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Viaxamos ao París de inicios do s. XX, para descubrir algo máis sobre a Historia da Arte Contemporánea, seguindo a guia das obras seleccionadas polo grupo de Historia de Arte da CIUG para as probas PAU. Obras de Pablo Picasso:As señoritas de Avignon.O retrato de Ambroise Vollard.Natureza morta con cadeira de reixa. Serie: Historia da Arte Contemporánea, Historia da Arte, 2º de Bacharelato. Música da sintonía (Creative Commons Attribution 3.0): District Four, de Kevin MacLeod (https://incompetech.com), Temptation March, de Jason Shaw (http://audionatix.com). Música do episodio: Deportes e entretementos (CC BY-NC-ND 3.0. Attribution-NonCommercial-NoDerivs 3.0 Unported), de Erik Satie.Este pódcast está baixo a licencia CC BY-NC 4.0.Máis recursos en: facemoshistoria.gal
Jacopo Veneziani"La grande Parigi"1900-1920. Il periodo d'oro dell'arte modernaFeltrinelli Editorewww.feltrinellieditore.itJacopo Veneziani partecipa a "Mi prendo il mondo" a Parma, il 26 gennaio, alle ore 17:30 - Paganini CongressiSalone Internazionale del LibroAttraverso una serie di indirizzi fondamentali, Jacopo Veneziani racconta i vent'anni che hanno reso Parigi l'epicentro dell'arte mondiale, in una fitta trama di incontri e passaggi di testimone, profonde rivalità e collaborazioni fortuite.Ottobre 1900. Dopo un estenuante viaggio di trenta ore, due giovani artisti arrivano alla Gare d'Orléans, carichi di bagagli e attrezzi del mestiere, ma soprattutto di sogni. Si chiamano Pablo Picasso e Carlos Casagemas. Fuori li aspetta, immensa ed elettrizzante, Parigi, il luogo in cui – dopo la rivoluzione degli Impressionisti e di straordinari scultori come Auguste Rodin – ogni artista vuole essere. È la città degli infiniti cantieri e dell'Esposizione Universale, delle invenzioni mirabolanti e delle folle febbrili. Ovunque rimbomba il brulicare minaccioso ed eccitante della grande metropoli, con le sue luci, i teatri e i locali notturni, ma anche con le sue librerie e le nuove gallerie d'arte. Jacopo Veneziani accompagna passo passo il lettore per le strade della Parigi di quegli anni, e ci racconta la grande capitale nel momento magico e irripetibile in cui divenne, come scriverà Gertrude Stein, “il posto dove bisognava essere per essere liberi” e l'epicentro dell'arte mondiale. La abitano pittori e poeti squattrinati che si incontrano nello sgangherato Bateau-Lavoir a Montmartre, i Fauves trascorrono giornate intere a dipingere sulle rive della Senna, gli eccentrici futuristi sognano di scalzare il Cubismo, e le serate scorrono discutendo di arte africana o declamando versi seduti en terrasse in un caffè del Carrefour Vavin, cuore pulsante di Montparnasse. Mentre il demone della modernità contagia chiunque sia di passaggio in città con una furia creativa che non ha precedenti. Un viaggio che ci conduce dal 1900 al 1920, anni di straordinario fervore culturale e indicibile catastrofe. In compagnia di ineguagliabili artisti come Picasso, Matisse, Modigliani, Soutine, Chagall, Brâncuși, di singolari poeti come Guillaume Apollinaire, Max Jacob e Jean Cocteau, di eroine silenziose come Berthe Weill, Fernande Olivier e Jeanne Hébuterne, protagonisti di un sorprendente racconto corale che ci svela perché, allora, solo Parigi poteva diventare la capitale mondiale dell'arte. Amicizie e rivalità, sodalizi indissolubili e incontri fortuiti, passioni e tradimenti che hanno reso Parigi la capitale mondiale dell'arte.Jacopo Veneziani ha vissuto a Roma e Parigi, studiato Storia dell'arte alla Sorbonne. Con alcuni profili social - Twitter, Youtube, Instagram - parla "di arte, della sua storia e un po' di più".Con Mondadori Electa ha pubblicato nel 2020 il volume #Divulgo, che raccoglie una parte di contenuti e pensieri sull'arte. Nel 2021 è uscito Simmetrie mentre nel 2023 esce per Feltrinelli La grande Parigi. 1900-1920. Il periodo d'oro dell'arte moderna.IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarewww.ilpostodelleparole.itDiventa un supporter di questo podcast: https://www.spreaker.com/podcast/il-posto-delle-parole--1487855/support.
Esplorare l'innovativo mondo di Pablo Picasso significa immergersi in un viaggio attraverso l'arte e l'influenza di uno degli artisti più rivoluzionari del XX secolo.**FAQ su Pablo Picasso e il suo Mondo Artistico - FuffaWeb**1. **Chi era Picasso?**
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Uno de los estilos pictóricos más conocidos fue ideado por los artistas Georges Braque y Pablo Picasso. Es llamado así por el comentario del crítico de arte, Louis Vauxelles, quien describió los cuadros de Braque como una reducción de la realidad a “contornos geométricos, cubos”. El cuadro ‘Femme à la montre' de PIcasso, de estilo cubista, y valorado en más de 120 millones de dólares, será subastado en noviembre. Descubre más historias curiosas en el canal National Geographic y en Disney +.
Conoce la historia de Pablo Picasso, un famoso pintor español quien formó parte fundamental de una corriente artística llamada Cubismo. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
La muestra, sin duda una de las más esperadas del año, reflexiona sobre la influencia del pintor griego en el cubismo analítico del artista malagueño. Escuchar audio
Há 50 anos, no dia 8 de abril de 1973, morria Pablo Picasso, aos 91 anos, em Mougins, no sul da França. Artista genial, ele mudou o curso da arte no século XX. Mas não sem controvérsias. Por Patrícia MoribePablo Ruiz Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881, em Málaga, na Andaluzia, no sul da Espanha, junto ao Mediterrâneo. O pai, que era professor de pintura, estimulou o menino Pablo desde pequeno. O jovem Picasso frequentou escolas e artistas em Barcelona e Madri, com muitas experimentações e ambições. Em 1990, seu quadro “Os Últimos Momentos” é escolhido para representar a Espanha na Exposição Mundial em Paris. Aos 19 anos, a capital francesa é o sonho do jovem pintor. Ele se instala no mítico bairro de Montmartre, efervescente refúgio de artistas e boêmios. O trabalho de Picasso é dividido por períodos. Como o azul, de 1901 a 1904, quando, impactado pelo suicídio de um amigo, Carlos Casagemas, ele mergulha em temas sombrios, retratando pessoas miseráveis, com rostos marcados pela fome e sofrimento.Paralelamente, Picasso expandia suas conexões ao conhecer escritores, poetas, intelectuais, colecionadores, galeristas, mecenas e artistas de todos os espectros.Ele avançou para o período rosa, se inspirou na arte africana, trabalhou nos balés russos de Diaghilev e se apaixonou pela bailarina Olga Khokhlova, com quem se casa em 1918. Em 1907 ele finaliza “As Senhoritas de Avignon”, que vai dar um ponta pé importante para o Cubismo. Com Georges Braque, ele iniciou o movimento cuja ideia era a decomposição de imagens em facetas múltiplas, geométricas, bidimensionais. Toda uma geração de artistas bebeu nessa fonte, como Juan Gris, Francis Picabia e Brancusi. Em 1925, uma nova mudança de curso e Picasso navega pelo surrealismo, com criaturas disformes, convulsivas, histéricas. O surrealista Salvador Dali, também espanhol, conta, em uma entrevista de 1955, que mandou um postal para o artista, dizendo: “Meu caro Pablo, eu te agradeço porque me dou conta que você assassinou não somente a pintura acadêmica, que está morta e sepultada, como também assassinou toda a pintura moderna. Agora poderemos rever os grandes clássicos, como Rafael e Velasques. Se Picasso não existisse, a pintura moderna iria durar ainda uns 200 anos.”Arte como arma de resistênciaPicasso usava sua arte como instrumento de engajamento. O bombardeamento de uma cidade, em 1937, durante a Guerra Civil espanhola, levou o artista a criar uma de suas obras mais marcantes: “Guernica”. O mural simboliza o horror da guerra e o sofrimento da população. No mesmo ano, Picasso pede a naturalização francesa, que lhe é recusada. O artista continuou a viver na França, mas como diria em entrevista de 1955, “era um acaso, sem nenhuma razão especial”. Picasso passou a Segunda Grande Guerra em Paris, durante a ocupação nazista. Os serviços de segurança o ficharam como “anarquista”. Em 1949, Picasso pinta “Pomba da Paz”, que se torna um forte símbolo antibélico internacional. Além da pintura, Picasso também fez esculturas, cerâmicas e gravuras. Os detratores de Picasso apontam justamente que a produção do artista era excessiva.Ele também traduzia em suas obras sua paixão pelas touradas e mulheres. Sua vida amorosa foi intensa e turbulenta. Ao mesmo tempo, era considerado misógino. Picasso casou-se duas vezes, teve quatro filhos e inúmeras amantes. Uma de suas amantes-musas, a fotógrafa francesa Dora Maar, fala sobre a realidade em Picasso, em entrevista de 1955:“Picasso é obcecado, sempre foi, pela realidade”, disse a fotógrafa francesa, em 1955. “Através do Cubismo ele buscou todas as facetas de um objeto. Por exemplo, ele quis retratar as quatro dimensões de uma xícara de café. Mas não o instante presente, o sonho, um local, as nuvens ou a emoção. Ele busca a realidade verdadeiramente concreta de um objeto. Isso gera deformações extraordinárias.” Picasso morreu em 8 de abril de 1973, de uma crise cardíaca, no sul da França, deixando um fabuloso legado artístico e um lastro de tragédias familiares e brigas pela herança do artista, que não deixou testamento.Em 2015, o quadro “Mulheres de Argel” (1955) quebrou um recorde ao ser vendido por quase US$ 180 milhões. Durante algum tempo foi a obra mais cara do mundo, até ser desbancada por “Salvatore Mundi”, de Leonardo da Vinci, vendida por US$ 450 milhões a um príncipe saudita. No dia 20 de dezembro de 2007, dois quadros foram roubados do Masp (Museu de Arte de São Paulo) durante a madrugada, em apenas três minutos, de acordo com os registros de segurança. Um era “O Lavrador de Café”, de Cândido Portinari, e “Retrato de Suzanne Bloch”, de Picasso. As obras foram encontradas pouco mais de duas semanas depois, em Ferraz de Vasconcelos, subúrbio de São Paulo.
(Víspera del Cincuentenario de la Muerte de Pablo Picasso) Si bien los pintores más famosos de los cuatro siglos antes del veintiuno jamás hubieran podido concebir la maravilla tecnológica que son las selfies que nos tomamos con nuestros teléfonos móviles, actualmente no sólo podemos concebir sino aún disfrutar de los autorretratos maravillosos de aquellos genios del arte. Sólo que las selfies de antaño que se hacían ellos llegaron a ser verdaderas obras clásicas en el mundo artístico. Rembrandt, el renombrado pintor holandés que vivió en el siglo diecisiete, llegó a ser un referente del autorretrato clásico. Fue tan prolífico en este género que hay varios libros publicados sobre ese tema. Entre las más de 600 pinturas, 400 grabados y dos mil dibujos de Rembrandt, más de cuarenta pinturas, treinta grabados y algunos dibujos suyos fueron autorretratos. Algunos investigadores han propuesto que usaba un sistema de espejos, tanto cóncavos como convexos, que acababan proyectando su imagen sobre el lienzo, mientras que otros han planteado que no se valía sino de un solo espejo para mirarse. El pintor español Pablo Picasso, uno de los más grandes e influyentes artistas del siglo veinte y creador del Cubismo, comenzó por su parte a pintar autorretratos cuando tenía apenas quince años y no dejó de pintarlos hasta después de cumplir los noventa en 1972, menos de un año antes de su muerte. Es muy interesante estudiar y comparar esa secuencia de selfies, sobre todo por lo diferentes que son entre ellas. Picasso tuvo la gran distinción de ser el primer artista en ver sus obras expuestas en el Museo Louvre de París, el más famoso del mundo.1 Así como Rembrandt y Picasso, también nosotros nos vemos de cierto modo. Sólo que ese modo puede en realidad ser más incierto que cierto, sobre todo comparado con la manera como nos ve Dios. Es que Él nos ha dado la Biblia, el libro más famoso del mundo, no sólo para comunicarse con nosotros, sino también para que la usemos como un espejo en que podamos vernos cómo nos ve Él en calidad de Creador nuestro. Al salmista David lo inspiró Dios para que nos describiera cómo nos vio Él desde el principio de nuestra existencia: Tú [oh Dios] creaste mis entrañas; me formaste en el vientre de mi madre. ¡Te alabo porque soy una creación admirable! ¡Tus obras son maravillosas, y esto lo sé muy bien! Mis huesos no te fueron desconocidos cuando en lo más recóndito era yo formado, cuando en lo más profundo de la tierra era yo entretejido. Tus ojos vieron mi cuerpo en gestación: todo estaba ya escrito en tu libro; todos mis días se estaban diseñando, aunque no existía uno solo de ellos.2 David sabía que él había sido escogido para ser rey de su pueblo precisamente porque Dios, a diferencia de nosotros, no se fija en nuestra apariencia externa, sino que mira nuestro corazón.3 Así que concluye aquel salmo con esta oración que a todos nos conviene repetir: Dios mío, mira en el fondo de mi corazón, y pon a prueba mis pensamientos; mira si voy por el camino del mal, y guíame por el camino eterno.4 Carlos ReyUn Mensaje a la Concienciawww.conciencia.net 1 Manuel J. Prieto, «Los autorretratos de Rembrandt», abril 2020 En línea 22 octubre 2022; Manuel J. Prieto, «La evolución de Picasso en sus autorretratos», septiembre 2017 En línea 22 octubre 2022. 2 Sal 139:13-16 (NVI) 3 1S 16:7 4 Sal 139:23-24 (TLA, DHH)
The Panopticon Effect https://99percentinvisible.org/episode/the-panopticon-effect/ The Yankees Cap Goes Viral in Brazil: ‘Is It Basketball?' https://www.nytimes.com/2023/03/29/world/americas/yankees-caps-brazil.html The sacred tattoos inked by Thai monks https://www.bbc.com/news/av/world-asia-65048258 ‘QBism': quantum mechanics is not a description of objective reality – it reveals a world of genuine free will https://theconversation.com/qbism-quantum-mechanics-is-not-a-description-of-objective-reality-it-reveals-a-world-of-genuine-free-will-200487 Brasil contra fake https://www.gov.br/secom/pt-br/fatos/brasil-contra-fake What are auroras, and why do they come ... Read more
O filme “Nayola”, a primeira longa-metragem de animação de José Miguel Ribeiro, retrata o impacto da guerra civil angolana na vida de três mulheres: Lelena (a avó), Nayola (a filha) e Yara (a neta). Inspirada na peça “A Caixa Preta”, de José Eduardo Agualusa e Mia Couto, com argumento de Virgílio Almeida, o filme mostra que "as guerras nunca terminam" e que as lutas por um mundo melhor se podem perder se as vozes se calarem. Em 1995, Nayola deixa a sua bebé Yara com a avó, Lelena, para procurar o marido desaparecido em combate, durante a guerra civil angolana. Em 2011, Yara é uma "rapper" e activista dos direitos humanos perseguida pela polícia. Dois percursos paralelos que crescem em duas linhas temporais que não se conseguem encontrar. Duas vidas que reflectem um país dilacerado pelas guerras do passado que contaminam o presente. "Ninguém volta da guerra", ouve-se no filme "Nayola", uma história que também é de esperança por um futuro melhor enquanto houver vozes comprometidas com um sonho comum.O filme estreou em França simbolicamente a 8 de Março, Dia Internacional dos Direitos da Mulher, vai estrear em Angola a 31 de Março e chega aos cinemas portugueses a 13 de Abril. Depois do circuito dos festivais e de ter conquistado vários prémios, o realizador José Miguel Ribeiro diz que o maior prémio é que os angolanos sintam o filme como deles e começa por descrever como é que a luta pela construção de uma família também reflecte a luta pela construção de um país.RFI: Como é que resume a história do filme “Nayola”?José Miguel Ribeiro, Realizador de “Nayola”: Nayola conta a história de três gerações de mulheres angolanas que resistem e sonham com um país melhor e lutam por um país melhor, bem melhor, e tentam no meio dessa luta conciliar aquilo que é a construção de uma família com a construção de um país.É uma história que se baseia no texto teatral "A Caixa Preta" do angolano José Eduardo Agualusa e do moçambicano Mia Couto. O que é que o levou a querer adaptar esta obra?Quando descobri a obra que me foi mostrada pelo Jorge António, um amigo realizador que vive em Angola há mais de trinta anos, foi ele que mostrou a peça de teatro antes de ela ser publicada. O que me pareceu interessante nessa peça de teatro era essa dimensão humana destas três mulheres e a forma como tocadas pela guerra, uma guerra imensa que foi a guerra da libertação - são 13 anos mais 27 anos de guerra civil - foi um percurso enorme de sofrimento do povo angolano.O que eu gostei na peça de teatro é essa dimensão humana e quando digo humana é porque todas estas três personagens têm as suas qualidades, mas também têm os seus segredos, os seus lados menos positivos e todas elas lutam e mostram-se de uma forma bastante humana. Essa dimensão humana das personagens foi uma das coisas que mais gostei, a forma como eles as escreveram, como nós tentámos depois também trazê-la de uma forma, se calhar, mais simbólica. Acrescentámos a viagem da Nayola ao passado, à procura de marido, que não existia na peça de teatro; introduzimos uma Medusa que é uma 'rapper' que também não existia como 'rapper' na história do Mia Couto e do Agualusa. Houve um trabalho de contaminação também da história de Angola e daquilo que nós fomos acompanhando: o caso do Luaty Beirão e dos 15 activistas que foram presos. Enfim, o filme demorou nove anos e durante esses nove anos o mundo não esteve parado, esteve sempre a mudar e casos como a morte de George Floyd foram casos que me influenciaram nas tomadas de decisões artísticas também.Falou da dimensão humana, mas há também uma dimensão militante muito forte de mulheres. A história anda à volta de três mulheres. Todas elas lutam à sua maneira: uma vai para a guerra; a outra faz rap e é procurada pela polícia porque, como diz um dos personagens "o rap é guerrilha" e o poder estava "com medo das músicas" dela. No quarto da Yara temos um cartaz a dizer "Feminists" e estreou o filme em França a 8 de Março, Dia Internacional dos Direitos da Mulher. Quis mostrar esta força das mulheres? Era necessário?Eu acho que sim. Continua a ser necessário. Infelizmente continuamos num mundo muito machista, onde o espaço das mulheres tem que ser conquistado com luta e com força e são, de facto, as mulheres que têm feito essa luta. Eu acho que é nossa obrigação - também homens - juntar-nos a essa luta e antecipar esse equilíbrio na sociedade porque já não se compreende como é que temos uma sociedade continuamente machista que impõe às mulheres um desgaste todos os dias de energia para conseguirem coisas que os homens já têm há tanto tempo.A música está sempre no filme. Até na guerra civil um dos soldados tem uma guitarra e na Luanda de 2011 do filme a Yara é uma "rapper" perseguida como já foi Luaty Beirão e tantos outros. No filme, conta com as vozes de Bonga e da "rapper" Medusa que dá voz a Yara. A cantiga como arma também guiou o filme?Sim, aliás, a música com que nós fechamos o filme é a música do Bonga 'Mona Ki Ngi Xiça', que foi uma música do primeiro álbum que ele já gravou na Holanda - quando teve de fugir do regime fascista português e refugiar-se na Holanda - e essa música por si só, e também todas as primeiras músicas do Bonga, eram essa manifestação de resistência e de luta. Primeiro, ainda contra o ocupante, o colonisador Portugal e, depois, a Yara, neste momento, é a luta contra a injustiça social que ela identifica no país e pelas quais ela se defende. A luta continua. A democracia e a conquista dos direitos e da justiça num país não é nada que se possa dizer que está conquistado e está garantido. É uma luta permanente, constante e talvez para os europeus é mais visível a de Angola, mas na Europa há muitas lutas também ainda a fazer e há muitas conquistas que se podem perder.Porque é que quis focar-se em Angola? Que memórias de África é que o levaram a querer fazer este filme sobre Angola?Eu cresci com álbuns do meu pai na Guiné-Bissau que foi militar das forças portuguesas na altura da guerra colonial - como muitos portugueses que não tiveram alternativa, era imposta essa permanência e essa luta contra as colónias. Eu cresci a ver álbuns do meu pai em cima de árvores, vestido de militar, com macacos ao lado. Imagens que eu, na minha inocência de criança, achava muito exóticas e muito distantes. Depois fui crescendo, felizmente tivemos o 25 de Abril em Portugal, a chegada da democracia, a independência das colónias, mas infelizmente fui acompanhando a guerra civil, especialmente em Angola e Moçambique, mas em Angola com mais violência e que durou ainda mais tempo.Angola não é propriamente um tema distante de mim, acho que de nenhum português. Mas conhecia muito pouco Angola, confesso, e quando comecei este trabalho tive que reconhecer a minha ignorância e fazer uma longa pesquisa de mais de cinco anos a ler tudo o que apanhava, a ler também altos autores para além do Agualusa, Pepetela, fazer a minha investigação pessoal para depois, já num processo criativo, poder fechar os livros, escutar a minha memória dessa experiência que foi longa e grande e onde aprendi muito.Aprendi essencialmente a sair da minha posição de ocidental porque essa é talvez a grande aprendizagem deste processo criativo de fazer este filme. É que em Portugal e na Europa continuamos muito limitados na capacidade de nos meter no lugar dos africanos. E quando lá estamos e quando começamos a aproximar-nos, aí é que vemos a distância entre aquilo que é o olhar de África sobre a Europa e o olhar da Europa sobre a África. É uma distância enorme.Vamos então ao processo criativo. As máscaras africanas são um padrão central no filme, mas também as cores quentes, os rituais, as pontes entre vivos e mortos. Como é que construiu o universo gráfico de Nayola?As máscaras influenciam a arte na Europa há muito tempo, desde o Picasso, com o Cubismo que teve influência das máscaras; o Modigliani que também utilizou muito as máscaras para um momento da criação da sua obra. Eu estudei essa arte contemporânea e não podia ficar indiferente à capacidade de síntese e à beleza e força gráfica das máscaras. Para mim, as máscaras africanas já me influenciavam nos meus filmes anteriores, antes de eu fazer um filme africano.Quando eu decidi avançar para este projeto, era óbvio que as máscaras tinham que ser centrais na construção dos personagens até porque elas também são referidas na própria peça de teatro do Mia e do Agualusa. Há um momento em que a Yara diz: "Toda a gente devia usar uma máscara que mostrasse aquilo que nós realmente somos". Com base nessa evidência, nessa presença das máscaras na peça, eu fiz uma pesquisa ainda mais profunda e tentei encontrar uma coerência para a utilização das máscaras e, até, do design das personagens que justificasse também porque é que usamos máscaras. Usamos as máscaras para nos proteger ou para nos mostrarmos? É um questionamento que eu faço no filme e desenvolvo, depois, graficamente as personagens.Parece que o desenho e as cores acompanham tempos paralelos. O passado, de Nayola, à procura do marido na guerra e no mato, e o presente, de Yara, em Luanda. Houve essa vontade de marcar graficamente diferentes universos e tempos?Sim, porque, na verdade, o momento presente é o pós-guerra, o passado é a guerra. Se há alguma coisa que a guerra tem é a intensidade. Tudo é intenso. Na guerra não há meio termo. O que se sente, o que se vive, o que se sofre, é tudo intenso e eu tentei graficamente mostrar essa intensidade com a utilização de uma paleta gráfica muito forte, com cores fortes como os amarelos, os laranjas, os vermelhos, os verdes puros, quase puros. Uma textura, também, sem ser muito trabalhada, crua, e um movimento a nível da animação. Usámos o 2D no passado e animação 3D no presente. Uma animação 2D também muito expressiva e muito intensa e, portanto, eu faço esse contraste entre um passado intenso e plasticamente marcante para um presente mais próximo do fotográfico, uma visão fotográfica com uma dimensão também mais real, se quisermos. É desse contraste que se cria a relação entre um país em paz e o país em guerra e como a guerra continua a tocar a paz do país, mesmo depois de já ter acabado. É esse zigue-zague porque o filme é construído com saltos temporais do presente para o passado exactamente para reforçar essa ideia de que o passado continua a influenciar-nos mesmo que já esteja um bocadinho distante.Uma das frases mais pungentes do filme é "Ninguém volta da guerra". Há também outra frase: "Lutam melhor os que têm belos sonhos. As armas também matam sonhos". Que mensagem é que quis deixar com este filme para a Angola de 2023?Eu acho que é para Angola, mas é para o mundo todo também. Eu acho que as lutas, as guerras nunca terminam. Aliás, eu estava agora a ver uma entrevista de uma viagem que fizemos a Angola em que estivemos a mostrar o filme. Estivemos em Luanda, Benguela e Lubango e há uma das pessoas que nós entrevistámos que nos disse de uma forma que eu acho muito directa e muito visível que a guerra continua. A guerra, claro que não tem se calhar essa dimensão de guerra no sentido de uma violência mais bárbara, mas é uma guerra de procura de um país melhor, de um país sonhado, das pessoas se reverem naquilo que é o seu país, de sentirem que estão a construir qualquer coisa que é um sonho comum e isso, para mim, é fundamental não só em Angola como no mundo todo.A guerra, essas batalhas pela justiça, pela paz, pela distribuição equitativa da riqueza, pela tolerância, são guerras todos os dias. A Yara representa isso, representa a nova geração de jovens comprometidos com um mundo melhor que não se consegue se ficarmos todos em casa. Esse mundo só se consegue quando as pessoas saem e mostram aquilo que querem e não se resignam àquilo que é a condição que lhes querem impor. Eu acho que essa luta, no dia em que nós nos calarmos, ela é perdida, portanto, é importante as pessoas ouvirem-se e fazerem-se ouvir.E o José Miguel Ribeiro não pretende calar-se... Teve antestreia em Luanda, em Fevereiro, e chega ao circuito comercial angolano no final de Março. Quando exactamente e como é que tem sido a recepção em Angola?Na semana que estivemos, e que foi uma semana muito intensa, estivemos com os produtores belgas, também nos acompanharam produtores franceses, com o Jorge António que vive lá e o Henrique, a Medusa também andou connosco. A sensação que tive foi que as pessoas primeiro se emocionaram muito e também se riram muito porque a cena do tio e do sobrinho, que afinal descobrem que estão a lutar em lados contrários, é uma cena hilariante no sentido em que as guerras muitas vezes sabemos como as começamos, mas depois já não sabemos bem porque é que elas existem, porque as pessoas às tantas estão todas a lutar do mesmo lado mas lutam umas contra as outras.O que me tocou mais também foi sentir que as pessoas sentiram o filme como um filme angolano. Um filme que é deles, que é a realidade de Angola, são as lutas deles e é a Angola do passado mas também uma Angola do presente e do futuro. E aí foi o que eu tentei também fazer porque a peça de teatro foi escrita pelo Mia Couto e pelo Agualusa algures em 2011 e esta dimensão mais actual trazida pela Medusa foi também uma intenção de não fazer um filme só a falar do passado mas que fale também do presente e do futuro. Os angolanos reveem-se neste filme, naquilo que são as suas lutas actuais também por um país mais justo, mais equilibrado, mais democrático. Enfim, o país é uma construção, nunca acaba, mas eu fiquei assim muito tocado de os ver falar do filme como se estivessem a falar de um filme angolano. Para mim, é o maior prémio que posso ganhar depois de fazer este filme, é sentir os angolanos a sentirem o filme como um filme deles, que é isso que eu tentei fazer.Quando é que o filme se vai estrear exactamente em Angola?Em Angola é 31 de Março. Em Portugal, sai a 13 de Abril. Em França, vai continuar, estreou na semana passada. Na Holanda, já há uma data de estreia também a 13 de Abril. Na Bélgica, ainda não está anunciada e irá sair também no Brasil. Estes são os países que eu posso confirmar hoje que vão fazer o filme sair em sala.Precisamente, o filme é uma co-produção com a Bélgica, França, Holanda e Portugal. Como é que foi viabilizado financeiramente e quanto é que custou?O filme teve um custo total de três milhões e duzentos mil euros, sabendo que nós em Portugal conseguimos arranjar 46% mais ou menos deste orçamento. Portanto, era preciso arranjar o resto. Um filme de animação com este valor nem sequer é um filme muito caro. Os filmes de longas-metragens rondam os dez milhões de euros na Europa, um preço médio, portanto, nós nem nos ousámos a fazer um filme muito europeu nesse sentido do preço. Agora, fomos criativos, trabalhámos com equipas, com pessoas muito talentosas em todos estes países. A vantagem da co-produção é que é um trabalho colaborativo, sempre, fazer um filme. Se tivermos coprodutores que nos entendem, que estão em sintonia connosco, como foi o caso, a JPL, a S.O.I.L e a il Luster são três produtoras que desenvolvem muito o seu trabalho com uma base muito grande de filmes de autor. Todos nós estávamos em sintonia que é uma obra artística aquilo que nós queremos fazer, não tínhamos ambições de fazer blockbusters e estivemos sempre muito em sintonia. Depois foi preciso distribuir o trabalho, dividir o filme, tentámos manter uma escala pequena na produção em cada país e em vez de concentrarmos em cada país uma parte da execução do filme como se costuma fazer: por exemplo, faz-se a animação num país, depois a intercalação noutro, depois a pintura noutro. Nós tentámos manter em todos os países estas fases, dividindo o filme, uma vez que o filme é um quase road movie, é um filme de percurso, com estilos gráficos também diferentes em vários momentos - temos pintura animada, desenho animado, 3D - fizemos essa divisão mais do princípio ao fim para cada país do que especializar cada país só numa fase da produção. Isso fez com que as equipas trabalhassem de uma forma mais próxima do filme, verem o segmento que é feito nesse país, a verem esse segmento do princípio ao fim a ser construído. Na verdade, trabalhamos muito próximo daquilo que é a forma de trabalhar quando se fazem curtas-metragens.O cinema de animação de autor em Portugal está a dar cartas. Houve o primeiro filme português candidato efectivo aos Óscars ,‘Ice Merchants' de João González, algo que já podia ter acontecido com Regina Pessoa que chegou à short list dos Óscars. Com esta longa, você esteve no festival de animação de Annecy com este filme e já conquistou vários prémios em 2022. Ou seja, o cinema de animação de autor português realmente está a dar cartas, apesar de não ter assim tanto dinheiro? Eu acho que o cinema de animação é curioso porque ele inicia-se com o Abi Feijó num primeiro filme que ele consegue o apoio do Instituto Português do Cinema que, na altura, não tinha concursos só para a animação, portanto, os concursos eram para cinema na generalidade, ele consegue um primeiro apoio e ele e o Fernando Galrito são a geração que luta pelo apoio ao cinema em concursos separados da imagem real.Isso foi uma conquista enorme porque criou uma base financeira para a produção que tem dado resultados ao longo destes últimos anos e, portanto, há gerações de realizadores como o Vasco [Sá] e o David [Doutel], a Laura [Gonçalves] que fizeram um percurso como eu fiz. Eu comecei por trabalhar nos filmes do Abi Feijó, do Zepe e depois um dia comecei a fazer os meus. E a maior parte destes realizadores têm esta escola, que é não só as escolas que existem em Portugal e que ensinam o cinema de animação, mas depois quando entram no mercado de trabalho começam a trabalhar em filmes de outros realizadores até um dia terem a sua oportunidade e começarem o seu percurso como realizador. Essa conquista ao nível das curtas já existe e felizmente, à excepção do ano 2011 em que não houve apoio ao cinema, tem-se mantido regular. Agora, havia aqui o salto a dar para as longas-metragens que felizmente foi dado, há uma longa-metragem apoiada de dois em dois anos no ICA. É provável que nos próximos anos, com os candidatos que estão a propor e com o desenvolvimento do cinema de animação, faça mais sentido que o concurso em vez de ser bianual seja anual. Depois, há aqui um lado que nós não temos tão desenvolvido como a Espanha, que está aí mesmo ao lado, e que é a indústria do cinema de animação. A mim pessoalmente como realizador talvez não me interesse tanto, mas como produtor pode ser um caminho também para criar mais escala de produção, começar a trabalhar também para uma escala onde é possível mais facilmente encontrar mercado e dar oportunidade aos portugueses que são formados nas escolas portuguesas de poderem continuar a trabalhar em Portugal sem terem que emigrar. Porque o que acontece muitas vezes em Portugal é termos formação, temos já algumas escolas em várias zonas do país, mas quando o talento é grande, os animadores acabam a trabalhar para fora. Pronto, isso é uma conversa longa e podemos um dia falar sobre isso, mas parece-me a mim que o cinema de animação, ao nível do filme de autor de curta-metragem, é um cinema que já conquistou quase todos os prémios que existem, só falta mesmo o Óscar. No maior festival de animação de França, que é o festival de Annecy, a Regina Pessoa já ganhou esse festival, enfim, já tivemos realizadores nos maiores festivais do mundo.Agora, para mim, é este o salto que falta dar. As longas, demos o salto nos últimos anos. Saiu a minha longa no ano passado e saiu a longa do Nuno Beato também e irão sair outras em breve, há mais duas longas que estão em produção. Acho que as longas-metragens vão-se começar a afirmar. Para mim, a grande questão aqui está no salto das séries de animação, que Espanha é um país fortíssimo em séries e em França também é muito forte, e nós em Portugal é quase inexistente. Isso prende-se, julgo eu, com dois passos que têm que ser dados. Um que me parece que é o mais importante que é as televisões fazerem investimentos significativos na produção de séries de animação em Portugal, o que não acontece neste momento. O outro é também o ICA, Instituto Português de Cinema, começar a apoiar as séries de animação com valores mais substanciais porque uma série de animação não se faz com 500 mil euros. Uma série são vários episódios, dependendo da duração de cada episódio podem ser várias horas de programação e precisam de financiamentos que rondem os três milhões, no mínimo. Portanto, o custo desta longa é o mínimo de um trabalho de uma série com alguma dimensão. Julgo que é isso que falta em Portugal. Acho que as curtas vão continuar, as longas, espero eu, que se vão instalar e ganhar esse espaço que já estão a conquistar e falta este salto que é o salto da produção de conteúdos de séries.Coproduzido entre Portugal, França, Bélgica e Holanda, "Nayola" esteve em vários festivais em 2022, ano em que conquistou vários prémios, nomeadamente de Melhor Longa Metragem de Animação no Festival Internacional de Cinema de Guadalajara, no México, no Animest Film Festival, na Roménia, no Manchester Animation Festival, no Reino Unido, no Anilogue International Animation Festival in Budapest & Vienna, na Hungria, no Afrykamera African Film Festival, na Polónia, (onde também conquistou o Prémio do Público). O Prémio do Público também foi para « Nayola » na Mostra de Cinema de São Paulo, no Brasil, assim como no Cinanima – Festival Internacional de Cinema de Animação de Espinho, em Portugal. Houve, ainda, o Prémio BE TV da Melhor Longa Metragem da Seleção Oficial do Festival Internacional do Filme de Animação de Bruxelas (Anima), assim como o Cocomics Best Music e DHL Diversity prize no Bucheon International Animation Festival, na Coreia do Sul. O filme esteve, também, em competição na Selecção Oficial no Festival de Annecy, em França.
Scopri “Picasso 100 Domande 150 Risposte”, il primo #LibroChatBOT che ti permette di andare oltre alle pagine del libro grazie ad ArteConcasBOT L'articolo Che cos'è il cubismo per Picasso? | Picasso | Libro ChatBot | 100 domande 150 Risposte proviene da Andrea Concas - Il mondo dell'arte che nessuno ti ha mai raccontato.
Audio complementario de la exhibición Diego Rivera: Vanguardia y Revolución.
Europa, Diego y el Cubismo. Te damos la bienvenida a esta exposición que contiene una parte de la vasta producción de Diego Rivera durante el curso de su carrera artística. El Museo Casa Diego Rivera es uno de los siete recintos museísticos que forman parte de La Red de Museos del Instituto Estatal de la Cultura del estado de Guanajuato. ¡Que disfrutes tu visita!
Você sabe quando surgiu o Cubismo? Escuta aí!
Succede spesso che due artisti lontani siano accumunati da intuizioni parallele che li rendono affini e lo hanno portato a cambiare i paradigmi artistici del proprio tempo. Oggi nel #webdiario parliamo di Giotto e Picasso, e della loro interpretazione dello spazio.
I corsi e i ricorsi dell'arte fanno incontrare a volte artisti che non appartengono allo stesso tempo. E se il trait-d'union tra due avanguardie storiche del Novecento, il Cubismo e il Futurismo, fosse un'artista del Quattrocento? Ne parliamo in questa puntata del #diario di @Quellodiarte.
El próximo año se celebra el 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, por lo que las casas de moda más importantes del mundo ya preparan un exquisito homenaje para uno de los pintores más importantes de todos los tiempos.
Un cambio en la perspectiva - 02 Jun 22
Video dell'episodio --- Send in a voice message: https://anchor.fm/corgiov/message
Versione audio: Paul Klee (1879-1940) nacque in Svizzera. Dopo aver studiato musica si dedicò alla pittura, iscrivendosi all'Accademia di Monaco dove assimilò i princìpi dello Jugendstil. Soggiornò in Italia e a Parigi, subendo le suggestioni del Cubismo e dell'Espressionismo. Nel 1911 conobbe Marc e Kandinskij e nel 1912 partecipò alla seconda esposizione del Blaue Reiter. […] L'articolo Paul Klee proviene da Arte Svelata.
Na série "Grupos de estudo", você vai receber o conteúdo de todas as disciplinas de forma prática e objetiva, facilitando os seus estudos durante a rotina. Nesta edição, vamos falar sobre o Cubismo, movimento artístico europeu que surgiu no início do século 20 na França, tendo como estilo marcante o uso das formas geométricas, esse modo buscava romper com o modelo padrão da estética que valorizava apenas a perfeição . Teve o seu maior destaque em 1907 com a pintura “Les Demoiselles d'Avignon” de um “desconhecido” pintor espanhol chamado Pablo Picasso, que ao lado do francês Georges Braque foram os principais nomes e fundadores deste movimento. A série "Grupos de estudo" é uma produção da Escola de Comunicação e Marketing da UNISUAM. Apresentação e edição : Lucas Alberici (@olucasalberici) - Oitavo período - Jornalismo Texto: Augusto Junior (@augusto.jn) - Oitavo período - Jornalismo
Picasso va oltre la percezione. Il cubismo ferma sulla tela tutti i punti di vista coi quali si può percepire un soggetto. Una visione che non ha più un punto di vista ma ne conta infiniti, e quindi senza più legami. Assoluto, quasi da sembrare un altro tipo di percezione, io ho un'idea e ve la dico nel Diario. Qual è la vostra? Scrivetela qua sotto.
Siamo negli anni Venti. Da una parte del globo, in America, abbiamo l'industria più potente che si sia mai vista fino a quel momento. Dall'altra, invece, abbiamo un cinema europeo completamente disastrato ma — come molto spesso sarà nel corso della sua storia — pronto a risorgere dalle sue stesse ceneri. Cover: Man Ray. Ti piace La Storia del Cinema? Seguila anche su Instagram: bit.ly/IG_LSDC O dai il tuo sostegno al progetto: bit.ly/Patreon_LSDC La Storia del Cinema fa parte dell'universo di VOISLAND, il primo network di podcast italiano. Fatti un giretto su voisland.com
“Sin embargo, antes de llegar al verso final ya había comprendido que no saldría jamás de ese cuarto, pues estaba previsto que la ciudad de los espejos (o los espejismos) sería arrasada por el viento y desterrada de la memoria de los hombres en el instante en que Aureliano Babilonia acabara de descifrar los pergaminos, y que todo lo escrito en ellos era irrepetible desde siempre y para siempre porque las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra.” Fragmento final de “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez. El término fue acuñado en 1.925 por el crítico de arte alemán Franz Roh para caracterizar la pintura post-expresionista alemana de 1.918-1.925, aunque el término fue pronto sustituido por el de . El Realismo Mágico surgió tras la I Guerra Mundial, en el periodo álgido de las vanguardias de entreguerras, como reacción al cansancio que un grupo de artistas sentía del exceso de experimentación, de formalismo, de abstracción y, en definitiva, de deshumanización de las primeras vanguardias: Futurismo, Cubismo, Dadaismo, etc. Parece ser que fue el italiano Massimo Bontempelli el que poco después empezó a difundir el término de Realismo Mágico, aplicándolo a la literatura. Se trata por tanto, de un término surgido primero en las artes plásticas y luego en la literatura en el primer tercio del siglo XX para referirse a creaciones que mezclan realidad y fantasía de modo natural. Es decir: el realismo mágico se caracteriza por la invasión en la realidad de una acción fantástica descrita de un modo realista, ya que se muestra lo irreal y extraño como algo cotidiano y común, y, por contra, a veces se presenta lo común como algo maravilloso. En literatura este término se ha aplicado a una serie de obras y autores hispanoamericanos fundamentalmente de los años 50, 60 y 70 del pasado siglo. Se ha discutido sobre si existe diferencia entre los términos “realismo mágico”, “realismo maravilloso”, “realismo fantástico” y “lo real maravilloso”, aunque podemos considerar estos como sinónimos es conveniente hacer algunas matizaciones. El realismo mágico muestra lo irreal o extraño como algo cotidiano y común. Para ello se vale de los elementos culturales, folclóricos y míticos de las culturas nativas o indígenas de América Latina para alterar la realidad a través del mito. Dos de los principales exponentes del realismo mágico son el colombiano García Márquez y el mexicano Juan Rulfo. En el “realismo fantástico”, en cambio, el peso de lo sobrenatural es mayor y la influencia mítico-indígena, menor. Esta tendencia es característica, sobre todo, de escritores del Cono Sur, especialmente los argentinos Borges, Cortázar y Sábato. El escritor cubano Alejo Carpentier, utilizaba para referirse a su estilo el término “lo real maravilloso”, que podríamos describir como la búsqueda de propiedades mágicas dentro de la realidad misma. En sus propias palabras: ”Lo maravilloso comienza a serlo de manera inequívoca cuando surge de una inesperada alteración de la realidad”. Carpentier se refiere al ambiente mágico, ancestral, supersticioso y colorista atestiguado por cualquier visitante que haya asistido a determinadas ceremonias o lugares emblemáticos del folclore de algunos países del centro y del sur del subcontinente. Lo “real maravilloso”, por tanto es la transcripción literaria de ese ambiente mágico arraigado en las culturas indígenas de origen africano. Este término pronto se confundió con el de “realismo mágico”. No obstante, los autores asociados a “lo real maravilloso”, como el mismo Carpentier y el guatemalteco Miguel Angel Asturias, se caracterizan por un estilo neo-barroco, es decir, ampuloso, complejo y muy adornado. Se conoce como al fenómeno editorial que puso de moda en la época de los sesenta a los narradores hispanoamericanos. A comienzos de esa década, un grupo de jóvenes escritores latinoamericanos, algunos de ellos instalados en ciudades europeas, obtuvieron una inesperada difusión internacional y un súbito éxito comercial, sobre todo por la labor de editoriales españolas y francesas. De repente los autores de esa zona se pusieron de moda, saltaron el charco y conquistaron a una nueva generación de lectores, muchos de ellos jóvenes universitarios contraculturales que leían a Sartre y estaban fascinados por la revolución cubana y el Che Guevara. No existe acuerdo de cual fue el comienzo de este fenómeno, pero sin duda una de las obras pioneras es la opera prima del mejicano Carlos Fuentes “La región más transparente” de 1.958. Algunos afirman que la obra fundacional fue “Rayuela” del argentino Julio Cortázar de 1.963; otros proponen a “La ciudad y los perros” del peruano Mario Vargas Llosa de 1.962; incluso hay quién retrotrae el origen del fenómeno a novelas de los años cuarenta. No todos los críticos aceptan esta etiqueta para designar un movimiento literario dotado de unidad, pues la variedad de los autores y de obras lo dificulta. Además, conviene tener en cuenta que el Boom no es un concepto generacional, pues bajo esta etiqueta conviven escritores de diferentes generaciones y procedencias. Algunos esgrimen, y no les falta razón para ello, que no es un fenómeno puramente literario, sino editorial, es decir, comercial, caracterizado por el éxito rápido e inesperado de un grupo de escritores, que contaron con el decisivo apoyo y difusión de algunas editoriales. Tampoco hay acuerdo en establecer la nómina de integrantes del Boom. A pesar de tomar con cautela el término y advertir que el panorama literario de Hispanoamérica, formado por muchos países de todo un subcontinente, unidos por una lengua común, es mucho más rico y diverso, creo que el concepto del Boom sigue siendo válido, ya que tiene varias décadas de recorrido y fue respaldado por uno de sus integrantes, el chileno José Donoso, en su “Historia personal del Boom” de 1.972. Una de las consecuencias del Boom es que actuó como un foco de atracción que sirvió para dar a conocer a otros escritores latinoamericanos que ya habían iniciado la renovación años antes, sobre todo los vinculados con el Realismo Mágico, o que son coetáneos pero no suelen entrar en las listas de los célebres autores del Boom. Nos referimos al guatemalteco Miguel Ángel Asturias, a los cubanos Alejo Carpentier, Guillermo Cabrera Infante y José Lezama Lima, los mejicanos Juan José Arreola, Juan Rulfo, Sergio Pitol y Fernando del Paso, el paraguayo Augusto Roa Bastos, los argentinos Manuel Mujica Laínez, Ernesto Sábato, Jorge Luis Borges, el venezolano Arturo Uslar Pietri, el colombiano Álvaro Mutis y el uruguayo Mario Benedetti entre otros. Carlos Fuentes abrió el camino con la compleja “La región más transparente” de 1.958, a la que siguieron otras obras audaces como “La muerte de Artemio Cruz” de 1.962, que empieza con un caótico monólogo interior o “Cambio de piel” de 1.967. Cortázar es autor de una de las obras más originales de la década, “Rayuela”, y uno de los mejores cuentistas en lengua española del siglo XX, heredero de Poe y Kafka, autor de relatos fantásticos e inquietantes. Gabriel García Márquez firmó la obra maestra indiscutible del Realismo Mágico, “Cien años de soledad”, y José Donoso será recordado, además de por haber popularizado la etiqueta en su ensayo antes citado, por una de las mejores novelas en español del siglo XX en palabras del influyente crítico Harold Bloom: “El obsceno pájaro de la noche” de 1.970. Mario Vargas Llosa también aplicó técnicas novedosas, como escenarios y narradores múltiples, saltos en el tiempo, monólogo interior, etc. en “La ciudad y los perros” de 1.962, y escribió su mejor obra, “Conversaciones en la catedral” de 1.969, en la que aunó de manera perfecta construcción formal con una trama centrada en la corrupción política. Como hemos dicho Miguel Ángel Asturias fue uno de los precursores de este grupo de narradores y uno de los primeros en utilizar el término . Está presente en “El señor presidente” de 1.948, una obra que inaugura (con permiso del “Tirano Banderas” de Ramón del Valle-Inclán de 1.926) el subgénero típicamente sudamericano de la “novela del dictador”, que tiene otras interesantes manifestaciones en “Yo el supremo” de 1.974 de Augusto Roa Bastos, “El recurso del método” de 1.974 de Alejo Carpentier, “El otoño del patriarca” de 1.975 y “El general en su laberinto” de 1.989 de García Márquez y “La fiesta del chivo” del 2000 de Vargas Llosa. Junto a Carpentier y Asturias, otro de los pioneros de movimiento fue el mexicano Juan Rulfo, que con sólo dos obras, el libro de relatos “El llano en llamas” de 1.953 y la novela “Pedro Páramo” de 1.955, es considerado como uno de los mejores escritores latinoamericanos del siglo XX. El cubano José Lezama Lima representa junto al citado Carpentier, lo que se ha denominado , una estética caracterizada por la exuberancia verbal y la complejidad, cuya obra cumbre es “Paradiso” de 1.966. Ernesto Sábato fue también uno de los primeros renovadores de la narrativa hispanoamericana con su primera obra, “El túnel” de 1.948, una novela negra existencialista que mereció los elogios de Thomas Mann o Albert Camus. Ya en los sesenta escribió la que para muchos es su obra maestra “Sobre héroes y tumbas” de 1.961. Acabaremos este pequeño repaso con el argentino Jorge Luis Borges, un intelectual clave en la difusión de las tendencias innovadoras de la literatura hispana de ese siglo desde su revista “Proa”; poeta ultraísta, lector incansable y, posiblemente, el mejor autor de relatos cortos del siglo, creador de piezas clave como “Ficciones” de 1.944 o “El Aleph” de 1.949; cuentos inteligentes e inquietantes, paradójicos e imaginativos. No cabe ninguna duda que todos estos autores fueron los creadores de una literatura nueva, original y mágica y colocaron en el mundo una realidad antes casi ignorada: la maravilla del universo vital de todo un continente.
In questa puntata vi parliamo di Umberto Boccioni, uno degli artisti italiani più conosciuti nonché uno dei più noti esponenti del Futurismo; l'estetica della velocità che l'avanguardia milanese andava affermando, si esprime con Boccioni nella simultaneità tra visione percettiva e visione interiore, secondo quella che egli stesso definisce “poetica degli stati d'animo”.La tecnica divisionista, il tratto di Munch, le suggestioni simboliste, le sculture di Medardo Rosso, l'incontro con il Cubismo e il pensiero del filosofo Bergson, costituiscono per Boccioni gli ingredienti fondamentali della sua evoluzione artistica, mentre luoghi e figure ricorrenti quali ad esempio la periferia di Milano, il cavallo, la madre, lo interessano in quanto pretesti per rappresentare la forza vitale del dinamismo, sempre più inteso come un flusso continuo e universale che coinvolge tutto, anche gli oggetti statici. La compenetrazione del soggetto con lo spazio circostante e l'unificazione atmosferica degli elementi sono le vie attraverso le quali l'artista reggino giunge a sintetizzare il movimento, tanto nella pittura quanto nella scultura.Link sostieni Art and Talk: https://it.tipeee.com/art-and-talkManifesto del Futurismo: https://tinyurl.com/ytxhr4etLa città che sale: https://tinyurl.com/ye6bxumjForme uniche della continuità dello spazio: https://tinyurl.com/nx6shz2sMateria: https://tinyurl.com/x42mjwm7Stati d'animo. Gli addii https://tinyurl.com/twpzakb7Stati d'animo. Quelli che vanno: https://tinyurl.com/5ufsesymStati d'animo. Quelli che restano: https://tinyurl.com/45dv9fc9L'uomo che cammina (Rodin): https://tinyurl.com/vu2amwSviluppo di una bottiglia nello spazio: https://tinyurl.com/vdnsm23kLink Deborah.ink per info Lab Art and Talk: https://shop.deborah.ink/piccoli-grandi-artistiMusic by Giorgio di CampoBossa Blue for you https://bit.ly/2DCsxH3Billys Blues session https://bit.ly/2ALFQCT
Versione audio: Il Cubismo può legittimamente considerarsi come la più completa e radicale rivoluzione artistica dai tempi del Rinascimento; come ha scritto lo storico dell’arte novecentesco Pierre Francastel, esso «è un modo di espressione specificamente pittorico, raggiunto dagli artisti in un’epoca in cui l’insieme degli atteggiamenti umani è orientato da nuove condizioni di vita, che […] L'articolo Le nature morte di Picasso e le tre fasi del Cubismo proviene da Arte Svelata.
Versione audio: Georges Braque (1882-1963) è stato, con Pablo Picasso (1881-1973) l’iniziatore del Cubismo. Dopo aver trascorso la giovinezza a Le Havre, frequentando la locale Scuola di Belle Arti, nel 1899 si trasferì a Parigi per completare i suoi studi. La fase iniziale della sua carriera fu influenzata dai fauves, come dimostrano i colori brillanti […] L'articolo Braque e la natura morta cubista proviene da Arte Svelata.
Tutto parte dalla vendita di un opera dell'artista Beeple che viene venduta a 69 milioni di dollari!!! Quindi la Digital Art è una nuova forma d'arte? Può essere considerata al pari di un nuovo cubismo? ed essendo digital come potrà essere un museo del futuro come si possono organizzare mostre?
The vinyl record is back. This stems from new data coming to us from around the world. Lana Del Rey, for example, reached number one on the UK album chart this century thanks to record sales of the LP release of the album 'Chemtrails Over the Country Club'. South Korea and Japan, on the other hand, are music markets for which the IFPI World Federation will point out that areas where physical sales are extremely important. And that is why we are proud to present you today an album that has been released in Croatia these days only on vinyl and music streaming platforms. It is a panel ‘Skill Boutique’ signed by Massimo. Welcome to the Good Music Incubator. And today we will browse the HRtop 40 list and bring news from the domestic music scene. With us, among others, will be Cubsimo, Matija Cvek, Vatra and Gentlemen. Track list: Grupa Stil - Dobar znak (Croatia Records), Lidija Bačić - Zalazimo k'o sunce (Menart), Doktor - Last Save (Dallas Records), Massimo - Ne plači (Vještina Boutique) (Aquarius Records), Cubismo i Jazz orkestar HRT - Ljubav, samo ljubav (Aquarius Records), Damir Kedžo & Tijana Bogičević - Hram (Croatia Records), Nova generacija - Dobre stvari su pred nama (Hit Records), Matija Cvek - Ptice (Acoustic Version) (Menart), Franka - Bolji ljudi (Croatia Records), Vatra - Vidi kako se smiješ (Dallas Records), Petar Radanović - Ispod mog kaputa (Croatia Records), Džentlmeni - Slatki otrove (Croatia Records), Klapa Intrade i Oliver Dragojević - Konoba (Scardona).
Cubismo (1907 - 1914). Seguiremos en esta primera Temporada los movimientos del libro: The Short Story of Art de Susie Hodge. Este fue un en vivo realizado en Instagram @kimgarza.art (en vivos de arte todos los Domingos). Pueden encontrar los videos también en YouTube.
Live from Balkan 09.03.2021. - Mladi uspešni koreograf, Buena Vista, Cubismo, Vazduh koji dišemo.... www.radio-primera.websiteradio.co #salsa #bachata #reggaeton #kizomba #musicshow #talkshow #salsashow
Na busca por uma nova expressão, o objetivo dos cubistas era criar uma nova arte, uma nova visão de mundo, que rompesse com o humanismo antigo da sociedade ocidental. Nesta primeira parte, iremos ver como Picasso misturou a arte clássica grega com uma busca mais primitiva. Logo as máscaras e esculturas africanas fariam parte do seu acervo.
Molto più di un dipinto. Guernica, di Pablo Picasso, è la storia del bombardamento della cittadina basca durante la guerra civile spagnola. Entra nei segreti di uno dei capolavori più famosi del 900!Voce e sound design: Enrico CoviliTesto: Armando Torri
¿Sabes qué es el cubismo? En este episodio te contamos sobre sus exponentes y la gran corriente que dio paso a nuevas posibilidades en el futuro del arte.
In questo Episodio di Contaminazione Artistica vi racconto la Storia del Maestro Pablo Picasso. Seguimi su Telegram per tutti gli aggiornamenti http://t.me/alsorace Instagram : https://www.instagram.com/alsorace/
Barbara Paltenghi Malacrida"André Derain. Sperimentatore controcorrente"Museo d'arte MendrisioMostra aperta fino al 31 gennaio 2021A cura di: Simone Soldini, Francesco Poli, Barbara Paltenghi Malacridahttps://museo.mendrisio.ch/André Derain è una delle grandi figure della rivoluzione artistica dell'inizio del XX secolo, sia pittorica sia scultorea, un'icona dell'arte del Novecento, amico di Picasso, Matisse, Braque, Giacometti. Derain ha formato con Henri Matisse e Pablo Picasso la triade di artisti che ha completamente cambiato a livello mondiale l'arte del Novecento. Derain è stato a capo e ispiratore di molte delle maggiori correnti della pittura moderna e contemporanea. È stato l'erede dell'Impressionismo, l'iniziatore della pittura Fauve e uno dei padri del Cubismo, nonché il precursore del Ritorno al Classicismo.Nei primissimi anni del Novecento, una manciata di artisti cambiò completamente il modo di vedere l'arte. Tra i massimi innovatori ci furono Derain e Matisse, che trascorsero vari anni a dipingere insieme i paesaggi di mare a Collioure, nel Sud della Francia. I due diedero vita tra il 1905 e il 1910 a un movimento per il quale si coniò il termine Fauve, cioè il gruppo dei “Selvaggi”, a causa dei vivacissimi, infuocati colori che caratterizzavano le loro opere.Anche Picasso nutrì grande ammirazione e stima per Derain, soprattutto all'inizio del secolo scorso. A partire dal 1910, per diversi anni, Derain e Picasso collaborarono tra di loro e si studiarono reciprocamente. Si frequentarono molto e la loro amicizia durò fino agli anni Trenta. Fu Derain a introdurre Picasso nel mondo dell'arte africana e con Derain Picasso fece i primi passi verso il Cubismo. Entrambi furono amanti della mondanità, uomini di grande successo, celebrità delle arti del XX secolo. Ma se la fortuna di Picasso crebbe per tutto il secolo, quella di Derain ebbe un brusco, momentaneo declino dopo la seconda guerra mondiale, complice il mondo delle gallerie d'arte e del mercato.Il Cubismo, grande tendenza di cambiamento all'inizio del ‘900, ebbe origine da Georges Braque, oltre che da Derain e Picasso. Braque e Derain strinsero amicizia proprio verso il 1909 e per vari anni vissero l'uno vicino all'altro. Nel periodo in cui dipinsero insieme nel quartiere parigino della Ruche, Braque apprezzò molto il Primitivismo di Derain e quest'ultimo guardò molto al moderno classicismo di Braque. Dei suoi vecchi amici, Braque fu l'unico ad aiutare Derain nei momenti di difficoltà, subito dopo la seconda Guerra Mondiale.Chi amò particolarmente l'opera di Derain fu Alberto Giacometti. Al grande artista svizzero piaceva in particolar modo la capacità di Derain di cambiare stile rifacendosi alla tradizione dell'arte antica. Derain rimase sempre legato alla pittura figurativa – il ritratto, il paesaggio, le nature morte – e trovò ispirazione dall'arte greca e romana, su su fino ai grandi maestri dell'Ottocento. Giacometti dedicò un lungo articolo alla sua straordinaria capacità di raccogliere idee da tutta la storia dell'arte, trasformandola in qualcosa di personale. Alla morte del maestro, fu Giacometti ad aiutare i famigliari a salvare decine di sculture di Derain.Grazie alla collaborazione degli Archivi André Derain e ai prestiti di alcuni prestigiosi musei francesi, il Museo d'arte Mendrisio organizza una retrospettiva di ampio respiro sull'opera di Derain: 70 dipinti, 30 opere su carta, 20 sculture, 25 progetti per costumi e scene teatrali, illustrazioni di libri e alcune ceramiche ripercorrono la creatività vulcanica e l'attività poliedrica di questo massimo protagonista dell'arte moderna.Già a partire dalla metà degli anni Dieci, perseguendo una sua personale attitudine teorica e culturale, Derain sceglie una direzione di ricerca decisamente in controtendenza rispetto allo spirito avanguardistico che aveva caratterizzato la sua prima fase. Negli anni Venti e Trenta raggiunge un grande successo internazionale, ma a causa di questo cambiamento di rotta, pur mantenendo una posizione di primissimo piano sulla scena artistica parigina, viene criticato dall'ambiente dell'avanguardia. André Breton, che era suo grande ammiratore, lo accusa (al pari di Giorgio de Chirico) di aver esaurito la sua autentica vena creativa e di essersi rifugiato in una dimensione nostalgica della tradizione, inaridendo il suo incontestabile talento. Anche se nel 1925 dichiara «Che ingenuità o che debolezza parlare di inquietudine della pittura moderna», Derain non può sfuggire alla sua condizione di artista moderno e la direzione “inattuale” della sua impronta stilistica non annulla affatto la dimensione esistenziale ed estetica di quell'inquietudine (e neanche la sua originalità) ma la trasferisce su un piano operativo differente, in modo affascinante e paradossale. La sua ricerca è caratterizzata dalla singolare raffinatezza intellettuale dei suoi continui scarti stilistici e da un'ossessiva volontà di spingere la pratica pittorica sull'orlo dell'abisso del nulla, nell'ostinata e impossibile intenzione di arrivare a cogliere «il segreto delle cose» attraverso quella che lui definisce «archipeinture». Chi ha forse compreso meglio di tutti il senso autentico della sua arte è Alberto Giacometti, che diventa suo grande amico, dal 1936 in poi. Nell'ultima fase della sua vita Derain si isola sempre di più, e non basta una mostra postuma al Musée National d'Art Moderne di Parigi nel 1954 (anno della sua scomparsa) per riportare l'attenzione della critica dominante sulla sua opera, di cui è apprezzato solo il primo periodo avanguardista. Per l'avvio di una vera rivalutazione dell'artista in chiave più attuale bisogna aspettare fino a quando la sua complessa e apparentemente contraddittoria avventura artistica viene riletta da una prospettiva critica postmoderna e non più soltanto all'interno di una visione evolutiva dell'arte scandita dal succedersi delle tendenze moderniste. Importante in questo senso è stata, in particolare, la grande retrospettiva al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (1994-95) intitolata significativamente Le peintre du trouble moderne.Da allora, fortunatamente, il ritorno d'interesse per quest'affascinante e controversa figura maggiore dell'arte del Novecento va progressivamente crescendo.La mostra organizzata dal Museo d'arte Mendrisio, nell'ambito della sua attività espositiva dedicata ai grandi maestri moderni, intende esplorare tutti i principali aspetti della ricerca di Derain, e in particolare contribuire a rimettere a fuoco e rivalorizzare le peculiari qualità della sua complessa e articolata produzione fra le due guerre e fino alla sua morte.Per ciò che concerne la pittura viene analizzata in particolare l'evoluzione e le sperimentazioni stilistiche e tematiche, oltre ai numerosi riferimenti impliciti o espliciti dei più diversi territori dell'arte di tutte le epoche. E questo nei vari generi: il paesaggio, la natura morta, il ritratto, il nudo femminile, le composizioni più articolate.Altrettanto significativa, anche se più ridotta è la produzione scultorea, che viene documentata con un gruppo molto interessante di lavori. Appassionato di teatro, l'artista collabora a molte importanti messe in scene di spettacoli e balletti. Una sezione mette in luce questo aspetto meno noto ma molto rilevante dell'attività dell'artista attraverso una selezione di disegni, bozzetti e documenti fotografici. Un catalogo di circa 230 pagine, edito dal Museo d'arte Mendrisio, documenta con fotografie storiche e schede tutte le opere in mostra, introdotte dai contributi di studiosi e curatori e seguite dai consueti apparati riportanti una bibliografia scelta e una selezione delle esposizioni. Vengono inoltre pubblicati alcuni testi teorici esemplari dell'artista, tradotti per la prima volta in italiano. IL POSTO DELLE PAROLEascoltare fa pensarehttps://ilpostodelleparole.it/
With a pastel de nata in one hand and a ice cold Superbock in another, the boys gladly take us back to Portugal's Festival da Canção. What cherry has been picked to represent the westernmost sovereign state in Europe in the Second Cherry Song Contest 2020? Live Performances of Selected Songs: Elisa with "Medo de sentir"Bárbara Tinoco with “Passe-Partout”Blasted Mechanism with "Rebellion"Filipe Sambado with "Gerbera amarela do sul"Jimmy P with "Abensonhado"Judas with "Cubismo enviesado" Other Links: Matt & Monty's Good Thing of The Week That is Good: Anna Bergendahl's new single "Thelma and LouiseSecond Cherry on TwitterSecond Cherry on InstagramSecond Cherry on Facebook Email us: hello@secondcherry.vision
With a pastel de nata in one hand and a ice cold Superbock in another, the boys gladly take us back to Portugal's Festival da Canção. What cherry has been picked to represent the westernmost sovereign state in Europe in the Second Cherry Song Contest 2020? Live Performances of Selected Songs: Elisa with "Medo de sentir"Bárbara Tinoco with “Passe-Partout”Blasted Mechanism with "Rebellion"Filipe Sambado with "Gerbera amarela do sul"Jimmy P with "Abensonhado"Judas with "Cubismo enviesado" Other Links: Matt & Monty's Good Thing of The Week That is Good: Anna Bergendahl's new single "Thelma and LouiseSecond Cherry on TwitterSecond Cherry on InstagramSecond Cherry on Facebook Email us: hello@secondcherry.vision
No podcast da Ruth Hortência Simões, professora de Literatura da SEDUC Pará, vamos ouvir dicas preciosas sobre as 5 vanguardas européias, tema que poderá estar nas questões de Literatura do ENEM. Com muita clareza, a professora explica o sentido de vanguarda e destaca suas características inovadoras e de rompimento com o passado. Pontua cada uma, a saber: Futurismo, Cubismo, Expressionismo, Dadaísmo e Surrealismo. Ficou curioso (a) pra saber mais sobre vanguarda com a professora Ruth? Ouve este podcast e arrasa na prova do ENEM!
La historia del siglo XX se reduce habitualmente a una sucesión de guerras y desastres, pero se suele olidar que ha sido también una época de grandes avances científicos y de una extraordinaria floración en el campo del pensamiento y del arte. Peter Watson se aparta de la visión convencional del siglo para completarla conel contrapunto de sus grandes progresos intelectuales, en una deslumbrante sucesión de ideas y argumentos que se inicia en 1900 con Freud, Planck o Picasso y que llega hasta nuestro propio tiempo, hasta la biotecnología, el postmodernismo o internet, y hasta pensadores tan diversos como Stephen Hawking o Vidia Naipaul.
Quer saber mais sobre essa figura presente em diversas edições do ENEM? Então cola nesse episódio, pois traremos um resumo topado desse grande gênio da arte, chamado Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santissima Trinidad Ruiz y Picasso... Ufa! Melhor Pablo Picasso mesmo...
Aklea Neon, Damir Kedžo, pocket palma and Nellcote are just a few amongst those Croatian musicians who took a stand for equality and expressed their support for the George Floyd protests in the USA. The music industry stopped all activities for the day on last Tuesday in order to support Blackout Tuesday. Discographers and all involved in the industry expressed their solidarity with the victims of hate crimes and discrimination. Discographers sent out their message: “Our responsibility is to, as guardians of culture, not only to unit in celebration of our wins, but support each other in times of loss as well.” This week Incubator has the freshest news from the music scene. We`ll check out the best hits from HR Top 40 list and introduce you to Tumbao, an album by Cubismo and Jazz orchestra of HRT. We`ll listen to songs of our favourites; Franka, Rundek &Ekipa, ToMa and Kawasaki 3p. List of tracks: Psihomodo pop – Banana (Dallas Records), Franka Batelić – Ljubav, ništa više (Karpo Media, Croatia Records), Pocket palma - Kako izgleda kraj (Cubies Remix) (Aquarius Records), Cubismo, Jazz orkestar HRT - Ljubav, samo ljubav (Aquarius Records, HRT), Rundek & Ekipa - Tko su svi ti ljudi (Menart), Saša Lozar – Dama (Agapa Music), ToMa - Vrijeme je (Dallas Records), Marko Kutlić – Kreni (Hit Records), Kuba & Bocvana - Sičijava situacija (Croatia Records), Pravila igre - Usne od šećera (Gema Produkcija), Jasmin Stavros - Moja Marina (Menart), Trio Gušt - St-Zg (Dancing Bear), Kawasaki 3P - Puta madre (Live &TD) (Dancing Bear)
Expresionismo, Cubismo y Surrealismo fueron las vanguardias artísticas que mayor trascendencia tuvieron en el siglo XX. Desde el punto de vista literario, hablar del último de los movimientos señalados implica nombrar a uno de sus creadores, el poeta Paul Éluard (1895-1952). Su mejor poesía la escribió durante los años 20 y 30 del siglo pasado: Mourir de ne pas mourir (1924), Capitale de la douleur (1926), La vie immédiate (1932) o La rose publique (1934) son títulos capitales de la lírica surrealista. Ante todo, Éluard es un gran poeta del amor, entendido como deseo que desenmascara y, al mismo tiempo, inventa la realidad. La fuerza ciega que destruye y construye el mundo. CRÉDITOS (Poema/voz/música): 1. Presentación – Manuel Alcaine - Louis Durey (Sonatine for flute and piano) 2. A medianoche – Chus Sanjuán - Darius Milhaud (La creation du monde) 3. Al alba te amo – Lola Orti - Darius Milhaud (La creation du monde) 4. En abril de 1944, Paris todavía respiraba – María José Sampietro - Darius Milhaud (La creation du monde) 5. El espejo de un momento – Néstor Barreto - Darius Milhaud (La creation du monde) 6. La aventura pende del cuello de su rival – Néstor - Darius Milhaud (La creation du monde) 7. Te amo – Manuel Alcaine - Darius Milhaud (La creation du monde) 8. Mi amor por haber figurado mis deseos – Manuel Alcaine - Darius Milhaud (La creation du monde)
Expresionismo, Cubismo y Surrealismo fueron las vanguardias artísticas que mayor trascendencia tuvieron en el siglo XX. Desde el punto de vista literario, hablar del último de los movimientos señalados implica nombrar a uno de sus creadores, el poeta Paul Éluard (1895-1952). Su mejor poesía la escribió durante los años 20 y 30 del siglo pasado: Mourir de ne pas mourir (1924), Capitale de la douleur (1926), La vie immédiate (1932) o La rose publique (1934) son títulos capitales de la lírica surrealista. Ante todo, Éluard es un gran poeta del amor, entendido como deseo que desenmascara y, al mismo tiempo, inventa la realidad. La fuerza ciega que destruye y construye el mundo. CRÉDITOS (Poema/voz/música): 1. Presentación – Manuel Alcaine - Louis Durey (Sonatine for flute and piano) 2. A medianoche – Chus Sanjuán - Darius Milhaud (La creation du monde) 3. Al alba te amo – Lola Orti - Darius Milhaud (La creation du monde) 4. En abril de 1944, Paris todavía respiraba – María José Sampietro - Darius Milhaud (La creation du monde) 5. El espejo de un momento – Néstor Barreto - Darius Milhaud (La creation du monde) 6. La aventura pende del cuello de su rival – Néstor - Darius Milhaud (La creation du monde) 7. Te amo – Manuel Alcaine - Darius Milhaud (La creation du monde) 8. Mi amor por haber figurado mis deseos – Manuel Alcaine - Darius Milhaud (La creation du monde)
Le Avanguardie Storiche: il Cubismo di Costantino D'Orazio, supervisione di Monica D'Onofrio, regia di Valerio Giannetti.
Una riflessione sul cubismo partendo dal dipinto Les demoiselles d'Avignon di Pablo Picasso.
En esta sesión les platicamos sobre el curso que tomó el cubismo y las 3 etapas en las que se desarrolló; cubismo analítico, cubismo sintético y cubismo órfico. Escucha con atención, por que después de esto, te aseguramos que verás con otros ojos el arte cubista, te explicamos detalle a detalle para que no te pierdas de nada y salgas de aquí como todo un conocedor!
photo: CC BY 2.0 by jazzlah
Nel Cubismo il punto di vista si moltiplica. Nel ritratto del mercante d'arte di Ambroise Voillard, dipinto da Picasso, ce ne sono centinaia. Un'opera che spiega quanto l'esperienza cubista diventa una visione totale. Tutte le immagini su https://wp.me/p6Hm87-3C2 Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Mono, 2019"
Por fin! hemos llegado a la obra que marcó un estilo que rompió con la estética, pero sobre todo con la tradición artística del siglo XX: Las Señoritas de Avignon” de Pablo Picasso. Una pintura que dará inicio al tan conocido y tal vez poco comprendido CUBISMO. ¿Pero cómo nace? ¿Cómo es que Picasso llega a plasmar una obra tan distinta a sus años de academia, a su época azul y a su periodo rosa?¿En qué o en quién se inspiró?¿Por qué apostó por una pieza artística tan arriesgada? Y la pregunta que sabemos que a muchos les intimida cuestionar ¿Cómo le hago para apreciar una obra cubista? Pues éstas y mucho más respuestas las encontrarás en la sesión que hemos preparado para ti el día de hoy!
En el programa de esta semana invitamos al ilustrador taurino Juan Iranzo para hablar con él sobre su vida y obra En 'La Tertulia' hablamos sobre el cambalache entre el periodico El Mundo, la Fundación y ANOET
En este episodio veremos los tipos de cubismo y sus características para entender más la obras de este tipo y veremos el final de la película, qué pasó con los pintores cubistas? --- Send in a voice message: https://anchor.fm/arteyartistas/message
We have news all around; Dua Lipa is taking over the Top charts with her albums and singles, Madonna has joined Bill Gates in an effort to find the vaccine for the Corona virus, Colbie Caillat is going to perform at a virtual Uncancelled Festival, Drake published a new song and swept the streaming services, Beyonce`s Halo music video is her first video to reach one billion views, and the Grammy Museum has announced dates for online concerts of great musicians such as Courtney Barnett, Richard Marx and Sabrina Carpenter. But, sadly, these days we lost some people that we`re bound to remember for a long time. maestro Ellis Marsalis, Adam Schlessinger from Fountains of Wayne, author of the hit song “I Love Rock&Roll” Alan Merrill and Bill Withers, author of great hits such as “Lean on Me” and “Ain`t No Sunshine”... Incubator of good music says #stayhome and brings you songs from Adastra, Lidija Bačić, Cubismo and Hladno pivo. We present you with an album from Vedran Ljubenko called “Kad je vedro, nije oblačno”, and we go through the HR Top 40 list and bring you all the news from the Croatian music scene. List of tracks: Mario Huljev - Samo ti i ja (Menart), Adastra - Nikuda ne idi (Croatia Records), Lea Dekleva - Daleko (Aquarius Records), Vedran Ljubenko - Vrijeme da se trgnem (Croatia Records), Gea – Kiša (Croatia Records), Kralja - Šeke, šeke (Dancing Bear), Lidija Bačić Lille - Bježimo iz grada (Menart, Fayo music), Cubismo feat. Nola - Lijepa si danas (Aquarius Records), Jure Brkljača - Hajde nazovi me (Hit Records), Damir Kedžo - Divlji vjetre (Eurovision Edit) (Croatia Records), Klapa Cambi i Giuliano - Zovem prijatelje moje (Dallas Records), 4 Tenora i World Online Tamburitza Orchestra - What a Wonderful World (Scardona), Hladno pivo i Online Friends – Ove će proći (Menart)
Hola amantes del arte, en este episodio platicaremos sobre Georges Braque, y cómo sus obras dieron el nombre al cubismo, y claro también hablaremos de Picasso y cuales son los fundamentos que estos 2 pintores definieron para el cubismo. Picasso no fue el único creador tuvo un compañero en este proceso. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/arteyartistas/message
Picasso is one of the greatest artists of all time, with people of all ages knowing his name and recognising some of his artworks. In this episode we speak in Spanish all about him, look specifically at some of his pieces and speak about some various other things to do with the great man. Enjoy! Please leave a review on Apple Podcasts or Stitcher if you've liked this episode, as it will help us to reach more people who can benefit from our content: https://www.stitcher.com/podcast/espeak-spanish-podcast Find the transcript in Spanish and English for this episode at https://espeak.online/2020/04/01/podcast-episode-23-transcript/ ESpeak provides online Spanish lessons to get you speaking confidently. Find out more at https://espeak.online/ --- Send in a voice message: https://anchor.fm/espeak/message
Music in the Age of Corona means loads of streamed concerts, communication via social media, listening to new songs on the radio in the comfort of our homes and discovering interesting stuff on streaming services. It also means discovering a whole new way to create our Incubator. Just as always we bring you some musical news, new songs from our music scene, a glance of HR Top 40 and an album that brings smiles. And that`s just how we`d describe this week`s episode - filled with optimism and smiles. Exactly what we need these days... In this episode we`ll hear songs from Cubismo and Nola, Mile Kekin, Luka Nižetić and Ogenj. Album of the week has an interesting name- Gluten Tag, and it`s the work of Helem nejse, a band from Sarajevo. List of tracks: Gelato Sisters - Nezamjenjivo, (Aquarius Records, Mikrofon Records), Cubismo feat. Nola - Lijepa si danas (Aquarius Records), Darius feat. Laura Mjeda - Sve što želim (Hit Records), Helem Nejse - Lagana zadava (Croatia Records), Mile Kekin - Epilog kuće bez krova (Menart), Leteći odred - Hajde reci mi (Croatia Records), Dino Petrić - Vino i noć (Croatia Records), Luka Nižetić - Život je let (Dallas Records), Elemental - Hej, sanjalice (383 Records), Ogenj - Kaj nebi bilo (Dancing Bear), Vatra - Sva naša ljeta (Dallas Records), Robert Funčić – Dječak (Dallas Records)
Dónde, cuándo y por qué surge el cubismo. Influencias científicas, sociales y tecnológicas. Es el marco histórico del cubismo. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/arteyartistas/message
Oltre il Cubismo e verso l'Astrattismo. Il Neoplasticismo di Piet Mondrian si fonda su due delle più importanti avanguardie del novecento. Il suo percorso di sintesi è talmente profondo che riesce a ricondurre alla tela anche la scultura. Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/03/17/il-cammino-di-un-paesaggista-neoplastico-piet-mondrian/ Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Il Cubismo Orfico pone l'osservatore in davanti a quadri che sono finestre simultanee verso un'unico soggetto ricercando una scomposizione luminosa, e finalizzando il tutto in un "piacere estetico puro" che non si preoccupa di arrivare all'astrazione.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/17/la-simultaneita-del-cubismo-orfico/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Anche se legati alla scuderia di Daniel-Henry Kahnweiler, il più importante gallerista dei cubisti, Derain e Léger prendono una linea autonoma nella loro tessitura pittorica. Il primo raccoglie l'eredità di Cézanne, l'altro spinge il cubismo verso nuovi orizzonti.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/07/i-cubisti-divergenti-derain-e-leger/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Picasso ha lanciato il Cubismo ma gli artisti che hanno fatto del movimento la loro vita sono Georges Braque, che l'aveva visto nascere, e Juan Gris. Il finale del Cubismo è nel colore ma interpretato in modo completamente diverso.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/06/gli-ortodossi-del-cubismo-braque-e-gris/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
La scomposizione del Cubismo analitico trova il suo più grande ostacolo nell'invenzione dell'Astrattismo di Kandinskij. La soluzione è nella ricostituzione del soggetto rappresentato ma con una nuova forma: il cubismo sintetico.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/05/la-ricostituzione-del-cubismo-sintetico/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Il Cubismo scompone la forma e non lo fa cercando geometrie ma rappresentando, nella dimensione della tela, molteplici punti di vista. L'immagine si analizza con un occhio di riguardo alla neonata "teoria della relatività" di Einstein.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/04/la-scomposizione-del-cubismo-analitico/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Il Cubismo è la sintesi di tante scintille artistiche che hanno portato con se l'intuizione di Picasso, di Braque, ad un nuovo tipo di percezione della realtà. Così, all'inizio del novecento, un gruppo di artisti c'insegna un nuovo modo di vedere il mondoTutte le immagini su https://quellodiarte.com/2020/02/03/prima-di-essere-cubisti/Vuoi rimanere aggiornato su tutte le novità su Quello di Arte? Iscriviti alla mailing list di Quello di Arte cliccando su questo link https://mailchi.mp/e5da93e9fc36/mailinglistSe volete scrivere a Quello di Arte l'email è quellodiarte@gmail.comPlaylistMichelangelo Mammoliti, Walkman Main, 2019
Come si evolve l'arte di Picasso dopo Les Demoiselles d'Avignon?Dopo una breve spiegazione sul cubismo analitico e sintetico, raccontiamo il più grande capolavoro di Picasso: Guernica, un'opera universale, denuncia universale degli orrori della guerra. Alla fine dell'episodio una piccola curiosità su uno dei dipinti che saranno presenti alla mostra sulla collezione del Guggenheim a Palazzo Reale di Milano dal 17 ottobre cura di Megan Fontanella.link Ritratto di Ambroise Vollard: https://bit.ly/2OsvZJXlink I musicanti: https://bit.ly/2OrB7hylink Guernica: https://bit.ly/2ItX7Vplink esempio di papier collé: https://bit.ly/33bCEMKmusic by Giorgio di CampoBossa Blue for you https://bit.ly/2DCsxH3Billys Blues session https://bit.ly/2ALFQCT
Perchè si parla di periodo blu e periodo rosa di Picasso?Chi sono Les Demoiselles d'Avignon, protagoniste di uno dei suoi capolavori più importanti?Come mai Pablo Picasso fu sospettato per il furto della Gioconda avvenuto nel 1911?Un breve viaggio nella vita e nelle opere del più grande artista del xx secolo.opera periodo blu: https://bit.ly/2mKJuZKopera periodo rosa: https://bit.ly/2mI5VyHLes Demoiselles d'Avignon: https://bit.ly/2miUcGQFurto della Gioconda: https://bit.ly/2llg2czmusic by Giorgio di CampoBossa Blue for you https://bit.ly/2DCsxH3
Ouça os destaques do Caderno 2 desta segunda-feira (19/08/19)See omnystudio.com/listener for privacy information.
All’inizio del novecento il soggetto dei quadri si scompone ma ci sono modi e modi. In questa puntata parleremo della scomposizione Cubista e della scomposizione Futurista. @QuelloDiArte entra in modalità #examtrainer e risponde alle domande #salvavita. Vuoi avere risposte alle tue domande? Chiedile nei commenti qui sotto.
In questo Episodio di Contaminazione Artistica vi racconto la Storia Incredibile del Grande Salvador Dalì
Il #cubismo è questione di punti di vista. La scomposizione del soggetto rischia di diventare astrazione. Il cubismo analitico iniziale diventa cubismo sintetico. Vediamo perché. @QuelloDiArte entra in modalità #examtrainer e risponde alle domande #salvavita. Vuoi avere risposte alle tue domande? Chiedile nei commenti qui sotto.
In questo Episodio di Contaminazione Artistica vi racconto la Storia Incredibile del Grande Pablo Picasso
Il Cubismo apre la strada a una nuova percezione della realtà. Picasso e Braque segnano un nuovo limite dell'arte in cui si raccoglie l'eredità delle grandi innovazioni del novecento. Un inizio secolo che è governato delle avanguardie. In questa puntata di StArt vedremo insieme la versione del Cubismo.Tutte le immagini su https://wp.me/p6Hm87-2DdPlaylistIntro: Michelagelo Mammoliti, Quello di Arte StArt main 1, 2018No license
#ArtLife - Cortes talks about Cubism. #CultureTalk - We review the Season 2 of the show Genius, dedicated to Picasso. #HablandoEspañol - Cubismo, Antología, Documental, Pinturas, Década, Sin Tiempo, Amante, Retiro, Terco PINS, POSTERS AND STICKERS - LAUNCH ONE & LAUNCH TWO NOW AVAILABLE AT CORTESNYC.BIGCARTEL.COM Check out Carla's SoundCloud Here - Soundcloud.com/carladepuertorico Find us on Instagram - @cortesnyclivestream And on Facebook - Cortesnyc Livestream
"María creció acostumbrada a las miradas de los demás, a que la señalaran con el dedo y a que los otros niños la llamaran bruja. Pero desde muy pequeñita también, descubrió algo que aliviaba el dolor que le provocaba su enfermedad y le hacía sentirse bien: María pintaba y dibujaba durante horas"María Blanchard fue una pintora española y es la mujer elegida por la periodista Asun Gómez Bueno.'No me cuentes cuentos' es un proyecto colectivo liderado por Kloshletter y Prodigioso Volcán al que Podium Podcast y Espacio Fundación Telefónica se unen para darle forma sonora.
Pablo Picasso, Georges Braque... o que eles têm em comum? NPL 2541
C’era una volta la natura morta ma alle avanguardie del novecento non bastava. Gli oggetti nel XX secolo si caricano di significato e sembrano diventare gli unici capaci di definire un’emozione. Non solo semplici simboli ma ciò che T.S. Elliot e Eugenio Montale definivano come correlativi oggettivi dal valore universale. A Quello di Arte Blog Radio Podcast oggi parleremo della poetica degli oggetti.Tutte le immagini su https://quellodiarte.com/2018/06/15/freestyle-5-la-poetica-degli-oggetti/
Adepte de la Techno sombre et profonde faisant monter la pression et contracter vos muscles, Bothmark joue avec vos émotions. De la Techno poussée à saturation, une touche contemporaine et un rythme effréné ; chacun de ses sets se vit et ne s'écoute pas seulement. Sébastien, depuis maintenant plusieurs années, laisse évoluer sa passion à travers voyages, expériences et détermination novatrice. Possédant également la facette producteur, ses progrès sont rapides et montrent que son imagination n'a pas encore rencontré de frontières. Vous ôtant les mots de la bouche, ne laissant place plus qu’à vos pas saccadés, cet oiseau de nuit définit son univers tel un exutoire où seul l’égrégore prend place, réunissant amateurs et confirmés sous une même cause. Celle de la passion. Laissez-vous chuter dans un univers noir où seule la Techno est reine. https://soundcloud.com/bothmark https://www.facebook.com/bothmark/ https://www.mixcloud.com/Bothmark/ Tracklist : 1. Reflec- Passage 2. Amotik – Solah 3. Reflec – Fracture 4. Versions – Track two 5. Raiz – Cored 2 (Cell injection remix) 6. Erdem Tunakan & Alpha tracks – Phosphor 7. James Ruskin – After Dark (Remaster) 8. Markus Suckut – Section 9. Architectural – Cubismo 8.3 10. Rumah & Progression – Candid 11. Petter B – Mondo 12. Amotik – Pandrah 13. Sebastien Mullaert – Fusion ( Markus Suckut Remix) 14. New Energy 15. CNPT – Foreign drums sequence 1 16. Under Black Helmet – Misbehavior
Mucho Cubismo! Mary Fleener joins the show to talk about her career in cartooning, her love/hate relationship with LA (mostly hate now, but there was a little love in the early days), the Zora Neale Hurston story that made a cartoonist out of her, the tale of how Matt Groening accidentally derailed her career, the roots of her Cubismo drawing style, the joys of simplifying her life, the new book she's working on, the horrors of The Comics Journal's message board, and more!
Planteamos ante todo la existencia de dos bloques de corrientes bien diferenciadas: las primeras vanguardias históricas y las tendencias posteriores a la Segunda guerra Mundial. Hola, puedes encontrarnos en www.spainhistoryteacher.com SE FELIZ
CUBISMO GRAFICO FIVE 松田"チャーベ"岳二 コメント・ムーヴィー
"Hasta el 8 de julio permanecerá abierta en la sede de la Fundación Juan March la exposición «Cubismo en Praga (Obras de la Galería Nacional)», que desde el pasado 11 de mayo se exhibe en esta institución. Con ella finaliza la temporada de exposiciones para el presente curso.Un total de 76 obras (óleos, esculturas, acuarelas, dibujos y guaches) de diez artistas, todas ellas pertenecientes a la Galería Nacional de Praga, constituyen esta muestra, que se ha organizado con la colaboración del Museo Picasso, de Barcelona.Diecisiete obras de Picasso, otras de los franceses Derain y Braque y el resto de siete artistas checos, representativos del movimiento cubista en los quince primeros años del siglo, se muestran por primera vez fuera de Praga. Las obras pertenecieron al historiador del arte checo Vincenc Kramár (1877-1960), que donó su colección a la Galería Nacional, de la que fue director entre 1919 y 1938.En la inauguración de la exposición, el pasado 11 de mayo, pronunció una conferencia el director de la citada Galería Nacional de Praga, Jiri Kotálik, quien es autor del artículo sobre el cubismo en Praga que recoge el catálogo de la exposición."Más información de este acto
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