French painter and printmaker
POPULARITY
3 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
2 episodes with Pierre Bonnard
Epsom weekend is here and Inside Track: Ireland is in full Flat-season flow as Jane Mangan and Derby-winning jockey Emmet McNamara preview the Oaks, Derby and Coronation Cup.The pair open with stories from Emmet's unforgettable 2020 Derby win before diving into this year's big Epsom talking points 0 from the Oaks contenders and Aidan O'Brien's hand, to Pierre Bonnard, Ancient Egypt, and the impact the weather could have on the weekend's feature races.Jane and Emmet also discuss what makes Epsom so unique, what it feels like to ride the famous track and why the Derby continues to capture the imagination like no other race.Later in the show, Alex Dunn joins for trader insight, market movers, NAPs and another edition of Mystery Horse.0:00 Coming Up3:30 Catch-Up – Jane's Epsom Plans7:20 French Derby Review – Ballydoyle Whitewash13:02 Why Is Epsom So Special?15:00 What's It Like to Ride Epsom?15:45 Oaks Preview – Amelia Earhart or Venetian Lace?19:20 Derby Preview – Can Pierre Bonnard Stop Benvenuto Cellini?25:30 Coronation Cup Preview – Is Calandagan the Star Performer?28:55 Quickfire Predictions29:35 Alex Dunn from the Trading Room33:30 NAPs37:20 Mystery Horse Time!--------------------------------------------------------------------------------------------------------------------Follow William Hill Racing and William Hill Ireland on Social Media:
This interview first aired on Tuesday the 5th of May, 2026 on ONE FM 98.5 Shepparton. One FM Breakfast announcer Plemo talks to the Shepparton Art Museum's Artistic Director Danny Lacy about it's upcoming exhibition 'Facing Modernity: Degas to Picasso'. Facing Modernity: Degas to Picasso will be on at the Shepparton Art Museum from the 23rd of May - 20 thSeptember 2026. Spanning nearly a century of artistic innovation, Facing Modernity: Degas to Picasso brings together 37 exceptional paintings and sculptures from the Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki never before shown in Australia that capture the radical shifts in art from the late 19th century to the mid-20th century. Audiences will embark on a journey tracing the major art movements of the modern era, from Impressionism and Post-Impressionism to Fauvism, Cubism, Surrealism and post-war abstraction, through works from icons of the age, including Pierre Bonnard, Georges Braque, Paul Cezanne, Salvador Dalí, Paul Gauguin, Barbara Hepworth, Fernand Léger, Henri Matisse, and Pablo Picasso. This significant collection includes a major philanthropic gift from New York-based collectors Julian Robertson (1932-2022) and Josie Robertson (1943-2010) to Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki in 2023. Their generous bequest offers a rare glimpse into the vision of two passionate art patrons and their lifelong commitment to sharing and celebrating modern art. From the sensual nudes and atmospheric brushwork of late 19th century Impressionism to the geometric intensity of Cubism and the dreamlike worlds of Surrealism, Facing Modernity traces how artists shattered conventions and reimagined the world anew. During Facing Modernity, SAM will be open 7 days a week—meaning whatever your schedule, we'll be here to welcome you to world-class arts experiences. SAM will be open from 10AM-4PM daily, with extended hours to 7PM every Friday evening from 23 May to 20 September. To book tickets head to https://sheppartonartmuseum.com.au/whats-on/upcoming/facing-modernity-from-degas-to-picasso/ Listen to One FM Breakfast with Plemo live on weekday mornings from 6am-9am. Contact the station on admin@fm985.com.au or (+613) 58313131 The ONE FM 98.5 Community Radio podcast page operates under the license of Goulburn Valley Community Radio Inc. (ONE FM) Number 1385226/1. PRA AMCOS (Australasian Performing Right Association Limited and Australasian Mechanical Copyright Owners Society) that covers Simulcasting and Online content including podcasts with musical content, that we pay every year. This licence number is 1385226/1.
Andrew Cranston talks to Ben Luke about his influences—from writers to musicians, film-makers and, of course, other artists—and the cultural experiences that have shaped his life and work. Cranston, who was born in 1969 in Hawick, Scotland, draws on experiences—moments seen, felt or remembered—which are filtered, embellished, complicated, and sometimes almost obliterated through the process of being painted. As well as reflecting on personal events, from childhood memories and the recollections of family members, to more recent rituals and exploits, Cranston's pictures are rich in cultural resonance. Images and ideas from the history of art and cinema, from poems and television series, are central to his work, whether as a core motif or a subtle reference in the title. As a result, his practice is deeply concerned with time and history—not just in recalling past events and experiences and transforming them in the present, but in his materials and methods. He often uses the covers of old hardback books, bleached by light over the years, as a surface, for instance, and the paintings hold time in their very physicality—in the immediacy of a painted gesture, in the steady build-up of layers and marks, and in the hints of their journeys to completion. Cranston's paintings reflect his medium's capacity for thrillingly diverse effects, modes and moods; they are full of poetry and longing, as well as absurdity and joy. He reflects on the fragility of his images, how with reiteration they gain meaning and weight. He talks about the silence in his works and what he calls his “fight with visibility”. He discusses a wealth of painterly influences, from Pieter Bruegel the Elder to Paul Klee, Pierre Bonnard and Winifred Nicholson, writers including Hugh MacDiarmid and Elizabeth Bishop, and cinematic and televisual references including the films of Nicholas Roeg and the teleplays of Dennis Potter. Plus, he gives insights into his life in the studio and answers our usual questions, including the ultimate: what is art for?Andrew Cranston: I'm going in a field, Modern Art, Bennet Street, London, until 30 May Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
The Grand National and all things Aintree are pored over in this week's edition of The Front Page.Lee Mottershead, Jonathan Harding and Maddy Playle look back at I Am Maximus's second success in the sport's biggest race and reflect on a Grand National that was filled with drama.The rest of the Aintree festival is also discussed in detail in a show that examines the disappointing seasonal reappearance of Derby favourite Pierre Bonnard and the sport's latest attempt to persuade the government to think again about affordability checks.
“Le Syndrome de Bonnard”Ou l'impermanence des oeuvresLe Plateau Frac Île-de-France, Paris et aux Réserves, Romainvilledu 14 février au 19 juillet 2026Entretien avec Emilie Villez, commissaire indépendante, membre du collectif Le Bureau/, co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 30 mars 2026, durée 20'54,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2026/03/31/3706_le-syndrome-de-bonnard_le-plateau-frac-ile-de-france/Communiqué de presseCommissariat Le Bureau/[Marc Bembekoff, Garance Chabert, Aurélien Mole, Céline Poulin et Emilie Villez]Le Syndrome de Bonnard, présenté au Plateau à Paris et aux Réserves à Romainville du 14 février au 19 juillet 2026, dévoile la part mouvante et ouverte des oeuvres. Entre reprises, réactivations et recyclages, elles poursuivent leur propre trajectoire au-delà de leur entrée dans les collections. Inspirée par les retouches sans fin du peintre Pierre Bonnard (1867-1947), l'exposition, imaginée par le collectif curatorial Le Bureau/, réunit plus de trente artistes français et internationaux pour interroger l'impermanence des oeuvres, la plasticité des récits et le dialogue constamment réinventé entre création et institution.On raconte que Pierre Bonnard n'a cessé tout au long de sa vie de reprendre ses toiles. Une anecdote en particulier rapporte qu'il fut arrêté par un gardien au Musée du Luxembourg alors qu'il tentait de retoucher subrepticement une minuscule feuille d'arbre d'un de ses tableaux. Marguerite Duras, dans La Vie matérielle, se remémore l'histoire d'un tableau que Bonnard aurait significativement modifié, sans demander l'avis des commanditaires, et rappelle que la création avance rarement en ligne droite : « Ça arrive dans un livre, à un tournant de phrase, vous changez le sujet du livre. (…) Les tableaux, les écrits ne se font pas en toute clarté. »Ces récits confrontent plusieurs perspectives légitimes : d'un côté, l'institution qui garantit la conservation de l'oeuvre acquise et son inscription patrimoniale dans un récit historique ; de l'autre, le parcours individuel de l'artiste et les mouvements, parfois significatifs, de sa pratique ; enfin, l'interprétation du public, qui varie selon les époques, les aires géographiques…À partir de la collection du Frac Île-de-France, Le Syndrome de Bonnard explore comment les oeuvres peuvent évoluer après leur acquisition : les tâtonnements de la pratique d'atelier peuvent-ils être ré-examinés par l'artiste une fois son oeuvre inventoriée ? Comment certaines oeuvres peuvent-elles sans cesse être rejouées, réactivées et actualisées ? Que dire du changement de perception d'une oeuvre à la lumière de l'évolution de notre contexte politique, social et environnemental ? Dix ans après avoir réalisé une première exposition 1 consacrée à ces questions, Le Bureau/ joue le jeu de la reprise et approfondit au Plateau et aux Réserves sa réflexion sur l'impermanence d'une oeuvre d'art.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
TODAY on the GWA PODCAST: esteemed curator DITA AMORY, discussing HELENE SCHJERFBECK! Currently the Robert Lehman Curator in Charge of the Robert Lehman Collection at The Met, Amory has curated numerous critically-acclaimed exhibitions, such as Pierre Bonnard: the Late Interiors, Madame Cézanne, Félix Vallotton, Vertigo of Color, and more. A graduate of art history at Trinity College, Sarah Lawrence College, and the Institute of Fine Arts, New York University, where she earned a master's degree – Amory began her career as a librarian, before becoming Curator of Drawings, then Chief Curator at the National Academy of Design. She joined the Met in 1997 as Assistant Curator of the Robert Lehman Collection, taking charge of the department in 2007 as Acting Associate Curator in Charge, and later Curator in Charge. And WOW has she worked on the most incredible projects since…. including the reason why we are speaking to her today: the extraordinary, current exhibition: Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck, that brings together 60 works by the Finnish-born artist, who travelled to Paris to study in the late 1800s, as one of few women who could be awarded an education on a par with their male counterparts. Leading an artistic life imbued with freedom, Schjerfbeck spent summers in Brittany – where she painted en plein air – producing radical paintings devoid of figures but full of modernist feeling. It was also here where she embarked on a life-long subject, her self-portrait, that she would tackle in Helsinki and beyond… She was an artist whose life moved with changes in the 20th century, and worked in a style that not only charted the changes in a war-filled world, but a woman battling with her own ageing. Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck is the first exhibition to showcase the work of the artist in a major US museum. On now, until April 5. https://www.metmuseum.org/exhibitions/seeing-silence-the-paintings-of-helene-schjerfbeck -- THIS EPISODE IS GENEROUSLY SUPPORTED BY THE LEVETT COLLECTION: https://www.famm.com/en/ https://www.instagram.com/famm_mougins // https://www.merrellpublishers.com/9781858947037 Follow us: Katy Hessel: @thegreatwomenartists / @katy.hessel Sound editing by Tory Peters and Nada Smiljanic Music by Ben Wetherfield
A special treat for our listeners this Monday as Jane Mangan is in Ballydoyle today catching up with supremo Aidan O'Brien. If you want to know how his leading lights are getting on and what their likely targets will be, you're in the right place. From older horses, to the Classic generation and a two-year-old to watch including: Minnie Hauk, Albert Einstein, Scandinavia, Diamond Necklace, Precise, Gstaad, Twain, Pierre Bonnard etc.
A special treat for our listeners this Monday as Jane Mangan is in Ballydoyle today catching up with supremo Aidan O'Brien. If you want to know how his leading lights are getting on and what their likely targets will be, you're in the right place. From older horses, to the Classic generation and a two-year-old to watch including: Minnie Hauk, Albert Einstein, Scandinavia, Diamond Necklace, Precise, Gstaad, Twain, Pierre Bonnard etc.
Artist Sebastián Espejo talks about observational shifts between scene and surface, how multiple temporalities accumulate in his paintings, receptiveness versus modulation in his process, and more.Sebastián Espejo (b. 1990) is a Chilean artist based in London whose practice centres on painting as a form of attention. His work explores the language of painting through close observation of the natural world, living organisms, and the perception of light. Espejo has exhibited internationally across the UK, Europe, Asia, and the Americas. He was twice a finalist for Jackson's Art Prize and was shortlisted for the John Moores Painting Prize in 2025.In 2025, he undertook a residency at Drumlanrig Castle and was subsequently selected for the Fugger Kunsthof residency in Augsburg for 2026. He is currently preparing two solo exhibitions: one at Union Pacific, London, and another at Sun Gallery, Seoul. In January 2026, he received the Brave Project Award and will be featured in Chapter 5, alongside a solo exhibition at Interval Gallery, London, presented in dialogue with works by Pierre Bonnard.Espejo understands painting as a surface of encounter. His works often place direct references to historical artworks alongside everyday objects or observed scenes, creating a dialogue between lived experience and inherited visual languages. These dualities operate both in his approach to observation and in the process of translation onto the painted surface. Alongside his studio practice, Espejo has developed and led workshops focused on painting, attention and embodied ways of seeing, extending his artistic enquiry into shared, pedagogical contexts.Sebastián's Instagram: @sebaespejovReference links:Adolfo Couve, Melliza (1964)Adolfo Couve: Una lección de pintura by Claudia Campaña (2015)—see cover for painting referencedRon Padgett, Pink Dust (2025)Jim Jarmusch, Paterson (2016)Episode cover art: "Dog Star", Oil, wax, marble dust and pencil on birch wood panel, 50x40cm, 2025. Courtesy of the artist, Interval, Jessica Draper and Wildenstein & Co. Photo by Jack Elliot Edwards.Support People Painting
Through a new display, the Royal Museums of Fine Arts of Belgium focus on gender-related stereotypes. The show, titled Art X Gender questions how images and artworks reinforce or challenge such representations. From the 16th to the 20th century, from Lucas Cranach to Roger Raveel, including works by Khnopff, Pierre Bonnard and Jane Graverol among many others, nearly 30 works are exhibited for the occasion at the heart of the Old Masters Museum, some of them for the very first time. Additionally, the reflection does not stop at a single room: it extends throughout the collections, with a guided trail encouraging visitors to continue questioning stereotypes within the permanent displays. Curator Audrey Laserre and Cultural Facilitator Jean-Philippe Theyskens explain the innovative elements of the exhibition. Until 19 April 2026
“Impressions nabies” Bonnard, Vuillard, Denis,Vallottonà la BnF I Richelieu, Parisdu 9 septembre 2025 au 11 janvier 2026Entretien avec Céline Chicha-Castes,conservatrice chargée des estampes du XXe siècle au département des Estampes et de la photographie de la BnFet Valérie Sueur-Hermel,conservatrice chargée des estampes du XIXe siècle au département des Estampes et de la photographie de la BnFet commissaires de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, 8 septembre 2025, durée 12'56,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2025/09/27/3636_impressions-nabies_bnf-richelieu/Communiqué de presseCommissariat :Céline Chicha-Castex, conservatrice chargée des estampes du XXe siècle au département des Estampes et de la photographie de la BnFValérie Sueur-Hermel, conservatrice chargée des estampes du XIXe siècle au département des Estampes et de la photographie de la BnFSi les artistes nabis, parmi lesquels Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Maurice Denis et Félix Vallotton sont largement connus pour leurs peintures et décors, ils excellèrent aussi dans l'art de l'estampe. Ce courant éphémère, qui se déploya pendant une dizaine d'années (1890-1900), donna lieu à une production abondante et diverse d'images imprimées. Grâce aux ressources de la lithographie en couleurs et au renouveau de la gravure sur bois, les Nabis ont créé des oeuvres variées, inscrites dans le quotidien : estampes artistiques, affiches, illustrations, programmes de spectacle, objets décoratifs. La Bibliothèque nationale de France met en lumière cet aspect de leur oeuvre dans une exposition présentée sur le site Richelieu. Près de deux cents pièces provenant principalement des collections de la BnF, complétées par des prêts d'institutions françaises et étrangères (musée d'Orsay, musée Maurice Denis, bibliothèque de l'Institut national d'histoire de l'art, musée des Beaux-Arts de Quimper et musée Van Gogh d'Amsterdam) montrent la diversité et la genèse de leurs créations graphiques.Les Nabis, promoteurs de l'art dans la vie, grâce à l'image impriméeLe mouvement nabi dépasse le champ traditionnel des beaux-arts par une ouverture à tous les domaines de la création et en particulier aux arts décoratifs. Sa contribution diversifiée aux arts graphiques s'inscrit dans un désir d'intégrer l'art à la vie quotidienne et de le rendre accessible au plus grand nombre, comme l'affirme Bonnard : « Notre génération a toujours cherché les rapports de l'art avec la vie. À cette époque, j'avais personnellement l'idée d'une production populaire et d'application usuelle : gravure, éventails, meubles, paravents. » Sous l'impulsion d'éditeurs et de marchands novateurs, tel Ambroise Vollard, ces artistes ont oeuvré à une période phare de l'histoire de l'estampe qui a consacré le peintre-graveur dans son statut d'artiste original. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
Artist Danny Leyland talks about strategies for re-organizing paintings, working towards an archival approach to image-making, how drawing is informing his way forward, and more.Danny Leyland (b.1994) is an artist and educator from Oxford, UK, currently based in London. His practice is led by painting, but also encompasses drawing, printmaking and writing.A graduate of Edinburgh College of Art (2016), and the Royal College of Art (2024), Leyland has exhibited internationally, with highlights including RSA New Contemporaries (2017), Edinburgh Art Festival (2021), Contemporary Art Now, Ibiza (2024), and a solo presentation at Mare Karina, Venice (2025). His work is included in private and public collections, including the Royal College of Art's special collections, and the Park Seo-Bo Foundation (Korea). Leyland was the winner of the Chadwell Award (2024), runner-up for the Jackson's Art Prize (2024), a shortlisted artist for the Waverton Art Prize (2024), and has been a two-time awardee of the Elizabeth Greenshields Grant (2021, 2023). Leyland is the 2025-2026 Abbey Scholar at the British School in Rome. Since 2016, Leyland also works in a collaborative practice with the artist and curator Connie Hurley.Danny's work: dannyleyland.comDanny's Instagram: @danny_leylandReference links:Paul Nash, Landscape of the Megaliths (1937)Daumier reviewed by Merlin James (2014)Wings of a Butterfly exhibition at Ingleby (2025)Piero della Francesca, The Baptism of Christ (1437-1445)Pierre Bonnard, Le Boxeur (portrait de l'artiste) (1931)Timothy Hyman, The New World Made (2022)Edvard Munch, Self Portrait between the Clock and the Bed (1940-43)Pierre Bonnard, The C C Land Exhibition at Tate Modern (2019)Kim Ki-duk, Spring, Summer, Fall, Winter...and Spring (2004)
Elles ont accompagné l'essor des villes, le développement du commerce et préparé, dès le XIXe siècle, l'ère de la consommation de masse : les affiches illustrées s'exposent en ce moment à Paris. L'art est dans la rue, c'est le nom de cette exposition magnifique au musée d'Orsay à Paris. C'est une plongée spectaculaire dans l'univers visuel de l'époque et un privilège rare de voir ce que l'on n'appelait pas encore des publicités, grandeur nature, telles qu'elles étaient dans les rues de la capitale à l'époque. D'autant que certaines portent des signatures illustres : Toulouse Lautrec, Alfons Mucha ou Pierre Bonnard. L'exposition, L'art est dans la rue, éclaire la place de ces représentations dans l'imaginaire de l'époque et interroge le rôle de l'art dans la réclame. Et les deux sont loin d'être incompatibles, art et publicité.Elise Dubreuil, co-commissaire de l'exposition L'art est dans la rue au musée d'Orsay à Paris et Rémi Babinet, directeur créatif, président et co-fondateur de l'agence de pub BETC et auteur de Pas de publicité, merci aux éditions JBE Books sont les invités de Sur le pont des arts. L'art est dans la rue est à voir au musée d'Orsay à Paris jusqu'au 06 juillet 2025.Au programme de l'émission :► Café polarCatherine Fruchon-Toussaint a rencontré Jacky Schwartzmann, lauréat du prix polar européen en 2024, qui revient avec une nouvelle comédie policière grinçante intitulée Bastion (Le Seuil) qui met en scène un jeune retraité de 60 ans, socialiste de cœur, mais obligé d'infiltrer les comités de soutien à Eric Zemmour lors de la prochaine présidentielle en 2027, un roman à la fois visionnaire, loufoque et politique.► Playlist du jourDebussy – Clair de luneAlice in Wonderland Soundtrack Version – Alice's ThemeDjeuhdjoah et Lieutenant Nicholson
Elles ont accompagné l'essor des villes, le développement du commerce et préparé, dès le XIXe siècle, l'ère de la consommation de masse : les affiches illustrées s'exposent en ce moment à Paris. L'art est dans la rue, c'est le nom de cette exposition magnifique au musée d'Orsay à Paris. C'est une plongée spectaculaire dans l'univers visuel de l'époque et un privilège rare de voir ce que l'on n'appelait pas encore des publicités, grandeur nature, telles qu'elles étaient dans les rues de la capitale à l'époque. D'autant que certaines portent des signatures illustres : Toulouse Lautrec, Alfons Mucha ou Pierre Bonnard. L'exposition, L'art est dans la rue, éclaire la place de ces représentations dans l'imaginaire de l'époque et interroge le rôle de l'art dans la réclame. Et les deux sont loin d'être incompatibles, art et publicité.Elise Dubreuil, co-commissaire de l'exposition L'art est dans la rue au musée d'Orsay à Paris et Rémi Babinet, directeur créatif, président et co-fondateur de l'agence de pub BETC et auteur de Pas de publicité, merci aux éditions JBE Books sont les invités de Sur le pont des arts. L'art est dans la rue est à voir au musée d'Orsay à Paris jusqu'au 06 juillet 2025.Au programme de l'émission :► Café polarCatherine Fruchon-Toussaint a rencontré Jacky Schwartzmann, lauréat du prix polar européen en 2024, qui revient avec une nouvelle comédie policière grinçante intitulée Bastion (Le Seuil) qui met en scène un jeune retraité de 60 ans, socialiste de cœur, mais obligé d'infiltrer les comités de soutien à Eric Zemmour lors de la prochaine présidentielle en 2027, un roman à la fois visionnaire, loufoque et politique.► Playlist du jourDebussy – Clair de luneAlice in Wonderland Soundtrack Version – Alice's ThemeDjeuhdjoah et Lieutenant Nicholson
Chiến tranh, thời cuộc xoay vần, nỗi bất hạnh không có chỗ đứng trong tranh của Pierre Bonnard (1867-1947). Chịu ảnh hưởng của Gauguin, của hội họa dân gian Nhật Bản, một thoáng gì của Matisse, của Renoir, nhưng Bonnard sớm khẳng định ông vẽ tranh để « tô điểm cho cuộc đời ». (Tạp chí phát lần đầu ngày 08/05/2015). Tranh của Bonnard tràn đầy nhựa sống. Cảnh sinh hoạt thường ngày trên đường phố Paris, khu vườn ở Normandie hay chỉ đơn thuần là tô sữa bên cửa sổ, dưới cây cọ của Bonnard tất cả đều trở nên sống động hơn, thơ mộng hơn, xanh tươi hơn. Đằng sau ánh sáng chan hòa, những đường nét sinh động, là một thoáng lo âu, là một chút gì dễ vỡ, là « những thiên đường đã mất ».Bảo tàng Mussée d'Orsay quận 7 Paris tổ chức cuộc triền lãm « Pierre Bonnard, Peindre l'Arcadie » từ ngày 17/03/2015 đến 19/07/2015, quy tụ hơn 150 tác phẩm hội họa và một số những bức ảnh đen trắng tiêu biểu cho từng giai đoạn sáng tác trong hành trình nghệ thuật gần 60 năm của một họa sĩ bậc thầy cuối thế kỷ thứ XIX, nửa đầu thế kỷ XX.« Pierre Bonnard, Peindre l'Arcardie »Arcadie là một vùng núi ở miền nam Hy Lạp. Trong thần thoại, đấy là chốn thanh bình nơi địa đàng. Như tên gọi của nó, triển lãm ở bảo tàng Musée d'Orsay đã tập hợp những tác phẩm của ông phù thủy thổi nhựa sống vào trong tranh, dù đó là cảnh đồng quê vùng Normandie miền bắc nước Pháp hay là những chân trời bát ngát dưới nắng vàng rực rỡ, dưới sắc biếc của miền nam ven bờ Địa Trung Hải, hay chỉ đơn thuần là cảnh một cô gái trong buồng tắm, một bức khỏa thân bên lò sưởi, một tác phẩm nature morte hay một bức chân dung tự vẽ.Ở bất cứ khung trời nào, thế giới của Bonnard luôn toát lên một sự hài hòa giữa con người với cảnh vật chung quanh. Isabelle Cahn, quản thủ bảo tàng Musée d'Orsay :« Tranh của ông nói về sự sống, về hơi thở, về những chuyển động trong cuộc đời, về thời gian về những gì không nắm bắt được. Nhìn dưới góc độ đó, phải nói là danh họa Bonnard đã đặt ông trước một thách thức rất lớn ». Xem tranh của Bonnard, ta như nghe được cả tiếng lá xào xạc, tiếng chim hót, như cảm thấy được cả vị ngọt của những quả cam vàng mọng nước, hay những ngọn gió thổi vào một gian phòng …Để tạo được những cảm giác như vậy là cả một sự tìm tòi công phu về cách sắp đặt từng chi tiết trong tác phẩm của mình, là cách sử dụng màu sắc rất tinh vi chỉ Pierre Bonnard mới có được. Bên cạnh những gam màu nóng, như vàng, nâu, đỏ, luôn kèm theo một vài sắc tía, ngả về màu tím, xanh lơ. Chính những sắc màu đệm đó phản ảnh những giày vò nội tâm, những vết thương thầm kín mà tác giả đã cố tình không đưa vào tranh của ông.Giám đốc điều hành bảo tàng Bonnard tại Le Cannet, vùng Côtes d'Azur Véronique Serrano nhận xét :« Ông làm việc với một gam màu khá giới hạn nhưng ông đã phối hợp những màu sắc đó với nhau, để thổi hồn vào mỗi tác phẩm của mình, để mỗi tác phẩm của Bonnard đều có sức lôi cuốn lạ thường. Bonnard thường được xem là người ‘tô điểm cho cuộc sống', là họa sĩ ‘đem lại hạnh phúc' cho thiên hạ. Trong khi đó như chính ông đã từng tâm sự : ‘kẻ hay hát, chưa hẳn là đã yêu đời hay hạnh phúc'. Đâu đó, những bức tranh rực rỡ sắc màu như thể là cách để ông che giấu những vết thương nội tâm. Đó cũng là hình thức để ông cưỡng lại nỗi hoang mang sâu thẳm ». Trong gian trưng bầy đầu tiên của triển lãm « Pierre Bonnard, Peindre l'Arcadie » bảo tàng Musée d'Orsay giới thiệu đến người xem những tác phẩm trong thời kỳ Pierre Bonnard chịu ảnh hưởng rất lớn của nghệ thuật hội họa dân gian Nhật Bản với những motif đan xen vào nhau mà điển hình là bức bình phong Paravent à trois feuilles - thực hiện năm 1889. Trong đó, Bonnard mượn từ màu đỏ thẫm của hội họa Nhật Bản đến ánh trăng vàng, từ hình ảnh con chim hoàng yến, trĩ, hạc đến những bụi trúc hay cụm thạch thảo của phương đông.Cũng trong thời kỳ này, Pierre Bonnard đã thực hiệu nhiều bức tranh rất lạ, chẳng hạn như tác phẩm Intimité – thân mật (năm 1891), mà trong đó, ta thấy một người đàn ông ngồi hút tẩu thuốc. Bên trái là một người đàn bà chìm trong bóng tối. Ở phía trước của hai người, là một bàn tay với một tẩu thuốc pipe thứ nhì, lớn hơi quá khổ so với phần còn lại của tổng thể bức tranh. Thậm chí khi mới nhìn thoáng qua, chưa chắc ta đã trông thấy bàn tay to lớn đó và khói thuốc gần như tan trong những hình vẽ của giấy dán trên tường.Với Intimité, Pierre Bonnard đã đan xen những motif vào nhau, như vừa để đánh lừa người xem, nhưng vừa để tạo ra một bầu không khí cho bức tranh của mình. Ta như cảm nhận được chút gì thân mật, ấm cúng và cả mùi thơm của khói thuốc đang lan tỏa ra khắp căn phòng. Tính tinh nghịch, đùa giỡn với không gian của một Pierre Bonnard thủa trẻ được xác định một lần nữa với tác phẩm Danceuses (1896) mà ở đó tác giả vẽ những cô vũ nữ của nhà hát Opéra như thể ông chụp hình các cô từ trên cao nhìn xuống.Con người thầm kín của Bonnard Năm 1947 khi Bonnard qua đời, Pablo Picasso, một cây đại thụ khác của làng hội họa thế giới trong thế kỷ XX, thốt lên rằng : « Vẽ như Bonnard thì không phải là vẽ ». Trong mắt cha đẻ của trường phái lập thể này, Bonnard là một họa sĩ hời hợt, chỉ hướng về những đề tài mang tính nhẹ nhàng. Nhưng có lẽ tác giả của những Guernica hay Người Đàn bà Khóc đã không cảm được sự hoang mang, sự chua xót của Bonnard qua những bức chân dung tự vẽ vào năm 1930, 1931, 1939- 1945.Tuổi già, nỗi cô đơn, hiện rõ trên khuôn mặt của người trong gương. Đôi mắt u uẩn của Bonnard trong bức chân dung tự vẽ năm 1945 thể hiện thái độ cam chịu của một con người đã đi gần hết cuộc đời. Ở đây ta thấy Pierre Bonnard trong một chiếc áo nâu gần như một chiếc áo ca sa, trong tư thế của một nhà sư Nhật Bản. Ông hơi mỉm cười như nụ cười của Rembrandt trong bức chân dung tự họa cuối cùng.Nhưng bi tráng hơn cả là bức tự họa được Bonnard đặt cho cái tên Le Boxeur- Võ sĩ quyền anh. Mình trần, khuôn mặt chìm trong bóng tối, nhưng đủ để cho thấy những vết bầm dập của thời gian. Bonnard trong tư thế của một võ sĩ quyền anh, chung quanh là ánh sáng vàng nhạt. Ánh sáng nhạt và hơi bệnh hoạn đó đã được tác giả tạo lại trong một bức chân dung khác ông thực hiện năm 1939-1945. Nhưng lần này Bonnard trong gương chỉ còn là một chiếc bóng lập lờ, của một người đang gần đất xa trời.Marthe, nguồn sáng tác vô tận Đôi mắt u uẩn của Pierre Bonnard trong các bức chân dung tự họa đang nhìn thấy những gì ? Phải chăng ông đang hồi tưởng lại thân hình ngọc ngà, mềm mại, của Marthe ở độ tuổi đôi mươi ? Marthe là người mẫu, là nguồn sáng tác bất tận, là người tình và người vợ, là người theo chân ông gần suốt ¾ cuộc đời. Bà là bến đỗ, là nữ thần hộ vệ là một phần linh hồn của danh họa Pierre Bonnard.Nàng là người đàn bà tóc vàng ngồi bên cạnh con mèo trắng trong La Femme au Chat (1912), là chủ đề của La sieste – Giấc ngủ trưa năm 1900. Marthe là nguồn cảm hứng của cả chục bức khỏa thân trong phòng tắm mà ông miệt mài sáng tác trong hơn hai mươi năm trời. Ông đưa cặp vú căng tròn của cô vào bức họa La Cheminée- Lò sưởi năm 1916.Hình bóng Marthe luôn ẩn hiện trong những khu vườn của ông ở vùng Normandie hay Côtes d'Azur. Dưới bút pháp của Pierre Bonnard, thân hình của Marthe không hề có một nếp nhăn, như thế dấu ấn thời gian không đọng lại trên nước da trắng ngà của người con gái ông đã quen khi mới vừa 26 tuổi. Đôi mắt xanh lơ và thân hình quyến rũ của cô gái bán hoa vải ở phố Pigalle cũng là những cánh cổng sắt, cô lập ông với thế giới bên ngoài.Liên hệ giữa Bonnard với Marthe đã được đưa vào tác phẩm L'Homme et la Femme, tranh sơn dầu sáng tác năm 1900. Marthe và Pierre sau một cuộc ân ái. Người đàn bà ngồi trên giường, vuốt ve con mèo. Người đàn ông khỏa thân, trực diện với chính mình trong gương. Giữa họ là một tấm bình phong ngăn cách hai thế giới nội tâm khác biệt.Isabelle Cahn, quản thủ bảo tàng Musée d'Orsay nói về ảnh hưởng và vị trí của cô gái bán hoa vải, Marthe đối với Bonnard :« Marthe đã đem lại rất nhiều cho Bonnard về mặt cá nhân. Chàng họa sĩ trẻ tuổi con nhà lành, Pierre Bonnard đã bị thân hình gần như tuyệt hảo của cô làm choáng ngợp. Trong gần 20 năm, thân hình ngọc ngà đó không ngừng là đề tài được ông đưa vào hội họa và cả nghệ thuật nhiếp ảnh nữa. Ngược lại Bonnard ít khi tập trung vào khuôn mặt của người tình ». Histoire d'eauLoạt tranh khỏa thân trong phòng tắm thực hiện vào những thập niên 1920- 1930, chiếm riêng một gian trưng bày với chủ đề « Histoire d'eau ». Những vật dụng trong phòng tắm, từ gạch đá hoa đến giấy dán tường, từ tấm màn cửa, thảm, gương, bồn tắm … đều được tác giả bố trí như để bọc lấy một thân hình mảnh mai, thụ động. Nu dans le bain hay Nu dans la baignoire … cho thấy mức độ gần gũi giữa Bonnard với người mẫu của ông. Năm 1925 Pierre Bonnard thành hôn với Marthe sau hơn 20 năm chung sống. Vài tuần lễ sau, người tình của ông, Renée Monchaty, kết liễu cuộc đời. Sau này người ta mới biết, người mẫu trong série tranh khỏa thân của Bonnard, không nhất thiết là Marthe.Normandie- Côtes d'Asur, chốn địa đàng Vào cuối đời Pierre Bonnard tâm sự « Không bao giờ có nghệ thuật nếu không có thiên nhiên ». Ánh sáng muôn màu, lung linh vì hơi nước, thay đổi từng giờ bên dòng sông Seine uốn lượn của vùng Normandie đã thuyết phục Bonnard năm 1912 mua một căn nhà trên ngọn đồi ở Vernonnet, cách không xa khu vườn Giverny của Monet.Hơn một chục năm sau, sắc màu của vùng nắng ấm miền nam, biển biếc của bờ Địa Trung Hải đã làm ông xiêu lòng. Bonnard tậu thêm một căn hộ thứ nhì ở Le Cannet vùng Côtes d'Azur, về ở gần Renoir. Dù rất khâm phục hai danh họa bậc thầy của trường phái ấn tượng là Renoir và Monet, nhưng khác với Monet và Renoir, Pierre Bonnard vẽ theo ký ức để, như chính ông định nghĩa : vẽ để « giữ lại một khoẳnh khắc phù du ». Nếu như khung trời miền Bắc là nguồn cảm hứng cho những Eté en Normandie – Mùa hè ở Normandie, Le Jardin Sauvage- Vườn hoang, Le Paradis terrestre –Địa Đàng, La Symphonie pastorale- Bản giao hưởng đồng quê, thì nắng ấm chói chang của vùng Côtes d'Azur là nơi Pierre Bonnard đã sáng tác ra những La Palme – Cành cọ (1926), L'Atelier du Mimosa (1939-1946) với những chùm mimosa vàng rực rỡ khoe sắc bên kia khung cửa sổ, là cây hạnh đào lộng lẫy trong mùa nở hoa, L'Amandier en fleur (1946-1947).Màu vàng và gam màu nóng vẫn là chủ đạo, nhưng Bonnard đã pha vào đó những sắc tía, xanh, tím. L'Amandier en fleur là tác phẩm cuối cùng của Pierre Bonnard. Trong đó, sắc xanh nước biển ẩn hiện bên những chùm hoa trắng. Đó cũng là những chùm hoa cuối cùng ông « tô điểm cho đời » hay đấy là những hình ảnh ông vĩnh viễn mang đi khi từ dã trần gian ? Pierre Bonnard từ trần một ngày sau khi ông hoàn tất Cây hạnh đào trong mùa nở hoa.
Chiến tranh, thời cuộc xoay vần, nỗi bất hạnh không có chỗ đứng trong tranh của Pierre Bonnard (1867-1947). Chịu ảnh hưởng của Gauguin, của hội họa dân gian Nhật Bản, một thoáng gì của Matisse, của Renoir, nhưng Bonnard sớm khẳng định ông vẽ tranh để « tô điểm cho cuộc đời ». (Tạp chí phát lần đầu ngày 08/05/2015). Tranh của Bonnard tràn đầy nhựa sống. Cảnh sinh hoạt thường ngày trên đường phố Paris, khu vườn ở Normandie hay chỉ đơn thuần là tô sữa bên cửa sổ, dưới cây cọ của Bonnard tất cả đều trở nên sống động hơn, thơ mộng hơn, xanh tươi hơn. Đằng sau ánh sáng chan hòa, những đường nét sinh động, là một thoáng lo âu, là một chút gì dễ vỡ, là « những thiên đường đã mất ».Bảo tàng Mussée d'Orsay quận 7 Paris tổ chức cuộc triền lãm « Pierre Bonnard, Peindre l'Arcadie » từ ngày 17/03/2015 đến 19/07/2015, quy tụ hơn 150 tác phẩm hội họa và một số những bức ảnh đen trắng tiêu biểu cho từng giai đoạn sáng tác trong hành trình nghệ thuật gần 60 năm của một họa sĩ bậc thầy cuối thế kỷ thứ XIX, nửa đầu thế kỷ XX.« Pierre Bonnard, Peindre l'Arcardie »Arcadie là một vùng núi ở miền nam Hy Lạp. Trong thần thoại, đấy là chốn thanh bình nơi địa đàng. Như tên gọi của nó, triển lãm ở bảo tàng Musée d'Orsay đã tập hợp những tác phẩm của ông phù thủy thổi nhựa sống vào trong tranh, dù đó là cảnh đồng quê vùng Normandie miền bắc nước Pháp hay là những chân trời bát ngát dưới nắng vàng rực rỡ, dưới sắc biếc của miền nam ven bờ Địa Trung Hải, hay chỉ đơn thuần là cảnh một cô gái trong buồng tắm, một bức khỏa thân bên lò sưởi, một tác phẩm nature morte hay một bức chân dung tự vẽ.Ở bất cứ khung trời nào, thế giới của Bonnard luôn toát lên một sự hài hòa giữa con người với cảnh vật chung quanh. Isabelle Cahn, quản thủ bảo tàng Musée d'Orsay :« Tranh của ông nói về sự sống, về hơi thở, về những chuyển động trong cuộc đời, về thời gian về những gì không nắm bắt được. Nhìn dưới góc độ đó, phải nói là danh họa Bonnard đã đặt ông trước một thách thức rất lớn ». Xem tranh của Bonnard, ta như nghe được cả tiếng lá xào xạc, tiếng chim hót, như cảm thấy được cả vị ngọt của những quả cam vàng mọng nước, hay những ngọn gió thổi vào một gian phòng …Để tạo được những cảm giác như vậy là cả một sự tìm tòi công phu về cách sắp đặt từng chi tiết trong tác phẩm của mình, là cách sử dụng màu sắc rất tinh vi chỉ Pierre Bonnard mới có được. Bên cạnh những gam màu nóng, như vàng, nâu, đỏ, luôn kèm theo một vài sắc tía, ngả về màu tím, xanh lơ. Chính những sắc màu đệm đó phản ảnh những giày vò nội tâm, những vết thương thầm kín mà tác giả đã cố tình không đưa vào tranh của ông.Giám đốc điều hành bảo tàng Bonnard tại Le Cannet, vùng Côtes d'Azur Véronique Serrano nhận xét :« Ông làm việc với một gam màu khá giới hạn nhưng ông đã phối hợp những màu sắc đó với nhau, để thổi hồn vào mỗi tác phẩm của mình, để mỗi tác phẩm của Bonnard đều có sức lôi cuốn lạ thường. Bonnard thường được xem là người ‘tô điểm cho cuộc sống', là họa sĩ ‘đem lại hạnh phúc' cho thiên hạ. Trong khi đó như chính ông đã từng tâm sự : ‘kẻ hay hát, chưa hẳn là đã yêu đời hay hạnh phúc'. Đâu đó, những bức tranh rực rỡ sắc màu như thể là cách để ông che giấu những vết thương nội tâm. Đó cũng là hình thức để ông cưỡng lại nỗi hoang mang sâu thẳm ». Trong gian trưng bầy đầu tiên của triển lãm « Pierre Bonnard, Peindre l'Arcadie » bảo tàng Musée d'Orsay giới thiệu đến người xem những tác phẩm trong thời kỳ Pierre Bonnard chịu ảnh hưởng rất lớn của nghệ thuật hội họa dân gian Nhật Bản với những motif đan xen vào nhau mà điển hình là bức bình phong Paravent à trois feuilles - thực hiện năm 1889. Trong đó, Bonnard mượn từ màu đỏ thẫm của hội họa Nhật Bản đến ánh trăng vàng, từ hình ảnh con chim hoàng yến, trĩ, hạc đến những bụi trúc hay cụm thạch thảo của phương đông.Cũng trong thời kỳ này, Pierre Bonnard đã thực hiệu nhiều bức tranh rất lạ, chẳng hạn như tác phẩm Intimité – thân mật (năm 1891), mà trong đó, ta thấy một người đàn ông ngồi hút tẩu thuốc. Bên trái là một người đàn bà chìm trong bóng tối. Ở phía trước của hai người, là một bàn tay với một tẩu thuốc pipe thứ nhì, lớn hơi quá khổ so với phần còn lại của tổng thể bức tranh. Thậm chí khi mới nhìn thoáng qua, chưa chắc ta đã trông thấy bàn tay to lớn đó và khói thuốc gần như tan trong những hình vẽ của giấy dán trên tường.Với Intimité, Pierre Bonnard đã đan xen những motif vào nhau, như vừa để đánh lừa người xem, nhưng vừa để tạo ra một bầu không khí cho bức tranh của mình. Ta như cảm nhận được chút gì thân mật, ấm cúng và cả mùi thơm của khói thuốc đang lan tỏa ra khắp căn phòng. Tính tinh nghịch, đùa giỡn với không gian của một Pierre Bonnard thủa trẻ được xác định một lần nữa với tác phẩm Danceuses (1896) mà ở đó tác giả vẽ những cô vũ nữ của nhà hát Opéra như thể ông chụp hình các cô từ trên cao nhìn xuống.Con người thầm kín của Bonnard Năm 1947 khi Bonnard qua đời, Pablo Picasso, một cây đại thụ khác của làng hội họa thế giới trong thế kỷ XX, thốt lên rằng : « Vẽ như Bonnard thì không phải là vẽ ». Trong mắt cha đẻ của trường phái lập thể này, Bonnard là một họa sĩ hời hợt, chỉ hướng về những đề tài mang tính nhẹ nhàng. Nhưng có lẽ tác giả của những Guernica hay Người Đàn bà Khóc đã không cảm được sự hoang mang, sự chua xót của Bonnard qua những bức chân dung tự vẽ vào năm 1930, 1931, 1939- 1945.Tuổi già, nỗi cô đơn, hiện rõ trên khuôn mặt của người trong gương. Đôi mắt u uẩn của Bonnard trong bức chân dung tự vẽ năm 1945 thể hiện thái độ cam chịu của một con người đã đi gần hết cuộc đời. Ở đây ta thấy Pierre Bonnard trong một chiếc áo nâu gần như một chiếc áo ca sa, trong tư thế của một nhà sư Nhật Bản. Ông hơi mỉm cười như nụ cười của Rembrandt trong bức chân dung tự họa cuối cùng.Nhưng bi tráng hơn cả là bức tự họa được Bonnard đặt cho cái tên Le Boxeur- Võ sĩ quyền anh. Mình trần, khuôn mặt chìm trong bóng tối, nhưng đủ để cho thấy những vết bầm dập của thời gian. Bonnard trong tư thế của một võ sĩ quyền anh, chung quanh là ánh sáng vàng nhạt. Ánh sáng nhạt và hơi bệnh hoạn đó đã được tác giả tạo lại trong một bức chân dung khác ông thực hiện năm 1939-1945. Nhưng lần này Bonnard trong gương chỉ còn là một chiếc bóng lập lờ, của một người đang gần đất xa trời.Marthe, nguồn sáng tác vô tận Đôi mắt u uẩn của Pierre Bonnard trong các bức chân dung tự họa đang nhìn thấy những gì ? Phải chăng ông đang hồi tưởng lại thân hình ngọc ngà, mềm mại, của Marthe ở độ tuổi đôi mươi ? Marthe là người mẫu, là nguồn sáng tác bất tận, là người tình và người vợ, là người theo chân ông gần suốt ¾ cuộc đời. Bà là bến đỗ, là nữ thần hộ vệ là một phần linh hồn của danh họa Pierre Bonnard.Nàng là người đàn bà tóc vàng ngồi bên cạnh con mèo trắng trong La Femme au Chat (1912), là chủ đề của La sieste – Giấc ngủ trưa năm 1900. Marthe là nguồn cảm hứng của cả chục bức khỏa thân trong phòng tắm mà ông miệt mài sáng tác trong hơn hai mươi năm trời. Ông đưa cặp vú căng tròn của cô vào bức họa La Cheminée- Lò sưởi năm 1916.Hình bóng Marthe luôn ẩn hiện trong những khu vườn của ông ở vùng Normandie hay Côtes d'Azur. Dưới bút pháp của Pierre Bonnard, thân hình của Marthe không hề có một nếp nhăn, như thế dấu ấn thời gian không đọng lại trên nước da trắng ngà của người con gái ông đã quen khi mới vừa 26 tuổi. Đôi mắt xanh lơ và thân hình quyến rũ của cô gái bán hoa vải ở phố Pigalle cũng là những cánh cổng sắt, cô lập ông với thế giới bên ngoài.Liên hệ giữa Bonnard với Marthe đã được đưa vào tác phẩm L'Homme et la Femme, tranh sơn dầu sáng tác năm 1900. Marthe và Pierre sau một cuộc ân ái. Người đàn bà ngồi trên giường, vuốt ve con mèo. Người đàn ông khỏa thân, trực diện với chính mình trong gương. Giữa họ là một tấm bình phong ngăn cách hai thế giới nội tâm khác biệt.Isabelle Cahn, quản thủ bảo tàng Musée d'Orsay nói về ảnh hưởng và vị trí của cô gái bán hoa vải, Marthe đối với Bonnard :« Marthe đã đem lại rất nhiều cho Bonnard về mặt cá nhân. Chàng họa sĩ trẻ tuổi con nhà lành, Pierre Bonnard đã bị thân hình gần như tuyệt hảo của cô làm choáng ngợp. Trong gần 20 năm, thân hình ngọc ngà đó không ngừng là đề tài được ông đưa vào hội họa và cả nghệ thuật nhiếp ảnh nữa. Ngược lại Bonnard ít khi tập trung vào khuôn mặt của người tình ». Histoire d'eauLoạt tranh khỏa thân trong phòng tắm thực hiện vào những thập niên 1920- 1930, chiếm riêng một gian trưng bày với chủ đề « Histoire d'eau ». Những vật dụng trong phòng tắm, từ gạch đá hoa đến giấy dán tường, từ tấm màn cửa, thảm, gương, bồn tắm … đều được tác giả bố trí như để bọc lấy một thân hình mảnh mai, thụ động. Nu dans le bain hay Nu dans la baignoire … cho thấy mức độ gần gũi giữa Bonnard với người mẫu của ông. Năm 1925 Pierre Bonnard thành hôn với Marthe sau hơn 20 năm chung sống. Vài tuần lễ sau, người tình của ông, Renée Monchaty, kết liễu cuộc đời. Sau này người ta mới biết, người mẫu trong série tranh khỏa thân của Bonnard, không nhất thiết là Marthe.Normandie- Côtes d'Asur, chốn địa đàng Vào cuối đời Pierre Bonnard tâm sự « Không bao giờ có nghệ thuật nếu không có thiên nhiên ». Ánh sáng muôn màu, lung linh vì hơi nước, thay đổi từng giờ bên dòng sông Seine uốn lượn của vùng Normandie đã thuyết phục Bonnard năm 1912 mua một căn nhà trên ngọn đồi ở Vernonnet, cách không xa khu vườn Giverny của Monet.Hơn một chục năm sau, sắc màu của vùng nắng ấm miền nam, biển biếc của bờ Địa Trung Hải đã làm ông xiêu lòng. Bonnard tậu thêm một căn hộ thứ nhì ở Le Cannet vùng Côtes d'Azur, về ở gần Renoir. Dù rất khâm phục hai danh họa bậc thầy của trường phái ấn tượng là Renoir và Monet, nhưng khác với Monet và Renoir, Pierre Bonnard vẽ theo ký ức để, như chính ông định nghĩa : vẽ để « giữ lại một khoẳnh khắc phù du ». Nếu như khung trời miền Bắc là nguồn cảm hứng cho những Eté en Normandie – Mùa hè ở Normandie, Le Jardin Sauvage- Vườn hoang, Le Paradis terrestre –Địa Đàng, La Symphonie pastorale- Bản giao hưởng đồng quê, thì nắng ấm chói chang của vùng Côtes d'Azur là nơi Pierre Bonnard đã sáng tác ra những La Palme – Cành cọ (1926), L'Atelier du Mimosa (1939-1946) với những chùm mimosa vàng rực rỡ khoe sắc bên kia khung cửa sổ, là cây hạnh đào lộng lẫy trong mùa nở hoa, L'Amandier en fleur (1946-1947).Màu vàng và gam màu nóng vẫn là chủ đạo, nhưng Bonnard đã pha vào đó những sắc tía, xanh, tím. L'Amandier en fleur là tác phẩm cuối cùng của Pierre Bonnard. Trong đó, sắc xanh nước biển ẩn hiện bên những chùm hoa trắng. Đó cũng là những chùm hoa cuối cùng ông « tô điểm cho đời » hay đấy là những hình ảnh ông vĩnh viễn mang đi khi từ dã trần gian ? Pierre Bonnard từ trần một ngày sau khi ông hoàn tất Cây hạnh đào trong mùa nở hoa.
Lecture par l'auteur « C'était le printemps et je regardais des Bonnard. Je contemplais ses nus chaque jour sur des catalogues, des monographies, des cartes postales ; j'allais chercher sur Internet d'autres nus — des nus que je ne connaissais pas — pour les imprimer et les avoir avec moi. » Récit d'une fascination et exploration d'une obsession, le texte de Yannick Haenel nous plonge dans la sollicitation invincible des nus peints par Pierre Bonnard. Circulant de tableau en tableau, Yannick Haenel restitue l'intensité de sa passion avec la générosité du peintre : « […] Nu au gant bleu, Nu devant la cheminée, Nu rose tête ombrée : je me récitais ces titres comme les vers d'un poème qui me promettait son érotisme clair, sa limpidité classique ». Chez Bonnard, nulle appropriation du modèle pour en faire le jouet de l'éros, au contraire : ce don ultime qui est celui de l'amour. À lire – Yannick Haenel, Pierre Bonnard. Le feu des solitudes charnelles, L'Atelier contemporain, 2024
Jennifer Coates, friend of the pod, is back to help me consider a new way forward (artwise) after the destabilizing event of the US election. She, herself, is finding comfort in the long history of rocks, geology and the cosmos, while I find myself turning to a book about how Matisse and his daughter, Marguerite, both reacted to the trauma of WWII in opposite yet valid ways. It's a bit of a potpourri, but we promise some great galvanizing art historical quotes and an inspiring double pep talk for the ages. Alternative title of ep: Rock Paper Scissors! Come hang out with us! Media mentions: The Weekly Show w Jon Stewart (ep with Heather Cox Richardson), Alexandria Ocasio-Cortez on IG/Tiktok Rock mentions: The Makapansgat pebble, Paleo "Venuses," Venus de Willendorf, baetyl stones, "The Living Stones" by Ithell Colquhoun, Paul Cezanne's drawings of Fontainbleu Quarry/MOMA show , John Elderfield and Terry Winters discuss Cezanne's Rock and Quarry Paintings for the Brooklyn Rail , "Turning to Stone: Discovering the Subtle Wisdom of Rocks" by Marcia Bjornerud, new minerals elalite and elkinstantonite discovered in 2022 in Somalia from a meteorite Art mentions: Cat Balco, Adie Russell, Elisabeth Condon, Pierre Bonnard, Edvard Munch & "White Night" 1900, Dada Movement, Hannah Hoch & “Cut with the Kitchen Knife," Man Ray, "Matisse the Master" by Hilary Spurling, "The Unknown Matisse" by Hilary Spurling, Henri Matisse ”Bathers by a River" 1917 and "The Chapelle du Rosaire de Vence" 1947-51, "Verve Magazine" Issue No 8 Vol 2 (1940), "Les Fleurs de Mal" Baudelaire/Matisse poetry book, Marguerite Matisse, Max Beckmann Jennifer's website and IG: https://www.jenniferlcoates.com/ @jennifercoates666 Thank you, Jennifer! Thank you, Listeners! All music by Soundstripe ---------------------------- Pep Talks on IG: @peptalksforartists Pep Talks website: peptalksforartists.com Amy, your beloved host, on IG: @talluts Amy's website: amytalluto.com Pep Talks on Art Spiel as written essays: https://tinyurl.com/7k82vd8s BuyMeACoffee Donations always appreciated! --- Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/support
We meet Mary Ramsden to discuss her new solo exhibition Desire Line, opening this week at Pilar Corrias, London.Captivated by the sheer range of ideas and images that a passage of paint can convey, from a tuft of grass to a soaring patch of sky, Ramsden revels in the boundless versatility of her medium. The artist brings a range of references to this new body of work, including English landscape painting, the subtle palette and chromatic intelligence of Les Nabis painters Pierre Bonnard and Édouard Vuillard, and a keen engagement with poetry and literature. Ramsden's title, Desire Line, refers to a phenomenon whereby a path emerges through spontaneous and habitual use, whether in a park, pasture or wilderness.Based in North Yorkshire, many of Ramsden's recent paintings reflect the textures of the local landscape as well as the qualities of northern light. The artist considers paint earthy, modest and infinitely adaptable, with the capacity to conjure atmospheres, images and metaphors, all within a single set of brushstrokes. Dark oxygen (all works 2024) evokes a moonlit landscape, with patches of cool lilacs and silvery blues and greens. Touches of rust and warm colours mark the edges, while the whole painting seems to be embraced by a quivering penumbra. If Dark oxygen has a wintry chill, a sense of abundant, generative life characterises the surface of My desire is not a thinking. In a haze of peachy orange, as if bathed in the light of a sunrise, sections of paint emerge on the canvas like patches of lichen or moss, sedately moving with their own inner force or rhythm. Both paintings express a distilled and unearthly beauty, reminiscent of a mythical landscape conjured by Gustave Moreau, though fractured and emptied of narrative. At the same time, these are meditations on paint itself; each canvas a multivalent space for Ramsden to revel in the ambiguity and potential of her surfaces.Fascinated by how Bertolt Brecht would have his characters change costumes to foreground the drama's illusory nature, Ramsden likewise conceives of different passages of paint as characters that might, with a simple shift of emphasis or the viewer's perspective, become something new. The same section of a painting might evoke a stony field or a pool of dappled light, a cracked patch of ice or a window at night. Another touchstone for the artist is Robert Motherwell, who, like Ramsden, adapted many of his titles from poetry, and considered abstraction a kind of universal language capable of communicating both powerful emotions and complex thoughts.The exhibition will be accompanied by a booklet with an essay by novelist and essayist Daisy Hildyard and a poem by Danielle Wilde.Desire Line runs until 11th January 2025 and is now open at Pilar Corrias, on Savile Row, London. Free entry.Follow @MaryJRamsdenVisit: https://www.pilarcorrias.com/exhibitions/466-mary-ramsden-desire-line/ Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
Wykład Ewy Frąckowiak, Muzeum Narodowe w Warszawie, 30 stycznia 2020 [1h09min] https://wszechnica.org.pl/wyklad/z-badan-nad-grafika-autorska-drugiej-polowy-xix-wieku-ewa-frackowiak/ Grafika autorska w XIX w. była tematem wykładu Ewy Frąckowiak, który towarzyszył ekspozycji „Wystawa, które nie było… Ignacy Łopieński (1865-1941) w Muzeum Narodowym w Warszawie. Prelegentka podczas pierwszej część wykładu opowiada o XIX-wiecznych akwaforcistach, którzy działali przede wszystkim we Francji. W drugiej połowie tego stulecia akwaforta przestała być traktowana tam jako ilustracja do tekstów drukowanych. Technika graficzna przerodziła się w samodzielną dziedzinę sztuki. Artyści zwani peintre-graveurami, czyli malarzami grafikami, pchnęli ją na drogę eksperymentów technicznych i wizualnych. Twórcy ci, w celu podniesienie rangi swoich działań, w 1862 r. utworzyli Towarzystwo Akwaforcistów. Tutaj grafika autorska jest omówiona na przykładzie prac takich twórców, jak Jean Baptiste-Camille Corot, Jean-François Millet, Auguste Delâtre czy Félix Bracquemond. Ewa Frąckowiak przybliża tajniki warsztatu artystów oraz historię, jaka stoi za powstaniem ich dzieł. W kolejnej części swojego wystąpienia prelegentka opowiada o innych technikach graficznych popularnych w XIX w. Omawia cynkografię, litografię i drzeworyt. Szerzej w tym kontekście pojawiają się Pierre Bonnard, Ambroise Vollard, Eugène Carrière, Maurice Denise, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Félix Vallotton i Paula Gaugin. Grafika autorska w „Germinalu” Wykład zamyka szersze opisanie dwóch wydawnictw związanych z grafiką autorską w XIX w. Pierwsze z nich to francuski „Germinal”. Tekę przygotował Julius Meier-Graephe, słynny historyk i krytyk sztuki. Zawierała 20 rycin autorskich. Tytuł nawiązywał do powieści Emila Zoli i symbolizował nowoczesność oraz rewolucyjne zmiany w sztuce. Twórcy zamówionych prac otrzymali swobodę wyboru tematyki, techniki, formatu a nawet rodzaju papieru, na którym odbito prace. Wydawnictwo zostało powielone w 100 numerowanych egzemplarzach. Muzeum Narodowe w Warszawie jest jedyną oprócz Biblioteki Narodowej we Francji instytucją, która posiada w swoich zbiorach kompletną tekę. Drugie z opisanych wydawnictw to niemieckie czasopismo i wydawnictwo artystyczne „Pan”. Prelegenka omawia prace związanych z wydawnictwem twórców, jak Peter Behrens, Félicien Rops, Théophile Alexandre Steinlen, Maurice Denis, Auguste Rodin, Käthe Kollwitz, Max Klinger, Walter Leistikow, Emil Orlik, Frits Lugt. Większość prezentowanych podczas wykładu grafik można obejrzeć w muzeum cyfrowym MNW pod adresem http://cyfrowe.mnw.art.pl/dmuseion/. Ewa Frąckowiak – jest kustoszką w Gabinecie Rycin i Rysunków Muzeum Narodowego w Warszawie, gdzie roztacza opiekę merytoryczną nad kolekcją grafiki europejskiej XIX i początku XX w. Znajdź nas: https://www.youtube.com/c/WszechnicaFWW/ https://www.facebook.com/WszechnicaFWW1/ https://anchor.fm/wszechnicaorgpl---historia https://anchor.fm/wszechnica-fww-nauka https://wszechnica.org.pl/ #sztuka #kultura #muzeum #muzeumnarodowe #grafika
Le terme "vernissage" est utilisé pour désigner l'inauguration d'une exposition artistique, et son origine remonte au XVIIIe siècle, en France. À cette époque, les artistes peintres avaient l'habitude d'appliquer une dernière couche de vernis sur leurs tableaux avant de les présenter au public. Le vernis, qui est une fine couche transparente, permettait de protéger les peintures tout en rehaussant les couleurs et en ajoutant un aspect brillant. Le jour où les artistes appliquaient cette dernière touche était souvent celui qui précédait l'ouverture officielle de l'exposition, et les mécènes, critiques, et amis étaient invités à voir les œuvres dans leur état final. Historiquement, ce processus avait également un aspect social : les artistes et invités participaient à cette étape finale, souvent dans un cadre intime et privé. Le vernis était appliqué à la main, parfois en présence des mécènes ou de quelques invités privilégiés qui avaient l'occasion de discuter avec l'artiste de son travail et de son processus créatif. Cela marquait un moment important, car c'était souvent la première fois que l'œuvre achevée était dévoilée. Au fil du temps, l'usage du mot "vernissage" s'est généralisé pour désigner le premier jour d'une exposition, et il a fini par symboliser l'inauguration de celle-ci. Même si l'application du vernis n'était plus nécessaire, la tradition du vernissage a perduré, devenant un événement où les visiteurs peuvent rencontrer les artistes, échanger des idées, et célébrer le lancement de l'exposition dans une ambiance festive. Puisque nous aprlons d'exposition, savez-vouis ce que veut dire lle verbe "bonnardiser" ? C'est un néologisme inspiré du comportement unique du peintre Pierre Bonnard, un peintre français post-impressionniste à cheval sur le 19e et 20e sicele. Bonnard était en effet connu pour son habitude obsessive de retoucher ses tableaux de manière répétée, même après qu'ils aient été exposés, vendus, ou accrochés chez des collectionneurs. Une manie qui illustre son perfectionnisme et son insatisfaction constante face à son propre travail, toujours à la recherche de la couleur parfaite, de l'effet exact ou de la luminosité souhaitée. En ce sens, "bonnardiser" signifie apporter des modifications répétées et continues à une œuvre, même après qu'elle soit considérée comme "terminée". Ce terme est devenu synonyme de perfectionnisme maniaque dans le monde de l'art, évoquant la difficulté de laisser aller un travail ou de l'accepter tel qu'il est. Dans un sens plus large, "bonnardiser" pourrait également s'appliquer à toute activité où une personne revient constamment sur son travail, le modifiant encore et encore, à la recherche d'une perfection insaisissable. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
====================================================SUSCRIBETEhttps://www.youtube.com/channel/UCNpffyr-7_zP1x1lS89ByaQ?sub_confirmation=1=======================================================================VIRTUOSADevoción Matutina Para Mujeres 2024Narrado por: Sirley DelgadilloDesde: Bucaramanga, Colombia===================|| www.drministries.org ||===================23 DE SEPTIEMBREPASAR LA PÁGINA«A los que salgan vencedores [...] les daré también una piedra blanca, en la que está escrito un nombre nuevo» (Apoc. 2:17).Si volvieras a nacer, ¿qué nombre te gustaría que te pusieran tus padres? Durante años yo quise llamarme Lucía, porque me gustaba mucho ese nombre; pero con el tiempo comprendí que quisiera ser llamada por algo más profundo que una palabra bonita. Sé que no podemos volver a nacer, y no estoy pensando cambiar de nombre, pero quiero que reflexionemos esta mañana en un concepto bíblico que tiene que ver con esto.Dios les cambió el nombre a varios personajes de la Biblia, entre ellos, los que voy a mencionar. A «Abram», que significa «padre enaltecido/exaltado», lo llamó «Abraham«, que significa «padre de muchas naciones» (Gén. 17: 5). Esto evidencia un cambio trascendental en su vida: ya no se trataba del líder individual, sino de la grandeza del colectivo. «Sarai», la mujer estéril cuyo nombre significaba «Princesa», pasó a llamarse «Sara», que significa «madre de muchas naciones» (Gén. 17: 15-16); pasó de la dureza de la infertilidad en tiempos del Antiguo Testamento al privilegio de ser elegida madre de la promesa. Jacob, que significa «Suplantador» fue llamado «Israel», porque luchó con Dios y venció (Gén. 32: 28). Así, este hombre, que había engañado a su hermano suplantando su identidad para robarse una bendición que no le correspondía, llegó a ser definido no por su gran error de falta de fe, sino por rendirse a Dios en su encuentro con él, y esto, lo preparó para ir a la reconciliación con valentía. Si te fijas, se trata de personajes que dieron un salto hacia adelante en sus vidas, pasando página de tal manera que lo que aún no era, pudo llegar a ser. Todo, por supuesto, fue obra de Dios.No sé qué te define en este momento, qué vivencias del pasado te siguen marcando porque no puedes dejarlas atrás; qué sentimientos de culpa y complejos de inferioridad cargas; qué etiquetas te colocas o te han colocado y te impiden dar un salto adelante, pasar la página, «recibir un nuevo nombre» que permita que lo que aún no eres pueda llegar a ser. Lo que sí sé es que la clave del futuro está en el hábito diario de depender de Dios, para que haga de ti lo que está en su plan que llegues a ser. Solo él puede obrar así y cambiarte el nombre a uno que verdaderamente tenga sentido.Para que ninguna etiqueta te impida dejar atrás lo que debe quedar atrás, busca a Dios hoy. Y mañana...«La clave de tu futuro está escondida en tu vida diaria». Pierre Bonnard.
Director Josh Margolin on Thelma, an action comedy about a 93-year-old who gets duped by a phone scammer and sets out on a quest across the city to reclaim what is hers.The life of French painter Pierre Bonnard and his wife Marthe de Méligny is explored over five decades in Bonnard: Pierre and Martha. Jason meets actor Cecile de France and director Martin Provost in Paris.Ahead of an Australian tour Iranian-British actor and comedian Omid Djalili discusses his career, which has seen him work alongside Hollywood greats including Robert De Niro, Robert Redford, Ridley Scott and Brad Pitt.Presenter, Jason Di RossoProducer, Sarah CorbettSound engineer, Tegan NichollsExecutive producer, Rhiannon Brown
Director Josh Margolin on Thelma, an action comedy about a 93-year-old who gets duped by a phone scammer and sets out on a quest across the city to reclaim what is hers.The life of French painter Pierre Bonnard and his wife Marthe de Méligny is explored over five decades in Bonnard: Pierre and Martha. Jason meets actor Cecile de France and director Martin Provost in Paris.Ahead of an Australian tour Iranian-British actor and comedian Omid Djalili discusses his career, which has seen him work alongside Hollywood greats including Robert De Niro, Robert Redford, Ridley Scott and Brad Pitt.Presenter, Jason Di RossoProducer, Sarah CorbettSound engineer, Tegan NichollsExecutive producer, Rhiannon Brown
Ein neuer Spielfilm thematisiert Leben und Werk des postimpressionistischen Malers Pierre Bonnard. – Auch die Kulturbranche verursacht umweltschädliche Emissionen, nicht zuletzt durch die Flugreisen, die für internationale Engagements nötig sind. Theaterfestivals suchen Wege, um dagegen anzugehen. 1893 verliebt sich Pierre Bonnard in sein Modell, das sich als aristokratische Waise namens Marthe de Méligny ausgibt. Als sie 1925 heiraten, stellt sich heraus, dass sie in Wahrheit Maria Boursin heisst und aus bescheidenen Verhältnissen stammt. Von ihr und vom Post-Impressionisten Bonnard handelt der neue Film von Martin Provost. – Auch Kulturveranstalter ringen um ihre Ökobilanz. Ihre Aktivitäten verbrauchen viel Energie, und der Transport von Material und Personen sorgt für Emissionen. Theaterfestivals denken darüber nach, wie sie umweltverträglicher wirtschaften können. Weitere Themen: - Kinostart: «Bonnard, Pierre & Marthe» von Martin Provost - Internationale Theaterfestivals: Wie geht Nachhaltigkeit?
durée : 00:51:23 - Répliques - par : Alain Finkielkraut - Tendu entre l'influence de la sensibilité impressionniste et la liberté colorée de Paul Gauguin, Pierre Bonnard fût longtemps méjugé par l'histoire de l'art. Pierre Bonnard n'était-il, comme on l'a beaucoup dit, que le "peintre du bonheur bourgeois" ? - invités : Benjamin Olivennes Essayiste; Stéphane Guégan Historien, critique d'art, Conseiller scientifique auprès de la Présidence du musée d'Orsay et du musée de l'Orangerie.
Bohaterem wykładu dr Anny Adamus-Matuszyńskiej jest Pierre Bonnard – francuski artysta, głównie malarz, który trochę pchnął malarstwo na inna drogę. Był twórcą nabizmu i dla niego oraz dla malarzy z jego kręgu, najważniejszy był kolor, barwa i przedstawianie na obrazach naszej codzienności. Chociaż bardzo dużo namalował też aktów, głównie swojej miłości Marty, która na tych obrazach, a malował ją przez lat kilkadziesiąt, w ogolę się nie starzała. Tak jak zapamiętał swoją muzę, gdy zobaczył ją po raz pierwszy, tak malował ją piękną, wysmukłą przez lata. Ale miał też inne muzy i kochanki, i o tym wszystkim w dzisiejszym wykładzie, który przygotował Marek Mierzwiak.
We meet artist Nathanaëlle Herbelin to discuss her major solo show in Paris. A constant visitor to the Musée d'Orsay's collections since childhood, the Franco-Israeli artist Nathanaëlle Herb Elin has been invited to put her canvases and sources of inspiration into perspective. An heiress to the Nabis, the artist brings their favorite subjects – daily life, domestic interiors and intimacy – up to date in resolutely contemporary compositions.The presentation of her work at the Musée d'Orsay is very much in line with one of the focuses of the museum's cultural project, which consists of extending “Orsay's polyphony” to less classical artistic figures, in this case by presenting an emerging artist who has already won considerable critical praise. Her meteoric career since she graduated from the Paris School of Fine Arts less than ten years ago has drawn a great deal of attention and will also provide an opportunity to highlight the Musée d'Orsay's interest in artists attending the school that is its neighbor, especially the alumni fascinated by its collections. The Spring 2024 temporary exhibition will show how the artist delicately follows the path of the Nabis. Although the artist's subtle brushstrokes, chromatic palette, and preferred motifs may bring to mind Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, or Félix Vallotton, other figurative details bring us back to a more contemporary reality: the elements of modern life (cellphones and electronic power cables) that can be seen in her updated genre scenes, and the way she brings present-day issues into these compositions. Hence, the intimacy of the maternal body at her toilette may present the model in the act of depilating, or the whole genre is called into question by the transposition of a male sitter naked in the bathtub; another canvas even presents an intimate scene centered on female pleasure, or a couple depicted in the bedroom are illuminated by the midnight blue light of a portable computer set on the knees of a figure sitting up in bed.Born in Israel in 1989 to a French father and an Israeli mother, Nathanaëlle Herbelin has always been drawn to make work that reflects her position within and between the two cultures. Her works contain subtle hints—both in subject matter and form—as windows into a world imbued with a quiet melancholy. Herbelin encourages the viewer to slow down, as a way of embracing the intimacy involved in viewing art. She has developed a formal style unique within the contemporary tendency towards figurative painting. Certain patterns and colours appear more defined than others in the softened memories that she so delicately captures. Earth tones give the works a quality evocative of a reverie and her loose brushwork recalls post-impressionist techniques. Herbelin has cited Les Nabis—a group of young painters active in Paris during the late 19th century—as a central influence in her practice. Most notably, she takes inspiration from the stylistic poetry that art historical figures such as Pierre Bonnard applied to domestic scenes. This modern twist should indisputably be able to resonate with the paintings of Pierre Bonnard, Edouard Vuillard and Felix Vallotton, hung permanently in these galleries, with no conflict or impression of imitation since the world of Nathanaëlle Herbelin remains so sensitive and unique.Follow @NathanaelleHerbelin and @MuseeOrsayThanks to @XavierHufkens and @GalerieJousseEnterprise Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
Adelin De Craene is de beste leraar die ik nooit heb gehad. Hij is beeldhouwer en kunstleerkracht op rust. En mens, vooral mens. Bijna was hij niet gekomen naar Podlood, want hij vond zichzelf een maatje te klein. Dit is Adelin ten voeten uit. Al zijn hele leven buigt hij zich over de aarde en staat hij er nog steeds met beide voeten op: integer, schuchter, bescheiden.Als jonge kunststudent stond Adelin ooit oog in oog met Nel, dé Nel. Hij schilderde Jotie 't Hoofd. Hij maakte een beeld van Roger Raveel, dat slechts enkele maanden voor zijn dood voltooid werd. Ons gesprek is bijna een wandeling doorheen de kunstgeschiedenis. Misschien lijkt het alsof we ver buiten de lijntjes van ons vertrekpunt – illustratie – kleuren, maar zo goed als elke kunstenaar uit deze aflevering heeft de weg geplaveid voor wat illustratie vandaag is.We hebben het over Bonnard, een van de eerste kunstenaars die ook illustrator was, over Brancusi, wiens zoektocht naar de essentie leidde tot een abstractiedenken dat vandaag diep met de illustratiewereld verweven is. We hebben het over klei, over aftasten, over het doorgeven van het mens-zijn als kunstleerkracht en over tijd en stilte.Ik nodig je uit om deze aflevering te beluisteren in het donker, onder een warm deken. Dat is hoe Adelin lang geleden luisterde naar Openbaar Kunstbezit en zo stilletjes mens werd.Kunstenaars die in deze aflevering aan bod komen: Pierre Bonnard, Rik Wouters, Constantin Brâncuși, Roger Raveel.Meer Podlood? Voor meer info over de podcast en afleveringen, surf naar www.podlood.be. Voor nieuws en updates, volg @kristoftekent op Instagram. Je kan Podlood gratis steunen door de show in jouw favoriete podcast-app vijf sterren te geven, een positieve review te schrijven én een vriend of vriendin die veel voor jou (be)tekent over de podcast te vertellen. Dit helpt Podlood echt vooruit. Will je all the way steunen? De Podlood-pin is hét symbool van jouw appreciatie voor de show. Een podcast onderhouden brengt kosten met zich mee en jouw bijdrage helpt deze te dragen, in stijl. Plaats een foto van jezelf met je pin op Instagram en tag @kristoftekent voor een shoutout en een welgemeende dankjewel. Je bestelt de pin op www.podlood.be. Podlood is een productie van en door Kristof Devos. Logo, cover art en branding door Kristof Devos. Theme song door Skilsel. ©Kristof Devos
Il était une de nos grandes voix en poésie mais une des grandes voix de la vie aussi. Le poète Guy Goffette nous a quittés jeudi dernier. Je l'avais rencontré chez lui à Lacuisine en octobre dernier. Guy Goffette a écrit un des textes les plus fervents sur Verlaine, « Verlaine, d'ardoise et de pluie », sur Pierre Bonnard, « Elle, par bonheur et toujours nue ». Il a écrit « La vie promise » dont il connaissait par cœur le premier poème qui commence ainsi : « Je me disais aussi, vivre est autre chose ». Sur son faire-part, sa femme Dany fait écrire ces quelques vers de sa main : Ce que j'ai vu, je l'ai écrit comme la pluie sur les vitres et les larmes des roses, et tout ce que j'ai oublié demeure là, dans ce grand sac de voyelles posé contre le pied de la table où le temps passe entre ma vie et moi sans blesser personne. Merci pour votre écoute Par Ouïe-Dire c'est également en direct tous les jours de la semaine de 22h à 23h sur www.rtbf.be/lapremiere Retrouvez tous les épisodes de Par Ouïe-Dire sur notre plateforme Auvio.be : https://auvio.rtbf.be/emission/272 Et si vous avez apprécié ce podcast, n'hésitez pas à nous donner des étoiles ou des commentaires, cela nous aide à le faire connaître plus largement.
durée : 00:51:31 - Répliques - par : Alain Finkielkraut - Tendu entre l'influence de la sensibilité impressionniste et la liberté colorée de Paul Gauguin, Pierre Bonnard fût longtemps méjugé par l'histoire de l'art. Pierre Bonnard n'était-il, comme on l'a beaucoup dit, que le "peintre du bonheur bourgeois" ? - invités : Benjamin Olivennes Essayiste; Stéphane Guégan Historien, critique d'art, Conseiller scientifique auprès de la Présidence du musée d'Orsay et du musée de l'Orangerie.
Get the week's arts and entertainment news with Eve Jackson, including ticket price hikes at the world's most visited museum, a delightful exhibition of Art Nouveau designer Alphonse Mucha's work and a look at the life of French painter Pierre Bonnard as a new film is released about him. We also stop off in London to check out some of the 450 objects going under the hammer from award-winning Netflix series "The Crown" which has now wrapped up, including Princess Diana's iconic "Revenge Dress".
Bonnard Pierre et Marthe, cʹest le titre dʹun film signé Martin Provost à découvrir dès mercredi en salles qui retrace sur un demi-siècle la vie du peintre français Pierre Bonnard (joué par Vincent Macaigne) et de sa compagne, Marthe (Cécile de France). Le "peintre du bonheur" comme on lʹa parfois nommé, bonheur dont Marthe est une muse, mais pas seulement. Témoignage de Cécile de France au micro de Philippe Conguisti.
Dans son récit, Stéphane Bern nous raconte l'histoire de Marthe et Pierre Bonnard, une histoire d'amour et de secrets.
Stéphane Bern raconte un couple d'artistes qui s'est emmêlé les pinceaux, une muse qui s'est arrangée avec la vérité et un peintre qui l'a largement représentée. Ou la véritable histoire de Marthe et Pierre Bonnard, une histoire d'amour et de secrets… Quel artiste était Pierre Bonnard ? Que nous racontent les innombrables toiles sur lesquelles il a représenté Marthe ? Quels mystères entourent ce couple aujourd'hui encore ?Pour en parler, Stéphane Bern reçoit Stéphane Guégan, historien et critique d'art, conseiller scientifique auprès de la présidence du musée d'Orsay et de l'Orangerie et auteur de la monographie "Bonnard" (Editions Hazan)
Dans son récit, Stéphane Bern nous raconte l'histoire de Marthe et Pierre Bonnard, une histoire d'amour et de secrets.
L'œuvre du peintre Pierre Bonnard (1867 – 1947) à travers sa relation amoureuse avec son épouse et muse Marthe (1869 – 1942) : c'est le programme de Bonnard, Pierre et Marthe, nouveau film de Martin Provost, qui nous offre un nouveau portrait de femme dans le milieu de la peinture après Séraphine.Face à Vincent Macaigne, Cécile de France incarne Marthe Bonnard pendant près de cinquante ans, et elle revient à notre micro sur ce rôle qu'elle considère comme un très beau cadeau. De son approche de ce personnage mystérieux à l'impact du film sur elle, en passant par la question de la nudité dans l'art qu'il aborde et les défis de son interprétation, la comédienne évoque différents aspects du projet.Journaliste : Maximilien PierretteMontage : Alexandre Ear
Aujourd'hui, je vais vous parler de la muse de Pierre Bonnard Crédit image : Pierre Bonnard (1867-1947). La fenêtre, 1925. Huile sur toile. Domaine publicTexte : Isa B. Voix : Odile Dussaucy Production, réalisation : MesSortiesCulture Le texte de cet épisode, avec son visuel est sur TartinesDeCulture, ici. Abonnez-vous à nos podcasts, ici. A bientôt pour un nouvel épisode! Retrouvez nos #mardidevinette et #enigmeduvendredi sur Facebook et Instagram. Trouvez vos visites guidées sur MesSortiesCulture. Nourrissez votre curiosité avec TartinesDeCulture. Enchantez vos collaborateurs et vos clients avec MSCulture. Recevez votre Newsletter personnalisée. Hébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.
Maailman kuuluisimpiin kuvataiteililjoihin lukeutuvat norjalainen Edvard Munch (1863-1944) ja espanjalainen Salvador Dalí (1905-1989) ovat hiljattain saaneet omaelämäkertaelokuvansa, samoin kuin ranskalainen koloristi Pierre Bonnard (1867-1947), itävaltalainen säveltäjä Alma Mahler (1879-1964) ja hänen maanmiehensä ja rakastajansa Oskar Kokoschka (1880-1980). Miten elokuvat Munch, Dalíland, Bonnard, Pierre et Marthe ja Alma & Oskar esittävät kohteensa? Keskustelemassa on Espoo Cinén ohjelmapäällikkö Mickael Suominen ja Suomalaisen Kirjallisuuden Seuran arkistonjohtaja Outi Hupaniittu. Lähetyksen toimittaa Pauliina Grym.
Annie Smithers gives us a tour of the NGV kitchen, where she is serving a French farmhouse menu in celebration of Pierre Bonnard, including her famous potato terrine and Bœuf Bourgignon.
This week I welcomed back Jennifer Coates and Elisabeth Condon to the podcast to discuss the recent exhibition "Bonnard: The Experience of Seeing" at Acquavella Gallery, NYC April 12 - May 26, 2023. We each chose a single painting from the show to discuss and so I'm calling us The Bonnardians. It's a Bonnard-a-trois! Come along for a hilarious, smart and nerdy look at this fascinating post-impressionist artist. Paintings: (1) Jennifer Coates Bonnard's "The French Door (Morning at Le Cannet)" "La porte-fenêtre (Matinée au Cannet)" 1932 Oil on canvas 34 7/8 x 44 3/4 inches See the painting: https://tinyurl.com/2v59ntey (2) Elisabeth Condon Bonnard's "Golden Hair" "La Chevelure D'or" 1924 Oil on canvas 26 1/8 x 21 inches See the painting: https://tinyurl.com/yc8ynu8m (3) Amy Talluto Bonnard's "After Lunch/The Lunch" "Apres le Dejeuner"/"Le Dejeuner" 1920 Oil on canvas 29 3/8 x 46 inches See the painting: https://tinyurl.com/m9bnksf9 Find Jennifer Coates online: http://www.jenniferlcoates.com/ and on IG: @jennifercoates666 Recent and Upcoming shows: "Love Fest" Platform Project Space, "I Spy a May Queen" Contemporary Art Matters: Columbus, OH, Catskill Art Space with David Humphrey Find Elisabeth Condon online: https://www.elisabethcondon.com/ and on IG: @elisabethcondon Recent and Upcoming shows: Emerson Dorsch, Miami, Solo Dec 3, 2023, "Rainbow Roccoco" at Kathryn Markel, NYC, Norte Maar Brooklyn Mural, "Made in Paint" at The Golden Foundation in New Berlin, NY thru Aug 2023 Find Amy Talluto online: https://www.amytalluto.com/ and on IG: @talluts Recent and Upcoming shows: "Cut Me Up" Albany International Airport, "Appearances" Strange Untried Project Space July 22-23, 2023 Artists mentioned: Hokusai, The Nabis, Arthur Dove (at Alexandre Gallery), The Steiglitz Circle, Pablo Picasso, J M W Turner, Claude Monet, Charles Burchfield Books/Writers mentioned: Jed Perl "Complicated Bliss" The New Republic, Dita Amory "Pierre Bonnard: the Late Still Lifes and Interiors," Francoise Gilot "Life With Picasso," Lucy Whelan "Pierre Bonnard Beyond Vision," Mira Schor's essay "Figure Ground" in "M/E/A/N/I/N/G:An Anthology of Artists' Writings, Theory, and Criticism," Mira Schor's "The Osage Tree" Episodes mentioned: Ep 50: Elisabeth Condon Describes a Painting: Sam Francis' "Untitled", Ep 48: Interview w/ Catherine Haggarty ---------------------------- Pep Talks on IG: @peptalksforartists Pep Talks on Art Spiel as written essays: https://tinyurl.com/7k82vd8s Amy's website: https://www.amytalluto.com/ Amy on IG: @talluts BuyMeACoffee Donations appreciated! --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/message Support this podcast: https://podcasters.spotify.com/pod/show/peptalksforartistspod/support
Oltre 100 capolavori del maestro francese sono in mostra alla National Gallery of Victoria, in un allestimento spettacolare curato dall'architetta India Mahdavi.
More than 100 works by Post-Impressionist painter Pierre Bonnard are coming to the NGV – and the first have been unveiled. Influential architect India Mahdavi has designed a scenography that'll feel like you've stepped into one of Bonnard's iridescent paintings, often depicting quiet scenes of domestic life and intimacy. Exhibition co-curator Meg Slater joins Around Town with the details. Then, one of Australia's most celebrated chefs, Annie Smithers, jumps on the podcast to chat through her four-month residency at the NGV's garden restaurant. Featured on today's show: Pierre Bonnard: Designed by India Mahdavi Annie Smithers at the NGV New episodes of Broadsheet Melbourne Around Town drop Monday, Wednesday, Friday each week. Subscribe on the LiSTNR app to make sure you don't miss an episode. And keep up-to-date on everything Broadsheet has to offer at www.Broadsheet.com.au, or at @Broadsheet_melb. Broadsheet Melbourne Around Town is hosted by Katya Wachtel and produced by Nicola Sitch. Deirdre Fogarty is the Executive Producer.See omnystudio.com/listener for privacy information.
Historiquement Vôtre réunit 3 mystérieuses modèles : Constance Queniaux, la danseuse de l'Opéra de Paris et modèle du peintre Gustave Courbet, à l'origine de son tableau le plus célèbre, et le plus provoquant aussi : L'Origine du Monde. Puis elle, c'est sa vie entière qui est nimbée de mystères : Marthe Bonnard, l'épouse et le modèle du peintre Pierre Bonnard qui en a appris sur elle tout au long des 50 années de vie qu'ils ont passées ensemble, mais n'a jamais tout su... Et une mannequin devenue comédienne dans la sitcom "Classe Mannequin" qui a été modèle, pour une célèbre griffe de lingerie, sans qu'on sache que c'était elle : Vanessa Demouy.
Cette semaine, le "Paris des Arts" reçoit la comédienne, photographe et romancière Anny Duperey. Actuellement sur les planches du théâtre de Passy, elle nous parle de la pièce de Jean Marbœuf "Mes chers enfants", dans laquelle elle incarne une mère, une grand-mère, une femme qui, après avoir élevé ses enfants, cherche un nouveau sens à son existence. Anny Duperey nous emmène également découvrir le tableau de sa vie, "Le Jardin", de Pierre Bonnard, au Musée d'art moderne de Paris. Enfin, immersion dans le cabaret de son ami Michou.
Ecco il terzo episodio della mini serie "Il Giardino Impressionista" ideata e realizzata insieme a Clara Stevanato. Parliamo di "Donne in giardino" ossia di tutte quelle opere impressioniste in cui vengono ritratte figure femminili che in alcuni casi sono parte attiva del quadro in altri restano "sullo sfondo". Andremo ad analizzare opere come "Dans la serre" di Albert Bartholomè, "Dans le Jardin" di Henri Martin, "Julie Pissarro au Jardin" di Camille Pissarro, "Le Grand Jardin " di Pierre Bonnard e molte altre ancora. Infine parleremo brevemente di due donne pittrici impressioniste, Marie Bracquemond e Berthe Morisot. Buon ascolto a tutti! Per qualsiasi commento scrivete su Instagram a @enricodella23.
Episode 4: A Tate Modern Two Parter: Pierre Bonnard and Dorothea Tanning. With Caz Murray, Vikki Kosmalska & Laura LennardThis week we've tasked ourselves with two reviews. First up, Pierre Bonnard, a bit of a Marmite Modernist. He was both acclaimed by Henri Matisse as one of the greatest colourists of all time, and derided by Pablo Picasso who could not abide his work at all. Tune in to hear which camp we're in and what we made of all that unadulterated colour.Secondly, we all embarked upon an enduring love of Surrealist artist, Dorothea Tanning. A veritable ‘Renaissance Woman' who confidently straddles a plethora of artistic mediums throughout her career.Both exhibitions are on at the Tate Modern. If you like what you hear, please rate review and subscribe! As always, we'd love to hear from you:Email us: hellotheartcast@gmail.comDM or follow us on Instagram: @theartcast Thank you, as always, to the incredible Nat Witts for our jingle, and to the brilliant Jonny Lennard for our editing.
The Artcast: Series 2 Trailer with Laura Lennard, Vikki Kosmalska and Caz MurrayYour fortnightly arts review podcast is back, with a new series launching on 5th February! Tune in for more London-based exhibition reviews, international art news and general chit chat. Full season schedule below:5th February: Reimagining Captain Cook: Pacific Perspectives at the British Museum, 29 November 2018 – 4 August 2019. FREE EXHIBITION.19th February: Bill Viola / Michelangelo: Life, Death, Rebirth at the Royal Academy, 26 January — 31 March 2019.5th March: Christian Dior: Designer of Dreams at the V&A, 2 February – 14 July 2019.19th March: Dorothea Tanning, 27 February – 9 June 2019, and Pierre Bonnard: The Colour of Memory, 23 January – 6 May 2019, both on at the Tate Modern.2nd April: Morag Keil: Moarg Kiel at the ICA, 30th January - 14th April 2019.16th April: The Renaissance Nude at the Royal Academy: 3rd March - 2nd June 2019.Huge thanks to our long-suffering Editor, Jonny Lennard, and to our Jazz Momma, Nat Witts. Let us know what you think of the episodes or exhibitions reviewed so far. We're: hellotheartcast@gmail.com and @theartcast on Instagram.
© 2020-2026 Ivy Podcast Discovery LLC
