 2019, los lectores de New Musical Express votaron a T. Rex como el grupo número 1. El día 21 salió a la venta "Telegram Sam", el nuevo sencillo de T. Rex, con una funda especial azul marino con un agujero en su centro -coincidiendo con la parte de la etiqueta-, en la funda se podía ver la cara de Marc, de color rojizo, y el nombre del grupo, en letras también más grandes que las de EMI, en rojo. El sello discográfico recién establecido de Bolan vendió 200.000 copias del álbum el 5 de febrero y permaneció en esta posición favorable durante los siguientes quince días. Así que estaba claro quién era el jefe y quién ganó la mayor parte del pastel del contrato; en este caso, Marc Bolan. Un adelanto de su próximo álbum, 'The Slider', con su ritmo trepidante, las voces ganadoras de premios Grammy de Howard Kaylan y Mark Volman cantando la música pop más pura, los arreglos simplemente excelentes de Toni Visconti, y las habilidades con la guitarra de Marc, alcanzaría el número 1 en las listas. El sello discográfico recién establecido de Bolan vendió 200.000 copias del álbum el 5 de febrero y permaneció en esta posición favorable durante los siguientes quince días. Además, Europa también se rindió al encanto de “Telegram Sam”, alcanzando el Top Ten en varios países europeos. Aquí en España fue un éxito de ventas en El Corte Inglés. No siguió su ejemplo en las listas estadounidenses, permaneciendo en el número 67.

Pepe Dana, el dueño de la tienda de discos Riff Raff Discos en Hospitalet de Llobregat (Barcelona), recientemente volvió a grabar con nosotros. Pepe Dana y José Pérez-Vico han publicado un libro que trata sobre la soledad en la sociedad contemporánea, cómo nos influyen las creencias religiosas o cómo se manifiestan los síntomas de la exclusión social. Durante la entrevista, Pepe Dana pudo comentar cómo se ha utilizado el cine para abordar de manera efectiva temas privilegiados, e incluso fue más allá al afirmar que las imágenes en movimiento nos permiten relacionarnos con las personas desde muchos puntos de vista diferentes. Al mismo tiempo, hablamos sobre el poder de contar historias para ayudar a otros a comprender cómo es lidiar con problemas de salud mental a diario. Los autores también han hecho hincapié en cómo ciertas tradiciones sociales pueden limitar nuestra capacidad de relacionarnos con quienes buscan consuelo a través de sus creencias o creencias religiosas. A lo largo de su libro, han examinado cómo estos patrones culturales pueden dificultar nuestra interacción con aquellos que no se sienten seguros debido a sus creencias o costumbres religiosas. El libro fue creado durante la primera parte de un período de epidemia, cuando estaban comenzando otros proyectos. El planeta entero estaba aprensivo y los individuos buscaban una salida, que es el objetivo de este libro. El trabajo analiza el uso personal para presentar al espectador una perspectiva reflexiva y una perspectiva de los detalles de los eventos representados, sus creadores y el medio en su conjunto. También nos tomamos el tiempo para escuchar música de Chaplin, Bowie, Marc Bolan (T. Rex) y muchos otros, que han formado parte de las bandas sonoras de las películas que aparecen en 'Aislados en el Cine'.

The Clash va ser una de les bandes clau del punk britànic, un gènere que renegava de la tècnica d’altres estils del rock per a portar una proposta agressiva i contestatària, amb grans influències del rock de garatge dels anys 60, amb molt de tall però mantenint part del component més melòdic i sobretot expressant un sentiment de ràbia, rebel·lia i crítica social i política, que és una cosa que va ser intrínsec del punk de Gran Bretanya. The Clash, que es va formar en 1976, estava compost per quatre membres: Joe Strummer en la veu principal i la guitarra rítmica, Mick Jones en la guitarra principal i els cors, Paul Simonon en el baix i els cors, i Topper Headon en la bateria i la percussió. Van ser inspirats per grups americans de l’època tant dins del paradigma del punk com els Ramones com del rock de garatge com The Stooges. Durant la seva curta però intensa carrera junts, van llançar sis àlbums d’estudi i molts d’ells continuen sent dels discos més icònics de la història de la música. La potent veu de Joe, els cors potents, i especialment el caràcter crític i combatiu de les seves líriques enfront de la injustícia de les classes altes davant el proletariat i d’una joventut de classe obrera amb poques oportunitats, tot això al costat de la gran actitud que tenien tots els membres de la formació va fer elevar a la banda als cànons més alts de la història de la música. L’impacte de la banda es va estendre molt més enllà de la cultura punk, ja que el seu so característic va combinar aspectes de reggae, ska, dub, funk i rap pel que es coneixeria com «L’única banda que importa».

¡Las vacaciones están de Navidad se acercan y qué mejor manera de entrar en el espíritu navideño que transmitiendo un podcast especial! Este diciembre, el ícono de la música Mariah Carey retorna con su primer disco navideño. Con su icónico álbum Merry Christmas de 1994 , los oyentes ahora pueden disfrutar de un nuevo podcast donde la ponemos a caer de un burro. Ah, Navidad: la temporada de regalar, decorar y escuchar el éxito de 1994 de Mariah Carey "All I Want For Christmas Is You" una y otra vez. Si eres como nosotros, unos rockeros despiadados, que no se cansa de escucharla, ¡estás de suerte! . Disfruta con Los Vinilos de Barbarella de este podcast para despedir el año, que ya tocaba. ¡Salud y vinilos!

En este programa vamos a hablar de uno de los grupos más importantes del rock progresivo y sinfónico que se hacía en la piel de toro. Módulos se formó en Madrid en el año 1969. Sus miembros originales eran Pepe Robles (Guitarra y voz), Tomás Bohórquez (Órgano Hammond y piano), Juan Antonio García Reyzabal (Batería) y Emilio Bueno (Bajo). Editaron cinco álbumes de estudio y varios sencillos, para acabar disolviéndose en 1979. Para ilustrar este programa, traemos su primer álbum de estudio, Realidad, editado en 1970 y algunos singles anteriores. Sus influencias musicales eran muy diversas, Beatles, Vanilla Fudge, The Young Rascals, Bach o Keith Emerson. Módulos quiso perfilarse como un grupo diferente, algo que se vio reflejado en la búsqueda de profesionalidad Este álbum debut destaca por sus pasajes románticos y melancólicos, su cadencia, sus cambios de ritmo, la interacción de todos los instrumentos, los escalofríos que producen algunas notas del Hammond B-3 de Bohórquez y, en general, por esa sensación de que Módulos habían conseguido construir una contundente "muralla de sonido". Desde un primer momento, Módulos quiso perfilarse como un grupo diferente, algo que se vio reflejado en la búsqueda de profesionalidad. Aseguraban ensayar 8 horas diarias. Supieron aprovechar la onda del pop, su gran referencia The Beatles, de los cuales hicieron dos versiones en su primer trabajo, Yesterday y Hello Goodbye, amén de dedicarles un tema propio de nombre 'Beatles', en su último disco de 1979, de nombre Módulos y editado por el sello Mercurio. En 1978, graban para la modesta compañía Mercurio un álbum homónimo, con mayor libertad compositiva, con nueva temática en las letras y algunos pasajes ciertamente experimentales. Tras algunas galas actuando con el nombre de TAO, Módulos comprobaron que su carrera no tendría ya mucha continuidad y se separaron en 1979. En 1999, todos menos Robles (con Pibe Iglesias en su lugar), deciden unirse de nuevo para regrabar temas, hacer algunas galas y aprovechar la ola nostálgica editando el disco Pensado y hecho... en la intimidad (2000), el cual incluye nuevas versiones de viejos éxitos, y 6 temas nuevos. Tras abandonar Módulos, Robles en los 80 montó un efímero dúo con Teddy Bautista, dejando registrado un único disco que vio la luz en 1981, Radioactivo, donde solo hay que destacar su single 'Beatriz', que alcanzó cierta popularidad en las listas de ese año.

No son pocos los músicos que han puesto banda sonora a la gran obra del escritor norteamericano Edgar Allan Poe, un escritor que tuvo una vida realmente complicada y que es sobre todo conocido por sus libros de terror, aunque su bibliografía es mucho más amplia. Vamos hoy a ocuparnos de un disco donde se pone música a la obra de este escritor. Empezaremos hablando brevemente sobre lo que fue el Proyecto Alan Parsons. Dicho proyecto fue en realidad una banda británica de rock progresivo que estuvo activa desde 1975 hasta 1990, aunque de hecho sigue haciendo giras, lo que no sabemos es hasta qué punto tienen relación o no con la idea original, ya que Alan Parsons no parece que participe en las mismas, aunque en la página web del músico y productor sí que habla abiertamente de las giras del proyecto, por lo que es de suponer que, como mínimo cuenta con su beneplácito. Como más adelante veremos, el proyecto fue creado por él mismo y por el también productor y músico Eric Woolfson, que tristemente desapareció en 2009. La banda contaba en sus discos con una serie de músicos que iban y venían, la mayoría de ellos músicos de sesión, como lo fue el mismo John Miles. Aun así, contaban con algunos miembros más o menos estables como el guitarrista Ian Bairson, el bajista y vocalista David Paton, el batería Stuart Elliot o el cantante Lenny Zakatek. Las composiciones siempre iban firmadas por ambos, Parsons y Woolfson, como han hecho otros grandes del rock como Lennon y McCartney o Jagger y Richards. En total lanzaron 11 discos de estudio de los que llegaron a vender más de 50 millones de copias.

Bienvenidos a un nuevo programa de Los Vinilos de Barbarella, en esta ocasión queríamos sorprenderos con un disco y un grupo vulgar, poco conocido y pero evolucionando. Bromas aparte, hoy tenemos a uno de los más grandes de este estilo musical. 28 de febrero del año 2000, llega Stiff Upper Lip, el decimocuarto álbum de estudio realizado en dicho año por la banda australiana de hard rock AC/DC. 'Give It Up' y 'Can't Stop Rock n' Roll'. Fue esa su vuelta a los estudios de grabación, después de años de ausencia. Hablemos de la banda, aunque creo que no es muy necesario: AC/DC es una banda de hard rock británico-australiana, formada en 1973 en Australia por los hermanos escoceses Malcolm Young y Angus Young. Sus actuaciones en vivo, vibrantes y exultantes espectáculos de primer orden se debe al extravagante estilo de su guitarrista principal y símbolo visual, Angus Young, y sus despliegues escénicos uniformado de colegial callejero. En 1974, la llegada del cantante Bon Scott se convertiría en una pieza clave del éxito del grupo. Su presencia en escena, lo convirtió en uno de los personajes más carismáticos de la historia del hard rock. La formación se estabilizaría con Cliff Williams (bajo) y Phil Rudd (baterista). Con cuatro décadas de trayectoria, la banda ha superado los cambios en la alineación, la pérdida de históricos miembros, la controversia sobre su imagen y letras, y el constante cambio de las tendencias musicales, para convertirse en la actualidad en una de las bandas más importantes e influyentes de la historia. La idea por parte de DRO Eastwest era convocar ese día a todos los fans en el Madrid Rock de Gran Vía (ya desaparecido) con la golosina de que, por cada CD que se comprase, te entregaban un formulario donde, poniendo tus datos, podías entrar en el sorteo de una Gibson SG firmada y... ¡¡atención!!, esto es lo importante: una estatuilla en dos dimensiones muy, muy rara (existen muy pocas), de donde, a partir de ella y una litografía en una dimensión, los diseñadores sacaban la portada del álbum como producto final.

Oliver Taylor Hawkins (17 de febrero de 1972 - 25 de marzo de 2022) fue un músico estadounidense, ampliamente conocido como el baterista de la banda de rock Foo Fighters, con quien grabó nueve álbumes de estudio entre 1999 y 2021. Antes de unirse a la banda en 1997, fue el baterista de gira de Sass Jordan y Alanis Morissette, así como el baterista de la banda experimental progresiva Sylvia. En 2004, Hawkins formó su propio proyecto paralelo, Taylor Hawkins and the Coattail Riders, en el que tocó la batería y cantó, lanzando tres álbumes de estudio entre 2006 y 2019. Formó el supergrupo NHC con los miembros de Jane's Addiction Dave Navarro y Chris Chaney en 2020, donde también asumió tareas de voz principal y batería. Después de una gira durante la primavera de 1996, Foo Fighters ingresó a un estudio de Seattle con el productor Gil Norton para grabar su segundo álbum. Según los informes, estalló un conflicto durante la grabación entre Dave Grohl y el baterista William Goldsmith, lo que finalmente provocó que Goldsmith dejara la banda. La banda se reagrupó en Los Ángeles y volvió a grabar casi por completo el álbum con Grohl en la batería. El álbum, The Color and the Shape, fue lanzado el 20 de mayo de 1997. Grohl llamó a Hawkins, un conocido en ese momento, buscando sus recomendaciones para que un nuevo baterista se uniera a la banda. Grohl tenía la impresión de que Hawkins no dejaría la banda de gira de Morissette, dado que ella era un acto más grande que Foo Fighters en ese momento. Sin embargo, para sorpresa de Grohl, Hawkins se ofreció como voluntario para unirse a la banda, explicando que quería ser baterista en una banda de rock en lugar de actuar como solista. La banda anunció que Hawkins sería su nuevo baterista el 18 de marzo de 1997. Hawkins apareció por primera vez con los Foo Fighters en el video musical del sencillo de 1997 "Monkey Wrench", aunque la canción fue grabada antes de unirse a la banda. Además de tocar la batería con Foo Fighters, Hawkins también proporcionó voz, guitarra y piano en varias grabaciones. Interpretó la voz principal en una versión de "Have a Cigar" de Pink Floyd. Se lanzaron dos versiones de la canción, una como cara B de "Learn to Fly" y otra en el álbum de la banda sonora de Mission: Impossible 2. Más tarde cantó la voz principal en "Cold Day in the Sun" de In Your Honor, que luego se lanzó como sencillo, así como una versión de "I Feel Free" de Cream, que apareció como cara B de "DOA". y en el EP Five Songs and a Cover. Hawkins también cantó la voz principal para la versión de la banda de "Life of Illusion" de Joe Walsh. Más tarde, cantó la voz principal de "Sunday Rain", una pista del álbum Concrete and Gold de Foo Fighters de 2017. Cantó la voz principal en algunas canciones durante los shows en vivo de Foo Fighters, como una versión de "Somebody To Love" de Queen en su último concierto con la banda. También contribuyó a la composición de canciones de la banda y fue incluido como coautor en todos los álbumes desde There Is Nothing Left to Lose. La última actuación de Hawkins con los Foo Fighters antes de su muerte fue en el festival Lollapalooza Argentina el 20 de marzo de 2022. Hawkins ganó póstumamente tres premios Grammy con los Foo Fighters el 3 de abril de 2022.

Mientras bandas como Muse o U2 se diluyen en giras interminables y discos venidos a menos, Placebo ha sorprendido a propios y extraños, con un disco increíble, muy potente y que demuestran que tras 22 años de carrera pueden volver a estar en lo más alto de las listas de ventas y ser una verdadera sorpresa para los que ya los conocíamos o los que gracias a esta nueva entrega que este larga duración ‘Never Let Me Go’ han podido empezar a conocer. Las bandas crean bastante ‘hype’ con los lanzamientos de adelantos de sus discos, y no se equivocan con ellos, casi siempre esas primeros tanteos con el público denotan de qué va a ir el resto del trabajo. No solemos equivocarnos: cuando esas entregas son flojas, cuando el disco sale a la luz, sigue siendo flojo. Placebo son un dúo londinense, aunque en algunos momentos de su carrera llegaron a ser 3 componentes. La banda se creó en 1994, formada inicialmente por el cantante y guitarrista Brian Molko y el bajista y guitarrista Stefan Olsdal. Brian y Stefan coincidieron en el American International School of Luxembourg, por lo visto sin conocerse personalmente. Justo en el año de formación de la banda fue cuando ambos por fin coincidieron en la estación del metro de South Kensington. Oldslad volvía de tomar unas clases de guitarra. Molko le vio con la guitarra y le invitó a ir a un concierto suyo. En ese concierto nació la semilla de Placebo, aunque en esos primeros pasos se llamaron Ashtray Heart, que era una canción de la banda Capitan Beefheart. Ese nombre lo tuvieron por poco tiempo, para pasar a llamarse definitivamente Placebo. Brian escogió como baterista a Steve Hewitt, que era su amigo, aunque con fecha de caducidad porque tenía otros compromisos con la banda local Breed. Al final, Hewit y otro baterista, Robert Schultzberg iba turnándose en la banda. Fue éste último quien grabó el disco homónimo de Placebo. El primero y el último, volviendo de nuevo Hewitt. El punto álgido de su carrera llegaría en 1997, participaron en el concierto homenaje del 50 cumpleaños de David Bowie que se realizó en el Madison Square Garden. Ese año empezarían gira e incluso llegaron a telonear a U2. Sólo un año después, en 1998 aparecía su segundo disco ‘Without You I’m Nothing’. En ese larga duración aparecería uno de sus grandes temas ‘Every Me Every You’, que tantas alegrías les ha dado. Este tema pasó a formar parte de la banda sonora de la película ‘Crueles Intenciones’, en el que el propio Bowie hace dúo con Molko a las voces. Ese año grabarían otro tema icónico del rock de todos los tiempos: ‘20th Century Boy’ de Marc Bolan y T. Rex. Recordemos que el fallecido Marc se codeaba con Bowie en la década de los 70 por el disputado puesto de Rey del Glam-Rock, aunque ambos eran muy amigos. Dicho tema se incluyó en la banda sonora de la película ‘Velvet Goldmine’, además de hacer un cameo en la misma. También tocaron ese tema junto a su mentor, Bowie en los Brit Awards. Llega el cambio de milenio y aparecen con otro disco bajo el brazo: ‘Black Market Music’, donde cambian radicalmente de estilo, alejándose de ese sonido melancólico de sus baladas. En 2003 aparecería ‘Sleeping With Ghosts’, donde experimentaron abiertamente con la electrónica. Nuevamente, 3 años después aparece ‘Meds’, en el que aparecen como músicos Mosshart de The Kills y Stipe de R.E.M. Era 2006 y Placebo cumplían sus 10 años juntos, por lo que aprovecharon para reeditar su primer disco incluyendo además rarezas y un DVD de ellos mismos presentando los temas. En 2008 se preparan para grabar nuevo disco, con nuevo batería, Steve Forrest, batería de Evaline que les había telefoneado en alguna gira. El disco aparecería un año después, ‘Battle for the Sun’. Hizo falta una espera de 4 años para que sacaran otro trabajo, ya sin ninguno de los baterías hasta ahora mencionados. El disco ‘Loud Like Love’, es considerado por Molko como el mejor hasta entonces. Estaban preparando nuevo álbum cuando nos cogió a todos por sorpresa la pandemia, posponiéndose hasta 2021. En mayo de ese año, aparecería la primera entrega con el tema ‘Beautiful James’, que es con el que hemos abierto el programa. En noviembre ‘Sorrounded by Spies’, con el que desvelarían el nombre de su nuevo disco ‘Never Let Me Go’ que hoy nos ocupa. Al final, fue en 2022 cuando apareció, aunque esas dos primeras entregas dejaron buen sabor de boca y dieron lugar a que fuese realmente un disco muy esperado. El sonido de Placebo es fácilmente reconocible por la voz nasal de Molko y las cadencias oscuras de sus composiciones. Es una banda que, al igual que su mentor, David Bowie, no ha tenido miedo al experimentar con nuevos instrumentos o sonoridades. Sus letras y su puesta en escena, sobre todo por las reconocibles camisetas de tiras de Molko, les ha permitido hablar sobre la homosexualidad (Olsdal es homosexual y Molko bisexual) y el uso de drogas.

ué lanzado por Movieplay en 1975, producido por Gonzalo García Pelayo. Tuvo una promoción prácticamente nula, llegando a estar descatalogado en algunas tiendas, el exito de los siguierntes trabajos, llevó a volver a relanzarlo. El propósito inicial del grupo era fundir el flamenco con rock psicodelico y rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Pink Floyd, Caravan, Procol Harum, Traffic y los primeros King Crimson, fusión sonora que ha definido al rock andaluz en general. Aquí podemos hacer un inciso para comentar que las discográficas rechazaban el material de Triana porque no tenían nada claro que fuera a funcionar essa fusión entre el flamenco y el progresivo. Si há lugar, también comentamos los problemas de Lole y Manuel, de Camarón con La Leyenda del Tiempo, y hasta del mísmo Paco de Lucía com los puristas del flamenco. El disco no tuvo apoyo publicitario, excepto el proporcionado por el productor del disco, García Pelayo, que lo radiaba asiduamente. Solamente vendió unas decenas de copias en el primer trimestre de su publicación. Pero pasados unos meses, en 1976, y gracias al boca a boca, Triana fueron afianzándose con fuerza y consiguieron llenos en varias discotecas de Madrid. En la grabación de este trabajo tenemos a Jesús De La Rosa en la voz y los teclados, Juan José Palacios (Tele) batería y percusión y a Eduardo Rodriguez Rodway a la guitarra española. Como músicos de apoyo tenemos a Manolo Rosa al bajo electrico y Antonio Pérez a la guitarra elctrica. El diseño de la portada corrio a cargo de Máximo Moreno. El embrión de Triana lo tenemos que buscar en el grupo Tabaca, que en sus filas contaba con Carlos Attias (bajista de Miguel Ríos), Emilio Souto, cantante de Los Solitarios y Eduardo Rodriguez guitarrista de Los Payos. Su segunda etapa arranca en 1980 con su único número 1 en sencillo, Tu frialdad. De su álbum Un encuentro, seguirían Un mal sueño en 1981 y su ultimo trabajo en 1983, Llegó el día. La vida creativa del grupo acabó un 14 de octubre de 1983, con la muerte de Jesús De La Rosa en un accidente grave de circulación. Se de un lugar, es el tema que escuchamos a continuación. Tras la finalización de Triana, Eduardo inició una carrera en solitario a mediados de los 80, mientras que Tele volvió a los escenarios en los 90 con el nombre del grupo, ayudándose de excomponentes de antiguos grupos que incluía a Juan Reina, Pepe Bao, Julián Planet, Raúl Fernández o Andrés Herrera (El Pájaro), entre otros. Editaron dos discos, Un jardín eléctrico (1997) y En libertad (1999). En la madrugada del 8 de julio del 2002, Tele ingresó en el Hospital Ramón y Cajal de Madrid para ser operado de una rotura de la artería aorta, no sobreviviendo a la operación. Tras la muerte de Tele, Juan Reina ingresó en Triana en el 2007, adoptando el nombre como propio y grabando Un camino por andar acompañado por músicos ajenos al grupo. Tras la edición de este CD, Eduardo el único sobreviviente acusó a Reina de querer lucrarse a costa del nombre de la banda. Los derechos del nombre y el logo del grupo pertenecen a la viuda de Palacios (Tele), de nombre Janice Richard, impulsora del disco y con el permiso de esta el grupo sigue activo. En 2016, vuelven a la carretera, hecho que desembocó en que Eduardo volviera a arremeter en su contra, llamándoles The Mangurrinos, por este hecho fue condenado a indemnización en 2021, siendo poco después absuelto.

Hoy vamos a hablar de la banda estadounidense The White Stripes, una banda que por desgracia ya está extinta que nos dejo con 6 discos de estudio, los cuales algunos de ellos ya firman parte de los mejores álbumes de la historia del Rock. A principios de los años 00s salieron una gran cantidad de géneros revaivaleros desde el paradigma del Indie Rock. Además de que se empezaron a mezclar una gran cantidad de géneros clásicos como por ejemplo el Rock Sureño dando a bandas como Kings of Leon o el Heartland Rock como The War on Drugs, hubo dos movimientos que se des[1]marcaron por encima de todos los demás trayendo un gran número de bandas muy creativas, esos géneros fueron el Post-Punk Revival del cual ya hablaremos en un futuro y el Garage Rock Revival que es el que nos atañe hoy con esta banda. Sin embargo, The White Stripes se escapa de ese sonido más popero del Indie Rock para traernos una música mas guitarrera y más cañera propia del Rock Alternativo de la época el cual estaba más influenciado por géneros como el grunge o el punk. Y ahora si te parece bien vamos a por otra canción y ya si que pasamos a hablar de la historia de la banda. John Anthony Gillis más conocido como Jack White el cual era el cantante principal, guitarrista, bajista y tecladista y por Meg White la cual era baterista y corista del duo. La banda se formó en el año 1997 y antes de eso Jack fue miembro de una banda de Punk como baterista y en otra de Rock como guitarrista, y también con su amigo y mentor Brian Muldoon con el que formaron una banda antes de iniciarse en la formación que nos toca hoy. Jack conoció a Megan White y en el año 1996 y de forma poco ortodoxa fue Jack el que adopto su apellido. Jack siguió tocando en varias bandas y un año después Meg empezó a tocar la batería, y este sorprendido le pidió de tocar juntos como duo y formaron The White Stripes. La banda empezó ya como parte de la escena anteriormente mencionada del garage rock revival surgida en la ciudad de Michigan y llegaron a tocar con varias bandas locales de rock y de punk. Más tarde fue fichada por el sello independiente de punk de Michigan Italy Records después de aceptar la propuesta del manager Dave Buick que les realizó al terminar una actuación que hicieron en un bar. Grabaron su primer single llamado “Let’s Shake Hands” en el año 1998, el cual fue vendido en formato vinilo de edición limitada a solo 1000 copias, y de la misma forma ocurrió con su siguiente single que sacaron un poco mas tarde llamado “Lafayette Blues”. Por último en el año 1999 sacaron “The Big Three Killed My Baby” en esta ocasión ya con otro sello discográfico llamado Sympathy for the Record Industry. El proyecto que estamos escuchando hoy es el White Blood Cells el cual fue el tercer disco de la banda lanzado con el sello Sympathy for Recording Industry el 3 de julio del 2001. Ya en la primera semana de lanzamiento obtuvo un gran éxito que perduró durante todo el año. En el año 2002 el álbum fue regrabado con el sello V2 Records por desavenencias con la su antigua discográfica. Este proyecto fue el que realmente hizo explotar este nuevo movimiento del garage rock revival obtenido un gran recibimiento por parte de la crítica musical y con un gran éxito tanto en el Reino Unido como un poco mas tarde en los Estados Unidos. De hecho se llegó a decir que eran la banda más grande desde los Sex Pistols, el álbum alcanzó la posición 61 en el Billboard americano y el número 55 en las listas de éxitos del Reino Unido sobretodo gracias al único single del proyecto titulado “Fell In Love With a Girl” que fue lanzado con un vídeo musical de animación dirigido por Michel Gondry. A pesar del éxito que cosecharon, el duo se separó en el año 2011 argumentando que no se debía por ninguna diferencia artística, problema de salud o alguna pelea, sino que se trataba de una infinidad de razones externas a ellos, y para poder preservar lo hermoso y especial de la banda. Por desgracia, si bien Jack White además de tener una más que envidiable carrera en solitario, ya que en el año 2009 empezó a trabajar en paralelo con el grupo The Dead Weather como batería y solista, siguió también como miembro de la banda The Go, y por supuesto siguió con la banda que además de The White Stripes es por la que más se le a reconocido que son los The Racounters, Meg desapareció prácticamente por completo del panorama musical salvo en alguna parición esporádica que hizo en algún concierto.

Pocos saben que Barrabás ha sido el grupo español que más discos de larga duración ha vendido en el mercado estadounidense, aún menos saben que han ocupado el nº 1 de ventas en países como Canadá o Alemania, que han ocupado el nº 1 en las listas de música negra en Estados Unidos y que en 1975 fue designado por la revista Playboy mejor grupo mundial en la clasificación de estilo Funky, y comparados con los mismísimos Steely Dan. Eso fueron Barrabás, auténtico Funky español para el mercado internacional y un grupo que hoy cuesta trabajo reconocer como nuestro, dado el estilo absolutamente norteamericano de su música. El nuevo LP de estos recuperados Barrabás, que es el que estamos pinchando hoy, Piel de Barrabás, nos muestra una banda que guarda características de los genuinos Barrabás: ritmos muy bien elaborados, profusión de percusiones, sentido de bloque sin músicos que destaquen sobre otros, gusto por los temas bailables de corte funky… No obstante, se diferencian de los antiguos en la casi desaparición de los coros femeninos, alejamiento de la música disco, abandono del hammond y el piano eléctrico por los modernos sintetizadores. De este disco salen dos singles, «On the road again» y «Please Mr. Reagan, Please Mr. Breznev». Ambos tienen un aceptable volumen de ventas. El primero de ellos vuelve a colarse en las listas de algunos países americanos sin sobresalir en exceso, pero en España es el segundo más escuchado tras una intensa campaña de promoción personal del grupo por emisoras de radio. Podemos decir que Barrabás nace de un proyecto de Fernando Arbex, quien fuera batería y compositor de Los Brincos, tras la disolución de éstos, Fernando quería formar un grupo que combinara el funk con ritmos y percusiones latinas, tal como lo estaban haciendo Santana, Osibisa y Mandril El primer intento de Arbex fueron Alacrán, junto a su amigo Óscar Lasprilla y el bajista Iñaki Egaña, procedente de Los Buenos. En 1969 fichan por Zafiro y entran en los estudios Celada de Madrid para grabar su único disco, que se publica al año siguiente, sin prácticamente promoción por parte de la compañía discográfica. La grabación, de tan solo 30 minutos , contiene seis temas con diferentes influencias, unos temas de marcado carácter latino al estilo de Carlos Santana, y otros más psicodélicos estilo Costa Oeste americana. Pero no consiguen ninguna actuación, y la banda se disuelve. Arbex, junto al bajista y cantante de Alacrán, Iñaki Egaña, deciden formar otra banda, seguimos en 1971, y así nace Barrabás.

l disco que vamos a escuchar hoy es ‘The Kick Inside’, algo así como ‘La patada interior’. El álbum alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y ha sido certificado Platino por la Industria Fonográfica Británica (BPI). El disco lo grabó cuando sólo tenía 19 años de edad, saliendo al siguiente año. Kate Bush fue descubierta nada menos que por el ex-Pink Floyd Dave Gilmour cuando ésta contaba con 16 años de edad. Una de las características que más le definen es su gran voz, pudiendo alcanzar nada menos que un rango de 4 octavas. * Una infancia muy musical Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en el condado de Kent, Inglaterra. Su padre era un médico inglés de nombre Robert Bush, y su madre una irlandesa llamada County Waterford, ambos ya fallecidos. Estudió en una escuela católica, junto a sus hermanos mayores John y Paddy. Kate también gozó de un gran ambiente musical en casa: su madre era una reconocida bailarina de baile tradicional irlandés y su padre era también un aventajado pianista, su hermano Paddy trabajaba como constructor de instrumentos musicales y su otro hermano John era poeta y fotógrafo, además de que ambos hermanos estaban muy involucrados en la escena folk de la zona. Por lo tanto, no fue difícil que Kate se sintiese atraída por el piano, el órgano y el violín con sólo 11 años de edad. Pronto empezó a componer y poner letras a sus canciones. Fue mientras estudiaba en la escuela, cuando sus padres recogieron una demo con 50 temas creados por la joven para mostrar su trabajo a las discográficas. * Su relación con Dave Gilmour, de Pink Floyd La vida da muchas vueltas y fue la casualidad que un amigo de la familia, un tal Ricky Hopper lo fuese también del entonces componente de Pink Floyd, David Gilmour que quedó impresionado tras la escucha y pensó que la demo no tenía suficiente calidad para ser mostrada a las compañías fonográficas del momento. Así que decidió ayudarla para hacer una nueva demo. Gilmour pagó de su propio bolsillo la grabación de 3 nuevos temas que fueron producidos a su vez, por otro amigo de Gilmour, el músico Andrew Powell, músico y arreglista que participaría en casi todos los discos de Alan Parsons. Andrew decidió ser el productor de los dos primeros larga duración de Kate. 'The Kick Inside' y 'Lionheart' ambos aparecidos en 1978. También trabajó en estos discos, como ingeniero de sonido Geoffrey Emerick, que ya había estado con The Beatles en discos como 'Revolver', 'Sgt. Peppers' o 'Abbey Road', entre otros. Al final, esa demo con tres canciones cayó en manos de Terry Staler, un ejecutivo de EMI que quedó gratamente impresionado con la labor de la joven. En un acto realmente impensable en la industria discográfica actual, Bob Mercer, un director ejecutivo de EMI, pensó que a pesar que Kate contaba con muy buen trabajo, un éxito a edad tan temprana podía ser poco beneficioso, y un fracaso realmente dañino. Así que pensó que era mejor que la chica se dedicase a sus estudios, y a pesar de estar en nómina de la discográfica, se lo tomaron con calma, dando tiempo a que Kate madurase como artista y personalmente, fuese el resultado que fuese. La percepción de Kate, como contaba hace pocos años era algo distinta, tal vez Radcliffe la contrató para que no pudiese ir a la competencia. De todas formas, con el generoso avance de honorarios de una persona que, recordemos, todavía no había grabado nada en absoluto, la joven aprovechó para acabar sus estudios con una nota más que notable y tomar clases de interpretación con el actor Lindsay Kemp, que también trabajó con David Bowie en sus inicios. También tomaría clases de mímica con Adam Darius. A pesar de todo, Kate siguió escribiendo canciones, algunas de las cuales se pueden encontrar hoy en un disco pirata conocido como ‘Phoenix Recordings’, llegándose a contar alrededor de 200 composiciones. * Preparando todo para su primer disco Para la grabación de este disco, se pidió a Bush utilizar músicos de sesión en lugar de la KT Bush Band, aunque siguió conservando a algunos de ellos, como su hermano Paddy que tocaba la armónica y la mandolina o Stuart Elliott que tocó algunos de los tambores y se convirtió en su baterista principal en álbumes posteriores. David Gilmour produce dos de los temas del mismo. Una de las canciones más conocidas de este disco es ‘Wutherings Heights’, que fue el primer éxito de su carrera, llegando a ser la primera vez que una cantautora encabezó las listas con una canción escrita por ella misma. Está inspirada en la novela única novela que escribió en 1847 Emily Brontë. Se mantuvo en el número uno en la lista de singles del Reino Unido durante cuatro semanas y sigue siendo el sencillo más exitoso de Bush. Pitchfork la nombró la quinta mejor canción de la década de 1970, y en 2020, The Guardian la clasificó como el decimocuarto mejor sencillo número uno del Reino Unido. Bush escribió la canción a los 18 años, después de ver la adaptación de la BBC de 1967 de la novela Cumbres Borrascosas de 1847. Al leer el libro descubrió que compartía su cumpleaños con la autora del mismo. Otro de los temas más conocidos del disco es “The Man with the Child in His Eyes”, que fue sacada como segundo single. Escribió la canción cuando tenía 13 años y la grabó a los 16 bajo la dirección de David Gilmour. En 2010, el ex presentador de radio y televisión Steve Blacknell, que fue el primer novio de Bush, ofreció a la venta la letra original escrita a mano de la canción a través del sitio web de recuerdos musicales 991.com. La propia Bush nunca ha dicho sobre quién escribió la canción, pero Backnell ha declarado que una persona cercana a Bush le había dicho que la canción estaba escrita sobre él. Durante mucho tiempo se supuso que se trataba de Gilmour. A día de hoy, Kate Bush ha sido nominada a 13 galardones de la industria fonográfica británica, ganó como Mejor Artista Femenina Británica en 1987 y ha sido nominada a tres premios Grammy. En 2002, Bush fue reconocida con un premio Ivor Novello por su destacada contribución a la música británica. Bush fue nombrado CBE en los Honores de Año Nuevo de 2013 por sus servicios a la música. Fue nominada tres veces para aparecer en elSalón de la Fama del Rock and Roll de 2018, 2021 y 2022.

Hoy rendimos homenaje a la banda de rock madrileña Tequila con su álbum debut Matricula de honor, publicado en 1978. Hemos escuchado el tema que abría la cara A, Rock and roll en la plaza del pueblo. Hablar de Tequila es hablar de La Movida Madrileña, aunque surgieron con anterioridad a la movida, recién acabado el franquismo. Aportaron un rock con claras influencias de Chuck Berry y sobre todo de los mismísimos Rolling Stones, sonando muy diferentes a los grupos de rock sinfónico y rock urbano predominantes en aquellos años en la escena musical de nuestro territorio. Temas como Salta (Que sonó por primera vez en el concurso televisivo, Un, dos, tres...responda otra vez), Quiero besarte o Rock and roll en la plaza del pueblo, catapultaron a los cinco miembros de Tequila al estrellato. La gestación de Tequila hay que buscarla en el año 1976, cuando Alejo Stivel y Ariel Rot, se instalan en Madrid, exiliados por culpa de la dictadura militar instaurada en Argentina. Una de las noches en que los argentinos exploraban la noche madrileña, conocieron en el escenario de un club llamado el New M & M a un grupo de rock con influencias sureñas de nombre Sponful Blues Band, integrado por Julián Infante a la guitarra, Felipe Lipe al bajo y a la batería El Oso. Ariel y Alejo quedan impresionados con la banda y les ofrecen sus servicios, pero al carecer de local y equipos musicales deciden pasar de ellos. Cuatro meses después la situación cambiaria cuando la Sponful Blues Band necesita un nuevo guitarrista y Felipe Lipe ofrece a Ariel Rot una prueba, quedando impresionados por el músico argentino, integrándolo inmediatamente a la banda. Poco después, Alejo fue admitido a la banda, ya que Ariel hacía de vocalista amén de tocar la guitarra. Durante esos primeros años y la mayor parte de la historia de la formación, ensayaron en un local en la calle Arturo Soria, en el eje principal del distrito madrileño de Ciudad Lineal.

Hoy nos visita el equipo que conforman 'Dilluns al Rock', un programa de la emisora Radio Desvern en el 98.1 de FM. Lo conforman Inma Bravo, Joan Soto y Enric Orozco (sentado abajo). El disco que han escogido para compartir con nosotros ha sido 'Chicago 17', de la banda americana Chicago. Una banda de éxito Chicago es una banda de rock estadounidense formada en 1967 en Chicago , Illinois, aunque inicialmente aparecieron bajo el nombre de Chicago Transit Authority. Parece ser que tuvieron que acortar el nombre, ya que dicha operadora de transporte no le hizo gracia que una banda de rock lo llevase. Al final, decidieron acortarlo simplemente a Chicago. Se hacen llamar a sí mismos la "banda de rock and roll con cuernos" y combinan elementos de música clásica, jazz, R&B y pop. Al principio de su carrera hacían canciones con temas políticos y luego migraron a un sonido mucho más ligero, obteniendo un gran éxito con algunas de sus famosas baladas en los inicios de la década de los 80. Distinciones En 2008, la revista Billboard nombró a Chicago la decimotercera en una lista de los 100 mejores artistas de su lista Hot 100. En 2015 volvieron a aparecer en la misma lista, pero ya en el puesto 15. En 2008, la revista Billboard nombró a Chicago en el decimotercer lugar en su lista de los 100 mejores artistas que aparecen en la lista Hot 100, y luego en el decimoquinto en la versión actualizada de 2015.[1 ][2 ][3] Billboard también nombró a Chicago como el noveno artista más grande de todos los tiempos en la lista Billboard 200 en 2015. Han llegado a vender más de 100 millones de copias de sus discos, sino en 1971 la primera banda de rock en llenar el Carnegie Hall durante una semana. Tienen 23 certificaciones de oro, 18 certificaciones de platino y ocho certificaciones multiplatino. Además, han tenido cinco álbumes en el puesto 1 consecutivos del Billboard 200 y 20 canciones top 10 también en el Billboard Hot 100. En 1974, llegaron a tener sus siete álbumes, todo su catálogo en ese momento, en el Billboard 200 simultáneamente. Han sido nominados nada menos a diez premios Grammy, ganando una vez por la canción "If You Leave Me Now", sin lugar a duda, el éxito más recordado de la misma. Su disco de debut, Chicago Transit Authority, lanzado en 1969, se incluyó en el Salón de la Fama de los Grammy en 2014. La banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2016. En 2017, Peter Cetera, Robert Lamm y James Pankow fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores por su composiciones. También recibió toda la banda, el Grammy Lifetime Achievement Award en 2020. 'Chicago 17' A pesar de que el número del disco pueda despistar, 'Chicago 17' es en realidad, el decimocuarto álbum de estudio de la banda estadounidense, y se lanzó el 14 de mayo de 1984, sino el segundo lanzamiento para Full Moon/Warner Bros. Records, y su segundo disco producido por David Foster[, así como el último con el bajista/vocalista fundador Peter Cetera. Se extrajeron del mismo cuatro sencillos, todos los cuales acabaron apareciendo entre los 20 primeros en la lista Billboard Hot 100. En 2006, Rhino Entertainment remasterizó y reeditó el álbum, utilizando las versiones analógicas originales de "Please Hold On" (coescrita con Lionel Richie) y "Prima Donna" y también un cover del tema de Robert Lamm, "Here Is Where We Begin" como bonus track.

Hoy tenemos en nuestras manos, su segundo álbum de estudio In-A-Gadda-Da-Vida, publicado el 18 de junio de 1968. La banda se formó en 1966 en San Diego, siendo sus miembros originales Doug Ingle (Organo y voz), Ron Bushy (Bateria), Jerry Penrod (Bajo), Darryl DeLoach (Guitarra) y Danny Weis (Guitarra). Están encuadrados en los géneros de rock psicodélico, rock acido y hard rock. Tuvieron su apogeo a finales de los años 60, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos miembros, pero no tienen nuevas grabaciones desde 1975. En 1968 lanzan su primer disco Heavy, tras su grabación todos sus miembros dejan la banda a excepción de Doug Ingle y Ron Bushy. Este álbum debut se publicó el 22 de enero de 1968, habiéndose grabado en octubre del año anterior. Varias de las canciones que componen el álbum son simples y se basan extensamente en los riffs de apertura. El 14 de junio de 1968 salió al mercado el segundo trabajo de la banda, In-A-Gadda-Da-Vida, en este trabajo todas las canciones están compuestas por Doug Ingle a excepción de Termination, escrita por Erik Brann y Lee Dorman. Los miembros que formaban la banda en este álbum son, su fundador Doug Ingle (órgano, teclados, piano y voces), Erik Brann (Guitarra, violín y voces), Lee Dorman (Bajo) y Ron Bushy (Batería y percusión). Obtuvo un premio RIIA de platino, siendo el primer álbum en obtenerlo. La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, sosteniéndolo durante más o menos toda la duración del tema. El riff sirve como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock y probablemente uno de los más famosos de este género. Como curiosidad comentar que el guitarrista Erik Brann que grabó este tema y la totalidad del disco contaba solamente 17 años. In a gadda da vida, como hemos comentado ocupa toda la cara B del álbum homónimo. Iron Butterfly cuando la grabaron en el estudio estaban algo ebrios o drogados, por lo que se dejaron llevar por la atmosfera reinante, así el tema se alargó con largos solos de guitarra, órgano y batería. A los ejecutivos de Atco Records, sello de Atlantic su discográfica, no les hizo demasiada gracia la duración del tema, por lo que decidieron cortarlo a apenas 3 minutos para que pudiera sonar en las radios. En 1969, y como preámbulo a la aparición del siguiente trabajo Ball, apareció el single con dicha canción acortada y con Soul experience en la cara B, canción incluida en el álbum.

Como dijimos en el anterior programa, Defenders Of The Faith’ no tuvo la popularidad ‘British Steel’ o ‘Screaming for Vengeance’, según los expertos, porque carece de temas que pudieran haber salido como singles destacados. Sin embargo, es una de sus producciones con mejor calidad, y tiene auténticas joyas, como vamos a escuchar. Y tampoco fue un desastre de ventas, ni mucho menos. En pocos días se situó en el puesto 19 en UK, y 18 en EEUU, y ha sido certificado platino. Quizás, el disco más infravalorado de Judas. Musicalmente, sigue el modelo básico de ‘Screaming for Vengeance’, alternando rocks veloces, con mediostiempos y equilibrando la sofisticación musical con la accesibilidad comercial. Para su promoción, se sacaron 3 sencillos, uno de ellos el tema que hemos escuchado, Freewheel Burning, que es pura energía, como el que escucharemos luego, Jawbreaker, y llegó al puesto 42 de ventas en UK. El 2º single fue Love Bites, que lo hemos omitido, porque no podemos escucharlo todo, y como siempre decimos, os animamos a buscar y comprar el disco, y si es en vinilo, mejor. Personalmente. Love Bites lo encuentro un tanto frío. El 3er single, fue Some Heads are gonna roll, que si vamos a escuchar. Para la promoción, también hubo gira, la Metal Conqueror Tour, que los trajo por 1ª vez a España, y tocaron en directo todos los temas del disco a excepción del Eat Me Alive, que tampoco vamos a escuchar. Como curiosidad, cabe decir que este tema es una oda al sexo, quizás un poco ridícula, que no cayó bien a la crítica, especialmente la femenina. Al final, Eat me Alive lo tocaron en la gira de Nostradamus, lo que convirtió a Defenders of the Faith en el 2º disco, junto al Rocka Rolla, en ser tocados todos sus temas en directo. Por ejemplo, de la portada. Diseñada por la propia banda, el dibujo del personaje fue obra de Doug Johnson, el mismo artista que creó al ave metálica llamada The Hellion en Screaming for Vengeance. El personaje que aparece en esta portada se llama The Metallian, una especie de tigre con cuernos de carnero y con cuerpo con forma de tanque, ideada por los propios integrantes de la banda. De acuerdo a Downing necesitaban una portada llamativa que reflejara el título del disco y por ello crearon a The Metallian como un ser defensor del heavy metal. Al igual que en Screaming for Vengeance, en su contraportada se escribió un mensaje con la idea de contar una breve historia de esta criatura: ¿Nos la lees tú, Isidro? «Emerge desde la oscuridad, donde el infierno no tiene piedad y los ecos de los gritos de venganza estarán por siempre. Solo aquellos que conservan su fe escaparán de la ira de The Metallian… Maestro de todo el metal. Una anécdota de la grabación, es que a K.K. Downing lo atropelló un taxi, y el accidente casi le cuesta la vida. Él y ingeniero de sonido Mark Dodson se trasladaron a un local nocturno y cuando salían, el taxi lo atropelló de frente y lo lanzó a varios metros. Fue llevado al hospital consciente pero con serias fracturas que le costaron estar varias semanas de reposo antes de volver a grabar. Y hablando de los miembros de la banda, no hemos mencionado la formación: Rob Halford a la voz, K.K. Downing y Glenn Tipton a las guitarras, este ultimo también a los coros, Ian Hill al bajo, y a Dave Holland a la batería. Que por cierto, tengo chisme para contar. Pero antes, vamos a por otro tema, que quizás sea mi favorito del album, es un auténtico himno. Es el Rock Hard Ride Free, firmado por Haldford, Tipton y Downing.

JUDAS PRIEST Parte 1. Empieza el ROCK, la mejor banda HEAVY METAL Británica Todo empieza con el vocalista Al Atkins, que inicialmente, era baterista, junto con un amigo de la infancia, el bajista Bruno Stapenhill. En 1963 ambos tocaban en diversas bandas de blues y rock’n’roll inspiradas en Beatles, Rolling Stones y Cream. Tras su separación, en 1969, junto con el baterista John Partidge, deciden crear una nueva banda. En las primeras audiciones, se presentó un joven guitarrista, K.K. Downing (Kenneth Keith Downing), que no fue seleccionado, por su inexperiencia. En su lugar, cogieron a Ernie Chataway, que procedía de Earth, la banda que fue el germen de Black Sabbath. Esta formación, en 1970, pasaron a llamarse Judas Priest, en homenaje a la cancion de Bob Dylan “The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest”, a sugerencia de Stapenhill. Tocaban blues y rock progresivo. Pero Atkins, influenciado Black Sabbath, Zeppelin y Purple, quiso seguir esa nueva línea, pero como el resto de compis de banda no estaban de acuerdo, terminaron separándose. Atkins, contactó de nuevo con Downing, reclutaron al bajista Ian Hill y al batería John Ellis, y recuperaron el nombre de Judas Priest. Llegaron a llamar la atención de Tony Iommi, pero no tuvo éxito al intentar presentarlos en diversos estudios de grabación. Atkins, que había sido padre de familia, tuvo que dejar la banda por los altos costes operativos que necesitaba para mantenerla, y sin tener ninguna perspectiva de grabación ni de futuro. Ian Hill y Downing decidieron seguir adelante, y Atkins les concedió el permiso para seguir usando el nombre. Ian Hill, estando con su novia, escuchó cantar al hermano de esta, Robert John Arthur Haldford y lo incorporó al Proyecto. Después de varios cambios de batería, tenemos a las baquetas a John Hinch, graban una maqueta que llama la atención de la discográfica Gull Records, estamos en 1974, y les ofrece un contrato pero a condición de que incluyan a un teclista o trompetista. Se negaron y decidieron incluir a otro guitarra. La idea cuajó, y así llega a la banda Glenn Tipton.

Hoy traemos el mejor disco en directo del mercado español de rock and roll, nos estamos refiriendo al doble LP de Miguel Ríos, Rock & Ríos editado en 1982. En el montaje de este concierto único en España hasta esa fecha, se montaron dos pantallas gigantes suspendidas del techo a ambos lados del escenario. El equipo de sonido se alquiló en Inglaterra, siendo el habitual con el que solía tocar Yes. El equipo de grabación móvil estaba situado en un mastodóntico camión aparcado en las inmediaciones del Pabellón del Real Madrid, dicho estudio móvil fue el mismo con el que se grabó dos años antes el doble disco en directo en Paris de Supertramp, que contaba con una mesa de 48 pistas. Las cámaras se conectaron en ciertos momentos para ofrecer imágenes de los técnicos de sonido manipulando la mesa, alternándolas en las pantallas con películas e imágenes del concierto. Se utilizaron doscientos mil vatios de luz repartidos en 200 focos, quince mil vatios reales de sonido, un cañón Panny y dos Rank-Stram. El sonido interior del escenario llegó a los cuatro mil vatios a través de una mesa de 20 canales de entrada y ocho canales independientes de monitores. Los músicos artífices de este gran concierto fueron: Mariano Díaz teclados, Thijs Van Leer teclados, flauta y programación electrónica, Tato Gómez bajo y coros, Sergio Castillo batería, Mario Argandoña batería, percusión y guitarra acústica, Paco Palacios guitarras y voces, Antonio García de Diego guitarras y voces, John Parsons y Salvador Domínguez guitarras. Carlos Nerea buscó el mejor estudio móvil de Europa, el Mobile One con sus 48 pistas. El álbum se mezcló en Londres, en el Marcus Music Studios, con algunas limitaciones de presupuesto. Los conciertos fueron los días 5 y 6 de marzo, en el pabellón del Real Madrid con todo el papel vendido. El estudio móvil tenía que llegar el día 4 para el ensayo general, pero no apareció. Estaba retenido en la frontera de Irún. Cuando apareció, solo pudo asistir al primer concierto a modo de ensayo, así que solo se dispuso de un único día de grabación el día 6. Tocaron de manera magistral y entre todos hicieron el mejor disco de la carrera de Miguel Ríos. Televisión Española en su primera cadena, emitió el concierto del día 6 el viernes 7 de mayo a las once menos cuarto de la noche, hecho totalmente inusual en esa época. El disco fue publicado en la primera semana de mayo de ese mismo año, vendiendo 450.000 copias y siendo el preludio de una multitudinaria gira por todo el país. Fue uno de los pocos discos grabados en directo sin una gira previa de rodaje, la cual se realizaría en los meses posteriores. Se ensayó durante 9 días en los estudios Fonogram. Las condiciones de grabación fueron adversas, ya que la mayoría de las tomas realizadas durante el concierto del primer día el 5 de marzo, no se hicieron correctamente, por lo que solo quedó una segunda oportunidad la del día 6 para la grabación definitiva. Ríos se refirió al concierto con la frase: Lo hicieron porque no sabían que era imposible. Del concierto del día 5, solo se publicaron los temas Generación límite y Nueva ola. Fue producido por Miguel Ríos en compañía de Carlos Nerea y Tato Gómez. Del álbum se extrajeron dos sencillos, Bienvenidos con El rio/ Santa Lucia en la cara B y El blues del autobús con Reina de la noche. A los pies de la estatua de Colón en La Puerta de La Paz, se levantó un escenario donde el ayuntamiento de Barcelona de la mano de su alcalde Narcís Serra, montó un evento cultural con motivo de la Copa Mundial de Futbol que, al día siguiente comenzaba en el Camp Nou. Actuaron Marina Rosell, Ana Belén, Miguel Ríos y La Trinca. El concierto se retransmitió en Televisión Española para toda España.

Ian Curtis, camina en silencio El 19 de marzo de 2016 todo un grupo de seguidores de Joy Division nos reunimos en la Sala Els Pagesos de Sant Feliu de Llobregat para rendir un pequeño homenaje a Ian Curtis. El punto de partida había sido una idea de Josep Coca; quería rememorar al joven mancuniano a partir de una lectura de alguna de sus creaciones, a las cual añadiría poemas de los autores que lo influenciaron. La idea, una vez compartida con otros seguidores (Alba, Alberto, Eva, Jordi y Xavi), cogía cuerpo. También cogía textura, sobretodo a partir de la presencia de Jordi Ribas (BertukiPeibas), que dibujaba toda una serie de ilustraciones (creadas bajo la inspiración de la música de los Joy Division) con que acompañaríamos la lectura de los textos. La «cosa» ya tenía forma, te tenía materia. Incluso tenía nombre: Ian Curtis, Camina En Silencio. Sólo faltaba un motivo, una ocasión, para compartirlo con otra gente. Y el momento fue la V Semana de la Poesia de Sant Feliu de Llobregat, dentro del espectáculo Festival Trash Poetry. El producto que tenéis en las manos es el fruto de esta experiencia. Abrumados por la inmediatez y la banalidad de los tiempos que nos ha tocado vivir, y para no caer en la extraña sensación que todo nos supera y no hay nada de que quede rastro, hemos querido plasmar aquello que hicimos. El resultado es el testimonio de una cosa lejana a la necrofilia ridícula, pero cercana al reconocimiento de aquello que es nuestro, que nos pertenece, que nos acompaña de manera orgánica desde el momento que entró en nuestras vidas.  Lo hicimos y lo compartimos conscientes de que son muchos los que tenemos la misma sensación.  (Extraído del libro de J&J Produccions (Josep Coca y Jordi Jiménez), publicado por la editorial La Mordida Literaria, con permiso de los autores)

Hay que decir que el album que vamos a escuchar hoy, ‘American Idiot’ que se trata de un álbum conceptual, y este tema en concreto nos presentan al alter ego del personaje principal llamado ‘Jesus of Suburbia’ llamado ‘St. Jimmy’, en este tema que es mucho más punk rock que el resto del proyecto. Green Day es una banda estadounidense nacida en Berkeley, California que empezaron como grupo de Punk Rock y fueron evolucionando en una de las bandas más reconocidas de la escena del Pop-Punk. Para entender un poco esta evolución debemos hablar de los inicios de los 2 principales fundadores. El guitarrista y cantante Billie Joe Armstrong, nació el 17 de Febrero del 1972 en Rodeo, California y es el pequeño de 6 hijos. Su padre Andy era camionero y su madre camarera. Ya desde pequeño Billie estuvo muy ligado a la música ya que su padre era batería en un grupo de Jazz y su madre había sido bailarina. Su padre por lo tanto siempre había animado a los 6 hijos a que aprendieran a tocar instrumentos, especialmente la batería. Vamos por el primer single del álbum que se titula del mismo nombre que el álbum, “American Idiot”. Este tema es una crítica feroz a Estados Unidos durante el año 2004 cuanto el presidente George Bush fue reelegido y también referencia a la manipulación de los medios en esa época. Michael Ryan Pritchard nació el 4 de Mayo del 1972 en Okland, California. Su madre le puso en adopción poco después de nacer, ya que era adicta a la heroína y seis meses después Cheryl Nasser y Patrick Pritchard le cogieron en adopción. A los 7 años los padres se separaron. Billie y Mike se conocieron a los 10 años cuando iban al colegio, y instantáneamente congeniaron. Billie enseñó a Mike cómo se tocaba la guitarra y él aprendió muy rápido. Empezaron a tocar como dúo escribiendo sus propias canciones y siempre buscando la compenetración perfecta entre ambos a la hora de interpretarlas. Cuando llegaron al décimo curso de la escuela, cogieron a su amigo Sean Hughes para la batería, y cuando pasaron onceavo curso se fueron al instituto Pinole Valley y el grupo se empezó a llamar Sweet Children. En esa época, Billie y Mike entraron en la escena del Punk, fumando hierba y perfeccionando su música. Iban quedando con otros artista de la escena Punk de su zona hasta congeniar con ellos y empezaron a frecuentar el local que había en el 924 Gilman Street, el cual fue el punto de partida para el éxito. Vamos con otra canción muy conocida del grupo que es “Wake Me Up When September Ends” Esta es la única canción que no sigue con la historia del álbum. Billie la escribió en homenaje a su padre, el cual murió a causa de un cáncer en año 1982. El título viene referido a una frase que Billie le dijo a su madre cuando tenía diez años, en aquel momento se encerró en su habitación y cuando su madre le pico a la puerta le citó esta frase. La banda empezó a llamar la atención en la escena musical de la zona, y antes de sacar su primer EP, tomaron la decisión de cambiarse el nombre a Green Day inspirándose en una canción que Billie había escrito para el álbum. Durante las navidades del año 1989 el grupo grabó su primer Ep llamado “1000 Hours”, seguido de un LP llamado 39/Smooth todo esto en las navidades del 1989, y más tarde lanzaron un EP llamado “Slappy” sacado en el verano del año 1990. Todo esto se unió en un álbum recopilatorio llamado 1039 Smoothed Out Slappy Hours. Una vez ya he explicado los inicios de la banda y la historia de cada uno de sus componentes pasamos a hablar del disco que toca hoy, que es el American Idiot, su séptimo álbum de estudio.

Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Después de finalizar su contrato discográfico con EMI, Lennon decidió alejarse totalmente de la música para criar a su recién nacido hijo Sean, debido a la vorágine del éxito y la fama con Los Beatles, se había perdido la infancia de su primer hijo, Julian. Durante este tiempo, siguió componiendo. En 1980, había vuelto ilusionado a grabar el que sería su álbum póstumo Double Fantasy, y tras su salida al mercado, continuó la grabación de nuevos temas, canciones que verían la luz en 1984 en un disco llamado Milk an d honey. Lennon fue asesinado a las puertas de su domicilio en el edificio de apartamentos Dakota, frente a Central Park en Nueva York, Mark David Chapman, un fan de Hawái, se trasladó a Nueva York tras la estela del músico. Lo había esperado varias veces en el portal del Dakota, llegando a hablar con él y solicitarle un autógrafo. El lunes 8 de diciembre de 1980, Mark David, abordó a John y Yoko y le tendió el disco Double Fantasy para que se lo firmara, la casualidad hizo que un periodista que se encontraba en el lugar le hiciera una foto firmando el disco, en la que se ve a John con su asesino, la última instantánea de Lennon con vida. John y Yoko se dirigieron como cada tarde a los estudios Hit Factory, para editar y grabar los nuevos temas. Chapman espero impaciente con su disco firmado a que el matrimonio regresara a casa. Alrededor de los 10 y 50 minutos de la noche, cuando se bajaron del coche y se dirigían hacia la puerta principal saludando al portero, una voz hizo que John se parara, Señor Lennon, Señor Lennon, en ese momento Mark David Chapman disparó cinco tiros al músico, de los que cuatro impactaron en la espalda y otro en el hombro izquierdo, en el suelo quedaron las gafas de Lennon ensangrentadas. Fue trasladado al cercano Hospital Roosevelt, donde ingresó cadáver a las 11 de la noche. Su asesino se quedó sentado en el lugar del crimen esperando su detención, el álbum firmado lo había arrojado tras unos matorrales, que un policía hallo cuando recogía los casquillos del revolver. Al día siguiente Ono emitió una declaración, No hay funeral para John, amaba y rezaba por la vida humana, por favor hagan lo mismo por él. Su cuerpo fue incinerado en el Cementerio Ferncliff de Nueva York y sus cenizas esparcidas en Central Park, donde posteriormente se creó el monumento conmemorativo Strawberry Fields. Han surgido muchas teorías sobre su asesino que contradicen que fuera una persona con problemas psiquiátricos o que se tratase de un fan obsesionado, entre ellas la más comentada y que con el paso del tiempo ha adquirido mayor verosimilitud, apuntan a que Chapman era en realidad un agente contratado por la CIA para ejecutar a Lennon. Recordemos que la figura del músico resultaba incómoda para el gobierno americano a raíz de su activismo y protestas contra el sistema capitalista, sumando adeptos y haciendo tambalear la estabilidad del orden y la imagen del país.

Empezó a tocar el ukelele y un bajo de una sola cuerda fabricado con una caja de té, lo que le sirvió para tocar en algunas bandas de skiffle, un estilo de música americano de principios del siglo XX. A través de su hermanastro, Terry Burns, empezó a escuchar discos de jazz. Y aquí llega uno de los momentos que a pesar de que pudiese ser una pequeña desgracia, se convirtió en una de las características que más le diferenciaban: sus ojos. Al contrario de lo que mayoritariamente se cree, no tenía los ojos de distinto color, como veremos a continuación: Corría el año 1962, en el colegio tuvo una pelea por una chica con su amigo George Underwood, que le propinó un puñetazo en su ojo izquierdo con un anillo que llevaba puesto. Por ello tuvo que ser operado, quedándole la pupila dilatada constantemente, lo que le hizo tener una percepción de la profundidad anómala. Por lo tanto, al contrario de lo que se cree, Bowie no tenía los ojos de distinto color, sino una de las pupilas dilatadas. A pesar de ello, no sólo siguieron siendo amigos David y George, sino que éste último colaboró en algunas de las portadas de los primeros discos de Bowie. Otro de los amigos de la época escolar de Bowie fue nada menos que el guitarrista Peter Frampton, cuyo padre era el director de la misma. Frampton formó su primer grupo con Bowie a los 10 años de edad. Posteriormente, se hizo muy famoso en 1976 con el doble directo ‘Frampton Comes Alive!’, que tantas alegrías le dio en su día, convirtiéndose en ídolo de jovencitas, un público al que dirigió descaradamente su siguiente disco ‘I’m In You’. A pesar de tener una carrera repleta de discos, cayó en el olvido en los 80, como otros muchos. Su amigo de infancia, Bowie, le rescató para su disco ‘Never Let Me Down’, uno de los más flojos de la carrera de Bowie y la gira ‘Glass Spider’. A raíz de ahí, Frampton pudo retomar su carrera hasta nuestros días. Por esa época nacería su primer hijo (Duncan Jones, llamado originalmente Zowie), con la que fuese entonces su mujer, Angie. Esta modelo, actriz y periodista ayudó en toda la caracterización que sufrió Bowie a partir del siguiente disco, como Ziggy Stardust. Se divorciarían en 1980, sólo 10 años después de la boda. Duncan es hoy director de cine, con alguna película con repercusión, alejado del mundo de la música, excepto como heredero de una gran fortuna. En este disco, el propio Bowie le dedicó una canción ‘Kooks’. No es la canción que vamos a escuchar ahora, sino otro de sus temas más conocidos: ‘Life On Mars?’, que se extrajo de este LP como single. La historia de esta canción está relacionada con un proyecto que Bowie realizó para Frank Sinatra, y que al final fue descartado. Bowie había sido escogido como la persona que reescribiese el famoso tema de Claude François ‘Comme d’habitude’. La letra de Bowie fue al final rechazada, siendo reescrita nuevamente por Paul Anka, conviritiéndola con la voz de Sinatra, en la famosa ‘My Way’, que hasta fue versionada por Sin Vicious, de los Sex Pistols. ‘Life On Mars?’ fue la pataleta de Bowie por el desaire hecha canción. Esta canción se convirtió y sigue siendo a día de hoy, uno de los temas más famosos de Bowie. El que había sido productor en algunos de los primeros discos de Bowie, Tony Visconti le abandonó en este disco porque tenía otros encargos. Nada menos que con el contrincante acérrimo de Bowie en la etapa glam, que fue el desaparecido Marc Bolan de los T. Rex. Visconti produciría algunos de los mejores discos de T. Rex, durante la época dorada de su carrera: ‘Electric Warrior’, que en breve dedicaremos un programa, ‘’The Slider’ y ‘Tanx’. Visconti estuvo produciendo el segundo disco de Bowie, ‘Space Oddity’, aunque curiosamente produjo todo el disco excepto justamente uno de los temas más conocido de Bowie y que le daba nombre al disco ‘Space Oddity’. Más curioso fue que en una reedición reciente de dicho disco fuese remezclada por el propio Visconti. A pesar de todo, volvería como productor en discos posteriores de Bowie como: Low, Héroes, Lodger, Scary Monsters, The Next Day o el póstumo ‘Blackstar’.

¡Bienvenidos a los Vinilos de Barbarella! Un año más ponemos a vuestra disposición el esperado programa navideño, donde aprovechamos un disco en vinilo para disfrutarlo o despellejar hasta la saciedad. En esta ocasión hemos escogido 'A Twisted Christmas' de la banda Twisted Sister, repleto de conocidos temas para esta época pero tocados con mucho metal y mucha diversión. Esperamos que lo disfrutéis tanto como lo disfrutamos nosotros cuando grabamos este podcast que cierra este 2021. Os deseamos felices fiestas y que 2022 sea mucho mejor que este que nos deja. ¡Salud y Vinilos!

'Rock And Roll' Estamos hoy presentando un disco de los ingleses Led Zeppelin, una de las grandes del rock de todos los tiempos y que fue fundada por su guitarrista, Jimmy Page, que ya había estado en otra gran banda como fue The Yardbirds. Zeppelin es una rara avis, ya que no ha cambió de formación hasta su disolución en 1980, tras la muerte de su batería. Tenemos a Jimmy Page, a la guitarra, John Paul Jones al bajo y teclados, Robert Plant a la voz y a John Bonham a la batería. Hemos escuchado ‘Rock And Roll’, el segundo tema de la cara A de este disco y que fue uno de los singles extraídos del mismo. Está compuesto por todos los componentes de la banda. Si hay algo que les ha perseguido es el fantasma del plagio. En esta ocasión, este tema tiene una introducción de batería quese asemeja a la del tema ‘Keep A Knockin’’ de Little Richard, aunque Bonham les imprime un sonido más pesado. Zeppelin la tocó en sus conciertos hasta el último día, llegando incluso a tocarla en los conciertos de reunión del Live Aid y del Arena02. Vamos a escuchar ahora el tema que abre el larga duración, ‘Black Dog’, un tema donde participan todos excepto Bonham y que le pusieron este título porque durante las grabaciones se paseaba fuera de los estudios uno así. Es el primer sencillo que se extrajo del disco, y se compuso sobre una línea de bajo creada por John Paul Jones. Al respecto de este tema, dos curiosidades: – En el riff notaréis que suena algo extraño, como si uno o varios de los músicos perdiese el compás. En verdad no es así, Jones decidió introducir varios compases de 5/4, mientras la batería seguía sonando a 4/4. Para los que no entendáis de qué estamos hablando, casi toda la música se toca a cuatro tiempos, o a tres tiempos en el vals o a dos en el pasodoble. Serían cuatro negras por compás. En este caso mientras el batería toca esos cuatro tiempos, bajo y batería tocan 5 tiempos. Este efecto, que nos descoloca al escucharlo, es algo que hace distinto a este tema. Incluso la misma banda en directo optó por no hacer este cambio por la dificultad que entraña. – La otra curiosidad es que está incluida en varios rankings de popularidad, como una de las grandes canciones de rock de todos los tiempos. 'Black Dog' Vamos a escuchar ‘The Battle Of Evermore’ o ‘La batalla de siempre jamás’, un tema acústico compuesto por Page y Plant y que está basado en una batalla entre ingleses y escoceses en el siglo XV. En la misma, Page utiliza una mandolina que pertenecía a Jones, el bajista. Era la primera vez que la tocaba, pero el resultado fue notable. Para la misma también, por una sola vez tuvieron a otra persona acompañando a la voz a Plant, en este caso Sandy Denny, que por entonces formaba parte de la banda folk Fairport Convention. La letra escrita por él mismo, está basada como otras en este disco en la obra de Tolkien, ya sabéis el escritor de ‘El Señor de los Anillos’. La banda siempre ha utilizado referencias fantásticas, teniendo cada uno de los componentes un símbolo cabalístico que lo representaba. 'The Batlle Of Evermore' ¿Crees que va a ser duradero el boom del vinilo que estamos viviendo? ¿Es una parte importante de tus ventas? 6.- Se comenta que el nombre de Led Zeppelin lo ideó otro batería, nada menos que el también desaparecido Keith Moon de The Who, que hablando con Page y Jones durante una grabación en la que coincidieron dijo que su banda fracasaría como un “Zeppelin de plomo’ o ‘Led Zeppelin’. Vamos a escuchar ‘Four Sticks’, llamado así porque fue el número de baquetas o ‘palillos’ que utilizó Bonham en la grabación, nada menos que dos en cada mano. Compuesta una vez más por Page y Plant, Jones utilizó un sintetizador VCS3. El tema, que es muy complejo, sólo fue tocada una vez en directo durante una gira por Copenhague en 1971, hay alguna grabación pirata, pero en general, es difícil encontrar esa versión. Hay varias versiones más de la misma en estudio: una con la orquesta Sinfónica de Bonbayen (India), que no se lanzó nunca oficialmente, porque por lo visto estaban bastante pasados de rosca. 'Four Sticks' Led Zeppelin utilizaron en su día influencias del blues, rock, soul, música celta, india, rock progresivo, etc… Han sido una gran influencia para otras bandas, que por mencionar algunas que siguen funcionando hoy en día podemos hablar de Rival Sons, Greta Van Flet, The Brew o incluso los españoles Imperial Jade, entre otros. Tras la triste desaparición de Bonham, sin lugar a dudas uno de los grandes baterías de todos los tiempos, la banda se disolvió. Llegaron a sacar un álbum póstumo aparecido dos años después, ‘Coda’ con temas descartados en su día. Eso es algo que les honra, porque la década de los 80 fue bastante complicada para las bandas de rock clásico que venían de los 60, que quisieron adaptarse a toda la oleada de música disco y sucedáneos con resultados bastante deplorables. Como suele pasar, tras la disolución sacaron algunos discos en solitario e incluso por parejas, como Page y Plant, aunque en general, la carrera en solitario de los componentes restantes no tiene nada especialmente mencionable. Hay que mencionar los tímidos regresos de la banda tocando con el hijo de Bonham a la batería, o el olvidable Live Aid con Phil Collins de Genesis en un concierto que más vale no recordar. 'Stairway To Heaven' Cerramos con uno de los temas más conocidos de la banda, ‘Stairway To Heaven’, compuesta por Page y Plant, jamás publicada en single, la única forma de escucharla es en este disco. La canción tiene un solo increíble a cargo de Page, aunque toda la banda está que se sale. ¡Salud y Vinilos!

Empezamos escuchando Cirice, el primer single del disco Meliora. Como en otros temas de Ghost este originalmente se penso para ser intro de otro. Debierón ver que tenía entidad propia y se partio en dos, dando como fruto a Cirice y a Devil Church. Es uno de los grandes temas de la banda. El yotuber Shauntrack tiene un video donde lo analiza. Muy interesante si quieres ir un poco más allá. Hablemos del disco de Ghost Meliora del 2015 ganador de un Grammy en 2016 por la mejor interpretación metal. Tercer disco de la banda después del Opus Eponymous del 2010 y Infestissuman del 2013. Ya veis que les dio por el latín. Es un rasgo más de la temática del grupo. Al igual que los dos discos anteriores, en los que trataban de la llegada del anticristo en uno y el Segundo trata de su presencia ya entre la población, Meliora se centra en la ausencia de dios. De la banda en el momento de la publicación se sabía bien poco, básicamente que son suecos, que el frontman cambia en cada disco siendo el de este el Papa Emeritus III el cual lleva un maquillaje que lo hace irreconocible y los músicos los Nameless Gouls, únicamente identificados por un símbolo en su vestimenta y siempre con máscaras tapándoles la cara. Si no los conocéis ya solo por esto os podéis imaginar que es una banda con una estética muy peculiar. Ghost es una herramienta de una iglesia satánica muy peculiar para conseguir más fieles y difundir su mensaje. De un papa a otro siempre hay cambios y con el Papa Emeritus III, tenemos un papa más elegante, que en muchas ocasiones deja de lado la miltra que es el gorro este tan peculiar que llevan los papas y las típicas túnicas y lo cambia por el frac además lleva el pelo peinado hacia atrás y engominado. Bastante menos solemne que los dos anteriores, más cercano y seductor. Y que es capaz de sacar en una actuación un pito de carnaval y tocar la melodía de un tema con él. Un gran cambio para la gira posterior del disco y además le va como anillo al dedo al álbum. Que yo diría que en esta ocasión va en general más hacia la luz que hacia la oscuridad. En el último concierto de la gira PopeStar en medio del directo, subieron unos tipos y se lo llevaron. Papa Nihil aparece en el escenario con la garrota y el oxígeno para explicar a los fieles que Emeritus III no había cumplido con las expectativas. Se paso de egocéntrico. Pinchemos ahora From the Pinnacle to the Pit, que hablando de todo un poco si veis el videoclip y la portada del disco os recordara a la película Metrópolis y al cine alemán de los años 20. Ghost coge un poco de todos lados y en lo estético también. Ya hacía tiempo que se rumoreaba que detrás de la banda estaba el músico Tobias Forge, pero a principios del 2017 se confirmo. Tobias fue demandado por cuatro Nameless Gouls por una disputa sobre las ganancias. Se destaparon identidades y acusaron a Tobias de tener un proyecto en solitario con músicos a sueldo y no una banda. Ghost has sabido jugar bien con el anonimato y le ha dado mucho juego. Hubo un momento de la carrera de Ghost en el que se llego a decir que el Nameless Gouls que tocaba la batería era Dave Grohl de los Foo Fighters. A saber, desde luego contacto con la banda tuvo ya que grabaron en sus estudios un EP en el 2013 Yo también diría que es un proyecto y no una banda. Ya hemos oído dos canciones y ahora viene la tercera. Ya os podéis hacer a la idea de que esto no es Black Metal precisamente, la voz de Tobias es muy pop y habéis podido apreciar influencias de todo tipo. Esta de Majesty tiene una clara base roquera. Ghost es un proyecto integral de rock. Un culebrón con argumentos que pasan de disco a disco, en actuaciones de sus giras, videoclips y entrevistas y rematan con capítulos en youtube. Así te enteras que el Papa Nihil que es el que toca el saxofón en la última gira es el primer papa de todos. Que tuvo un romance de joven con Sister Imperator que es la que realmente manda en la iglesia. Gracia al video-clip the Kiss the Go-goat también puedes deducir que en los 60’s estos tuvieron un romance y supuestamente ella se quedo embarazada de un niño que podría ser el Cardenal copia. He is es un descarte del disco anterior, que es de estrañar por la calidad que tiene el tema que además se edito como single. Una canción bella si no se le da muchas vueltas a la letra. Su historia es curiosa. En 2015 Tobias se enzarza en la creación de una canción. Ve un cambo de rumbo en su vertiente creativa y con la ayuda de un compañero graban este tema y dos más. Poco despues los cuelga en myspace y le llueven ofertas. En 2010 publican el primer disco y ya talonean de salida a grandes bandas. Y pudimos ver a James Hetfield de Metallica con una camiseta de ellos al igual que Phill Anselmo de Down y Ex Pantera que además subió a tres componentes de Ghost en un festival a tocar un tema con Down. Al iniciar tan fuerte, ser anonimos y codearse con estos personajes hubo rumores de todo tipo. Mummy Dust es el tema más jevilon del álbum. No olvidemos que los componentes de Ghost son Suecos y muchos provienen de bandas de Black y Death Metal. Tobias Forges tiene muchísimas influencias musicales pero venia de hacer de guitarra en la banda de Death Metal Repugnant. Curioso que en este tema el solo es de teclado. La letra en el fondo es una crítica hacia como la sociedad adora el dinero como si de una divinidad se tratase. Lo que hace Ghost no es nada nuevo, ya lo hicierón otros antes pero se nutre de tantas cosas y es tan evolutivo que ya llevan más de 10 años creciendo. Lo hacen muuuuy bien. En lo musical se les ha comparado con bandas oscuras de finales de los sesenta-principio de los 70 como Coven, Black Sabbath, Pentagram y Blue Oyster Cult. Podemos encontrar ritmicas del heavy ochentero, riff zeppelianos, sonidos que recuerdan al teclado Farfisa de los Doors como en su single del 2019 Kiss th go-goat, atmosferas grunges stonianas que recuerdan a Alice in Chains, la cadencia del doom metal, desarrollo de canciones con olorcillo a los primeros Queen o al Tecnical Ecstasi de Black Sabbath de finales de los 70’s. Hay de todo y en la faceta escenica pues igual... King Diamond o los Mercifull Fate, Alice Cooper, Kiss. Si tienen hasta temas bailables, Kiss tienen el I Was Made For Lovin You y Ghost el Dance Macabre. Cada oyente sacara parecidos diferentes.

Quinto álbum de estudio de Supertramp, que se grabó entre los meses de noviembre de 1976 y enero de 1977, siendo publicado en abril de 1977. Fue grabado principalmente en los Caribou Ranch Studios de Colorado, con sobregrabaciones y mezclas añadidas en el Records Plant de Los Angeles. Los inicios de Supertramp hay que buscarlos en 1969, en una banda llamada The Joint, Sam August Miesegaes un millonario neerlandes, dejo de apoyar a la banda económicamente debido a su decepción con el grupo, no obstante ofreció a Rick Davies la oportunidad de crear su propia banda con su respaldo económico. Rick coloco un anuncio en el Melody Maker buscando músicos para su banda. El grupo quedó formado por Roger Hodson al bajo y la voz, Richard Palmer a las guitarras y Keith Baker a la percusión. Mientras Davies tenía influencias del blues y el jazz, Hodson era aficionado al pop y a la música psicodelica. A pesar de ello comenzaron a escribir canciones juntos con Palmer como tercer letrista. Inicialmente se llamaron Daddy, para evitar confusiones con la banda Daddy Longless en su viaje a Munich. Decidieron cambiar el nombre a Supertramp, apodo inspirado en el libro de W. H. Davies, Autobiografia de un supervagabundo. En inglés super vagabundo es Super Tramp. Supertramp fue uno de los primeros grupos en firmar con la rama británica de A&M Records, y su primer álbum, Supertramp, fue publicado en julio de 1970. El álbum incluyo rock progresivo, no teniendo apenas repercusión. Ese mismo año tocaron en el Festival de la Isla de Wight, la formación sufrió constantes cambios en sus filas.  En junio de 1971, lanzan su segundo álbum, Indelibly Stamped, Hodgson pasa a tocar la guitarra y Davies pasa a ser el segundo vocalista, afianzándose ambos como únicos compositores de los temas de la banda. Este segundo trabajo obtuvo menos ventas que su predecesor, lo cual provocó la salida de todos sus miembros a excepción de Hodgson y Davies, retirándoles su apoyo monetario Miesegaes en octubre de 1972. En el periodo de 1973 a 1978, se inicia una etapa más exitosa. Entran miembros nuevos a la banda que le dan un nuevo aire, y que se mantendrían durante diez años, los de más éxito de la banda. Hodgson empezó a tocar el piano de cola y el teclado Wurlitzer, incorporando en sus conciertos de otros teclados con los cuales crearon las ambientaciones orquestales de su música. En sus grabaciones John Helliwell con su saxofón e instrumentos de viento, le dio otro enfoque diferente a su música. En septiembre de 1974 lanzan su primer gran éxito comercial, Crime of the century, con temas como School o Dreamer. El siguiente trabajo fue grabado en los pocos meses de descanso entre dos giras, la mayoría del material fueron descartes del anterior, por lo que no tuvo la repercusión esperada, nos referimos a Crisis, what crisis? En abril de 1977, lanzan su siguiente trabajo, el disco que hoy nos ocupa, Even in the quietest moments. Lanzando al mismo tiempo el sencillo Give a little bit que escuchamos al inicio del programa. El enfoque de un sonido más orientado al pop, culminó con el mayor éxito de Supertramp, Breakfast in America, publicado en marzo de 1979 y alcanzando el número 3 en las listas de éxito inglesas. Lo que los llevo a una gira de 120 conciertos, rompiendo todos los récords de asistencia de los anteriores. Se extrajeron 4 sencillos de este álbum. Para evitar un largo periodo sin la publicación de nuevo material, sacaron al mercado un disco doble, París, grabado en directo en su mayoría en el Pavillon de Paris. Hodgson se trasladó a California y empezó a dedicarle más tiempo a su familia. Ello derivó en su distanciamiento con Davies, no obstante, en 1982 lanzaron Famous last words. Hogdson abandona Supertramp en 1983 tras una gira mundial para iniciar su carrera en solitario. Davies pasa a liderar el grupo, sacando algunos discos con el nombre de Supertramp, Brother were you bound, Free as a bird, Some things never change, It was the best of times o Slow motion.

Se cumplen este año 30 años del lanzamiento del álbum. que según algunos marcó el fin de la era del hair metal para poner al punk, grunge y el rock alternativo en el mainstream: El legendario Nervermind de Nirvana.  Será necesario hablar de la banda primero? Qué podríamos decir de Nirvana que no se haya dicho ya? Los ya míticos Nirvana, probablemente los más famosos e influyentes exponentes del grunge, se formaron en 1987 cuando Kurt Cobain se juntó con Krist Novoselic a quien había conocido en el instituto de Aberdeen, Washington al que iban juntos. Con Novoselic en el bajo, Cobain en la guitarra y voz y con… bueno con unos cuantos bateristas al principio, antes de que por fin se juntaran con Dave Grohl en 1990, Nirvana comenzó el camino que los llevaría a cambiar la historia de la música para siempre.  Nevermind se lanzó el 24 de septiembre de 1991 bajo el sello DGC Records y fue producido por Butch Vig. Cobain afirmaba que el album había estado influenciado por Pixies, REM, Melvins y los Smithereens. Según él, en el album quería mezclar sonidos del mainstream de bandas como the Knack con el sonido más pesado de bandas de heavy como Black Sabbath. A Nevermind se le atribuye a menudo el mérito de haber iniciado un resurgimiento de la cultura punk entre los adolescentes y adultos jóvenes de la Generación X. Además, fue responsable en parte de llevar tanto el grunge como el rock alternativo a una audiencia mayoritaria y acabar con el dominio del hair metal. El álbum ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. En marzo de 1999, fue certificado Diamante por la RIAA. Entre los álbumes más aclamados en la historia de la música, Nevermind fue agregado al Registro Nacional de Grabaciones en 2004 como "cultural, histórica o estéticamente significativo”. La grabación del album comenzó en mayo de 1991 con un modesto presupuesto de $65.000 y la discográfica estimaban que se venderían unas 250.000 copias igualando las ventas del album debut de Sonic Youth, Goo y se imaginaban que en el mejor de los casos, se certificaría disco de oro un año después. Inicialmente se imprimieron 46000 copias para USA y 35000 para UK, pero como el single de lanzamiento, SLTS ya ese había lanzado el 10 de septiembre, el disco se agotó en todo sitio. Esto también fue ayudado por el video de la canción que comenzó a rotar en MTV, al principio en la franja nocturna y luego en la diurna dado el rotundo éxito entre los jóvenes que tuvo. Para Noviembre de 1991 cuando comenzaron la gira por Europa, el album se vendía tan rápido que en Geffen nadie pudo ejecutar ninguna de las acciones de promoción y marketing que habían previsto. Ed Rosenblatt el presidente de Geffen en esa época dijo que no hicieron nada, fue una de esas cosas tipo: quítate de en medio e imprime discos como un demonio. El tour por supuesto fue un éxito brutal y los shows estaban revendidos hasta el cielo, la cobertura de prensa era increíble y el tema sonaba en todo sitio. Smells Like Teen Spirit se incluyó en la lista del Rock and Roll Hall of Fame de las canciones que dieron forma al rock and roll. En 2001, la Recording Industry Association of America (RIAA) clasificó la canción en el número 80 en su lista Songs of the Century. En 2002, NME clasificó la canción como el número dos en su lista de "100 mejores singles de todos los tiempos", mientras que Kerrang! lo clasificó en el número uno en su lista de los "100 mejores singles de todos los tiempos". En 2021, Rolling Stone clasificó a "Smells Like Teen Spirit" en el quinto lugar de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. En 2017, fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy.

Hoy traemos a este podcast, la figura de un guitarrista que supo evolucionar e innovar a nuevas técnicas, su figura estuvo eclipsada por dos grandes genios que eran John Lennon y Paul McCartney.​ Poco a poco fue adquiriendo notoriedad en el grupo The Beatles, componiendo temas importantes en la discografía del grupo, su zenit llegó en 1969, cuando un tema suyo apareció como cara A de un single, copando las listas de éxito como número uno, nos referimos al tema Something, del cual se han hecho muchas versiones, destacando las de Fran Sinatra y Elvis Presley. Fue precursor de distintas formas de tocar la guitarra, empleó un pedal de tono recién inventado por un técnico de EMI en la canción de 1965, Yes it is, revolucionó la música con la inclusión del sitar indio en algunas composiciones de Los Beatles, así como el uso de la guitarra slide y el pedal de wah wah. Tras su separación de Los Beatles, se afianzó como gran compositor, consiguiendo éxitos en las décadas de los 70 y 80. Su debut fue sonado, sacando al mercado el primer albúm triple de la historia del rock, fruto de las innumerables composiciones que poseía en la última etapa Beatle y que fueron descartadas por el resto. Algunas de estas canciones fueron ensayadas en el proyecto del que iba a ser el último disco de Los Beatles, Get back. Estamos hablando del álbum All things must pass, que constaba en su primera edición de dos discos con material nuevo y un tercer disco con una jam sesión. La presentación fue innovadora, consistía en una caja de cartón con bisagras, en cuyo interior se alojaban los tres discos y un poster, presentación exclusiva de las obras de música clásica. Anteriormente a este disco, George había sacado dos discos más en solitario, nos referimos a Wonderwall music, aparecido en noviembre de 1968 y que fue la banda sonara del largometraje Wonderwall interpretado por Jane Birkin, el segundo fue lanzado en mayo de 1969, con el título Electronic sound, álbum experimental con temas largos interpretados por un sintetizador Moog. George vino al mundo un jueves 25 de febrero de 1943, en el domicilio familiar, en Liverpool, concretamente en el número 12 de Arnold Grove. De familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre Louise. Harold, su padre había sido marino mercante, hasta que lo dejo para ser conductor de autobús. Estudió en la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, donde también lo hiciera John Lennon, aunque no se conocieron por la diferencia de edad. A la edad de 11 años tras superar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, hoy día convertido en el LIPA, donde conoció a Paul McCartney. Poco antes de iniciar el curso con 12 años, fue ingresado en el hospital por una nefritis (inflamación de riñón). Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero del Dovedale, Raymond Hughes por 3 libras y 10 chelines. Pasaría poco tiempo para que se hiciese con su primera guitarra decente, una Hofner President, debido al auge del skiflle por aquellas fechas, forma su primer grupo, The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly, influenciado por los artistas Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. En 1959, tras finalizar su periplo en la escuela, alternó la música con un trabajo de aprendiz de electricista. Su formación ayudó a hacer de Harrison, el miembro más eficaz en el grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y reparar los equipos. George vio a The Quarrymen por primera vez el 6 de febrero de 1958 en el Wilson Hall. Posteriormente en marzo de ese mismo año, se presentó a una audición para formar parte como guitarrista del grupo, Lennon lo desestimó porque según él era demasiado joven para formar parte de la banda. McCartney, presionó a Lennon para que lo admitiera, ya que se habían hecho muy amigos en la escuela, debido a su afición por la música. McCartney organizó otro encuentro, por lo que le dijo a George que trajera su guitarra, el encuentro fue en la parte superior del autobús que hacía el trayecto de Penny Lane, Paul le dijo que tocara algo para John, tocó el tema Raunchy de Billy Haughn. John quedó fascinado por la interpretación del tema, ya que él no había conseguido aprenderlo, por lo que entró a formar parte de The Quarrymen, el resto ya es historia. Harrison no podía considerarse al principio como un guitarrista virtuoso, si bien a mediados de los 60, la practica le hizo un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista solista y rítmico. Más adelante, adentrados en los 70, el sonido que conseguía con la Steel guitar, se convertiría en su sello personal. A mediados de los 90, y debido en parte a ser un gran fumador, George libró una dura batalla con el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón. El 30 de diciembre de 1999, fue asaltado en su mansión por un intruso a punta de navaja, Harrison y Olivia se enfrentaron a él y lograron reducirle. Michel Abraham, de 35 años declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison y que era una misión de Dios el matarle. Se le condenó y mandó a un sanatorio mental. Este sobresalto hizo que en el 2001 reapareciera el cáncer de pulmón, con dos metástasis en el cerebro. Se sometió a tratamientos agresivos en Suiza y Nueva York, pero el 22 de noviembre los médicos le confirmaron su carácter terminal, recibiendo solamente tratamientos paliativos. Para que George muriera en completa tranquilidad, McCartney le cedió una villa que poseía en Hollywood Hills, Los Ángeles. George organizó un último encuentro con Paul y Ringo, así como con su hermana Louise, de la cuál llevaba tiempo distanciado por diversos enfrentamientos. El 29 de noviembre del 2001 y a la edad de 58 años, George falleció. Fue incinerado y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas fueron arrojadas al río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique a día de hoy.

Hoy tenemos un programa acerca de el supergrupo estadounidense The Winery Dogs. Formado en el año 2012 en la ciudad de Nueva York con el baterista Mike Portnoy que ha sido miembro de bandas como Dream Theater o Avenged Sevenfold, el bajista Billy Sheenan del grupo Mr. Big y que ha trabajado con artistas como Steve Vai o David Lee Roth y el vocalista y guitarrista Richie Kotzen que estuvo en bandas como Poison o Mr. Big y con una larga carrera en solitario. Lo que al principio iba a ser únicamente un proyecto pensado por los miembros Mike Portnoy y Billy Sheenan se acabo consolidando como una banda gracias a la contratación de Richie Kotzen sugerida por el periodista Eddie Trunk. Como Sheenan había estado con Kotzen en Mr. Big sabía que era un fichaje estrella para el proyecto. Ya poco después de ello grabaron su primer album de título homónimo seguido de un DVD en vivo llamado ‘Unlashed in Japan 2013: The Winery Dogs’ En junio del 2015 la banda grabó su segundo disco en su estudio de Los Angeles, y el proyecto finalmente salió en octubre y se llamó ‘Hot Streak’. En abril del 2017 Kotzen se tomó un descanso de la banda pero afirmo que seguía teniendo buena relación con el resto de miembros del grupo y dijo que no descartaba realizar más proyectos en un futuro. En 2019 hicieron una gira durante un mes por los Estados Unidos, y de momento no se sabe mucho más sobre su carrera, aunque hay rumores de que podrían volver pronto al estudio. El grupo esta claramente influenciado por las bandas y artistas de Rock Clásico como Led Zeppelin, Cream, Jimi Hendrix o Grand Funk Railroad y al mismo tiempo también de bandas de Grunge como Soundgarden o Alice In Chains o otras bandas como el grupo de Rock Sureño de los 90s The Black Crowes.

En la década de los 90' escuchaba mucho Radio 3, que hicieron un buen eco de las bandas grunge, a raíz del bombazo a nivel mundial que supuso el Nevermind de Nirvana. Inmediatamente empezaron a sonar Soundgarden, con el disco que hoy presentamos, Pearl Jam con Ten, Alice in Chains con Dirt, y eso para mí, fue como un nuevo despertar, era un sonido nuevo, con el que conecte directo, y que me devolvió la fe en las novedades, y me sacó de mi estancamiento setentero, como se dice ahora, me estalló la cabeza. Hoy hemos escogido ‘Badmotorfinger’, que es el tercer disco de la banda. Fue lanzado el 24 de septiembre de 1991, más o menos 30 años. Es el primer disco que grabaron con el nuevo bajista Ben Shepherd. Es un proyecto que todavía mantenía el sonido metal de sus anteriores discos.

Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Después de finalizar su contrato discográfico con EMI, Lennon decidió alejarse totalmente de la música para criar a su recién nacido hijo Sean, debido a la vorágine del éxito y la fama con Los Beatles, se había perdido la infancia de su primer hijo, Julian. Durante este tiempo, siguió componiendo. En 1980, había vuelto ilusionado a grabar el que sería su álbum póstumo Double Fantasy, y tras su salida al mercado, continuó la grabación de nuevos temas, canciones que verían la luz en 1984 en un disco llamado Milk and honey. Lennon fue asesinado a las puertas de su domicilio en el edificio de apartamentos Dakota, frente a Central Park en Nueva York, Mark David Chapman, un fan de Hawái, se trasladó a Nueva York tras la estela del músico. Lo había esperado varias veces en el portal del Dakota, llegando a hablar con él y solicitándole un autógrafo.

Se cumplen este año 33 años del lanzamiento del álbum que marcaría el des8no de la banda argen8na Soda Stereo y qué mejor excusa que esta para reseñar por primera vez un álbum de Rock en Español del otro lado del océano. Comencemos por hablar de la banda. Quiénes eran Soda Stereo? Soda Stereo es una banda argen8na de rock formada originalmente en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cera8 (voz, guitarra), Héctor «Zeta» Bosio (bajo) y Carlos Alberto Ficicchia «Charly Alber8» (batería) hijo del famoso baterista de jazz Tito Alber8. Es considerada por la crí8ca especializada como la más importante, popular e influyente de las bandas en español de todos los 8empos y una leyenda de la música la8na. Fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en La8noamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock iberoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en La8noamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música diver8da de sus inicios, la new wave, el dark, el hard rock, el rock alterna8vo y el rock electrónico de sus finales. Soda Stereo ha encabezado las listas de todos los 8empos en su na8va Argen8na, donde se establecieron varios récords de ventas de discos y asistencias a conciertos. La banda ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. La música del álbum fue escrita en su mayoría por Cera8 y en algunos de los temas lo hizo en conjunto con Zeta, (Como esta), Charly e incluso con Sais. Sin embargo, las todas las letras son obra de Cera8 únicamente, a excepción de Terapia de Amor Intensiva en la que contó con la colaboración de Richard Coleman y En el borde que fue escrita enteramente por Alomar y Coleman sin la par8cipación de Cera8 y donde escucharemos a Alomar rapeando.

Hoy vamos a hablar de Aqualung, el 4º trabajo de estudio de Jethro Tull, y que el pasado 19 de marzo fue el 50 aniversario de su lanzamiento. Aqualung, es sin lugar duda alguna, una obra maestra, y un icono de una de las mejores bandas, no solamente del rock progresivo, o folk progresivo, sino del rock en general.​ La grabación de este álbum, en 1971, fue una lucha contra las deficiencias técnicas del estudio de grabación. Y la versión original, fue más un triunfo de la composición y de la interpretación, que de excelencia sonora. Así que, en 2011, con motivo de su 40 aniversario, Steven Wilson, se hizo con las cintas originales, y descubrió que sonaban mucho que la mezcla original de 1971, y con la tecnología digital actual, obtuvo más tono, profundidad y claridad. Fue fiel al espíritu de la época en que se grabó el álbum. No intentó modernizar la mezcla, por lo que la ecualización, los niveles de volumen, reverberaciones, ecos y otros efectos, se corresponden lo más posible a la mezcla original de 1971. Y ésta es la versión de vinilo que he traído, la remezcla de Steven Wilson. La diferencia es notable, de verdad. Tengo una versión en CD original, pero para el programa, me he hecho con la remezcla, en vinilo, por supuesto, de Steven Wilson. La profundidad sonora, la claridad de los instrumentos, nitidez, especialmente en las guitarras acústicas, le dan un relieve y una dimensión al disco, que no hay color.

De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. Esta vez os traigo una nueva sección y es la de 'primeras impresiones de discos', en esta ocasión con las del pasado mes de enero, para que como siempre vosotros, mis oyentes, podáis estar al día de todas las novedades musicales. Todas las novedades serán elegidas bajo mi criterio con todos aquellos grupos que realmente puedan interesar a todos aquellos que quieran descubrir la escena musical actual. En esta ocasión voy ha hablar de los lanzamientos que hubo este pasado mes de enero, ya para iniciar los discos mas interesantes que salieron el pasado enero de este nuevo año 2021 y que al parecer, ha empezado con bastante fuerza. Por supuesto, hay novedades de todos los estilos que personalmente me gustan, aunque siempre se aceptan sugerencias. Y como no, hay gran variedad de géneros: desde el indie rock, pasando por el pop-punk, el metal experimental, el rock alternativo, etc... Esta vez y como novedad, el programa no estará dividido en EPs y LPs sino que estarán mezclados. Estoy seguro que además de que os pondréis al día de los lanzamientos de vuestros grupos favoritos, también descubriréis otras muchas bandas y artistas que seguro que desconocíais en esta sección. En este programa escucharemos al mítico grupo de Indie Rock y Rock Alternativo Weezer, el Post-Punk más enérgico de la banda Shame, el último álbum de la banda japonesa de J-Rock y Hard-Rock BAND-MAID y por primera vez como novedad os traigo una banda española, y es el grupo de Pop-Punk e Indie Rock doriunda de Terrassa llamada Anabel Lee. Los discos de los que se hablará en este programa son: · Viagra Boys - Jazz Welfare · Frat Mouse - Ply-Wood · Beach Bunny - Blame Game EP  · Shame - Drunk Tank Pink · FRank Iero and the Future Violents - Heaven is a Place, This is a Place EP · Hospital Bracelet - South Loop Summer · BAND-MAID - Unseen World · The Body - I've Seen All I Need to See · Portrayal of Guilt - We Are Always Alone · Weezer - OK Human · Anabel Lee - Anabel Lee

Hoy traemos a estos podcasts la figura de un cantante que supo entender el rock and roll como nadie, en un país donde la música que se escuchaba era la copla y la canción española, a través de la radio que emitía en onda media. De nombre Emilio Baldoví Menéndez, nacido un 14 de junio de 1940 en Xàtiva, localidad de Valencia. De familia de clase media, su padre era un coronel del ejército de tierra español. A la edad de 10 años se traslada a vivir a Valencia, estudia bachillerato en el colegio dominico de San Vicente Ferrer, donde conoce a Salvador Blesa con el que formaría años más tarde el trio Los Milos, el nombre es una derivación fonética del propio nombre de Bruno, Emilio. Deja sus estudios universitarios de Ciencias Sociales, Derecho y Peritaje Agrónomo, para dedicarse a lo que más le gusta, emular a sus ídolos Elvis Presley y Gene Vincent. Analicemos el panorama musical que vivió Emilio en Valencia en la década de los 50. España sufría un atraso considerable en la edición de vinilos con respecto a otros países. A mediados de los 50, en países cercanos como Portugal, Francia y resto de Europa se oían discos de pizarra de 78 rpm. Valencia cuenta con un puerto abierto al mar Mediterráneo, y al igual que ocurriera en Liverpool, atracaban constantemente buques militares y portaviones estadounidenses por su proximidad con las bases navales establecidas en nuestro país. Los marines portaban los primeros discos aparecidos en su país con un nuevo ritmo frenético llamado rock and roll. Deberíamos esperar hasta principios de los años 60 para que aparecieran los primeros tocadiscos portátiles de maleta, hecho que daba más intimidad a la juventud para poder escuchar los primeros extended play de cuatro canciones a 45 rpm en sus habitaciones, sin tener que discutir con sus padres por escucharlos en el equipo voluminoso del salón. Las tiradas de estos ep´s rondaban entre las 150 y 350 copias. Aparecen los primeros guateques y con ellos la apertura de algunas tiendas especializadas en la venta de pick ups y discos, normalmente importados de la cercana Francia. Los jóvenes con poco poder adquisitivo solían alquilar los tocadiscos y los vinilos de moda, sin faltar los cuba libres de ron. No es de extrañar que comenzaran a aparecer infinidad de grupos que se movían en ambientes universitarios y que normalmente pertenecían a la clase media, grupos como Los Top Son, Los Rockeros, Els 4Z, Los Huracanes, Los Protones, Los Diapasons, Los Pepes, Els 5 xics, Los Genios, Los Milos o Los Pantalones Azules, por nombrar algunos.

Hoy os traemos un podcast del álbum en directo de la banda de Hard Rock y Blues Rock, Thin Lizzy. Thin Lizzy es una banda aparecida en Dublín, Irlanda en el año 1969. El grupo fue formado por el baterista Brian Downey y el bajista y vocalista Phil Lynott cuando todavía estaban en la escuela. Durante su carrera de más de doce proyectos de estudio, Lynott fue el líder de la formación. Lynott fue el compositor o co-compositor de casi todas las canciones de la banda, y el primer irlandés negro en lograr el éxito comercial en el campo de la música rock. Thin Lizzy contó con varios guitarristas a lo largo de su historia, con Downey y Lynott como la sección rítmica, en la batería y el bajo. Además de ser multirracial, la banda atrajo a sus primeros miembros no solo de ambos lados de la frontera irlandesa, sino también de las comunidades católica y protestante durante The Troubles. Su música refleja una amplia gama de influencias, que incluyen blues, música soul, rock psicodélico y música folclórica tradicional irlandesa, pero generalmente se clasifica como hard rock o, a veces, heavy metal. La revista Rolling Stone describe a la banda como claramente hard rock, "lejos del rebuzno del grupo de metal de mediados de los 70". Dos de los miembros fundadores de Thin Lizzy, el bajista y vocalista Phil Lynott y el baterista Brian Downey, se conocieron mientras estaban en la escuela en Dublín a principios de la década de 1960. Lynott, nacido el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Inglaterra, de madre irlandesa, Philomena (1930-2019) y padre guyanés Cecil Parris (1925-2010), se crió en Dublín desde los tres años. Downey nació el 27 de enero de 1951 en Dublín. Lynott se unió a una banda local, The Black Eagles, como vocalista en 1963, y Downey fue contratado como baterista en 1965. En diciembre de 1969, Bell y Wrixon se conocieron por casualidad en un pub de Dublín y descubrieron que compartían ideas similares de formar una banda, y decidieron visitar el Countdown Club donde vieron a Lynott y Downey actuar con Orphanage. Lynott no tocaba el bajo en ese momento, pero Bell quedó particularmente impresionado por Downey y se presentó a Lynott y Downey durante un descanso. Cuando Bell preguntó si considerarían formar una banda juntos, Downey inicialmente se mostró escéptico , pero ambos hombres estaban al tanto de la reputación musical de Bell. Estuvieron de acuerdo esa noche con la condición de que Lynott tocara el bajo además de cantar, y que la banda interpretaría algunas de las composiciones de Lynott. A finales de 1972, la banda se embarcó en una gira de alto perfil por el Reino Unido con Slade, que estaban disfrutando de una serie de sencillos de éxito en ese momento, y Suzi Quatro. Casi al mismo tiempo, Decca lanzó la versión de Thin Lizzy de una balada tradicional irlandesa, "Whisky in the Jar", como single. A principios de 1975, Thin Lizzy realizó una gira por los Estados Unidos por primera vez, en apoyo de Bob Seger y Bachman-Turner Overdrive (BTO). Cuando BTO realizó una gira por Europa a finales de año para apoyar su sencillo "You Ain't Seen Nothing Yet", Thin Lizzy nuevamente los acompañó en lo que fue una gira de muy alto perfil. Luego grabaron el álbum Fighting, que se convirtió en el primer álbum de Thin Lizzy en las listas en el Reino Unido, alcanzando el nº 60, aunque los sencillos todavía no llegaron a las listas. En 1978, Thin Lizzy lanzó su primer álbum en vivo 'Live and Dangerous'. Existe cierto desacuerdo sobre qué parte del álbum está realmente grabado en vivo: el productor Tony Visconti afirmó que las únicas partes que no se sobregrabaron fueron la batería y la audiencia. Sin embargo, Brian Robertson ha disputado esto, diciendo que había rechazado la solicitud de Lynott de volver a grabar un solo de guitarra, y que las únicas sobregrabaciones eran coros y algunas partes de guitarra de Gorham. Añadió: "Simplemente no es cierto. La única razón por la que dijimos que se grabó todo fue obviamente por razones fiscales ... así que todo lo que Visconti afirma son tonterías". Gorham está de acuerdo, afirmando que intentó hacerlo: regrabar un solo pero no pude recrear el sonido en vivo, y agregó: "Hice de nuevo una pista rítmica y algunas voces de acompañamiento. Pero eso es todo". El álbum fue un gran éxito, alcanzando el número 2 en el Reino Unido, y fue clasificado como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos por la revista Classic Rock en 2004. La partida permanente de Robertson se produjo poco tiempo después de un concierto en Ibiza el 6 de julio de 1978, y los desacuerdos con Lynott se desarrollaron a un nivel imposible. Robertson luego se asoció con Jimmy Bain para encabezar su nueva banda, Wild Horses.

De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. En esta ocasión os traigo las que para mí son las mejores canciones de Green Day y para ello tenemos como invitado a Julio del canal de YouTube, Visión de Pez. Para quien no conozca a Green Day (que sería un caso extraño, por otra parte) es una banda americana pionera en el sonido de Pop-Punk aunque por su carrera también han explorado géneros como el Punk Rock, el Rock Alternativo e incluso la Opera Rock. Los miembros de la banda que la componen son el vocalista Billie Joe Armstrong, el bajista Mike Dirnt y el batería Tré Cool, siendo así un power trio fantástico. La banda se formó en Berkley, California en el año 1986 y se ha mantenido con los mismos miembros desde su formación cuando aún se llamaban Sweet Children.  Es una de las bandas más importantes para la historia del Punk, la cual es amada por muchos y también odiada por otros tantos, pero hay que admitir que es una de las bandas más influyentes de la historia, en especial con proyectos como 'Dookie' o 'American Idiot'. Con ya 30 años de historia recién cumplidos, el grupo tiene en su discografía de un total de 13 proyectos y varios singles, siendo así una de las bandas de mayor éxito y reconocimiento de la historia de la música, habiendo ganado varios premios de gran calibre como un Grammy al mejor álbum de Rock y vendiendo millones de copias alrededor de todo el planeta. En su carrera se ha visto una evolución realmente interesante en la que pasaron de proyectos de Pop-Punk donde se mostraba la rabia y la tristeza a un contenido mucho más político y crítico pero igual de emocional, que es lo que les hace tan especiales. En este podcast vamos ha hablar de la primera parte del listado, ya que cada uno hemos elegido nuestras 10 canciones favoritas de la banda, creando así el que sería el top definitivo. Hemos elegido canciones teniendo en cuenta toda su discografía, desde los inicios con el '39 Smooth' al álbum aparecido este pasado año 2020 llamado 'Father of All..." Las canciones que escucharemos en este programa son: · Green Day · One of my Lies · Minority · No pride · Jesus of Suburbia · Give me Novacaine · Brain Stew/Jaided · Deadbeat Holiday · Good Riddance · Revolution Radio

Smash comienza su actividad en 1968 en Sevilla. Recuerdo, por si a alguien se le ha olvidado, que en esta época España era una dictadura en la que la censura, el hermetismo y la privación de libertades era una realidad. Aquí las influencias extranjeras o llegaban con retraso o con censura. En lo artístico o musical había dos ciudades que iban por delante del resto, una era Barcelona por su carácter abierto y sobre todo por su cercanía a Francia y otra era Sevilla, en la que floreció una escena hippie que empasto sorprendentemente con la cultura local. A Sevilla gracias a su cercanía con la base militar de Morón de la Frontera llegaron militares estadounidenses portadores de una vasta cultura musical, jazz, blues, r`n`r psicodélico, etc. A parte de discos, también con ellos llego el LSD, ideas hippies y muchos además tenían interés por el flamenco Y es aquí donde tenemos que nombrar el Centro Flamenco de Espartero impulsado por el guitarrista, escritor y flamencólogo Dohn. E. Phoren y la figura de Diego del Gastor en Morón de la Frontera. Se podría decir que Smash tuvieron dos épocas, la primera formada por Gualberto guitarra, Julio Matito bajo y voz, Antonio Rodríguez a la batería, Hendrik el danés guitarra y violín y la segunda cuando se incorpora Manuel Molina guitarra y voz que es la más conocida. El que inicia las andaduras del grupo es el multi instrumentista Gualberto al que le ofrecen quedarse los instrumentos de la desaparecida banda Gong a cambio de montar una banda nueva. El que hizo este ofrecimiento fue Gonzalo García Pelayo que de paso le dio nombre al grupo. Gualberto llego incluso a contactar con Jesús de La Rosa que declino la oferta y más tarde sería el cantante de Triana. Logran en 1969 grabar dos sencillos para el sello Diabolo sin demasiada repercusión pero atraen al sello Phillips con el que lanzan un par de singles más. Es a finales de 1970 cuando ya lanzan su primer LP Glorieta de los Lotos producido por el sevillano Alfonso Eduardo que también produce su segundo LP y último con Phillips Esta Vez Venimos a Golpear de 1971. La cara B la ocupan temas del cantaor Manuel de los Santos Pastor, más conocido por el Agujetas o el Agujetas de Jerez aunque se cree que nació en Rota. Ojo que esta el Agujetas Viejo (su padre), el Agujetas Chico (su hijo) y no sé si se me escapa alguno más. Ya os podéis imaginar que viene de saga de cantaores. Gitano, cantaor, herrero y heredero de la sobria escuela jerezana. Para definirlo me quedo con lo que dijo Antonio García El Platero en el documental Agujetas Cantaor “El cante de Agujetas es como el primer trago de Whiskey que te tomas en tu vida”. A mí me gusta el Whiskey y Agujetas también. De los trabajos de la segunda etapa ya con la incorporación de Manuel Molina y producidas por Alain Milhaud solo vieron la luz algún single más. Se quedaron colgados cinco temas que quedaron olvidados en las oficinas de la productora Zafiro que a su vez fue el origen de la histórica Chapa Discos de Vicente Mariscal. Es él el que encuentra entre un montón de cintas las grabaciones y decide publicarlas. Cinco temas no daban para un disco, es por eso que piensa poner como contrapunto en la cara B temas de Manuel Agujetas con Manolo Sanlúcar a la guitarra.