Das Filmmagazin

Wir nehmen euch mit auf eine filmhistorische Reise zu den Anfängen des (DDR-)Sci-Fi-Kinos – und direkt zur Venus. Der schweigende Stern (1960), im Westen bekannt als Raumschiff Venus antwortet nicht, gilt als der erste Science-Fiction-Film der DEFA und als Meilenstein sozialistischer Zukunftsvisionen. Basierend auf Stanisław Lems Roman Die Astronauten entfaltet der Film eine utopische Welt der internationalen Zusammenarbeit – dominiert von sowjetischem Fortschrittsoptimismus. Doch schnell wird klar: Die Vision hat Schattenseiten. Zwischen Technik-Euphorie und atomarer Warnung sehen wir eine ideologisch aufgeladene Erzählung, die nicht nur als Science-Fiction, sondern auch als politisches Propagandawerk gelesen werden muss.

Was passiert WIRKLICH hinter den Kulissen eines Filmstudios? Die neue Apple-TV-Serie The Studio liefert eine satirische Antwort – mit Seth Rogen in Höchstform. In unserer aktuellen Folge vom Filmmagazin nehmen wir die zehnteilige Serie genau unter die Lupe. Im Zentrum steht der frisch beförderte Studio-Boss Matt Ramek (gespielt von Seth Rogen), der den Spagat zwischen cineastischer Vision und kommerziellem Erfolgsdruck meistern soll. Gleich zum Start wird ihm eine absurde Aufgabe übertragen: Er soll einen Blockbuster um den US-Kultcharakter Kool-Aid Man produzieren – als Antwort auf den Megaerfolg von Barbie.

Andor ist anders – kein Jedi-Pathos, keine Fanservice-Flut, sondern ein spannungsgeladener Politthriller im Star Wars-Universum. In dieser Folge vom Filmmagazin sprechen wir darüber, warum diese Serie selbst Star-Wars-Skeptiker begeistert, wie Andor politische Machtmechanismen entlarvt und weshalb Stellan Skarsgård als Strippenzieher Luthen unvergesslich bleibt. Wir erklären, was die Serie so außergewöhnlich macht, warum man keine Vorkenntnisse braucht – und wieso Andor das Beste ist, was Star Wars seit Jahren passiert ist.

Im neuesten (und mutmaßlich letzten) Teil der Mission: Impossible-Reihe steht alles auf dem Spiel – für Ethan Hunt, für die Welt, und vielleicht auch für das Franchise selbst. The Final Reckoning will das große Finale liefern, verheddert sich aber zwischen KI-Bedrohung, Nostalgie-Montagen und überambitioniertem Storytelling. Im Filmmagazin sprechen wir über die stärksten Momente des Films und darüber, warum dieser Action-Blockbuster trotzdem einen faden Beigeschmack hinterlässt.

Zwei Cousins auf Spurensuche durch Polen, getrieben von der gemeinsamen Familiengeschichte – A Real Pain, der zweite Film von Jesse Eisenberg als Regisseur, verbindet persönliche Erinnerung mit tragikomischer Buddy-Dynamik. In unserer aktuellen Podcast-Folge widmen wir uns diesem ungewöhnlichen Roadmovie, das sowohl als Charakterstudie als auch als Reflexion über transgenerationale Traumata überzeugt. Im Mittelpunkt stehen David (gespielt von Eisenberg selbst) und Benji (Kieran Culkin), deren Reise zu den Wurzeln ihrer jüdischen Familie nicht nur die Vergangenheit greifbar macht, sondern auch die fragile Beziehung der beiden auf die Probe stellt. Dabei ist Benji nicht nur der „Real Pain“ im doppelten Wortsinn, sondern auch der emotionale Zündstoff des Films.

In unserer aktuellen Filmmagazin-Folge besprechen wir Roman J. Israel, Esq. (2017), das Justizdrama von Dan Gilroy mit Denzel Washington in der Hauptrolle. Der Film stellt die Frage: Kann ein Idealist im kaputten US-Justizsystem bestehen? Washington spielt einen brillanten, aber sozial unbeholfenen Anwalt, dessen Welt ins Wanken gerät, als sein Partner und Mentor ins Koma fällt. Wir diskutieren, warum die Geschichte trotz starker Ansätze letztlich unbefriedigend bleibt.

In seinem vermutlich letzten Film präsentiert Clint Eastwood mit Juror No. 2 ein intensives Gerichtsdrama, das mit moralischen Fragen und komplexen Charakteren überzeugt. Der Film erzählt die Geschichte von Justin Kemp (Nicholas Hoult), einem trockenen Alkoholiker, der als Juror in einem Mordprozess eingesetzt wird. Doch bald erkennt er, dass er selbst möglicherweise der Täter ist – ein Konflikt, der ihn zwischen Schuld, Pflichtbewusstsein und familiärer Verantwortung hin- und herreißt. Eastwood, bekannt für seinen handwerklich soliden Regiestil, zeigt sich hier erneut als Meister des klassischen Erzählkinos. Auch wenn der Film erzählerisch etwas spröde wirkt und manche Nebenfiguren blass bleiben, fasziniert die zentrale Frage: Was ist gerecht? Besonders im Fokus steht das amerikanische Justizsystem und seine Tücken. Juror No. 2 bietet eine nachdenkliche Auseinandersetzung mit Recht und Moral und zeigt, dass Gerechtigkeit nicht immer einfach zu bestimmen ist.

Ein Hochgeschwindigkeitszug, eine Bombe und ein Ultimatum: In Bullet Train Explosion darf der Shinkansen nicht unter 100 km/h fallen – sonst droht die Katastrophe. Klingt nach Speed? Tatsächlich basiert der neue Netflix-Film auf dem japanischen Klassiker Panik im Tokio Express von 1975 und setzt weniger auf Spektakel als auf Teamwork und Bürokratie. In dieser Folge vom Filmmagazin sprechen wir über die Stärken des Films – wie das solidarische Krisenmanagement – und über seine Schwächen, etwa bei den Figuren und dem etwas gezwungenen Rückbezug auf das Original.

Kann Marvel nach vielen Enttäuschungen endlich wieder überzeugen? Thunderbolts* überrascht mit einem unerwartet starken Fokus auf Charakterentwicklung und psychische Gesundheit – statt auf Effektgewitter und Multiversumschaos. Florence Pugh als Jelena Belova, David Harbour als Red Guardian und der geheimnisvolle Bob (Lewis Pullman) bilden ein ungleiches Team von Außenseitern, das nicht zusammenarbeiten will, sondern muss. In unserer neuen Folge besprechen wir, warum Thunderbolts* trotz einiger Schwächen zu den besseren MCU-Filmen der letzten Jahre gehört – und warum gerade die Reduktion auf weniger Figuren und ein zentrales Thema dem Film so gut tut. Ist das der Neuanfang für Marvel oder bleibt es eine Ausnahme?

In der aktuellen Folge vom Filmmagazin widmen wir uns Warfare von Alex Garland und Ray Mendoza, der derzeit im Kino läuft. Der Film wirft uns mitten in den Irakkrieg des Jahres 2006 – aus der Sicht einer US-Navy-Seal-Einheit, die sich in einem besetzten Familienhaus gegen Angreifer verteidigen muss. Dabei stehen weniger strategische Zusammenhänge oder politische Hintergründe im Fokus, sondern die erschütternde Sinnlosigkeit des Krieges. Ist Warfare nur ein zweites Black Hawk Down? Oder gelingt es dem Film, durch seine gnadenlos realistische Darstellung, die Schreie der Soldaten und das völlige Fehlen von Musik eine Anti-Kriegsbotschaft zu vermitteln?

Was, wenn eine Entscheidung dein ganzes Leben verändert hätte? In der neuen Paramount+-Serie „Parallel Me“ bekommt Workaholic Toni genau diese Chance – doch der Blick in andere Realitäten ist nicht ohne Risiko. Weder in der Geschichte, noch für die Serie. In unserer neuen Podcast-Folge sprechen wir darüber, warum „Parallel Me“ trotz interessanter Prämisse nicht ganz die Tiefe erreicht, die wir uns erhofft hatten. Wie spannend sind die Sprünge durch alternative Leben?

Mit „Hagen – Im Tal der Nibelungen“ versucht sich das deutsche Kino an einem selten gewählten Genre: großangelegte Fantasy, angelehnt an die traditionsreiche Nibelungensage. Basierend auf dem Roman von Wolfgang Hohlbein verlagert der Film den Fokus auf Hagen von Tronje – jenen tragischen Krieger, der Siegfried tötet und damit selbst zur legendären Figur wird. Doch statt einer simplen Heldensaga entfaltet sich ein düsteres Drama über Pflicht, Ehre und unterdrückte Gefühle. Im Zentrum steht nicht nur die ambivalente Beziehung zwischen Hagen und Siegfried, sondern auch eine visuell imposante Inszenierung, die unverkennbar von „Game of Thrones“ inspiriert ist – sowohl in der Lichtgestaltung als auch in der Bildsprache. Ob der Stoff als geplante Serie auf RTL+ neue Tiefe gewinnen kann, bleibt abzuwarten. Ob sich der Film lohnt, verraten wir Euch in dieser Folge.

110 Millionen Dollar Budget, aber kaum jemand redet über Better Man – warum eigentlich? In der aktuellen Folge von Das Filmmagazin nehmen wir das ungewöhnliche Musiker-Biopic unter die Lupe: die Geschichte von Robbie Williams, inszeniert als visuell überbordendes Musical. Mit einem Schimpansen in der Hauptrolle. Wir sprechen über die mutige – und finanziell fatale – Entscheidung, Robbie Williams nicht von einem Schauspieler, sondern digital als Affe darstellen zu lassen. Funktioniert diese absurde Idee oder lenkt diese Darstellung eher ab? Was taugt der Film über Selbstzweifel, Vaterkomplexe und das ewige Streben nach Anerkennung?

Wenige Serien haben in den letzten Jahren für so viel Diskussionsstoff gesorgt wie Adolescence. In dieser Folge vom Filmmagazin analysieren wir die gefeierte Miniserie, die nicht nur durch ihre One-Shot-Inszenierung beeindruckt, sondern auch mit brisanten gesellschaftlichen Themen aufwartet. Im Mittelpunkt steht der 13-jährige Jamie Miller, der zu Beginn der Serie unter Mordverdacht verhaftet wird. Was folgt, ist eine eindringliche Erzählung über toxische Männlichkeit, Internet-Radikalisierung und eine von Codes der „Männersphäre“ durchdrungene Schulrealität. Dabei bleibt Adolescence fragmentarisch und gerade deshalb so kraftvoll. Besonders herausragend ist die technische Umsetzung.

Ein deutscher Film ohne erhobenen Zeigefinger – geht das? Ja, und „Mit der Faust in die Welt schlagen“ beweist eindrucksvoll, wie kraftvoll und zugleich leise Kino sein kann. In unserer neuen Folge vom Filmmagazin sprechen wir über das Langfilmdebüt von Constanze Klaue, das auf dem Roman von Lukas Rietschel basiert und die Geschichte zweier Brüder in der ostdeutschen Provinz erzählt. Im Zentrum steht das Leben in der Oberlausitz nach der Wende: Ein kaputtes Elternhaus, prekäres Aufwachsen zwischen Plattenbau und unfertigem Eigenheim, eine wortlose Gesellschaft, in der Schmerz und Orientierungslosigkeit nie ausgesprochen, sondern weitervererbt werden. Der Film zeigt, wie leicht jugendliche Radikalisierung geschehen kann – ohne sie zu erklären oder gar zu entschuldigen.

In der aktuellen Folge vom Filmmagazin widmen wir uns dem Paranoia-Thriller „Marathon Man“ von John Schlesinger aus dem Jahr 1976. Der Film mit Dustin Hoffman, Laurence Olivier und Roy Scheider gilt als Klassiker des New Hollywood und verbindet politische Verschwörung, NS-Vergangenheit und persönliche Traumata zu einem düsteren Katz-und-Maus-Spiel. Doch kann der Film auch heute noch begeistern? Wir diskutieren, warum die Story erst spät an Fahrt aufnimmt, wieso der Thriller trotz einiger Längen seine Wirkung entfaltet – und was die ikonische Zahnarzt-Folterszene mit dem Kinopublikum der 70er gemacht hat. Außerdem geht es um Misstrauen gegenüber staatlichen Institutionen, reale Bezüge zur McCarthy-Ära und die Frage, ob der Film seiner Zeit systemkritischer war, als es auf den ersten Blick scheint.

In der neuen Folge vom Filmmagazin sprechen wir über Heretic von Scott Beck und Bryan Woods (Drehbuch zu A Quiet Place) – produziert vom Indie-Studio A24. Im Zentrum steht ein düsterer Hugh Grant, der als ketzerischer Intellektueller zwei junge Mormoninnen in seinem labyrinthartigen Haus gefangen hält. Was als dialoglastiger Psychohorror beginnt, entwickelt sich bald zu einem klassischen Escape-Room-Thriller mit religiösen Untertönen. Wir besprechen, warum Heretic in der ersten Hälfte mit Spannung, starkem Setdesign und einer subtilen Bedrohung überzeugt – und warum er in der zweiten Hälfte leider hinter seinen Möglichkeiten zurückbleibt. Ob sich der Film für den nächsten Horrorabend wirklich lohnt und was Heretic über Glaubenssysteme erzählt oder eben nicht – all das erfahrt ihr in dieser Folge.

Mit „Win or Lose“ veröffentlicht Pixar seine erste eigene Serie – und liefert damit eine der stärksten Produktionen des bisherigen Jahres ab. In dieser Folge vom Filmmagazin besprechen wir, warum die achtteilige Disney+-Serie rund um ein Softball-Team der Mittelschule mehr ist als nur ein Feelgood-Happen für Kinder. Denn „Win or Lose“ überzeugt nicht nur mit seiner innovativen Erzählstruktur – jede Episode beleuchtet das gleiche Geschehen aus einer neuen Perspektive –, sondern auch mit seinem visuellen Erfindungsreichtum. Angst wird zum sabbernden Blob, innere Abschottung zur Ritterrüstung, und kindliche Fantasie verwandelt die Welt in 2D. Die Serie schafft es, emotionale Innenwelten sichtbar zu machen – ganz im Stil von Alles steht Kopf, aber mit deutlich eigenständigem Ton. Ist „Win or Lose“ wirklich schon jetzt ein Kandidat für die beste Serie 2025?

In The Electric State werfen die Russo-Brüder mit Stars, Spezialeffekten und Budget nur so um sich – und liefern doch nur belanglosen Blockbuster-Brei. In unserer neuen Folge von Das Filmmagazin spricht Lukas über den neuesten Netflix-Film mit Millie Bobby Brown, Chris Pratt und Stanley Tucci – und erklärt, warum der Science-Fiction-Roadtrip trotz aller Zutaten nicht zündet. Der Film, basierend auf dem gleichnamigen illustrierten Roman von Simon Stålenhag, spielt in einer alternativen 90er-Jahre-Zukunft, in der Drohnen den Alltag bestimmen und Roboter verbannt wurden. Klingt spannend? Ist es leider nicht. Statt erzählerischer Tiefe gibt es austauschbare Bilder, Nostalgie-Plattitüden und einen Soundtrack, der Emotionen künstlich erzwingen will. Trotz der hochkarätigen Besetzung bleibt The Electric State ein Beispiel für alles, was im modernen Blockbuster-Kino falsch läuft: visuell poliert, aber völlig seelenlos. In unserer Besprechung fragen wir uns: Warum gibt Netflix über 300 Millionen Dollar für einen Film aus, der am Ende kaum mehr ist als ein teurer Hintergrundbeschallungs-Clip?

Ein Berliner Krankenhaus am Limit, eine neue Chefin soll ein System vor dem Kollaps bewahren – in der neuen Folge vom Filmmagazin nehmen wir die Serie „KRANK Berlin“ unter die Lupe. Die deutschsprachige Apple-TV-Produktion in Kooperation mit ZDFneo überrascht mit düsterem Realismus, gesellschaftskritischem Ton und starken Schauspieler:innen. Visuell eindrucksvoll inszeniert im ehemaligen SEZ Berlin, liefert die Serie eine Mischung aus „Emergency Room“-Dynamik und Lost-Place-Ästhetik. Der Fokus liegt auf dem Arbeitsalltag des medizinischen Personals, persönlichen Schicksalen und den Schattenseiten unseres Gesundheitssystems. Gerade weil „KRANK Berlin“ auf ein internationales Publikum zu zielen scheint, bleibt der lokale Bezug stark. Die Stadt Berlin – oder zumindest das Bild, das man von ihr zeigen möchte – ist in jeder Szene präsent. Was taugt diese zweite deutsche Apple-TV-Produktion?

Ein Bankangestellter, der keinen Schmerz spüren kann, startet eine absurde Rettungsaktion gegen brutale Bankräuber – klingt erstmal nach einer überdrehten Action-Komödie, und genau das ist Mr. No Pain auch. In der neuen Folge des Filmmagazins besprechen wir einen Film, der zwischen Body Horror, Romcom und Amateur-John-Wick-Vibes pendelt – ohne dabei den Anspruch zu erheben, mehr sein zu wollen, als er ist: solide Unterhaltung mit einer interessanten Prämisse. Jack Quaid überzeugt als sympathischer Durchschnittstyp mit genetischer Schmerzunempfindlichkeit, der sich aus frischer Verliebtheit auf einen gefährlichen Pfad begibt. Warum „Mr. No Pain“ kein cineastisches Meisterwerk ist, aber dennoch Lust macht auf einen Filmabend ohne große Enttäuschung – das hört ihr in dieser Folge.

Mit Zero Day bringt Netflix einen hochkarätigen Polit-Thriller an den Start, der viele Themen der heutigen Zeit aufgreift. Robert De Niro spielt George Mullen, einen ehemaligen US-Präsidenten, der nach einem verheerenden Cyberangriff zurück in den politischen Ring geholt wird. Tausende Tote, Chaos in den Straßen – und eine anonyme Drohung: Das wird wieder passieren. Die Regierung setzt eine mächtige Kommission ein, die mit nahezu unbegrenzten Befugnissen auf die Jagd nach den Verantwortlichen geht. Doch wie weit darf man gehen, um die Demokratie zu schützen? Und wer steckt wirklich hinter dem Angriff? Die Serie erinnert an den Patriot Act nach dem 11. September 2001, behandelt Fake News, rechte Medienmacht und Tech-Milliardäre – bleibt dabei aber erzählerisch überraschend konventionell. Wir diskutieren, ob Zero Day wirklich eine zeitgemäße Reflexion der politischen Realität ist oder doch nur ein packend inszenierter Thriller mit altmodischen Lösungen für moderne Probleme.

Mit Mickey 17 bringt Bong Joon-ho nach Parasite eine düstere Zukunftsvision auf die Leinwand – aber ist sie auch wirklich düster genug? In unserer aktuellen Filmmagazin-Folge nehmen wir die Adaption von Edward Ashtons Roman unter die Lupe und fragen uns: Funktioniert die Mischung aus Sci-Fi, Satire und Gesellschaftskritik oder verliert sich der Film in seinen eigenen Ideen? Robert Pattinson brilliert als „Expendable“, ein Klon-Arbeiter, der immer wieder für gefährliche Missionen stirbt und neu ausgedruckt wird. Doch als es plötzlich zwei von ihm gibt, gerät das fragile System ins Wanken. Trotz großartiger Darsteller wie Mark Ruffalo und Toni Collette kämpft der Film mit erzählerischen Schwächen und einem überladenen Drehbuch. Kann Mickey 17 an Bong Joon-hos Meisterwerke anknüpfen oder verliert sich der Film in zu vielen Richtungen?

Dietrich Bonhoeffer – Widerstandskämpfer, Theologe, Symbolfigur gegen das NS-Regime. Eine spannende und komplexe historische Figur, die geradezu nach einer filmischen Aufarbeitung schreit. Zumindest war das der Eindruck, mit dem wir an die Ankündigung des Filmes herangegangen sind. In dieser Filmmagazin-Folge sprechen wir über den kontroversen Film „Bonhoeffer“ und hinterfragen seine historische Genauigkeit. Während der Film sich als packendes Biopic inszeniert, zeigt sich schnell, dass hier eher kitschige Dramaturgie als ernsthafte Geschichtsaufarbeitung im Vordergrund steht. Insbesondere in den USA muss sich der Film – und vor allem die dazugehörige Werbekampagne – den Vorwurf gefallen lassen, christlich-nationale, evangelikale Propaganda zu sein. Wir analysieren die erzählerischen Schwächen, die historischen Fehler und die problematische Rezeption des Films. Außerdem diskutieren wir, warum sich selbst die Darsteller:innen im Nachhinein von der Vermarktung distanzierten. Ein vermeintliches Biopic, das seinem Titelhelden nicht gerecht wird.

Was passiert, wenn Shakespeare auf eine offene Videospielwelt trifft? In unserer aktuellen Folge vom Filmmagazin besprechen wir die Dokumentation Grand Theft Hamlet. Zwei arbeitslose Schauspieler nutzten während des Corona-Lockdowns die virtuelle Welt von GTA Online, um eine Hamlet-Aufführung auf die Beine zu stellen – mit allen Herausforderungen, die das mit sich bringt. Die Doku zeigt, wie aus einer spontanen Idee eine ambitionierte Inszenierung wird, aber auch, welche Hürden das dbedeutet: von störenden Mitspielern mit Raketenwerfern bis hin zu ganz realen Konflikten im Leben der Darsteller. Funktioniert die Doku? Und ist das eigentlich etwas Neues?

Wenn die mächtigsten Männer der katholischen Kirche unter Ausschluss der Öffentlichkeit über die Zukunft ihres Glaubens entscheiden, ist das nicht nur ein kirchliches Ritual – es ist auch ein politisches Machtspiel. In unserem Podcast besprechen wir den Film Konklave, der die Wahl eines neuen Papstes als spannenden Politthriller inszeniert. Mit Ralph Fiennes in der Hauptrolle als Kardinal Thomas Lawrence taucht der Film tief in die Intrigen und politischen Ränkespiele des Vatikans ein. Die Wahl zwischen konservativen und progressiven Kräften wird zu einem Sinnbild für gesellschaftliche Konflikte, während das streng reglementierte Konklave selbst den Rahmen für ein Drama bietet. Doch bleibt der Film kritisch genug, oder macht er letztlich sogar Werbung für die katholische Kirche? In dieser Folge vom Filmmagazin sprechen wir über die Edward Bergers Oscar-Film, die herausragenden Schauspielleistungen und die Frage, ob Konklave wirklich ein Film über Religion ist – oder vielmehr über Demokratie, Macht und politische Manipulation.

James Mangold erzählt in “Like A Complete Unknown” die frühen Jahre des legendären Musikers Bob Dylan – aber nicht als klassisches Biopic. Vielmehr versucht der Film, das Wesen Dylans einzufangen, statt eine stringente Lebensgeschichte nachzuerzählen. Timothée Chalamet schlüpft in die Rolle des ikonischen Folk- und Rockmusikers, dessen Übergang zur elektrischen Gitarre in den 60er-Jahren für Kontroversen sorgte. Doch statt diese spannende künstlerische Transformation konsequent zu erkunden, verliert sich der Film zunächst in der Einführung zahlreicher Nebenfiguren, die leider oft nur Staffage bleiben. Wir diskutieren, ob “Like a Complete Unknown” dem Mythos Bob Dylan gerecht wird – und ob er mehr als ein nostalgisches Fest für Fans ist.

Südkorea liefert mit Newtopia eine neue Zombie-Serie, die Horror, Komödie und Beziehungsdrama miteinander verknüpft. Aktuell auf Prime Video verfügbar, verspricht die Serie Action, Slapstick und jede Menge Blut – doch kann sie auch überzeugen? In unserer aktuellen Podcast-Folge sprechen wir über die ersten Episoden von Newtopia und fragen uns: Braucht es wirklich eine Stunde, um endlich Zombies zu sehen? Warum dauert das Setup so lange? Und schafft es die Serie, sich aus der Masse der Zombie-Unterhaltung abzuheben? Besonders spannend: die ungewöhnliche Prämisse mit einem Hochhaus als zentralem Handlungsort und die Frage, ob sich das Setting clever für neue Genre-Ideen nutzen lässt.

Eine künstliche Intelligenz aus den 70ern in einem geheimnisvollen Smart Home und eine Familie mit dunkler Vergangenheit – die Netflix-Serie Cassandra verbindet Sci-Fi-Ästhetik mit Psycho-Thriller-Elementen. Geht das Konzept auf? In dieser Folge vom Filmmagazin nehmen wir den deutschen Netflix-Neuzugang unter die Lupe. Wir sprechen über die atmosphärische Inszenierung, die gekonnte Mischung aus Retro-Design und moderner Erzählweise und darüber, warum Cassandra mehr ist als eine typische KI-Dystopie. Allerdings: Während die ersten Folgen fesseln, verliert sich die Serie zwischendurch in zu vielen Plot-Twists. Doch ist das am Ende ein Problem oder gerade der Reiz?

Ein mörderischer Spielzeugaffe, ein skurriler Roadtrip und jede Menge übertriebene Todesfälle – The Monkey von Oz Perkins will kein typischer Horrorfilm sein. Basierend auf einer Kurzgeschichte von Stephen King, erzählt der Film die Geschichte zweier Brüder, die sich als Kinder mit einem verfluchten Affen konfrontiert sehen. Jahrzehnte später kehrt das Böse zurück, und eine Welle absurder, oft schwarzhumoriger Unfälle beginnt. In unserer Filmmagazin-Folge sprechen wir über die Stärken und Schwächen von „The Monkey“. Ist der Mix aus Horror und Humor gelungen? Und kann uns Regisseur Oz Perkins nach „Longlegs“ endlich überzeugen?

Marvel steht weiterhin unter Beobachtung: Nach einer Reihe durchwachsener Filme soll Captain America: Brave New World das MCU wieder auf Kurs bringen. Doch gelingt das? In unserer neuesten Filmmagazin-Folge besprechen wir, warum dieser Film mehr Fragen als Begeisterung hinterlässt. Der 35. Film des MCU versucht, mit politischen Spannungen und Verschwörungselementen an The Winter Soldier anzuknüpfen. Doch trotz spannender Ansätze – ein globaler Kampf um das wertvolle Adamantium und ein neuer Captain America, der seine Rolle erst noch finden muss – bleibt der Film hinter seinen Möglichkeiten zurück. Charakterentwicklung? Kaum vorhanden. Visuelle Effekte? Oft erschreckend unausgereift. Besonders auffällig: Der Red Hulk, der im Finale für Chaos sorgt, sieht nicht viel besser aus als der Hulk aus dem Jahr 2008. Trotz Harrison Fords engagierter Darstellung und interessanter politischer Untertöne verpufft das Potenzial in einer vorhersehbaren Handlung und uninspirierten Actionsequenzen. Ist Marvels Hochphase endgültig vorbei?

Geheimagenten, eine Verschwörung und ein Präsident in Gefahr – „The Sentinel“ (2006) klingt nach einem klassischen Polit-Thriller, der Spannung und Nervenkitzel verspricht. Doch kann der Film mit Michael Douglas und Kiefer Sutherland heute noch überzeugen? In dieser Folge von Das Filmmagazin nehmen wir uns den Action-Thriller genauer vor und fragen uns: Ist The Sentinel ein unterschätztes Juwel oder doch nur ein weiterer 2000er-Agentenfilm, der sich selbst zu ernst nimmt? Wir sprechen über die vertrauten Thriller-Mechanismen, das post-9/11-Agenten-Kino und warum Kiefer Sutherland eigentlich Jack Bauer in einem anderen Film spielt. Außerdem werfen wir einen Blick darauf, ob die Story rund um einen Maulwurf im Secret Service mehr als oberflächliche Spannung liefert – oder ob der Film doch ein nostalgisches Relikt aus einer einfacheren Zeit bleibt.

Ridley Scotts „Gladiator“ (2000) ist ein Meilenstein des modernen Monumentalfilms – ein Epos voller Machtintrigen, heldenhafter Rache und imposanter Bilder. Doch wie gut hält sich der Film über 20 Jahre nach seiner Veröffentlichung? In unserer aktuellen Episode von Das Filmmagazin nehmen wir das oscarprämierte Historienspektakel unter die Lupe. Wir diskutieren, warum Russell Crowe als Maximus Decimus Meridius eine der eindrucksvollsten Heldenfiguren der Kinogeschichte erschaffen hat – und wie Joaquin Phoenix als skrupelloser Kommodus einen der besten Schurken der 2000er liefert. Außerdem gehen wir darauf ein, wie der Film mit historischen Realitäten umgeht (oder auch nicht), welche inszenatorischen Stärken er besitzt und warum seine Musik von Hans Zimmer bis heute ein Klassiker ist. Doch nicht alles ist perfekt: Ist Gladiator mehr als nur pompöse Unterhaltung?

Ben Stiller als Topmodel-Attentäter? Klingt absurd – und genau das ist es auch! In unserer neuen Podcast-Folge werfen wir einen Blick auf die schrille Komödie Zoolander (2001) und diskutieren, ob die Gags von damals heute noch funktionieren. Während einer von uns sich bestens amüsiert, fragt sich der andere: Warum habe ich nicht nein gesagt? Denn Zoolander ist eine wilde Mischung aus überdrehtem Slapstick, Satire auf die Modewelt und einem bizarren Spionageplot – inklusive Verschwörungstheorien, Fashion-Battles und einer Menge Promi-Cameos. Doch nicht alle Gags sind gut gealtert, und manche Szenen rufen heute Stirnrunzeln hervor. Was bleibt also von diesem frühen Ben-Stiller-Werk? Ein zeitloses Comedy-Meisterwerk oder ein Relikt der frühen 2000er, das besser in der Vergangenheit bleibt?

Ein sonniges Inselparadies, eine exklusive Partygesellschaft und eine verlockende Einladung – doch in Blink Twice, dem Regiedebüt von Zoë Kravitz, trügt der Schein. In unserer neuesten Filmmagazin-Folge nehmen wir den Film genau unter die Lupe und diskutieren, wie geschickt er das Thema Manipulation und Machtmissbrauch inszeniert. Hauptfigur Frida (Naomi Ackie) wird von dem charismatischen Tech-Mogul Slater King (Channing Tatum) auf eine luxuriöse Insel eingeladen. Doch der anfängliche Traumurlaub entwickelt sich schnell zu einem Albtraum: Die Zeit scheint stillzustehen, Erinnerungen verschwimmen – und ihre Freundin verschwindet plötzlich spurlos. Was als Party beginnt, entpuppt sich als raffinierter Thriller über Kontrolle und Gaslighting.

Wie sieht Menschlichkeit aus, wenn die Welt untergeht? Mit dem sowjetischen Antikriegsfilm „Briefe eines Toten“ (1986) von Konstantin Lopuschanski tauchen wir in eine düstere postapokalyptische Welt ein. Der Film, der in der Endphase der Sowjetunion entstand, beeindruckt durch seine eindringliche Bildsprache und die philosophische Frage: Kann es nach einem Atomkrieg noch Hoffnung geben? In der Handlung folgen wir einem Professor, der in einem Bunker umgeben von Verzweiflung und Elend versucht, seinen moralischen Kompass zu bewahren. Die Geschichte entfaltet sich in einer dystopischen Kulisse, geprägt von Gasmaske tragenden Überlebenden und verlassenen Ruinen, gefilmt in monochromen Gelb- und Blautönen. Trotz der hoffnungslosen Atmosphäre zeichnet der Film ein subtiles Plädoyer für Menschlichkeit und Überlebenswillen, vor allem verkörpert durch traumatisierte Kinder, die der Professor in seiner Obhut aufnimmt. „Briefe eines Toten“ verzichtet auf spektakuläre Effekte. Der Film entpolitisiert das Szenario und betrachtet die nukleare Katastrophe als Konsequenz menschlicher Schwächen.

Mit Kundschafter des Friedens 2 kehren die „Expendables der DDR“ nach acht Jahren zurück auf die Leinwand. In unserer neuen Podcast-Folge analysieren wir, ob die Agentenkomödie mit prominenten Stars wie Henry Hübchen, Katharina Thalbach und Winfried Glatzeder mehr liefert als nur (N)Ostalgie. Diesmal verschlägt es die alternden DDR-Spione nach Kuba, wo eine persönliche Mission und politische Untertöne aufeinandertreffen. Wir sprechen über die Stärken und Schwächen des Films: Kann er mit Humor und leisen Gesellschaftskritiken punkten, oder bleibt er im Kitsch stecken? Und warum hatte Martin solche Probleme den Film überhaupt zu schauen?

Ein Luxushotel, eine schillernde Gästeschar – und ein Mord, der alles auf den Kopf stellt. In unserer aktuellen Episode werfen wir einen Blick auf „Das Böse unter der Sonne“ (1982), eine der weniger bekannten Verfilmungen von Agatha Christies Geschichten. Mit Peter Ustinov als Hercule Poirot erwartet euch ein klassischer „Whodunit“. Schafft es der Film, Rätsel und Charme perfekt miteinander zu verbinden? Wir diskutieren, ob der Film mit seinen Charakteren, der Inszenierung und der zeitlosen Handlung überzeugt. Hat dieser 80er-Jahre-Krimi auch heute noch das Potenzial, das Publikum zu begeistern? Und warum funktionieren diese „Whodunit“-Filme anscheinend losgelöst von jeglichen realen politischen oder gesellschaftlichen Zusammenhängen?

Wie spannend kann ein Film sein, der die Mondlandung aus der Perspektive einer fiktiven Werbeagentur erzählt? To The Moon inszeniert die PR-Abteilung der NASA in den 1960er-Jahren, die die Begeisterung der Bevölkerung für das Apollo-Programm wiederbeleben soll. Neben der Verknüpfung von Marketing und Raumfahrt bietet der Film auch eine romantische Nebenhandlung. Dennoch enttäuscht To the Moon mit erzählerischer Belanglosigkeit und einem Fokus auf austauschbare Konflikte. Lohnt sich dieser Streaming-Titel für einen entspannten Filmabend? Oder ist er ein weiteres Beispiel für das Phänomen der vergessbaren Streaming-Filme?

In dieser Folge vom Filmmagazin widmen wir uns dem Nachkriegsfilmklassiker Das Wirtshaus im Spessart (1958) von Kurt Hoffmann. Mit einer hochkarätigen Besetzung um Lieselotte Pulver und Carlos Thompson versucht der Film, eine unterhaltsame Mischung aus Komödie, Kostümfilm und Musical zu bieten. Doch trotz märchenhafter Kulisse und einigem Humor kann uns die Inszenierung kaum überzeugen. Schematische Figuren und eine nostalgische Adelsromantik wirken aus heutiger Perspektive altbacken und wenig mutig. Wir diskutieren, warum dieser Film zwar als Heimatkino-Erfolg seiner Zeit funktionierte, aber aus heutiger Sicht wenig subversiv ist und gesellschaftliche Hierarchien kaum hinterfragt. Was macht diesen Film dennoch interessant?

Mit Nosferatu (2024) wagt sich Regisseur Robert Eggers an die Neuinterpretation eines der einflussreichsten Horrorfilme aller Zeiten. In unserer aktuellen Folge vom Filmmagazin tauchen wir in die düstere Welt dieses Films ein und beleuchten, wie Eggers dem Vampir-Mythos eine neue Facette verleiht. Dabei besprechen wir nicht nur die Parallelen und Unterschiede zum Original von Friedrich Wilhelm Murnau aus dem Jahr 1922, sondern auch die psychologische Tiefe, die Eggers seiner Erzählung hinzuzufügen versucht. Das Remake legt dabei einen stärkeren Fokus auf die weibliche Hauptfigur Ellen, die hier nicht nur als Opfer, sondern als vielschichtige, zerrissene Persönlichkeit dargestellt wird. Die Themen Depression, Besessenheit und weibliche Handlungsmacht werden angesprochen. Gleichzeitig versucht sich Eggers an einer ähnlich ikonischen Bildsprache wie das Original, erweitert um die für ihn typische, detailverliebte Atmosphäre. Doch nicht alles überzeugt: Wir diskutieren, ob die zahlreichen Subplots – von Gesellschaftskritik bis hin zum Religionsdiskurs – letztlich kohärent umgesetzt wurden oder den Film unnötig fragmentieren.

In unserer neuesten Podcast-Folge tauchen wir in die schillernde Cyberwelt des 90er-Jahre-Kultfilms Hackers ein. Mit einem jungen Johnny Lee Miller und Angelina Jolie entführt uns der Film in eine bunte, teils absurde Darstellung von Hackern, die zwischen technologischem Optimismus und 90er-Jahre-Subkultur pendelt. Doch wie gut ist Hackers gealtert? Wir sprechen über die visuelle Ästhetik, die kultigen, aber heute oft cringe-mäßigen Szenen, sowie die Frage, warum der Film trotz seiner Schwächen ein popkulturelles Zeitdokument geblieben ist. Was macht diesen Film so faszinierend, dass wir 30 Jahre später noch darüber reden?

Das neue Jahr ist da, und wir starten ganz traditionell: In unserer ersten Folge vom Filmmagazin blicken wir auf die aufregendsten Film- und Serienhighlights des Jahres 2025. Welche Blockbuster erwarten uns? Gibt es spannende Geheimtipps? Und was macht uns schon jetzt skeptisch? Von Bong Joon-hos mit Spannung erwartetem Sci-Fi-Abenteuer „Mickey 17“ bis hin zu Fortsetzungen großer Franchises und neuen Serien – wir besprechen, worauf ihr euch freuen könnt. Aber auch die Schattenseiten kommen nicht zu kurz: Welche Produktionen könnten eine Enttäuschung werden? Aber das Wichtigste fehlt noch: Euch allen einen wunderbaren Start ins neue Jahr 2025!

Was waren die Kino-Highlights 2024? Welche Serien haben uns enttäuscht? Unser Rückblick fasst die besten und schlechtesten Momente des Jahres zusammen. Blockbuster wie Dune 2 haben uns durch ihre Größe und epischen Erzählungen beeindruckt, während kleinere Produktionen wie The Zone of Interest noch lange nachhallen. Gleichzeitig gab es Filme, die trotz großer Erwartungen enttäuschten. Joker: Folie à Deux oder Madame Web sorgten für Ernüchterung – sei es durch inhaltliche Schwächen oder mutlose Inszenierung. Auch im Bereich der Serien gab es Licht und Schatten. Während Produktionen wie Shōgun oder X-Men '97 durch spannende Geschichten und hochwertige Umsetzung überzeugten, verfehlten andere Formate wie die Netflix-Adaption von Avatar: Der Herr der Elemente ihr Potenzial und blieben weit hinter unseren Erwartungen zurück. Doch unser Rückblick geht über 2024 hinaus. Wir sprechen auch über Filme und Serien, die wir in diesem Jahr nachgeholt haben. Klassiker wie David Finchers Zodiac oder der New-Hollywood-Meilenstein Asphalt Cowboy haben uns nachhaltig beeindruckt. Gleichzeitig gab es Enttäuschungen bei Titeln, die ihrem legendären Ruf nicht gerecht wurden. Was waren eure Highlights und Enttäuschungen des Jahres?

In dieser Filmmagazin-Folge sprechen wir über „Tokyo Godfathers“, einen Anime-Klassiker von Satoshi Kon aus dem Jahr 2003. Der Film erzählt die Geschichte von drei Obdachlosen in Tokio, die ein ausgesetztes Baby finden und sich auf die Suche nach den Eltern machen. Dabei beleuchtet der Film Themen wie Familie, Scham und gesellschaftliche Ausgrenzung, kombiniert mit einer Portion Humor und unerwarteten Wendungen. Wir diskutieren, was diesen Weihnachtsfilm so besonders macht und warum er auch heute noch sehenswert ist.

In Wolfs treffen Brad Pitt und George Clooney als rivalisierende „Fixer“ aufeinander – Problemlöser für heikle Aufträge in der Unterwelt. Beide werden zufällig zu demselben Fall gerufen und müssen widerwillig zusammenarbeiten. Was wie ein einfacher Job beginnt, entwickelt sich schnell zu einem gefährlichen Katz-und-Maus-Spiel, das sie an die Grenzen ihrer Fähigkeiten bringt. Doch nicht nur ihre Auftraggeber, auch persönliche Konflikte drohen, die Mission scheitern zu lassen. Der Film von Regisseur John Watts lebt spürbar von der Chemie zwischen seinen beiden Hauptdarstellern, deren Schlagabtausch für einige unterhaltsame Momente sorgt. Ob die Geschichte am Ende mehr als Starpower bietet oder sich in Genre-Klischees verliert, verraten wir in unserer aktuellen Filmmagazin-Folge.

Über 20 Jahre nach dem gefeierten Filmklassiker Gladiator wagt Regisseur Ridley Scott mit Gladiator 2 den Schritt zurück in die Welt des antiken Roms. Die Geschichte spielt in einer von Korruption und Machtkämpfen geprägten Epoche. Zwei machthungrige Kaiser ringen um die Vorherrschaft. Im Zentrum steht Paul Mescal als Hanno, der als Gladiator mit einem mysteriösen Familiengeheimnis seinen Platz in dieser chaotischen Welt sucht. Sein Weg führt ihn durch blutige Arenen, politische Intrigen und persönliche Verluste. Was dem Original durch seine mitreißende Erzählung und bildgewaltige Inszenierung gelang, verpufft hier oft in einer oberflächlichen Handlung und wirren Charakterentwicklungen. Selbst visuell kann der Film kaum mit dem Vorgänger mithalten. Besonders enttäuschend ist, dass emotionale Wendepunkte oft gehetzt oder unlogisch erscheinen. Über diese Leinwand-Entgleisung müssen wir einfach sprechen.

In der aktuellen Anime-Season, die eher durch Mittelmaß auffällt, sorgt Dandadan für frischen Wind. Die Serie liefert eine Mischung aus durchgedrehtem Humor, übernatürlichen Kämpfen und berührenden Momenten. Im Zentrum stehen zwei Teenager – die Geister-Nerdin Momo Ayase und der Alien-Fan Kenta „Okarun“ Kakura. Gemeinsam treten sie in skurrilen Abenteuern gegen Geister und Außerirdische an, während ihre eigenen ungewöhnlichen Kräfte immer stärker hervortreten. Auffällig ist die großartige Animation und die Fähigkeit der Serie, tiefgründige Themen wie Verlust und Selbstfindung mit absurder Komik zu verbinden. Trotz ihrer Weirdness bleibt die Handlung emotional geerdet und überrascht immer wieder mit starken Charaktermomenten. Aber es gibt nicht nur Positives zu berichten. Wer den durchgedrehten Stil nicht mag, dürfte schnell die Lust verlieren.

Was passiert, wenn ein gestresster Anwalt Achtsamkeit für sich entdeckt – und damit über Leichen geht? Basierend auf der erfolgreichen Romanreihe von Karsten Dusse, begeistert die deutsche Produktion mit einem Mix aus schwarzem Humor, Spannung und Gesellschaftskritik. Im Zentrum steht Björn Diemel, gespielt von Tom Schilling, der durch einen Achtsamkeitskurs sein Leben ins Gleichgewicht bringen will. Doch die neu gewonnenen Erkenntnisse führen ihn direkt in ein Netz aus kriminellen Machenschaften, Gangstern und moralischen Dilemmata. Die Serie setzt nicht nur auf bissigen Humor, sondern auch auf eine interessante Erzählweise, bei der die vierte Wand gelegentlich durchbrochen wird, um die Zuschauer:innen direkt anzusprechen. Ob die Mischung aus Komödie und Drama funktioniert, wo die Serie ihre Stärken ausspielt und welche Parallelen zu internationalen Hits wie „Dexter“ oder „Breaking Bad“ gezogen werden können, besprechen wir ausführlich im Filmmagazin.

Mit „Arcane“ hat das Studio Fortiche in Zusammenarbeit mit Riot Games einen echten Coup gelandet: Die Serie, basierend auf der Welt von „League of Legends“, begeistert selbst jene, die dem Spiel nichts abgewinnen können. Jetzt ist die zweite Staffel gestartet, und wir haben die ersten drei Episoden für euch unter die Lupe genommen. Die Handlung knüpft nahtlos an das explosive Finale der ersten Staffel an. Die fragile Beziehung zwischen der reichen Oberstadt Piltover und der rebellischen Unterstadt Zaun droht endgültig zu zerbrechen. Während der Konflikt eskaliert, spielen politische Intrigen, persönliche Tragödien und revolutionäre Untertöne eine zentrale Rolle. Besonders beeindruckend bleibt die Fähigkeit der Serie, komplexe Charaktere und ihre Beziehungen greifbar zu machen – allen voran die Geschwisterrivalität zwischen Vi und Jinx. Auch visuell setzt „Arcane“ Maßstäbe: Mit ihrem einzigartigen Mix aus 2D- und 3D-Animation bleibt die Serie ein optisches Meisterwerk, das mit jeder Szene begeistert. Die erste Staffel beeindruckte durch innovative Erzählstrukturen und tiefgründige Themen, und Staffel 2 scheint diesen Weg konsequent fortzusetzen. Allerdings vermisst man bisher ein wenig den frischen „Wow-Moment“ neuer Perspektiven oder Figuren.

In unserer aktuellen Episode besprechen wir The Apprentice – The Trump Story, das biografische Drama über Donald Trump, das 2024 in die Kinos kam. Der Film beleuchtet die Aufstiegsjahre Trumps in den 1970er und 80er Jahren und zeigt, wie er mit Hilfe des zwielichtigen Anwalts Roy Cohn seine Geschäftsimperien in New York aufbaute. Im Podcast werfen wir einen kritischen Blick auf die Darstellungen von Macht, Korruption und Trumps geschicktem Umgang mit Medien und Politik. Dabei loben wir besonders die schauspielerische Leistung von Sebastian Stan als Trump, die den sonst oft parodierten Ex-Präsidenten hier als unberechenbare, kalkulierende Figur neu präsentiert. Ein Muss für alle, die an einem kritischen Blick auf politische Biografien interessiert sind.