Podcasts about Kurt Schwitters

In einem Keller in Tübingen tauchen der Öffentlichkeit unbekannte Tonbänder auf. Es handelt sich um eigens aufgenommene Kassetten der Dada-Künstlerin Hannah Höch. O-Tonmontage zum Geburtstag der Künstlerin. Mit Hannah Höch, ihren Großneffen Helmut und Dieter Rössner, George Grosz, Raoul Hausmann, Kurt Schwitters, Laszlo Moholy-Nagy, Nelly van Doesburg u.v.a. Musik, Bearbeitung & Regie AnniKa von Trier - mit Dank an die Medienwerkstatt bbk Berlin/ Ilka Forst // Produktion rbb 2024

Bührig, Agnes www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Dass Müllabfälle, Haarbüschel und Korken zu Kunst werden können, beweist Kurt Schwitters mit seinem "Merzbild 21b - Das Haar-Nabelbild" aus dem Jahr 1920 - darüber handelt dieser Kunstsnack. In dieser Episode geht es um seine Assemblage, die Kunstrichtung Dadaimus, aber vor allem um Schwitters Merzkunst, mit der er die Zerrissenheit der damaligen Zeit deutlich machte. Was ein Elefant, die Bahlsen-Kekse und eine Werbetafel damit zu tun haben? Jakob Schwerdtfeger erklärt es Euch!

“esprit d'atelier” arp et taeuber, vivre et créerà la Fondation Arp – atelier de jean arp et de sophie taeuber, Clamartdu 2 février au 24 novembre 2024Entretien avec Mirela Ionesco, secrétaire générale de la Fondation Arp, et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Clamart, le 22 juillet 2024, durée 20'25,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2024/07/26/3552_esprit-d-atelier_fondation-arp/Communiqué de presse Commissaires :Mirela Ionesco, Chiara Jaeger et Sébastien TardyLa maison-atelier de Arp et Taeuber à Clamart fut conçue par Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), pionnière suisse de l'Avant-garde, dans l'idée que l'art et le quotidien devaient continuellement s'appuyer l'un sur l'autre. Mais quelles différences existent entre un atelier et une maison-atelier ? Et quelles subtilités s'ajoutent quand cette maison-atelier n'est pas celle d'un seul artiste mais celle d'un couple d'artistes ?Esprit d'atelier, arp et taeuber, vivre et créer, nouvelle exposition de la Fondation Arp présentée du 2 février au 24 novembre 2024, plongera les visiteurs dans l'intimité d'un couple emblématique de l'art du XXe siècle. Ils pourront découvrir comment le lieu a été pensé, comment s'articulent le temps du travail et celui du quotidien des deux créateurs. Les espaces de vie et d'atelier se confondent dans une maison et un jardin dont l'histoire évolue au cours des années. Ces espaces s'agrandissent, les fonctions changent, et l'art se développe également au gré de ces modifications.Le parcours de l'exposition présentera des oeuvres majeures des deux artistes ( sculptures, peintures, dessins, écrits… ) en parallèle d'éléments inédits ( esquisses, ébauches, photographies ), témoignant de l'esprit d'atelier, multiple, qui résidait dans cette maison. Tout en évitant la reconstitution d'ateliers factices, chacun des créateurs sera présenté dans l'espace qu'il occupait à l'origine. D'autres salles seront consacrées à la compréhension du concept de maison-atelier, par les éléments de vie, par les oeuvres en commun de Arp et Taeuber, et par les rencontres et les nombreuses visites de tous les artistes des mouvements avant-gardistes européens de l'entre-deux-guerres ( Max Ernst, Tristan Tzara, Kurt Schwitters, Theo van Doesburg, Paul Eluard, Marcel Duchamp, Maurice Ravel… ), si prompts à venir rejoindre ce couple le temps d'une journée, d'un verre, d'une oeuvre…La Fondation Arp est une fondation d'artiste, dont Jean Arp (1886-1966) avait souhaité la création et esquissé les contours plusieurs années avant sa mort. Créée en 1978 à l'initiative de sa seconde épouse, Marguerite Arp-Hagenbach, la Fondation est dédiée à la diffusion et à la protection de la collection exceptionnelle dont elle est dotée, ainsi qu'à la promotion de l'héritage culturel de Jean Arp et de Sophie Taeuber-Arp, en France et à l'étranger. Longtemps ouverte au public très occasionnellement depuis sa création, la Fondation accueille les visiteurs à horaires fixes depuis 2004. La Fondation Arp est reconnue d'utilité publique, détentrice de l'appellation « musée de France ».[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Vor 100 Jahren erfand Kurt Schwitters eine eigene Kunstgattung: Merz. In seinen Texten und Collagen wimmelt es von religiösen Motiven. Die Zehn Gebote ersetzt Schwitters durch sein berühmtestes Gedicht. (Wiederholung vom 02.01.2019) Krutzinna, Leonie und Röther, Christian www.deutschlandfunk.de, Aus Religion und Gesellschaft

Kurt Schwitters (1887-1948) hat immer die Eigengesetzlichkeit der Kunst behauptet. Sie sei kein Werkzeug, nicht zu missbrauchen im Dienst einer Klasse oder Politik. Seine Werke seien indes "weder Idiotie noch ein subjektives Spielen, sondern der Ausdruck unserer (seiner) Zeit, diktiert durch die Zeit selbst". Von Thomas Zenke www.deutschlandfunkkultur.de, Hörspiel

Jennifer Walshe on the internet's "invisible literatures", as well as new music from the composer, enlisting generative AI to rethink Kurt Schwitters' Ursonate; Tadhg O'Sullivan consults a "black map" in his latest Cloud of Unknowing; and we listen to the cow who likes butter in Sarah Browne's latest work, Buttercup.

In this episode, Friendly Rich speaks with Dutch avant-garde composer and legendary performance artist Jaap Blonk. The talk focuses mostly on Blonk's expertise in performing Kurt Schwitters' seminal 1932 sound poem "Ursonate". Blonk is one of the great masters in performing the Ursonate. We get into it and much more. Enjoy this saunter into the wild mind of Jaap Blonk.

We get into epic territory very quickly with award-winning poet and scholar, Christian Bök in this delightful episode. Buckle up as we take a dive into Bök's wondrous career, but also begin our deep dive into the work of Kurt Schwitters and his Ursonate. Pure joyful nonsense, just what the doctor ordered!

Auf der Insel "Isle of Man" im irischen Meer wurden im Zweiten Weltkrieg über 1200 deutschsprachige Künstler:innen und Intellektuelle interniert. Sie galten als feindliche Ausländer, unter ihnen auch Kurt Schwitters und Erich Kahn. Autorin: Aysegül Acevit Von Ayse Acevit.

"Wir müssen über Liebe reden". Wieder einmal stellen Susanne Garsoffky und Friedemann Magaard im Lyrikpodcast Seelenfutter Liebesgedichte vor. Diesmal kommen sie in erstaunlicher Leichtigkeit angeflattert. Kurt Schwitters' "Gedicht aus Norwegen für Helma" lebt von einer Gartenidylle, in der ein Spiel mit Worten und Bildern schlicht bezaubert. Zum Niederknien! Dazu erklingt "An meine kleine Freundin" von Georg Heym, auch verspielt, verliebt, eine traumschöne Skizze, die Herzen erobern muss. Dazu gibt es Bibelworte von Prediger und Hohelied. Ein großes "Hach"!

Die Nixe - Ballada - von Kurt Schwitters

Brian Eno sempre foi um artista que colocou na sua música muito da sua formação em artes visuais na Belas Artes. Desde o Roxy Music, onde todos os integrantes eram formados em artes, até o desenvolvimento da ambient. Partindo do glam rock, desenvolvendo depois a melhor estirpe da música de elevador, a gente vai falar justamente desse momento de transição de um artista, que para esse que vos escreve são sempre os mais interessantes.A gente vai falar de "Before and After Science", de 1977. Esse disco reúne toda a alquimia musical de Eno: Funk com Krautrock alemão, ecos bem leves ainda glam, pós-punk e new wave (estilos novatos em 77) e ambient music. Diferente do anterior que quebrava com o glam para mergulhar muitíssimo na ambient, esse parece que retrocede nesse sentido um pouco, pois a ambient music está lá mas não é o centro. O centro é uma alquimia rica, um todo acessível e experimental ao mesmo tempo. Disseco no podcast também por que Eno se classificava como um “non-musician”.Esse episódio disseca algumas referências fundamentais para Eno e para a Ambient music e algumas referências-livre-associações fruto da interpretação do podcaster. Falamos de Erik Satie, Kurt Schwitters, William Burroughs, Byron Gysin etc. Falamos um pouco do Roxy Music, mencionamos a relevância de Eno como produtor, engenheiro de som etc. Um cara que produz bandas que se inserem no cenário mais pop como U2 e Coldplay, mas também obras como "No New York", que revelou todo o cenário do punk mais underground/conceitual/ da No Wave reunindo bandas como DNA do Arto Lindsay, James Chance and the Contortions, Teenage Jesus and The Jerks da Lydia Lunch.  MúsicasNo One ReceivingLadytron (Roxy Music)Music for AirportsKurt's RejoinderKing's Lead HatBy This RiverHere He ComesBackwaterEnergy Fools the MagicianJulie WithThrough Hollow LandsSpider And IRoteiro e apresentação: Pedro SchwarczDireção: Newman CostaEdição: Felipe CaldoRedação: Luiz Fujita e Paulo BorgiaArte: CRIO.LAHSegue a gente lá no insta: @umpaposobresom Produção: Baioque ConteúdoRoteiro e apresentação: Pedro SchwarczDireção: Newman CostaEdição: Felipe CaldoRedação: Luiz Fujita e Paulo BorgiaArte: CRIO.LAH

Gasten: ontwerper Piet Gerards & schrijver Nicolaas Matsier In deze aflevering gaat Robert van Altena in gesprek met Nicolaas Matsier en Piet Gerards over avant-garde filmer, schrijver en uitgever Stefan Themerson naar aanleiding van de ontdekking van een verloren gewaande film en een juist verschenen boek. Het boek is een monografie over Stefan Themerson. In 2019 verscheen al een monografie over zijn vrouw, tekenaar Franciszka Themerson. Beide boeken zijn vormgegeven door Piet Gerards en Stephan de Smet. De film is ‘Europa‘ (1931-32) de meest geruchtmakende film van Franciszka en Stefan Themerson die in 2019 is teruggevonden in een archief in Berlijn. 'Europa' werd onlangs vertoond in EYE met speciaal voor de film gecomponeerde muziek van Lodewijk Muns. Stefan Themerson (1910-1988) is schrijver en uitgever. Zijn leven lang heeft hij samengewerkt met zijn vrouw Franciszka Themerson (1908-1988). In de jaren dertig waren zij dè avant-garde filmers van Polen. Zij zetten in de tweede helft van de jaren '30 hun werk voort in Parijs. Wijken om het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog uit naar London en maken daar nog twee films. Daarna richt Stefan zich op het schrijven van romans, verhalen en essays, en Franciszka op het tekenen en illustreren. In 1949 richten zij de Gaberbocchus Press op, natuurlijk om hun eigenzinnige werk uit te geven maar ook dat van verwanten als Alfred Jarry, Kurt Schwitters en Raymond Queneau. NICOLAAS MATSIER had in 1979 een lang interview met Stefan Themerson, een bijzonderheid omdat Themerson interviews doorgaans leek te saboteren. Een interview zag hij voornamelijk als een ongewenste belemmering die hij toch af en toe en tot op zekere hoogte meende te moeten accepteren. Hij sprak liever via zijn boeken. Het Matsier-Themerson interview verscheen in Vrij Nederland. Dit interview is opgenomen in de monografie over Stefan Themerson. Nicolaas Matsier vertaalde meerdere boeken van Stefan Themerson zoals ‘Logica, etiketten en vlees' (De Bezige Bij , 1979) en ‘Woeff Woeff en ander proza' (De Bezige Bij, 2003) (bezorgd door Nicolaas Matsier en K.Michel). In 2014 was Nicolaas Matsier al eens te gast bij Springvossen voor een uitzending over de Themersons n.a.v. het verschijnen van ‘Unposted Letters‘ (Gaberbocchus & De Harmonie, 2013). PIET GERARDS kwam eind jaren '70 ook in contact met de Themersons. Hij initieerde meerdere publicaties zoals Stefan Themerson, ‘Kurt Schwitters on a time-chart‘ (Huis Clos, 1998) en ‘Biografie van een uitgeverij/biography of a publishing house. Stefan & Franciszka Themerson & Gaberbocchus‘ (Huis Clos, 2017) met teksten van Walter van der Star, Jasia Reichardt en Nick Wadley. Gerards maakte ook de tentoonstelling ‘Tekeningen, boeken, foto's schilderijen, films & de Gaberbocchus Press. Stefan & Franciszka Themerson‘ in Galerie Signe, Heerlen (herfst 1998). SPRINGVOSSEN 
redactie + presentatie: Robert van Altena
 contact: springvossen@gmail.com www.instagram.com/springvossen 
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 www.amsterdamfm.nl/onderwerp/springvossen En voor een speellijst met alle Springvossen uitzendingen: www.soundcloud.com/amsterdamfm2/sets/springvossen Links in https://linktr.ee/springvossen Afbeelding (still): Stefan and Franciszka Themerson, 'Europa' (1932), 15 minuten, zwart-wit, 35mm. Courtesy: Themerson Estate & BFI National Archive

Diesmal lädt Bernhard Lassahn Sie ein in das Dada-Künstlercafé in Berlin, das nach dem Vorbild von Kurt Schwitters als „Merz-Begegnungsstätte“ dienen soll. Er spricht mit Robert Baron von Berlershaut, der sich selbst als einer der letzten lebenden Dadaisten sieht, über die Geschichte und die Aktualität dieser Kunstrichtung, die sich stets allen Erklärungsversuchen entzieht. Er erzählt von den turbulenten Anfängen im Cabaret Voltaire in Zürich, von der Verfolgung durch die Nazis als entartete Kunst und den späteren Erfolgen in New York. Für ihn ist Dada ein umfassendes Lebensgefühl, ein Impuls für Freiheit und Innovation.

Subscribe on Spotify ∙ Stitcher ∙ Apple ∙ Pocket Casts ∙ Google ∙ TuneIn ∙ RSSSatie's Vexations… was Meredith Monk there at the 1963 complete performance? Did she stay there long enough to get the show for free?You never really need an excuse for introducing the Ursonate of Kurt Schwitters into the conversation, but could Monk's vocalising style have anything to do with this?DJ Shadow's 1996 track Midnight in a perfect world is one of the better known uses of a Meredith Monk sampleDeath will come for all of us, sooner or later, but if it speaks to me like this, I might have a hard time resisting…Here's a later interview...and a recent Guardian articleTom also mentions this in the Podcast.Subscribe to Gas Giants This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit gasgiants.substack.com

Kurt Schwitters betätigte sich als Maler, Bildhauer, Typograph, Graphiker, Bühnenkünstler und Dichter. Er suchte Kontakt zu den Dadaisten, die ihn nicht wirklich willkommen hießen. Außerdem war er ein ziemlich professioneller Werbefachmann.

Kurt Schwitters gilt heute als einer der Hauptvertreter des Dada. Dabei war er zu Lebzeiten ein Außenseiter der Szene. Autor:innen: Veronika Bock ud Ulrich Biermann Von Veronika Bock.

Repertório:01 – Anna Blume & Kurt Schwitters, un poeta dadaísta de Juan Angel Italiano 02 - Lay down your soul to the gods Rock and Roll de Leo Alves Vieira03 - A boca da cabeça de Tom Zé04 – Cabeça de Walter FrancoProdução, gravação, edição e locução: Marcelo BrissacMúsica “Drácula” usada no prefixo e sufixo, autoria de Marcelo Brissac e Livio Tragtenberg

This week I had 4 fellow collage enthusiasts join me for a great roundtable about contemporary collage: Curator, Kathy Greenwood and Artists, Ginnie Gardiner, Todd Bartel and Michael Oatman. If you love collage, aka "the finding, minding & binding," (thanks, Todd!) then you'll love this episode. And my obsesh w/ glue became next level as we explored both its physical and metaphysical properties. This episode was recorded during a live Clubhouse event 2/8/22 and was held in conjunction with "Echo," an exhibition of collage at the Albany Airport. Exhibition info: "Echo" w/ Ginnie Gardiner & Amy Talluto, Curated by Kathy Greenwood at the Albany International Airport (pre-security, 3rd fl) Web: https://albanyairportartandcultureprogram.com/ and IG: @albanyairportartandculture More about my guests: Ginnie Gardiner: https://ginniegardiner.com/ Todd Bartel: https://toddbartel.com/ Michael Oatman: https://massmoca.org/event/michael-oatman-all-utopias-fell/ Kathy Greenwood: https://www.instagram.com/greenwoodkart/ Additional reading: Kolaj Magazine IG @kolajmagazine and Web http://kolajmagazine.com/ Maxomatic' "The Weird Show" Blog and Podcast: https://theweirdshow.info/ Todd's writings on collage: https://issuu.com/toddbartel Jiří Kolář glossary of collage terms: https://en.wikipedia.org/wiki/Ji%C5%99%C3%AD_Kol%C3%A1%C5%99 "The Americans: The collage" a book by Linda L. Cathcart: https://www.google.com/books/edition/The_Americans/FI00AQAAIAAJ?hl=en Paul de Jong's Mall of Found Residency (now Mount Lebanon Residency): https://mtlebanonresidency.org/History "Complex Muses" curated by Todd Bartel May 18-Sept 4 at Art Complex Museum in Duxbury, MA: https://artcomplex.org/exhibitions/ Collage Artists mentioned (w/ instagram tags where available): Mary Delaney, Picasso, Braque, Cubists, Max Ernst, Hannah Hoch, Dada, Eileen Agar, Paul Nash, Henri Matisse, Romare Bearden, Nancy Spero, Joseph Cornell, Maxomatic @maxomatic, The Weird Show @theweirdshowofficial, Andrea Burgay @andreaburgay, Ric Kasini Kadour @kasini & his “Decentralized Community” idea, Cathleen Daly & her "interlocking collage" idea, John Gall @llagj, Andrea Mortson @doingvsdreaming, Jack Felice @jackfelice, John Hundt @johnhundtblueyes, Red Wizard Collage @red_wizard_collage (tiktok @redwizardcollage & podcast "Cut It Out!"), Paula Wilson @paulalights, Carrie Moyer @carrie.moyer.studio, Ann Toebbe @anntoebbe, Twin Cities Collage Collective @twincitiescollagecollective, Tiko Kerr @tikokerr, Clive Knights @knightsclive, Janice McDonald @janicemcdonaldart, Kira E Wong @kiraewong_art, Kurt Schwitters' “Merzbau” (building for making psychological collages), Julie Heffernan @julie_heffernan_, James Rosenquist, Mark Tansey, Lorna Simpson @lornasimpson, Courtney Puckett @courtneygpuckett, Jiří Kolář and Elaine Lustig Cohen Glue Talk™: Todd Bartel uses: Yes! Paste, Lineco Document Repair Tape and anything at hand Michael Oatman uses: 3M™ Super 77™, 30x40 in adhesive paper sheets and rubber cement Ginnie Gardiner uses: Neschen gudy® 870 Mounting Adhesive I use: Yes! Paste, UHU Stick and Matte Medium Support the Peps by making a Donation, reviewing us on Apple Podcasts or following us on Instagram to see more images illustrating this episode: @peptalksforartists. All licensed music is from Soundstripe. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/peptalksforartistspod/message Support this podcast: https://anchor.fm/peptalksforartistspod/support

RK 2022 01 15  . Solomon in Rockland 00:00 ——–————– intro:  Don & Juan – What's Your Name 4:25    (angelika) Kurt Schwitters 20 minuten zu Spät 7:00    (arnout & sylvia) NKdeE – Klankkoord 8:37    (svetlana & angelika) – Wisława Szymborska – Kat in een lege flat 13:39  (arnout & sylvia) NKdeE – […]

What exactly is this strange genre called sound poetry? Is it underappreciated and misunderstood? Is it just glorious gobbledygook? “Fümms bö wö tää zää Uu, pögiff, kwii Ee ...” So opens Ursonate by Kurt Schwitters, the 40 minute work of meaningless noise in four movements - considered by many to be the greatest sound poem of all time. A century after it was written, it endures, almost like a classic jazz standard or folk tale that experimental vocal performers feel compelled to learn and interpret as a rite of passage. Jennifer Walshe is one of those daring performers, having recited Ursonate around the world and even “translated” it into Irish. One hundred years on, she wonders what secrets are held within every one of Schwitters' “zee”, “tee” “wee” and “bee” sounds. Jennifer's guests include: Vocalist Elaine Mitchener, who sees the political power of made-up words Linguist Marina Yaguello, who speculates on the original, primeval language of mankind Stand-up comedian Stewart Lee, who reflects on how alternative comedy might owe a debt to Schwitters and the Dada art movement Composer Tomomi Adachi, who harnesses Artificial Intelligence to imagine new languages And poet Jaap Blonk, who remembers Ursonate nearly getting him attacked. Produced by Jack Howson Mixed by Olga Reed Photography by Mike Cameron/Wysing Polyphonic A Reduced Listening production for BBC Radio 4

For more information about the Afterlives exhibition, please visit the Jewish Museum's website.Show Notes:00:02:00 inspiration for Afterlives: Recovering the Lost Stories of Looted Art00:06:30 design of Afterlives 00:10:15 windows metaphor of seeing through to the history of works and events00:11:20  August Sander's portrait photos of persecuted Jews00:13:00 Jeu de Paume's “Room of the Martyrs”00:13:40 1942  photograph of Room of the Martyrs includes images of work by  Matisse,  Picasso,  Léger, and  Derain who were defamed as degenerate 00:14:15 exhibition reunites large nude by Cezanne, small surrealist Picasso and post-cubist painting Composition by Fédor Löwenstein00:14:52 Cezanne and Picasso looted from Alphonse Kann00:15:00 Composition seizure00:16:20 restution of Composition  in  process00:17:45 works celebrate history of their creation and document their looting00:18:00 artwork as documentation 00:19:30 Rose Valland00:20:20 Dachau records in ‘Creativity Under Duress' gallery00:20:50 work  by artists in exile00:21:05 work  by artists  in camps and/or in hiding00:22:00 Nuremberg trial  excerpt 00:25:30 Judaica Room includes pieces from Jewish Museum's collection affiliated with Jewish Cultural Reconstruction (JCR) and community of Danzig and  installation by Maria Eichhorn00:28:15 Jewish Museum as temporary storage depot for the JCR 1949-195200:32:00 JCR aluminum tags on objects00:32:20 Hannah Arendt's work at the core of  Eichhorn's commission00:34:40 Eichhorn's commission focuses on the intellectual history of the subject and Jewish communities that were its subject 00:37:50 reading of Arendt's documents 00:39:30  commissions by artists Lisa Oppenheim, Hadar Gad, Dor Guez and  Eichhorn00:41:30 international perspective from these artists  came from their geographic and cultural points of reference and their backgrounds00:42:15  Oppenheim's piece deals with work by Jean-Baptiste that was likely destroyed and survival bias against such work00:46:00 historical justice operating on  personal/emotional and legal levels00:49:00 international culture of memory00:50:00 Exhibition's symposium00:52:00 two French loans:  Pechstein's 1912  Paysage and Löwenstein's 1939 Composition00:54:45 We Fight to Build a Free World: An Exhibition by Jonathan Horowitz; and upcoming exhibition related to Ephrussi family story and  looting of their collection except for netsuke, which is told in Edmund de Waal's The Hare with Amber Eyes00:57:45 1940 charcoal portrait by Jacob Barosin while in French forced labor camp of fellow prisoner01:00:15 Picasso's 1929 Group of Characters01:02:50  Pissarro's 1872  Portrait of Minette01:06:00  Portrait of Minette, Group of Characters and Cézanne's Bather and Rocks liberated from  train by Alexandre Rosenberg, grandson of Dealer Paul Rosenberg 01:06:50 Kurt Schwitters' Opened by Customs from 1937/3801:09:35 Afterlives  catalog 01:10:30 reactions of visitorsTo view rewards for supporting the podcast, please visit Warfare's Patreon page.To leave questions or comments about this or other episodes of the podcast, please call 1.929.260.4942 or email Stephanie@warfareofartandlaw.com. © Stephanie Drawdy [2021]

Cantare la pittura 

On this week's Into the Absurd, we talk about collaboration and connectedness through the study of Avant-Garde art and practice in Philadelphia, with John Heon andDavid McKnight, who shepherd the conversation and programming at PASC, The Philadelphia Avant-Garde Studies Consortium. The avant-garde is flexibility of mind. And it follows like day, the night from not falling prey to government and education. Without the avant-garde nothing would get invented.” — John CageIt’s been a banner year for absurdity, and the contemplation of the absurd has been one of the most salient features of avant-garde art and thought from the nineteenth century to the present. From Kierkegaard, Nietzsche, and Heidegger, to Camus, Sartre, and Baudrillard; from Jarry, Stein, and Kafka to Ionesco, Beckett, Artaud, and Kathy Acker; from Duchamp, Kurt Schwitters, Baroness Elsa, and Dali to Bruce Nauman, Carolee Schneemann, and Jenny Holzer; from Schoenberg, Cage, and Glass, to Frank Zappa, The Talking Heads, and Père Ubu (the band), the modern mind has grappled with life in an increasingly entropic and violent world that seems to crush meaning, justice, and individual agency.John Heon, a founding co-director of the Philadelphia Avant-Garde Studies Consortium, is an independent scholar specializing in the psychology, politics, and aesthetics of humor in modern/postmodern literature and visual art. His essay, “Twisted Witz: Experiments in Psychopathology and Humor by Dr. Faustroll and His Pataphysical Progeny,” will appear in the forthcoming book, Pataphysics Unrolled, published by the Refiguring Modernism series of Penn State University Press.His book in progress, Articulate Art: Language, Literature, and Humor in the Works of Bruce Nauman, examines Nauman’s oeuvre in the context of avant-garde black humor and the comic theories of Nietzsche, Freud, Bergson, and Wittgenstein.John holds a doctorate in English with a concentration in psychology and the history of science from the University of Pennsylvania, where he received the Arts and Sciences Distinguished Teaching Award. He has also taught at the University of Wisconsin-Madison, Marquette University, and in the Education Department of the Phillips Collection, America’s first museum of modern art. David McKnight is Director of the Annenberg Rare Book and Manuscript Library at the University of Pennsylvania Libraries. Prior to accepting the position at the University of Pennsylvania in 2006, he was Director of the Rare Book and Manuscript Library and Head of the Digital Collections Program at McGill University Libraries where he worked in various roles for fifteen years. A past president of the Bibliographical Society of Canada, McKnight is currently founding Co-Director of the Philadelphia Avant-Garde Studies Consortium and a member of both the Grolier Club (New York) and the Philobiblon Club (Philadelphia).In 2014, David in collaboration with John Heon, Katie Price and several others founded the Philadelphia Avant-Garde Studies Consortium, a non-profit arts and advocacy group devoted to exploring the past, present and future of the avant-garde’s place in Philadelphia cultural history.In 2018, David curated an exhibition focused on Modernist Literary Publishing at the University of Alberta and in 2019 he curated an exhibition on the legendary Gotham Book Mart entitled “Wise Men Fished Here.” At the present time, he is working on an exhibition related to Andy Warhol. https://www.youtube.com/watch?v=-5ohS4uPLJQ

Wegziehen und an einem anderen Ort das Glück suchen – darum geht es in den aktuellen Romanen von Ulrike Draesner, Daniel Mellem und Sandra Gugic. Sie alle erzählen Geschichten von Menschen, die in der Fremde Erfüllung suchen oder suchen müssen – und dabei auf neue Schwierigkeiten treffen. Felix Münger bringt den Debütroman des deutschen Autors Daniel Mellem «Die Erfindung des Countdowns» an den Literatur-Stammtisch. Das Buch erzählt die wahre Geschichte des 1894 geborenen Physikers Hermann Oberth aus Siebenbürgen, einem Pionier der Raketentechnik. Lange für seine visionären Ideen als Fantast verspottet, stiess Oberth schliesslich bei den Nazis auf Interesse und arbeitete an der Entwicklung der V2-Raketen mit. Das Buch arbeitet die Ambivalenz dieses Wissenschafter-Lebens trefflich heraus. Fabienne Nägeli gefällt der Roman «Schwitters» von Ulrike Draesner. Das Buch folgt dem Schriftsteller und bildenden Künstler Kurt Schwitters ins Exil nach Norwegen, London und den Lake District. Das Buch mischt Fakten und Fiktion zu einem Panorama der Zeit und erzählt von einem Mann, der unter schwierigen Umständen auf seine Kunst vertraut. «Zorn und Stille» ist der Titel des zweiten Romans der 1976 in Wien geborenen und in Berlin lebenden Autorin Sandra Gugic. Das Buch erzählt von einer Familie in Wien mit serbischen Wurzeln. Die Eltern haben in Österreich ein besseres Leben gesucht. Doch die Kinder finden keine Heimat, weder in sich selbst noch in der Welt - ein Buch über eine unscheinbare, aber umso quälendere Entfremdung. Franziska Hirsbrunner stellt den Roman vor. Buchhinweise: Daniel Mellem. Die Erfindung des Countdowns. dtv, 2020. (Das Hörbuch ist im Audio-Verlag erschienen.) Sandra Gugic. Zorn und Stille. Hoffmann und Campe, 2020. Ulrike Draesner. Schwitters. Penguin, 2020.

Die Zeit vor den Weihnachtsferien ist für Lehrer*innen stets eine Zeit, in der sie im Sinne der Arbeitsbelastung relativ nah an dieselbe ordentlich arbeitender Menschen kommen. So geht es auch den Studienräten Pieler und Batzke, die diese Folge eher türschwellendidaktisch geplant haben. Und deshalb geht diese Folge auch etwas später als gewohnt on air - sorry dafür! Trotzdem liefern die Herren wieder ordentlich ab und sprechen über die Concorde und anderen Schabernak. Sind eigentlich alle vor dem Gesetz gleich? Oder gibt es da Hierarchien? Auf jeden Fall gibt es diese in der mündlichen Prüfung für den Herrn Batzke. Am Ende trägt der Herr Pieler noch ein Gedicht vor - oder hat er einen Schlaganfall? Man weiß es nicht. Fühlt euch umarmt, alle, nur nicht die Fußball Fans.

Wie bildet man ein Leben ab, das so reichhaltig ist wie das des 1887 geborenen Schriftstellers und Künstlers Kurt Schwitters? Die Berliner Schriftstellerin, Lyrikerin und Essayistin Ulrike Draesner, selbst eine Meisterin der lyrischen Form, folgt in ihrem Roman „Schwitters“ dem Ausnahmekünstler in einer klugen und kunstvollen Mischung aus Fakten und Fiktion. Franziska Walser spricht mit Thorsten Dönges vom Literarischen Colloquium und der Autorin Ulrike Draesner über ihren Roman.

Ein Gedicht von Wilhelm Busch muss als Kochrezept herhalten - und die Übersetzerin der neuen Literatur-Nobelpreisträgerin Louise Glück, Ulrike Draesner, gibt Lesetipps für Lyrikfans in Folge 10 des literarischen Podcasts eat.READ.sleep. Diesmal werden Pfannkuchen à la Wilhelm Busch kredenzt, und die beiden Lyrik-Fans Jan und Daniel schwärmen gemeinsam mit der Schriftstellerin Ulrike Draesner vom Zauber von Gedichten. Draesner hat nicht nur selbst gerade einen Roman über Kurt Schwitters veröffentlicht, sondern auch die Lyrik der frischgebackenen Literaturnobelpreisträgerin Louise Glück übersetzt. Der Bestseller von Internet-Omi Renate Bergmann ist dagegen sehr leichte Kost, ohne viel Geschmack. Aber es gibt auch wieder aktuelle Suchtipps und spannende Klassiker. Die Bücher dieser Folge: Renate Bergmann: "Dann bleiben wir eben zu Hause" (Ullstein) Ulrike Draesner: "Schwitters" (Penguin) Wilhelm Busch: Gesammelte Werke (Anaconda) Ella Carina Werner: "Der Untergang des Abendkleides" (Satyr) Daniel Mellem: "Die Erfindung des Countdowns" (dtv) John Boyne: "Cyril Avery", aus dem Englischen von Werner Löcher-Lawrence (Piper) Karin Kalisa: “Sungs Laden” (Droemer) Else Lasker-Schüler: "Sämtliche Gedichte" (S. Fischer) Anna Bers (Hg.): "Frauen | Lyrik. Gedichte in deutscher Sprache." (Tipp von Ulrike Draesner) Das Rezept für Pfannkuchen mit Salat einen Esslöffel Mehl drei "Eier ohne Fehl" Milch Kartoffeln eine Packung Würfelspeck eine Zwiebel ein Salatkopf Öl und Salz zum Abschmecken Zubereitung: Wer es wie Wilhelm Busch (oder besser: seine Liese) machen will, der nehme: "Drei Eier, frisch und ohne Fehl / Und Milch und einen Löffel Mehl / Und quirlt sie fleißig durcheinand / zu einem innigen Verband." Wichtig ist hierbei: Per Hand rühren, zu Buschs Zeiten gab es noch keinen Elektromixer. Die Kartoffeln kochen, anschließend pellen und in Streifen schneiden. Den Salat waschen und schneiden, dann mit den Kartoffeln vermengen. Die Zwiebel in kleine Stücke schneiden und mit Öl und Salz zu einer Salatsauce verrühren. Den Würfelspeck in der Pfanne anbraten, so dass es "lustig brät und brittelt", anschließend den Teig darüber gießen. Den Pfannkuchen wenige Minuten von beiden Seiten braten, bis er goldgelb ist. Mit dem Salat auf einem Teller dekorieren und genießen.

Der erste Pop-Artist und sein Gang ins Exil: Ulrike Draesner entdeckt den Roman im Leben des großen Merz-Künstlers Kurt Schwitters.

Ein Roman über den Schriftsteller und bildenden Künstler Kurt Schwitters während seiner letzten elf Lebensjahre, die er im Exil verbrachte. Ulrike Draesner zeigt dessen Weltneugier, Witz, Charme und unbezwingbare Schaffenslust, die er trotz vieler Entbehrungen und gesundheitlichen Problemen stets bewahrte. (Penguin Verlag, 25 Euro)

Ulrike Draesner hat einen Roman über das Leben von Kurt Schwitters geschrieben. Die Autorin bringt uns einen Mann nahe, der einen nachhaltigen Einfluss auf die Kunst des 20. Jahrhunderts hatte. Das Buch "lebt und atmet", urteilt unser Kritiker. * Von Carsten Hueck www.deutschlandfunkkultur.de, Buchkritik Hören bis: 19.01.2038 04:14 Direkter Link zur Audiodatei

Wo die schönsten Seen zu finden sind, verrät die Reihe "Take me to the lakes". André Kubiczeks neues Buch führt ins Halle der 80er-Jahre. Und Ulrike Draesners neuer Roman stellt uns den Künstler Kurt Schwitters vor.

Die 1962 geborene Ulrike Draesner gehört zu den profilierten Autorinnen der deutschsprachigen Gegenwartsliteratur: Ihre Tätigkeit als Literaturwissenschaftlerin gab sie zugunsten einer Tätigkeit als freie Autorin auf, ist seitdem als Lyrikerin, Essayistin und Romanautorin sehr erfolgreich und hat in den vergangenen Jahren immer wieder hochdotierte Preise gewonnen. Seit April 2018 ist Ulrike Draesner Professorin für Deutsche Literatur und literarisches Schreiben am Deutschen Literaturinstitut der Universität Leipzig. Mit „Schwitters“ beschreitet die Autorin nun ein neues Feld: das des Künstlerromans. Mit ihrem fast 500 Seiten starken Roman „Schwitters“ widmet sie sich dem Exilleben eines der prominentesten Mitglieder der DADA-Bewegung, dem 1887 geborenen Schriftsteller und Bildenden Künstler Kurt Schwitters. Rezension von Beate Tröger.Penguin VerlagISBN: 978-3-328-60126-5480 Seiten25 Euro

Kurt Schwitters ist 49, als ihn die Nazis zur Flucht aus Hannover zwingen. In ihrem Roman folgt Ulrike Draesner dem Künstler ins Exil. Carsten Tesch hat mit ihr u.a. über die Kraft der Kunst in dunklen Zeiten gesprochen.

An Anna Blume – als Dichter dieses dadaistischen Liebesgedichts ist Kurt Schwitters in Deutschland bekannt. Aber Schwitters war auch Maler, Werbegrafiker und Raumkünstler, die Autorin Ulrike Draesner betont in ihrem Roman „Schwitters“ gerade diesen Aspekt.

"Schwitters": Ein Gespräch mit Ulrike Draesner über ihre biographie romancée über den Künstler Kurt Schwitters, den die Nazis zur Flucht ins Exil zwangen (Penguin). "Die verdrängte Zeit": Marko Martins Essay "Vom Verschwinden und Entdecken der Kultur des Ostens" (Klett-Cotta). "Kitzel": Der Literaturwissenschaftler Christian Metz im Gespräch über seine "Genealogie einer menschlichen Empfindung" (S. Fischer Wissenschaft). "da ich morgens und moosgrün. Ans Fenster trete": Friederike Mayröcker veröffentlicht mit 95 Jahren neue Prosa (Suhrkamp). "Einsiedeln": Thomas Hürlimann erzählt seine Kindheit und Jugend im Kloster (supposé)

Para este décimo episodio nos acompaña la artista multidisciplinaria Dominique Suberville; a través del material que nos presenta cuestiona la realización del arte utilizando sonido vs. el arte sonoro. Nuestra invitada menciona el trabajo del colectivo Cardiff & Miller, como también de los artistas Kurt Schwitters y Christine Sun Kim.Los invitamos a conocer más sobre la obra de Dominique en su sitio www.dominiquesuberville.com y en su cuenta de IG @dominiquesubervillestudio 

Der 1887 geborene Kurt Schwitters war ein vielseitiger Künstler, dessen Werk u.a. Lyrik, Prosa, Theaterstücke, Installationen, Gemälde, Collagen und Illustrationen umfasst. Im Jahre 1918 lernte er Herwarth Walden kennen, der die bedeutende expressionistische Zeitschrift Der Sturm herausbrachte, die im selben Gebäude, in dem sich ihre Redaktion befand, auch eigene Ausstellungsräume betrieb. Im April 1920 besucht der Architekt und Kunstkritiker Adolf Behne dort eine Ausstellung von Schwitters und verteidigt in der Freiheit vom 23.4. dessen materialtechnisch innovative Arbeiten. Es liest Frank Riede.

"Ursonate" by Kurt Schwitters read by a computer (from Pavel Büchler, Studio Schwitters, 2010)excerpt. "Ursonate" was first performed by Kurt Schwitters in 1933. A transcript can be found at http://www.merzmail.net/ursonatepdf.pdf More information from this project by Pavel Büchler can be found at https://www.artnews.com/art-in-america/aia-reviews/pavel-buchler-60786/

In this episode we talk to Matthew Mindrup about his new book, which provides an intriguing narrative about the practical and cultural factors motivating the development of the architectural model’s different uses. "Painters make paintings, poets make poetry and musicians make music, but architects do not make architecture." Dr Matthew Mindrup The attractiveness of the architectural model, he argues, is that it, unlike drawings or other two-dimensional representations of buildings, has a “here-ness” permitting their users to see before them an entire structure, the volumes of its spaces, and its constituent parts in three dimensions, including the size and location of the openings, its materials, and even its methods of construction. Here is the book blurb from the MIT Press. The Architectural Model: Histories of the Miniature and the Prototype, the Exemplar and the Muse Rigorously researched and informed by the latest research, The Architectural Model is written to help orient the reader in the study of this important cultural object, its development, and its continued utility from antiquity up to the present. For more than five hundred years, architects have employed three-dimensional models as tools to test, refine, and illustrate their ideas. But, as Matthew Mindrup shows, the uses of physical architectural models extend beyond mere representation. An architectural model can also simulate, instruct, inspire, and generate architectural designs. It can be, among other things, sign, souvenir, toy, funerary object, didactic tool, medium, or muse. In this book, Mindrup surveys the history of architectural models by investigating their uses, both theoretical and practical. Tracing the architectural model's development from antiquity to the present, Mindrup also offers an interpretive framework for understanding each of its applications in the context of time and place. He first examines models meant to portray extant, fantastic, or proposed structures, describing their use in ancient funerary or dedicatory practices, in which models are endowed with magical power; as a medium for architectural reverie and inspiration; and as prototypes for twentieth-century experimental designs. Mindrup then considers models that exemplify certain architectural uses, exploring the influence of Leon Battista Alberti's dictum that models be simple, lest they distract from the architect's ideas; analyzing the model as a generative tool; and investigating allegorical, analogical, and anagogical interpretations of models. Mindrup's histories show how the model can be a surrogate for the architectural structure itself, or for the experience of its formal, tactile, and sensory complexity; and beyond that, that the manipulation, play, experimentation, and dreaming enabled by models allow us to imagine architecture in new ways. Guest An architect by training, Matthew completed a Ph.D. in Architecture and Design at Virginia Tech University on the physical and metaphysical coalition of two architectural models assembled by Kurt Schwitters in the early 1920s. Dr. Mindrup's ongoing research in the history and theory of architectural design locates and projects the implications that materials have in the design process. Dr. Mindrup has presented some of this research at conferences and published others in The Journal of Architectural Education (JAE), Interstices, Wolkenkuckucksheim and his edited volume The Material Imagination: Reveries on Architecture and Matter (Routledge, 2015). In August of 2019, Matthew will welcome the publication of his new book: The Architectural Model: Histories of the Miniature and the Prototype, the Exemplar and the Muse (MIT Press, 2019)

De dödas bok fornegyptiernas guide till livet efter detta är en manual för hur man ska bete sig både i det här livet och på tröskeln till nästa. Niklas Qvarnström följer med ner i underjorden. ESSÄ: Detta är en text där skribenten reflekterar över ett ämne eller ett verk. Åsikter som uttrycks är skribentens egna. Min första resa utanför Europa gick till Egypten. Jag var tjugo och läste inte en enda guidebok. Däremot en rätt så rejäl stack med böcker om de gamle egyptierna. De som låtit bygga pyramiderna. De som upprätthållit dynasti efter dynasti i en förhistoria då vi andra famlade i oskrivet mörker. En period i mitt unga liv ville jag bli egyptolog. Vem ville inte det? frågade jag mig. Jag reste, med andra ord, lika mycket i tiden som i rummet. Lika mycket bland levande som döda. Jag reste med turistvisum i ett slags Duat, som de dödas rike kallas hos de gamla egyptierna. I Kairo köpte jag ett exemplar av Den Egyptiska Dödsboken. Den brukade kallas så på svenska, efter titeln på den tyska översättningen. Själv köpte jag den engelska, av E.A. Wallis Budge: The Egyptian Book of the Dead. Den kom och kommer fortfarande i nytryck i billiga utgåvor, och lär vara lika full av felaktigheter som av enastående Shakespeare- eller Blake-klingande poesi. I Egypten reste vi, jag och min dåvarande flickvän, bland de levande, men i de dödas spår. Som så många andra. När vi klev ner i underjordiska gravar i Konungarnas Dal, eller tog oss svettiga in i kryptan i Keopspyramiden i Giza, var vi vägledda av De Dödas Bok, som den skulle komma att heta på svenska. I framtiden, från vårt perspektiv. 2016 inföll den framtiden. Då kom den första svenska översättningen direkt från hieroglyfer, gjord av Nils Billing en som verkligen blev egyptolog. Arbetet med att knäcka den hieroglyfiska koden är välkänt. Det skedde efter att Napoleon låtit släpa hem den så kallade Rosettastenen från sina egyptiska fälttåg 1799. En sten med, skulle det visa sig, samma text i tre versioner: hieroglyfer, koptiska och, turligt nog, fullt läsbara grekiska bokstäver. Ett tjugotal år senare hade den franske egyptologen JeanFrançois Champollion sammanställt ett slags facit, och lät snart meddela att han kunde tyda de mystiska tecknen. En välkänd historia, men inte i alla detaljer: När jag tar en paus i arbetet med den här texten knäpper jag på radion och hör en utmärkt essä här i OBS, av biologen, författaren och numera IG nobelpristagaren Fredrik Sjöberg. Han slår ett slag för den för mig tidigare okände svenske språkmannen och hedonisten Johan David Åkerblad. Han var, hör jag, faktiskt först med att tyda delar av den koptiska texten på stenen och bidrog till den yngre franska kollegans genombrott. Sedan den hieroglyfiska koden hade knäckts var det möjligt för Europas lärde att också tyda gravinskrifter. Och, framförallt: de kunde sedermera läsa och översätta den ditintills gäckande papyrusskrift som på tyska kom att heta Ägyptisches Totenbuch och på engelska, som sagt, The Egyptian Book of the Dead när den översattes under 1800-talet. Nils Billing har alltså döpt sin översättning till De Dödas Bok. Det är nästan svårt att läsa den utan att ana ekon av en annan läsare: Gunnar Ekelöf, som bland annat i Vägvisare till underjorden lät sig ledsagas av de 3500 år gamla besvärjelserna. Som den här formeln, för att få vara vid guden Thots sida. Skrivkonstens beskyddare, med ibishuvud: Jag är den fruktade i stormen, som skyddar den stora gudinnan i striden. Jag slog dem som högg, jag kylde ned han som brann efter att ha trätt in för den stora gudinnan i striden. Jag skall göra kniven skarp, den som är i Thots hand under stormen. Boken är en sorts manual för hur man ska bete sig, både i livet och på den avgörande tröskeln till det hinsides, för att få komma in Dödsriket. Den avlidnes hjärta placeras, representerat av en skarabé, i en vågskål. Hjärtat är tungt eller lätt, beroende på hur onda eller goda gärningar som begåtts under vandringen på Jorden. I den andra placeras en fjäder, som representerar Sanningen. Vägar hjärtat tyngre än fjädern väger de dåliga gärningarna över och den avlidne har förverkat sin rätt att komma in och beträda den eviga sällhetens rike. Då blir han eller hon istället uppslukad av en krokodil. Scenen går senare igen i antika gestalter som Justitia med sina vågskålar. Men också i senare religioners föreställningar om att individens handlingar i jordelivet får konsekvenser för hennes liv efter detta. Vår föreställning om de gamla egyptierna är att de trodde på ett sådant liv efter detta. Livet är kort, och döden lång. Evigheten varar längst, som Kurt Schwitters en gång skrev. Varför skulle de annars göra sina magnifika gravmonument, mest berömda i form av de stora Pyramiderna, så beständiga? Varför skulle de annars författa De Dödas Bok, med instruktioner om hur man ska leva och bete sig för att kvala in till Duat, deras underjordiska himmelrike? Jag leker med annan tanke. Jag leker med tanken på att de gamla egyptierna kanske var utopister. Att de fäste sin tilltro till ett sällsamt rike i form av Framtiden. Det är ett ganska vanligt tema i gamla skräckfilmer att mumier går igen. Egyptierna var som bekant duktiga på att balsamera och mumifiera sina dignitärer, och det brukar förklaras med att de ska ta sig hela och rena in i dödsriket ungefär på samma sätt som skandinaviska vikingar begravdes med sina käraste ägodelar som de kunde ha användning för i Valhall. I Don deLillos senaste roman, Noll K, skildras ett så kallat kryoniskt laboratorium. Förmögna människor planerar att låta nedfrysa sina döda kroppar, i hopp om att kunna tinas upp i en framtid då de föreställer sig att läkarvetenskapen har hunnit ikapp och ska kunna återföra dem till livet. Sådana anläggningar finns i verkligheten. Bland annat Alcor Life Extension Foundation i Arizona, där nedfrysta kroppar ligger i detta nu och väntar på att återuppstå i Framtiden som i ett löfte om ett kommande Tusenårsrike. Kanske var det så det tänkte, de noggranna gamla egyptierna. Kanske tänkte de sig en framtid då mumierna, precis som i de klassiska skräckfilmerna, skulle resa sig och gå fast utan att vara ute efter hämnd. De skulle återges livet när läkarvetenskapen kommit så långt att den kunde blåsa liv i de balsamerade organen. Nyfikna och prövande skulle de gå omkring och förundras över att Pyramiderna och Sfinxen i Giza fortfarande står. De skulle berätta historier från förr och lära sig köra bil och hantera en dator. För det är något med testerna för att få komma in i dödsriket som inte stämmer. Den fjäder, som ska representera Sanningen, kommer ju alltid att väga lättare än hjärtat. Kanske föreställde de sig ett dödsrike som det inte gick att komma in i, men som det skulle vara svårt att leva utan att ha i åtanke. Livet är kort; döden är lång, men det är också konsten, som det brukar sägas. De Dödas Bok är ett stycke enastående litteratur som för oss närmare människor som levde för 3500 år sedan. Och döden blir på så sätt besegrad ändå. För, som Horatius skriver, med tanke på att hans verser ska överleva honom: Icke helt och hållet skall jag dö. Niklas Qvarnström, författare och kritiker Litteratur De dödas bok  den fornegyptiska dödsboken. Översättning och kommentar Nils Billing, Carlsson bokförlag, 2016.

Robert & Russell meet legendary painter, musician and poet Billy Childish. We discuss white suits, Dada, a Kurt Schwitters-inspired tattoo, punk rock, Van Gogh and why he got expelled from studying at Saint Martins in 1980. We find out about his friendship with Peter Doig, relationship with Tracey Emin, his breakthrough exhibitions with curator Matthew Higgs at not-for-profit art space White Columns (New York) & the ICA (London) and how he started to work with leading Berlin gallery Neugerriemschneider. Billy’s solo exhibition of new paintings at Carl Freedman Gallery, Margate runs until 25th August 2019, free entry. For images of Billy's paintings, please visit Instagram: @carlfreedmangallery and @talkart See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Tracing the revolution in graphic design in the 1920s, the exhibition Jan Tschichold and the New Typography: Graphic Design Between the World Wars, on display at the Bard Graduate Center gallery until July 7, displays materials assembled by typographer and designer Jan Tschichold (1902–1974) in Weimar, Germany throughout his life. Tschichold’s 1928 book “Die Neue Typographie” was one of the key texts of modern design, partly due to its grasp of Constructivist ideas and new print technology, but also for its practical use as a design manual. His collection of design and art works by esteemed colleagues like Kurt Schwitters, El Lissitzky, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Piet Zwart, and Ladislav Sutnar, purchased by Phillip Johnson and donated to the Museum of Modern Art, forms the foundation of the exhibition. In this installment of Leonard Lopate at Large, the show’s curator Paul Stirton, an associate professor of modern European design history at the Bard Graduate Center, joins critic and co-founder of the design criticism program at SVA Steven Heller for a discussion of the work that changed graphic design forever.

Is het nu een roman of niet: Straks komt het? K. Schippers schreef een boek over het leven en werk van Kurt Schwitters, maar ook over zijn eigen jeugd en het einde van de oorlog. Roos Custers, Bart Temme, Coen Peppelenbos en presentator Willem Goedhart laten hun stem over dit boek horen terwijl ze de katten op de achtergrond proberen te overstemmen. Een productie van PodGront....De muziek in deze podcast is gemaakt door Nicolai Heidlas:SUNDAY MORNING by Nicolai Heidlas Music @nicolai-heidlasCreative Commons — Attribution 3.0 Unported— CC BY 3.0 creativecommons.org/licenses/b...Music promoted by Audio Library youtu.be/dUJzAwxSauA...Tzumcast #06: K. Schippers - Je denkt dat het komt by PodGront is licensed under a Creative Commons-licentie.

Alfred Brendel hat nicht nur als Pianist, sondern auch als Autor einiges zu sagen. In seinem neuesten Buch lässt er die ernste, sinnstiftende oder sinnsuchende Klassik und den Unsinn von Kurt Schwitters und Ernst Jandl aufeinandertreffen - in einer ebenso klaren wie pointierten Sprache.

"Merzen" hat Kurt Schwitters seine Kunstform genannt, mit der er aus "Splittern" wie Zeitungsausschnitten, Reklame, Gips, Drähten, Blechdosen, Nägeln und Wortfetzen Gesamtkunstwerke als "künstlerisches Weltverhalten" geschaffen hatte. Autorin: Gabriele Bondy

Tom Shakespeare challenges stereotypical ideas about creativity and disability, by celebrating five disabled artists, discussing how their impairments fuelled their genius and demonstrating the variety and achievement of disabled lives.The visionary Brazilian sculptor Arthur Bispo do Rosario spent fifty years of his life on a Rio de Janeiro psychiatric ward, and did not even think of himself as an artist. Born in Japaratuba on the east coast of Brazil, the descendent of African slaves, he was exposed to a strongly religious culture and to the hybrid traditions of folk art. He'd been a sailor and an odd-job man when, in 1938, he had a vision of angels bathed in light. He felt that the Virgin Mary had guided him to record the universe in visual form, in preparation for the Day of Judgement. The same year, he was hospitalized for treatment for paranoid schizophrenia. For Bispo do Rosario, this creative outpouring was a spiritual, not an artistic task: he saw it as his duty to prepare for the Last Judgement. Bispo do Rosario's work is reminiscent of surrealism, of the ready-mades of Marcel Duchamp, of the fabric creations of Louise Bourgeois, the solitary confinement of Kurt Schwitters: all the more extraordinary in that Bispo do Rosario was entirely self-taught, worked in an artistic vacuum, and generated all this extraordinary art through his own originality and imagination.Producer: Martin Williams.

This half-day conference brings together leading scholars in the field to discuss Kurt Schwitters’s British period and its broader context.

This half-day conference brings together leading scholars in the field to discuss Kurt Schwitters’s British period and its broader context.

As the Tate Britain opens a new exhibition of the work of Kurt Schwitters, art critic Charlotte Mullins joins Matthew Sweet to review and to reassess the oeuvre of the German painter and sculptor. Dr Rupa Huq discusses her new book On The Edge, in which she argues that the English suburb has transformed from a paradise to a pressure cooker. As gender has been a topic for national debate recently, Julie Bindel, Jane Fae and Lynne Segal debate the concept of gender as a social category. And Lara Feigel discusses her new book The Love Charm of Bombs, a wartime biography of five writers.

With Mark Lawson. Kristin Scott Thomas and Lia Williams star in a new production of Harold Pinter's play Old Times, in which three characters are locked away in a secluded farmhouse and reminisce about their early days together in London. The two actresses discuss the play and how they are addressing the challenge of alternating roles during the show's run. The one-time Dada artist Kurt Schwitters fled the Nazis, was interned at a camp in the Isle Of Man, and spent the rest of his life after the war in a barn in the Lake District. As his work goes on show in a major new Tate exhibition, novelist Iain Sinclair delivers his verdict. Two films by the off-spring of famous directors are about to reach our cinemas. Chained is a psycho-drama directed by Jennifer Lynch, daughter of the man who gave the world Blue Velvet and Twin Peaks, David Lynch; Antiviral is a futuristic satire on celebrity culture helmed by Brandon Cronenberg, the son of Videodrome and Crash auteur David Cronenberg. Ryan Gilbey discusses whether sons and daughters can ever emerge from the daunting shadow cast by their famous film-making parents. And with issues of strong language in the air in Django Unchained and the edited repeats of Fawlty Towers, Mark considers how you teach books which contain words now considered unacceptable, but which are present in school set texts - such as Of Mice and Men. What kind of dilemma does this present for teachers and how do students respond? Two teachers discuss the issue. Producer Dymphna Flynn.

base track Auslaufrille IIPixelArchiv 1.1UrSonate by Kurt Schwitters performed by Steven Schick and Shahrokh YadegariMurder on the Screen - 1958 Film Handling Educational DocumentaryThis Is Automation - 1955 General Electric Educational DocumentaryDateline Tomorrow - 1940's Aluminum Industry Educational DocumentaryFreedom FilesThe illuminati Exposed By Muammar Gaddafirnold Schoenberg (1874-1951): Verklärte Nacht (Transfigured Night / La Nuit transfigurée), Op.4 (1899)Pierre Boulez: Membres de L'Ensemble IntEdgar Varése (1897-1965): Poème électronique, per nastro magnetico (1958).CoveKarlheinz Stockhausen: "Telemusik" (1966) Electronic music.Sources for information contained in the annotations to this video: "Stockhausen, A John Cage about silenceKurt Schwitters - Ursonateby Loche555 • 66,998 viewsCe fragment de l'URSONATE (Sonate de sons primitifs) interprété pas Kurt Schwitters fut enregistré le 5 mai 1932 à Francfort par la station SüddeMERZBAU reconstruction at Berkeley Art Museum 7/2011. Video and timelapse by Mona Caron. Music: Béla Bartok, Six Rumanian Folk Dances - Roumanian P...

Dada and Cabaret Voltaire

Dois senhores assustadores! A organização do Megalofone deseja-lhe uma boa experiência auditiva. E provavelmente faremos o adeus. Obrigado por contribuírem para uma Tarde Bem Passada. Excerto da peça Ursonate, de Kurt Schwitters, interpretada pelo Ensemble JER. Direcção e arranjo musical do professor José Eduardo Rocha. O Ensemble JER é composto por vários alunos da ESAD.CR cujo nome desconheço. Peço desculpa. O Pecado Original ou A Ciência do Bem e do Mal, de Daniil Harms Interpretado por Ana Reis, César Ribeiro, Guilherme Sancho e Tiago Maduro Gravado no quarto de Zé Quintino Instruções para Chorar, de Julio Cortazar Interpretado por Ana Reis

Programme de Adam Nankervis pour webSYNradio : another vacant space avec des sons de Prokofiev, Vladimir Maiakovsky, Dmitri Shostocovich, David Medalla, Fred Astaire and Ginger Rogers, Herbert Huncke, Kurt Schwitters, COIL, EE Cummings, Moondog, Eric Satie, Tobacco, William Blake, Justice, Ghedalia Tazartes, Constantin Kavafy, Lan Hungh, Valerie Vivancos.

Le collage de l'artiste Dada Schwitters a été créé peu après la Première Guerre mondiale. Savoir plus sur ce tableau Merz que l'artiste a composé avec des objets du quotidien qu'il a collés à sa surface. Un podcast de la série sur les oeuvres phares de la collection du Musée des Beaux-Arts de Berne.

The collage by the dada artist Kurt Schwitters was painted shortly after the First World War. Learn more about this Merz picture that was assembled and glued together out of all kinds of everyday objects. From the podcast series on the highlights of the Kunstmuseum Bern Collection.

Die Collage des Dada-Künstlers Schwitters ist kurz nach dem ersten Weltkrieg entstanden. Erfahren Sie mehr über das Merz-Bild, das aus Alltagsgegenständen zusammengeklebt wurde. Aus der Podcast-Serie zu Highlights aus der Sammlung des Kunstmuseums Bern

You really should listen to the numbers 1 through 100 . . . especially 79.

Kurt Schwitters beginnt Arbeitsdienst: Er war Maler, Konstrukteur, Bastler, Aktionskünstler, Werbegrafiker, Verleger, Kunsttheoretiker und Dichter - am 26. Juni 1917 schickte man ihn dann ins Eisenwalzwerk Wülfel zum Arbeitsdienst...

Mon, May 02 2005 Mister Ron's Basement #26 Some catchy Dadaist music, and a wisp of poetry from Kurt Schwitters. Time: approx four minutes The Mister Ron's Basement Full Catalog can be found at: http://ronevry.com/Mister_Rons_Full_Catalog.html

Dem Titel der Arbeit, Konzept der Collage, ist bewusst die Ungenauigkeit des deutschen Genitivs zu eigen, denn die Collage wirft in der Tat ein Konzept auf: Es ist ihr Anliegen, die vorgefundenen Bruchstücke dieser Welt zusammenhängend ins Werk zu setzen, wobei die verschiedenen Materialien absichtsvoll nicht nur die Spuren ihrer Herkunft im Bild bewahren, sondern jegliche strikte, sequenzielle Entwicklung verletzen, narrative Linien unterbrechen oder systematische Vorstellungen unterminieren, wie das Werk sich gemäss der eigenen ästhetischen Prämissen entfalten soll, um der Imagination des Betrachters künstlerische Produktionsprozesse zu übertragen. Durch eine vom phänomenologisch rezipierten Gegenstand induzierte Analyse, suchten wir in collagierten Bildwerken, die jeweils eine historische Schwellenposition für den Bildbegriff im 20. Jahrhundert markieren, nach ihren ästhetischen Vorgaben und ihrer konzeptionellen Auswirkung im Hinblick auf Anwendungsbereiche bei Edward Ruscha: Wir lasen ihre Zeichen, um etwas begrifflich zu beschreiben, das nicht offen sichtbar in der Collage zutage tritt. Wir wollten in die Brüche, Ritzen, Verwerfungen; in die Kanten, Risse und Spalten ihrer Bedeutung blicken, um das Verdeckte, Verborgene, Versteckte und Unsichtbare freizulegen, um es in unsere Sicht zu holen mit dem bescheidenen Anspruch, Sinn zu stiften und Verstehen zu fördern. Durch die Analyse von Collagekonzepten, die historisch relevante Bezüge zu dem spezifischen Bildbegriff von Edward Ruscha erkennen lassen, arbeiteten wir Vorstellungen, Schlüsselbegriffe und Paradigmen heraus, die bildgenerative Prozesse bei Ruscha erleuchten, welche produktiv und selbstreflexiv Fundamentalfragen nach der Sinnstiftung des modernen Bildes und seiner Geschichte aufwerfen. Ruschas Bilder sind insbesondere bekannt für die malerische Darstellung von Wörtern und Sätzen sowie eine reduzierte und geradezu nominalistische Darstellung von Einzelobjekten, die ein Maximum an Assoziationsmöglichkeiten aufwerfen. Anhand einer technischen Transformation im Frühwerk von Edward Ruscha, welche die Ikonographie der kleinformatigen Collage Dublin von 1959 über das grosse Ölgemälde Dublin von 1960 zu dem für diesen Künstler typischen Schrift-Bild Annie von 1962 transformiert, lässt sich evident das Konzept der Collage als Fundamentalkonzept für einen spezifischen Bildbegriff ausmachen, den Ruscha in konzeptioneller Diversifikation ingeniös bei seiner weiteren Werkentwicklung systematisch untersuchte. Die Werkentstehung eines Gegenwartskünstlers erlaubt selten so offenkundig Einsicht in seine konzeptionellen und ästhetischen Grundlagen, die in der weiteren praktischen Ausarbeitung nicht nur an theoretischer Komplexität gewannen, sondern sich auch piktorial Rechenschaft über seine Entwürfe gab, wie jene Collageserie Turkey/Greece von 1994 zeigt, in der Ruscha Reproduktionen seiner Bilder aus Katalogen ausschneidet und rekombiniert. Der erste Teil der Arbeit widmet sich dem konzeptionellen Potential und der kontextuellen Prägung von paradigmatischen Werken, deren Theoriebildung selbst wieder historisch gewachsen ist, und stellt dadurch das theoretische Rüstzeug für den spezifischen Sinnstiftungsprozess, der sich am Bild vollzieht, bereit. Die Einfügung traditionell bildfremder Materialien in das Ölgemälde durch den Kubismus destruierte nicht nur den konventionellen Bildbegriff, sondern sollte auch mit der Hinterfragung der Repräsentationsmöglichkeit des visuellen Zeichens generell den Charakter von repräsentativen Zeichen als Kommunikationsmittel und ihrer Relation zueinander thematisieren, wodurch linguistische und ikonische Zeichen in ihrer Wertigkeit gegeneinander ausgespielt wurden. Bevor wir uns aber dem bei Picasso realisierten Bildbegriff widmeten, wurden Parameter des vormodernen Bildbegriffs umrissen, um jene Bereiche benennen zu können, die in Abgrenzung zum modernen Bildbegriff weniger diskursiv denn produktiv erschlossen wurden, was methodologisch die Nähe zum Untersuchungsgegenstand unabdinglich machte. Der Überblick zu Funktion und Geschichte der Collage suchte ästhetische Voraussetzungen zu markieren, die den Übergang von einem vormodernen Bildbegriff zu dem in der Collage realisierten Bildbegriff nachvollziehbar erscheinen lassen. Die Errungenschaft von Paul Cézanne zur Wiedergabe des Wahrnehmungsprozesses bei der Bildproduktion wurde als grundlegend für die Funktion des Zeichencharakters des collagierten Elements angesehen und leitete in die Ausbildung der kubistischen Ästhetik über, die wiederum den Nährboden für den künstlerischen Einsatz von Collage darstellt. Fundamentale Reflexionen zur Methodologie der vorliegenden Arbeit basieren auf historiographischen Ansätzen, die ihre Methode an der Ästhetik des kubistischen Bildes reflektiert. Allein der Rahmen dieser Arbeit liess nicht zu, eine möglichst vollständige Geschichte oder Deutung einzelner Kunstwerke zu schreiben, sondern der Blick auf die kubistische Collage ist mitbestimmt und gerichtet auf die theoretischen Erfordernisse zeitlich nachfolgender Werke und enthält sich der Annahme einer progressiven Ausrichtung, die das Ideal einer abgerundeten Definition für das Konzept der Collage bereithielte. Die einzelnen Kapitel umreissen jeweils konzeptionelle, theoretische oder historische Aspekte der Collage, so dass Kunstgeschichte mit Theoriegeschichte wechselseitig interagiert. Wie ein rotes Band zieht sich durch die Geschichte der Collage die Untersuchung des Verhältnisses von Sprache zu Bild. Die vom Kubismus in der Malerei entwickelten experimentellen Verfahren wurden von den russischen Malern, Dichtern und Sprachwissenschaftlern praktisch und theoretisch beispiellos vertieft, so dass die geringsten piktorialen Einheiten theoretisch in einer äusserst raffinierten Begriffsbildung erfassbar werden, was in der Werkgenese von Malewitsch seinen praktischen Niederschlag gefunden hat. Das Werk und die Person von Kurt Schwitters stellt den historischen Angelpunkt im Diskurs der Moderne von seinen grosseuropäischen Ursprüngen, einschliesslich des osteuropäischen Bilddiskurses, zu der amerikanischen Weiterentwicklung dar, wovon Ruscha mit einer frühen Hommage, dem Ölbild Schwitters von 1962, und der Aussage: „Without Schwitters nobody of us” Zeugnis gibt. Schwitters Ästhetik kombinierte avantgardistische Positionen der klassischen Moderne, und durch seine integrative Persönlichkeit und aktive Vermittlungstätigkeit stellte er früh die mitteleuropäischen Kontakte zu New Yorker Sammlern (Kathrine Dreier und Alfred Barr für das MoMA) her. Inbesondere aber Schwitters umfassender, medienumgreifender und im weitesten Sinne demokratischer Bildbegriff galt als integre Inspirationsquelle für die mannigfaltigsten Entwicklungen der Nachkriegskunst in den USA, deren sogenannte Neo-Avantgarde sich insbesondere an seiner Bildsprache orientieren sollte. Bewahrt in der klassischen Collagetechnik das Material absichtsvoll die Spuren seiner Herkunft, knüpft Jasper Johns nurmehr an diese Technik an, um seine Sujets in ein komplexes hermeneutisches Netzwerk einzubinden. Zu Johns äusserte Ruscha: “Jasper Johns was an atomic bomb in my training. I knew that I had seen something profound”. Seine Bilder zeigen ein vorgebliches Motiv, das bei einer tiefergehenden Analyse von Widersprüchlichkeiten konterkariert wird, die auch durch die eigenwillige Technik ihrer Herstellung aufgeworfen werden. Die Bedeutung des Werkes erschöpft sich in seinem unabsehbaren zirkulären hermeneutischen Prozess, dessen faktische Ausgangsebene von collagierten Zeitungsschnipseln als grundlegendster Informationseinheit bestimmt wird, die wiederum als Metapher für die Möglichkeit der Interpretation des Bildes einstehen. Das Konzept der Collage in der Bildenden Kunst schien nunmehr weniger an eine Technik gebunden zu sein, als vielmehr Komponenten miteinander zu verbinden, die aus unterschiedlichen intellektuellen oder perzeptiven Kategorien stammen. Vor dem Hintergrund der erarbeiteten historischen Parameter und theoretischen Kriterien wurden im zweiten Teil der Arbeit paradigmatische Gemälde Ruschas aus dem Frühwerk beschrieben, deren konzeptionelle Komplexität entscheidend für die Auswahl sind. Ruscha versteht es, in einer aufs Wesentliche reduzierten malerischen Form visuell überzeugend im Bildbegriff eben jene theoriehistorisch relevanten Konzepte zu thematisieren, die in der Geschichte der Collage problematisiert worden waren. Er transzendiert die Technik der Collage, indem er in einem komplexen Transformationsprozess ohnegleichen die Technik der Collage ins Tafelbild überführt, um wiederum die vormalig konventionellen Mittel der Ölmalerei in jenes Kontrastverhältnis zu setzen, welche das Bild als epistemologische Metapher auszeichnen. Das Konzept der Collage geht dem modernen, westlichen Bild im wahrsten Sinne auf den Grund. Seine bildnerischen Aussagen, die im Verlauf der hier beschriebenen Geschichte einen Zirkel schlagen von der Destruktion der Ölmalerei bei Picasso zu ihrer Dekonstruktion bei Ruscha, betreffen die gesellschaftliche Wertigkeit vom Warencharakter des Bildes und seiner kulturellen Produktion, den Begriff der Geschichte, Probleme der Repräsentation und Kommunikation, die Rolle des Betrachters bei der Konstitution des Kunstwerks, die gesellschaftliche Utopie künstlerischer Produktion und den erkenntnistheoretischen Wert der Metapher, den heuristischen Prozess des Bildes und nicht zuletzt die Semiotik des linguistischen und visuellen Zeichens. Es ist dem methodischen Entwurf der vorliegenden Arbeit inhärent, dass mit Ruschas besonderer Anwendung und Konzeptionalisierung des Bildes in der Werkentwicklung des Künstlers ein Beispiel vorliegt, das eine möglichst evidente und wissenschaftlich konzise Herleitung konzeptioneller Grundprobleme erlaubte. Darüberhinaus aber eröffnet sich der beschriebene Ansatz unter Beibehaltung der erarbeiteten Methodologie für das Verständnis der Werke anderer zeitgenössischer Künstler, deren Bildbegriff nicht weniger vom Konzept der Collage infiziert ist und deren Untersuchung sich fast übergangslos und mit Gewinn anschliessen liesse. In Damien Hirsts Frühwerk etwa finden sich Materialcollagen, die von Schwitters‘ Collagen kaum zu unterscheiden sind. David Salles Bildbegriff liesse sich erweitern, indem man die Analyse auf das Konzept der Montage ausdehnt. Und Jeff Koons neueste Malerei bedient sich der digitalen Bildbearbeitung, um digital zusammengefügte Bildfragmente in einem für die Sinnstiftung des Bildes nicht unbedeutenden Produktionsprozess zu verfertigen, dessen Verfahren sich mehr der spätindustriellen Herstellung denn herkömmlicher künstlerischer Bildschöpfung verdankt.

"Desde el pasado 23 de abril se exhibe en la Fundación Juan March la exposición «Kurt Schwitters y el espíritu de la utopía», integrada por 28 obras -óleos, collages, dibujos y una escultura- del artista alemán Kurt Schwitters (1887-1948), 31 obras de otros autores con los que Schwitters mantuvo estrecho contacto (entre ellos Picasso, Arp, Moholy-Nagy, Paul Klee, Kandinsky, Joan Miró o Léger) y 7 fotografías realizadas por Ernst Schwitters, hijo del pintor. Las 31 obras de diversos autores proceden de la Colección que Ernst fue formando con la obra de artistas amigos de su padre, que expusieron en la galería berlinesa Der Sturm, participaron en el dadaísmo, en el constructivismo o pertenecieron a los grupos Cercle et Carré y Abstraction-Création. Dicha obra ayuda a comprender el contexto ideológico y las tensiones estilísticas en las que se forjó la vanguardia europea, de la que Kurt Schwitters es uno de los más destacados representantes. La exposición estará abierta en Madrid, en la Fundación Juan March, hasta el 20 de junio próximo.Las 28 obras de Kurt Schwitters proceden también de esta Colección Ernst Schwitters, así como del Legado Kurt Schwitters, del Sprengel Museum de Hannover y de coleccionistas privados. La muestra se ha organizado asimismo con la ayuda de Lola y Bengt Schwitters, viuda e hijo de Ernst Schwitters. Han colaborado además el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela y el Museu do Chiado de Lisboa, lugares donde anteriormente ha sido expuesta la Colección de Ernst Schwitters.Kurt Schwitters, uno de los nombres clave de la vanguardia europea de los años veinte y creador del movimiento dadaista Men, dejó una compleja obra muy personal, situada entre el espíritu irónico del dadaísmo y la voluntad estructurada del constructivismo. Fue un artista plural que cultivó desde la pintura a la poesía.«El ‘espíritu de la utopía' que da título a la exposición, implícito en el proyecto de las vanguardias, está unido a la idea, forjada durante la primera guerra mundial, de la aparición de un hombre nuevo, dotado de una nueva sensibilidad y capaz de expresarse en lenguajes como la abstracción, el idioma poético Zaoum de Khlebnikov o la música dodecafònica. Schwitters, con su pintura Merz, y muchos de sus amigos artistas y poetas alimentaron esta idea con su obra», apunta Javier Maderuelo, quien pronunció la conferencia inaugural de la muestra y es autor de uno de los textos que recoge el catálogo"Más información de este acto

Hasta el 5 de diciembre próximo permanecerá abierta, en la sede de la Fundación Juan March, la Exposición de 201 obras del artista alemán Kurt Schwitters, el creador del movimiento dadaísta «Merz» y una de las figuras claves del arte de vanguardia de los años veinte. Esta muestra, que se exhibe desde el pasado 28 de septiembre, incluye óleos, collages, ensamblajes, dibujos y acuarelas, relieves, esculturas y otras piezas, realizadas por Schwitters de 1916 hasta 1947, un año antes de su muerte. La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con la colaboración del hijo del artista, Ernst Schwitters, las galerias Marlborough, de Londres, y Gmurzynska, de Colonia; el Kunstmuseum, de Hanover; la Kunstsammlung, de Dusseldorf; la Colección ThyssenBornemisza, de Lugano; y otros coleccionistas particulares. Con una conferencia del critico de arte Eduardo Westerdahl sobre «Clima, vida y obra de Kurt Schwitters», se inauguró el pasado 28 de septiembre, en la sede de la Fundación, la Exposición de 200 obras del artista alemán, creador del Dadaísmo «Merz». Asistieron al acto de presentación de la muestra, entre otros, el Director General de Bellas Artes, el hijo del artista, Ernst Schwitters, el Embajador alemán en España y Gustavo Torner, asesor artístico de la Fundación Juan March.Más información de este acto

Con una conferencia del crítico y profesor de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid Julián Gallego, se inauguró en la sede de la Fundación, el pasado 18 de abril, la Exposición «Maestros del siglo XX. Naturaleza muerta», en la que se ofrecen 79 obras pertenecientes a 32 destacados maestros de los principales movimientos y escuelas artisticas del presente siglo, cuyo catalogo presentamos en forma de diccionario en el número anterior de este Boletín Informativo. La muestra representa una variada selección de 72 pinturas y 7 esculturas que han tratado el tema de la «naturaleza muerta» a lo largo del siglo XX. Las escuelas y estilos a los que se pueden adscribir obras y autores son los que se han ido sucediendo en el arte eontemporaneo de diversos paises: surrealismo, cubismo, dadaismo, expresionismo, arte «pop», arte abstracto, etc. Los pintores y escultores representados en la exposición son los siguientes: Jean Arp, Mac Beckman, Jules Bissier, Pierre Bonnard, Georges Braque, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Raoul Dufy, Max Ernst, Alberto Giacometti, Juan Gris, Paul K1ee, Oskar Kokoschka, Le Corbusier, Fernand Leger, Roy Lichtenstein, Rene Magritte, Henri Matisse, Joan Miro, Adolphe Monticelli, Ben Nicholson, Claes Oldenburg, Pablo Picasso, Odilon Redon, Georges Rouault, Kurt Schwitters, Chaim Soutine, Nicolas de Stael, Saul Steinberg, Antoni Tapies, Jean Tinguely y Andy Warhol.Más información de este acto