French-Romanian sculptor, photographer and painter
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2 episodes with brancusi
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Lundi 24 février 2025Peggy GuggenheimRencotre avec Magali Croset-Calisto autour de son livre Le monde selon Peggy g. - éditions Livres du mondeEn collaboration avec l'Institut Français Centre Saint-LouisLe monde selon Peggy g. - éditions Livres du mondeNew York, Londres, Paris, Annecy, Venise. Cocteau, Kandinsky, Ernst, Pollock, Brancusi. L'art, la fortune, l'amour, la liberté. La création à Venise de son légendaire musée... Peggy Guggenheim (1898-1979) est une mécène américaine dont la vie et les aventures bien réelles dépassent toute fiction. Ou presque.Magali Croset-Calisto est sexologue, psychologue et addictologue. Titulaire d'un doctorat de lettres consacré au surréalisme, elle a un parcours professionnel et universitaire résolument pluridisciplinaire. Ses thèmes de recherche portent principalement sur l'art, la littérature, la psychanalyse, les grandes figures féminines du XXe-XXIe siècle, l'érotisme et la sexualité. Elle est l'auteure d'une douzaine d'ouvrages dont Les Révolutions de l'orgasme (Editions de l'Observatoire), La révolution du No Sex (Editions de l'Observatoire), Une fin de vie volée (Le Bord de l'eau), Fragments d'un discours polyamoureux (Editions Michalon)
durée : 00:47:26 - Affaires sensibles - par : Fabrice Drouelle, Franck COGNARD - Aujourd'hui, dans Affaires Sensibles : Constantin Brancusi contre les États-Unis d'Amérique, ou le procès de l'art moderne - réalisé par : Guillaume Girault, Etienne BERTIN
Today's guest is founder of Anoma Watch, Matteo Violet-Vianello. Anoma isn't just a watch brand; it's a daring artistic statement that pushes the boundaries of what a watch can be. With its inaugural creation, the A1, Matteo has seamlessly merged influences as diverse as Charlotte Perriand's freeform tables, Brancusi's modernist sculptures, and the natural elegance of primitive tools & river stones. Anoma offers a rare intersection of profound design and accessibility—a gateway for collectors to engage with bold creativity typically reserved for galleries and museums.But Matteo's journey to Anoma doesn't come without tenure. From disassembling vintage watches as a child to handling some of the rarest pieces during his time at Sotheby's and A Collected Man, he has spent the better part of his life, not only immersed in the craft and culture of watches, but in the most coveted art, design, and architecture. Its these influences that converge in Anoma's ethos, where the idea always comes first, and reality is bent to bring it to life.We get a sneak peak into what lies ahead for the brand, the thoughtfulness behind Matteo's designs, and the evolving role of watches as both art objects and collectibles. So without further adieu, this is Matteo, founder of Anoma Watch, for Collectors Gene Radio.Anoma Watch - https://anomawatches.com/Anoma Watch Instagram - https://www.instagram.com/anomawatchCameron Steiner - https://www.instagram.com/cameronrosssteinerCollectors Gene - https://www.collectorsgene.com
Da encarnação do mal nas mitologias judaico-cristãs à ideia de sabedoria e regeneração presente nas cosmogonias mesoamericanas, hindus, africanas e nórdicas, passando por suas representações nas culturas aborígenes e asiáticas, o artista Ernesto Neto desconstrói e redimensiona o mito da serpente em instalações monumentais para a loja de departamentos Le Bon Marché. "Filho de Lygia Clark" e "neto de Brancusi", o brasileiro traz pimentas, perfumes e cantos de inspiração indígena para o coração de Paris. Em sua 10ª exposição, Le Bon Marché Rive Gauche, uma das mais tradicionais lojas de departamentos de Paris, homenageia o artista brasileiro Ernesto Neto, que criou instalações monumentais especialmente para a mostra Le La Serpent, ou O A Serpente. Conhecido internacionalmente por suas obras biomórficas, ele realiza uma digressão poética sobre um dos mitos fundadores da humanidade na cultura ocidental, enaltecendo o papel da Serpente, entrelaçada às figuras de Eva e Adão."Eu não vejo isso como uma história da Bíblia. Vejo como uma história do Ocidente", argumenta Ernesto Neto. "Esse mito original, o mito da Gênesis, que vem da Torá e que faz parte da Bíblia, tem uma leitura que me tocou muito. Foi há uns dez anos, quando eu tive uma revelação: se a serpente não tivesse falado com Eva, levando aquela conversa 'de mulher para mulher', oferecendo a ideia de Eva compartilhar a fruta divina com Adão, eles estariam até hoje no Paraíso", sublinha o artista brasileiro, que será um dos destaques do ano do Brasil na França, em 2025 ."Não seria lindo? Adãozinho e Evinha lá, curtindo a vida no Paraíso... E nós, onde estaríamos? Não estaríamos aqui. Não existiria eu, você, a Rádio France, Le Bon Marché, o Museu de Arte, a alegria, a tristeza, nem a guerra. Não haveria sofrimento, mas a vida é isso tudo", provoca Neto. O artista subverte a visão ocidental que lê a serpente como um elemento maléfico. "Eu não acredito na ideia de queda do Paraíso. Isso, para mim, é uma invenção, um equívoco. A única coisa realmente importante nesse mito, na minha visão, é que a serpente é a nossa mãe, o nosso pai. Assim como em várias histórias ancestrais ao redor do mundo", diz o artista, que encomendou uma pesquisa a seu amigo e antigo colaborador Pedro Luz sobre como o animal mítico é visto em diferentes culturas, como na Ásia, África, Oceania, Polinésia, América do Sul, Central e do Norte."Em todos esses lugares, a serpente é uma figura positiva, associada à criação, à vida. No catálogo da exposição, incluímos textos do Joseph Campbell, um dos maiores estudiosos das mitologias, que traz conexões entre essas culturas", aponta Neto. "Ele fala da ideia de que a vida é feita de vida, que tudo que comemos está vivo, criando um ciclo de retroalimentação. A morte é necessária e parte da vida", afirma.Muito além do bem e do malRealizadas nos ateliês do artista, as obras se distanciam da interpretação do pecado original, que considera o animal como diabólico. Le La Serpent é uma alegoria do vivo que não separa a natureza da cultura, ou o homem do animal. Ernesto Neto propõe uma imersão sensorial e multicultural, desafiando crenças e narrativas presentes em várias mitologias mundiais."Eu sempre tento trazer uma continuidade entre o nosso corpo e o corpo da Terra", diz o artista, cuja obra ecoa preocupações iminentes ligadas às mudanças climaticas e ao Meio Ambiente. "Quando vemos a Terra como paisagem, colocamos ela fora de nós. Nós nos tornamos observadores. A ciência faz isso. Mas, quando falamos que a Terra é o corpo, começamos a perceber que somos parte do corpo da Terra, assim como a Terra é parte de nós. Não estamos separados dela. Estamos todos conectados", insiste.Crochê, DNA e especiarias: o tempero brasileiro de Ernesto Neto"Trabalhamos com crochê, utilizando algodão como material base. A serpente, por exemplo, possui elementos simbólicos muito fortes. As cores da obra foram obtidas através de tingimentos naturais, como chá preto para o tom bege, e Jatobá e casca de cebola para o marrom", explica o artista. "Esses métodos nos conectam à energia da Terra, oferecendo uma experiência sensorial mais rica em comparação aos tingimentos sintéticos. A ideia foi também trazer à tona uma representação de Adão e Eva com tonalidades mais escuras, refletindo as origens africanas desses personagens", afirma Neto."Outros materiais, como tampinhas de refrigerantes, são inseridos como símbolos de transformação e renovação, muito presentes em culturas indígenas, como os Ashaninka [povo indígena da Amazônia peruana]. Além disso, elas fazem parte da proposta de integrar arte e sustentabilidade, trazendo à tona a ideia de que tudo pode ser reimaginado e reintegrado ao ciclo da natureza", detalha."A serpente é um símbolo poderoso que atravessa várias culturas, e estudei muito a fundo sua presença tanto no xamanismo quanto em mitologias ancestrais. Um antropólogo chamado Jeremy Narby, por exemplo, explorou a conexão entre as serpentes e o DNA, mostrando como elas representam a espiral da vida e a conexão entre o mundo superior e inferior", aponta Neto.Brasil "colônia""Eu venho de um país colonizado", diz. "O Brasil ainda carrega as marcas da colonização de forma muito sutil, mas presente. A estrutura econômica continua sendo voltada para a exportação de recursos naturais como petróleo, soja e minério, de maneira muito similar ao que acontecia com o açúcar, ouro e café no passado. Apesar de estarmos no século 21, seguimos com um modelo econômico que favorece a exploração em vez de investir em áreas como educação e cultura", contesta o artista. Perguntado sobre que obra traria para o Grand Palais, em Paris, para o ano do Brasil na França em 2025, o artista antecipa algumas pistas sobre o trabalho escolhido. "O Barco Tambor Terra é uma escultura que fizemos no ano passado, apresentada no Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia em Lisboa. A ideia é que o barco, simbolizando a jornada, navegue de volta para o Brasil, carregando a energia do tambor, que representa a força vital da Terra. Este projeto é uma celebração dos tambores de diversas partes do mundo — Ásia, África, Europa e América. Estamos trabalhando com muito carinho para que ele chegue aqui, apesar dos desafios de atravessar o mar", afirma Neto."A proposta é refletir sobre a conexão do ser humano com a Terra e uns com os outros. O tambor, uma mistura de tronco de árvore e pele de animal, simboliza a união entre o vegetal e o animal, e é uma maneira de nos sintonizarmos com a energia da Terra. A filosofia africana, que valoriza a união e a força coletiva, é uma inspiração importante aqui. A ideia não é simplesmente onde estamos indo, mas como estamos juntos nessa jornada, tocando o tambor e nos conectando", conclui o artista.A exposição Le La Serpent fica em cartaz no Le Bon Marché Rive Gauche de 11 de janeiro até 23 de fevereiro de 2025.
Isabelle, Thierry, Pietro et moi sommes partis à vélo dans Paris. Notre destination : l'exposition Brancusi au Centre Pompidou. Cette balade à vélo fut l'occasion d'une belle traversée de Paris à l'aller. Mais qu'en est-il du retour ? Et de l'exposition ? Avons-nous fait une halte gourmande ? Découvrons la suite de nos enregistrements sur le vif. www.onethinginafrenchday.com
Last week, on Thursday to be precise, our friends Isabelle and Thierry, Pietro and I, got on our bikes for a trip to Paris. Our destination? The Centre Pompidou, also known as Beaubourg. Until 1 July, the museum is showing an exceptional retrospective of the sculptor Brancusi. It's an extraordinary museum, with one of the best views of Paris. On the way back, we took the rue de Rivoli, which is now reserved for bicycles (but still has a lane for buses and taxis) and runs alongside the Louvre and the Tuileries gardens. We turned off towards the Madeleine, then the Gare Saint-Lazare, the 17th arrondissement, Neuilly, the Levallois bridge and we were back home. We left at 1.30pm. So it was a nice ride, which of course also included a gourmet break, as you'll discover in this episode recorded on the spot! In the notes accompanying the transcript, I'm going to suggest three sentences for you to repeat! Yes, three because I find them interesting. I'll explain my choice for each one, pointing out a few things along the way, but I can already tell you that the idea behind these choices is to practise speaking French as you would in everyday life. www.cultivateyourfrench.com
“Yasuhiro Shimoto” Des lignes et des corpsLE BAL, Parisdu 19 juin au 17 novembre 2024https://francefineart.com/2024/06/18/3547_yasuhiro-ishimoto_le-bal/Communiqué de presse Entretien avec Diane Dufour, directrice du BAL, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 17 juin 2024, durée 33'30,© FranceFineArt.Commissariat :Diane Dufour, directrice du BALavec Mei Asakura, conservatrice au Ishimoto Yasuhiro Photo Center.« … Yasuhiro Ishimoto est visuellement bilingue : japonais par sa culture, oriental dans sa manière de voir et occidental par sa formation au Chicago Institute of Design (centre de la tradition Bauhaus), il parle anglais avec un accent allemand ». — Minor WhiteDu 19 juin au 17 novembre 2024, LE BAL présente une figure remarquable de l'histoire de la photographie japonaise méconnue en France : Yasuhiro Ishimoto (1921-2012). Pour la première fois en Europe, l'exposition, organisée en étroite collaboration avec le Ishimoto Yasuhiro Photo Center au Museum of Art, Kochi au Japon, rassemblera 169 tirages d'époque. Le parcours de l'exposition se concentrera sur les premières décennies de l'oeuvre d'Ishimoto, entre Chicago et le Japon. Figure clé des années 1950 et 1960, Ishimoto sera considéré comme « visuellement bilingue » par sa capacité à allier l'approche formelle du Nouveau Bauhaus à la quintessence de l'esthétique japonaise, sans jamais renoncer à un regard critique sur les questions sociales de son époque.Cette alchimie singulière est le fruit d'un parcours unique : né de parents japonais en 1921 à San Francisco, puis élevé jusqu'à l'âge de 17 ans au Japon, Ishimoto retourne aux États-Unis en 1939. Interné dans les camps regroupant les américains d'origine japonaise après l'attaque de Pearl Harbor, il est libéré et intègre l'Institute of Design de Chicago en 1948. Cinq ans plus tard, il retourne au Japon et devient une figure majeure de la scène photographique japonaise, incarnant « un modernisme intellectuel et austère qui nous a largement inspirés… Ses chemins de pierre évoquaient des sculptures de Brancusi….. Ishimoto jetait sur le monde un regard radicalement nouveau » (Ikko Tanaka). Au cours de la même période, il ouvre la voie à de nouvelles façons de concevoir le livre de photographie avec la parution d'un des ouvrages les plus importants de l'histoire de la photographie japonaise : Someday, Somewhere (1958).[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
Chris and Rifa are in Paris to visit the Brancusi retrospective at Centre Pompidou and also stumble on the lost 1950s Parisian painter Requichot's abstract work. They also binge-watch season three of Sweet Tooth. Rifa is reading Katy Hessel's Great Women Artists substack and Chris is reading Adèle Oliver's essay Deeping It: Colonialism, Culture & Criminalisation of UK Drill, which is published as an Inklings edition. Thanks for listening.
Chaque semaine, L'Instant Parisien by Sortiraparis vous propose une sélection de sorties à faire à Paris et en Ile-de-France !©Musique proposée par La Musique Libre/Jazz In Paris - Media Right Productions/Rizhlaine Ferfar/Laurent PradalHébergé par Ausha. Visitez ausha.co/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.
Adelin De Craene is de beste leraar die ik nooit heb gehad. Hij is beeldhouwer en kunstleerkracht op rust. En mens, vooral mens. Bijna was hij niet gekomen naar Podlood, want hij vond zichzelf een maatje te klein. Dit is Adelin ten voeten uit. Al zijn hele leven buigt hij zich over de aarde en staat hij er nog steeds met beide voeten op: integer, schuchter, bescheiden.Als jonge kunststudent stond Adelin ooit oog in oog met Nel, dé Nel. Hij schilderde Jotie 't Hoofd. Hij maakte een beeld van Roger Raveel, dat slechts enkele maanden voor zijn dood voltooid werd. Ons gesprek is bijna een wandeling doorheen de kunstgeschiedenis. Misschien lijkt het alsof we ver buiten de lijntjes van ons vertrekpunt – illustratie – kleuren, maar zo goed als elke kunstenaar uit deze aflevering heeft de weg geplaveid voor wat illustratie vandaag is.We hebben het over Bonnard, een van de eerste kunstenaars die ook illustrator was, over Brancusi, wiens zoektocht naar de essentie leidde tot een abstractiedenken dat vandaag diep met de illustratiewereld verweven is. We hebben het over klei, over aftasten, over het doorgeven van het mens-zijn als kunstleerkracht en over tijd en stilte.Ik nodig je uit om deze aflevering te beluisteren in het donker, onder een warm deken. Dat is hoe Adelin lang geleden luisterde naar Openbaar Kunstbezit en zo stilletjes mens werd.Kunstenaars die in deze aflevering aan bod komen: Pierre Bonnard, Rik Wouters, Constantin Brâncuși, Roger Raveel.Meer Podlood? Voor meer info over de podcast en afleveringen, surf naar www.podlood.be. Voor nieuws en updates, volg @kristoftekent op Instagram. Je kan Podlood gratis steunen door de show in jouw favoriete podcast-app vijf sterren te geven, een positieve review te schrijven én een vriend of vriendin die veel voor jou (be)tekent over de podcast te vertellen. Dit helpt Podlood echt vooruit. Will je all the way steunen? De Podlood-pin is hét symbool van jouw appreciatie voor de show. Een podcast onderhouden brengt kosten met zich mee en jouw bijdrage helpt deze te dragen, in stijl. Plaats een foto van jezelf met je pin op Instagram en tag @kristoftekent voor een shoutout en een welgemeende dankjewel. Je bestelt de pin op www.podlood.be. Podlood is een productie van en door Kristof Devos. Logo, cover art en branding door Kristof Devos. Theme song door Skilsel. ©Kristof Devos
Díla Konstantina Brancusiho jsou v mnoha světových galeriích. Přesto je výstava, již po třiceti letech uspořádalo Centre Pompidou v Paříži, výjimečná. Objevná i pro ty, kdo se domnívají, že je tento pařížský modernista nemůže ničím překvapit.
Díla Konstantina Brancusiho jsou v mnoha světových galeriích. Přesto je výstava, již po třiceti letech uspořádalo Centre Pompidou v Paříži, výjimečná. Objevná i pro ty, kdo se domnívají, že je tento pařížský modernista nemůže ničím překvapit.Všechny díly podcastu Ranní úvaha můžete pohodlně poslouchat v mobilní aplikaci mujRozhlas pro Android a iOS nebo na webu mujRozhlas.cz.
Il a révolutionné la sculpture et introduit l'abstraction dans cet art. Il s'agit bien sûr de Constantin Brancusi. La rétrospective que lui consacre le Centre Pompidou nous immerge dans l'univers de l'artiste et nous fait entrer au coeur de son travail avec plus de cent vingt sculptures mais aussi des photographies, dessins et films de l'artiste. Les œuvres de Brancusi sont d'emblée reconnaissables par la simplicité des lignes jusqu'à l'abstraction. Et c'est autour de son atelier que s'articule le début de l'exposition : un atelier qu'il avait légué au Centre Pompidou.Autour de cet espace, on se familiarise avec la vie de l'artiste. Du jeune roumain qui traverse l'Europe à pied pour s'établir à Paris jusqu'à ses différentes influences et sources de création : Rodin, mais aussi l'art africain. La musique qu'il écoute jaillit dans la salle d'exposition. Le répertoire est large : jazz, rock, classique, latino.Puis, on entre au cœur du travail de Brancusi. Les séries nous montrent la progression de sa sculpture, celle de l'enfant, le torse d'un jeune homme ce sont trois cylindres : un tronc et l'amorce des deux jambes et bien sûr, il y a la Muse endormie, une de ses œuvres phares, symbole du sommeil : une tête de femme en bronze poli doré à l'ovale parfait. Enfin, nous voilà dans l'une des plus belles salles du Centre Pompidou avec une vue sur tout Paris. C'est là que sont rassemblées les grandes sculptures consacrées aux oiseaux et à l'envol.Des œuvres incroyablement vivantes. Brancusi aimait dire d'ailleurs : « Il ne faut pas respecter mes sculptures. Il faut les aimer et jouer avec elles ».Et le Centre Pompidou nous les fait certainement aimer dans une exposition au parcours simple, épuré, à l'image du travail de Brancusi.
Il a révolutionné la sculpture et introduit l'abstraction dans cet art. Il s'agit bien sûr de Constantin Brancusi. La rétrospective que lui consacre le Centre Pompidou nous immerge dans l'univers de l'artiste et nous fait entrer au coeur de son travail avec plus de cent vingt sculptures mais aussi des photographies, dessins et films de l'artiste. Les œuvres de Brancusi sont d'emblée reconnaissables par la simplicité des lignes jusqu'à l'abstraction. Et c'est autour de son atelier que s'articule le début de l'exposition : un atelier qu'il avait légué au Centre Pompidou.Autour de cet espace, on se familiarise avec la vie de l'artiste. Du jeune roumain qui traverse l'Europe à pied pour s'établir à Paris jusqu'à ses différentes influences et sources de création : Rodin, mais aussi l'art africain. La musique qu'il écoute jaillit dans la salle d'exposition. Le répertoire est large : jazz, rock, classique, latino.Puis, on entre au cœur du travail de Brancusi. Les séries nous montrent la progression de sa sculpture, celle de l'enfant, le torse d'un jeune homme ce sont trois cylindres : un tronc et l'amorce des deux jambes et bien sûr, il y a la Muse endormie, une de ses œuvres phares, symbole du sommeil : une tête de femme en bronze poli doré à l'ovale parfait. Enfin, nous voilà dans l'une des plus belles salles du Centre Pompidou avec une vue sur tout Paris. C'est là que sont rassemblées les grandes sculptures consacrées aux oiseaux et à l'envol.Des œuvres incroyablement vivantes. Brancusi aimait dire d'ailleurs : « Il ne faut pas respecter mes sculptures. Il faut les aimer et jouer avec elles ».Et le Centre Pompidou nous les fait certainement aimer dans une exposition au parcours simple, épuré, à l'image du travail de Brancusi.
On part à Paris pour une des expositions "blockbuster" de lʹannée" Brancusi, lʹart ne fait que commencer. Une exposition consacrée au maître de la sculpture moderne et des formes simplifiées, épurées. Exposition que vous avez visité Ariane Hasler en compagnie de lʹillustrateur Arnaud Nebbache, auteur dʹune très belle bande dessinée sortie lʹan passé " Brancusi contre Etats-Unis". Exposition Brancusi au Centre Pompidou, Paris, du 27 mars au 1er juillet 2024.
durée : 01:30:33 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - En 1977, Georges Charbonnier consacre un "Documentaire du vendredi" au sculpteur d'origine roumaine Constantin Brancusi qu'il compare à Michel-Ange. Un grand artiste reconnu sur le tard par son pays d'adoption, la France.
The "Brancusi" retrospective exhibition explores all the facets of the creation of Constantin Brancusi, considered to be the father of modern sculpture. Take a tour of the exhibition with Ariane Coulondre, curator, and with artists and friends of Brancusi.With the participation of Ariane Coulondre and André Avril, visual artistProduction: Clara Gouraud and Delphine CoffinRecording: Ivan GarielSound creation and mixing: Fabrice NaudSound design: Sixième son Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
L'exposition rétrospective « Brancusi » explore toutes les facettes de la création de Constantin Brancusi, considéré comme le père de la sculpture moderne. Laissez-vous guider par Ariane Coulondre, commissaire de l'exposition, et par les paroles d'artistes et amis de Brancusi.Avec la participation d'Ariane Coulondre et André Avril, plasticienRéalisation : Clara Gouraud et Delphine CoffinEnregistrement : Ivan GarielCréation sonore et mixage : Fabrice NaudHabillage musical : Sixième son Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
“Brancusi”au Centre Pompidou, Parisdu 27 mars au 1er juillet 2024Interview de Valérie Loth, attachée de conservation, Cabinet d'art graphique, Musée national d'art moderne, et commissaire associée de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 25 mars 2024, durée 27'36,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2024/03/25/3527_brancusi_centre-pompidou/Communiqué de presse Commissariat :Ariane Coulondre, conservatrice, service des collections modernes, Musée national d'art moderneCommissaires associées :Julie Jones, conservatrice, Cabinet de la photographie, Musée national d'art moderneValérie Loth, attachée de conservation, Cabinet d'art graphique, Musée national d'art moderneAvec plus de 120 sculptures, ainsi que des photographies, dessins et films de l'artiste, la grande rétrospective « Brancusi », organisée au Centre Pompidou, constitue un événement exceptionnel. Elle offre l'opportunité de découvrir toutes les dimensions de la création de cet immense artiste considéré comme l'inventeur de la sculpture moderne. La dernière exposition rétrospective Brancusi en France, et la seule, remonte à 1995 (sous le commissariat de Margit Rowell au Centre Pompidou). À la fois lieu de vie, de création et de contemplation, l'atelier de l'artiste, joyau de la collection du Musée national d'art moderne depuis son legs à la nation en 1957, forme la matrice de ce projet. En effet, le déménagement intégral de l'Atelier Brancusi dans le cadre des travaux de rénovation du Centre Pompidou est l'occasion unique de mettre en regard son contenu avec de nombreux autres chefs-d'oeuvre de l'artiste provenant des plus importantes collections internationales.Un ensemble exceptionnel de sculptures, jouant sur le dialogue entre les plâtres de l'Atelier Brancusi et les originaux en pierre ou bronze, prêtés par de nombreuses collections privées et muséales (Tate Modern, MoMA, Guggenheim, Philadelphia Museum of Art, The Art Institute of Chicago, Dallas Museum of Art, Musée national d'art de Roumanie, Musée d'art de Craiova…) sont ainsi réunies.Dès l'entrée, le parcours de visite privilégie une approche sensible, soulignant le choc de la découverte de son atelier parisien, situé impasse Ronsin dans le 15e arrondissement, fréquenté par de nombreux artistes et amateurs pendant plusieurs décennies.Le coeur de l'exposition évoque les sources de sa création (Auguste Rodin, Paul Gauguin, l'architecture vernaculaire roumaine, l'art africain, l'art cycladique, l'art asiatique…) et éclaire le processus créatif de Brancusi : le choix de la taille directe, l'esthétique du fragment, le processus sériel, le travail de sublimation de la forme… La reconstitution d'une partie de l'atelier souligne la dimension matérielle de sa création (matériaux, outils, gestes). L'exposition replace la vie de Constantin Brancusi dans un contexte artistique et historique plus large grâce à un riche corpus documentaire (lettres, articles de presse, agendas, disques…). Cet ensemble offre une chronique de ses amitiés avec nombre d'artistes d'avant-garde, tels Marcel Duchamp, Fernand Léger ou Amedeo Modigliani.Le parcours thématique, organisé autour des séries de référence de l'artiste, met en lumière les grands enjeux de la sculpture moderne : l'ambiguïté de la forme (Princesse X), le portrait (Danaïde, Mlle Pogany), le rapport à l'espace (Maiastra, L'Oiseau dans l'espace), le rôle du socle (Nouveau-né, Le Commencement du monde), les jeux de mouvement et de reflet (Léda), la représentation de l'animal (Le Coq, Le Poisson, Le Phoque) et le rapport au monumental (Le Baiser, La Colonne sans fin).#catalogue aux éditions du Centre Pompidou Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
In the first episode of 2024 we look ahead to the next 12 months. The Art Newspaper's acting art market editor Tim Schneider peers into his crystal ball to tell us what we might expect from the coming 12 months in the art market. Then, Jane Morris, editor-at-large, Gareth Harris, chief contributing editor, and host Ben Luke select the biennials and exhibitions they are most looking forward to in 2024.Events discussed:60th Venice Biennale: Foreigners Everywhere, 20 April-24 November; Pierre Huyghe, Punta Della Dogana, Venice, 17 March-24 November; Julie Mehretu, Palazzo Grassi, Venice, 17 March-6 January; Willem de Kooning, Gallerie dell'Accademia, Venice, 16 April–15 September; Jean Cocteau, Peggy Guggenheim Collection, Venice, 13 April-16 September; Whitney Biennial: Whitney Museum of American Art, opens 20 March; PST Art: Art & Science Collide, 14 September-16 February; Istanbul Biennial, 14 September-17 November; Diriyah Contemporary Art Biennale 2024, Saudi Arabia, 20 February-24 May; Desert X 2024 AlUla, Saudi Arabia, 9 February-30 April; Frick Collection, New York, reopening late 2024; Grand Egyptian Museum, Giza, Egypt, dates tbc; IMAGINE!: 100 Years of International Surrealism, The Royal Museums of Fine Arts of Belgium, 21 February-21 July; Centre Pompidou, Paris, 4 September-6 January (travels to Hamburger Kunsthalle, Germany, Fundación Mapfré, Madrid, Philadelphia Museum of Art, US); Paris 1874: Inventing impressionism, Musée d'Orsay, 26 March-14 July; National Gallery of Art, Washington DC, 8 September-19 January; Van Gogh, National Gallery, London, 14 September-19 January; Matthew Wong, Vincent van Gogh, Van Gogh Museum, Amsterdam, 1 March-1 September; Caspar David Friedrich, Kunsthalle, Hamburg, Germany, until 1 April; Caspar David Friedrich, Alte Nationalgalerie, Berlin, 19 April-4 August; Caspar David Friedrich, Albertinum and Kupferstich-Kabinett, Dresden, Germany, 24 August-5 January; Arte Povera, Bourse de Commerce, Paris, 9 October-24 March; Brancusi, Centre Pompidou, Paris, 27 March-1 July; Comics, Centre Pompidou, Paris, 29 May-4 November; Yoko Ono, Tate Modern, London, 15 February-1 September 2024; Angelica Kauffman, Royal Academy, London, 1 March-30 June; Women Artists in Britain, Tate Britain, London, 16 May-13 October; Judy Chicago, Serpentine North, London, 22 May-1 September; Vanessa Bell, Courtauld Gallery, London, 25 May-6 October; Woven Histories: Textiles and Modern Abstraction, Los Angeles County Museum of Art, US, until 21 January; National Gallery of Art, Washington DC, 17 March-28 July; National Gallery of Canada, Ottawa, 25 October-2 March; The Museum of Modern Art, New York, dates tbc; Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art, Barbican, London, 13 February-26 May 2024, Stedelijk Museum, Amsterdam, 14 September-5 January; The Harlem Renaissance, Metropolitan Museum of Art, New York, 25 February-28 July; Siena: the Rise of Painting, 1300-50, Metropolitan Museum, 13 October-26 January; Museum of Modern Art, New York, shows: Joan Jonas, 17 March-6 July, LaToya Ruby Frazier, 12 May-7 September, Käthe Kollwitz, 31 March-20 July; Kollwitz, Städel Museum, Frankfurt, Germany, 20 March-9 June; Käthe Kollwitz, SMK-National Gallery of Denmark, Copenhagen, 7 November-25 February; The Anxious Eye: German Expressionism and Its Legacy, National Gallery of Art, Washington DC, 11 February-27 May; Expressionists, Tate Modern, London, 25 April-20 October; Gabriele Münter: the Great Expressionist Woman Painter, Thyssen Bornemisza, Madrid, 12 November-9 February Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
As you may have noticed, the December calendar is about Montparnasse, the famous neighbourhood of Montparnasse where so many artists gathered at the beginning of the 20th century : Apollinaire, Modigliani, Soutine, Picasso, Brancusi, Blaise Cendrars, so many famous names. Do you remember, two weeks ago when Anne-Laure and I recorded ourselves under the rain, again? And that we thought that Rachilde or André Breton could have been responsible for this? Well today, you are going to hear this specific recording. We were at the Villa Vassilief, a nice passage near Montparnasse station. This lovely Parisian passage used to have many artists'studio that are now used differently. This is where Marie Vassilief, a painter who came from Russia in 1910 had her studio and her famous cantine for artists during World War One. She made a small painting about a specific meal to celabrate George Braque's return from war. The painting can be seen in Paris until April 14th, at the very nice exhibition at Le Petit Palais, Le Paris de la modernité. In the notes that come with the transcript, I will highlight for you some tipical French expressions that are present in the text. There will be also a little devinette ! So to Cultivate Your French, receive the text by email each time an episode is released, and enjoy all the positive effects of having the exact text of the episode, you could subscribe to the transcript at www.cultivateyoufrench.com. The subscription costs 4 euros a month and each new subscriber receives the 10 latest episodes. I mentioned the December Calendar about Montparnasse. To receive it, please enter your email address on the home page of my website www.onethinginafrenchday.com . It's free and it's in French ! www.cultivateyourfrench.com
1927, un procès historique se tient à New York opposant le sculpteur Constantin Brancusi à l'État américain. Pour l'artiste, il s'agit de prouver que sa sculpture Oiseau dans l'espace, lourdement taxée à l'importation par les douanes américaines (40% de sa valeur) en tant qu'objet industriel, est bel et bien une œuvre d'art, ce qui l'exonèrerait des droits de douane. En écho à Paris, l'artiste et ses contemporains doutent. Le travail de Brancusi est-il à la hauteur face au génie de l'artisanat et de l'industrie ? Le nouveau continent a-t-il les épaules pour jouer le rôle central dans l'art moderne que l'histoire lui impose désormais ? Tel est le point de départ de cette passionnante BD aux aplats polychromes et aux traits stylisés. Son auteur, Arnaud Nebbache, vient nous raconter cette controverse artistique qui fera jurisprudence sur la définition de l'art, et qu'éclaire pour nous Vincent Schneegans, avocat en propriété intellectuelle et grand amateur de BD ! Rencontre avec Arnaud Nebbache et Vincent Schneegans animée par Sonia Déchamps et enregistrée en public en mai 2023, au théâtre de La Criée, au conservatoire Pierre Barbizet, lors de la 7e édition du festival Oh les beaux jours !. __ À lire Arnaud Nebbache, Brancusi contre États-Unis, Dargaud, 2023. __ Montage : Arthur James Voix : Benoît Paqueteau Photo : Nicolas Serve Un podcast produit par Des livres comme des idées. __ La 8e édition du festival Oh les beaux jours ! aura lieu à Marseille du 22 au 26 mai 2024.
Amedeo ModiglianiUn peintre et son marchandau Musée de l'Orangerie, Parisdu 20 septembre 2023 au 15 janvier 2024Interview de Cécile Girardeau, Conservatrice au musée de l'Orangerie, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 19 septembre 2023, durée 13'31, © FranceFineArt.https://francefineart.com/https://francefineart.com/2023/10/01/3478_modigliani_musee-de-l-orangerie/communiqué de presseCommissariat :Cécile Girardeau, Conservatrice au musée de l'OrangerieSimonetta Fraquelli, Commissaire indépendante et historienne de l'artPrès d'un siècle après la rencontre entre les deux hommes en 1914, il semble important de revenir sur l'un des moments emblématiques de la vie de d'Amedeo Modigliani, celui où Paul Guillaume devient son marchand au milieu des années 1910 et sur la manière dont les liens entre les deux personnages peuvent éclairer la carrière de l'artiste. À son arrivée à Paris en 1906, Modigliani d'origine italienne est peintre. Sa rencontre avec Brancusi en 1909 agit pour lui comme une révélation : il s'initie à la sculpture et, jusqu'en 1913 et s'y consacre presque exclusivement. Sa rupture avec la pratique de la sculpture est aussi soudaine que totale : de 1914 à sa mort en 1920, il produit alors plusieurs centaines de tableaux et un ensemble important de dessins, consacrés à la seule figure humaine. C'est cette pratique de la peinture qui est au coeur de la relation entre l'artiste et le marchand. Paul Guillaume l'encourage, lui loue un atelier à Montmartre, fait connaître ses toiles dans les cercles artistiques et littéraires parisiens. Il achète, vend et collectionne ses oeuvres assurant à l'artiste une condition matérielle nouvelle ainsi qu'une renommée grandissante jusqu'à l'étranger.C'est par l'entremise du poète Max Jacob (1876-1944) que le galeriste et collectionneur Paul Guillaume aurait découvert Amedeo Modigliani en 1914. Il devient vraisemblablement son marchand dès l'année suivante comme le laisse présager la correspondance entre Paul Guillaume et son mentor le poète et critique d'art Guillaume Apollinaire (1880-1918) alors au front. C'est dans ce contexte parisien que le peintre immortalise son galeriste dans une série portraits peints et dessinés restés célèbres. Entre 1915 et 1916, Modigliani réalise quatre portraits peints de son mécène. Le premier d'entre eux, conservé au musée de l'Orangerie, proclame la relation privilégiée qu'entretiennent le marchand et l'artiste. Paul Guillaume, qui n'a alors que vingt-trois ans est représenté en costume, ganté et cravaté comme un pilote visionnaire de l'avant-garde, surplombant les mots « Novo Pilota ». Cette inscription nous laisse entrevoir que le galeriste suscite alors un grand espoir chez le peintre.Paul Guillaume à travers ses récits nous dresse aussi le portrait d'un Modigliani plus intime avec lequel il partage des affinités artistiques et littéraires. L'intérêt commun pour l'art africain est manifeste. Les deux hommes sont également sensibles à la littérature et à la poésie. Paul Guillaume se souvient ainsi que Modigliani « aimait et jugeait la poésie, non point à la manière froide et incomplète d'un agrégé de faculté, mais avec une âme mystérieusement douée pour les choses sensibles et aventureuses. »Outre les cinq peintures de Modigliani conservées aujourd'hui dans la collection du musée de l'Orangerie, plus d'une centaine de toiles ainsi qu'une cinquantaine de dessins et une dizaine de sculptures de l'artiste seraient passés par les mains du marchand. Ce nombre dénote à la fois l'implication du galeriste dans la promotion de l'artiste mais aussi son goût personnel pour ses oeuvres, largement présentes sur les murs de ses différents appartements. [...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.
Rejoignez la communauté d'auditeur.ices de Passerelles pour accéder aux transcriptions et à des ressources supplémentaires (www.patreon.com/passerelles) ---- Vous pouvez également vous abonner à la newsletter pour cultiver votre curiosité, échanger avec moi et recevoir un petit guide gratuit qui vous accompagnera dans votre pratique de l'écoute ---- Pour plus d'infos sur mon programme audio inspiré par Le Petit Prince, je vous invite à cliquer sur le lien suivant : https://passerelles.podia.com/qui-es-tu-re-decouvre-le-petit-prince/ Venez (re)découvrir ce classique avec moi ! ---- Bienvenue dans Passerelles, un podcast pensé pour éveiller la curiosité des apprenantes et des apprenants de français. Dans chaque épisode, je partage avec vous une question inspirée par les podcasts que j'écoute, par mes lectures. Et tout simplement par des choses qui m'ont marquée, qui m'ont étonnée récemment. J'ai eu envie de créer ce podcast pour transmettre des idées et encourager la conversation sur des sujets variés. Vous pouvez participer en vous abonnant à Passerelles, sur votre application de podcasts préférée. Je suis aussi sur Instagram : @frenchdiaries Merci pour votre écoute et à très vite ! ---- La question du jour : Qu'est-ce qu'on peut faire à Paris en 36 heures ? La phrase à retenir : Le problème et en même temps la force de Suzanne Valadon, c'est qu'elle n'a pas été formée dans des écoles ou dans des ateliers. Elle a été formée parce qu'elle était modèle. Après tout, se former en regardant le travail des autres, c'est comme ça qu'on apprend. C'est vrai pour la peinture, mais aussi dans d'autres domaines. Résumé de l'épisode : À la fin du mois de juin, j'ai passé quelques jours à Paris. L'un des endroits que j'ai visité, c'était l'atelier de Suzanne Valadon. Il se trouve au Musée de Montmartre. Si vous connaissez ce quartier, vous savez qu'il attire de nombreux visiteurs. Et pourtant, j'ai l'impression que ce musée reste un endroit assez calme. Si vous êtes comme moi, si vous n'aimez pas trop la foule, vous trouverez peut-être un peu d'inspiration pour vos prochaines vacances. Dans cet épisode, la question qu'on se pose, c'est la suivante : qu'est-ce qu'on peut faire à Paris en 36 heures (02:16) ? D'abord, je vous raconte ce que, moi, j'ai fait pendant les trois jours que j'ai passés dans la capitale (03:06). Vous allez voir qu'il y a un mot qui résume les différents endroits que j'ai visités : c'est le mot atelier. Je suis d'abord passée par l'atelier Brancusi, qui est situé juste à côté du Centre Pompidou. Si vous êtes dans le coin, c'est vraiment un espace à ne pas manquer (06:19). Ensuite, on se demande qui était Suzanne Valadon (10:07). Cette peintre nous fait réfléchir à plein de questions contemporaines. Pour finir, on revient sur les questions du regard féminin et de l'invisibilisation des femmes (17:12). Pendant longtemps, on a oublié qui était Suzanne Valadon, alors qu'elle était connue et reconnue de son vivant. Bonne écoute ! Pour aller plus loin : L'épisode "Qui est Suzanne Valadon, la peintre anti male-gaze ?", du podcast "Sans oser le demander" sur l'appli de Radio France Un aperçu de l'atelier Brancusi en vidéo et de l'institut Giacometti sur un compte Instagram qui partage des idées d'expos et de restos ---- Crédit musique : Betty Dear + Taoudella by Blue Dot Sessions
In this week's Book Club podcast, I'm joined by the writer and critic Laura Freeman to talk about her book Ways of Life: Jim Ede and the Kettle's Yard Artists. Laura's book is the portrait of one of those figures who, without ever quite taking the spotlight themselves, was nevertheless hugely influential in kindling the love and appreciation of art in others – a man who knew everyone from Picasso and Brancusi to David Jones and the Nicholsons, and whose home-cum-gallery in Cambridge has been a sanctuary and inspiration to generations of undergraduate pilgrims.
In this week's Book Club podcast, I'm joined by the writer and critic Laura Freeman to talk about her book Ways of Life: Jim Ede and the Kettle's Yard Artists. Laura's book is the portrait of one of those figures who, without ever quite taking the spotlight themselves, was nevertheless hugely influential in kindling the love and appreciation of art in others – a man who knew everyone from Picasso and Brancusi to David Jones and the Nicholsons, and whose home-cum-gallery in Cambridge has been a sanctuary and inspiration to generations of undergraduate pilgrims.
An interview by Justin Hopper with artist and roboticist Ian Ingram. Ian Ingram is an artist and roboticist based in California. His practice is concerned with building robots - kinetic sculptures - that attempt to communicate with animals in their own languages. So, for example, you'll hear him discuss a 'lizard' robot that does push-ups the way some lizards do, to mark territory - yet through a robot inspired by Brancusi. Or a 'squirrel' robot that uses its tails to signal danger to its wanna-be species. Besides his website, Ian has a TIkTok with loads of videos, and Instagram, too. It's well worth looking at these to see the robots while you listen. The music in this episode is by the great guitarist Nick Jonah Davis, from his album When the Sun Came - appropriately spring-like and acoustic for Ian's playful, joyful robots. Host Justin Hopper has an Uncanny Landscapes substack - it's free, and has the first post of the podcast + more. JH can be found via LinkTree or on Instagram; there is an Uncanny Landscapes twitter feed. Title sounds by The Belbury Poly, courtesy Ghost Box Records. The Uncanny Landscapes icon is by Stefan Musgrove.
Há 50 anos, no dia 8 de abril de 1973, morria Pablo Picasso, aos 91 anos, em Mougins, no sul da França. Artista genial, ele mudou o curso da arte no século XX. Mas não sem controvérsias. Por Patrícia MoribePablo Ruiz Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881, em Málaga, na Andaluzia, no sul da Espanha, junto ao Mediterrâneo. O pai, que era professor de pintura, estimulou o menino Pablo desde pequeno. O jovem Picasso frequentou escolas e artistas em Barcelona e Madri, com muitas experimentações e ambições. Em 1990, seu quadro “Os Últimos Momentos” é escolhido para representar a Espanha na Exposição Mundial em Paris. Aos 19 anos, a capital francesa é o sonho do jovem pintor. Ele se instala no mítico bairro de Montmartre, efervescente refúgio de artistas e boêmios. O trabalho de Picasso é dividido por períodos. Como o azul, de 1901 a 1904, quando, impactado pelo suicídio de um amigo, Carlos Casagemas, ele mergulha em temas sombrios, retratando pessoas miseráveis, com rostos marcados pela fome e sofrimento.Paralelamente, Picasso expandia suas conexões ao conhecer escritores, poetas, intelectuais, colecionadores, galeristas, mecenas e artistas de todos os espectros.Ele avançou para o período rosa, se inspirou na arte africana, trabalhou nos balés russos de Diaghilev e se apaixonou pela bailarina Olga Khokhlova, com quem se casa em 1918. Em 1907 ele finaliza “As Senhoritas de Avignon”, que vai dar um ponta pé importante para o Cubismo. Com Georges Braque, ele iniciou o movimento cuja ideia era a decomposição de imagens em facetas múltiplas, geométricas, bidimensionais. Toda uma geração de artistas bebeu nessa fonte, como Juan Gris, Francis Picabia e Brancusi. Em 1925, uma nova mudança de curso e Picasso navega pelo surrealismo, com criaturas disformes, convulsivas, histéricas. O surrealista Salvador Dali, também espanhol, conta, em uma entrevista de 1955, que mandou um postal para o artista, dizendo: “Meu caro Pablo, eu te agradeço porque me dou conta que você assassinou não somente a pintura acadêmica, que está morta e sepultada, como também assassinou toda a pintura moderna. Agora poderemos rever os grandes clássicos, como Rafael e Velasques. Se Picasso não existisse, a pintura moderna iria durar ainda uns 200 anos.”Arte como arma de resistênciaPicasso usava sua arte como instrumento de engajamento. O bombardeamento de uma cidade, em 1937, durante a Guerra Civil espanhola, levou o artista a criar uma de suas obras mais marcantes: “Guernica”. O mural simboliza o horror da guerra e o sofrimento da população. No mesmo ano, Picasso pede a naturalização francesa, que lhe é recusada. O artista continuou a viver na França, mas como diria em entrevista de 1955, “era um acaso, sem nenhuma razão especial”. Picasso passou a Segunda Grande Guerra em Paris, durante a ocupação nazista. Os serviços de segurança o ficharam como “anarquista”. Em 1949, Picasso pinta “Pomba da Paz”, que se torna um forte símbolo antibélico internacional. Além da pintura, Picasso também fez esculturas, cerâmicas e gravuras. Os detratores de Picasso apontam justamente que a produção do artista era excessiva.Ele também traduzia em suas obras sua paixão pelas touradas e mulheres. Sua vida amorosa foi intensa e turbulenta. Ao mesmo tempo, era considerado misógino. Picasso casou-se duas vezes, teve quatro filhos e inúmeras amantes. Uma de suas amantes-musas, a fotógrafa francesa Dora Maar, fala sobre a realidade em Picasso, em entrevista de 1955:“Picasso é obcecado, sempre foi, pela realidade”, disse a fotógrafa francesa, em 1955. “Através do Cubismo ele buscou todas as facetas de um objeto. Por exemplo, ele quis retratar as quatro dimensões de uma xícara de café. Mas não o instante presente, o sonho, um local, as nuvens ou a emoção. Ele busca a realidade verdadeiramente concreta de um objeto. Isso gera deformações extraordinárias.” Picasso morreu em 8 de abril de 1973, de uma crise cardíaca, no sul da França, deixando um fabuloso legado artístico e um lastro de tragédias familiares e brigas pela herança do artista, que não deixou testamento.Em 2015, o quadro “Mulheres de Argel” (1955) quebrou um recorde ao ser vendido por quase US$ 180 milhões. Durante algum tempo foi a obra mais cara do mundo, até ser desbancada por “Salvatore Mundi”, de Leonardo da Vinci, vendida por US$ 450 milhões a um príncipe saudita. No dia 20 de dezembro de 2007, dois quadros foram roubados do Masp (Museu de Arte de São Paulo) durante a madrugada, em apenas três minutos, de acordo com os registros de segurança. Um era “O Lavrador de Café”, de Cândido Portinari, e “Retrato de Suzanne Bloch”, de Picasso. As obras foram encontradas pouco mais de duas semanas depois, em Ferraz de Vasconcelos, subúrbio de São Paulo.
Une chronique de Laurent Lafourcade
Kees Wieringa is pianist, componist, schrijver, theatermaker en voormalig museumdirecteur in Qatar. Begin vorig jaar keerde hij terug vanuit het Midden-Oosten om zich vol overgave te storten op een kunstencentrum in Frankrijk en zijn allergrootste liefde: de piano. Zijn culturele landschap voert ons langs bijzonder intens werk van Brahms, de monumentale beeldhouwkunst van Brancusi en een bijzondere rede van een dichteres die een jonge generatie aanvoert.
In 20 years we will regret this podcast.... ....but in the meantime we encourage all to find redemption at the bottom of the bowl as Romania gets back at the Netherlands over Schengen, a party for billionaires that maybe happened, a lesson in big stick diplomacy, some bargain hunting in the Ukraine, a family affair of drugged driving, dubious tests, FIRE OF THE WEEK, a new benefits package for Romanian police, teaching the arts of corruption and the discovery of a modern Brancusi!! Music: Carlo Porcile - I Wanna TikTok: @WhenInRo Facebook: @WhenInRo Instagram: WhenInRoPodcast No Schengen, No Problem Billionaire Party Big Stick Diplomacy Bargain Hunting A Family Affair 1 in 10 False New Benefits Package FIRE OF THE WEEK Teaching the Arts Modern Brancusi Beyond the Frontier Honor Killing 40 Chickens in 40 days Nuns Gone Wild
https://www.moma.org/collection/works/81795?sov_referrer=theme&theme_id=5133&effective_date=2020-08-28 https://www.moma.org/calendar/galleries/5133? Constantin Brâncuși Fish Paris 1930 On view MoMA, Floor 5, 500 This sculpture is the last of the seven Fish Brancusi created, and the largest. It attests to the artist's deep interest in movement; not only does its heavy body, made of flecked blue-gray marble, evoke aquatic motion, it rests on a pivot that once allowed the work to spin. Even when still, the work changes as one moves around it. Broad and horizontal, the marble transforms into an attenuated sliver from particular points of view.
https://www.moma.org/calendar/galleries/5133?installation_image_index=1 Constantin Brâncuși Fish Paris 1930 On view MoMA, Floor 5, 500 This sculpture is the last of the seven Fish Brancusi created, and the largest. It attests to the artist's deep interest in movement; not only does its heavy body, made of flecked blue-gray marble, evoke aquatic motion, it rests on a pivot that once allowed the work to spin. Even when still, the work changes as one moves around it. Broad and horizontal, the marble transforms into an attenuated sliver from particular points of view.
This episode I am talking to Dr Tiff Thomas. We discuss the philosophy, ideas and politics of activist, mystic, worker and educator Simone Weil. Tiff is a lecturer in Philosophy at Manchester Metropolitan University and specializes in Spinoza. He is also interested in the work of Gilles Deleuze and Simone Weil. You can find out more about Tiff here. Tiff is a co-leader of the AHRC Funded UK Simone Weil Research Network which you can follow on Twitter here. You can also find links to his writings on Simone Weil and Spinoza at the bottom of these show notes. If you would like to study with with me you can find more information about our online education courses MAs in Philosophy here at Staffordshire University. You can find out more information on our MA in Continental Philosophy via this link. Or, join our MA in Philosophy of Nature, Information and Technology via this link. Find out more about me here. September intakes F/T or January intakes P/T. Dr Tiff Thomas' Public Articles: The Philosophical Salon: ‘Silence is Violence': Simone Weil on the Impossible Demands of Justice Latest Publications: Thomas, C (2022) ‘Simone Weil's Venice Saved: Pity, Beauty, Friendship' in Bloomsbury Library for 20th-Century French Thought Thomas, C (2021) ‘Spinoza on Melancholy and Cheerfulness' in Dialogue: Canadian Philosophical Review Thomas, C (2020) ‘On Religious and Cultural Objects: Articulate and Inarticulate Bodies in Spinoza's Philosophy of Nature' in European Journal of Philosophy Thomas, C (2020) ‘Simone Weil: The Ethics of Affliction and the Aesthetics of Attention', in International Journal of Philosophical Studies Thomas, C (2020) ‘Brancusi's Golden Bird and Loy's “Brancusi's Golden Bird”: A Spinozist Encounter' in Philosophy and Literature
Autodidacta, Peggy Guggenheim se valió de su audacia, su intuición y una gran habilidad para rodearse de los expertos y asesores adecuados. Tan relevante fue su figura, que, de no haber sido por ella, hoy no conoceríamos a Pollock, al tiempo que obras de Kandinsky, Mondrian, Miró, Dalí, Giacometti o Brancusi, entre otras, habrían sido destruidas o saqueadas durante la Segunda Guerra Mundial. Edurne Baz reivindica la figura de la mecenas y coleccionista de arte, fundadora del veneciano Museo Peggy Guggenheim, una de las colecciones más importantes de arte europeo y americano del siglo XX.
In our first ever episode with 2 guests, Jordan caught up with his friends and 1883 castmates, LaMonica Garrett (Thomas) and Gratiela Brancusi (Noemi).Gratiela opens up about moving from Romania to the US and dealing with the culture shock of landing her first professional acting gig and LaMonica discussed the struggles of transitioning from the world of athletics to the world of acting.Be sure to follow them both on Instagram at @GratielaB and @LaMonicaGarrett to support them in their journeys!
Actor Gratiela Brancusi spoke with Sterling Whitaker about her character Noemi (2:45), the unusual way she got the role (4:10), how she and her character are alike (10:00) and the naked love scene from Ep. 6 of 1883 (18:00).
Ooh la la, it's time for the last deep dive into an international destination this season - get ready for it, Out Travel the System is heading to France! In this episode, host Nisreene Atassi draws on the expertise of Jackie Kai Ellis, an author, designer, and classically-trained pastry chef with a home base in Paris, and Antoine Walter, a Director, Market Management in France for Expedia, to suss out everything you need to plan out a jaunt to live la belle vie. Listen in as they list off all of the many places you can dream about visiting, from world-class museums, houses of high fashion, and the prehistoric art of the Lascaux cave. Take in the sights that inspired Monet, Brancusi, and Rodin, and make sure to make time to stop at a cafe for a restorative coffee and pastry every so often. They share their inside tips on how to access the best of French history and culture, outdoor adventure, and family-friendly fun. From how to get around to what days to avoid visiting museums, it's all right here in this episode. Here are just a few handy links to inspire your planning inspiration in France: Paris Travel Guide Brittany for beach time Rodin Museum MuCEM in Marseilles See omnystudio.com/listener for privacy information.
Être à Venise et y voir l’architecture de New York, percevoir dans un tableau du Tintoret la naissance des images animées, regarder le burlesque Cretinetti comme l’ancêtre du montage – autant de glissements, de déplacements, et de percutants télescopages que propose Philippe-Alain Michaud dans ce film qui lui est consacré. Suivre cet historien de l’art, conservateur aux collections cinémas au Centre Pompidou, c’est passer du tapis d’Orient à la pellicule de film, ou des premiers feux d’artifice à la salle de cinéma. Et partout l’animation des images – projections d’Antony McCall, ou de Paul Sharits, Colonne sans fin de Brancusi, Accatone de Pasolini – tout bouge !Sous la tutelle d’Aby Warburg, grand historien de l’art du début du XXème siècle, précurseur de l’iconologie et des rapprochements d’image auquel Philippe-Alain Michaud a été le premier en France à consacrer un important essai, onze images viennent se déposer sur la table pour décrire le singulier parcours de cet historien de l’art
Welcome to the Instant Trivia podcast episode 69, where we ask the best trivia on the Internet. Round 1. Category: Cities Of New York 1: "The Honeymoon City". Niagara Falls. 2: It's "The Bison City". Buffalo. 3: It's "The Kodak City" and "The Photo Capital of the World". Rochester. 4: It's "The Capital of the Empire State" and "The Edinburgh of America". Albany. 5: "The Birthplace of Baseball". Cooperstown. Round 2. Category: In Memoriam 2006 1: "The Midnight Hour" came calling for this R and B legend in January 2006. Wilson Pickett. 2: A host of "Hee Haw" for 17 years, he pioneered the Bakersfield sound of country music. Buck Owens. 3: Grandpa on "The Munsters", he once ran for governor of New York as a Green Party candidate. Al Lewis. 4: Long before "The X-Files", he stalked the night as Carl Kolchak, a savvy reporter of the weird and the horrific. Darren McGavin. 5: The winner of 13 Emmy Awards, this low-key TV sportscaster was a true "American Sportsman". Curt Gowdy. Round 3. Category: Sculpture 1: Both Rodin and Brancusi (who once worked for Rodin) did sculptures of an embracing couple titled this. "The Kiss". 2: His suspended abstract sculptures were given the name "mobiles" by Marcel Duchamp. Alexander Calder. 3: The 2 slaves Michelangelo sculpted for the unfinished tomb of Pope Julius II are in this Parisian museum. the Louvre. 4: In 1953 sculptor William Zorach created the relief "Man and Work" for this Rochester, Minnesota clinic. the Mayo Clinic. 5: His work "Balzac" was refused by the society that commissioned it; they didn't think it looked like Balzac. Auguste Rodin. Round 4. Category: Load The Magazine 1: In Oct. 2004 this "Institution"al mag pondered what the U.S. would be like had Breckenridge won the 1860 election. Smithsonian. 2: With 11 appearances, this former "Baywatch" beauty has been on the cover of Playboy more than any other person. Pamela Anderson. 3: In 1953 the baby son of Lucille Ball and this man was on the first national cover of TV Guide. Desi Arnaz. 4: Begun in 1884, this magazine's name is synonymous with the New York City theater scene. Playbill. 5: Elle Macpherson, Kathy Ireland and Rachel Hunter all adorned this magazine's Feb. 14, 1994 cover. Sports Illustrated. Round 5. Category: "Winter" Wonderland 1: Varieties of this cereal crop include Kawvale and Blackhull. winter wheat. 2: This 1935 Maxwell Anderson play was based in part on the Sacco and Vanzetti trial. Winterset. 3: Russian revolutionaries stormed it in November 1917. the Winter Palace. 4: It happens on or about December 21. the winter solstice. 5: This plant, Gaultheria procumbens, produces an oil used in medicine and as a flavoring. wintergreen. Thanks for listening! Come back tomorrow for more exciting trivia!
Constantin Brancusi, è considerato uno dei precursori della scultura moderna. Un artista alla continua ricerca della verità della materia. L'essenza della realtà è ciò che ha cercato di rappresentare per tutta la sua vita eliminando ogni dettaglio superfluo e realizzando diverse versioni dello stesso soggetto fino alla creazione di forme uniche, primarie, quasi arcaiche ma allo stesso tempo moderne. Dalla "Maiastra", uccello della cultura popolare rumena alle famose versioni di "Uccello nello spazio", dal ritratto della baronessa René Frachon alle sue famosissime "Muse addormentate", opere che non rappresentano più volti, ma forme compatte, monolitiche, quasi astratte, la cui purezza è resa attraverso il lavoro magistrale di Brancusi nella lucidatura e levigatura dei materiali. La puntata si conclude con la "Colonna senza fine", un'opera senza centro, senza inizio o fine, in cui elementi romboidali si ripetono verso l'alto quasi ad esprimere l'idea dell'infinito.link sostieni Art and Talk: https://it.tipeee.com/art-and-talklink "Il bacio": https://tinyurl.com/y24ho8velink "Ritratto della baronessa René Frachon": https://tinyurl.com/y58xhg3jlink muse addormentate: https://tinyurl.com/yxmj8w9alink "Maiastra": https://tinyurl.com/y34fkhrelink "Uccello nello spazio": https://tinyurl.com/yxqntx6glink sul caso Brancusi: https://tinyurl.com/y4yltcr6link "La colonna infinita": https://tinyurl.com/y5lnxurqmusic by Giorgio di CampoBossa Blue for you https://bit.ly/2DCsxH3Billys Blues session https://bit.ly/2ALFQCT
Em tempos de confinamento, o livro é um “bem essencial”, mesmo que em França as livrarias tenham sido obrigadas a fechar. Na Bélgica, pelo contrário, confinamento não rima com fecho de livrarias, como conta Jorge Pinto, co-autor – com Eduardo Viana - da banda desenhada “Amadeo – a vida e obra entre Amarante e Paris”. Uma novela gráfica que conta a vida do pintor português da vanguarda do início do século XX. Jorge Pinto e Eduardo Viana contam a vida de Amadeo de Souza-Cardoso numa novela gráfica editada pela Saída de Emergência. “Amadeo – a vida e obra entre Amarante e Paris” é uma história aos quadradinhos para conhecer o pintor português que foi descrito como “o segredo mais bem guardado da arte moderna” e que viveu entre Amarante e Paris. Nascido em Manhufe, Amarante, e figura do movimento da vanguarda modernista parisiense, Amadeo de Souza-Cardoso (1887-1918) era um permanente inconformado e dividido entre o provincianismo de Manhufe, onde nasceu, e o cosmopolitismo de Paris. Recusando aderir a qualquer escola e procurando constantemente novas formas de expressão artística, Amadeo rompeu convenções e cresceu artisticamente ao lado de nomes como Modigliani, Brancusi e o casal Delaunay. A morte aos 30 anos, vítima da epidemia de gripe espanhola que assolou o mundo no final da Primeira Guerra Mundial, ditou o fim de uma carreira internacional promissora mas ainda em fase de afirmação e atirou-o para o esquecimento na história da arte europeia. Em 2016, o Grand Palais de Paris consagrou-lhe uma retrospectiva que resgatou o seu nome do esquecimento. Foi nessa exposição que Jorge Pinto sentiu a necessidade de fazer uma banda desenhada em sua homenagem e desafiou o amigo Eduardo Viana. A RFI falou com Jorge Pinto sobre este livro, numa altura em que o confinamento questiona o poder do livro e das livrarias. Para ouvir neste programa ARTES.
Hablar de África es hablar de la cuna de la humanidad, pero también de culturas, civilizaciones e imperios que en la antigüedad tuvieron su gran importancia como fue el de los faraones egipcios o los reinos negros del Sahel. Como invitados especiales contamos con Juan Ignacio Castien, director del curso sobre Estudios Africanos y Pueblos Negros desarrollado por la Universidad Complutense y la Fundación Sur, y con Pablo Sánchez León, profesor e investigador en la Universidad del País Vasco, para hablarnos de la historia, la cultura y los mitos que han surgido alrededor de los pueblos negros. También de la trata de esclavos, de los problemas de identidad de dichos pueblos, del colonialismo, las encomiendas o la trayectoria del racismo en el actual Estados Unidos, entre otros temas. Carlos Canales hará referencia a algunos contenidos de su libro “Esclavos: comercio humano en el Atlántico”. Carmen Fernández nos dirá que, según los últimos estudios genéticos, la ciencia no sustenta el concepto de “raza” y Marcos Carrasco abundará en la influencia que tuvo el arte africano en grandes artistas como Picasso, Matisse, Modigliani o Brancusi. La WikiPepa nos recomendará esta vez a un director de cine de Costa de Marfil y Jesús Callejo nos contará un cuento shona de Zimbawe.
140 centimètres de hauteur, 15 de largeur, une figure oblongue en bronze poli, brillante d’une couleur dorée. Qu’est donc cet objet? Un grand couteau, une hélice d’avion, un mixeur industriel… Multitudes de réponses sont possibles, mais, de la même façon que certains peinent à reconnaitre comme « musique », La Mariée mise à nu par ses célibataires même ». Erratum musical, une composition sonore de Marcel Duchamp, pour les fonctionnaires des douanes des Etats-Unis de la décennie de 1920, l’objet de Brancusi n’est certainement pas une sculpture, ni tout autre forme d’oeuvre d’art. Une confrontation pour décider de ce qu’est cet objet vient de commencer, une confrontation qui marquera l’histoire.
Episode No. 446 features artists John Edmonds and Tamara Johnson. This month the Brooklyn Museum had planned to open "John Edmonds: A Sidelong Glance," an exhibition of 25 new and recent pictures including portraits and still-lifes of Central and West African sculpture, including works in Brooklyn's own collection (some of which were donated by writers Ralph and Fanny Ellison). Edmonds is the first winner of the Uovo Prize, a new annual exhibition award for an artist living or working in Brooklyn. Due to the COVID-19 pandemic, the exhibition's opening date is to be determined; it is scheduled to be on view through August 8, 2021. The Brooklyn exhibition was curated by Drew Sawyer. A mural-sized Edmonds, "A Lesson in Looking with Reverence," is installed at Uovo's forthcoming storage facility in Bushwick, where it will remain on view into November. John Edmonds is also included in "Riffs and Relations: African American Artists and the European Modernist Tradition" at the Phillips Collection in Washington, DC. The museum has extended the show through January 3, 2021. "Riffs and Relations" offers works by African American artists of the twentieth and twenty-first centuries alongside works of the European modernists whose work they engaged. The exhibition includes art from Edmonds's "Tribe" series, which examines early modernism. The exhibition was curated by Adrienne L. Childs, who was recently on Episode No. 444. On the second segment, Tamara Johnson discusses her installation of Deviled Egg and Okra Column (2020) at the Nasher Sculpture Center in Dallas. The Nasher is temporarily closed due to the COVID-19 pandemic, but it has scheduled installations for its new "Nasher Windows," series of exhibitions sited within the Nasher’s entrance vestibule on Flora Street. ("Nasher Windows" installations may be seen from outside the institution's Renzo Piano-designed building.) Johnson's sculpture goes up Friday, May 22, and will remain on view through Wednesday, May 27. Johnson is a Dallas-based artist who has previously exhibited her work at CUE Art Foundation, New York, in Maria Hernandez Park in Bushwick in partnership with the NYC Parks and Recreation Department, at Wave Hill in the Bronx, and at and in partnership with Socrates Sculpture Park in Long Island City. Along with Trey Burns, she operates the Sweet Pass Sculpture Park in West Dallas. Sweet Pass presents the work of early and mid-career artists in an outdoor setting, and on a rotating basis. Johnson and host Tyler Green mention Paulina Pobocha's 2018 presentation of Brancusi at the Museum of Modern Art, New York; Pobocha discussed the exhibition on Episode No. 353.
Collar Works Radio host Justin Baker discusses art, relationship insecurities and Brancusi with artist and Collar Works Gallery co-founder Sanford Mirling.
In this far ranging and fetching introduction to the term “swerve”—the first of two (saving its application to Lucretius and his brand of Epicurean thought to our next meeting)—we carve around the eruption of Mount Vesuvius (79 CE), the nature of sermons, the polysemy nature of the term, Brancusi’s “Bird in Space,” the Bill Murray-cast film adaption of “The Razor’s Edge,” Ross Macdonald’s short story “The Guilt-Edged Blond,” Paul Davies’ HOW TO MAKE A TIME MACHINE, The Hardy Boys, Dashiell Hammett’s “Flitcraft Parable,” the literary term “volta,” Sophocles’ “Oedipus Rex,” John Ashbery, chance and chaos processes, and variation on a line by Robert Creeley. To note, this call to swerve chronologically is our first session.
#4 FIGURA DE MUJER Hoy viajaremos en el tiempo con una figura de mujer bella y sencilla que tiene más de 5’000 años y que, a pesar de su edad, mantiene una elegancia y encanto sin precedente. La figura está hecha de mármol y data de la época cicládica, entre 3’300 y 1’100 antes de Cristo, o sea la Edad de Bronze. Proviene de la región del Mar Egéo. No se sabe cuál fue su propósito, pero esto no importa si se considera su belleza, su elegancia y su sencillez. El hecho es que todavía nos habla, a pesar de ser muy chiquita con sus 63 cm de alto. Y habló también a los más grandes escultores de la edad moderna quienes se inspiraron del arte cicládico para sus obras. Cabe citar a Constantín Brancusi, Jean Arp y hasta Henry Moore. Les recomiendo ver sus obras. Gracias. Una serie sobre el arte a través del la historia y las culturas. Se presentarán obras que transcienden el tiempo por su belleza y por lo que nos cuenta. Historia del arte con Kenza - Obras que encienden el asombro. Nos puedes seguir a través de la cuenta Instagram Historia.del.arte.con.kenza, para descubrir las obras del podcast y muchas más. Producido por Rojo venado
Cette semaine, je reçois Baptiste Bouygues, qui a fondé avec sa maman, Marie Lise Jonak, la maison de parfum Ormaie. Si vous ne connaissez pas encore ce nom, leurs bouteilles de parfums elles doivent surement vous dire quelques choses ! Elles ont toutes une grande forme géométrique colorée en guise de capuchon Elles sont absolument sublimes et ne ressemblent en rien aux flacons de parfums traditionnels. Ce sont de véritables objets de design que l’on a presque envie de collectionner ! Dans cet épisode, Baptiste nous explique pourquoi il a voulu relever le challenge de créer des parfums naturels et comment il a collaboré avec sa maman pour créer cette collection. On parle de souvenir olfactifs, de rapport à la nature, de Brancusi et de savoir-faire oubliés. On aborde aussi les différentes significations que peuvent avoir des senteurs en fonction des régions du monde, en orient, en occident ou en inde par exemple. Baptiste nous donne belle définition du beau et on termine avec des questions du public car cet épisode a été enregistré en live à l’occasion de l’ouverture de la première boutique éphémère Ou est le beau ? au début du mois décembre dernier. Je ne vous en dis pas plus et vous souhaite une très bonne écoute ! °°INSCRIVEZ VOUS A LA NEWSLETTER POUR RECEVOIR CHAQUE SEMAINE LE BEAU DANS VOTRE BOITE MAIL°° °° OÙ RETROUVER L’UNIVERS DE ORMAIE ? °° Sur leur site : https://ormaie.paris Sur Instagram : @ormaieparis °° SUIVEZ MOI SUR INSTAGRAM @ouestlebeau°° Découvrez mes 2 rdv journaliers : >> en story avec la chronique « Où est le beau aujourd’hui sur Instagram ? » >> tous les soirs sur mon mur, avec la publication de la « sélection du jour » dans laquelle je mets à l’honneur une personnalité ou un lieu inspirant. °° CREDITS °° Où est le beau ? est un Podcast créé et réalisé par Hélène Aguilar Edition et montage : Paco Del Rosso Identité graphique : Catherine Sofia Musique libre de droits
Robert & Russell meet music icon Michael Stipe, best known as lead singer of R.E.M. We discuss his lifelong love of taking photographs (more than 37,000 so far), his childhood Nikon camera (a gift from his father), self-portraits, making sculptures, his friendship with Patti Smith, meeting members of the Beat Generation such as Allen Ginsberg & William Burroughs and why he dislikes his own handwriting. We explore his recent collaboration with Sam Taylor-Johnson on the video for his new solo single ‘Your Capricious Soul’ (which is also raising funds for charity Extinction Rebellion), his admiration for artist/poet John Giorno, British poet Edith Sitwell, photographers Robert Mapplethorpe and Wolfgang Tillmans, sculptors Bernini and Brancusi, meeting Andy Warhol (and buying one of Warhol’s Polaroid cameras), a moving story related to the play Angels in America, why German artist Hans Haacke is one of his greatest heroes and the last impact of his early Athens relationship with artist Jeremy Ayres.Michael’s new book of photography ‘Our Interference Times: A Visual Record’ is available now. We also recommend his earlier book ‘Volume 1’ (both published by Damiani, 2019 & 2018). His first solo single ‘Your Capricious Soul’ can be downloaded as a bundle with video and artwork exclusively from MichaelStipe.com and you can follow his former band (and the 25th anniversary of their album Monster) on Instagram @rem See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.
Dirk Vermaelen, artistiek directeur van Europalia Romania was te gast in A La Carte. Een gesprek over de mooie Brancusi tentoonstelling in Bozar, de Roemeense cultuur en de werking van Europalia. En wat is eigenlijk de link tussen Boekarest en Parijs?
Brancusi's sculptural series in Targu Jiu, South West Romania, is a powerful memorial to the First World War, culminating with the Endless Column - he called it "a column for infinity". It is one of the great art works of the twentieth century: its simplicity, directness, and modularity helped to define the fundamental principles of modern abstract sculpture. Here, the writer Patrick McGuinness travels to the site to piece together the story of Brancusi's important work and its significance in the country today. Produced for BBC Radio 3
Too-often overlooked Modernist poet Mina Loy's 1922 ode to abstract sculpture, now performed with a rock band. For more about this and other combinations of various words with original music, visit frankhudson.org
Hoy viajaremos en el tiempo con una figura de mujer bella y sencilla que tiene más de 5’000 años y que, a pesar de su edad, mantiene una elegancia y encanto sin precedente. La figura está hecha de mármol y data de la época cicládica, entre 3’300 y 1’100 antes de Cristo, o sea la Edad de Bronze. Proviene de la región del Mar Egéo. No se sabe cuál fue su propósito, pero esto no importa si se considera su belleza, su elegancia y su sencillez. El hecho es que todavía nos habla, a pesar de ser muy chiquita con sus 63 cm de alto. Y habló también a los más grandes escultores de la edad moderna quienes se inspiraron del arte cicládico para sus obras. Cabe citar a Constantín Brancusi, Jean Arp y hasta Henry Moore. Les recomiendo ver sus obras. Gracias. Historia del arte con Kenza Una serie sobre el arte a través del la historia y las culturas. Se presentarán obras que transcienden el tiempo por su belleza y por lo que nos cuenta. Historia del arte con Kenza - Obras que encienden el asombro. Nos puedes seguir a través de la cuenta Instagram Historia.del.arte.con.kenza, para descubrir las obras del podcast y muchas más.
The New Age of TV: Bringing the Look of Cinema to the Small Screen - Sight, Sound & Story: The Art of Cinematography 2018 Moderator: David Leitner (Director, Producer, and Cinematographer) Panelist: Robert McLachlan, ASC, CSC ("Game of Thrones," "Westworld," "Ray Donovan," "The Affair") Meet the Cinematographer who brought some of the most fantastical and gritty moments from "Game of Thrones" to life, Rob McLachlan ASC, CSC. Rob has directed one of the biggest budget episodes of television in history, "The Spoils of War" and one of the most viral moments of modern television "The Red Wedding." Here with David Leitner, Cinematographer of the critically acclaimed "Trembling Before G-d", serving as moderator, Rob dissects his most recent television work. Rob offers his generous insight into the choices behind his camerawork on "Ray Donovan," "WestWorld," and of course, "Game of Thrones." About Robert McLachlan, ASC, CSC: Robert was born in San Francisco. He became involved with photography and film at an early age thanks to an artistic father. Since then, Robert has moved on with unusual ease between television and theatrical films of all sizes. In the process, winning many awards and amassing hundreds of credits including close to 50 Theatrical and television movies; as well as over 550 episodes of Television that include "MacGyver" in the late ’80s and the groundbreaking, "Millennium" in the mid’90ss. Recently he shot what is regarded as the most famous episode of TV ever - best known as “The Red Wedding”, in addition to the biggest episode of TV ever made, "The Spoils of War." Both of these episodes are from the international phenomenon, "Game of Thrones." His other TV credits include "Westworld" for HBO and Showtime’s critically acclaimed, "Ray Donovan." Along the way, he has returned to wearing both Director and cinematographer hats on the movies "The Golden Compass" and "Dragonball Evolution" on their second units and more recently he has directed episodes of "Ray Donovan." About the Moderator: David Leitner is a director, producer, and Emmy-nominated DP (Chuck Close: Portrait in Progress), with over eighty credits in feature-length dramas and documentaries, including eight Sundance Film Festival premieres. These include his own Vienna is Different: 50 Years After the Anchluss, Alan Berliner’s Nobody’s Business, Sandi Dubowski’s Trembling Before G-d, the Oscar-nominated documentary For All Mankind, for which he spent nine months at NASA’s Johnson Space Center restoring original 16mm lunar footage, and Memories of Overdevelopment, a Cuban follow-up to 1968’s film classic, Memories of Underdevelopment. For over 25 years, as DP, he has photographed hour-long documentaries on iconic writers, artists, and architects for New York’s Checkerboard Film Foundation. Subjects include Brancusi, Picasso, James Salter, Joel Shapiro, Sir John Soane, Ellsworth Kelly, Milton Glaser, Daniel Libeskind, Dorothea Rockburne, Peter Eisenman, Roy Lichtenstein, Eric Fischl, Jeff Koons, Frank Stella, and Sol LeWitt. Leitner is also an author, columnist, motion picture technologist and industry consultant. From 1977-1985 he was Director of New Technology at DuArt Film & Video in New York, where he created innovations in optical printing, cine lens testing, film-to-tape transfer, and played a key role introducing Super 16 to the U.S. He is a Fellow of the Society of Motion Picture and Television Engineers. This year’s fourth annual Sight, Sound & Story: The Art of Cinematography event we'll go behind the lens to better understand the challenges and decisions made by top visual artists in the realm of narrative TV, documentary and feature films. Our event series is where we hope many pieces of the creative puzzle fit together - a familiar enclave for the exchange of ideas and a celebration of this unique collaborative process. For more information go to https://SightSoundandStory.com.
Elle s'appellait Tatiania Rachewskaïa, était russe, exilée à Paris et s'est suicidée au début du siècle dernier, par amour pour un jeune médecin roumain. Roumain comme Constantin Brancusi, sculpteur alors inconnu et auteur du Baiser, une oeuvre qui finit sur la tombe de la jeune femme, au cimetière du Montparnasse. 109 ans après, l'affaire rebondit, relancée par les héritiers de la dame, qui aimerait mettre la main sur la sculpture, que leur dispute jusqu'à présent l'Etat français. Il faut dire que Brancusi a pris de la valeur: deux de ses oeuvres ont été vendues récemment à 40 et 70 millions de dollars. Les tribunaux ont pour l'instant donné raison à la France, mais les héritiers n'ont pas renoncé, exhibant des documents que Jérôme Dupuis a pu consulter, pour L'Express, et qui pourraient tout changer. C'est ce qu'il raconte. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.
À propos du livre : "Montparnasse entre bohème et années folles - 100 photos de légende" Aux éditions Parigramme 100 photos de légende De l'aube du XXe siècle aux années 1930, Montparnasse connaît son âge d'or. D'Europe centrale et de l'Est, d'Italie, d'Espagne, de Scandinavie ou des États-Unis... accourent par centaines de jeunes peintres, sculpteurs, écrivains ou photographes, pressés de rallier ce nouveau " centre du monde " où une révolution artistique est en train d'éclore. Eux aussi veulent en être... C'est ainsi que dans la lumière froide des ateliers ou l'ambiance chaleureuse des grands cafés se croisent Modigliani, Picasso, Soutine, Kisling, Pascin, Brancusi, Giacometti, Hemingway, Fitzgerald, Cocteau, Desnos, Miller... et tant d'autres. Au moins pour quelques années, Paris est une fête, immortalisée par les objectifs de Man Ray, de Brassaï ou de Kertész. Libraire dans le 14e arrondissement, Olivier Renault est également l'auteur de Montparnasse, les lieux de légende et de Montmartre, les lieux de légende, parus aux éditions Parigramme. À propos du livre : "Atlas du Paris souterrain 2ed " Aux éditions Parigramm Le Paris souterrain court sur des centaines de kilomètres. Sans lui, pas de vie, pas de ville. Galeries de carrières, cryptes médiévales, catacombes, égouts haussmanniens, métro et autres ouvrages ferroviaires, abris de Défense passive, galeries techniques diverses... le monde mystérieux du sous-sol garde la mémoire de l'histoire tout en jouant les coulisses de la Ville lumière dont il abrite, dans l'ombre, la complexe machinerie. À la différence de la ville en surface qui a pu, à différentes reprises, céder aux tentations de la table rase, la ville souterraine ne saurait supprimer sans conséquences un étage de son histoire. Ce n'est pas la moindre séduction de cette cité enfouie dont l'appel résonne comme une invitation à descendre l'escalier sans fin de tous les Paris. À propos du livre : "Paris: Une histoire érotique, d'Offenbach aux Sixties " Aux éditions Payot Paris, capitale de l'amour ? En tout cas, c'est probablement la seule ville au monde dont on puisse dire qu'elle provoque tous les fantasmes, au point qu'on a pu parler, en 1869, de "parisine", le parfum sensuel qui émane du sol de Paris. On trouvera dans ce livre de l'historien Dominique Kalifa une foule d'anecdotes et de faits curieux : la carte imaginaire des adultères, arrondissement par arrondissement, établie en 1928 ; Léon Blum suivant une femme dans la rue ; Landru repérant ses victimes dans le métro ; ou encore des sections consacrées aux petits salons des restaurants, à l'amour dans les fiacres ou sous les portes cochères, aux rencontres amoureuses dans le métro ou, comme Marguerite Duras dans les années 1930, dans les piscines municipales, etc. Mais on pourra également lire ce Paris comme l'histoire sur un siècle, de 1860 aux années 1960, de la conquête de la ville, de l'espace public, par les femmes. Dominique Kalifa est professeur d'histoire contemporaine à l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et membre de l'Institut universitaire de France. Il a notamment publié Les Bas-fonds : histoire d'un imaginaire et La Véritable Histoire de la Belle Epoque.
Vorbim despre Brancusi, efemeritatea vietii si despre facut, despre facere, despre marea facere. Sezonul 2 este intitulat Marea Facere. Auditie placuta.
La vie et l’œuvre d’Amadeo de Souza-Cardoso Conférence par Helena de Freitas, historienne et critique d’art au musée Calouste Gulbenkian de Lisbonne, commissaire de l’exposition et Catarina Alfaro, conservateur en chef à la Casa das Histórias Paula Rego Né en 1887 dans une famille aisée de Coimbra, Amadeo de Souza Cardoso abandonne ses études d’architecture et s’installe à Paris en 1906. Il fréquente les ateliers de Montparnasse, dessine et réalise des caricatures avant de s’orienter vers la peinture. A l’affut des nouvelles tendances, lié avec Modigliani, Juan Gris, Delaunay, Archipenko et Brancusi, il intègre successivement dans sa palette, le cubisme, l’expressionnisme, le primitivisme, le futurisme. En 1912, il illustre un exemplaire manuscrit de La Légende saint Julien l’Hospitalier de Flaubert puis expose en 1913, à l’Armory Show de New York, huit œuvres qui font sensation. Il expose également à Berlin avant de rentrer au Portugal où il poursuit son activité artistique auréolée de scandale. Il produit pendant la guerre des œuvres majeures à la croisée de tous les courants de la modernité mais est emporté par la grippe espagnole en 1918, à l’âge de seulement 31 ans.
Sunil Khilnani tells the story of the painter Amrita Sher-Gil - 20th century India's first art star - who died under shrouded circumstances in 1941 at the age of just 28. Sher-Gil left a vortex of stories behind her: about her narcissism and her love affairs. But even more compelling than the stories are the canvasses she left behind. Drawing from European artists like Cezanne, Gauguin, and Brancusi, and from Indian ones - the makers of the Buddhist wall paintings in the caves of Ajanta, and the miniature painters of the Pahari tradition - Amrita Sher-Gil managed to do something radical within Indian culture: to declare her own vision - a woman's vision - vital in the history of art. She endowed successive generations of Indians with something scarce in the culture: an example of an autonomous, creative female. Featuring interviews with artists Bharti Kher and Vivan Sundaram. Readings by Sheenu Das. Producer: Martin Williams Executive Producer: Martin Smith Original music composed by Talvin Singh.
Curator Leah Lehmbeck examines how the great sculptors of the 20th century were influenced by Constantin Brancusi and how sculpture moved from being a self-contained, three-dimensional object to one that engages with its surrounding space as presented in the exhibition Beyond Brancusi: The Space of Sculpture, on view April 26, 2013–January 6, 2014.
-In this episode: Maritza is the girl of his dreams. What he wouldn't do for her.
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