Podcasts about Francis Picabia

Bestselling French author Anne Berest returns to the podcast to discuss GABRIËLE, an atmospheric and exuberant novel about love, sex, art, revolution, and the life of her great-grandmother Gabriële Buffet-Picabia—muse and revolutionary partner to artist Francis Picabia. Anne discusses the legacy of creativity and pain in her lineage, the invisible labor of women who shape art behind the scenes, the fun she had co-writing with her sister, and the impact of being embraced by American readers. She also touches on her other book, THE POSTCARD, which began with an anonymous postcard listing the names of her Jewish relatives murdered during WWII, sparking an investigation into her family's history and inherited trauma. You can listen to that episode, too! Purchase on Bookshop: https://bit.ly/3Elq1HnShare, rate, & review the podcast, and follow Zibby on Instagram @zibbyowens! Now there's more! Subscribe to Moms Don't Have Time to Read Books on Acast+ and get ad-free episodes. https://plus.acast.com/s/moms-dont-have-time-to-read-books. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

“All conviction is an illness,” Francis Picabia, Ecrits, 1913-1920

Episode No. 690 features curators Vivien Greene and Michael Hartman. With Tracey Bashkoff, Greene is the co-curator of "Harmony & Dissonance: Orphism in Paris, 1910-1930" at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York. The exhibition surveys a transnational art movement that joined abstraction to dance, music, and poetry and that engaged with ideas of simultaneity across kaleidoscopic pictures and sculpture. Among the artists included in "Harmony & Dissonance" are Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, František Kupka, Francis Picabia, and Stanton Macdonald-Wright. The exhibition is on view through March 9. The Guggenheim published an excellent catalogue for the exhibition. It's available from Amazon and Bookshop for about $60. Hartman is the curator of "Beyond the Bouquet: Arranging Flowers in American Art" at the Hood Museum of Art at Dartmouth College. The exhibition looks at how North American artists have made use of floral beauty. Instagram: Michael Hartman, Tyler Green.

durée : 01:58:36 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - En 1976, "Deux heures pour comprendre" tente, 23 ans après sa mort, de cerner Francis Picabia, cet artiste aux multiples facettes et aux multiples talents. Un artiste que l'on entend dans l'émission, grâce à des archives, et dont l'oeuvre est aussi instable et insaisissable que lui-même. - réalisation : Emily Vallat - invités : Jacques Monory Peintre (1924-2018), représentant du mouvement de la figuration narrative; Michel Giroud; Jean-Hubert Martin Historien de l'art, conservateur, directeur d'institution et commissaire d'expositions; Francis Picabia

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, certains de ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture. Avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

durée : 01:23:13 - Toute une vie - par : Jean Daive - Impressionniste de deuxième génération, il peint aussi avec des macaronis. Soit. Avec ce geste, Francis Picabia rallie Dada. Ami des nuits parisiennes, de l'avant-garde new-yorkaise, des dadaïstes de Zurich, il est l'étincelle qui déclenche le feu d'artifice de la peinture du 20e siècle.

“Yves Saint Laurent”Transparences, le pouvoir des matièresau Musée Yves Saint Laurent Parisdu 9 février au 25 août 2024Interview de Domitille Eblé, Curatrice, chargée des collections arts graphiques du Musée Yves Saint Laurent Paris et co-commissaire scientifique de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 5 février 2024, durée 19'27,© FranceFineArt.https://francefineart.com/2024/02/09/3512_transparences_musee-yves-saint-laurent-paris/Communiqué de presseCommissariat :Commissaire généraleElsa Janssen, Directrice du Musée Yves Saint Laurent ParisConseillère artistique invitéeAnne Dressen, commissaire d'exposition au département contemporain du Musée d'Art moderne de Paris.Commissaires scientifiquesSerena Bucalo-Mussely, Conservatrice, responsable des collections du Musée Yves Saint Laurent ParisDomitille Eblé, Curatrice, chargée des collections arts graphiques du Musée Yves Saint Laurent ParisLe Musée Yves Saint Laurent Paris présente Yves Saint Laurent : Transparences, le pouvoir des matières, deuxième chapitre d'un récit entamé l'été dernier à la Cité de la dentelle et de la mode de Calais. Pour ce second volet, le musée parisien a invité la curatrice Anne Dressen, en tant que conseillère artistique, à porter son regard sur la transparence chez Yves Saint Laurent. La scénographie conçue par l'architecte Pauline Marchetti interroge les dimensions sensibles de l'espace.#expoYSLTransparences« Les transparences, je les connais depuis longtemps. L'important, avec elles, c'est de garder le mystère… Je pense avoir fait le maximum pour l'émancipation des femmes. J'ai créé des vêtements qui entrent tout à fait à leur aise dans le XXIe siècle ».La transparence, lorsqu'elle est portée, est rarement intégrale : elle est, en théorie, incompatible avec la fonction même du vêtement, censé revêtir le corps, le dissimuler ou le protéger. Attiré par cette contradiction, et par la puissance suggestive de la transparence, Yves Saint Laurent s'empare, dès les années 1960, des matières comme la mousseline, la dentelle, ou le tulle. Telle un leitmotiv, la transparence revient régulièrement, pendant ses quarante années de création, parfois associée à des broderies ou des tissus opaques. Avec audace, il réconcilie les antagonismes et permet aux femmes d'affirmer leur corps avec puissance, non sans fierté et insolence.S'appuyant sur le pouvoir des matières, cette exposition, deuxième chapitre d'un récit entamé l'été dernier à la Cité de la dentelle et de la mode de Calais, entend explorer le regard d'Yves Saint Laurent au plus près de ses liens au corps et à la nudité revisitée. Parmi la quarantaine de pièces textiles présentées se retrouvent des créations iconiques de l'histoire de la révélation du corps féminin chez Yves Saint Laurent, telle que la première blouse seins nus du printemps–été 1968 ou la Nude Dress de la collection suivante, ainsi que des pièces plus inédites, pour certaines issues des collections SAINT LAURENT rive gauche. En regard, des éléments inédits du processus créatif sont présentés, tels que les patrons sur calque et une série de dessins d'Yves Saint Laurent inspirés par les peintures de Goya.Plusieurs oeuvres modernes et contemporaines – des dessins d'Anne Bourse, des photographies de Man Ray, un film des frères Lumière figurant une chorégraphie de Loïe Fuller, et une peinture de Francis Picabia – ponctuent aussi le parcours. L'exposition, articulée en 5 sections, rend visible la poésie artistique et sensible d'Yves Saint Laurent : sa rébellion créative contre les interdits mouvants de la société reste plus que jamais inspirante aujourd'hui. Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Judith Benhamou, journaliste spécialiste en art et commissaire d'exposition nous propose un ouvrage d'art pointu mais accessible qui bénéficie de magnifiques reproductions. L'autrice avait à coeur de raconter de petites anecdotes et des détails biographiques. On découvre une pléiade d'artistes qui ont eu des rapports avec l'Hôtel Drouot. Cela va de Vermeer à Louise Bourgeois. L'hypermodernité d'Edgar Degas a été révélée aux enchères après sa mort. Les frères Goncourt ont été fascinés par le 18ème siècle français puis plus tard dans leur existence par le Japon. Pour Van Gogh, l'Hôtel Drouot est un champ de découvertes picturales. Marc Duchamp et Francis Picabia ont été le couple idéal du marché de l'art. «Les Histoires extraordinaires de l'art à l'Hôtel Drouot » de Judith Benhamou est paru chez Flammarion

durée : 00:25:02 - Les Nuits de France Culture - par : Albane Penaranda - L'émission "Apollinaire et les peintres", en 1968, invite celles et ceux qui connurent Apollinaire à se prononcer sur sa relation à la peinture, avec Daniel Kahnweiler, Alice Hanicka, Leopold Survage et surtout l'artiste Sonia Delaunay, qui minimise l'influence d'Apollinaire sur les peintres. - invités : Sonia Delaunay Peintre et artiste textile; Daniel-Henry Kahnweiler Écrivain, collectionneur et marchand d'art; Francis Picabia

Carlos Vaz Marques aconselha um livro do pintor e escritor francês Francis Picabia que passou por tudo, pelo dadaísmo, pelo cubismo, até pelo surrealismo e sempre com um espírito provocatório e capaz de dinamitar mesmo aquilo em que se metia. Este livro – “Nada, nada, nada” – reúne textos em prosa do período dadaísta de Picabia e é uma boa introdução ao espírito de um autor ainda hoje desconcertante. Pedro Mexia aconselha “Ensaio Histórico sobre a Revolução de 25 de Abril” de José Medeiros Ferreira, José Miguel Tavares trás o livro de Marco Alves, “Salazar Confidencial” e Ricardo Araújo Pereira aconselha A “Vida Airada de Dom Perdigote” de Paulo Moreiras.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Qui suis-je ? La petite voix dans notre tête babille, une sorte de "présentateur" que nous appelons le "moi". Nous pensons qu'il s'agit de notre vrai moi, celui qui nous parle à longueur de journée. Certaines personnes pensent que le "moi" "habite" le corps, d'autres assimilent cette petite voix à l'"esprit". Depuis des millénaires, les plus intelligents d'entre les hommes ont fait des recherches sur nos origines. Des questions telles que : Qui suis-je ? Ou : Qui crois-je être ? Où étiez-vous avant de naître ? Où irez-vous après la mort de cette incarnation ? Le soi est l'expérience de notre nature de bouddha, la conscience universelle. Dans le bouddhisme, il y a le concept du non-soi. Bouddha a enseigné que la croyance en un "moi" séparé est la cause de la souffrance. J'ai cherché l'"illumination" (la naissance après la naissance), le silence des pensées, selon le maître de tous les maîtres. Si les formes étaient permanentes, les pensées ne seraient pas aussi douloureuses, a-t-il poursuivi. Par conséquent, la personnalité ne peut pas être le "moi". Pour Bouddha, le soi n'était pas caractérisé par la permanence. Selon lui, il existe différentes couches de vérités, à commencer par le conteur dans notre tête, jusqu'à la faible reconnaissance précoce de choses du passé, l'inconscient. Avec chaque sentiment, chaque intuition, tout ce qui vient du passé, du futur, ou même du présent, tout n'est pas nous. Lorsque les passions s'en vont, ne nous obstruent plus la vue, quittent enfin le moi, alors nous sommes libérés. Inconsciemment, nous nous souvenons de noms et d'événements de nos dernières vies, en nous concentrant, nous pouvons ramener les faits à la lumière, au niveau de la conscience. Nous ne comprendrons sans doute jamais complètement notre inconscient, mais ce qui constitue nos peurs, nos désirs, nos espoirs et nos valeurs a une histoire. Quels filtres produisent notre personnalité, créent les opinions qui sont à la base du nucléus de l'émergence ? Nous nous créons nous-mêmes par nos pensées, nos actes, nos actions et nos réactions. Le palais de la pensée est le lieu de la vérité, c'est là que nous pouvons trouver notre vrai moi, ce n'est pas à l'extérieur que se trouve la solution à toutes les questions, les réponses sont déjà en place à l'intérieur de nous. La méditation nous permet de nous rapprocher de la solution, la contemplation nous conduit à notre moi, à la réponse à la question de toutes les questions : qui suis-je ? Non pas qui je pense être, mais qui je suis vraiment, c'est la seule réponse importante à toutes les questions qui y sont liées. En sachant tout cela, pourquoi ne pas agir en conséquence ? Le chemin est le but ! Nous devons vivre le moment présent avec sagesse et sérieux. - Bouddha - nom d'honneur de Siddharta Gautama - 560 à 480 avant l'an zéro Tout est dans la tête - George Harrison - Musicien et compositeur anglais - 1943 à 2001 Toujours la cruche à la tête, jamais la tête à la cruche - Gerhard Polt - Artiste de cabaret bavarois - né en 1942 Il est bon de jouer du tambour sur des têtes creuses. Et plus une tête est creuse, plus l'écho est plein. - Karlheinz Deschner - Écrivain allemand et critique de la religion - 1924 à 2014 Si tu as la tête et le cœur qui bourdonnent - Johann Wolfgang von Goethe - Poète et dramaturge allemand - 1749 à 1832 La tête est ronde pour que la pensée puisse changer de direction - Francis Picabia - Écrivain, peintre et graphiste cubain - 1879 à 1953 Copyright : ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠https://shaolin-rainer.de⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ (Veuillez également télécharger mon application „Shaolin-Rainer" depuis les magasins ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠Apple⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠ et ⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠Android⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠⁠) Veuillez nous noter sur Apple, Google ou Spotify podcast pour nous aider à promouvoir l'émission. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/buddha-blog-francais/message

Há 50 anos, no dia 8 de abril de 1973, morria Pablo Picasso, aos 91 anos, em Mougins, no sul da França. Artista genial, ele mudou o curso da arte no século XX. Mas não sem controvérsias. Por Patrícia MoribePablo Ruiz Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881, em Málaga, na Andaluzia, no sul da Espanha, junto ao Mediterrâneo. O pai, que era professor de pintura, estimulou o menino Pablo desde pequeno. O jovem Picasso frequentou escolas e artistas em Barcelona e Madri, com muitas experimentações e ambições. Em 1990, seu quadro “Os Últimos Momentos” é escolhido para representar a Espanha na Exposição Mundial em Paris. Aos 19 anos, a capital francesa é o sonho do jovem pintor. Ele se instala no mítico bairro de Montmartre, efervescente refúgio de artistas e boêmios. O trabalho de Picasso é dividido por períodos. Como o azul, de 1901 a 1904, quando, impactado pelo suicídio de um amigo, Carlos Casagemas, ele mergulha em temas sombrios, retratando pessoas miseráveis, com rostos marcados pela fome e sofrimento.Paralelamente, Picasso expandia suas conexões ao conhecer escritores, poetas, intelectuais, colecionadores, galeristas, mecenas e artistas de todos os espectros.Ele avançou para o período rosa, se inspirou na arte africana, trabalhou nos balés russos de Diaghilev e se apaixonou pela bailarina Olga Khokhlova, com quem se casa em 1918.  Em 1907 ele finaliza “As Senhoritas de Avignon”, que vai dar um ponta pé importante para o Cubismo. Com Georges Braque, ele iniciou o movimento cuja ideia era a decomposição de imagens em facetas múltiplas, geométricas, bidimensionais. Toda uma geração de artistas bebeu nessa fonte, como Juan Gris, Francis Picabia e Brancusi.  Em 1925, uma nova mudança de curso e Picasso navega pelo surrealismo, com criaturas disformes, convulsivas, histéricas. O surrealista Salvador Dali, também espanhol, conta, em uma entrevista de 1955, que mandou um postal para o artista, dizendo:  “Meu caro Pablo, eu te agradeço porque me dou conta que você assassinou não somente a pintura acadêmica, que está morta e sepultada, como também assassinou toda a pintura moderna. Agora poderemos rever os grandes clássicos, como Rafael e Velasques. Se Picasso não existisse, a pintura moderna iria durar ainda uns 200 anos.”Arte como arma de resistênciaPicasso usava sua arte como instrumento de engajamento. O bombardeamento de uma cidade, em 1937, durante a Guerra Civil espanhola, levou o artista a criar uma de suas obras mais marcantes: “Guernica”. O mural simboliza o horror da guerra e o sofrimento da população. No mesmo ano, Picasso pede a naturalização francesa, que lhe é recusada. O artista continuou a viver na França, mas como diria em entrevista de 1955, “era um acaso, sem nenhuma razão especial”. Picasso passou a Segunda Grande Guerra em Paris, durante a ocupação nazista. Os serviços de segurança o ficharam como “anarquista”. Em 1949, Picasso pinta “Pomba da Paz”, que se torna um forte símbolo antibélico internacional. Além da pintura, Picasso também fez esculturas, cerâmicas e gravuras. Os detratores de Picasso apontam justamente que a produção do artista era excessiva.Ele também traduzia em suas obras sua paixão pelas touradas e mulheres. Sua vida amorosa foi intensa e turbulenta. Ao mesmo tempo, era considerado misógino. Picasso casou-se duas vezes, teve quatro filhos e inúmeras amantes. Uma de suas amantes-musas, a fotógrafa francesa Dora Maar, fala sobre a realidade em Picasso, em entrevista de 1955:“Picasso é obcecado, sempre foi, pela realidade”, disse a fotógrafa francesa, em 1955. “Através do Cubismo ele buscou todas as facetas de um objeto. Por exemplo, ele quis retratar as quatro dimensões de uma xícara de café. Mas não o instante presente, o sonho, um local, as nuvens ou a emoção. Ele busca a realidade verdadeiramente concreta de um objeto. Isso gera deformações extraordinárias.” Picasso morreu em 8 de abril de 1973, de uma crise cardíaca, no sul da França, deixando um fabuloso legado artístico e um lastro de tragédias familiares e brigas pela herança do artista, que não deixou testamento.Em 2015, o quadro “Mulheres de Argel” (1955) quebrou um recorde ao ser vendido por quase US$ 180 milhões. Durante algum tempo foi a obra mais cara do mundo, até ser desbancada por “Salvatore Mundi”, de Leonardo da Vinci, vendida por US$ 450 milhões a um príncipe saudita. No dia 20 de dezembro de 2007, dois quadros foram roubados do Masp (Museu de Arte de São Paulo) durante a madrugada, em apenas três minutos, de acordo com os registros de segurança. Um era “O Lavrador de Café”, de Cândido Portinari, e “Retrato de Suzanne Bloch”, de Picasso. As obras foram encontradas pouco mais de duas semanas depois, em Ferraz de Vasconcelos, subúrbio de São Paulo.

“Doucet et Camondo”une passion pour le XVIIIe siècleau musée Nissim de Camondo – Musée des Arts Décoratifs, Parisdu 16 mars au 3 septembre 2023Interview de Juliette Trey, directrice adjointe du Département des études et de la recherche à l'INHA, et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 15 mars 2023, durée 17'39.© FranceFineArt.https://francefineart.com/2023/03/18/3407_doucet_musee-des-arts-decoratifs/Communiqué de presseCommissaire :Juliette TREY, directrice adjointe du Département des études et de la recherche à l'INHALes Arts Décoratifs et l'Institut national d'histoire de l'art (INHA) présentent, au musée Nissim de Camondo, du 16 mars au 3 septembre 2023, une exposition consacrée à la riche collection d'œuvres d'art du XVIIIe siècle constituée par Jacques Doucet.Célèbre couturier et grand mécène, Jacques Doucet (1853-1929) est aussi l'un des plus importants collectionneurs de son temps. Une sélection de dessins, photographies et documents d'archives conservés à l'INHA retrace l'histoire de ce prestigieux patrimoine. L'exposition dévoile les décors éphémères de l'hôtel particulier situé rue Spontini dans le XVIe arrondissement que Doucet fait spécialement édifier pour accueillir cet ensemble de tableaux, dessins, sculptures, meubles et objets d'art du XVIIIe siècle. Elle met en lumière les œuvres ayant appartenu à Jacques Doucet, conservées notamment au musée Nissim de Camondo, ancien hôtel particulier de Moïse de Camondo, tissant ainsi le lien entre ces deux grands collectionneurs.Homme aux multiples facettes, grand couturier, fondateur de la première bibliothèque d'art et d'archéologie publique en France et d'une bibliothèque littéraire, Jacques Doucet est aujourd'hui plus connu pour son activité de mécène et de collectionneur d'art moderne. Il compte, parmi ses plus belles acquisitions, des œuvres d'Henri Matisse, Francis Picabia, Amedeo Modigliani, Paul Klee, Marcel Duchamp ou encore Constantin Brancusi et surtout Les Demoiselles d'Avignon. C'est sur les conseils d'André Breton que Doucet achète en 1923 ce chef d'œuvre de Pablo Picasso, aujourd'hui au Museum of Modern Art à New York. Jacques Doucet est également un des grands mécènes de l'Art déco. Une partie de sa collection de mobilier, qui comprend plusieurs pièces de créateurs tels que Paul Iribe, Pierre Legrain ou André Groult, est aujourd'hui conservée au musée des Arts décoratifs.Pourtant, avant de se consacrer avec tant d'enthousiasme à la modernité, Doucet rassemble entre le milieu des années 1870 et 1912 une importante collection d'oeuvres d'art du XVIIIe siècle : objets d'art français et asiatiques, peintures italiennes, espagnoles et anglaises, dessins, pastels… C'est pour abriter sa collection qu'il décide de se faire construire en 1903 son hôtel particulier, situé rue Spontini à Paris que des photographies et archives de l'INHA viennent ici illustrer.[...] Hébergé par Acast. Visitez acast.com/privacy pour plus d'informations.

Sección del programa de RPA "La radio es mía" que demuestra que la modernidad es algo que viene de antiguo. Emisión del 13/3/2023, vigesimoprimer capítulo de la octava temporada y segundo de los dedicados a a una de nuestras artistas favoritas: Leonora Carrington (Chorley, Inglaterra, 1917-Ciudad de México, 2011). Abordamos hoy su encuentro con el surrealismo, en la primera exposición surrealista en Inglaterra, en junio de 1936 en la New Burlington Galleries de Londres. En la inauguración estaba Bretón todo vestido de verde; Sheila Lange, enfundada en un vestido largo de satén blanco, llevaba la cara tapada por rosas llenas de mariquitas, y Dalí, vestido de buzo para sumergirse en el subconsciente, estuvo a punto de morir asfixiado. En la exposición surrealista, la joven estudiante de la academia de Ozenfant se enfrentó por vez primera a la obra de Duchamp, Dalí, Picasso, Man Ray, Magritte o Francis Picabia, y, sobre todo, la de Max Ernst. Para ella fue una revelación, se dio cuenta de que aunque fuera un bicho raro, no era la única, que algunos de los cuadros que observa en la exposición viven en un mundo de sueños fascinantes que no es el suyo, pero es perfectamente compatible. Sobre todo un pequeño collage de Max Ernst, Dos niños amenazados por un ruiseñor. Allí comprendió que, aunque por otros caminos, por su propio viaje, ella había llegado a un mundo similar a los que vivían en aquella exposición. Paradójicamente, fue su madre, Maggir Moorhead, quien le regaló el catálogo de la exposición. Un libro que no escondía las intenciones de los surrealistas: «No se tomen este movimiento como algo amable –escribía Herbert Read–. No es una broma más. Es un desafío, el acto desesperado de unos hombres demasiado convencidos de la podredumbre de nuestra civilización para querer salvar ni un jirón de su respetabilidad». Esta vez, el arte no trataba de interpretar el mundo, sino de transformarlo, y nada podía interesar más a Leonora Carrington. Tras destacar en la exposición surrealista del 36, Max Ernst fue invitado a hacer su primera muestra individual en Inglaterra. Tenía 46 años y tuvo una experiencia terrible como combatiente alemán en la I guerra mundial que le impulsó a crear el Grupo Dadá de Colonia. Una vez en París se convirtió en uno de los primeros surrealistas, uno de los más prolíficos y el que más ligaba. Antes de conocer al Ernst hombre, Carrington ya estaba enamorada del artista. Cuando coincidieron en una cena en la casa de los Goldfinger, una de sus compañeras de la academia, Leonora y Max se hicieron amantes «casi de forma instantánea» y empezaron a pasar todo el tiempo juntos sin sentir ninguna necesidad de ocultar su relación pese a la diferencia de edad y a que él era un hombre casado. Al enterarse que su hija tenía una relación íntima con un alemán casado, sin fortuna y con edad suficiente para ser su padre, Harold Carrington se puso furioso. Movió carros y carretas para que la exposición de Max Ernst fuera clausurada. Su arte era obsceno. ¿Qué digo obsceno? ¡pornográfico! Si era pornográfico era ilegal y la exposición debía clausurarse y su autor debía ser detenido y deportado a la Alemania de Hitler. Ya se encargaría él de explicar a su hija que todo lo había hecho por su bien cuando llegara el momento. Harold consiguió que se dictara una orden de detención contra Ernst, pero éste consiguió huir con Leonora hacia el surcia la casa victoriana que le había dejado a Roland Penrose en Lambe Creek, en Cornualles. Leonora Carrington y Max Ernst vivieron en Cornualles un verano de amor y surrealismo, porque lo más granado del surrealismo británico pasará aquel verano por Lambe Creek. Eso sí, eso os lo contamos en el próximo capítulo.

In Kijk Wijzer van De Nieuwe Wereld bespreekt hoofdredacteur Willem de Witte een schilderij, gedicht of een andere trage kunstvorm. Een moment van bezinning om ontspannen het weekend mee in te gaan. In deze aflevering: Ergo van Francis Picabia -- De Nieuwe Wereld TV is een platform dat mensen uit verschillende disciplines bij elkaar brengt om na te denken over grote veranderingen die op komst zijn door een combinatie van snelle technologische ontwikkelingen en globalisering. Het is een initiatief van filosoof Ad Verbrugge in samenwerking met anchors Jelle van Baardewijk, Marlies Dekkers en Willem de Witte. De Nieuwe Wereld TV wordt gemaakt in samenwerking met Centrum Ethos aan de VU en Filosofische School Nederland. Onze website: https://denieuwewereld.tv/ DNW heeft ook een Substack. Meld je hier aan: https://denieuwewereld.substack.com/ Wil je ons steunen? Dat kan hier: https://www.whydonate.nl/donate/denieuwewereld

STAY WILD KEEP READING – STEPHANE MANEL Le podcast qui donne envie de lire Animé par Sylvia Minne Durée épisode : 01 :12 :20 © READING WILD - 2022 « Proust m'a tout de suite fasciné » Dans ce vingt-troisième épisode de Stay Wild Keep Reading, le dessinateur Stéphane Manel se confie au micro de Sylvia Minne sur son amour de la lecture et quelques uns des livres qui ont marqué sa vie. A l'occasion du centième anniversaire de la mort de Marcel Proust, il vient de publier « Monsieur Proust » un très beau livre où il illustre les souvenirs précieux de Céleste Albaret, la gouvernante de Marcel Proust. Rencontre avec un artiste qui s'entoure de gens qui lisent et qui aime glisser un livre dans tous ses dessins. Un esprit hyper créatif qui dessine comme il pense, en ricochets. Littérature, cinéma, bd, musique : ce nouvel épisode de podcast est à vous. Un épisode merveilleusement foutraque où l'on parle de Michel Serrault, de Godard, des Sisters of Mercy, et bien sûr de littérature ! Extraits de l'entretien "Un livre qu'on m'aura recommandé ne sera pas forcément le meilleur ami pour moi (…) Je ne sais pas pourquoi j'ai l'impression qu'il faut toujours que ça vienne de moi." "Je trouve ça difficile d'échanger vraiment sur la littérature." "Je pense que sans lire on meurt." "Il y avait une collection des poètes de chez Gallimard, il y avait une tranche, et moi j'ai fait une fixation sur un dessin, et à partir de ce dessin là je crois que j'ai construit tout mon style de dessin d'aujourd'hui, des portraits en noir et blanc, c'était un dessin de Francis Picabia." "Proust m'a tout de suite fasciné." "Patrick Modiano j'ai l'impression qu'il écrit toujours pour quelqu'un de toute façon, et que derrière chaque mot il y a une référence (…) je trouve ça totalement obsédant, ça n'avance pas, ça nage dans le même marasme mais moi ça me fascine." "Edouard Baer a dit un jour un truc merveilleux c'est « Modiano prête du mystère aux choses qui n'en ont pas »" "« Vider les lieux » d'Olivier Rolin c'est un livre sur la lecture, sur l'envie de lire, il devrait être donné dans les écoles." Quelques auteurs cités Hervé Bazin Alain Fournier Jean Giono Victor Hugo Pierre Le-Tan Francis Picabia Louis-Ferdinand Celine Marcel Proust James Joyce Boris Vian Patrick Modiano Olivier Rolin Joris-Karl Huysmans Emmanuel Bove Michel Houellebecq Georges Perec Françoise Sagan Sylvia Plath Claire Brétecher Alison Bechdel Nathalie Sarraute Marguerite Duras Maria Larrea Georges Simenon … En conclusion de ce podcast, Stéphane Manel se prête au jeu du questionnaire lecture de Reading Wild pour nous délivrer quelques prescriptions littéraires, avant de lire à voix haute un extrait de « L'art moderne » d'Elie Faure, un livre qui lui rappelle le film culte "Pierrot le fou" de Jean-Luc Godard. Merci Stéphane pour ce voyage passionnant dans ta mémoire poétique, pleine d'images, de livres, de musique et de cinéma. Et big up à Gus pour sa participation attentive ;) A LIRE Monsieur Proust – Céleste Albaret, Dessins Stéphane Manel, Adaptation Corinne Maier ed. Seghers All the things you are – Stéphane Manel. Headbangers Publishing Memory Lines – Stéphane Manel. Headbangers Publishing Vous pouvez retrouver Stéphane Manel sur instagram @stephanemanel. Suivez-le! Ses dessins sont une dose de poésie quotidienne Photographie Stéphane Manel: © Francesca Mantovani/ Reading Wild --- Cet épisode 23 de Stay Wild Keep Reading a été enregistré au domicile de Stéphane Manel, à Paris --- jeudi 19 septembre 2022. A propos de ce podcast Abonnez-vous ici-même, sur iTunes, Spotify, Youtube ou via n'importe quelle application de podcasts. Tenez-vous au courant des prochains épisodes en nous suivant sur Twitter, Facebook ou Instagram @readingwild. Stay Wild Keep Reading est une production Reading Wild (www.readingwild.fr) présentée par Sylvia Minne

Dans ce premier épisode de la série Art & Collectif, L'Œil cacodylate, un tableau de Francis Picabia de 1921, une toile recouverte d'écritures et de signatures, nous emmène dans le tourbillon artistique du début des années folles. Dada enflamme le climat artistique parisien et Picabia, par cette œuvre étonnante, s'en fait le témoin. Mais l'écho est désormais séculaire et l'histoire semble avoir perdu la trace de certains et certaines artistes. Grâce à l'intervention de deux professeures de la Sorbonne, Agathe Mareuge et Anne Tomiche, nous (re)découvrons trois signataires, actrices oubliées de la scène artistique moderne : la poétesse Céline Arnault, la peintre Suzanne Duchamp et la théoricienne Gabrielle Buffet.Crédits :Réalisation : Delphine CoffinMontage : Théo AdauMixage : Ivan GarielVoix : Malika Berrichi et Florian HutterAvec la participation de Catherine Lascault, Agathe Mareuge et Anne TomicheHabillage sonore : Nawel ben Kraiem et Nassim Koussi Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

durée : 00:29:59 - Les Nuits de France Culture - Dans "Une oeuvre un portrait" en 1962, Philippe Soupault, le poète, disait ses poèmes des périodes Dada et surréaliste, parmi eux : "Litanies" et "Manifeste dada", (1ère diffusion : 19/09/1962 France III Nationale). En 1962, Philippe Soupault dans une émission consacrée à sa poésie, disait ses poèmes. Surréalisme, mouvement Dada, Soupault avait été à la naissance de ces grandes dates artistiques et révolutionnaires du vingtième siècle, et sa première lecture était, justement, Manifeste dada, il enchaînait avec Litanies (1920), dont voici le début : * André Breton n'est pas malade / Philippe Soupault est interné / Louis Aragon est fou / Th. Fraenkel est malade/André Breton est malade / Francis Picabia ressemble à Francis Picabia / Paul Eluard est malade / Philippe Soupault est mort/Aragon (Louis) n'est pas mort / Eluard a perdu sa montre / Tzara est à Paris... Et pour la suite du programme :  Poème cinématographique, indifférence, Les champs magnétiques : la glace sans tain, Georgia, Georgia, puis Georgia, crépuscule, Georgia, un deux ou trois, Etapes de l'enfer, déjà le matin, Sang, joie, tempête, la bouée, Odes, ode à Londres, L'arme secrète, poussière, Chansons, chanson pour les baptêmes, Chansons, au crépuscule, Sans phrase, pour ma fête, Sans phrase, quand on regarde une montre. Par Jacques Brenner et Roger Vrigny  Une oeuvre un portrait - Philippe Soupault (1ère diffusion : 19/09/1962 France III Nationale) Indexation web : Sandrine England, Documentation sonore de Radio France Archive Ina -Radio France

A SIN CAFÉ COMO EXCUSA ha venido la actriz y dramaturga Alicia Montesquiu quien nos presenta su función Las hermanas de Manolete en el Teatro Fernán Gómez de Madrid. ENTRE EL FOSO Y EL TELÓN vamos hasta el Teatro de la Zarzuela para ver Entre Sevilla y Triana y en DRAMEDIA recomendamos Silencio en el Teatro Español, Gérmen en la Sala Nave 73 y en la Sala Nueve Norte, La última noche. Entramos en EL CAMERINO de la Sala Plot Point, Radojka y LA APUNTADORA nos acerca a su arte gramático. En EL COMODÍN DE LA CLAQUETA desmigamos el estreno en cines de Belfast y en VERSO A VERSO conocemos a la poeta Ingeborg Bachman. Cerramos en LA DESPENSA DEL TIEMPO con la obra, Hera de Francis Picabia y en VERSIONANDO QUE ES GERUNDIO, Up where we belong de Joe Cocker y Jennifer Warnes. ¡TE ESPERAMOS!

Marie Laurencin is known for her lovely pastel dreamy paintings but she was also able to do something few female artists were able to do. Marie was accepted into the folds of the biggest artists of the time and held her own. Born on October 31, 1883 she showed very early, against her mothers wishes, a talent for art. At 18 she enrolled in the porcelain painting school at Sévres, much like Renoir started. The next year she joined the Humbert Academy and met fellow artists Georges Braque and Francis Picabia who led her into the art circles of Paris.  Gallery owner Clovis Sagot on Rue Laffitte gave Marie her first exhibition where she would meet Picasso, Delauney, Rousseau, Max Jacobs. and poet Guillaume Apollinaire. Marie inspired the struggling writer and served as his muse over their six year relationship. Her first painting she ever sold featured the poet surrounded by his friends, Picasso, Fernande Olivier, Stein, Gillot and Cremnitz and was purchased by Gertrude Stein. Spending a brief period in the Cubist and Fauvist movement she later named her style “nymphism”. Staying close to what she liked she used her favorite colors, pink, grey, blue and white and predominantly painted women and girls. As a child she would keep beads and ribbons in her pocket, always gravitating to pretty things. In the 20's & 30's she was commissioned to paint portraits of the Paris elite which she didn't like. Instead of painting them how they wanted to be seen, she painted them as she saw them. Chanel asked her to paint her and when it was complete she refused to pay her for it. As one that controlled her story and her image that was always seen through a filter she didn't like the stern look on her face. The painting would end up in the collection of Paul Guillaume and hanging in the Musée de l'Orangerie today. Marie's life story is greatly overshadowed by her many relationships but her art should never be forgotten. The airy dream like pastel paintings of dancing ladies always bring a smile to your face when they are discovered. More info and photos: https://www.claudinehemingway.com/paris-history-avec-a-hemingway-podcast-1Support Claudine on Patreon and get more of Paris and all her stories and benefits like discounts on her tours, custom history and exclusive content  https://www.patreon.com/bleublonderougefacebook https://www.facebook.com/BleuBlondeRougeInstagram https://www.instagram.com/claudinebleublonderouge/Join us every Sunday for a LIVE walk through Paris filled with history https://www.claudinehemingway.com/eventsSign up for the weekly Blue Blonde Rouge newsletter  https://view.flodesk.com/pages/5e8f6d73375c490028be6a76 Claudine Hemingway Bleu, Blonde, Rouge Author & historianPodcast La Vie Creative, Paris History Avec a Hemingway Hemingway tours of ParisClaudineHemingway.comIG @claudinebleublonderougeFB @bleublonderouge La VIe Creative - Paris History Avec a Hemingway podcast.New Every Monday And fSupport the show (https://www.patreon.com/join/Laviecreative)

Subscribe to Quotomania on Simplecast or search for Quotomania on your favorite podcast app!Tristan Tzara (born 1896, Moineşti, Rom.—died December 1963, Paris) was a Romanian-born French poet and essayist known mainly as the founder of Dada, a nihilistic revolutionary movement in the arts, the purpose of which was the demolition of all the values of modern civilization.The Dadaist movement originated in Zürich during World War I, with the participation of the artists Jean Arp, Francis Picabia, and Marcel Duchamp. Tzara wrote the first Dada texts—La Première Aventure céleste de Monsieur Antipyrine (1916; “The First Heavenly Adventure of Mr. Antipyrine”) and Vingtcinq poèmes (1918; “Twenty-Five Poems”)—and the movement's manifestos, Sept Manifestes Dada (1924; “Seven Dada Manifestos”). In Paris he engaged in tumultuous activities with André Breton, Philippe Soupault, and Louis Aragon to shock the public and to disintegrate the structures of language.In about 1930, weary of nihilism and destruction, he joined his friends in the more constructive activities of Surrealism. He devoted much time to the reconciliation of Surrealism and Marxism and joined the Communist Party in 1936 and the French Resistance movement during World War II. These political commitments brought him closer to his fellowmen, and he gradually matured into a lyrical poet. His poems revealed the anguish of his soul, caught between revolt and wonderment at the daily tragedy of the human condition. His mature works started with L'Homme approximatif (1931; “The Approximate Man”) and continued with Parler seul (1950; “Speaking Alone”) and La Face intérieure(1953; “The Inner Face”). In these, the anarchically scrambled words of Dada were replaced with a difficult but humanized language.From https://www.britannica.com/biography/Tristan-TzaraPreviously on The Quarantine Tapes:Ngũgĩ Wa Thiong'o about Tzara, at 04:50: https://quarantine-tapes.simplecast.com/episodes/the-quarantine-tapes-137-ngg-wa-thiongoFor more information about Tristan Tzara:“How to Make a Dadaist Poem”: https://www.writing.upenn.edu/~afilreis/88v/tzara.html“Tristan Tzara exhibition: the man who made dada”: https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/nov/28/dada-tristan-tzara-avant-garde-exhibition

Christine Oddo: "Mary Reynolds: Artiste surréaliste et amante de Marcel Duchamp" (Tallandier) "Gabriele" de Claire et Anne Berest (Stock 2017) Septembre 1908. Gabriële Buffet, une jeune femme de vingt-sept ans, indépendante, musicienne, féministe avant l'heure, rencontre Francis Picabia, un peintre à succès et à la réputation sulfureuse. Il avait besoin d'un renouveau dans son œuvre, elle est prête à briser les carcans : insuffler, faire réfléchir, théoriser. Elle devient « la femme au cerveau érotique » qui met tous les hommes à genoux, dont Marcel Duchamp et Guillaume Apollinaire. Entre Paris, New York, Berlin, Zurich, Barcelone, Étival et Saint-Tropez, Gabriële guide les précurseurs de l'art abstrait, des futuristes, des Dada, toujours à la pointe des avancées artistiques.  Ce livre nous transporte au début d'un XXe siècle qui réinvente les codes de la beauté et de la société. Choix musical: Tchaïkovski "concerto pour violon en ré majeur: le final" et  Rachmaninov "le finale (alla breve) du concerto numéro 3 en D mineur, Op 30"

“Georgia O'Keeffe“au Centre Pompidou, Parisdu 8 septembre au 6 décembre 2021Interview de Didier Ottinger,directeur adjoint du Musée national d'art moderne et commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 6 septembre 2021, durée 16'26.© FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :CommissariatDidier Ottinger, directeur adjoint du Musée national d'art moderne – Centre Pompidouassisté d'Anna Hiddleston-Galloni, attachée de conservation, collections modernes, Musée national d'art moderne – Centre PompidouLe Centre Pompidou présente la première rétrospective en France consacrée à Georgia O'Keeffe (1887 – 1986), l'une des plus grandes figures de l'art nord-américain du 20e siècle. Riche d'une centaine de peintures, dessins et photographies, l'exposition propose un parcours complet à travers sa carrière artistique. Disparue à 98 ans, Georgia O'Keeffe aura traversé l'essentiel des aventures esthétiques du siècle précédent. Dans les années 1910, elle appartient au cercle restreint des inventeurs du modernisme américain, puis participe, au cours des années 1930, à la recherche identitaire qui marque les États-Unis, avant de devenir dans les années 1960 une pionnière de la peinture abstraite « hard edge ».Cette exceptionnelle réunion d'oeuvres a été rendue possible grâce au soutien des principales collections privées et publiques internationales, principalement nord-américaines : Musée Georgia O'Keeffe de Santa Fe, MoMA, Metropolitan Museum de New York, Whitney Museum of American Art, Art Institute de Chicago, Musée Thyssen-Bornemisza de Madrid… Le parcours de l'exposition, délibérément fluide et ouvert, déroule chronologiquement la trajectoire artistique de Georgia O'Keeffe ; des premiers vertiges « cosmiques » que lui inspire l'immensité des plaines texanes en 1910, aux métropoles et aux paysages ruraux de l'État de New York des années 1920 – 1930, jusqu'au Nouveau-Mexique, où elle s'établitdéfinitivement après la Seconde Guerre mondiale.L'exposition s'ouvre sur un espace consacré à la Galerie 291, lieu déterminant dans la carrière artistique de Georgia O'Keeffe. Lors de ses études à l'Art Students League de New York en 1908, elle y découvre les artistes et mouvements novateurs de l'art moderne européen. Le photographe Alfred Stieglitz, co-fondateur de la galerie, organise entre autres les premières expositions américaines d'Auguste Rodin, Henri Matisse, Francis Picabia et Paul Cézanne.La Galerie 291 édite la revue Camera Work, dans laquelle Georgia O'Keeffe découvre la traduction d'un extrait du Spirituel dans l'art (1912) de Vassily Kandinsky. Elle se reconnaît dans l'esthétique du peintre russe, ancrée dans un symbolisme conciliant sentiment romantique de la nature et spiritualisme. Cette filiation revendiquée par O'Keeffe conduit l'historiographie américaine, Barbara Rose et Barbara Novak notamment, à placer son oeuvre dans la postérité du premier paysagisme américain incarné par Thomas Cole, Albert Bierstadt, Thomas Moran, ainsi qu'à la rattacher à l'enseignement « transcendentaliste » du philosophe Ralph Waldo Emerson et à la poésie de Walt Whitman.Alfred Stieglitz est le premier à exposer les dessins de Georgia O'Keeffe à la Galerie 291 ; un coup de foudre artistique, puis amoureux s'opère entre la jeune peintre et le photographe, qui consacrera dès lors chaque année une exposition aux oeuvres récentes d'O'Keeffe.Il associe à sa peinture les « plumes » les plus perspicaces de la critique de son temps, contribuant à sa reconnaissance publique et à conforter sa place sur un marché de l'art en pleine expansion. En 1929, elle est la première artiste femme à intégrer les expositions du MoMA nouvellement créé. Plus tard, elle est la première encore à qui les plus grands musées américains consacrent une rétrospective (Chicago en 1943, le MoMA en 1946). Pour la génération d'artistes féministes des années 1960, Georgia O'Keeffe fait figure de « brise-glace », elle ouvre la voie à la reconnaissance d'un art qui n'est plus nécessairement associé au genre de son auteur.Au-delà des peintures de fleurs qui ont fait sa renommée, l'exposition « Georgia O'Keeffe » au Centre Pompidou restitue à son oeuvre sa complexité et sa richesse iconographique. Des gratte-ciel de New York et des granges de Lake George aux ossements de bovins qu'elle rapporte de ses promenades dans les déserts indiens (Ram's Head, White Hollyhock-Hills, 1935), la peinture de Georgia O'Keeffe se réinvente au cours des décennies. Si l'inspiration végétale est un motif récurrent de l'artiste, l'exposition la replace dans une tradition qui s'enracine dans le grand sentiment de la nature hérité du romantisme historique. Réinventé par le panthéisme de l'écrivain D.H. Lawrence, il innerve l'oeuvre d'O'Keeffe et teinte d'érotisme ses paysages et motifs végétaux. Les publications qui accompagnent l'expositionGeorgia O'Keeffe / Catalogue de l'exposition / Sous la direction de Didier Ottinger / aux éditions du Centre Pompidou.Georgia O'Keeffe / Album de l'exposition / Sous la direction de Didier Ottinger et Anna Hiddleston-Galloni/ aux éditions du Centre Pompidou.Crée avec Georgia O'Keeffe ! / Jeunesse – Cahier d'activités / Autrice, Marina Muun / aux éditions du Centre Pompidou.L'instinct moderne / Écrits sur Georgia O'Keeffe / Auteurs, Collectif / aux éditions du Centre Pompidou.Georgia O'Keeffe | Amazone de l'art moderne / BD / Auteurs, Luca De Santis et Sara Colaone. Steinkis et Éditions du Centre Pompidou. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Today's Quotation is care of Tristan Tzara.Listen in!Subscribe to the Quarantine Tapes at quarantinetapes.com or search for the Quarantine Tapes on your favorite podcast app! Tristan Tzara (born 1896, Moineşti, Rom.—died December 1963, Paris) was a Romanian-born French poet and essayist known mainly as the founder of Dada, a nihilistic revolutionary movement in the arts, the purpose of which was the demolition of all the values of modern civilization.The Dadaist movement originated in Zürich during World War I, with the participation of the artists Jean Arp, Francis Picabia, and Marcel Duchamp. Tzara wrote the first Dada texts—La Première Aventure céleste de Monsieur Antipyrine (1916; “The First Heavenly Adventure of Mr. Antipyrine”) and Vingtcinq poèmes (1918; “Twenty-Five Poems”)—and the movement's manifestos, Sept Manifestes Dada (1924; “Seven Dada Manifestos”). In Paris he engaged in tumultuous activities with André Breton, Philippe Soupault, and Louis Aragon to shock the public and to disintegrate the structures of language.In about 1930, weary of nihilism and destruction, he joined his friends in the more constructive activities of Surrealism. He devoted much time to the reconciliation of Surrealism and Marxism and joined the Communist Party in 1936 and the French Resistance movement during World War II. These political commitments brought him closer to his fellowmen, and he gradually matured into a lyrical poet. His poems revealed the anguish of his soul, caught between revolt and wonderment at the daily tragedy of the human condition. His mature works started with L'Homme approximatif (1931; “The Approximate Man”) and continued with Parler seul (1950; “Speaking Alone”) and La Face intérieure(1953; “The Inner Face”). In these, the anarchically scrambled words of Dada were replaced with a difficult but humanized language.From https://www.britannica.com/biography/Tristan-Tzara For more information about Tristan Tzara:“How to Make a Dadaist Poem”: https://www.writing.upenn.edu/~afilreis/88v/tzara.html“Tristan Tzara exhibition: the man who made dada”: https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/nov/28/dada-tristan-tzara-avant-garde-exhibition

Nel 1977, il critico Douglas Crimp organizza a New York “Pictures”, una mostra che darà voce ad artisti post-ideologici come Jack Goldstein, Sherrie Levine e Robert Longo. In breve tempo, nella scena dell'arte contemporanea americana, emergono altri artisti con ispirazioni simili: Louise Lawler, Sarah Charlesworth, Richard Prince e Cindy Sherman. Ad accomunarli c'è il loro interesse per l'immagine fotografica e pubblicitaria: tutti troppo giovani per aver vissuto l'attivismo degli anni '60, troppo disillusi per cadere nella seducente trappola del consumismo. Nel 2009, saranno consacrati al Metropolitan Museum di New York nella mostra “The Pictures generation”.In questa puntata si parla di Douglas Crimp, Troy Brauntuch, Jack Goldstein, Sherrie Levine, Robert Longo, Philip Smith, Barbara Krueger, Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Sherrie Levine, Walker Evans, Marcel Duchamp, Lilli Gruber, Elaine Sturtevant, Louise Lawler, Hans Haacke, Benjamin Buchloh, On Kawara, Cindy Sherman, David Robbins, Julian Schnabel, William Gibson, Justin Trudeau, Diana Ross, Angela Merkel, Emmet Miller, Nick Tosches, Bob Dylan, Van Halen, Pete Molinari, Maria Goretti, Giordano Bruno Guerri, Jack Goldstein, Sarah Charlesworth, John Baldessari, David Salle, Francis Picabia, Peter Arno, Mickey Rourke, Mary Boone, Leo Castelli, Richard Prince, Clint Eastwood, Brooke Shields, Garry Gross, Alfred Stieglitz, Stefan Edlis, Gloria Guida, Lilli Carati e Greta Thunberg.

 Francis-Marie Martinez de Picabia le 22 janvier 1879 à Paris (2e arrondissement) et mort le 30 novembre 1953 dans la même ville, est un peintre, dessinateur et écrivain français, proche du mouvement dada, puis surréaliste.Francis Picabia est le petit-fils de Juan Martinez Picabia, né à Cuba, puis émigré à New York et Madrid et, côté maternel, d'Alphonse Davanne (1824-1912), chimiste et photographe, et président de la Société française de photographie. Son oncle, Maurice Davanne, est conservateur à la bibliothèque Sainte-Geneviève à Paris.Sa mère, Marie Davanne, meurt en 1886. Il fait ses études chez les maristes au collège Stanislas, puis au lycée Monge, à Paris. En 1894, voulant éprouver la vocation tôt manifestée de son fils, « Pancho » Picabia envoie, au Salon des artistes français, la toile de Francis intitulée Vue des Martigues. Le tableau ayant été non seulement accepté, mais primé, Picabia entre, après une scolarité compliquée, à l'École des arts décoratifs l'année suivante, où il sera l'élève de Wallet, Humbert et Cormon; mais il fréquente plus volontiers l'École du Louvre et l'Académie Humbert, où il travaille aux côtés de Georges Braque et de Marie Laurencin. L'année 1897 marque un tournant dans sa carrière : la découverte d'Alfred Sisley lui révèle l'impressionnisme, pour lequel son enthousiasme se renforce avec la rencontre de la famille Pissarro, en 1898. Il commence à exposer régulièrement au Salon des artistes français. C'est pour lui le début d'une période extrêmement féconde, qui durera dix ans ; les centaines de toiles qu'il peint alors, où l'influence impressionniste reste toujours plus ou moins sensible, sont propres à séduire le public : sa première exposition personnelle de 1905, à la galerie Haussmann à Paris, est un triomphe. Les tableaux exposés, étrangers aux nouvelles recherches plastiques, relèvent de l'imitation du « pur luminisme impressionniste »[réf. nécessaire] (Bords du Loing, 1905, Philadelphie, Museum of Art). Cependant, Picabia remet peu à peu en cause les valeurs plastiques qui lui valent son succès grandissant et, en 1908, sa rencontre avec Gabrièle Buffet — qui l'encourage à poursuivre de récentes recherches —, détermine la rupture avec l'impressionnisme comme avec ses marchands, rupture permise aussi par sa fortune personnelle. De 1903 à 1908, influencé par les peintres de Barbizon, il côtoie Alfred Sisley, Camille Pissarro et Marius Borgeaud. Son aquarelle Caoutchouc de 1909 (Musée national d'Art moderne, Paris), qui serait antidatée de 1907 et pourrait représenter des balles de caoutchouc, comme dans La Petite fille au ballon de 1908 de František Kupka, fut considérée plusieurs années plus tard, comme une des œuvres pionnières et fondatrices de l'art abstrait. À sa majorité, il prend possession de l'héritage maternel qui lui assure de confortables revenus. Sa première exposition personnelle (61 tableaux) est organisée en 1905 à Paris à la galerie Haussmann, chez Danthon, la suivante à Berlin à la Kaspar Kunstsalon. Il montrera ensuite ses œuvres à nouveau chez Danthon en 1907, puis à Londres, Munich, Barcelone. De 1905 à 1908, Picabia séjourne deux fois à Martigues et réalise de nombreux paysages de style impressionniste de la ville et de ses canaux. En 1909, il épouse Gabrièle Buffet, peut-être petite-nièce d'Alphonse de Lamartine[réf. nécessaire], petite-fille de l'amiral de Challié et descendante d'un frère de Jussieu, « l'homme qui rapporta le cèdre du Liban dans son chapeau », dixit Picabia[réf. nécessaire]. Une fille, Laure Marie Catalina, naît en 1910 ; un garçon, Pancho Gabriel François, en 1911. Ils auront encore une fille, Gabrielle Cécile, dite « Jeannine », en 1913, et un garçon, Vincente, né en 1919. À cette époque, il peint de manière très colorée à la manière des Fauves et fait ses premières incursions dans le domaine de l'abstraction. En 1911, il rejoint le groupe de Puteaux qui se réunissait dans le studio du peintre Jacques Villon, frère de Marcel Duchamp, qu'il a rencontré en 1910. Il devient aussi orphiste et crée en 1912, à Puteaux, le Salon de la Section d'Or, avant de connaître un premier succès international à l'exposition de l'Armory Show de New York, en 1913. Marqué par la Broyeuse de chocolat et le concept de ready-made de Marcel Duchamp, il confectionne, dès 1913, une série d'œuvres où il reprend l'esthétique du dessin industriel, recopiant ou simplifiant des images qu'il trouvait dans le magazine scientifique La Science et la Vie.

A visita a uma exposição relembrou-me aquilo que foi um dos movimentos mais absurdos da arte do século XX. Neste episódio de Uma Espécie de Podcast fala sobre o Dadaísmo com o foco em três artistas: Marcel Duchamp, Francis Picabia e Max Ernst.

Es erwartet dich eine weitere spannende Folge von The Happiness Insight – diesmal mit meinem zauberhaften Gast Greta Scheichenost.Greta ist Heil- und Sonderpädagogin und engagiert sich neben ihrem Job als Lehrerin im Bereich „Disability Awareness“. Vielleicht ist dir ja sogar ihr Social Media Projekt @undduso ein Begriff?! Auf diesem Instagram Profil portraitiere sie verschiedensten Menschen mit Behinderung und lässt sie ihre ganz individuellen Geschichten erzählen. Gretas Wunsch ist es, Begegnungspunkte für Menschen mit und ohne Behinderungen zu schaffen.In unserem Gespräch möchte ich herausfinden, was Inklusion für sie bedeutet und warum wir noch mehr Bewusstsein in unserer Gesellschaft schaffen müssen! Welche Werte sind Greta wichtig und was bedeutet eigentlich Glück? Über das und vieles mehr plaudern wir bei einer Tasse Kaffee und zwei Mikros, die vor uns stehen.Das schöne Zitat, das uns Greta mit auf unseren Weg gibt, lautet «Der Kopf ist rund, damit das Denken die Richtung wechseln kann» und stammt vom französischen Künstler Francis Picabia. Danke dafür!Viel Freude beim Zuhören und bis nächsten Donnerstag. Abonniere diesen Podcast oder schau mal bei thehappinessinstitute.at vorbei! Ich freu mich auf dich, Valerie COPYRIGHTS: Fotos by Charlie Scheichenost cscheichenost.com (Greta) & Marion Wagner dieida.com (Valerie) – SOUND: "Midnight Stroll [Relaxing Study Music]" by Ghostrifter Official / Creative Commons / Attribution-ShareAlike 3.0 Unported – CC BY-SA 3.0 Free Download / audiolibrary.com.co/ghostrifter-official/midnight-stroll Music promoted by youtube.com/watch?v=DHo1pPMvXdM

1968 phong trào nổi dậy của sinh viên Pháp, Paris như đang có chiến tranh. Lòng dạ nhạc sĩ Serge Gainsbourg như thiêu như đốt sau cuộc chia tay với Brigitte Bardot. Nhạc phẩm Je t’aime moi non plus ngủ yên trong ngăn kéo cho đến khi Gainsbourg tìm được người « chọn mặt gửi vàng » : người đó chính là Jane Birkin. Đã là « la plus belle chanson d’amour- bản tình ca đẹp nhất », bắt buộc Gainsbourg phải trao tặng ca khúc Je t’aime moi non plus cho người tình và ông đã nhanh chóng tìm thấy nửa còn lại của tâm hồn trong nụ cười, đôi mắt của cô đào Jane Birkin. Serge đã không nhầm, ông đã cùng Jane trải qua 12 năm dài hạnh phúc trong ngôi nhà số 5 đường Verneuil, quận 7 Paris. Hạnh phúc thuộc về người đến sau Nhạc sĩ Gainsbourg có với Jane Birkin một cô con gái là Charlotte và họ sống chung cả với Kate, con gái riêng của Jane Birkin. Birkin không hề mặc cảm là người đến sau, từ nhạc phẩm Je t’aime moi non plus đến ngôi nhà ở quận 7 Paris mà họ đang sống đều là những món quà mà Serge chủ ý dành riêng cho cô đào BB. Nhiều năm sau ngày Serge Gainsbourg qua đời, Jane Birkin kể lại : « Serge là người rất dễ thẹn thùng, có lẽ đó là lý do ông chọn đặt tên cho bài hát Je t’aime moi non plus. Tất cả mọi người đều nói đến sự nhút nhát của Serge, thậm chí kể cả Bardot. Đó là điểm thú vị khi giao tiếp với những người đàn ông nhút nhát ». Trong cuộc sống ngoài đời ông thẹn thùng, nhút nhát bao nhiều, thì ngược lại trong sáng tác, Serge Gainsbourg luôn tỏ ra phiêu lưu, mạo hiểm bấy nhiêu. Histoire de Melody Nelson Vào đầu thập niên 1970, Pháp dưới thời hai tổng thống Pompidou, rồi Giscard d’Estaing, Serge và Jane thu hút chú ý của công luận do họ đã đưa ra một hình ảnh hoàn toàn mới về tình yêu, về một gia đình với con chung, con riêng … Hơn thế nữa Jane Birkin và Serge Gainsbourg là hai nghệ sĩ đã dung hòa được cuộc sống gia đình và nghệ thuật : Họ thường xuyên đem hai cô con gái còn rất nhỏ đến phim trường, đưa chúng vào thế giới của Paris về đêm. Charlotte và Kate người chị cùng mẹ khác cha thường theo bố mẹ lui tới những phòng trà, hộp đêm, thế giới mà khói thuốc và rượu mạnh ngự trị … Trong làng giải trí, Jane và Serge rất độc lập với nhau. Gainsbourg tiếp tục khai mở những chân trời mới của nghệ thuật. Ông tìm tòi, thử nghiệm những thể loại âm nhạc mới và năm 1971 cho ra đời đĩa hát Histoire de Melody Nelson mà ở đó mỗi ca khúc đều được gắn liền với nhau bằng một sợi chỉ đỏ vô hình. Rất hạnh phúc với Jane, người tình trẻ thua ông đến gần 20 tuổi, Serge lại vừa tậu một chiếc Rolls Royce cho dù ông chưa từng có bằng lái xe và cũng chẳng có tài xế phục vụ… Lấy nguồn cảm hứng từ tác phẩm Lolita của nhà văn Nga Vladimir Nabokov, Gainsbourg nhả từng chữ khi kể lại câu chuyện của chính mình hay nói đúng hơn là « Câu chuyện của Melody Nelson », cô thiếu nữ « trải qua 14 mùa thu, 15 mùa hạ » và một người đàn ông đã đứng tuổi. Còn Jane Birkin khi đó là một nữ diễn viên điện ảnh đang lên. Không đẫy đà, nẩy lửa như Brigitte Bardot, lại có phong thái đôi hơi khô, cứng như nam giới nhưng cô gái xuất sứ từ Anh Quốc này không kém phần khêu gợi. Khuôn mặt dài với đôi gò má hơi cao, đôi môi hơi cong, thân hình mảnh mai, đôi chân hay mái tóc của Jane Birkin cũng đủ để không biết bao anh chàng « lạc lối thiên thai ». Jane thường xuyên chụp ảnh khỏa thân trên các bìa báo thời bấy giờ … « Một người về đỉnh cao, một người về vực sâu » Là nhạc sĩ đa tài và đa tình, Serge Gainsbourg khai thác hình ảnh gợi cảm đó của Jane để thổi một làn gió mới vào làng nhạc của Pháp. Sau album Histoire de Melody Nelson, clip và ca khúc Décadanse được trình làng. Tên ca khúc này được tác giả ghép từ hai chữ « décadence – suy đồi » và « danse – vũ điệu » cũng đã bắt công luận thời đó phải suy nghĩ nhiều không kém, tương tự như những Lolita go home, Sea Sexe and Sun… Mỗi tác phẩm ông đều sáng tác đều vì Jane và như để dành riêng cho giọng hát của Birkin. Nhưng ông biết rõ hơn ai hết « Danh vọng đến với Jane, đó sẽ là thời khắc tôi mất nàng ». Lời nói tiên tri. Jane Birkin trở thành một ngôi sao điện ảnh, một thần tượng của giới trẻ và Serge lún sâu vào ngục tối. Rượu và ma túy trở thành những người bạn đồng hành. Chúng đặt dấu chấm hết cho sau 12 năm Gainsbourg và Birkin tung hoành trên các sân khấu huyền thoại của Paris. Jane Birkin kể lại : 1980, họ chia tay nhau vào thời điểm đang thực hiện một đĩa hát với ca sĩ Julien Clerc. Sau một buổi thu âm, họ đưa nhau vào quán. Serge gọi rượu champagne đãi mọi người. Jane chán nản, lặng lẽ xách giỏ ra đi ». Ba năm sau, 1983 Serge Gainsbourg soạn riêng đĩa hát Baby Alone in Babylone, như một món quà muộn, như một lời tạ tội với Jane Birkin. Để lại hạnh phúc sau lưng Năm 2020 nhân dịp cho ra mắt cuốn hồi ký, Birkin kể lại : Serge đã soạn những ca khúc trong album này ở một « ton » rất cao như thách thức Jane, bắt bà khai thác đến tận cùng giọng hát. Tiếng hát của Jane Birkin chính là nỗi lòng thổn thức, là những tiếng khóc Serge Gainsbourg phát lên tự đáy lòng. Trong nhạc phẩm Fuir le Bonheur, Serge Gainsbourg lấy nguồn cảm hứng từ một câu nói của họa sĩ kiêm văn sĩ người Pháp Francis Picabia « hãy trốn chạy để hạnh phúc đừng chắp cánh bay đi » : Serge đã chia tay với Jane để không bao giờ đánh mất những năm tháng hạnh phúc được sống với bà.   Serge Gainsbourg đã hoàn tất album Baby Alone in Babylone trong vỏn vẹn 4 ngày, ông sáng tác thâu đêm. Serge mượn tiếng hát của Jane để nói lên nỗi đau của chính mình. Cũng Jane Birkin kể lại khi bà thu âm đĩa hát này, ở bên kia bức tường kính, Jane trông thấy người tình cũ bật khóc. Bà cũng không khỏi xót xa khi nhận thấy rằng 11 ca khúc trong đĩa hát Đơn côi giữa thành Babylone đều phảng phất lời trách móc người đã rũ áo ra đi. Cho nhau đến hơi thở cuối cùng Dù đã chia tay, Jane và Serge ở ngoài đời và trong nghệ thuật vẫn gắn bó với nhau hơn bao giờ hết. Khi đã đi thêm bước nữa, năm 1982, có con với người chồng sau là đạo diễn Jacques Doillon, Birkin mời Gainsbourg làm cha đỡ đầu cho Lou Doillon, cô con gái út của bà. Serge đã cùng Jane nuôi dậy Kate Barry, cô con gái cả bà đã có với nhà soạn nhạc người Anh, John Barry. Họ cùng sát cánh bên con gái Charlotte khi cô bước vào thế giới điện ảnh. Về phần Serge Gainsbourg gần như cho đến hơi thở cuối cùng ông liên tục sáng tác cho Jane Birkin. Vài tháng trước khi từ trần năm 1991, Gainsbourg và Birkin hoàn tất album cuối cùng Tình chết - Amours des feintes : một lần nữa Serge lại chơi chữ « défuntes » có thể dùng để chỉ những mối tình đã chết, nhưng « des feintes » viết hai chữ rời nhau có nghĩa là những cuộc tình « giả dối » … Bìa album này là một bức chân dung vẽ bằng mực tàu … tác giả chính là nhạc sĩ Serge Gainsbourg. Ông đã chấp bút trong một phòng điều trị ở bệnh viện… và ở chặng cuối này, người bạn đồng hành của ông là người mẫu Bambou. Bức chân dung người đàn bà trên bìa Amours des feintes là hình bóng của hai người đàn bà trong trái tim Gainsbourg khi đó : một nửa thuộc về Bambou nửa còn lại vĩnh viễn dành cho Jane.

Did you know that notes, explanations and photos are included with the transcripts? Download an example of the transcrip on www.cultivateyourfrench.co We are on holidays this week, we came back to the Jura region. Micaela, Felicia and Lisa were eagers to go to the Centre Equestre and ride horses. On Tuesday afternoon, Pietro and I went to the village of Etival for a botanical walk with the guide Eric Wolff. He’s a nature guide and we know him from last year. They were five of us to follow him to the Mont Paradis, a hill situated just outside the village. On the way, we regurlaly stopped to have a look at different shrubs with fruits.  Eric Wolff gave us some explanation about those fruits, but he also told us about some stories about the village. For example, the famous stay in Etival in 1912 of the painters Francis Picabia, Marcel Duchamps and the poet Guillaume Apollinaire. He also told us that the name Etival comes a word in latin that means « Summer » because a Roman legion was staying there every summer. We finally got on the Mont Paradis which used to be a pasture. This is where today’s episode starts.

O fruto das lentes de um dos fotógrafos mais icônicos do século 20 sob um ângulo desconhecido do público. Esse é o objetivo da exposição "Man Ray e a Moda", em cartaz no Museu de Luxemburgo, em Paris.  Pioneiro da fotografia de moda, Emmanuel Radnitsky – verdadeiro nome de Man Ray – chegou dos Estados Unidos na capital francesa no início dos anos 1920. A fotografia, que não era considerada uma arte pelo americano, não fazia parte de seus planos. Amigo de Marcel Duchamp, Jean Cocteau e Francis Picabia, seu objetivo era se dedicar à pintura.  Para Man Ray, a fotografia era apenas uma forma de sobreviver na Paris dos anos 1920. Não era à toa que ele se autodesignava um "fautographe", uma brincadeira com a palavra "faute" (erro, em francês) e "photographe" (fotógrafo). Para ser reconhecido como um artista, ele criou uma nova estética, levando o dadaísmo e o surrealismo para as revistas Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar, e conquistando grandes nomes da moda, como Paul Poiret, Gabrielle Chanel e Elsa Schiaparelli. Essa incessante busca para elevar a fotografia a seu conceito de arte também estimulou o americano a desenvolver e aplicar novas estéticas e técnicas em suas fotografias, como a "solarização" e a "reticularização", além da granulação e transposição de imagens – artíficios tão vanguardistas quanto valiosos, que continuam a influenciar o mundo da moda. "Man Ray inspira até hoje os estilistas, como Martin Margiela, por exemplo, atraído por esse lado surrealista de sua obra. Já dentro do universo da fotografia, ele criou astúcias em um tempo onde não havia Photoshop. Essas técnicas continuam sendo utilizadas pelos fotógrafos, mas digitalmente, através de programas. Man Ray fazia isso manualmente: ele foi um pioneiro dos efeitos", avalia a curadora da exposição e historiadora de moda, Catherine Ormen.  A conexão entre a cultura de massa e a arte abstrata atravessou as décadas e também continua a encantar o público. Para visitar a exposição no Museu de Luxemburgo, por exemplo, é necessária uma reserva prévia de bilhetes para evitar grandes aglomerações nas salas. Para vários dias da mostra, os horários já estão esgotados.  "Acho que o que encanta o público é simplesmente a magia que vem do surrealismo, que perturba a visão ordinária das coisas. É a descoberta de algo estranho. Além disso, a moda é algo que fala a todos, por isso o público dessa exposição é tão diversificado. Essa 'estranheza' nas fotografias de Man Ray não assusta e faz sonhar. Ele escapa da visão de documentarista das roupas para fazer algo que incita o sonho. Ele soube dar essa pincelada onírica às suas fotos", afirma Catherine Ormen. Várias das célebres obras de Man Ray estão expostas no Museu de Luxemburgo, como Preto e Branca, em que a companheira Kiki de Montparnasse posa ao lado de uma máscara; As Lágrimas, clicada para uma publicidade de maquiagem; Mulher com Cabelo Longo, além dos famosos retratos de Gabrielle Chanel e de Lee Miller, modelo e estagiária de quem Man Ray se tornou amante e que, mais tarde, teve uma brilhante carreira como fotógrafa de guerra. Para Emmanuelle de L'Ecotais, historiadora de arte e especialista na obra do americano, através das imagens, o artista conseguiu entrar no inconsciente coletivo. "Há algumas obras que Man Ray criou nos anos 20 que se tornaram ícones, que todo mundo conhece. Elas têm um impacto visual tão grande que até hoje funcionam extremamente bem. Acho que dois aspectos principais atraem o público: a força estética dessas imagens, mas também a profundidade – porque as fotos de Man Ray têm um sentido, não são apenas belas imagens. Há algo por trás do aspecto visual que é sempre muito intrigante e que cria uma espécie de fascinação", diz.  Mulher ocupa espaço central na obra de Man Ray A exposição no Museu de Luxemburgo também evidencia o espaço central da mulher na obra de Man Ray. Longe de ser um objeto, como para muitos fotógrafos de moda, as personagens do surrealista americano têm protagonismo e força. Segundo Emmanuelle de L'Ecotais, o artista acompanhou e foi influenciado pela liberação das mulheres.  "Ele vive nessa época, os anos 1920 em Paris, quando a situação da mulher está mudando: elas começam a usar calça, a fumar, a cortar os cabelos, têm Gabrielle Chanel como representante. E Man Ray era fascinado pelas mulheres e pela feminilidade. Então, ele tem essa vontade de valorizar a mulher. Em suas fotos, as personagens femininas não são consideradas como um objeto, mas são cultuadas, devido à sua fascinação e a seu amor incondicional." A exposição "Man Ray e a Moda" fica em cartaz no Museu de Luxemburgo, em Paris, até 17 de janeiro de 2021. 

Vous écoutez le dernier épisode de la première saison de Femmes d’art. Je tenais à vous remercier pour vos messages quotidiens et votre soutien depuis neuf mois, c’est ce qui me motive à continuer chaque semaine à aller à la rencontre de femmes passionnantes ! Je ne vous cache pas que j’ai déjà hâte d’être à la rentrée, pour partager avec vous de nouveaux entretiens et surtout, de nouveaux projets… Ce dernier épisode est la deuxième partie de l’entretien consacré à l’une de mes auteures préférées : Claire Berest. Si vous ne l’avez pas encore écouté, je vous invite à découvrir l’épisode 19 de Femmes d’art dans lequel Claire Berest me raconte son processus d’écriture de “Gabriële”, un roman consacré à son arrière grand-mère, Gabriële Buffet-Picabia, première femme du peintre Francis Picabia mais surtout, une figure importante de l’histoire de l’art du début du XXème. Dans cette deuxième partie, Claire Berest revient sur l’écriture de “Rien n’est noir” (Stock, 2019), son dernier roman publié l’année dernière, et consacré entièrement à Frida Kahlo, à travers son histoire d’amour avec le peintre Diego Rivera. Vous verrez, c’est passionnant ! Je ne vous en dis pas plus, le reste est dans l’épisode. Bonne écoute ! • Pour retrouver les romans de Claire Berest : www.editions-stock.fr/auteurs/claire-berest Rendez-vous aussi sur sa page Instagram : www.instagram.com/claireberest • Crédits : Femmes d’art est un podcast produit et réalisé par Marie-Stéphanie Servos Musique libre de droits www.femmes-dart.com www.instagram.com/femmesdart_ Contact : femmesdart@gmail.com

Grant Foster and I pick up where we left off, discussing connections between his work and J G Ballard's 1970 novel 'The Atrocity Exhibition'. Considering Ballard often referred to parallels with painters, it seems natural that an artist might return the gesture, drawing on this author to feed his own practice. In this episode, Grant talks about eternal life, use of the motif and painting as a sequence of gestures where reality is founded in the ideas which follow the forms.(Mixed Tapes is an introductory series recorded in lockdown with variations in audio quality.)   Notes and Links:   GRANT FOSTER - grantfoster.org (website) - foster_grant (instagram) - tintypegallery.com/artists/grant-foster (gallery)   BOOKS / TEXT - 'Ambit' magazine - 'The Cradle of Humanity: How the Changing Landscape of Africa Made us so Smart' by Daniel Lieberman - 'The Picture of Dorian Gray' by Oscar Wilde - 'The Yellow Wallpaper' by Charlotte Perkins Gilman - 'Apollo' magazine, article by Simon Grant - 'Thoughts on Doom' by Eleanor Hartney of AICA (aicainternational.com) - 'The Brothers Karamazov' by Fyodor Dostoevsky - 'Pattern Recognition' by William Gibson   GALLERIES - Lychee One ('I'm not being Funny' solo exhibition, 2019) - Transition Gallery ('A Stone in the Mountain' with Georgia Hayes, 2018) - Tintype Gallery ('Ground Figure Sky' solo exhibition, 2017)   PODCASTS - 'Weird Studies' with Phil Ford and J F Martel - 'Extinction Rebellion and the End of the World' hosted by Rana Mitter on 'BBC Arts & Ideas'   ARTISTS - Georgia Hayes b. 1946, Sigmar Polke 1941-2010, Andy Warhol 1928-1987, Max Ernst 1891-1976, Marcelle Duchamp 1887-1968, Francis Picabia 1879-1953, George Grosz 1893-1959, J W Turner 1775-1851, Albrecht Dürer 1471-1528 

Grant Foster selects 'The Atrocity Exhibition' by J G Ballard, first published by Jonathan Cape UK, 1970. Both artist and writer embrace in equal measure the freedom, fear and disappointment that results from the individual being a fragmented composition, vulnerable to manipulation and capable of dynamic reconfiguration. In hope and despair, Grant points out that there is the possibility that 'true form' can be found 'beneath the lie; beneath the sludge'. We discuss in detail, works from his exhibitions at Tintype, Lychee One and Transition Galleries, as well as the ideas, concerns and formal observations which shape his paintings.(Mixed Tapes is an introductory series recorded in lockdown with variations in audio quality.)   Notes and Links: GRANT FOSTER - grantfoster.org (website) - foster_grant (instagram) - tintypegallery.com/artists/grant-foster (gallery)   BOOKS / TEXT - 'Ambit' magazine - 'The Cradle of Humanity: How the Changing Landscape of Africa Made us so Smart' by Daniel Lieberman - 'The Picture of Dorian Gray' by Oscar Wilde - 'The Yellow Wallpaper' by Charlotte Perkins Gilman - 'Apollo' magazine, article by Simon Grant - 'Thoughts on Doom' by Eleanor Hartney of AICA (aicainternational.com) - 'The Brothers Karamazov' by Fyodor Dostoevsky - 'Pattern Recognition' by William Gibson   GALLERIES - Lychee One ('I'm not being Funny' solo exhibition, 2019) - Transition Gallery ('A Stone in the Mountain' with Georgia Hayes, 2018) - Tintype Gallery ('Ground Figure Sky' solo exhibition, 2017)   PODCASTS - 'Weird Studies' with Phil Ford and J F Martel - 'Extinction Rebellion and the End of the World' hosted by Rana Mitter on 'BBC Arts & Ideas'   ARTISTS - Georgia Hayes b. 1946, Sigmar Polke 1941-2010, Andy Warhol 1928-1987, Max Ernst 1891-1976, Marcelle Duchamp 1887-1968, Francis Picabia 1879-1953, George Grosz 1893-1959, J W Turner 1775-1851, Albrecht Dürer 1471-1528 

" Nuestra cabeza es redonda para permitir al pensamiento cambiar de dirección” (Francis Picabia, artista vanguardista francés). Cuando las cosas no suceden como esperaba ¿Cómo acostumbro a reaccionar? ¿Me adapto con facilidad o me descubro peleándome con la situación? ¿Cuánto tiempo/energía invertimos en resistirnos a eso que no es como deseábamos? Nueva sesión del Txoko de las Emociones con la psicóloga Karmele Gurrutxaga.

" Nuestra cabeza es redonda para permitir al pensamiento cambiar de dirección” (Francis Picabia, artista vanguardista francés). Cuando las cosas no suceden como esperaba ¿Cómo acostumbro a reaccionar? ¿Me adapto con facilidad o me descubro peleándome con la situación? ¿Cuánto tiempo/energía invertimos en resistirnos a eso que no es como deseábamos? Nueva sesión del Txoko de las Emociones con la psicóloga Karmele Gurrutxaga.

Agata Oleksiak and I virtually discussed: her cat Hank The universality of the visual language Being non binary / two spirited person If you have a creative gift, it is a sin to not pursue it Art fights Physical travel is not always necessary, we need to learn to travel in our minds Women pollute the world more than men The environmental effects of making art VR art  / Virtual reality art The next generation of collectors grew up with VR games, so VR art is a natural progression How the current art world is broken and ideas of how to change it in the future Artist statements The art world economic system Unionising artists Artists have been doing social distancing for centuries Everything is material to create art Big Magic: Creative Living Beyond Fear by Elizabeth Gilbert The benefits fo meditation Sam Harris Waking up app https://wakingup.com The differences between the American and European Art World The exhibition in Sweden that she exploded Her work with King Neptune statue at Virginia MOCA Marry a rich person to support your art production Making art should be fun The moment you get bored of making your own art you should start making some thing different Never say never Using social media as a platform to create digital art Instagram is a form of public art Why she works with the image of the penis Francis Picabia exhibition at MOMA The old jewish cemetery in Prague (place that wishes come true) https://www.instagram.com/oleknyc/ https://www.facebook.com/   Please be sure to visit our Patreon page and help support the podcast by being part of the conversation. The more money raised, the larger the global reach we can offer you: https://www.patreon.com/thewisefool For more information about the host, Matthew Dols http://www.matthewdols.com   Transcript available: https://wisefoolpod.com/transcript-for-episode-067-vr-artist-olek-nyc-poland/

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Avmätt humor. Intensiv själviakttagelse. Knivskarp page. Katarina Wikars tecknar ett porträtt av den brittiska författaren Jenny Diski (1947-2016). Dessutom: Klassikern om målningen Le juif errant av Francis Picabia. Om Jenny Diski så inte uppfann hybridgenren självbiografi och reseskildring så tillförde hon den en välbehövlig dos negativt tänkande. Sällan har väl en resenär varit så motvillig, att resa tusentals mil bort bara för att återigen kunna vara stilla någon annanstans. Som till Antarktis i På tunn is, eller i rökkupé genom USA i Främling på tåg. Och hon blir intressant nog aldrig kokett, kanske för att utanförskapet för henne var en överlevnadsstrategi, tidigt utkastad hemifrån av fullständigt inkapabla föräldrar. I Den sista resan varvar hon sin dagbok om cancerbehandlingarna och den förestående döden med minnena från tiden som fosterbarn hos Doris Lessing på 60-talet, en komplicerad relation som kantig löpte över femtio år. Katarina Wikars träffar bland andra litteraturvetaren Birgitta Holm och reseskribenten Anders Mathlein för att diskutera Diski. Uppläsare: Iréne Lindh och Ingela Olsson Översättare: På tunn is och Främling på tåg - Meta Ottosson, Den motvilliga resenären, Allt jag inte vet om djur och Den sista resan - Cecilia Franklin Att bli ignorerad av djur på deras eget territorium är en obeskrivlig ära - om elefanterna i Allt jag inte vet om djur. Det enda trygga avståndet till ens hem är det mycket stora ur Den motvilliga resenären. Dessutom: Klassikern av Mårten Arndtzén om målningen Le juif errant av Francis Picabia (1879-1953) en målning som förbryllat eftervärlden sedan 1941. Programledare: Gunnar Bolin Producent: Maria Götselius

1941 gjorde den franske konstnären Francis Picabia (1879-1953) en målning som förbryllat eftervärlden. På ytan hör den till avantgardisten Picabias enklare: en mörk man i en röd mantel, flankerad av en leende kvinna. Men 1941 var året då nazisternas planer på att förinta Europas judar tog form, och titeln i Picabias målning - Le Juif errant - anknyter till en medeltida legend med antisemitiska undertoner.Var Picabia antisemit? Varför hyllade han Pétain? Varför målade han i en stil som stämde med nazisternas smak, under ockupationen? Och vem är hans slitne vandrare i den röda manteln?Kulturredaktionens Mårten Arndtzén försöker räta ut frågetecknen kring en 75 år gammal bild.

In 1919, two competing art movements went head-to-head in Paris. One was the Return to Order, a movement about purity and harmony. The other was Dada, a movement about chaos and destruction. Their collision would change the trajectory of Western art. Hugo Ball established the Cabaret Voltaire in Zurich, where Dada came to life in February 1916. In this photo, he's dressed in his "magic bishop" costume. The costume was so stiff and ungainly that Ball had to be carried on and off stage. You can hear the entire text of Ball's "Karawane" on Youtube (https://www.youtube.com/watch?v=z_8Wg40F3yo). You can also read the text (https://poets.org/poem/karawane). Marcel Duchamp arrived in New York to a hero's welcome, a far cry from the disdainful treatment he was receiving in France. He was hailed for his success at the 1913 Armory Show, where his painting "Nude Descending a Staircase" was the hit of the show. "Nude Descending a Staircase" was considered radical art, but it was still oil paint on canvas. Duchamp would soon leave even that much tradition behind. Francis Picabia was handsome, rich, dashing, and about as faithful as an alley cat. That he wasn't court martialed for neglecting his diplomat mission to Cuba for artistic shenanigans in New York was entirely due to his family's wealth and influence. He was also well known in New York for his visit there during the Armory Show. Picabia abandoned traditional painting for meticulous line drawings of mass-produced items, including this work, titled "Young American Girl in a State of Nudity." Duchamp horrified New Yorkers when he presented "Fountain" to an art exhibit as a work of sculpture. A urinal may not seem particularly shocking now, but it violated any number of taboos in 1917. While "Fountain" is generally atttributed to Duchamp, it is possible, although by no mean certain, that it was actually created by the Baroness Else von Freytag-Loringhoven. A German ex-pat, she was creating art out of ready-made objects more than a year before Duchamp and lived her life as a kind of non-stop performance art. Whatever her role in "Fountain," she deserves to be better remembered as a pioneering modernist. After he returned to Europe, Picabia's art became less disciplined and more outlandish. He titled this ink-blot "The Virgin Saint." Picabia also published a Dadaist journal, in which he published this work by Duchamp. It's a cheap postcard of the "Mona Lisa" to which he added a mustache. The title "L.H.O.O.Q. is a pun in French; it sounds like "she has a hot ass." Tzara and other Dadaists in Paris devoted themselves to events and performances. This is a handbill for a "Festival Dada" that took place on May 26, 1920. Tzara and Picabia are listed as performing, along with several other prominent Dadaists including Andre Breton, Louis Aragon, and Paul Eluard. These evenings became increasingly frantic and nihilistic as Dada wore on. By 1919, Pablo Picasso part of the artistic establishment and no longer a radical on the edges of society. In 1911/1912, Picasso paintings looked like this--this is "Ma Jolie," a dense, complicated, frankly intimidating Cubist painting. Ten years later, he painted this work, Woman in White. With its clarity, beauty, and nods to tradition, it is a prime example of Picasso's embrace of neo-classicism after the Great War. The impulse to create clear, simple, ordered art existed in many European countries. In the Netherlands, Piet Mondrian worked in the Neoplasticist movement creating his iconic grid paintings. This is "Composition No. 2" from 1920. At the same time, in Germany the Bauhaus was established. As a school of arts and crafts, it taught a stripped-down, clean aesthetic that applied to everything from architecture to furniture design, industrial design to graphic design. This poster advertising a 1923 exhibition is a good example of Bauhaus design and typography. The Surrealist movement arose out of Dada's ashes in the mid- to late-1920s. It combined the traditional painting technique of neo-Classicism with the bizarre imagery of Dada. Salvador Dali's "Persistence of Memory," for example, is a technical masterpiece, with masterful execution. It's also impossible and, frankly, disturbing. T.S. Eliot's "The Waste Land" gives the impression of randomness, of lines picked out of a coat pocket. In fact, it is painstakingly constructed and shows as much technical skill as Dali's clocks. You can read the poem (https://www.poetryfoundation.org/poems/47311/the-waste-land), or listen to Alec Guinness read it (https://www.youtube.com/watch?v=Hcj4G45F9pw)--or maybe do both at the same time. This meme was created in 2013 by cartoonist KC Green. It captures the Dadaist attitude that shows up in popular culture a great deal here in 2019--a sense that the world is really weird right now. Please note that the links below to Amazon are affiliate links. That means that, at no extra cost to you, I can earn a commission if you click through and make a purchase. (Here's what, legally, I'm supposed to tell you: I am a participant in the Amazon Services LLC Associates Program, an affiliate advertising program designed to provide a means for me to earn fees by linking to Amazon.com and affiliated sites.) However, I only recommend books that I have used and genuinely highly recommend.

Expo: "LE CUBISME" / DU 17 OCTOBRE 2018 AU 25 FÉVRIER 2019 / Centre Pompidou Une traversée inédite de l’un des mouvements fondateurs de l’histoire de l’art moderne : le cubisme (1907-1917). Selon un parcours chronologique, quelque 300 pièces de Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Henri Laurens, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp... mettent en lumière la richesse, l’inventivité et le foisonnement de ce mouvement qui ne se limite pas uniquement à la géométrisation des formes et au rejet de la représentation classique, mais dont les recherches radicales et l’énergie créatrice de ses membres sont aux sources de l’art moderne. Avec le soutien exceptionnel du Musée national Picasso-Paris

Sólo hazlo. El famoso Just do it de Nike Temporada 2 - Empieza a tomar acción hoy - No retrasar las cosas - ¿Tardo menos de 3 minutos? Si puedes hacerlo en menos de 3 minutos hazlo ahora. Responder 3 emails. - Si tardas más añade día y hora en calendario - Te libera el cerebro - Hay que ser efectivo. Qué te acerca a tus objetivos. Qué no. Ver una serie de Netflix te acerca? Hagas lo que hagas, hazlo bien. Abraham Lincoln (1808-1865) Político estadounidense. Vale más hacer y arrepentirse, que no hacer y arrepentirse. Nicolás Maquiavelo (1469-1527) Historiador, político y teórico italiano. Mejor no hacer nada que hacer cualquier cosa. Francis Picabia (1879-1953) Pintor francés. Hay que hacer algo, pero no pensar en hacer algo. Francis Picabia (1879-1953) Pintor francés. Frases: http://www.proverbia.net/ Sígueme en Youtube: https://www.borjagiron.com/youtube Crear podcast como este en https://www.triunfacontublog.com/curso/crear-podcast/ Sobre el podcast El podcast “1 minuto podcast” se emite cada martes a las 7am de Madrid (España) y pretende dar consejos y trucos fáciles de aplicar para gente con iniciativa que quiera mejorar su vida y vivir de lo que le gusta. Sobre Borja Girón Ayudo a gente con iniciativa a cumplir sus sueños. En Periscope cada día. Podcast SEO PARA BLOGGERS y 1 minuto Podcast Más sobre mi en http://www.borjagiron.com/quien-soy/ MIS CURSOS https://www.triunfacontublog.com MIS LIBROS http://www.borjagiron.com/persuasion http://www.borjagiron.com/libros Dejar reseña en Apple Podcast: https://www.borjagiron.com/internet/como-escribir-resena-itunes-podcast-4-pasos/

Sólo hazlo. El famoso Just do it de Nike Temporada 2 - Empieza a tomar acción hoy - No retrasar las cosas - ¿Tardo menos de 3 minutos? Si puedes hacerlo en menos de 3 minutos hazlo ahora. Responder 3 emails. - Si tardas más añade día y hora en calendario - Te libera el cerebro - Hay que ser efectivo. Qué te acerca a tus objetivos. Qué no. Ver una serie de Netflix te acerca? Hagas lo que hagas, hazlo bien. Abraham Lincoln (1808-1865) Político estadounidense. Vale más hacer y arrepentirse, que no hacer y arrepentirse. Nicolás Maquiavelo (1469-1527) Historiador, político y teórico italiano. Mejor no hacer nada que hacer cualquier cosa. Francis Picabia (1879-1953) Pintor francés. Hay que hacer algo, pero no pensar en hacer algo. Francis Picabia (1879-1953) Pintor francés. Frases: http://www.proverbia.net/ Sígueme en Youtube: https://www.borjagiron.com/youtube Crear podcast como este en https://www.triunfacontublog.com/curso/crear-podcast/ Sobre el podcast El podcast “1 minuto podcast” se emite cada martes a las 7am de Madrid (España) y pretende dar consejos y trucos fáciles de aplicar para gente con iniciativa que quiera mejorar su vida y vivir de lo que le gusta. Sobre Borja Girón Ayudo a gente con iniciativa a cumplir sus sueños. En Periscope cada día. Podcast SEO PARA BLOGGERS y 1 minuto Podcast Más sobre mi en http://www.borjagiron.com/quien-soy/ MIS CURSOS https://www.triunfacontublog.com MIS LIBROS http://www.borjagiron.com/persuasion http://www.borjagiron.com/libros Dejar reseña en Apple Podcast: https://www.borjagiron.com/internet/como-escribir-resena-itunes-podcast-4-pasos/

Saranno con noi Enzo Pennetta per parlare di evoluzione, contemporaneità e Ufo e Marco Travaglini, dell'Atelier Spadolini di Riccione: chi era davvero Alberto Spadolini, allievo di Gabriele D'Annunzio?Apertura con la notizia della settimana in compagnia di Federica Francesconi e Paolo Franceschetti.EVOLUZIONE, DARWIN E INFORMAZIONE: ENZO PENNETTAPrimo ospite sarà Enzo Pennetta. biologo, insegnante di scienze naturali, si occupa di iniziative legate alla didattica delle scienze e di attività di formazione culturale. "Sono nato a Roma nel 1960 e ho conseguito nel 1984 la laurea in Scienze biologiche presso l’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, nello stesso anno ho iniziato a lavorare come insegnante. Nel 1989 ho conseguito una laurea in Farmacia, presso la stessa università “La Sapienza”. Spinto dall’interesse per la cultura umanistica oltre che scientifica, nel 1986 ho incontrato lo scrittore Stanislao Nievo (già vincitore del premio Campiello nel 1975 e del premio Strega nel 1989) col quale è nato un rapporto di stima e amicizia che ha poi portato alla collaborazione all’iniziativa dei “Parchi Letterari” e alla redazione del libro “I Parchi Letterari del ‘900” edito da Ricciardi e Associati. Con lo stesso Stanislao Nievo ho poi scritto a quattro mani il romanzo “Gli ultimi cavalieri dell’Apocalisse” edito da Marsilio nel 2004, un romanzo i cui protagonisti, un professore e un giornalista definiti “Due ricercatori d’oggi”, sono gli alter ego degli autori. Un incontro importante quello con Nievo, con un uomo che poteva considerarsi l’ultimo rappresentante di un’epoca passata, l’ultimo grande esploratore, un uomo di rara intelligenza spinto da un desiderio di conoscere che l’aveva portato a viaggiare come fotografo e giornalista per oltre 90 paesi del mondo, un ricercatore nel senso più ampio del termine. Come molti grandi naturalisti ed esploratori dell’800 e del ‘900, Nievo aveva cominciato a sognare l’Africa guardando gli animali dello Zoo e a pensare all’evoluzione osservando gli scheletri e le collezioni del Museo Civico di Zoologia. Ma era anche affascinato dall’antropologia e di questo ne sono testimoni gli oggetti da lui portati di ritorno dai numerosi viaggi, alcuni dei quali donati al Museo Etnografico Pigorini di Roma. Negli anni di questa decennale amicizia (Stanisalo Nievo è scomparso nel 2006), è cresciuto l’interesse per la ricerca e lo studio di argomenti che usualmente sono distanti, un interesse che mi ha portato a guardare in un modo “sintetico” realtà apparentemente estranee. Questo approccio ha comportato un “cambiamento di scala” nell’osservazione della realtà, un cambiamento di prospettiva che ha consentito di scorgere le fenomenologie studiate nel loro insieme permettendo di accostare ad esempio la teoria dell’evoluzione darwiniana alle politiche coloniali britanniche prima e successivamente alle politiche attuali verso il terzo mondo. Lo studio con una scala appropriata ha permesso inoltre di vedere una strana associazione di teorie scientifiche sulla vita extraterrestre, teorie di cui parlano qualificati esponenti della scienza quali Carlo Rubbia e Stephen Hawking, alle pratiche totalmente antiscientifiche del sottobosco dell’esoterismo ottocentesco fino alle sue propaggini settarie nel ’900. Da quest’ultimo studio è scaturito un saggio la cui finalità è quella di mostrare come possa insinuarsi nel pensiero comune una falsa scienza, e confondersi con quella vera, senza che spesso neanche gli addetti ai lavori si rendano conto del fenomeno. È nato così “Extraterrestri: le radici occulte di un mito moderno” (Rubbettino, 2011), scritto con Gianluca Marletta esperto di storia delle religioni e di esoterismo, che vuole essere un contributo per tutti coloro che rischiano di dare credito alla maschera pseudoscientifica indossata da antiche credenze esoteriche che hanno cercato di riciclarsi dietro il fenomeno UFO, un libro che intende mostrare l’operazione di “chirurgia plastica” che vuole spacciare l’anacronistico occultismo ottocentesco per misteriose e futuristiche tecnologie aliene. Extraterrestri vuole, in ultima analisi, essere un libro che aiuta a distinguere la vera e genuina ricerca scientifica di una eventuale forma di vita extraterrestre dalle fantasie pseudoscientifiche. Ad “Extraterrestri” è seguito: “Inchiesta sul darwinismo: come si costruisce una teoria. Scienza e potere dall’imperialismo britannico alle politiche ONU” (Cantagalli, 2011). “Inchiesta sul darwinismo” è una ricostruzione storica di come la teoria darwiniana si sia inserita non solo nel dibattito scientifico ma anche nella realtà sociale, antropologica e politica dall’ottocento giungendo ai giorni nostri, dando origine a quel complesso fenomeno che va sotto il nome generico di “darwinismo”. Si tratta di un lavoro che, come affermato prima, è stato possibile realizzare solamente effettuando un “cambiamento di scala”, analizzando cioè le componenti scientifica, antropologica e politica nella loro interazione. Questo sito vuole essere il luogo dove questo lavoro di studio “sintetico” viene ulteriormente esplicitato ed eventualmente completato, con la speranza che esso non generi contrapposizioni emotive o, peggio ancora, faziosità che nulla hanno a che vedere con un corretto confronto di idee. "E' autore anche di "Infamia. L'informazione tra manipolazione e repressione".CHI ERA DAVVERO ALBERTO SPADOLINI?Secondo ospite sarà Marco Travaglini dell'Atelier Spadolini. Chi era davvero Alberto Spadolini? "Alla morte di Alberto Spadolini, avvenuta a Parigi nel dicembre 1972, il suo appartamento sugli Champs-Elysées viene svaligiato. Di lui si perde ogni traccia finché nel 1978, nel corso di un trasloco, viene ritrovato uno scatolone contenente il suo Archivio: fotografie artistiche, disegni, documenti, articoli di giornali provenienti da tutto il mondo. Ci sono voluti parecchi anni di studi e ricerche per ricostruire la storia di Alberto Spadolini, dagli amici soprannominato Spadò. Alla metà degli anni ’20 è scenografo al Teatro degli Indipendenti di Anton Giulio Bragaglia luogo di riferimento della avanguardie artistiche italiane, a contatto con Giorgio De Chirico, Alberto Moravia e Ivo Pannaggi . In qualità di attore debutta nella commedia “Scalari e Vettori” di Umberto Barbaro (1928). Lo ritroviamo decoratore al Vittoriale di Gabriele D’Annunzio ; danzatore con Joséphine Baker e Serge Lifar; coreografo ammirato da Paul Valéry e Maurice Ravel; attore con Jean Marais e Jean Gabin ; cantante con Mistinguett e Tino Rossi; regista di documentari con Django Reinhardt e Suzy Solidor; pittore apprezzato da Jean Cocteau e Max Jacob ; scultore dallo stile michelangiolesco; restauratore nello studio esoterico di Jules Boucher; giornalista per la rivista parigina Le Sourire …. agente della Resistenza antinazista. Fra gli amici di Spadolini i registi Roberto Rossellini , Marc Allégret, Jean Renoir, il pittore Francis Picabia, il principe Felix Yussupov, l’uomo che osò assassinare il monaco Rasputin. Frequenta le più belle donne dell’epoca: l’attrice tedesca Marlene Dietrich , l’attrice francese Catherine Hessling moglie di Jean Renoir, la fotografa Dora Maar compagna di Pablo Picasso , la ballerina svedese Betty Bjurstrom che nel 1948 conquista il primo titolo di Miss Europa. Ha una tempestosa relazione sentimentale con Joséphine Baker con cui si esibisce al Casinò de Paris e al Prince Edward Theatre di Londra. Secondo alcune testimonianze Spadolini avrebbe continuato nel dopoguerra la sua attività di spionaggio a favore dei servizi segreti occidentali. La sua figura è rimasta semi-sconosciuta fino al 2005, quando il suo Archivio è stato presentato nel corso di numerose rassegne e festival. Nei suoi dipinti sono visibili riferimenti alla danza, all’esoterismo e alla sua terra natale. Negli anni ’60 Alberto Spadolini restaura la discoteca del Grand-Hotel di Rimini ed inaugura un Atelier a Riccione, recentemente riaperto al pubblico in occasione del 40º anniversario della scomparsa. Fra gli ammiratori di Spadò lo storico dell’arte Philippe Daverio che nel 2012 ha presentato la Rassegna alla Mole Vanvitelliana di Ancona e sir Elton John che nel 2017 ha esposto l’immagine di “Spadolini, danzatore con sfera in mano”, opera di Dora Maar, alla Tate Modern di Londra. Di prossima pubblicazione il romanzo ambientato fra New York – Parigi – Stoccolma dal titolo “La riscoperta di Alberto Spadolini” ed il documentario “Spadò il poeta della danza” dei registi Riccardo De Angelis e Romeo Marconi".IL CUORE OCCULTO DEL POTEREStefania intervista Giacomo Pacini, ricercatore di storia contemporanea, autore del libro "Il cuore occulto del potere. Storia dell'Ufficio Affari Riservati del Viminale". L'Ufficio Affari Riservati è stato per decenni il servizio segreto del Ministero dell'Interno: parliamo della sua attività di intelligence e polizia politica, del suo ruolo nel periodo della Strategia della tensione, e della sua figura chiave, il direttore Federico Umberto D'Amato.Completeranno la puntata la ruota libera con Paolo Franceschetti, l'angolo di Barbara Marchand e la scheda del Maestro di Dietrologia.per intervenire: redazione@bordernights.it

Saranno con noi Enzo Pennetta per parlare di evoluzione, contemporaneità e Ufo e Marco Travaglini, dell'Atelier Spadolini di Riccione: chi era davvero Alberto Spadolini, allievo di Gabriele D'Annunzio?Apertura con la notizia della settimana in compagnia di Federica Francesconi e Paolo Franceschetti.EVOLUZIONE, DARWIN E INFORMAZIONE: ENZO PENNETTAPrimo ospite sarà Enzo Pennetta. biologo, insegnante di scienze naturali, si occupa di iniziative legate alla didattica delle scienze e di attività di formazione culturale. "Sono nato a Roma nel 1960 e ho conseguito nel 1984 la laurea in Scienze biologiche presso l’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, nello stesso anno ho iniziato a lavorare come insegnante. Nel 1989 ho conseguito una laurea in Farmacia, presso la stessa università “La Sapienza”. Spinto dall’interesse per la cultura umanistica oltre che scientifica, nel 1986 ho incontrato lo scrittore Stanislao Nievo (già vincitore del premio Campiello nel 1975 e del premio Strega nel 1989) col quale è nato un rapporto di stima e amicizia che ha poi portato alla collaborazione all’iniziativa dei “Parchi Letterari” e alla redazione del libro “I Parchi Letterari del ‘900” edito da Ricciardi e Associati. Con lo stesso Stanislao Nievo ho poi scritto a quattro mani il romanzo “Gli ultimi cavalieri dell’Apocalisse” edito da Marsilio nel 2004, un romanzo i cui protagonisti, un professore e un giornalista definiti “Due ricercatori d’oggi”, sono gli alter ego degli autori. Un incontro importante quello con Nievo, con un uomo che poteva considerarsi l’ultimo rappresentante di un’epoca passata, l’ultimo grande esploratore, un uomo di rara intelligenza spinto da un desiderio di conoscere che l’aveva portato a viaggiare come fotografo e giornalista per oltre 90 paesi del mondo, un ricercatore nel senso più ampio del termine. Come molti grandi naturalisti ed esploratori dell’800 e del ‘900, Nievo aveva cominciato a sognare l’Africa guardando gli animali dello Zoo e a pensare all’evoluzione osservando gli scheletri e le collezioni del Museo Civico di Zoologia. Ma era anche affascinato dall’antropologia e di questo ne sono testimoni gli oggetti da lui portati di ritorno dai numerosi viaggi, alcuni dei quali donati al Museo Etnografico Pigorini di Roma. Negli anni di questa decennale amicizia (Stanisalo Nievo è scomparso nel 2006), è cresciuto l’interesse per la ricerca e lo studio di argomenti che usualmente sono distanti, un interesse che mi ha portato a guardare in un modo “sintetico” realtà apparentemente estranee. Questo approccio ha comportato un “cambiamento di scala” nell’osservazione della realtà, un cambiamento di prospettiva che ha consentito di scorgere le fenomenologie studiate nel loro insieme permettendo di accostare ad esempio la teoria dell’evoluzione darwiniana alle politiche coloniali britanniche prima e successivamente alle politiche attuali verso il terzo mondo. Lo studio con una scala appropriata ha permesso inoltre di vedere una strana associazione di teorie scientifiche sulla vita extraterrestre, teorie di cui parlano qualificati esponenti della scienza quali Carlo Rubbia e Stephen Hawking, alle pratiche totalmente antiscientifiche del sottobosco dell’esoterismo ottocentesco fino alle sue propaggini settarie nel ’900. Da quest’ultimo studio è scaturito un saggio la cui finalità è quella di mostrare come possa insinuarsi nel pensiero comune una falsa scienza, e confondersi con quella vera, senza che spesso neanche gli addetti ai lavori si rendano conto del fenomeno. È nato così “Extraterrestri: le radici occulte di un mito moderno” (Rubbettino, 2011), scritto con Gianluca Marletta esperto di storia delle religioni e di esoterismo, che vuole essere un contributo per tutti coloro che rischiano di dare credito alla maschera pseudoscientifica indossata da antiche credenze esoteriche che hanno cercato di riciclarsi dietro il fenomeno UFO, un libro che intende mostrare l’operazione di “chirurgia plastica” che vuole spacciare l’anacronistico occultismo ottocentesco per misteriose e futuristiche tecnologie aliene. Extraterrestri vuole, in ultima analisi, essere un libro che aiuta a distinguere la vera e genuina ricerca scientifica di una eventuale forma di vita extraterrestre dalle fantasie pseudoscientifiche. Ad “Extraterrestri” è seguito: “Inchiesta sul darwinismo: come si costruisce una teoria. Scienza e potere dall’imperialismo britannico alle politiche ONU” (Cantagalli, 2011). “Inchiesta sul darwinismo” è una ricostruzione storica di come la teoria darwiniana si sia inserita non solo nel dibattito scientifico ma anche nella realtà sociale, antropologica e politica dall’ottocento giungendo ai giorni nostri, dando origine a quel complesso fenomeno che va sotto il nome generico di “darwinismo”. Si tratta di un lavoro che, come affermato prima, è stato possibile realizzare solamente effettuando un “cambiamento di scala”, analizzando cioè le componenti scientifica, antropologica e politica nella loro interazione. Questo sito vuole essere il luogo dove questo lavoro di studio “sintetico” viene ulteriormente esplicitato ed eventualmente completato, con la speranza che esso non generi contrapposizioni emotive o, peggio ancora, faziosità che nulla hanno a che vedere con un corretto confronto di idee. "E' autore anche di "Infamia. L'informazione tra manipolazione e repressione".CHI ERA DAVVERO ALBERTO SPADOLINI?Secondo ospite sarà Marco Travaglini dell'Atelier Spadolini. Chi era davvero Alberto Spadolini? "Alla morte di Alberto Spadolini, avvenuta a Parigi nel dicembre 1972, il suo appartamento sugli Champs-Elysées viene svaligiato. Di lui si perde ogni traccia finché nel 1978, nel corso di un trasloco, viene ritrovato uno scatolone contenente il suo Archivio: fotografie artistiche, disegni, documenti, articoli di giornali provenienti da tutto il mondo. Ci sono voluti parecchi anni di studi e ricerche per ricostruire la storia di Alberto Spadolini, dagli amici soprannominato Spadò. Alla metà degli anni ’20 è scenografo al Teatro degli Indipendenti di Anton Giulio Bragaglia luogo di riferimento della avanguardie artistiche italiane, a contatto con Giorgio De Chirico, Alberto Moravia e Ivo Pannaggi . In qualità di attore debutta nella commedia “Scalari e Vettori” di Umberto Barbaro (1928). Lo ritroviamo decoratore al Vittoriale di Gabriele D’Annunzio ; danzatore con Joséphine Baker e Serge Lifar; coreografo ammirato da Paul Valéry e Maurice Ravel; attore con Jean Marais e Jean Gabin ; cantante con Mistinguett e Tino Rossi; regista di documentari con Django Reinhardt e Suzy Solidor; pittore apprezzato da Jean Cocteau e Max Jacob ; scultore dallo stile michelangiolesco; restauratore nello studio esoterico di Jules Boucher; giornalista per la rivista parigina Le Sourire …. agente della Resistenza antinazista. Fra gli amici di Spadolini i registi Roberto Rossellini , Marc Allégret, Jean Renoir, il pittore Francis Picabia, il principe Felix Yussupov, l’uomo che osò assassinare il monaco Rasputin. Frequenta le più belle donne dell’epoca: l’attrice tedesca Marlene Dietrich , l’attrice francese Catherine Hessling moglie di Jean Renoir, la fotografa Dora Maar compagna di Pablo Picasso , la ballerina svedese Betty Bjurstrom che nel 1948 conquista il primo titolo di Miss Europa. Ha una tempestosa relazione sentimentale con Joséphine Baker con cui si esibisce al Casinò de Paris e al Prince Edward Theatre di Londra. Secondo alcune testimonianze Spadolini avrebbe continuato nel dopoguerra la sua attività di spionaggio a favore dei servizi segreti occidentali. La sua figura è rimasta semi-sconosciuta fino al 2005, quando il suo Archivio è stato presentato nel corso di numerose rassegne e festival. Nei suoi dipinti sono visibili riferimenti alla danza, all’esoterismo e alla sua terra natale. Negli anni ’60 Alberto Spadolini restaura la discoteca del Grand-Hotel di Rimini ed inaugura un Atelier a Riccione, recentemente riaperto al pubblico in occasione del 40º anniversario della scomparsa. Fra gli ammiratori di Spadò lo storico dell’arte Philippe Daverio che nel 2012 ha presentato la Rassegna alla Mole Vanvitelliana di Ancona e sir Elton John che nel 2017 ha esposto l’immagine di “Spadolini, danzatore con sfera in mano”, opera di Dora Maar, alla Tate Modern di Londra. Di prossima pubblicazione il romanzo ambientato fra New York – Parigi – Stoccolma dal titolo “La riscoperta di Alberto Spadolini” ed il documentario “Spadò il poeta della danza” dei registi Riccardo De Angelis e Romeo Marconi".IL CUORE OCCULTO DEL POTEREStefania intervista Giacomo Pacini, ricercatore di storia contemporanea, autore del libro "Il cuore occulto del potere. Storia dell'Ufficio Affari Riservati del Viminale". L'Ufficio Affari Riservati è stato per decenni il servizio segreto del Ministero dell'Interno: parliamo della sua attività di intelligence e polizia politica, del suo ruolo nel periodo della Strategia della tensione, e della sua figura chiave, il direttore Federico Umberto D'Amato.Completeranno la puntata la ruota libera con Paolo Franceschetti, l'angolo di Barbara Marchand e la scheda del Maestro di Dietrologia.per intervenire: redazione@bordernights.it

The genre of “bad painting” is a slippery one. On this podcast, we discuss the label, which has been applied to a wide-ranging group of artists throughout the 20th and 21st centuries. What they share, wrote curator Eva Badura-Triska in an essay for the 2008 show “Bad Painting: Good Art” at the Museum of Modern Art in Vienna, is a refusal “to submit to artistic canons.” So what exactly does that mean? Though artists from Francis Picabia to Rene Magritte are among early practitioners of “bad painting,” can the label continue to exist today, when there are no singular artistic canons to reject?

In an era of fake news and alternative facts, what is the role of literature that blurs the line between fiction and non-fiction? Novelist Lynne Tillman has figured out one possible role. She's been writing art criticism for more than three decades, including criticism starring a fictional character named Madame Realism—a name that is itself a retort to the way women artists were marginalized and made invisible within the Surrealist movement. Tillman's Madam Realism stories encompass not only art itself but also the reactions that art inspires in the viewers around her character, as well as how the museum itself curates a viewing experience. In this episode, Tillman and writer Adam Colman visit the MoMA to discuss, in Tillman's associative way, an exhibit on French avant-garde artist Francis Picabia. Their conversation takes them from the birth of the avant-garde to the squareness of Paris to institutional critique until they are finally kicked out of the museum by security. In this episode you'll also hear Organist fan fiction from Moira Cassidy (as read by Garrett Stewart). Feature photo: Francis Picabia.  Optophone [I]. 1922. Ink, watercolor, and pencil on board, 28 3/8 × 23 5/8″ (72 × 60 cm). Kravis Collection. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: The Museum of Modern Art, John Wronn. Francis Picabia (French, 1879–1953). Très rare tableau sur la terre (Very Rare Picture on the Earth). 1915. Oil, metallic paint, pencil, and ink on board, with gold and silver leaf on wood, in a wood frame possibly constructed by the artist, 49 5/8 x 38 9/16 x 2 3/16″ (126 x 98 x 5.5 cm), with frame. The Solomon R. Guggenheim Foundation. Peggy Guggenheim Collection, Venice, 1976. © 2016 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris Francis Picabia. Tableau Rastadada (Rastadada Painting). 1920. Cut‑and‑pasted printed paper on paper with ink, 7 1/2 × 6 3/4″ (19 × 17.1 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Abby Aldrich Rockefeller by exchange. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: The Museum of Modern Art, Peter Butler Francis Picabia (French, 1879–1953). La Nuit espagnole (The Spanish Night). 1922. Enamel paint on canvas, 63 x 51 3/16″ (160 x 130 cm). Museum Ludwig, Cologne. Ludwig Collection. © 2016 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: © Rheinisches Bildarchiv Köln Francis Picabia. Espagnole (Espagnole à la cigarette) (Spanish Woman [Spanish Woman with Cigarette]). 1922. Watercolor, gouache, and pencil on paper, 28 3/8 × 20 1/16″ (72 × 51 cm). Private collection. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo courtesy Mercatorfonds Francis Picabia (French, 1879–1953). Les Amoureux (Après la pluie) (The Lovers [After the Rain]). 1925. Enamel paint and oil on canvas, 45 11/16 x 45 1/4″ (116 x 115 cm). Musée d'Art moderne de la Ville de Paris. © 2016 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: © Musée d'Art Moderne/Roger-Viollet Francis Picabia: Our Heads Are Round so Our Thoughts Can Change Direction Francis Picabia. Untitled (Espagnole et agneau de l'apocalypse [Spanish Woman and Lamb of the Apocalypse]). 1927/1928. Watercolor, gouache, ink, and pencil on paper, 25 9/16 × 19 11/16″ (65 × 50 cm). Private collection. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: Stephan Wyckoff Francis Picabia. Le Clown Fratellini (Fratellini Clown). 1937–38. Oil on canvas, 36 1/4 × 28 3/4″ (92 × 73 cm). Private collection. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris Francis Picabia. Aello. 1930. Oil on canvas, 66 9/16 × 66 9/16″ (169 × 169 cm). Private collection. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris Francis Picabia. L'Adoration du veau (The Adoration of the Calf). 1941–42. Oil on board, 41 3/4 × 30″ (106 × 76.2 cm). Centre Pompidou, Musée national d'art moderne – Centre de création industrielle, Paris. Purchase with assistance from the Fonds du Patromonie, the Clarence Westbury Foundation, and the Societé des Amis du Musée national d'art moderne, 2007. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo: © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN–Grand Palais/Art Resource, New York. Francis Picabia. La Révolution espagnole (The Spanish Revolution). 1937. Oil on canvas, 63 3/4 × 51 3/16″ (162 × 130 cm). Private collection. Courtesy Dominique Lévy Gallery and Michael Werner Gallery. © 2016 Artist Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. Photo courtesy Archives Comité Picabia

"It sounds such a simple business.. 'I changed my mind.' Subject, verb, object - a clear, clean action..."In five essays, the acclaimed author asks whether his point of view has changed over the years. Referring to historical characters and scenes from his own life, he first cites John Maynard Keynes and Francis Picabia. Then, what is the role of memory in all this?Producer Duncan Minshull.

As part of Radio 3's 70th celebrations, Julian Barnes - also 70 this year - on why and how he alters his views. Today a word about vacillation, uncertainty and of course - memory."It sounds such a simple business.. 'I changed my mind.' Subject, verb, object - a clear, clean action..."In five essays, the acclaimed author asks whether his point of view has changed over the years. Referring to historical characters and scenes from his own life, he first cites John Maynard Keynes and Francis Picabia. Then, what is the role of memory in all this?Producer Duncan Minshull.

1941 gjorde den franske konstnären Francis Picabia (1879-1953) en målning som förbryllat eftervärlden. På ytan hör den till avantgardisten Picabias enklare: en mörk man i en röd mantel, flankerad av en leende kvinna. Men 1941 var året då nazisternas planer på att förinta Europas judar tog form, och titeln i Picabias målning - Le Juif errant - anknyter till en medeltida legend med antisemitiska undertoner.Var Picabia antisemit? Varför hyllade han Pétain? Varför målade han i en stil som stämde med nazisternas smak, under ockupationen? Och vem är hans slitne vandrare i den röda manteln?Kulturredaktionens Mårten Arndtzén försöker räta ut frågetecknen kring en 75 år gammal bild.

1941 gjorde den franske konstnären Francis Picabia (1879-1953) en målning som förbryllat eftervärlden. På ytan hör den till avantgardisten Picabias enklare: en mörk man i en röd mantel, flankerad av en leende kvinna. Men 1941 var året då nazisternas planer på att förinta Europas judar tog form, och titeln i Picabias målning - Le Juif errant - anknyter till en medeltida legend med antisemitiska undertoner.Var Picabia antisemit? Varför hyllade han Pétain? Varför målade han i en stil som stämde med nazisternas smak, under ockupationen? Och vem är hans slitne vandrare i den röda manteln?Kulturredaktionens Mårten Arndtzén försöker räta ut frågetecknen kring en 75 år gammal bild.

The buzz: “It's a new dawn, it's a new day…I'm feeling good.” Bravo to your HR for offering employee health strategy programs! That means everyone is so healthy and fit that attendance and productivity are way up. Not so much? Perhaps they forgot to address how workforce behavior – do they WANT to improve their health habits – and circumstances impact illness prevention, or the importance of engagement, commitment and alignment among employer and insurer plan sponsors, healthcare providers and individual workerss. What now? The experts speak. Dr. Paul Tunnah, pharmaphorum: “Human behaviour flows from three main sources: desire, emotion and knowledge” (Plato). Michael Maniccia, Deloitte: “Habit is habit, and not to be flung out the window by any man, but coaxed down-stairs one step at a time (Mark Twain). Joe Miles, SAP:” Our heads are round so our thoughts can change direction” (Francis Picabia). Join us for The Behavior Side of Preventive Medicine: Workplace, Employees and Pharma.

The buzz: “It's a new dawn, it's a new day…I'm feeling good.” Bravo to your HR for offering employee health strategy programs! That means everyone is so healthy and fit that attendance and productivity are way up. Not so much? Perhaps they forgot to address how workforce behavior – do they WANT to improve their health habits – and circumstances impact illness prevention, or the importance of engagement, commitment and alignment among employer and insurer plan sponsors, healthcare providers and individual workerss. What now? The experts speak. Dr. Paul Tunnah, pharmaphorum: “Human behaviour flows from three main sources: desire, emotion and knowledge” (Plato). Michael Maniccia, Deloitte: “Habit is habit, and not to be flung out the window by any man, but coaxed down-stairs one step at a time (Mark Twain). Joe Miles, SAP:” Our heads are round so our thoughts can change direction” (Francis Picabia). Join us for The Behavior Side of Preventive Medicine: Workplace, Employees and Pharma.

Wizard Academy is now 16 years old.If we could find her birth certificate, we'd take her down to the DMV to get her driver's license and then she could sport about town in Rocinante (above,) the only vehicle she owns. They grow up so fast. When Wizard Academy is 30, I'll be 72. At least I hope I'll be 72. Not everyone who attempts to hike to that mile marker gets there. Will you help us take the impossible dream of Wizard Academy forward into the future? Wizard Academy was launched by accident and grew through the addition of self-selected insiders, as did the Tuesday Group of Stéphane Mallarmé (1880 – 1897,) the Algonquin Round Table of midtown Manhattan (1919 – 1927,) and the artistic salon of Gertrude Stein (1913 – 1939.) The difference between our Academy and theirs is that: 1. our group became an official 501c3 educational organization and built a permanent campus, and 2. we are not artists who love business, but business people who love art: music and paintings and sculpture and photography and movies and literature and whatever you like that we didn't mention. “When bankers get together for dinner, they discuss Art. When artists get together for dinner, they discuss Money.” – Oscar Wilde, of the Tuesday Group Wizard Academy is here to stay. And if you're reading this, I'm fairly certain you belong here. You will be amazed, energized, entertained and encouraged by the people you meet. You will gain insights that make you profoundly more successful.The Tuesday Group (Les Mardistes) of Stéphane Mallarmé included writers like André Gide, Paul Valéry, Oscar Wilde, Paul Verlaine, Rainer Maria Rilke and W.B. Yeats, along with painters like Renoir, Monet, Degas, Redon, and Whistler. Also to be found among them was the quintessential sculptor, Rodin. Everyone who knew about the Tuesday Group, came. The Algonquin Round Table was a self-selected group of writers, editors, actors, and publicists – about 30 in all – that met for lunch on a regular basis at the Algonquin Hotel a block from Times Square. There hasn't been another group quite like them in American popular culture or entertainment until now. Just visit the Toad and Ostrich pub in the tower at Wizard Academy any Friday afternoon at 4. The gatherings in the Stein home on Saturday evenings brought together confluences of talent and thinking that would help define modernism in literature and art. According to Gertrude Stein, the gatherings began by accident when, “more and more frequently, people began visiting to see the Matisse paintings—and the Cézannes. Matisse brought people, everybody brought somebody, and they came at any time and it began to be a nuisance, and it was in this way that Saturday evenings began.” (Interestingly, that's also why Pennie Williams launched Wizard Academy.) Self-selected insiders included Pablo Picasso, Henri Matisse, Ernest Hemingway, F. Scott Fitzgerald, Sinclair Lewis, Guillaume Apollinaire, Georges Braque, Thornton Wilder, Sherwood Anderson, Francis Cyril Rose, René Crevel, Élisabeth de Gramont, Francis Picabia, Claribel Cone, Mildred Aldrich and Carl Van Vechten. A visit to Wizard Academy is like a wonderful vacation in a foreign country. Few people come here only once.Did you know that you have a vacation home high on a plateau in central Texas where rabbits and deer wander the campus, wine flows freely and wedding bells ring 3 times a day? Come. Let your eyes be opened to answers that have been staring you in the face. Roy H. Williams

The buzz: “It's a new dawn, it's a new day… and I'm feeling good.” We know prevention is better than cure. But without a systematic approach, it is still up to each of us to decide whether we choose to live healthy or not. Now consider this: If life sciences companies would make prevention a core competency, then physicians, insurers, patients and pharma companies should be able to work together to broadly improve prevention and create a win-win for ‘every body'. But how? The experts speak. Dr. Paul Tunnah, pharmaphorum media: “An apple a day keeps the doctor away” (Rustic Speech and Folk-lore, 1913). Ralph Marcello, Deloitte: “Health is like money, we never have a true idea of its value until we lose it (Josh Billings). Subhro Mallik, Infosys: “An ounce of prevention is worth a pound of cure” (Benjamin Franklin). Joe Miles, SAP: Our heads are round so our thoughts can change direction” (Francis Picabia). Join us for Pharma and Preventive Medicine: Future or Failure?

The buzz: “It's a new dawn, it's a new day… and I'm feeling good.” We know prevention is better than cure. But without a systematic approach, it is still up to each of us to decide whether we choose to live healthy or not. Now consider this: If life sciences companies would make prevention a core competency, then physicians, insurers, patients and pharma companies should be able to work together to broadly improve prevention and create a win-win for ‘every body'. But how? The experts speak. Dr. Paul Tunnah, pharmaphorum media: “An apple a day keeps the doctor away” (Rustic Speech and Folk-lore, 1913). Ralph Marcello, Deloitte: “Health is like money, we never have a true idea of its value until we lose it (Josh Billings). Subhro Mallik, Infosys: “An ounce of prevention is worth a pound of cure” (Benjamin Franklin). Joe Miles, SAP: Our heads are round so our thoughts can change direction” (Francis Picabia). Join us for Pharma and Preventive Medicine: Future or Failure?

In relation to the exhibition with German painter Anton Henning at Magasin 3 in 2012, Olle Granath, former Director of the Moderna Museet, and the National Museum, gives us a a close portrait of the charismatic artist Francis Picabia (1879-1953). Picabia, close friend to Duchamp, was a restless pioneer in Dada, constantly striving for total artistic freedom, while challenging the good taste with his nude portraits. With approval from the Dance Museum we also showed Entr’acte by René Clair, the classic film from 1924 in the transitional period between Dada and Surrealism. Olle Granath is a critic, writer and a recognized figure in the Swedish art scene. He was previously head of the Museum of Modern Art (1980-1989), Director of the National Museum and art director of the National Museum (1989-2001), Granath is an honorary member of the Academy of Arts since 1987 and author of books on Swedish and Nordic artists including The dog’s Vision: explorations of contemporary life (2008). Recorded November 8, 2012 at Magasin 3, Stockholm Language: Swedish

In relation to the exhibition with German painter Anton Henning at Magasin 3 in 2012, Olle Granath, former Director of the Moderna Museet, and the National Museum, gives us a a close portrait of the charismatic artist Francis Picabia (1879-1953). Picabia, close friend to Duchamp, was a restless pioneer in Dada, constantly striving for total artistic freedom, while challenging the good taste with his nude portraits. With approval from the Dance Museum we also showed Entr’acte by René Clair, the classic film from 1924 in the transitional period between Dada and Surrealism. Olle Granath is a critic, writer and a recognized figure in the Swedish art scene. He was previously head of the Museum of Modern Art (1980-1989), Director of the National Museum and art director of the National Museum (1989-2001), Granath is an honorary member of the Academy of Arts since 1987 and author of books on Swedish and Nordic artists including The dog’s Vision: explorations of contemporary life (2008). Recorded November 8, 2012 at Magasin 3, Stockholm Language: Swedish

Programmet är en repris från 2008 I veckans STIL uppmärksammar vi en svensk man som kom att bli världsberömd genom sitt banbrytande sätt att blanda konst, dans, kostym och musik, Rolf de Maré (1888-1964). Och det gjorde han i Paris 1920 då han engagerade dåtidens mest nyskapande konstnärer, musiker, poeter och koreografer med syfte att skapa ett slags allkonstverk.  Fernand Léger, Nils Dardel, Francis Picabia , Erik Satie, Jean Cocteau, Rene Clair  fick här stort svängrum att prova nya idéer. Det kom att få namnet Ballet Suedois, eller som vi säger här –  Svenska Baletten. Mellan 1920-1925 var den det mest avantgardistiska man kunde se och höra på en scen. Inspiration kom från den banbrytande dansensemblen Ryska baletten, men Svenska Baletten gick faktiskt ännu längre i sin experimentlusta. Rolf de Maré var vida uppskattad internationellt, men här i Sverige blev han hånad och utsatt för grov förföljelse i pressen. Han var öppet homosexuell, och det ansågs inte lämpligt. Inte enbart för att homosexualitet avkriminaliserades först 1944. Att Rolf de Maré hade skapat en dansgrupp kring sin unge älskare, koreografen och dansaren Jean Börlin, ansågs upprörande. Rolf de Maré slog in på den konstnärliga banan genom att börja samla modern, samtida konst. Det kunde han göra då hans mormor var den förmögna grevinnan Wihelmina von Hallwyl. Om henne berättar vi också i programmet. Inte minst fick Rolf de Maré hjälp att orientera sig i konstvärlden av sin gode vän konstnären Nils Dardel. Hans barnbarn, konstnären Henry Unger berättar om hur livet hos Rolf de Maré i Paris kunde te sig. Rolf de Maré lanserade dessutom världens första modemagasin för män, Magasin Monsieur. Om hur man klär sig som en gentleman pratar vi med de nya svenska modeskaparna Our Legacy. Veckans gäst är Erik Näslund, chef för Dansmuseet i Stockholm och författare till den nya biografin Rolf de Maré,  Konstsamlare – Balettledare – Museiskapare.

Chris Ofili spielt mit etablierten Repräsentationsweisen. Er adaptiert stereotype Vorstellungen von Identität, Herkunft und Aussehen, spickt diese mit unterschiedlichen Bezügen und Motiven und schafft durch die künstlerische Transformation ein neuartiges, hybrides Menschenbild. Er schöpft dabei aus den disparatesten Quellen wie Pornografie, christlicher Ikonografie, griechischer Mythologie, afrikanischer Höhlenmalerei, 1970er Motivik aus der Populärkultur sowie von Künstlern wie David Hammons, Francis Picabia, Pablo Picasso und den Bildkonzepten der Moderne. Die Technik der Adaption und Transformation von Motiven, Repräsentationen und bildhaften Vorstellungen kann mit dem Konzept des Samplings erklärt werden, welches in der schwarzen Tradition und vor allem im HipHop fest verankert ist. Die Technik des Samplings zielt nicht allein auf die reine Kopie von Bildern und Geschichten. Stattdessen wird sie als künstlerisches Konzept eingesetzt, um mit dem Akt des Aneignens und Übersetzens von fremden Dingen in die eigene künstlerische Gegenwart gebräuchliche Traditionen und Konventionen zu manipulieren. Diese Technik macht sich der afro-britische Künstler Chris Ofili für seine Bilder, Skulpturen und Zeichnungen sowie für seine Selbstinszenierung als kreative Person zu Eigen. Mit der subversiven Kulturtechnik des Samplings wird ein alternativer Raum geschaffen für eine neuartige Kreativität aus der Marginale, ein Raum für eine neue Sprache und letztlich für eine neue Art der Repräsentation. Chris Ofili nimmt durch den Einsatz dieser künstlerischen Strategien eine selbstbewusste Stellung innerhalb der immer noch mehrheitlich von Weißen dominierten Kunstwelt ein und artikuliert ein komplexes Menschenbild, das ungezwungen aus allen möglichen Bezügen der Welt eine neuartige Identität schöpft und nicht mehr einer veralteten Idee von Authentizität nacheifert. Die Doktorarbeit Strategien der Repräsen-tation – Chris Ofili und das Konzept des Samplings setzt sich zum Ziel, Sampling als Technik des Aneignens und Transformierens am Werkbeispiel von Ofili zu erarbeiten. Dabei wird die Traditionslinie dieser kulturellen Produktionstechnik in seiner Entstehung nachgezeichnet und mit kultur-theoretischen Ansätzen in Anlehnung an Stuart Hall, Homi Bhabha sowie Franz Fanon als Strategie zur Artikulation von neuen Repräsentationsformen vorgestellt. Diese Strategie wird im Folgenden paradigmatisch erläutert. Chris Ofili ist 1968 in Manchester geboren. Seine Eltern kommen aus Nigeria und sind kurz vor Ofilis Geburt nach England immigriert. Ofili kennt Afrika nur aus den Erzählungen seiner Eltern, bis er 1993 an einem Austauschprogramm nach Zimbabwe teilnimmt, wo er zum ersten Mal eine persönliche Beziehung und ethnische Bezugslinie zu Afrika aufgebaut hat. In Zimbabwe stößt Ofili auf Elefantendung als gestaltendes/gestaltbares Material sowie auf historische Höhlenmalereien in den Matopos Bergen. Diese starken Prägungen ziehen sich wie ein roter Faden durch das frühe Werk. Insbesondere die Entdeckung der animalischen Exkremente als Medium der Malerei wurde in der Folge in vielen Texten zu Ofili als Schlüsselelement gern aufgegriffen und letztendlich zu einer Art Mythos stilisiert, mit dem dann auch Ofili seinerseits selbst zu spielen beginnt. In einem Gespräch mit Godfrey Worsdale 1998 etwa deutet der Künstler an, dass die Geschichte aus Zimbabwe vielleicht von ihm einfach nur erfunden worden sei.1 1993 wiederum veranstaltet er sogenannte Shit Sales. Die Performance ist eine Anspielung auf den afro-amerikanischen Künstler David Hammons, der 1983 am Cooper Square in New York einen sogenannten Bliz-aard Ball Sale veranstaltet und dabei Passanten Schneebälle zum Kauf angeboten hatte, wie Ofili selbst erklärt: „I was sampling David Hammons' Snowball Sale. I called it Chris Ofilis Shit Sale.“2 Ofili übernimmt das Konzept jedoch nicht 1:1 von Hammons, sondern transformiert es für seine eigenen künstlerischen Zwecke um, und zwar ironischerweise als „an attempt to get a direct response to elephant shit.”3 Denn anstatt Schnee stellt er Köttel aus Elefantenkot aus, ohne sie zum Verkauf anzubieten. „Odder still, a number of people regarded Ofili himself as the work.“4 Die Reaktionen auf die Shit Sales veranlassen Ofili, unverblümt mit den Vorurteilen gegenüber seiner Kunst beziehungsweise den Erwartungen des Publikums selbst zu spielen: It's what people really want from black artists. We're the voodoo king, the voodoo queen, the witch doctor, the drug dealer, the magicien de la terre. The exotic, the decorative. I'm giving them all of that, but it's packaged slightly differently.5 Dieses Zitat verdeutlicht, dass und wie Ofili Klischees, Motive und nicht zuletzt das Image des schwarzen Künstler gezielt spielerisch inszeniert. Ofili präsentiert sich in dieser Zeit bei seinen öffentlichen Auftritten häufig als Ghetto-Legende, ausstaffiert mit einem riesigen Afro-Haarschnitt und einem Shit Joint im Mund. Diese Form der Selbstinszenierung ist jedoch Teil einer künstlerischen Strategie, mit der Ofili gezielt die Resonanz des Publikums und auch die Interpretation seiner Kunst aktiv beeinflussen und in eine bestimmte Richtung lenken will. Nicht nur in seinen Bildern tauchen vermehrt Stereotype über Schwarze auf. Besonders zu Anfang seines künstlerischen Werdegangs zelebriert Ofili geradezu genüsslich die Zurschaustellung von Klischees und setzt medienwirksam auch seine eigene Person und Kunst in Szene. Er artikuliert sein eigenes Menschenbild indem er vordefinierte Merkmale adaptiert und in seiner Kunst transformiert. Die Technik des Samplings wurde bei den Shit Sales evident, die Hammons zitieren, zieht sich aber als Konzept durch das Gesamtwerk Ofilis. Der Künstler sampelt Themen, Motive und Materialien wie beispielsweise Elefantendung, die aus den vielfältigsten und gegensätzlichsten Bereichen stammen, um einen Akt der Transformation zu erzeugen. Er löst das Material und die Motive seiner Werke aus ihrem ursprünglichen Zusammenhang und provoziert beim Betrachter durch ihre ungewöhnliche Zusammenstellung einen Effekt der Verfremdung im Brecht'schen Sinne. Brecht hat dieses Stilmittel im epischen Theater eingesetzt, um bekannte und gewohnte Sachverhalte in einem neuen Licht erscheinen zu lassen und somit gesellschaftliche und historische Widersprüche aufzudecken. Die Verfremdung fungiert dabei als didaktisches Prinzip, das den Rezipienten durch eine distanzierte Darstellung gegen Illusion und vorschnelle Identifikation sensibilisiert und Neuem vorarbeitet. Chris Ofili beschreibt den für den Rezipienten aus der Verfremdung resultierenden Zustand mit prägnanten Worten: „[Y]ou can't really ever feel comfortable with it.“ Mit Gegensätzen und Widersprüchen in seiner Materialwahl sowie Motivik stellt Ofili die Frage nach dem vermeintlichen Realitätsgehalt von Bildern sowie nach der Diskrepanz zwischen Bild und Abbild. Dabei setzt er die Strategie des Samplings als eine Form der Aneignung und Transformation kultureller Bestände in seiner Kunst und zur Darstellung seiner eigenen Person ein und funktionalisiert diese Technik subversiv zur Etablierung eines neuen (Menschen-)Bildes um. 1 „The general mythological construction of Chris Ofili's identity has been brought about by a colluding media and is based in large part on the widely reported anecdote which tells of his first trip to Africa and his discovery there of ele-phant dung. The artist joked once that the whole story had been made up, it would not matter greatly if it had been, Ofili had realised that the encapsulation of an artist in a quickly recountable tale can be instrumental in the promulgation of the artistic personality.” Zitiert nach: Worsdale, Godfrey: „The Stereo Type”, in: Corrin, Lisa G. / Snoody, Stephen / Worsdale, Godfrey (Hrsg.): Chris Ofili, Ausstellungskatalog Southampton City Art Gallery, The Serpentine Gallery London 1998, London: Lithosphere, 1998, S. 1. 2 Spinelli, Marcelo: „Chris Ofili“, in: Rothfuss, Joan / McLean, Kathleen / Fogle, Douglas (Hrsg.): Brilliant! New Art from London, Ausstellungskatalog Walker Art Center Minneapolis / Contemporary Arts Museum Houston 1995, Min-neapolis: Walker Art Center Publications, 1995, S. 67. 3 Ebd. 4 Morgan, Stuart: „The Elephant Man“, in: Frieze. International Art Magazine, März / April 1994, S. 43. 5 Spinelli, Marcelo: „Chris Ofili“, in: Rothfuss, Joan / McLean, Kathleen / Fogle, Douglas (Hrsg.): Brilliant! New Art from London, Ausstellungskatalog Walker Art Center Minneapolis: Walker Art Center Publications, 1995, S. 67.

In past ages, artists were essentially craftsmen carrying out the wishes of the ruling political, aristocratic, and religious elites. When modern artists gained a degree of economic independence in the late 18th century, and with the rise of democratic ideals, a minority began criticizing the establishment as an artistic opposition, and this has continued to the present day. The relation of artists to politics largely mirrors that found in the rest of society, a difference being that artists are experts in the manipulation of charged symbols. With respect to political issues in society (and regarding all political tendencies from left to right) artists have been harshly critical, slavishly supportive, and at times completely apathetic, depending on the moment. This presentation will explain some of the approaches politicized artists have taken to engage in the social and political process, and it will discuss what sorts of effects these engagements may, or may not, have in the larger social and political environment. Speaker: Kenneth Allan Ken Allan teaches art history courses on modern and contemporary art, photography, and experimental film at the University of Lethbridge. He has a PhD in Art History from the University of Toronto, with a specialization in the study of Conceptual art. Allan's recent publications include: “Metamorphosis in 391: A Cryptographic Collaboration by Francis Picabia, Man Ray, and Erik Satie” for Art History (forthcoming in 2011) and “Grounds of Forgetting and Intermediaries for Memory: Some Photographs by David M.C. Miller” in Public, 42, “Traces” (Fall 2010). His essay “Understanding Information” forms a chapter of Conceptual Art: Theory, Myth, and Practice (Cambridge: Cambridge University Press, 2004).

In past ages, artists were essentially craftsmen carrying out the wishes of the ruling political, aristocratic, and religious elites. When modern artists gained a degree of economic independence in the late 18th century, and with the rise of democratic ideals, a minority began criticizing the establishment as an artistic opposition, and this has continued to the present day. The relation of artists to politics largely mirrors that found in the rest of society, a difference being that artists are experts in the manipulation of charged symbols. With respect to political issues in society (and regarding all political tendencies from left to right) artists have been harshly critical, slavishly supportive, and at times completely apathetic, depending on the moment. This presentation will explain some of the approaches politicized artists have taken to engage in the social and political process, and it will discuss what sorts of effects these engagements may, or may not, have in the larger social and political environment. Speaker: Kenneth Allan Ken Allan teaches art history courses on modern and contemporary art, photography, and experimental film at the University of Lethbridge. He has a PhD in Art History from the University of Toronto, with a specialization in the study of Conceptual art. Allan's recent publications include: “Metamorphosis in 391: A Cryptographic Collaboration by Francis Picabia, Man Ray, and Erik Satie” for Art History (forthcoming in 2011) and “Grounds of Forgetting and Intermediaries for Memory: Some Photographs by David M.C. Miller” in Public, 42, “Traces” (Fall 2010). His essay “Understanding Information” forms a chapter of Conceptual Art: Theory, Myth, and Practice (Cambridge: Cambridge University Press, 2004).