Podcasts about musikausbildung

Herzlich willkommen zu einer brandneuen Folge des BB RADIO Mitternachtstalk Podcasts. Ich bin Jens Herrmann und habe heute zwei absolute Legenden am Start! Sie haben nicht nur Musikgeschichte geschrieben und uns Hymnen geschenkt, die jeder mitsingen kann, sie sind nach einem halben Jahrhundert immer noch nicht müde: KARAT! 50 Jahre Rockgeschichte – heute bei mir: Claudius Dreilich, die Stimme von KARAT, und Gitarrenlegende Bernd Römer. Zwei Musiker, die eine bewegte Vergangenheit hinter sich haben – und die noch immer mit voller Kraft nach vorn blicken! Claudius Dreilich hat eine unfassbare Geschichte: Sieben Jahre am Konservatorium – klassische Musikausbildung, dann die Ausreise aus der DDR 1987. Fünf Berufe hat er gelernt – unter anderem Hotelfach und Einzelhandel – und war sogar als IKEA-Verkaufschef in Moskau und Österreich tätig. Doch 2004 kam der Wendepunkt: Nach dem Tod seines Vaters Herbert Dreilich, der mit KARAT Musikgeschichte geschrieben hat, entschied sich Claudius, alles auf eine Karte zu setzen. 2005 wurde er der Frontmann der Band – und trat damit in riesige Fußstapfen. Aber eins ist klar: Er hat sie mit Bravour ausgefüllt! Und dann ist da Bernd Römer – ein echter Gitarrenheld! Mit 14 Jahren brachte er sich, inspiriert von den Beatles, selbst das Gitarrenspiel bei, wurde 1973 Mitglied der Horst-Krüger-Band und wechselte 1976 zu KARAT. Seitdem ist er das musikalische Herz der Band. Anfang der 80er Jahre wurde er als bester Gitarrist der DDR ausgezeichnet – und auch heute rockt er noch die Bühnen. Als großer Eisbären-Berlin-Fan hat er sogar die deutsche Nationalhymne auf der Gitarre gespielt – und das in bester Jimi-Hendrix-Manier! Aber heute sprechen wir nicht nur über die Vergangenheit – sondern vor allem über das, was kommt! Denn KARAT sind nicht nur eine Band mit Geschichte, sie haben auch noch jede Menge vor. Pünktlich zum 50-jährigen Jubiläum erscheint ein brandneues Album: „Hohe Himmel“ – mit komplett neuen Songs! Kein Best-of, keine Rückbesinnung – sondern ein mutiger Schritt nach vorn. In Brandenburg geschrieben, in Thüringen eingespielt, auf Vinyl gepresst – und genau einen Tag vor dem 50. Jahrestag ihres ersten Konzerts veröffentlicht. Und als wäre das nicht genug, startet einen Tag nach unserem Podcast die große Jubiläumstour! Start ist der 22. Februar 2025 in Berlin – das Finale steigt am 20. Dezember in Rostock. Zwischendurch gibt es eine Konzerttour auf der AIDA und viele Konzerte auch in unserer Region Berlin/Brandenburg. 50 Jahre KARAT – und sie haben noch lange nicht genug! Also bleibt dran – es gibt viele tolle Geschichten, Anekdoten und jede Menge emotionale Momente mit Claudius Dreilich und Bernd Römer von KARAT – jetzt im BB RADIO Mitternachtstalk Podcast!

Es gibt sie seit genau 50 Jahren, aber sie bleibt ewig jung. Denn die Junge Deutsche Philharmonie vereint Musikerinnen und Musiker bis zum Alter von 28 Jahren, die im deutschsprachigen Raum studieren. Jetzt feiert das „Zukunftsorchester“, wie es sich selbstbewusst nennt, seinen 50. Geburtstag - und startet in die neue Saison 2024/25 mit „Freispiel“, einem Festival für experimentelle Begegnungen in Frankfurt: Rap trifft auf Beethoven, Techno auf Orchestermusik. Vier Tage lang geht es um Mentale Gesundheit und Mode, um Nachhaltigkeit und Demokratie - und darum, was Musik zu diesen Themen zu sagen hat. Christoph Scheffer hat die Junge Deutsche Philharmonie bei den Proben besucht und mit Musikerinnen und Musikern gepsprochen.

Don Jaffé floh im Alter von 8 Jahren mit seinen Eltern und Geschwistern vor den Nazis zu Fuß aus Riga (Lettland) nach Sibirien und überlebte dort. Die gesamte Großfamilie mit 70 Verwandten wurde hingegen ermordet. In Sibirien hungerte er, wurde in der Schule als einziger Jude täglich blutig geschlagen. Ende 1944 kehrte er nach Riga zurück. 1947 erhielt der vierzehnjährige Jaffé den ersten Cello-Unterricht an der Musikschule für besonders begabte Kinder. Nach nur vier Jahren absolvierte er als erster Schüler die Musikausbildung am Konservatorium Riga erfolgreich. Über Umwege nach dem Krieg ging es für ihn 1971 nach Israel. Als hochbegabter und gefragter Cellist unterrichtete Jaffé und spielte jahrzehntelang in der Bremer Philharmonie. Dabei verarbeitete er seine grausamen Erlebnisse in über 23 emotionalen, teils düsteren Kompositionen – und setzt bis heute mit seiner Musik den Opfern der Schoah ein Denkmal. Ein Gänsehaut-Interview mit einem Zeitzeugen des Holocaust.Don Jaffé floh im Alter von 8 Jahren mit seinen Eltern und Geschwistern vor den Nazis zu Fuß aus Riga (Lettland) nach Sibirien und überlebte dort. Die gesamte Großfamilie mit 70 Verwandten wurde hingegen ermordet. In Sibirien hungerte er, wurde in der Schule als einziger Jude täglich blutig geschlagen. Ende 1944 kehrte er nach Riga zurück. 1947 erhielt der vierzehnjährige Jaffé den ersten Cello-Unterricht an der Musikschule für besonders begabte Kinder. Nach nur vier Jahren absolvierte er als erster Schüler die Musikausbildung am Konservatorium Riga erfolgreich. Über Umwege nach dem Krieg ging es für ihn 1971 nach Israel. Als hochbegabter und gefragter Cellist unterrichtete Jaffé und spielte jahrzehntelang in der Bremer Philharmonie. Dabei verarbeitete er seine grausamen Erlebnisse in über 23 emotionalen, teils düsteren Kompositionen – und setzt bis heute mit seiner Musik den Opfern der Schoah ein Denkmal. Ein Gänsehaut-Interview mit einem Zeitzeugen des Holocaust.

Ihn als Multiinstrumentalisten zu bezeichnen, ist fast schon eine Untertreibung. Bereits auf seinem ersten Album "La Valse des Monstres" spielt er Cembalo, Gitarre, Glockenspiel, Klavier und Melodica. 1970 in der Bretagne geboren, ist Yann Tiersen bereits als Teenager ein Rebell. Obwohl er bereits als Kind Geige und Klavier lernt, kommt eine klassische Musikausbildung für ihn nicht infrage. Er bringt sich lieber das Gitarre spielen bei und eifert seinen Vorbildern Joy Division oder The Stooges nach. Bereits zu dieser Zeit komponiert er Musik für Kurzfilme und Theater. (superfly.fm)

Die Trompete ist der Star in dieser Ausgabe von hr-info Kultur. Denn das hr-Sinfonieorchester widmet dem Instrument in dieser Saison einen eigenen Schwerpunkt mit dem schönen Titel „Trumpet in Residence“. Immer mit dabei ist der junge Solo-Trompeter des hr-Sinfonieorchesters Sebastian Berner. Christoph Scheffer spricht mit ihm über seine Liebe zur Trompete. Außerdem ein Besuch bei Till@school - ein Jazz-Workshop für Jugendliche mit dem Trompeter Till Brönner. (Foto: Milan Buchholz)

Seit fünf Jahren ist Florian Wagner mit seinen Programmen zu Gast auf deutschsprachigen Bühnen. Entweder solo oder zusammen mit seinem Bruder Dominik Wagner. Der gebürtige Münchner genoss eine klassische Musikausbildung, ist als Pianist, Sänger, Arrangeur, Komponist, Chorleiter und musikalischer Leiter von Musicals unterwegs und hat einen Lehrauftrag für „Schulpraktisches Klavierspiel“. Aus all diesen Erfahrungen speist sich sein Musikkabarett, für das er rund 20 Kleinkunstpreise eingeheimst hat. Virtuos nimmt er sein Publikum mit auf eine musikalische Reise durch die Epochen und kommentiert seine Lieder unterhaltsam und mit Humor. So geht er beispielsweise auch schon mal der Frage nach, wie wohl Mozart „Atemlos“ von Helene Fischer komponiert hätte. Die Antwort gibt Florian Wagner in seinem Soloprogramm „Funk You!“, mit dem er zu Gast im Renitenz-Theater in Stuttgart ist.

Die Sprache der Musik ist universell und kann Brücken zwischen Menschen bauen – jeder Mensch versteht sie, unabhängig von Alter, Herkunft, sozialer Schicht oder Fähigkeiten. Deshalb spielt sie z.B. auch eine große Rolle bei Inklusion, Therapie und sozialer Gerechtigkeit. Genau dort setzt das Konzept der „Community Music“ an, welches in Deutschland immer populärer wird. Das Ziel: aktives Musizieren in Gruppen, bei dem musikalische und soziale Prozesse gleichermaßen von Bedeutung sind. Inwiefern kann Musik verbinden? Kann Community Music den Zusammenhalt in der Gesellschaft fördern? Welche Verantwortung hat die Musikpädagogik? Was gehört zu einer Musikausbildung?Prof. Axel Gremmelspacher und Nathalie Dahme von der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main (HfMDK) geben uns in dieser Episode von „Hessen schafft Wissen“ Antworten auf diese und weitere Fragen. Prof. Gremmelspacher ist Pianist und Professor für Klavier an der HfMDK, wo er der Hochschulleitung von 2019-2022 als Vizepräsident angehörte. Nathalie Dahme ist Elementare Musikpädagogin, Instrumentalpädagogin und Pianistin und ist derzeit als Gastprofessorin für Elementare Musikpädagogik an der HfMDK tätig.

Die in Wiesbaden gegründete Band Brandt Brauer Frick hat trotz ihrer klassischen Musikausbildung eine große Affinität zur Clubmusik und wandelt seit mehr als zehn Jahren zwischen den Polen der Genres, was sich auf den bisherigen fünf Alben des Trios widerspiegelt. Zwei Drittel der Band sitzen nun mit @kristopher.gif und @thethealbert im digitalen Podcaststudio, um in Feature 36 des Track17 Musikpodcasts über ihr neues, sechstes Album „Multi Faith Prayer Room" zu sprechen, das am 2. Juni erscheinen wird. Gemeinsam erforschen wir im Gespräch die Entwicklung ihres Sounds und nähern uns der Utopie der Nacht. Welche Räume bieten uns eigentlich die Möglichkeit der Utopie und wie muss sie nun aussehen, diese perfekte Nacht? [Setlist] - [00:00:00] Intro + Vorstellung Brandt Brauer Frick - [00:02:46] Zuletzt gehört: William Basinksi + Jessy Lanza - [00:05:31] Was ist für uns die Utopie des Clubs und die perfekte Nacht? - [00:11:10] **Interview:** Brandt Brauer Frick - [00:44:42] Outro + Verabschiedung

Egal ob Beats, Rap oder Grafikdesign - bei Psassa ist der Name Programm, denn er kann und macht so ziemlich alles. Zum Beispiel auch bei seiner neuen EP “Die Nacht”. Emma hat sich Psassa zum Interview eingeladen, um mit ihm über sein neues Projekt zu reden. Denn dabei geht es um die verschiedenen Facetten einer schlaflosen Nacht. Zwischen ruhigen, verträumten Balladen und aggressiven Beats findet man hier vor allem einen Künstler, der viele Gedanken in seine Kunst steckt. Die beiden sprechen außerdem über Musik, die ganz ohne Schubladendenken funktioniert und über den Unterschied zwischen einer klassischen Musikausbildung und auditivem Lernen. Wie Schlaflosigkeit teilweise bei der Produktivität hilfreich sein kann, wieso Psassa so selten Features auf seinen Projekten hat und vor was er mit seiner Musik flieht, das erfahrt ihr im Podcast!

„Warum kennt man hierzulande so wenig armenische Komponisten?“ Das hat sich 2011 die in Karlsruhe lebende Geigerin Ani Aghabekyan gefragt und daraufhin die Deutsch-Armenische Musikgesellschaft gegründet. Seit zehn Jahren gibt es zudem eine eigene Konzertreihe in Karlsruhe und Baden-Baden. In SWR2 berichtet sie von den Aktivitäten der Gesellschaft, vom Unterschied armenischer und deutscher Musikausbildung und blickt voraus auf die kommende Jubiläums-Konzertsaison.

Mit dem Komponisten, Musiker & Musikproduzenten, Funktionär und Aktivisten, Musikwissenschaftler, Kurator und Moderator Matthias Hornschuh sprechen wir heute über Unternehmertum oder neudeutsch über Entrepreneurship. Kunst und Unternehmertum scheinen zwei sich diametral abstoßende Begrifflichkeiten zu sein, wenn wir uns die Einkommenszahlen der KSK, die Diskussion über Kunst als Erwerbstätigkeit oder die Diskussion über Künstler*innen in der Pandemie anschauen. Im gleichen Moment aber agiert jede soloselbständige Künstler*in als Individuum mit einem persönlichen Kapitalrisiko und ohne soziale Absicherung. Wir sprechen heute über die kulturellen, politischen und geschichtlichen Hintergründe, warum Kunst generieren und unternehmerisch tätig sein, scheinbar nicht Hand in Hand gehen. Wir suchen gemeinsam nach Gründen, warum unternehmerisches Denken hilfreich ist, und setzen uns mit Ideen und Vorschlägen auseinander, wie das gelingen kann. Matthias Hornschuh erhielt eine klassische Musikausbildung für Violine, Piano und Gesang, Theorie sowie Gehörbildung und begann bereits während der Schule ein Jungstudium für Violine an der Hochschule für Musik Detmold, welches er jedoch zugunsten einer Laufbahn als Rock-Gitarrist aufgab. Ein anschließendes Studium der Musikwissenschaft, Phonetik und Linguistik an der Universität Köln schloss er im Jahr 2000 mit einer musikpsychologischen Magisterarbeit über „Funktionen und Wirkungen von Musik im filmischen Zusammenhang“ ab. Veröffentlichungen als freier Journalist und Publizist, Vorträge und Workshops an Universitäten und Hochschulen, Lehraufträge für Medienmusik an der Universität Hildesheim, der Popakademie Mannheim, der Universität Siegen, der Hochschule Ansbach, der Macro Media Hochschule Köln, dem mibeg-Institut Medien Köln. Fachaufsätze und Veröffentlichungen im Bereich Theorie und Praxis der Filmmusik, musikwissenschaftliche Filmforschung, Audio Branding („akustische Markenführung“), mehrere Artikel für das Lexikon der Filmmusik. 2004 gründete Matthias Hornschuh den Berufsverband Medienmusik mediamusic e.V. mit Sitz in Köln und ist seitdem mit kurzer Unterbrechung dessen Vorsitzender. Er gehört zudem zu den Gründern des Europäischen Forums für Medienmusik Sound Track Cologne und war von 2004 bis Dezember 2017 Programmleiter. In dieser Funktion war Hornschuh maßgeblich beteiligt an der Konzeption und Moderation des Tages der Deutschen Filmmusik GERMAN FILM MUSIC bei den Internationalen Filmfestspielen Cannes 2007, 2011, 2012, 2013 sowie an den SoundTrack_Cologne-Lectures bei der Berline 2009. Im Mai 2018 wurde Matthias Hornschuh in den Aufsichtsrat der GEMA gewählt. Heute ist er als Komponist, Musiker & Musikproduzent, Funktionär und Aktivist, Musikwissenschaftler, Kurator und Moderator in verschiedensten Kontexten tätig. Funktionen & Mandate: • Vorsitzender mediamusic e.V. | berufsverband medienmusik • Mitglied im Aufsichtsrat der GEMA (Berufsgruppe Komponisten) • „Sprecher der Kreativen“ in der Initiative Urheberrecht (ab Sommer 2021 • Vorstandsmitglied Kulturrat NRW • Stv. Präsident Landesmusikrat NRW • Stv. Mitglied Landesmedienkommission NRW • Mitglied im CREATIVE-Board; Beirat Creative.NRW • persönliches Mitglied im Branchenforum Kultur- und Kreativwirtschaft Köln • delegierter im Fachausschuss Urheberrecht des Deutschen Kulturrats WIR: Matthias Hornschuh: https://hornschuh-musik.de/ Frauke Meyer: https://www.fraukemeyer.art/ Susanne Petridis: https://www.die-marktfrau.com/ Wenn Ihr Feedback, Anmerkungen oder Themenanregungen habt, meldet Euch bei Susanne unter susanne@die-marktfrau.com oder bei Frauke unter post@fraukemeyer.art Die jeweiligen Podcastfolgen werden alle zwei Wochen am Freitag ab 15 Uhr hörbar sein. D.h. die nächste Folge könnt Ihr ah dem 25.03.22 hören.

Denkt man an die deutsche Romantik in der Musik, dann fallen einem Namen wie Mendelssohn, Schumann, Brahms oder Wagner ein. Vergessen hat man darüber die Musiker und Musikerinnen aus dem "Mittelfeld", die zu Lebzeiten mindestens ebenso populär waren und eine zentrale Rolle auf den Konzertpodien und in der Musikausbildung spielten. Zu ihnen gehörte Friedrich Kiel. Autor: Michael Struck-Schloen

Wer Berufsmusiker:in in einem Orchester oder Solist:in werden möchte, muss von Kindesbeinen an viel üben. Doch im Jugendalter ist die Doppelbelastung von Schule und Musikausbildung immens hoch. Manche scheitern daran. Fast wäre es der Basler Geigerin Anna Schultsz auch so ergangen. «Ich war überfordert», erzählt Anna Schultsz vom ersten halben Jahr an der Sekundarschule. Das starre Unterrichts- und Prüfungsprogramm passte nicht zu den Übezeiten, die nötig sind, um heute im internationalen Musikmarkt mitzuhalten. Welchen Weg ist Anna Schultsz gegangen, und welche Möglichkeiten gibt es für angehende Musikerinnen und Musiker in der Schweiz, um Schullaufbahn und Musikerkarriere unter einen Hut zu bekommen?

Dreht die Boxen auf, heute wird es musikalisch, denn mit No Straight Roads (kurz NSR) hat Kai für euch heute ein Musikspiel im Programm. Aber kein reines Musikspiel wie Rock Band, DJ Hero oder Fuser, sondern ein Action-Adventure, welches euch eine Geschichte erzählen möchte. Eine Geschichte bei der Musik ein wichtiger Bestandteil ist. Anders als aber in Spielen wie zum Beispiel Parappa the Rapper oder Guitaroo Man benötigt ihr keine Musikausbildung und auch Leute die schon bei Kumbaya my lord aus dem Takt kommen, können mit NSR ihren Spaß haben. Musikalisch müsst ihr nicht sein, nur Bock auf Musik haben, vor allem Rockmusik und EDM. Wie das zusammenpasst, zeigt euch der Test. Viel Spaß mit der neuen Folge und jetzt: eins, zwei, tipp,…

Als Kind der russischen Geigenschule war Erfolg für Alina Pogostkina vorprogrammiert – bis sie für sich entdeckte, dass es mehr braucht als Anerkennung und durchgeplante Terminkalender, um glücklich und erfüllt zu sein.

Nur aus Frauen bestand das berühmteste Orchester in Europa zu Vivaldis Zeiten. Keusch hinter Gittern versteckt, in einem katholischen Waisenhaus. Sie spielten so göttlich, dass den Männern im Publikum noch mehr kam, als Gedanken zur Musik. Vivaldi war ihr Professor, wusste um ihr Kapital und schrieb den Mädchen und Frauen die genialsten Stücke. Frauen durften damals nicht viel, aber in diesen Waisenhäusern war ihnen eine herausragende Musikausbildung und mitunter eine Karriere als Musikerin sicher. Wir sprechen darüber, wie eng die gesellschaftlichen Konventionen für Frauen damals waren und wie viel Freiheit Musikerinnen und Sängerinnen damals hatten. Vivaldis musikalisches Genie ist unbestritten, über sein Liebesleben gibt's aber wilde Gerüchte. Was es mit Anna Giró auf sich hatte, kommt ebenso in dieser Folge zur Sprache wie die Sache, warum Vivaldis berühmtester Titel „Der Frühling“ sicher nicht in Venedig entstanden ist. Dieser Podcast entstand rund um eine Film- und Musikproduktion aus dem Hause styriarte: recreationBAROCK spielt Vivaldis Frühling aus den Vier Jahreszeiten. Sollten Sie Fragen zu diesem Podcast haben, schreiben Sie uns einfach eine Nachricht an: info@styriarte.com recreationBAROCK spielt Vivaldis „Frühling“ https://www.youtube.com/watch?v=L9CyzoCm7PM Zu Vivaldis "Frühling" und wie die Produktion ‚in den Kasten‘, kam steht in unserem Blog https://styriarte.com/styriarte-blog/ueber-die-grenze-nach-italien/ Ein Blick hinter die Kulissen der Dreharbeiten https://www.youtube.com/watch?v=tKOJkG9qXz0 Die Musik in diesem Podcast: Antonio Vivaldi Concerto in G für Oboe, Fagott, Streicher und b.c., RV 545 1. Satz: Andante molto 3. Satz: Allegro molto Georg Fritz, Oboe recreationBAROCK Sergio Azzolini, Fagott & Leitung Concerto in E, „La Primavera“ aus „Le quattro stagioni“ – Die vier Jahreszeiten 2. Satz: Largo e pianissimo recreationBAROCK Solovioline & Leitung: Mónica Waisman Im Podcast wird erwähnt: Regina Strinasacchi und Mozarts Violinsonate in B https://www.kammermusikfuehrer.de/werke/1313/violinsonate_b-dur__kv_454 Sergio Azzolini https://styriarte.com/artists/azzolini/ Schloss Wiesentheid https://www.rondomagazin.de/artikel.php?artikel_id=461 Maria Marchetti Fantozzi (vor 1760; nach 1800) Erste Vitellia in Mozarts La clemenza di Tito Adriana Ferrarese del Bene (1759- nach 1803) Erste Fiordiligi in Così fan tutte La Tempesta di Mare – Concerto in F https://www.kammermusikfuehrer.de/werke/2059/la_tempesta_di_mare__concerto_f-dur__rv_98

Es gibt ja immer mal Premieren und heute ist es mal wieder soweit: Carlos Cipa ist Komponist und Pianist und damit der erste Musiker bei OHNE DEN HYPE. Und das bietet mir mal wieder eine hervorragende Gelegenheit zu zeigen, wie wenig ich manchmal von der Thematik verstehe, über die ich mich mit meinem Gast unterhalte. Aber genau das macht ja auch Spaß, oder? Was über Sachen zu erfahren, eine andere Sichtweise kennenzulernen und einfach mal einen Einblick in das Leben einer Person zu bekommen, das so ganz anders abläuft, als das eigene.Carlos erzählt von seiner klassischen Musikausbildung und wie schwer das manchmal war, aber auch von der Förderung, die er erfahren hat, und von seinem Abstecher in den Punk-Bereich, der ihm dann die Augen für eine andere Herangehensweise an Musik geöffnet hat. Er sprach außerdem über Intuition – wo wir uns vielleicht nicht ganz einig waren, über musikalische Experimente und die emotionale Komponente von Musik.Der Podcast als Videohttps://youtu.be/uxpN1Qk22qACarlos Cipa auf Instagramhttp://instagram.com/carloscipa/Carlos’ Websitehttp://carloscipa.deCarlos Cipa auf Spotifyhttps://open.spotify.com/artist/23Yv6j1axUmPPo5M6u6erOOHNE DEN HYPE auf Instagramhttps://www.instagram.com/ohnedenhypeOHNE DEN HYPE auf Facebookhttps://www.facebook.com/ohnedenhypeOHNE DEN HYPE auf YouTubehttp://youtube.ohnedenhype.com

Manche Zuhörer kennen sie, für manche ist sie eine Fremde, doch Venla aus Finnland, die Musikpädagogikstudentin eröffnet uns den Blick auf die Musikausbildung in Finnland.

“Ich war kein guter Schüler. Entweder sind mir die Sachen zugeflogen oder ich habs nicht hingekriegt. In Geschichte und Erdkunde und Deutsch war ich immer sehr sehr gut, aber auch nur so, wie es mir zugeflogen ist. Ich hab da auch keine wirkliche Arbeit investiert...leider. Und in Mathe und Physik war ich ganz ganz schlecht. Meine schulische Musikausbildung war sinnlos. Das war vergeudete Zeit.” Einer der erfolgreichsten Musiker Deutschlands, Sänger, Produzent und DJ Fritz Kalkbrenner ist konsequent ehrlich, und auch über Fluch und Segen von Apps zum Fabrizieren von Musik auf dem Handy hat er seine ganz eigene Meinung, in der aktuellen Folge “Axel trifft….”

Im Alter von drei Jahren hat Tabea Zimmermann mit dem Bratschespiel begonnen. Ihrem ersten Lehrer ist sie bis heute dankbar: Er habe ihr die Grundeinstellung zur Musik vermittelt. Die heute weltbekannte Bratschistin ist dafür, Musik wie Mathe oder Sport als wichtigen Teil einer Ausbildung anzusehen. Tabea Zimmermann im Gespräch mit Maja Ellmenreich www.deutschlandfunk.de, Kulturfragen Hören bis: 19.01.2038 04:14 Direkter Link zur Audiodatei

In Dresden dirigiert Omer Meir Wellber demnächst „Nabucco“. Im Gespräch erzählt er von seiner speziellen Art, sich auf Opern vorzubereiten, seiner Wahlheimat Dresden und seiner ungewöhnlichen Musikausbildung in Israel.

Am liebsten sind sie im Studio und machen Musik. Man könnte sie in die Schublade Electronic-Pop/ Dance stecken, aber kein Musiker lässt sich gerne in Schubladen stecken, „ Sie wollen sich nicht mehr festlegen! Musikalisch und sprachlich gibt es seitdem für JUNO IM PARK keine Grenzen, keine Jury, keine engen Räume, kein Anprangern, keine Ablehnung und keine Einschränkungen … Es gibt nur Musik. Nico bringt sich das Gitarrespielen selbst bei und betrachtet das Schreiben und Produzieren von Songs auch als Selbsttherapie und Selbsterfahrung.... Daniel hat eine klassische Musikausbildung und erreicht schon in jungen Jahren einige Male das Bundesfinale von „JUGEND MUSIZIERT“! Live treten sie auf Festivals auf und standen schon auf einer Bühne mit Adel Tavil, Nena, Christina Stürmer oder mit der UK-Popformation Bars&Melody Warum sie gerne in Polen auftreten, wie sie Ihre Songs schreiben, und wie sie die Weiber von Schorndorf finden, das verraten sie Dominic und Jack im RADIO7 BANDBUS REINHÖREN!

Die Musik von Ludwig van Beethoven kennt Ihr alle. Vor allem wahrscheinlich die berühmte 9. Sinfonie, in der er das Gedicht "An die Freude" von Schiller vertont hat und das heute die Europahymne ist. Aber kennt Ihr auch den Lebenslauf dieses großen Komponisten? Geboren wurde er 1770 in Bonn. Sein Vater war Sänger und Musiklehrer. Er merkte, dass sein Sohn Ludwig musikalisch war - und förderte ihn. Ludwig bekam eine gute Musikausbildung. Mit sieben Jahren trat er dann zum ersten Mal auf und spielte Klavier. Als Teenager wurde er fest angestellt als Organist, er spielte auch Cembalo und die Bratsche. Als Beethoven 14 Jahre alt war sagte ihm sein Musiklehrer voraus, er werde "ein zweiter Mozart" werden. Ludwig durfte nach Wien reisen, um Kompositionsschüler von Mozart zu werden. Zum Vergleich: Mozart war 14 Jahre älter als Beethoven. Ob die Männer sich jemals wirklich kennengelernt haben, ist unbekannt. Nach einigem Hin und Her blieb Beethoven also in Wien. Seine beiden Brüder zogen ebenfalls dorthin. Wovon lebte der Musiker in dieser Zeit? Er hatte das Glück, dass viele Menschen sein Talent erkannten. Ein Fürst, der Mozart gekannt hatte, verschaffte ihm eine Wohnung und zahlte ihm ein jährliches Gehalt - so konnte Beethoven unabhängig bleiben und an seiner Musik arbeiten. Als er sich später mit diesem Fürsten stritt und der seine Zahlungen einstellte, sprangen zum Glück andere Adelige ein, die ihm ein Gehalt zahlten und ihn so in Wien hielten. Er nahm Kompositionsunterricht bei Joseph Haydn, der 38 Jahre älter war. Ludwig van Beethoven schrieb viele Klaviersonaten, die er selbst als Pianist spielte. Er ging auf Tour - nach Prag und Berlin. Er komponierte Quartette und Sinfonien und entwickelte seinen eigenen Stil. Noch bevor er 30 Jahre alt wurde, zeigte sich eine Krankheit bei ihm: Er verlor langsam sein Gehör. Für einen Musiker natürlich das Schlimmste, was passieren kann. Er dachte an Selbstmord, wurde dann aber so kreativ wie nie zuvor: Er komponierte wie ein Besessener. 1812 traf Beethoven mit seinen damals 42 Jahren den 63-jährigen Johann Wolfgang Goethe. Beethoven war kein einfacher Mensch, es gab oft Streit mit ihm. Künstlerisch aber war er ein Genie. Trotz seiner Taubheit komponierte er weiter. Er starb 1827 als Junggeselle - verheiratet war er nie, und soweit bekannt ist hatte er auch keine Kinder. Text der Episode als PDF: https://slowgerman.com/folgen/sg165kurz.pdf

Für die letzte Folge in 2014 habe ich mir noch einmal besonderen Besuch eingeladen. Bei dem ich selbst zu Gast war. Während des Adventsurlaubs in Dresden stand natürlich auch eine Vorstellung im berühmten Kabaratt-Theater "Die Herkuleskeule" auf dem Programm. Nachdem der Vorhang gefallen war, habe ich "backstage" mit Birgit Schaller über das Kabarett in der DDR gesprochen. Birgit Schaller ist langjähriges Ensemblemitglied der "Keule" und berichtet von ihrem Berufsweg, der sie über eine Musikausbildung und den Wunsch, Schauspielerin zu werden, dann am Kabarett beides verbinden ließ. Wir klären, welche Formen des Kabaretts in der DDR existierten, ob es Tabuthemen gab und wie sich die Kunstform seitdem gewandelt hat. Wir wünschen Euch viel Spaß und Erkenntnisgewinn sowie einen guten Rutsch nach 2015!

„Ich bin jeden Tag sehr früh aufgestanden“ – Anne-Sophie Mutter erinnert sich an die Vorbereitung zur Uraufführung des2. Violinkonzertes von Krzysztof Penderecki.Der „Süddeutschen Zeitung“ vom 24. Mai 1995 sagte sie in einem Interview: „Es ist ein sehr schwieriges Stück. Es ist alles drin, was sich ein Geiger wünscht und was er sich nicht wünscht … Es ist mein erster Penderecki, für mich also eine völlig neue Sprache sozusagen.“ Gemeint hatte Anne-Sophie Mutter das 2. Violinkonzert des polnischen Altmeisters Krzysztof Penderecki, das der Komponist für sie geschrieben hat. Die Violinistin stand damals schon auf dem Podest einer internationalen Karriere. Anne-Sophie Mutter wurde am 29. Juni 1963 in Rheinfelden geboren. Den Musikunterricht bekam sie schon sehr früh – im Alter von fünf Jahren kam zunächst das Klavier, einige Zeit später dann der Umstieg zur Violine. Diese Entscheidung sollte sich später als völlig richtig erweisen, denn bereits mit sechs Jahren gewann sie beim Bundeswettbewerb "Jugend musiziert" den „ersten Preis mit besonderer Auszeichnung.“ Der Grundstein für die weitere Karriere war gelegt. Nach einer umfassenden Musikausbildung kam nun das entscheidende Datum: am 11. Dezember 1976 spielte sie bei Herbert von Karajan vor – der weltberühmte Dirigent lud darauf die erst dreizehnjährige Violinistin als Solistin zu den Salzburger Festspielen 1977 ein. Der internationale Durchbruch war geschafft. Noch im selben Jahr spielte sie mit dem English Chamber Orchestra und bereits 1980 gab sie ihr Debüt in den USA. Konzertauftritte in aller Welt in den berühmtesten Häusern und immer wieder neue Schalplattenaufnahmen festigten ihren Ruf eines Weltstars. Unzählig sind auch die Preise und Auszeichnungen, mit denen sie geehrt wurde. Sicherlich nicht wenige Ehrungen sind auch dem Komponisten zuteil geworden, von dem Anne-Sophie Mutter in dem zitierten Interview sprach. Denn: Krzysztof Penderecki war im Jahr 1977 - dem Jahr des internationalen Debüts von Mutter – bereits ein Weltstar unter den Komponisten. Er wurde am 23. November 1933 in Debica bei Krakau geboren. Seiner frühen Musikerziehung und schließlich 1951 einem Studium am Krakauer Konservatorium – wobei er zugleich Philosophie, Kunst- und Literaturgeschichte an der Jagellonen-Universität studierte - schloss sich noch ein Kompostionsstudium an der Krakauer Staatsakademie für Musik an, das er 1958 mit dem Staatsexamen beendete. Von da an ist sein Aufstieg in die Reihen der führenden Komponisten unserer Zeit unaufhaltsam geworden. Das Jahr 1960 markiert den internationalen Durchbruch Pendereckis – die Uraufführung von "Anaklasis" für 42 Streichinstrumente bei den Donaueschinger Musiktagen. In den Folgejahren entwickelte er eine große Affinität zu Deutschland. Auftragswerke, Professuren und unzählige Ehrentitel (unter anderem ist er Träger des Großen Verdienstkreuzes des Verdienstordens der Bundesrepublik Deutschland) säumen bis heute seinen musikalischen Weg. Im März 2006 wurde ihm die Ehrendoktorwürde der Westfälischen Wilhelms-Universität in Münster verliehen. Im September 1995 traf DW-Redakteur Dieter Glave Anne-Sophie Mutter und Krzysztof Penderecki in Leipzig und sprach mit den Künstlern über das 2. Violinkonzertes vor seiner Uraufführung im Leipziger Gewandhaus.