Projektionen - Kinogespräche

In der Filmkritik werden Genrefilmen der 1960er und 1970er Jahre oft mit dem Adjektiv surreal beschrieben. Dabei geht es vor allem darum, Filmen wie Mario Bavas oder Dario Argentos Gothichorror eine Traumlogik zu attestieren, die deren Brüche mit einer rationalen Weltwahrnehmung Rechnung trägt. Doch sind die Filme wirklich surreal? Oder gar surrealistisch? In dieser Folge wird Marcus im Gespräch mit dem Braunschweiger Film- und Literaturwissenschaftler Dr. Christoph Seeliger dieser Frage auf den Grund gehen. Als Beispiele dienen DIE STUNDE WENN DRACULA KOMMT (1960) und ÜBER DEM JENSEITS (1981).

Laura Laabs ROTE STERNE ÜBERM FELD ist eine Mischung aus Heimat-, Reise- und Gespensterfilm. Die Gespenster, das sind die der Geschichte - Unerledigtes, Fortwirkendes, Trauma, Funken der Hoffnung. In Form einer sprunghaften Collage verbindet sich die Zeit des Zweiten Weltkriegs mit dem Ende der DDR und die Dritte Generation der RAF mit dem Polit-Aktivismus der Gegenwart. Eine andere Form der Geschichtsschreibung und eine Geschichte Deutschlands entlang von Widerständen, Brüchen, Verzweigungen. Was das mit Walter Benjamin, Alexander Kluge und Radu Jude zu tun hat, und ob das nur schmissiger Zeitgeist ist, dazu mehr in der aktuellen Folge der PROJEKTIONEN.

Deutschland und Genre-Kino? Vielen gilt dieses Begriffspaar nach wie vor als unvereinbar. Zu Unrecht! Thomas Arslans VERBRANNTE ERDE (2024) und Daniel Rakete Siegels & Dennis Moschittos SCHOCK (2023) stellen sich nicht nur in die Tradition des Kriminalfilms, sondern atmen und reflektieren amerikanisches wie europäisches Genre-Kino. Wie diese sehr unterschiedlichen Filme das gegenwärtige Deutschland reflektieren, die Figur des Gangsters im Wandel der Zeit begreifen und ob man vom Phänomen des German Noir sprechen könnte - all das besprechen Benni und Marcus in der neuen Folge der PROJEKTIONEN.

Folkhorror boomt. Aktuell sind WHEN EVIL LURKS und STARVE ACRE in Deutschland erschienen. Es ist also an der Zeit, diese Entwicklungen in einer zweiten Podcast Folge seit 2020 zu erkunden. Marcus hat dazu den Literatur- und Kulturwissenschaftler Sascha Seiler eingeladen, der aktuell ein Buch zum Thema schreibt. Zusammen diskutieren sie den Zusammenhang zwischen Film, Folklore, Mythologie und Urängsten.

Luca Guadagnino ist ein Filmemacher des Begehrens. In seinem neuen Film QUEER, basierend auf William S. Burroughs gleichnamiger Novelle, widmet er sich der Faszination der Anziehung, dem Schmerz der Zurückweisung, der Unergründlichkeit der Sexualität und der Sehnsucht nach der Verschmelzung mit dem Anderen. Marcus und Benni begeben sich in der aktuellen Folge auf die Spuren der existenziellen Dimensionen des Begehrens und die Suche nach den einsamen Inseln wahrhaftiger Begegnung.

Robert Eggers ist ein Meister der Form, das hat er in seinen vier Filmen THE WITCH, THE LIGHT HOUSE, THE NORTHMAN und NOSFERATU hinlänglich bewiesen. Kaum ein historisch basierter Film weist aktuell eine so detaillierte Hingabe an das jeweilige Sujet auf wie dieser Hybride aus Horrorfilm, Historiendrama und radikalem Autorenkino. In der neuen Episoden erkunden Dr. Lioba Schlösser, Prof. Dr. Lars Grabbe und Marcus, die alle drei an der Münster School of Design lehren, die Frage, wie Eggers Stil als vielschichtiges Zeichensystem begriffen werden kann, das die eigentlich Essenz seiner Filme über Bild- und Tondesign vermittelt.

Wieso beschäftigen wir uns eigentlich mit Film? Wie kamen wir zum Film und wieso halten wir gegenwärtig nach wie vor an ihm fest? Anstatt sich zum Jahresende mit uninteressanten Rankings und Bilanzierungen aufzuhalten, versuchen Benni und Marcus durch persönliche und theoretische Perspektiven der Frage nach der Bedeutung, dem Platz, der Funktion des Films in unserer Gesellschaft nachzuspüren. Gibt es keine Geschichten mehr? Ist das Kino am Ende? Haben Serien und soziale Medien unsere Aufmerksamkeit gekapert? Über erste Filmerfahrungen, den Tod und die Zukunft des Kinos - in der aktuellen Folge der Projektionen.

Feministische Kritik? Philosophische Reflexion von Körperlichkeit? Ein Film über die Mechanismen des Selbsthasses und das hartnäckige Begehren nach Sichtbarkeit? Coralie Fargeats REVENGE beschäftigte sich mit äußerer Gewalt gegen Frauen und wendete sich mit emanzipatorischer Kraft und der Umstülpung des Rape & Revenge Genres gegen diese. Ihr neuer Film THE SUBSTANCE setzt sich vor dem Hintergrund von Schönheits- und Jugendwahn mit der Gewalt im Inneren, mit internalisierter Gewalt auseinander. Über die ästhetische Maschine namens Body Horror und das Monströse in uns sprechen in der aktuellen Folge der PROJEKTIONEN @benjamin.a.johann und @stiglegger. Musik für die Folge komponierte Oliver Freund für grifter.2185.

Die Filme der Brüder Josh und Benny Safdie sind voll von Spielern, Süchtigen, Kriminellen, Außenseitern - Figuren, denen alle Zeit der Welt oder überhaupt keine Zeit mehr bleibt. Es sind Erzählungen vom Fliehen und Hetzen, die in hochdynamische Ästhetiken übersetzt werden. Forderndes bis überforderndes Kino, das voller filmhistorischer Spuren (New Hollywood, nouvelle vague, italienischer Neorealismus) ist und zugleich neue Routen für ein Kino von morgen schafft. Kino als audio-visuelles Ereignis, das sich ebenso bewusst den komplexen Verhältnissen der Gegenwart und menschlicher Erfahrung darin stellt.

Der Horrorfilm ist das älteste Genre der Filmgeschichte. Filme über Urängste begleiten uns seit über 120 Jahren. Mit dem Medientheoretiker Prof. Dr. Lars C. Grabbe diskutiert Marcus die philosophische Dimension des Genres: den Unterschied zwischen Angst und Furcht, die Konfrontation mit der Endlichkeit und den Konstruktivismus des Bösen. Als Beispiele dienen LONGLEGS, IMMACULATE, THE FIRST OMEN, MIDSOMMAR, THE EMPTY MAN u.a.

Tarkowskij hinterließ mit seinem Schicksalsfilm STALKER nicht nur eine radikale Adaption des Roman der SF-Pioniere Strugatzki, einen Klassiker des dystopischen Films, einen Vorläufer des Slow Cinema und die Inspirationsquelle für eine Game-Reihe - der Film brachte ihm und seinem Team zugleich den frühen Tod, denn bei den Dreharbeiten war das Team mit Chemiekloake konfrontiert. STALKER muss erfahren werden, erduldet werden und wiederholt gesehen werden. Für den Schriftsteller und Musiker Hendrik Otremba (Sänger der Band MESSER) ist er eine ewige Quelle, sei es musikalisch oder motivisch. Doch was ist die mythische Zone, in die die Reise geht? Im intensiven Gespräch erkunden Marcus und sein Gast diesen russischen Klassiker.

Das Kino des polnischen Filmauteurs Andrzej Zulawski ist geprägt von einer atemlosen Unruhe. Die Kamera ist in ständiger Bewegung, bemüht, mit den panisch agierenden Schauspierinnen und Schauspielern Schritt zu halten. Seine Inszenierung ist inspiriert von Grotowskis Theaterkonzept und strebt nach einer ekstatischen Wahrheit. 1996 drehte Zulawski noch einmal einen Film, der sein Werk von Grund auf neu definieren sollte: SZAMANKA, die Schamanin. Dieser kontroverse Film steht im Zentrum eines Gesprächs zwischen Marcus Stiglegger und der Schauspielerin Lilith Stangenberg, deren eigene Schauspieltechnik in Theater und Film als außergewöhnlich gilt.

Warum Filme nicht automatisch politisch sind, wenn sie sich politischen Themen widmen - diese Überlegung zieht sich durch die aktuelle Folge der Projektionen, in welcher sich Benni und Marcus mit filmischen Repräsentationen politischer Subkultur und des Aktivismus beschäftigen. Mit UND MORGEN DIE GANZE WELT (Julia von Heinz) und JE SUIS KARL (Christian Schwochow) werden zwei deutsche Produktionen der jüngeren Vergangenheit untersucht, die sowohl in ihren formalästhetischen Verfahren als auch thematischen Fokussierungen gänzlich unterschiedliche Perspektiven auf unsere Gegenwart und junge Menschen zwischen politischem Engagement und Extremismus entwerfen.

Alex Garlands Werk interessiert sich für Zerfall und Auslöschung ebenso wie für Transformation und Neubeginn und rückt dabei Gesellschaft wie Individuum gleichermaßen in den Fokus. In seinem neuesten Film, CIVIL WAR, herrscht Bürgerkrieg in Amerika. Aber wer kämpft hier eigentlich gegen wen, und wofür? Krieg, das ist immer woanders. Jetzt aber wird Amerika selbst davon heimgesucht und die Grenzen verwischen. Indem der Film buchstäblich durch die Linse der Kriegsfotografie auf die Ereignisse blickt wird er zur Auseinandersetzung mit den Bildern des Krieges, mit dem Krieg der Bilder und stellt die Frage nach der Ethik und der Gewalt der Bilder. In dieser Folge diskutiert Benjamin zusammen mit Marcus und dem Gast Danilo Vogt. Die Musik stammt von der kommenden EP von Hor Cheret.

Der Wiener Regisseur Marvin Kren hat in Hamburg studiert und in Kreuzberg einen Zombiefilm für das ZDF gedreht: RAMMBOCK. Diese ungewöhnliche Konstellation beschreibt den Ausnahmestatus des Filmemachers bereits recht gut, dem es in der Folge gelang, in BLUTGLETSCHER John Carpenter in den Alpen Tribut zu zollen, in MORDKOMMISSION BERLIN 1 die Serie BABYLON BERLIN vorwegzunehmen, in 4 BLOCKS die deutsche Krimiserie neu zu definieren und mit FREUD und CROOKS nun auf Netflix ein internationales Publikum zu gewinnen. Mit einem festen Ensemble, Wiener Schmäh und Freude am Genre erweist sich Kren in der neuen Folge als spannender Partner im Gespräch mit Marcus Stiglegger.

Der kleinbürgerliche Traum familiärer Idylle nur durch eine Mauer vom Unerträglichen des industriellen Massenmords getrennt. Rudolf Höß, der Kommandant des Konzentrationslagers Auschwitz, lebt samt Familie im penibel umsorgten Paradies. Der Schrecken rückt in den Hintergrund, wird gewöhnlich, verschwindet tendenziell, und zwar während er stattfindet. Ohne in die Fallen von Psychologisierung und Historisierung zu tappen, schafft Jonathan Glazers THE ZONE OF INTEREST für diese Gleichzeitigkeit eine komplexe filmische Form und damit einen Film, der die Spuren des Vergangenen bis in die Jetztzeit verfolgt.

William Friedkin died in 2023. He had been a solitary icon of New Hollywood Cinema in the 1970s with films like THE EXORCIST and THE FRENCH CONNECTION. In 1980 he directed the often marginalized copthriller CRUISING with Al Pacino. Here we witness a series of murders terrorizing the gay leather subculture of NYC. Reactions on the making of this film grew political amongst the gay liberation movement, and the AIDS-crisis was already there. Jack Fritscher, PhD, from Berekley University, has been the editor of DRUMMER magazine, central to the leather scene in the 1970s. As a writer and film maker he is a witness to at least 5 decades of subculture. In this podcast he is openly discussing the subculture, its history and icons (from Pasolini to Michel Foucault), and the meaning of CRUISING as a document of an era. Jack Fritscher Website: https://jackfritscher.com/

Blutjung gelingt ihm 1995 mit dem Drehbuch zu Larry Clarks KIDS der Durchbruch. Nur zwei Jahre später, 1997, erscheint sein eigener Debütfilm, GUMMO, ein poetischer Bewusstseinsstrom voller Absurditäten und Provokationen , der die Kritik heftig spaltet. Es folgen fünf weitere Spielfilme, ein Roman, Drehbücher, Gemälde, Arbeiten für das Fernsehen, Musikvideos für Sonic Youth und Rihanna. 2023 premierte sein jüngster Spielfilm, AGGRO DR1FT, der mithilfe hochauflösender Infrarotkameras, gaming engines, Künstlicher Intelligenz und 3D-Technologie entwickelt wurde. Was kann Film sein? Was ist die Zukunft des Films? Diese Fragen sind Konstanten im Werk Harmony Korines. Im Gespräch widmen sich Benjamin und Marcus insbesondere GUMMO, der als Korines poetische Blaupause verstanden werden kann.

Die neue Folge widmet sich einer der großen Vergessenen der 1970er Jahre: Liliana Cavani (*1933) erhielt 2023 in Venedig den Goldenen Löwen für ihr Lebenswerk. Die Laudatio hielt Charlotte Rampling, die Hauptdarstellerin des bekanntesten Films von Cavani DER NACHTPORTIER. Das provokante Kunstwerk – damals in Italien als „unmoralisch und obszön“ zensiert – schildert die sadomasochistische Beziehung einer KZ-Überlebenden mit ihrem ehemaligen SS-Peiniger. Gewalt und Nazismus, Leidenschaft und Sex prägten auch die weiteren Filme ihrer sogenannten Deutschland-Trilogie: JENSEITS VON GUT UND BÖSE (1977) und LEIDENSCHAFTEN (1985). Ein weiteres Thema, das Cavani immer wieder beschäftigte, ist die ungleiche Verteilung von Reichtum ‒ auch des Reichtums der Kirche. Mit insgesamt drei Verfilmungen zu Franziskus von Assisi (1966, 1989 und 2014) und mit DIE HAUT (1981) verwies sie auf soziale Missstände und plädierte für nachhaltige Veränderungen. In ihrer Verfilmung des Patricia-Highsmith-Romans RIPLEY'S GAME (2002) wiederum setzte sie bewusst andere Akzente als zum Beispiel Wim Wenders mit seiner Adaption DER AMERIKANISCHE FREUND (1977). Marcus Stiglegger spricht mit Dr. Bernd Aschenbrenner über Cavanis Lebenswerk, das beide bereits auf dem Mannheimer Filmseminar am 12.-14.1.24 diskutierten. Marcus kuratierte zudem die deutsche Bluray-Edition des Films DER NACHTPORTIER.

Nachdem Emerald Fennell in PROMISING YOUNG WOMAN toxischer Männlichkeit und Rape Culture auf den stinkenden Laib gerückt ist, taucht die britische Regisseurin in ihrem neuen Film SALTBURN (bei Amazon Prime erschienen) in den Maschinenraum der britischen Klassengesellschaft hinab. Queere Liebesgeschichte trifft auf einen zeitgemäßen Wiedergänger des talentierten Mr. Ripley. Benni und Sebastian diskutieren den mitunter provokativen Film.

Ridley Scott ist ein Filmemacher, der immer groß denkt. Hat er sich bei seinem NAPOLEON verhoben? Marcus und Sebastian diskutieren den viel kritisierten, aber auch viel geliebten Film zunächst im Kontext von Scotts Filmografie. Doch stehen auch weitere Fragen auf dem Plan: Ist die Zeit dieser Großfilme möglicherweise vorbei? Wie soll man mit dem Historischen oder eben der Fiktion in NAPOLEON umgehen? Und findet Scott einfach nicht die richtige Perspektive in diesem Film ohne dramaturgisches Maß?

Es reicht ein Name: CONAN. Der legendäre Film von Regisseur John Milius ist nur ein Aspekt dieser Welt – basiert dieser doch auf Motiven des Autors Robert Ervin Howard. Gemeinsam mit dem Film- und Literaturwissenschaftler Dr. Kai Naumann (Universität Siegen) taucht Marcus in diese mythische Welt ein. Das Coverartwork für diese Folge stammt von Comic-Künstler Chris Undirheimar.

Lediglich dreimal schwenkt die Kamera in diesem hochkonzentrierten Film, der dennoch alles andere als starr und unbewegt ist. Er erzählt von Unterdrückung und Befreiung, von Auflehnung und ja, auch vom Glauben. Beginning - das kristallklare Porträt einer undurchsichtigen Frau in existenzieller Krise.

Figuren, die rätselhaft bleiben. Geschichten, die fast zu verschwinden scheinen. Bewegungen, die ins Unbestimmte verlaufen. Stars at Noon ist alles andere als Spektakel oder Unterhaltung. Es ist existenzialistisches, es ist unvergleichlich sinnliches Kino. Claire Denis jüngster Film ist eine betörende Meditation über das Unausgesprochene und das Uneindeutige.

Das Drehbuch zu TAXI DRIVER machte Paul Schrader einst zur berühmten Ikone des New Hollywood. Als Regisseur gelangen ihm mit EIN MANN FÜR GEWISSE STUNDEN und KATZENMENSCHEN beachtlich Erfolge, und mit MISHIMA eines der großen Biopics der 1980er Jahre. Und während er kontinuierlich Filme drehte, gelang es ihm im fortgeschrittenen Alter nun tatsächlich, an seine frühere Bedeutung anzuknüpfen. Mit der 'Man in a Room'-Trilogie setzt er sich mit Männlichkeitsdefinitionen angesichts einer eskalierenden Weltlage auseinander: Klimakrise, Abu Graib, Neonazis. Und fast unbemerkt kam jetzt der Abschluss dieses 'magnum opus' auf den deutschen Heimmedienmarkt: MASTER GARDENER. Diesen Film an der schmalen Grenze zwischen Ästhetik und Gewalt, Liebe und Rassismus loten Sebastian und Marcus in einem intensiven Gespräch aus.

Barbie ist ein Diskursfilm, das hat sich deutlich erweisen. Und somit reichte eine Episode zum Thema nicht aus. Um das Bild zu erweitern, haben wir mit der Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl aus Berlin gesprochen, die in BARBIE durchaus das Potenzial eines positiven Rollenbildes für Female Leadership sieht.   Weitere Infos: „Gender und Leadership“, Videoserie von Brigitte Biehl und der FernUniversität in Hagen https://video.fernuni-hagen.de/Browse/Category/95 Tagung „Jenseits von Wonder Woman und Superman – Zukunftsweisende Führung in Film und Serien“ https://www.fernuni-hagen.de/gleichstellung/veranstaltungen/zukunftsweisende-fuehrung.shtml (Vorträge u.a. von Brigitte Biehl und Marcus S. Kleiner) - „Unmöglich, eine Frau zu sein“: Gender und Leadership im Barbie-Kinofilm, Beitrag von Brigitte Biehl auf „Leadership Insiders“ https://www.leadership-insiders.de/unmoeglich-eine-frau-zu-sein-gender-und-leadership-im-barbie-kinofilm/

Pink is Punk? Der Medienwissenschaftler Marcus S. Kleiner ist da etwas skeptisch – zumindest was BARBIE angeht. Marcus und Marcus sprechen über ihre Probleme mit diesem Film. Aber können sie als Männer überhaupt etwas dazu sagen? Das Gespräch ist der erste Teil einer breiteren Auseinandersetzung mit diesem Kinoereignis. Im zweiten Teil wird die Medienwissenschaftlerin und Managementforscherin Prof. Dr. Brigitte Biehl über das Frauenbild und Female Leadership sprechen.

Der Weise erfreut sich am Wasser, der Barmherzige an den Bergen. Dazwischen raubt der Nebel nicht nur die Sicht, sondern löst alles auf. Liebe scheint unmöglich zu sein, in Park Chan-Wooks jüngstem Film. Ob diese von fragiler Intimität durchzogene Geschichte über die Obsessionen des Begehrens ein gereiftes Meisterwerk, oder eine dröge Stilübung ist, darüber sprechen Marcus und Benni in dieser Folge.

Durch die "Cornetto-Trilogie" in den Geschmacksrichtungen Zombie-Apokalypse (SHAUN OF THE DEAD), Mystery-Cop-Thriller (HOT FUZZ) und Alien-Invasion (THE WORLD'S END) wurde Edgar Wright weltweit zum Kultregisseur. Was seine Filme so originell, amüsant und doch so anspruchsvoll macht, diskutiert Marcus mit der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz - mit einem speziellen Blick auf LAST NIGHT IN SOHO. 

Der Regisseur und Autor Paul Schrader lobte den Film als Meisterwerk. Da können wir bei den Projektion nicht mitgehen. Während Marcus jedoch viele positive Aspekte in Christopher Nolans OPPENHEIMER entdecken kann, ist Sebastian skeptisch. Aber hört selbst.

Manchmal versteht man es einfach nicht: Da dreht eine Regisseur*in über Jahre großartige Filme – doch kaum jemand kennt sie oder ihn. Fabrice Du Welz ist einer dieser europäischen Unbekannten. Sicher, im Kreis der Genre-Liebhaber*Innen wird der Name gehandelt. Aber auch hier gilt er eher als Geheimtipp. Marcus, Benjamin und Sebastian nehmen sich das erschütternde Debüt CALVAIRE (2004) und den poetischen ADORATION (2019) vor, in der Hoffnung, die Aufmerksamkeit auf diesen fantastischen Filmemacher zu lenken. In seinen Filmen ist die Liebe ein Wahnsinn, eine mörderische Kraft. Was das mit APOKALYPSE NOW zu tun und welche Rolle die Landschaft spielt, darum geht es in dieser Episode.

DAS LEHRERZIMMER gehört schon heute zu den ganz großen Filmen des Jahres. Auf dem Deutschen Filmpreis gehörte das Thriller-Drama über eine junge Lehrerin, die an ihrem Idealismus zu zerbrechen droht, zu den großen Gewinnern: Bester Film, Auszeichnung für Regie und Drehbuch, die Hauptdarstellerin Leonie Benesch und die Editorin Gesa Jäger. Marcus und Sebastian haben Regisseur İlker Çatak und seinen Co-Autor Johannes Duncker als Gäste. Gemeinsam spricht man über die Rezeption des Films, die Enge der filmischen Räume und die Arbeit am Drehbuch. Hefte raus, Klassenarbeit!

AFTERSUN, der beeindruckende Debütfilm der Regisseurin Charlotte Wells, ist von komplexer Tiefgründigkeit: ein ergreifendes und berührendes Porträt einer Erinnernden, die versucht, sich ein Bild von ihrem Vater zu machen. Sebastian und Benjamin sprechen über die Form dieses Films, seine untergründige Musik und den Status der Bilder: Welche Wahrheit wirkt durch diesen Film? Und welche Dunkelheit steigt auf?

Immer noch gilt die Aufmerksamkeit beim Film vor allem den Schauspieler*Innen und den Filmemacher*Innen. Dabei ist Film immer eine komplexe Gemeinschaftsarbeit. Karim Hussain ist Cinematographer, das heißt Kameramann. Sein Stil, seine Art Bilder einzufangen, gibt Filmen eine ganz eigene Note. Seine Zusammenarbeit mit Regisseur Brandon Cronenberg (ANTIVIRAL, POSSESSOR, INFINITY POOL) hat etwas Zwingendes, ist von eigenwilliger Schönheit. Außerdem stand er bei Filmen wie ORPHAN: FIRST KILL und HOBO WITH A SHOTGUN hinter der Kamera. Karim hat aber auch selbst Filme als Regisseur inszeniert: SUBCONSCIOUS CRUELTY, ASCENSION, THE BEAUTIFUL BEAST. Marcus hat mit dem Bilderkünstler gesprochen.

Was passiert, wenn man die Möglichkeit hat, einer Todesstrafe zu entgehen, indem man einen Klon von sich in den Tod schicken kann? Der Haken daran: Man muss der Exekution beiwohnen, dem Tod ins Spiegelbild blicken. Darum geht es in Brandon Cronenbergs INFINITY POOL. Bleibt der Film unter seinen Möglichkeiten? Handelt es sich wirklich nur um eine blutige Satire über Tourismus? Oder steckt doch mehr in diesem mitunter rohen Werk? Sebastian und Benny sprechen mit dem Filmkritiker Marcus Fiedler und dem Kollegen Janick Nolting, den einige auch von CUTS kennen dürften. Auch POSSESSOR, der Vorgängerfilm, wird Thema sein. Fröhliches Klonen, wünschen wir!

THE MENU von Mark Mylod ist einer der besten Filme des vergangenen Jahres, wurde allerdings sehr schnell darauf reduziert, eine sehr eindeutige Kritik an der Haute Cuisine anzubringen. Satire also. Doch THE MENU ist der bessere TRIANGLE OF SADNESS, weil er viel tiefer in die Verwirrungen und Doppeldeutigkeiten des Systems hinabsteigt, als es der Film von Ruben Östlund tut. Letztere befriedigt eine ganz klare Sichtweise, ist eine fatalistische Genugtuung, in der letztlich alles so bleibt, wie es ist. THE MENU aber zwingt uns, die Rollen, die wir innerhalb der Produktion einnehmen, zu hinterfragen. Marcus, Benjamin und Sebastian dekonstruieren die Lasagne. Viel Spaß.

Die 1970er Jahre in Hollywood sind geprägt vom Paranoiathriller, der das Individuum als Spielball einer alptraumhaften Verschwörung zeichnete. Mit den späten 1990er Jahren veränderten sich die Spielregeln. Analog zum Internet und dem neuen Terrorismus entstand das paranoide Kino, das die Gesellschaft selbst als ein Netzwerk verschwörerischer Strukturen schildert und dabei selbst paranoid erscheint. TETRIS nun erzählt vom Ende des Kalten Krieges nach 1988 mit den Mitteln des gegenwärtigen paranoiden Kinos. Julia und Marcus tauchen in dieser Folge tief in die irritierenden Strukturen einer Welt unsicherer Relationen.

Der überwältigende globale Erfolg des Films AVATAR - THE WAY OF WATER von James Cameron ist in zweierlei Hinsicht bemerkenswert: Er sicherte im Alleingang den Betrieb der großen Kinos nach der Corona-Krise – allenfalls flankiert von TOP GUN MAVERICK. Andererseits wird der komplett digital überarbeitete Science-Fiction-Film als eine Variante einer Zukunft des Kinos diskutiert. Marcus sprach mit dem Medienphilosophen Prof. Dr. Lars Christian Grabbe (msd | muenster school of design) über film- und medienwissenschaftliche Perspektiven, die Auswirkung von digitaler Technik auf die Filmkunst und die Zukunft des Mediums allgemein. www.larsgrabbe.com www.movingimagescience.com https://www.fh-muenster.de/msd/personen/personenprofile/dr_grabbe.php https://twitter.com/Image_Studies https://www.instagram.com/larsgrabbe_msd_mediatheory/ https://www.instagram.com/msd_symposium/ https://www.facebook.com/larschristian.grabbe.7

Todd Fields aktueller Film TÁR mit Cate Blanchet in der Titelrolle ist viel diskutiert und wurde durchaus kontrovers aufgenommen. Was der "letzte Film" des Regisseurs sein könnte, wartet mit einer komplexen Bildsprache auf: Das Resultat ist ein fiktives Biopic im Modus des Mysterythrillers. Den tragischen Fall der gefeierten Dirigentin Lydia Tár diskutiert Marcus in dieser Folge mit dem Bonner Filmwissenschaftler Lucas Curstädt, der mit Die Zweite Produktion einen eigenen Videopodcast betreibt. Info: www.youtube.com/@diezweiteproduktion/ und www.instagram.com/realcurstaedt/

Brian De Palmas Kino ist ein Kino der Sinne. In dieser Episode diskutieren wir zwei der zentralen Werke des amerikanischen Regisseurs – BLOW OUT (1981) und DER TOD KOMMT ZWEIMAL (BODY DOUBLE, 1984). Während bei BLOW OUT das Hören im Zentrum steht, dreht sich bei BODY DOUBLE alles um die Lust am Sehen. Was ist Illusion? Welche Rolle spielt die Wahrheit? Wie gelingt es De Palma, das Hören in Bildern zu inszenieren? Sebastian, Marcus und Benny beleuchten einzelne Szenen und arbeiten die Kunstfertigkeit dieses grandiosen Filmemachers heraus.

Der britisch-griechische Filmemacher Peter Strickland hat durch Filme wie Katalin Varga (2009), Berberian Sound Studio (2012), The Duke of Burgundy (2014), In Fabric (2018) und Flux Gourmet (2022) eine signifikante Spur im internationalen Kino hinterlassen. Virtuos spielt er mit metafilmischen Reflexionen und den Genres. IN dieser Episode spricht Marcus mit dem Filmemacher über den starken Einfluss von britischer Post-Industrial-Musik auf sein Werk und seine eigene Formation The Sonic Catering Band. Diese Episode hat erstmals keine Eigenkomposition als Titelthema, sondern das Stück „White Light from an Oven Above“ von der CD „A Gourmet's Slumber“ (The Sonic Catering Band 2012).

„Too Old To Die Young“ dürfte eine dieser Serien sein, die kaum jemand gesehen hat. Amazon hat diese Serienperle versteckt – da hat jemand nasse Füße bekommen. Regisseur Nicolas Winding Refn hat in der Tat einen Monolithen geschaffen, ein wütendes, apokalyptisch-feministisches Monster. Mit „Copenhagen Cowboy“ scheint sich der Däne in einer ähnlichen Welt zu bewegen und Netflix lässt die Gangster-Superheldinnen-Serie auch das sein, was sie ist: ein irrwitziger Trip. In dieser Episode wagen wir einen Tauchgang in die Serienwelt von Nicolas Winding Refn und versuchen Zugänge zu diesen sperrigen Meisterwerken zu legen: Marcus, Benjamin und Sebastian sprechen mit Filmkritiker und Kulturjournalist Jens Balkenborg (Freitag, epd Film, NZZ am Sonntag).

In der ersten Episode des Jahres stehen alle Zeichen auch Crossover: Julia Weigl eröffnet mit Sebastian Seidler und Benjamin Johann die Themenreihe Lust & Desire. Über das gesamte Jahr verteilt soll dieses Thema filmisch eingerahmt und divers diskutiert werden. Was ist Begehren? Worin liegt der Unterschied zu Lust? Und braucht es die Liebe? Zum Auftakt wird es um drei Filme gehen: Alfred Hitchcocks VERTIGO, DER SEIDENE FADEN von Paul Thomas Anderson und Ninja Thybergs kontroversen PLEASURE. Verführung und Objektifizierung, ökonomischer Austausch und die Dosis der Gabe – darum wird sich vieles drehen. Viel Spaß und ein frohes neues Jahr wüschen die Projektionen.

Luca Guadagnino ist hauptsächlich für seinen zärtlich-sommerlichen und queeren Liebesfilm „Call me by your name“ bekannt. Doch gehört der italienische Regisseur zu den eigenwilligsten Filmemachern der Gegenwart, der es vermag, sich mühelos die unterschiedlichsten Stoffe und Genres einzuverleiben, sie zu verwandeln und über sich selbst hinauszutreiben. Seine Interpretation von Argentos „Suspiria“ ist ein sinnlich-choreographierter Fiebertraum über das Matriarchat, politischen Wahn und Trauma. Und das Kannibalen-Roadmovie „Bones and All“ ist mitunter das Spannendste, was das Kinojahr 2022 hervorgebracht hat. Sebastian und Marcus sprechen in dieser Episode über mäandernde Erzählstränge, tanzende Kameras und verzehrende Metaphern.

Anfang 30 – und etwas lost. Kennen wir dieses Gefühl nicht alle? Die großen Fragen des Lebens lauern um die Ecke oder haben den Alltag längst vereinnahmt. Ein Blick ins eigene Familienarchiv spürt Parallelen zu den Eltern auf oder versucht das eigene, vergangene Ich über die Bildoberfläche hinaus zu begreifen. Glückliche Kindheiten, verzerrte Erinnerungen, Camcorder-Nostalgie. Erstaunlich viele Filme spielen derzeit wunderbar kreativ mit Archivmaterial. Ob Found Footage Film in diesem Fall wirklich der passende Begriff für diese Werke ist, erkunden Bianca Jasmina Rauch und Julia Weigl in ihrer neuen Transitionen-Folge. Mal sind es die Bilder aus der eigenen Kindheit der jungen Regisseurin Faustine Cros, die in A LIFE LIKE ANY OTHER der Depression ihrer Mutter nachgeht. Mal sind es, wie in ANNIE ERNAUX – DIE SUPER-8 JAHRE, die Archivbilder einer jungen kreativen Frau, die auf der Suche nach ihrem selbstbestimmten Leben ist. Mal sind es die Kindheitserinnerungen der Protagonistin, in dem wunderbaren Regiedebüt AFTERSUN von Charlotte Wells, der am 15. Dezember bundesweit in die deutschen Kinos kommt. Und zuletzt sind es die Bilder des Regisseurs Faraz Shariat, die er in seinem Spielfilmdebüt FUTUR DREI einbaut, und die Normen von Archivierung und Geschichtsschreibung indirekt infrage stellen. AFTERSUN: Kinostart 15. Dezember 2023 FUTUR DREI: Bei unterschiedlichen Streamern abrufbar ANNIE ERNAUX – DIE SUPER-8 JAHRE: Kinostart 30. Dezember A LIFE LIKE ANY OTHER: Derzeit leider noch nicht verfügbar

Sie reist zu den Orten, an denen unsere Lieblingsfilme gedreht wurden. Auf ihrem Blog schreibt sie darüber. Nun hat Andrea David ein Buch veröffentlicht: „SZENE FÜR SZENE die Welt entdecken“ ist im Conbook-Verlag erschienen und ist mehr als ein einfacher Reiseführer. Mit Andrea taucht man in die Verschränkung aus Welt und Fiktion ein. Genau darüber hat sie mit Sebastian in dieser Episode gesprochen. Was hat Reisen mit Kino zu tun? Und was macht das mit uns?

Die Filmlandschaft befindet sich im Wandel. Die Kinolandschaft befindet sich im Wandel. Das sind Sätze, die momentan auf unzähligen Panels, Symposien, Konferenzen zu hören sind. Doch was können wir tun? Einfach aufgeben, nichts? Uns zurückziehen und uns gemütlich auf den Sofas von Streaminginhalten berieseln lassen? Oder einfach aktiv werden, wie die drei Österreicher:innen Martina Genetti, Julian Stockinger und Otto Römisch: Sie gründeten ihren eigenen Verleih, KINEMA 21, auf Vereinsbasis, mit Sitz in Wien. Ihr Antrieb ist ihre eigene Filmleidenschaft, ihr vorrangiges Ziel, "die Programmkino-Landschaft vielfältiger zu gestalten und marginalisierte Perspektiven zeitgenössischer Filmkunst zu fördern und sichtbar zu machen", wie sie es selbst auf ihrer Webseite formulieren. Dabei wollen sie vor allem Debüts, Werke von Regisseurinnen*, sowie Filme mit starken Genrebezügen in den Fokus rücken. Nun bringen sie zum 1. Dezember ihren ersten Film ins Kino: "Medusa" von Anita Rocha da Silveira. Junges, wildes brasilianisches Kino, das sich ungern in Schubladen stecken lässt, in sich Horror, politisches Kino und Pop-Musical vereint. Wir sprachen mit Martina Genetti und Julian Stockinger über ihre Pläne für das österreichische Kino und über „Medusa", über den wir alle ins Schwärmen gerieten.

Der Wohnturm reicht bis in die Träume der Wolken hinein. Stabil ist diese soziale Anordnung allerdings nicht. Kleine Störungen genügen und ein Chaos aus Sex, Gewalt und Mord greift um sich: Ben Wheatleys fulminante JG Ballard-Verfilmung HIGH RISE zeigt in eindrücklichen Bildern die Topographie des Neoliberalismus und inszeniert die ständige Verschiebung, die Brüche und Bewegungen einer Ordnung ohne Zentrum. Als der Film 2015 in die Kinos kam, waren die Kritiker*Innen eher wenig begeistert. Im Gespräch mit dem Theoretiker Benjamin Johann arbeiten Marcus und Sebastian heraus, warum der Film zu den wichtigsten Filmen den britischen Kinos der Gegenwart gehört. Bei der Aufnahme der Episode hatten wir etwas mit technischen Problemen zu kämpfen. Kann passieren. Spaß macht es trotzdem.

Vom Komiker zum Filmemacher: Mit nur drei Spielfilmen hat sich Jordan Peele als Genre-Erneuerer etabliert. In GET OUT entlarvt er den versteckten Rassismus der Südstaaten, in US entwickelt er eine beängstigende Metapher für die ‚inneren Klassengrenzen' der USA – und mit NOPE kreuzt er Metafilm und Hollywoodkritik, Western und Science Fiction auf frappierende Weise. Mit der Mainzer Filmwissenschaftlerin Kathrin Zeitz (Film- und Medienbewertung) diskutiert Marcus das Werk dieses ungewöhnlichen Regisseurs.

Warum nur so langsam? Und wieso ist die Einstellung so lange? Wo bleibt der Schnitt? Die Bezeichnung Slow Cinema ist zu einem geflügelten Ausdruck geworden: Die Namen Béla Tarr, Apichatpong Weerasethakul oder Carlos Reygadas stehen für ein Kino der Langsamkeit oder der langen Dauer. Ernsthaft und reduziert, ja minimalistisch kommen diese Filme daher. Aber ist es so einfach, all diese so unterschiedlichen Filmemacher_Innen unter ein Label zu bringen? Darüber diskutieren Marcus und Sebastian mit Christian Kaiser, der sich in seiner Forschung intensiv mit der langen Einstellung auseinandergesetzt hat.

Er ist der Maverick des amerikanischen Kinos: William Friedkin. Seine Filme sind roh und unerbittlich; Hoffnung sucht man oft vergebens. Ob nun die dunkle Seite New Yorks in "French Connection", der dämonische Horror in "The Exorcist" oder die unerbittliche Natur in "Sorcerer" – das Schicksal meint es selten gut. Marcus und Sebastian diskutieren das beeindruckende Werk der Amerikaners.