Podcasts about Gouache

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https://weekly52.de/weekly/398 Heute rede ich mit der Künstlerin Luna Fox über ihre Herkunft und ihre jetzige Heimat in Irland. Sie möchte mit ihren Geschichten und Illustrationen Inspirationsquelle für andere Menschen sein. In ihren Werken und ihren Büchern geht sie auf Entdeckungstour, lässt dich in tiefe Gewässer eintauchen und kreiert mit ihren gefühlvollen Zeichnungen und persönlichen Gedichten wunderbare Abenteuer. Freut euch auf auf eine kreative Reise, auf das selbstgelesene „Wonder“ Gedicht und das von ihr illustrierte Kochbuch als Gratis-Download.

Mala Iqbal was born in the Bronx in 1973 and grew up in a household where three cultures and four languages intersected. "The Edge of an Encounter," a solo show of her paintings and works on paper is currently on view at JJ Murphy Gallery in New York until November 9, 2024. Other solo exhibitions were at Soloway Gallery in Brooklyn; Ulterior Gallery, Bellwether Gallery, and PPOW in New York; Taylor University in Upland, Indiana; Twelve Gates Arts in Philadelphia; and Richard Heller Gallery in Los Angeles. Her series of collaborative paintings, made with Angela Dufresne, was shown in October 2021 at the Richard and Dolly Maass Gallery, SUNY Purchase, and at LSU in Baton Rouge in November 2023. Her work has been exhibited in group shows throughout the United States as well as in Australia, China, Europe, and India. Her work has been reviewed in various publications including The New York Times, The Brooklyn Rail, Hyperallergic and The New Yorker. Iqbal has been awarded artist residencies at the MacDowell Colony, Yaddo, The Fine Arts Work Center, and the Hermitage Artist Retreat. She received a Joan Mitchell Fellowship in 2023. Mala Iqbal lives and works in New York City. Animals, 2024 Oil on canvas 12 x 16 inches Ghost Friend, 2024 Gouache and crayon on gray paper 4 x 6 inches. Interrupture, 2024 Oil on canvas 72 x 96 inches.

Dike Blair (b. 1952, New Castle, Pennsylvania) uses gouache, oil, his own photographs, and strategies appropriated from Postminimalist sculpture to create intimate tableaux that transform quotidian sights and materials into exercises in formalism. A writer and teacher as well as an artist, Blair came up in the downtown scene of 1970s New York among punk rockers and Postmodernists. In the early 1980s, against prevailing art world trends toward Neo-Expressionism, he began rendering scenes from his life in gouache on paper. These ongoing diaristic paintings are devoid of human figures but nonetheless evoke the specter of the artist whose daily life plays out at a remove across their finely-wrought surfaces. Blair lives in New York and Sullivan County. Blair's recent solo exhibitions include Edward Hopper House, Nyack, New York (2024); Karma (Los Angeles, 2023, New York, 2022); Various Small Fires, Seoul (2020); The Modern Institute, Glasgow (2019); Linn Lühn, Düsseldorf (2019); Secession, Vienna (2016); and Jüergen Becker Gallery, Hamburg (2016). In 2022, Karma presented an exhibition of Blair's paintings of Gloucester alongside Edward Hopper's paintings of the same small Massachusetts city. Blair's work is featured in the collections of the Whitney Museum, New York; Brooklyn Museum, New York; The Morgan Library & Museum, New York; Los Angeles County Museum of Art; Dallas Museum of Art; and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, among others. Blair's work is on view in Matinee: Dike Blair at Edward Hopper House, Nyack, New York through October 27, 2024 and at Karma, New York through October 26, 2024. Dike Blair, Untitled, 2024, Gouache, pencil and chalk on paper, 15 x 20 inches, 38.1 x 50.8 cm, 16 5/8 x 21 5/8 inches, 42.23 x 54.93 cm (framed), © Dike Blair. Courtesy the artist and Karma. Dike Blair, Untitled, 2024, Gouache, pencil and chalk on paper, 15 x 20 inches, 38.10 x 50.80 cm, 16 5/8 x 21 5/8 inches, 42.23 x 54.93 cm (framed), © Dike Blair. Courtesy the artist and Karma. Dike Blair, Untitled, 2024, Oil on aluminum panel, 28 1/8 x 21 1/8, 71.44 x 53.66 x 2.54 cm, 28 3/4 x 21 3/4 inches, 73.02 x 55.24 cm (framed), © Dike Blair. Courtesy the artist and Karma.

Photo by Brad Trone Maja Ruznic (b. Bosnia and Herzegovina, 1983) fuses personal narrative, psychoanalysis, mythology, and esoteric thought into vivid paintings that hybridize figuration and abstraction. Painting variably with oils and gouache on immense and small scales alike, she extracts order from layers of diluted pigment. Ruznic's practice is informed by her studies, from Slavic shamanism and alchemy to Jungian psychoanalysis and sacred geometry. Imbued with a discordant beauty, her compositions emerge without a premeditated outcome. Ruznic's introspective, mystical approach places her into a lineage of visionary painters including Paul Klee and Hilma af Klint. Ruznic lives in Placitas, New Mexico. Recent solo exhibitions include those held at Karma (New York, 2024, Los Angeles, 2023); Tamarind Institute, Albuquerque (2022); Karma, New York (2022); and Harwood Museum of Art, Taos, New Mexico (2021). Ruznic's work is held in the collections of the Crocker Art Museum, Sacramento, California; Dallas Art Museum; EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Espoo, Finland; Harwood Museum of Art, Taos, New Mexico; Jiménez–Colón Collection, Puerto Rico; Portland Art Museum, Oregon; Rachofsky House, Dallas; and San Francisco Museum of Modern Art. Her work was recently on view in the Whitney Biennial 2024: Even Better Than the Real Thing at the Whitney Museum of American Art in New York. Maja Ruznic, On the Other Side, 2023, Oil on canvas, 100 x 150 x 2 1/2 inches, 254 x 381 x 6.35 cm. © Maja Ruznic. Courtesy the artist and Karma Maja Ruznic, Arrival of Wild Gods II, 2023, Oil on canvas, 100 x 150 x 2 1/2 inches, 254 x 381 x 6.35 cm. © Maja Ruznic. Courtesy the artist and Karma Maja Ruznic, Geometry of Sadness, 2023, Oil on canvas, 100 x 150 x 2 1/2 inches, 254 x 381 x 6.35 cm. © Maja Ruznic. Courtesy the artist and Karma Maja Ruznic, Arrangement of a Nervous System, 2023, Gouache on paper, 16 3/8 x 11 5/8 inches, 41.59 x 29.53 cm. 24 x 29 1/4 inches, 60.96 x 74.30 cm (framed). © Maja Ruznic. Courtesy the artist and Karma

Mokuhanga is an art form of the physical. It is the use of our hands which carve, brush, and print, ultimately creating the final product. Through the physical act of making, mokuhanga carvers and printmakers explore themselves through their work, while at the same time producing a philosophy on how they see their own mokuhanga and the mokuhanga community at large. On this episode of The Unfinished Print, I speak with printmaker Andy Farkas. Andy is an American mokuhanga printmaker, mentor, and teacher who has explored in great detail what it means to create, the philosophies and sacrifices it takes to try and understand the simple question of “why?” Why create, why make, and why pursue a passion with an unknown conclusion? I speak with Andy about his mokuhanga, his materials, and how he approaches his prints. We discuss how Andy explores mokuhanga as an intellectual pursuit through the expressions of documentary, instruction, and writing. Please follow The Unfinished Print and my own mokuhanga work on Instagram @andrezadoroznyprints or email me at theunfinishedprint@gmail.com  Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Artists works follow after the note if available. Pieces are mokuhanga unless otherwise noted. Dimensions are given if known. Print publishers are given if known. Andy Farkas - website, Instagram registration - there are several registration methods in mokuhanga. The traditional method is called the kentō registration, where you carve two notches, straight another an "L." There is also a "floating kentō," which is where the notches are cut in a piece of "L" shaped wood and not on the wood where you are cutting your image, hence "floating." Lastly, there are removable "pins," such as ones made by Ternes Burton.  lithography: A printing process where images are transferred onto a surface using a flat plate or stone. A video regarding lithography from The British Museum can be found, here.   Edinboro University in Pennsylvania - a part of PennWest Edinboro, is a public university located in Edinboro, Pennsylvania. Established in 1857 as Edinboro Academy and has a rich history of providing higher education. Before becoming part of the Pennsylvania Western University system in 2022, Edinboro University was known for its strong programs in education, art, and nursing. The university offers a wide range of undergraduate and graduate programs, with a commitment to academic excellence and community engagement.   William Mathie - is a printmaker and the Director of Egress Press & Research based at Edinboro University in Pennsylvania. He works in mokuhanga and intaglio printmaking.     Hear No Evil (16.5" x 12")   kentō - is the registration system used by printmakers in order to line up the colour woodblocks with your key block, or outline block, carved first.   letterpress - is a type of relief printing using a printing press. It was popular during the Industrial Revolution and the modernization of the West. By the mid-twentieth century, letterpress began to be regarded more as an art form, with artists using the medium for books, stationery, and greeting cards.   John Lysak - is a master printmaker and artist. He is associated with Egress Press, a fine art publishing and research component of the Printmaking Area of Edinboro University of Pennsylvania's Art Department. More information can be found here     Sunflowers In Bright Light - acrylic on board 14" x 18"   Tuula Moilanen  - is a Finnish mokuhanga printmaker and painter based in Finland. She lived and studied in Kyōto from 1989 to 2012, where she learned her printmaking at Kyōto Seika University and from printmaker Akira Kurosaki (1937–2019). Her work can be found here. Her interview with The Unfinished Print can be found here.     Urban Holiday (2016) 14.37" x 11.81"   wood engraving  - is a printmaking technique where an artist carves an image with burins and engravers, into the surface of a block of wood. The block is then printed using pigments and pressed into paper. Wood engraving uses the end grain of a hardwood block, typically boxwood. This allows for much finer detail and more intricate lines. Thomas Bewick (1753–1828), and Eric Gill (1882–1940) are some popular wood engravers.      Eric Gill, On The Tiles (1921)    representational art -  is a form of art that attempts to depict subjects as they appear in the real world. It includes anything that portrays objects, figures, or scenes in a recognizable manner. Representational art focuses on representing objects or scenes from reality, such as landscapes, and still lives.  figurative art - is an art form which represents form or shapes in either representational or non representational forms.  serif - is a typographic style of font with a small line or stroke regularly attached to the end of a larger stroke.  gouache: is a water-based paint known for its opaque and vibrant colours. Made from pigment, water, and gum arabic as a binder, it offers artists versatility in creating both translucent washes and opaque layers. Gouache can be reactivated with water and comes in a range of colors, making it a popular choice for various painting techniques. gum arabic - is a sap from two types of Acacia tree. In art it is used as a binder for pigments which creates viscosity (depending on how much or little is applied to your pigments) for your watercolours and oils. Rachel Levitas has a fine description on how she uses gum arabic in her work, here.  Sinopia Pigments - is a pigment company based in San Francisco and started by Alex Warren in 1995. The company sells natural powdered pigments and milk paints. More info can be found here.  Earth Pigments -  is a pigment company based in Hinesburg, Vermont. They sell natural powdered pigments and milk paints. More info can be found here.  Bound To It (11" x 16") © Popular Wheat Productions opening and closing credit - Time After Time by Joshua Constantine from the album Soul Project Vol.II (2024)  logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny  Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :) Слава Українi If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***                                        

Aujourd'hui, Charles Consigny, Barbara Lefebvre et Jérôme Marty débattent de l'actualité autour d'Alain Marschall et Olivier Truchot.

I spent 30 day learning how to paint with Gouache and this is what I learned! This episode is best watched on YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCEC5fbl18kPblyR7q0Spjxg Interested in the Summer Art Marathon? Join the Arts & Crafts Table, a Discord for creatives: https://discord.gg/Dz752tYpsZ Host and artist Stephanie Scott breaks down the practicality of the art career with topics including: sustainable creative practices, social media skills, and mindsets to keep us in the studio. New episodes every Tuesday!Submit to Brush Work: https://www.stephaniescott.art/brush-work-submission Instagram: https://www.instagram.com/stephaniescott.art/ Website: http://www.stephaniescott.art/brushwork Music by @winepot https://www.instagram.com/thewinepot/ Podcast Cover photo by Maryna Blumqvist https://instagram.com/picturemaryna

Mokuhanga has the ability to take the artist or craftsperson anywhere they would like to be. From the subject matter in their studio to physical movement around the world, teaching, exploring, and discovering. Wonder and beauty is what makes mokuhanga so special.   In this episode of The Unfinished Print, I speak with printmaker Jacqueline Gribbin, who has spent years honing her craft in mokuhanga and other printmaking techniques across Japan, Southeast Asia, and Australia. We discuss her deep connection with Indigenous communities, collaborating with the late Ralph Kiggell, and exploring the nuances of water-based and oil-based mokuhanga. Jaqueline explains her experiences traveling to isolated communities, conducting workshops, and sharing her passion for printmaking. We'll explore her teaching methods, the importance of community in her work, and how she balances creating and selling her prints.   Please follow The Unfinished Print and my own mokuhanga work on Instagram @andrezadoroznyprints or email me at theunfinishedprint@gmail.com  Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Artists works follow after the note if available. Pieces are mokuhanga unless otherwise noted. Dimensions are given if known. Print publishers are given if known. Jacqueline Gribbin - website  Shifting Tides (2022) Nagasawa Art Park (MI Lab) Awaji City - Nagasawa Art Park was an artist-in-residence program located in Awaji City, Hyōgo Prefecture, Japan. It was open for 12 years before evolving into MI Lab in 2012. More info, here.    Keiko Kadota (1942-2017) - was the director of Nagasawa Art Park at Awaji City from 1997-2011, and then of MI Lab at Lake Kawaguchi from 2011 until her passing.   Toru Ueba - was a print instructor at Nagasawa Art Park, and was one of Yoonmi's instructors in 2004.   Ralph Kiggell (1960-2022) -  was one of the most important mokuhanga practitioners. Originally from England, Ralph lived and worked in Thailand. Ralph pushed the boundaries of mokuhanga with extremely large pieces, jigsaw carving, and by using fantastic colour. He also worked with the International Mokuhanga Conference to promote mokuhanga around the world. He will be greatly missed. Ralph's work can be found, here. His obituary in The Guardian can be found, here. His interview with The Unfinished Print can be found, here.     Orange Flower On Blue    Hiroki Satake - is a mokuhanga printmaker, and instructor based in Japan. He has taught at MI Lab, as well as given demonstrations regarding tool sharpening, around the world. Instagram   赤絵（アンドレ・マルティ「狼よ！」より) (2022) 34.7cm×28.4cm   registration - there are several registration methods in mokuhanga. The traditional method is called the kentō registration, where you carve two notches, straight another an "L." There is also a "floating kentō," which is where the notches are cut in a piece of "L" shaped wood and not on the wood where you are cutting your image, hence "floating." Lastly, there are removable "pins," such as ones made by Ternes Burton.    bokashi - is a mokuhanga technique, where the pigment fades from a heavy colour to a softer, broad colour. Made famous by prints designed by Hokusai and Hiroshige, this technique is, for me, the most popular technique utilized by  mokuhanga printmakers. There are various types: Ichimoji-bokashi or straight line graduation, used in the above mentioned Hiroshige and Hokusai prints. Ichimoji-mura-bokashi or straight line gradation with uneven edge. Ō-bokashi or wide gradation, Ate-nashi-bokashi or gradation without definition. Futa-iro-bokashi or two tone gradation, and ita-bokashi or softer-edge gradation, where the block is cut in a specific way to achieve this style of gradation. All of these styles of bokashi technique take practice and skill but are very much doable. Below is a fine example of bokashi by Paul Binnie:     The Torii Gate at Miyajima (2009) 37.5 x 26cm sizing paper - at times mokuhanga printmakers will size their paper. Size is made from water, animal glue (rabbit, horse), and alum. What the size does is keep the pigments the artist uses from “bleeding” into the outer edges of the paper. There are many recipes of size, here is one that artist Walter J. Phillips used.   intaglio printing - is a printing method, also called etching, using metal plates such as zinc, and copper, creating “recessed” areas which are printed with ink on the surface of these "recesses.” More info, here. The MET has info, here.     serigraphy - is another word for the art of silk screen printing. Silk screen printing can be in on various materials, silk, canvas, paper.    lithography: A printing process where images are transferred onto a surface using a flat plate or stone.   Yoshitaka Amano (b. 1952) - is a character designer for the Final Fantasy video game series. He uses ukiyo-e and Japanese woodblock prints as insirpation for some of his work.    Takashi Murakami (b. 1962) is a contemporary artist best known for his fine art works and contributions to the commercial market. His works are heavily influenced by manga and anime, characterized by their bright colors and distinctive style. Multicolour Superflat Flowers - archival pigment print, silkscreen, 45 cm x 17.7cm   Margaret Thatcher 1925-2013) -  was the Prime Minister of the United Kingdom from 1979 to 1990. She was the first woman to hold the office and remains one of the most influential figures in British political history. Leading the Conservative Party, Thatcher implemented a series of economic policies known as "Thatcherism," which emphasized deregulation, privatization of state-owned industries, and reducing the power and influence of trade unions. Her tenure was marked by significant economic transformation, as well as controversial measures that sparked widespread debate and protest.    Tamarind Institute - was originally founded in Los Angeles in 1960 by June Wayne, and is a world renowned center for fine art lithography. Established to revive and sustain the art of lithography, which was in decline in the United States, Tamarind quickly became a leader in the education and promotion of lithographic techniques. In 1970, the institute moved to the University of New Mexico in Albuquerque, where it continues to thrive as a key institution in the printmaking world. Dedicated to advancing the lithographic arts through rigorous education, collaborative projects, and the production of high-quality prints, the Tamarind Institute's influence extends globally, contributing significantly to the development and appreciation of lithography as a vibrant art form. More info, here.    STPI Creative Workshop & Gallery - which stands for Singapore Thailand Print Institute is an educational gallery and workshop, based in Singapore. More info, here.    International Mokuhanga Conference, 2011 - was the first international conference on mokuhanga which was separated in two parts, Kyoto and the Awaji Islands in Japan.    MI Lab - is a mokuhanga artists residency located in Kawaguchi-ko, near Mount Fuji. More info can be found, here.    Hiroki Morinoue - is a mokuhanga printmaker and artist living in Holualoa, Big Island, Hawai'i. He is a co-founding member of the Holualoa Foundation For Arts & Culture, the establishment of the Donkey Mill Art Center and Studio 7 Fine Arts. Hiroki's interview with The Unfinished Print can be found, here.    Incoming Tide 30.5 x 30.5cm   Keiko Hara - is an artist and Professor of Art Emerita at Whitman College in Walla Walla, Washington. She is a painter, and printmaker in various relief mediums, such as mokuhanga. Keiko also leads the Mokuhanga Project Space based in Walla Walla, Washington. More info on Keiko's work can be found, here. More info regarding the Mokuhanga Project Space, here.   Verse Space M-1, lithography and stencil, 55.8 cm x 76.2 cm   Yamanashi Prefecture - (山梨県, Yamanashi-ken) is located in the Chūbu region of Honshu, Japan, and borders Saitama Prefecture to the northeast, Nagano Prefecture to the northwest, Shizuoka Prefecture to the southwest, Kanagawa Prefecture to the southeast, and Tokyo to the east. The capital and largest city is Kōfu. Yamanashi is one of only eight landlocked prefectures in Japan, with most of the population residing in the central Kōfu Basin, surrounded by the Akaishi Mountains. 27% of its land area is designated as Natural Parks, and it is home to many of Japan's highest mountains, including Mount Fuji, the country's tallest peak and a significant cultural icon, which is partially located on the border with Shizuoka Prefecture.   Tiwi Islands - which means "two islands," are part of the Northern Territory, Australia, located 80 km (50 mi) north of Darwin. They comprise Melville Island, Bathurst Island, and nine smaller uninhabited islands, with a combined area of 8,320 square kilometers (3,212 sq mi). The islands have been inhabited by the Tiwi, an Aboriginal Australian people, since before European settlement, with a population of 2,348 recorded in the 2021 census. The Tiwi Land Council, one of four land councils in the Northern Territory, serves as a representative body with statutory authority under the Aboriginal Land Rights (Northern Territory) Act 1976 and holds responsibilities under the Native Title Act 1993 and the Pastoral Land Act 1992.   Charles Darwin University - was established in 2003 in the Northern Territory of Australia, and resulted from the merger of Northern Territory University, Centralian College, and the Menzies School of Health Research. Named after naturalist Charles Darwin, CDU focuses on research and education tailored to the unique challenges of the region, with strong emphasis on Indigenous education and partnerships. The university offers a broad range of programs across disciplines like health, education, engineering, business, and environmental science, and is recognized for its research in desert knowledge, Indigenous systems, tropical health, and sustainable development. With campuses in Darwin, Alice Springs, Katherine, and Nhulunbuy, CDU plays a crucial role in the educational, economic, and social development of the Northern Territory. The More Than Human World: North Australian Ecologies was the exhibit which Jacqueline speaks on in her episode. The exhibit catalogue can be found, here.    Balgo - also known as Wirrimanu, is a remote Aboriginal community in the Kimberley region of Western Australia. Home to the Kukatja people and other desert groups like the Ngarti and Warlpiri, Balgo is renowned for its vibrant art scene, particularly through the Warlayirti Artists art center, which produces art reflecting the rich cultural heritage of the local people. The community, accessible mainly via local roads and air, provides essential services such as a health clinic, school and plays a vital role in preserving and promoting Indigenous culture and traditions. A description of Wirrimaru can be found, here via Deutscher and Hackett.    Printmaking Today - is a magazine published by Cello Press in England, and is published quarterly. The magazine focuses on printmaking themes and artists. More info, here.   Arnhem Land - is located in the northeastern Northern Territory of Australia, and is a vast and culturally rich region covering approximately 97,000 square kilometers. Bordered by the Arafura Sea, the Gulf of Carpentaria, and Kakadu National Park, it is one of the largest Aboriginal reserves in Australia, home to around 16,000 Indigenous people, primarily the Yolngu. Known for its stunning natural landscapes, including rugged coastlines, rainforests, and wetlands, Arnhem Land is also a cultural treasure, famous for Indigenous art, music, and traditions. Access is restricted to protect its heritage, and the region plays a crucial role in Indigenous land rights movements and the preservation of Aboriginal culture.   Foundry Vineyards - based in Walla Walla, Washington is a vineyard and art space. It has been hosting artists from all types of media such as painting and printmaking since 2010. It has exhibited The Mokuhanga Project Space, printmaker Mike Lyon,  and the International Mokuhanga Print Exhibit. More info about this space and the good it does for the art community at large can be found, here.    Ozu Washi - is a paper store located in the Nihonbashi district of Tokyo. website, Instagram   Wood Like Matsumura - is an online and brick and mortar store, for woodblock printmaking, located in Nerima City, Tōkyō.   uwa senka long - is a Thai kozo machine made paper which can be used for mokuhanga.    The Japanese Paper Place- is a Toronto based Japanese paper store servicing the Mokuhanga community for many years.  Interview with the Nancy Jacobi of the JPP can be found, here.   gouache: is a water-based paint known for its opaque and vibrant colours. Made from pigment, water, and gum arabic as a binder, it offers artists versatility in creating both translucent washes and opaque layers. Gouache can be reactivated with water and comes in a range of colors, making it a popular choice for various painting techniques.   The Adelaide River - is a significant waterway in the Northern Territory of Australia, extending approximately 180 km from its source in the Litchfield National Park to its mouth at the Timor Sea. The river flows through  lush wetlands, dense mangroves, and open floodplains, providing a rich habitat for diverse wildlife. It is particularly renowned for its large population of saltwater crocodiles.    © Popular Wheat Productions opening and closing credit - Stardust by Lester Young, Oscar Peterson Trio. (1956) © UMG Recordings logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny  Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :) Слава Українi If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***                                                

Staffel 8, Folge 8 In dieser Folge sprechen Silvia und Andrea über Achtsamkeit - im täglichen Tun, aber auch besonders beim Malen und welche Auswirkungen das auf einen haben kann. Und sie machen es auch gleich vor in dieser Folge, indem sie beide in wundervolle Malprozesse eintauchen, die eine in satte Gouache, die andere in Alkoholtinten und ihre immer wieder staunenswerten Effekte. Nimm dir selbst dein Lieblingsmalprojekt dazu und lausche den beiden achtsam malend. Viel Spaß beim Zuhören! Die Links • Petra Fuchs' Kurs zu Alkoholtinten https://andrea-gunkler.de/alkohol-tinten/?aff=PetraSilaFuchs • Die Podcastfolge „The Art of Well-Being“ in „The Windowsill Chats“: https://podcasts.apple.com/de/podcast/the-art-of-well-being-jennifer-brinley-on/id1529045232?i=1000657162762 Tritt mit uns in Kontakt Wenn du etwas anmerken möchtest, eine Frage hast oder ein Thema, über das wir im Podcast einmal sprechen sollten, dann lass uns das gern wissen. Wir freuen uns über deine Rückmeldung. Du erreichst uns über • unsere Homepage unter https://malfreunde-fm.de • unsere Facebook-Seite unter https://www.facebook.com/malfreundefm oder • unseren Instagram-Account unter https://www.instagram.com/malfreundefm Du magst, was wir tun? Dann unterstütze uns gern auf unserer Steady-Seite. Jeder Cent hilft uns dabei, den Podcast zu finanzieren und Events für die Malfreunde-Gruppe zu stemmen - was wiederum dir zum Vorteil gereicht und dich unterstützt. Win-win - so lieben wir das! Hier geht‘s lang: https://steadyhq.com/de/malfreundefm/about Vielen Dank fürs Zuhören! Wir, Silvia und ich, wünschen dir eine wundervolle Zeit. Bleib kreativ - und hör doch einfach noch mal in die alten Folgen rein! Produktion: Melanie Avis https://melanieavis.com Musik: Elly Eichhoff c/o Silvia Eichhoff Titelbild: Tadi Köpge https://www.katrinkoepge.de/ueber-mich/

This week we are joined by Sharon Schock. An Oil and Gouache painter from California, her paintings sing with the natural light of the area. Sharon shares with us her creative journey, her process and navigating being a painter and mother. Sharon's works are beautifully captured moments in time and we are delighted that she shared her insights with us.Learn more about Sharon here

In s3e53 of Platemark, hosts Ann Shafer and Tru Ludwig conclude their conversation with Carol Wax, artist and author of The Mezzotint: History and Technique. Carol recently published the second edition of The Mezzotint, expanding greatly in every area from the 1990 first edition. As she tells us, there is a better break down of rocking the copper plates, and of inking and printing them, plus there are new chapters about printing papers and the history of the medium and how it fits in the greater history of prints. They talk about the early history of mezzotint, whether one can over rock a plate, what happens when you do, and about Carol's dislike of perspectival composition, all the machines and their personalities, and her dogs Cecil, the Weimaraner, and Delia, the new dog in her life. The conversation ran long, so the episode is split into two parts. Carol Wax (American, born 1953). Singer I, 1984. Mezzotint. 11 ½ x 8 in. Courtesy of the artist. This was a beautiful tensile piece of copper (ground exact same way as Singer II, but totally different experience and different result). Carol Wax (American, born 1953). Singer II, 1985. Mezzotint. 14 ½ x 7 3/4 in. Courtesy of the artist. This was a brittle copper – two of several state proofs illustrating process of solving technical problem and the finished state. This process led directly to historical research that resulted in my writing The Mezzotint: History and Technique. John Martin (British, 1789–1854). Belshazzar's Feast, 1826. Mezzotint. Plate: 23 ½ x 32 in. Metropolitan Museum of Art, New York. Martin's large plate was printed with up to eight different inks to enhance the tonal range and compensate for the peculiarities of mezzotints engraved on steel. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Frans Snyder (Flemish, 1579–1657). A Game Market, 1783. Mezzotint and etching. Plate: 16 ½ x 22 ¾ in. New York Public Library, New York. Richard Earlom (British, 1743–1822), after Jan van Huysum (Dutch, 1682–1749). A Flower Piece, 1778. Etching (early state before mezzotint). Plate: 558 x 420 mm. (21 15/16 x 16 9/16 in.). Yale Center for British Art, New Haven. [Right] Richard Earlom (British, 1743–1822), after Jan van Huysum (Dutch, 1682–1749). A Flower Piece, 1778. Mezzotint and etching. Plate: 558 x 420 mm. (21 15/16 x 16 9/16 in.). Baltimore Museum of Art, Baltimore. J.M.W. Turner (British, 1775–1851) and Charles Turner (British, 1774–1857). Scene from the French Coast (Liber Studiorum, plate 4), 1807. Etching and mezzotint. Plate: 20.9 x 29.1 cm. (8 ¼ x 11 7/16 in.). Art Institute of Chicago, Chicago. [DETAIL] J.M.W. Turner (British, 1775–1851) and Charles Turner (British, 1774–1857). Scene from the French Coast (Liber Studiorum, plate 4), 1807. Etching and mezzotint. Plate: 20.9 x 29.1 cm. (8 ¼ x 11 7/16 in.). Art Institute of Chicago, Chicago. Thomas Goff Lupton (British, 1791–1873), after Thomas Girtin (British, 1775–1802). Chelsea Reach, Looking toward Battersea, from the series Gems of Art, 1825. Mezzotint and engraving. Sheet: 260 x 341 mm. (10 1/4 x 13 7/16 in.); plate: 168 x 252 mm. (6 5/8 x 9 15/16 in.). Baltimore Museum of Art, Baltimore. Carol Wax (American, born 1953). The Old Clothesline, 1983. Mezzotint. 11 x 11 in. Courtesy of the artist. Carol Wax (American, born 1953). Fanfare, 1983. Mezzotint. 16 x 11 in. Courtesy of the artist. This was the first image I did with a mechanical subject and the first time I subtracted so much of the background. Carol Wax (American, born 1953). Singer I, 1984. Mezzotint. 11 ½ x 8 in. Courtesy of the artist. This was a beautiful tensile piece of copper (ground exact same way as Singer II, but totally different experience and different result). Carol Wax (American, born 1953). Under Wraps, 2008. Mezzotint. 16 x 20 in. Courtesy of the artist. One of many images of animate/inanimate objects. This series turns the table and uses fabric to objectify a living subject. This project is also an example of how different grounds can be used creatively: the plate was ground with an 85-gauge rocker, but the dog parts were scraped down and reground with a 120-gauge roulette to differentiate textures between fabric and fur. The whiskers were engraved with a burin. Carol's wall of inspiration. [Left] Carol Wax (American, born 1953). Remington Noiseless, 1986. Mezzotint. 20 x 16 in. Courtesy of the artist. Remington Noiseless illustrates stylized shadows before working for Philip Pearlstein. [Right] Carol Wax (American, born 1953). Remington Return, 1993. Mezzotint. 18 ½ x 24 1/2 in. Courtesy of the artist. Reflects Pearlstein's influence as well as more sophisticated technique and confidence acquired while writing the book. Carol Wax (American, born 1953). Glad Tidings, 1993. Two relief intaglio holiday cards. Each: 3 x 2 9/10 in. Courtesy of the artist. Carol Wax (American, born 1953). Missing Peace, 2001. Relief intaglio. 5 x 1 1/2 in. Courtesy of the artist. Carol Wax (American, born 1953). Fortune's Fool, 2020. Gouache. 8 ¼ x 9 1/4 inches. Courtesy of the artist. This clown puppet represents Trump, seen here being devoured for lunch by the Chinese, and while he thinks he's sticking it to their butt (the pencil sharpener from Chinatown), he's only sharpening their strategies. Carol Wax (American, born 1953). Butterfly Effect, 2018. Gouache. 22 x 14 in. Courtesy of the artist. The pulley is a commentary on our convoluted election system that is subject to all kinds of whims. Carol Wax (American, born 1953). Rigged, 2018. Gouache. 20 x 24 in. Courtesy of the artist. This image is about how the system is rigged. Carol Wax (American, born 1953). Underhanded, 2020. Gouache. 21 x 14 in. Courtesy of the artist. This image is about a few things (manipulation, power, etc.), but think “George Floyd.” The political undertones of my paintings have found their way into recent mezzotints. Frederick Mershimer (American, born 1958). Various states of The Great Divide/42nd Street, 1994–97. Mezzotint. Mershimer is a master at making corrections/changes–the likes of which have not been seen since the 17th century. Here is a prime example where he seamlessly changed the focus of a print by removing and moving figures and reissued the plate with a [deservedly] different title.   USEFUL LINKS Carol's website https://www.carolwax.com/ Jennifer Melby's link https://www.jennifermelby.com/ Conrad Graeber's link https://conradgraeber.com/  

Several years ago, a book caught my eye, called "Lu Xun's Legacy". Published by the Muban Educational Trust, a non-profit dedicated to the preservation of woodblock art in China and located in London, England, it opened my eyes to Chinese woodblock prints. Reading the book, I realized how little I knew about printmaking, woodblock or otherwise, from China. All I really knew was that Japanese woodblock has roots within Chinese printmaking and I was curious as to how that transpired. Today, I speak with Senior Research Fellow at the Muban Educational Trust, David Barker. David's interests lie in the history and techniques of Chinese printmaking, having written a book on the subject in 2005 called "Tradition and Techniques in Contemporary Chinese Printmaking". David speaks to me about the history of printmaking in China, its techniques, and process. David discusses his time in the country, how prints evolved from the pre-modern (Tang and Ming Dynasties, for instance) into more modern times. We discuss Lu Xun, and the history of purchasing and selling prints in China, and where printmaking in China is today. Please follow The Unfinished Print and my own mokuhanga work on Instagram @andrezadoroznyprints or email me at theunfinishedprint@gmail.com  Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Artists works follow after the note if available. Pieces are mokuhanga unless otherwise noted. Dimensions are given if known. Print publishers are given if known. Muban Educational Trust : website Lu Xun (1881-1936) : was a seminal figure in modern Chinese literature, renowned for his impactful short stories and essays that exposed the societal and political issues of his era. Born in Shaoxing, Zhejiang Province, his works, including "The True Story of Ah Q" and "Diary of a Madman," critically examined the struggles of ordinary people and the shortcomings of traditional Chinese society. A staunch advocate for cultural and political reform, Lu Xun's writings continue to inspire and resonate with readers, solidifying his legacy as one of the most influential writers in 20th-century Chinese literature. Goldsmiths College: A renowned public research university in London known for its arts, design, and humanities programs. etching: A printmaking technique where an image is created by using acid to etch lines or textures onto a metal plate. lithography: A printing process where images are transferred onto a surface using a flat plate or stone. St. Francis Xavier (1506-1552): was a Roman Catholic missionary who played a significant role in spreading Christianity in Asia, particularly in Japan and India, during the 16th century. Shimabara Rebellion: was a 17th-century uprising in Japan led by Christian peasants against oppressive feudal lords and the prohibition of Christianity. Cultural Revolution: A socio-political movement in China initiated by Mao Zedong in the 1960s aimed at purging "counter-revolutionary" elements and promoting Maoist ideology. Mao Zedong (1893-1976) -  was the founder of the People's Republic of China and a key figure in Chinese communist history. Open Door Policy: A U.S. policy in the late 19th and early 20th centuries advocating for free trade and equal economic access to China among foreign powers. Gang of Four: A political faction led by Mao Zedong's wife, Jiang Qing, during the Cultural Revolution, known for its radical and controversial policies. Anne Farrer PhD:  is the Senior Research Fellow at the MET with a BA in Chinese and a PhD in late Ming woodblock illustration from the School of Oriental and African Studies, University of London. She has served in various roles at the Ashmolean Museum and the British Museum, focusing on Chinese painting, prints, and Central Asian collections. Currently, she is the Programme Director for the MA in East Asian Art at Sotheby's Institute of Art in London and also works with the Muban Educational Trust. Dr. Farrer's exhibitions and publications span topics such as Chinese art from the Silk Route, traditional and contemporary Chinese printmaking, and she has a particular research interest in woodblock printing from seventeenth and eighteenth-century China. Tang Dynasty: An influential dynasty in Chinese history known for its cultural and economic prosperity during the 7th to 10th centuries. Ching Dynasty: Also known as the Qing Dynasty, the last imperial dynasty of China, ruling from 1644 to 1912. Ming Dynasty: preceding the Qing Dynasty, known for its cultural renaissance and maritime exploration during the 14th to 17th centuries. gouache: is a water-based paint known for its opaque and vibrant colours. Made from pigment, water, and gum arabic as a binder, it offers artists versatility in creating both translucent washes and opaque layers. Gouache can be reactivated with water and comes in a range of colors, making it a popular choice for various painting techniques. Gauguin in the South Pacific: refers to the artistic period of Paul Gauguin (1848-1903) when he lived and worked in the South Pacific islands, producing vibrant and exotic paintings. kentō - is the registration system used by printmakers in order to line up the colour woodblocks with your key block, or outline block, carved first.   Ten Bamboo Studio: was a renowned Chinese printing studio established during the Qing Dynasty. Founded by Hu Zhengyan, it produced exquisite woodblock-printed books known for intricate designs and high-quality craftsmanship. These publications covered literature, poetry, painting, and calligraphy, showcasing meticulous detail and vibrant colors. Today, works from the Ten Bamboo Studio are treasured cultural artifacts admired globally for their beauty and historical significance. The Ding Workshops: was a renowned studio in China specializing in traditional woodblock printing. For generations, the Ding family mastered the art of printmaking, producing high-quality prints that often depicted landscapes, figures, and daily life scenes with intricate details and rich colors. Their prints were highly sought after and played a significant role in preserving and promoting Chinese artistic heritage.  Postmodernism in China: a cultural and artistic movement in China that emerged after the Cultural Revolution, characterized by a mix of traditional and contemporary influences. Christer von der Burg : founded the Han Shan Tang bookshop in 1978 in London, specializing in East Asian arts and culture books. Recognizing the underappreciation of Chinese prints compared to Japanese prints, he established the Muban Foundation in 1997 to promote Chinese printing knowledge. Over a decade, he amassed a collection of over 8,000 Chinese prints, now housed with the Muban Educational Trust. Retiring from the book business in 2000, Christer remains active, building one of the world's largest collections of antique Chinese prints, particularly from Suzhou. His passion has revitalized interest in Chinese woodblock printing, educating both artists and collectors on its significance, evident in today's rising print values at Chinese auctions. Cleveland Museum: The Cleveland Museum of Art, a major art museum located in Cleveland, Ohio, known for its diverse collection spanning various cultures and time periods. British Museum: A world-renowned museum in London, housing a vast collection of art and artifacts from around the world. The Ashmolean Museum: in Oxford, England, one of the oldest public museums in the world, known for its extensive collection of art and archaeology. The Dresden Museum of Art: is renowned for its diverse collection of artworks from various periods and styles. Founded in the 19th century, it features masterpieces by artists like Raphael and Rembrandt. The museum's elegant architecture and rotating exhibitions attract art enthusiasts worldwide, making it a cultural hub in Dresden. Crown Point Press: A prestigious printmaking studio and publisher based in San Francisco, known for collaborating with renowned artists. oban: A traditional Japanese print size, approximately 10 x 15 inches, often used for Japanese style woodblock prints. Huizhou :located in Guangdong Province, China, is a city steeped in rich history and cultural heritage. Once a significant center of trade and commerce during the Ming and Qing Dynasties, Huizhou today blends its storied past with modern development. The city offers a mix of historical sites, natural parks, and cultural landmarks, making it a diverse and appealing destination. With its coastal location, Huizhou also attracts beachgoers and outdoor enthusiasts. Furthermore, its thriving economy, particularly in industries like electronics and petrochemicals, highlights its importance as a dynamic hub in southern China. Beijing: The capital city of China, known for its historic landmarks like the Forbidden City and the Great Wall, as well as its modern development. Tianjin: is situated in northeastern China, is a bustling metropolis renowned for its historical significance, vibrant culture, and modern development. As a major port city and economic hub, Tianjin blends traditional Chinese architecture and heritage sites with contemporary skyscrapers and bustling commercial districts. The city boasts a rich cultural scene, featuring theaters, museums, and galleries, as well as a diverse culinary landscape reflecting its cosmopolitan character. With its strategic location and rapid urbanization, Tianjin continues to thrive as a key player in China's economy and as a dynamic center for business, culture, and innovation. Yunnan Province -  is a diverse and culturally rich province in southwest China, known for its stunning landscapes, ethnic minorities, and traditional crafts. Matteo Ricci (1552-1610) was an Italian Jesuit priest and missionary who played a key role in early interactions between China and the West during the Ming Dynasty. Ricci learned Chinese, adopted local customs, and impressed Chinese intellectuals with his knowledge of Western science and technology. He collaborated with Chinese scholar Xu Guangqi to translate Western texts into Chinese, promoting cultural exchange. Despite challenges from both Chinese officials and European Jesuits, Ricci's efforts laid the foundation for future East-West interactions and understanding. Manchu : are an ethnic group primarily originating from the northeastern region of China, historically known as Manchuria. In the 17th century, under the leadership of the Aisin Gioro clan, the Manchu established the Qing Dynasty, which ruled China from 1644 to 1912. Initially a nomadic and tribal people, the Manchu gradually adopted Chinese culture, language, and governance systems as they integrated into the broader Chinese civilization. Despite their eventual assimilation, the Manchu maintained a distinct identity, characterized by their unique language, customs, and traditions. Today, the descendants of the Manchu continue to uphold their cultural heritage and identity, contributing to the rich tapestry of ethnic diversity within China.   © Popular Wheat Productions opening and closing musical credit - Car Hiss By My Window by The Doors from the album L.A. Woman released in 1971 by Elektra Records.  logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny  Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :) Слава Українi If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***

Today on the Frugal Crafter Blog-cast we talk with the lovely and talented Sarah Burns. We discuss painting outside in the winter, gouache and other favorite supplies. Get cozy and enjoy this friendly art chat! Bear with me as this is my fist interview and huge thanks to Sarah for being my test subject:) You can find Sarah Burns on YouTube: https://www.youtube.com/@SarahBurnsStudio *her video with t he Pilot pen she was talking about is up here: https://youtu.be/AFGUO9drlx0?si=1Xat0YVFE_rbQnx8 Her blog: https://fearlessbrush.com/ The Gouache Database we mentioned: https://fearlessbrush.com/gouache-database/ Sarah's painting lessons on Patreon: https://fearlessbrush.com/premium-painting-classes/patreon-tutorials-by-category/

Alice Gauthier, artiste peintre, est l'invitée du 15ème épisode de Femmes artistes / Artistes femmes. Un mois de septembre à Marseille, pendant l'édition 2023 de Paréidolie, j'ai rencontré Alice. Nous avons discuté de son parcours, de son enfance en banlieue parisienne imprégnée d'art et de théâtre, du Finistère et de ses rochers, d'une grotte au Maroc, du Royal College à Londres, de lithographie au Mexique, d'ombres et de musique (Alice est aussi clarinettiste dans le groupe de musique de Rob Miles, son amoureux).Alice observe, contemple, dessine, peint, danse, joue. Le dessin, pour elle, est aux prémices de tout. La peinture vient ensuite. Son espace d'expression se situe quelque part, bien avant que les images ne se transforment en mots. Un peu comme la musique. Ses images nous traversent. Ne laisse pas indifférents. Ses matières, ses couleurs, ses procédés, font d'Alice une peintre presque plasticienne, presque théâtrale. Une artiste chercheuse qui contemple et expérimente, danse, au sol, autour de ses oeuvres, et y met les mains. Pendant cet entretien, nous avons aussi évoqué :Les artistes qui inspirent son travail Marlène Dumas, Xie Lei, David Lynch (ses lithographies), David Hockney (ses travaux avec la pulpe de papier), Alice Laloy (metteuse en scène et marionnettiste)Références littérairesPenser comme un iceberg d'Olivier RemaudDeucalion et Pyrrha, Les métamorphoses d'OvideOeuvre décrite en intro de l'épisode : "Ne faire qu'un" (2023) Gouache et aquarelle sur papier, 32 x 22 cm. Ses prochaines expositions :Exposition Éclats de nuits à la galerie Espace à Vendre (Nice) jusqu'au 10 février 2024Salon de dessin Drawing now (Paris) avec la galerie Dilecta, du 21 au 24 mars 2024Solo show à l'espace Conscious (Paris) du 12 mars au 26 avril 2024Exposition passée : salon Paréidolie avec les Éditions Dilecta (Marseille) en septembre 2023Pour suivre Alice Gauthier : sa page Instagram @alice__gauthier et son site internet www.gauthieralice.comPour me soutenir : suivre et commenter ce podcast ! Et se rendre sur ma page Tipee : https://en.tipeee.com/artistes-femmes-le-podcastRendez-vous sur la page instagram du podcast @artistesfemmeslepodcast.Femmes artistes / Artistes femmes est un podcast entièrement indépendant créé et produit par Ada Kafel. Ada Kafel est artiste peintre, art-thérapeute et maman d'un petit garçon de 6 ans. On peut voir son travail sur son site internet https://www.adakafel.com/ ou sa page instagram @a_felka.Musiques :Think again par Rob Miles & Les Clés Anglaises : @robmilesetlesclesanglaises sur Instagram La Maison par Clara Ysé (Album Oceano Nox)Crédit photo : Renaud Lampaert

DIMANCHE 14 JANVIER 2024Alex Cosculluela - Maison LinetiMaison Lineti a été conçue par des entrepreneurs passionnés, issus du monde des vins fins. Ensemble, ils se sont engagés à façonner des Single Malts Français avec les mêmes exigences et le même savoir-faire que les plus emblématiques Grands Crus. Inspirée par le concept de millésime et fondée sur un profond respect des traditions et des méthodes artisanales, Maison Lineti est pionnière d'une approche révolutionnaire dans la création, la consommation et la collection de grands whiskiesChristophe Gouache - Château LoudenneRiche de ses 350 ans d'histoire, le Château Loudenne bénéficie d'une situation géographique exceptionnelle au cœur du Médoc. Appelé localement chartreuse, le château a été construit en 1670 par une noble famille bordelaise. Du fait de la couleur de ses murs, il est connu en Médoc comme étant « Le Chateau Rose ». Loudenne c'est un terroir de 132 ha dont 62 ha  de vignes, le reste étant des prés salés dédiés à l'élevage extensif et classés Natura 2000

Episode 125 September 28, 2023 On the Needles 1:33 ALL KNITTING LINKS GO TO RAVELRY UNLESS OTHERWISE NOTED.  Please visit our Instagram page @craftcookreadrepeat for non-Rav photos and info     Vanilla is the New Black by Anneh Fletcher, Knit Picks Felici in Beyond the Wall   Roam by Dawn Barker, Rainbow Peak Yarns super sock in Luminosity II (Lula Faye Fibre)   Lemino Socks by Sarah Jordan, Arkaik Fibres Fremont Tweed in Let the Great World Spin   Buggiflooer Beanie by Alison Rendell, Jamieson's of Shetland Shetland Spindrift On the Easel 12:06 Cortney's sewing–Top Down Center Out pants fitting class with The Crooked Hem. Technique designed by Ruth at Ithaca Maven.   Bird Prize! Accordioned birds of Scotland for our CCRR Summer Bingo Bird prize winner. Gouache on paper. 7.5X20” Rabbit painting has a missing piece… On the Table 14:30 Eat Your Books   Pepperoni pizza gnocchi from Simply Genius (the linked recipe is from the New York Times and doesn't actually contain pepperoni but I bet you can figure it out!)   Gojuchang omelet → frittata from I Dream of Dinner   Hominy and tomatillo casserole from How to Cook Everything   Japanese Sweet Potato with Nori from Veg Forward On the Nightstand 27:06 We are now a Bookshop.org affiliate!  You can visit our shop to find books we've talked about or click on the links below.  The books are supplied by local independent bookstores and a percentage goes to us at no cost to you!   Becky Chambers Psalm for the wild-built, Prayer for the Crown-Shy Ruth Ozeki Tale for the Time Being   V.E. Schwab event for The Fragile Threads of Power   Thirty Days of Darkness by Jenny Lund Madsen, trans by Megan Turney Yellowface by RF Kuang (audio)  Garlic and Sapphires: The Secret Life of a Food Critic by Ruth Reichl (audio) The One by Julia Argy Kiss the Girl by Zoraida Córdova The Vaster Wilds by Lauren Groff   The Exiles by Christina Baker Kline The Woman in the Library by Sulari Gentill Dinosaurs by Lydia Millet

Margo is joined by artist and illustrator, Megan Price, otherwise known by her business name The Darling Fig. Megan feels like she has had many creative incarnations but it wasn't until she dusted off her paintbrushes and embraced the fact that she was an artist, that she finally found a medium through which she could fully express her full creative vision. Megan paints by hand to capture the joy in life's everyday moments. She believes in slowing down and finding the magic in the little things. Her work can be seen as a collection of sustainably printed greeting cards and fine art prints, or as bespoke artwork commissions for clients.   Topics discussed:  Her journey of creativity and why she started The Darling Fig Finding enjoyment in the process of artistic creation The sweet spot of creative flow Her experience with art challenges What art is really all about to her and why she doesn't necessarily care if people love or hate her work but rather how it makes them feel Gratitude and how journaling fosters a positive mindset as well as posts her creativity Finding stillness in her creative practice And more!   Connect with Megan:  www.thedarlingfig.com.au www.instagram.com/thedarlingfig  

Episode Summary:In our latest episode of the Camano Voice, we are thrilled to spotlight Bill Koger, the distinguished featured artist for October 2023. Bill stands out in the art community as our first guest to specialize in gouache painting, a medium that marries the luminosity of watercolors with the opacity of acrylics. Delve into the captivating reasons behind Bill's affinity for watercolors and discover the pivotal moment he was introduced to the world of gouache. But that's not all! Bill also sheds light on the significant events orchestrated by the Stanwood Camano Arts Guild. Whether you're an art aficionado or just beginning to dip your toes into the realm of painting, this episode promises a rich palette of insights and inspirations.Links to Things Mentioned in this Episode: Website: http://www.artbybillkoger.com/ https://stanwoodcamanoart.com/ James Gurnery YT - https://www.youtube.com/@JamesGurney Steve Mitchell YT - https://www.youtube.com/channel/UCv6GKopxZztw6EqG6OoIGCQ Check out the Camano Voice Link Tree ( https://linktr.ee/camanovoice )

M

In deze podcast praat ik met Judith Joosten van webshop Splendith over teken- en schildermaterialen. We hebben het over acrylverf, vinylverf, gouache, acryl gouache, aquarel, Gansai Tambi, de symbooltjes op je verf-tubetje, papiersoorten (wat is bijvoorbeeld het verschil tussen cold en hot pressed?), synthetische penselen, bruspennen, chalk markers, promarkers en potloden. Luister je mee? Shownotes vind je op https://irenececile.com/podcast/potloden-penselen-acryl-gouache-markers-papier-illustratie-materialen-splendith/

Zoe Pettijohn Schade's densely researched, seductively beautiful drawings and paintings of varying size explore the scientific, art historical, and philosophical aspects of pattern. Her lifelong repertoire of work rests on the premise that the pursuit of form, repetition, organization, and its arrangements are as vitally important and determining as the finality of the image itself. Pettijohn Schade studied at The Cooper Union for the Advancement of Science and Art in New York, NY in 1995. In 2012-13, she traveled to France on a Fulbright U.S. Research Scholars Grant to work with a collection of 18th century textile paintings, many completed by anonymous women laborers. The title of her third solo exhibition at Kai Matsumiya Gallery, The Hard Problem, on view until June 17, refers to the question of how physical matter gives rise to consciousness. Recent exhibitions include Our Secret Fire at Hirschl & Adler Modern, New York, NY; Less is a Bore: Maximalist Art & Design, curated by Jenelle Porter, Institute for Contemporary Art, Boston, MA; and deCordova New England Biennial 2019, curated by Sarah Monstross, deCordova Museum, Lincoln, MA. Zoe Pettijohn Schade Mirrored Pyramid, 2021 gouache with dyed silver leaf on paper 10½ x 10½ in. 26.67 x 26.67 cm. Zoe Pettijohn Schade Attempts at Self-Organization 7, 2020 gouache with dyed silver leaf, oxidized silver leaf, composite leaf on paper 19 x 13¾ in. 48.26 x 34.92 cm. Zoe Pettijohn Schade, Attempts At Self Organization 8, 2021, Gouache with dyed silver leaf, toned aluminum leaf, copper leaf, gold leaf, and palladium leaf on paper, 22¼ x 18⅛ in. 56.52 x 46.04 cm.

Introducing the up-and-coming self-taught commission artist from Salt Lake City, UT… Sinisterlore! Yes! our favorite watercolor/ink artist has come back to the zoom room to hang out with Tony and me! Let's cut right to the chase here. This woman has stickers for sale right now! Ah hell yeah, stickers! We LOVE stickers. Stickers on my car, on my toolbox, on your skateboard (don't forget your helmet!), on your cooler, on your skies, office, kid, wall, dog… you know you love stickers! You don't want just any sticker either. You want a “one of a kind” “unique” sticker that makes people think and feel inspired. You want impressive and amazing stickers from a local artist. Do you know how chic that is? What if you are not from UT? Well then, if you have a sticker from an artist that is not local then that makes you an artist connoisseur! In this episode Sinisterlore tells us more about her ink/marker pieces, watercolors, inspirations and what she has planned for her new online store on Storenvy.com! She tells us a little about working on Gouache, color theory, and the exciting news about re-opening her commission art soon. Be sure to follow her on linktr.ee/SinisterLore for contact information and the latest updates or if you would like to order prints, stickers, or a personal piece made just for you (commission art). This gracious artist is known for painting exclusive pieces to be donated to great causes such as the 2020 Goddess Gala for The Christmas Box House and the 2021 For the Love of Brian cancer fundraiser. She has also donated numerous mystery bundles of stickers and mini prints to charity raffles. Sinisterlore, is definitely the next emerging artist to watch!

@Alovethapoet and @Deemobius speak with @SmassiusClay about visual art, inspirations, and blerd shit! When you got friends this great, your enemies cower in fear!Socials:David Houston@SmassiusClay Twitter, Insta,https://www.linkedin.com/in/david-houston-8aa9a380?original_referer=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2FAaron F. Henderson: https://artcloud.com/artist/aaron-f-hendersonGood random links:https://www.gameandfishmag.com/magazine/current-issue/386467https://paintspot.ca/top-10-reasons-to-love-gouache-painting/#:~:text=Gouache%20is%20workable%20and%20reworkable,even%20after%20the%20paint%20dries.&text=It%20is%20important%20to%20note,reactivate%20previous%20layers%20of%20paint.https://www.youtube.com/watch?v=5Viy3Cu3DLk

What you'll learn in this episode:   How Ukraine's built landscape has inspired Inesa's designs Why sketching jewels and gemstones is uniquely challenging, and which techniques can make this process easier What Inesa's students learn through Draw Me a Jewel classes Why technical and material innovation is essential for any jewelry brand that wants to last How the ability to draw jewelry can help a designer expand and communicate their ideas   About Inesa Kovalova   Coming from the architectural background, Inesa Kovalova started her career in jewelry with an internship in Van Cleef and Arpels and then worked for international fine and high jewelry companies. Driven by the recent challenges of the luxury industry, Inesa moves on to create jewelry reflecting our life today.   Art, design and architecture inspired, Inesa's jewelry explores the relationships between material, craftsmanship and design. Her pieces range from re-defined precious classics to contemporary 3d printed art jewels.   She is also the founder of Draw Me a Jewel, a jewelry illustration school and community for professionals and jewelry enthusiasts. Since launching online in 2020, more than 500 students all over the world have taken her courses. Inesa also teaches at Central Saint Martins, the Victoria and Albert museum in London and DiVA museum in Antwerpen. Additional Resources: Inesa's Website Inesa's Linker.ee Inesa's Instagram   Photos Available on TheJewelryJourney.com   Transcript: A jewelry designer doesn't have to draw to create beautiful jewels—but it certainly doesn't hurt. The ability to render gems and jewelry before creating them can help designers communicate ideas, market their brand, and show clients one-of-a-kind pieces before they're finalized. That's the idea behind Draw Me a Jewel, a jewelry illustration school founded by designer Inesa Kovalova. She joined the Jewelry Journey Podcast to talk about jewelry illustration techniques; why the definition of high jewelry should expand; and how her Ukrainian heritage inspires her architectural designs. Read the episode transcript here.  Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the second part of a two-part episode. If you haven't heard part one, please head to TheJewelryJourney.com. Today, I'm pleased to welcome Ukrainian jewelry designer Inesa Kovalova. In addition to her innovative jewelry designs, which clearly demonstrate her training as an architect, she's also the founder of Draw Me a Jewel, a school that teaches jewelry illustration. Welcome back.    Are all your courses virtual, or do you teach them in person too?   Inesa: They are 90% virtual, but I also collaborate with museums. When I was living in London, I was teaching a drawing gems course in the Victoria and Albert Museum, so it was an occasion to go and learn offline. It was a couple of years ago. Here I also collaborate with the DIVA jewelry and diamond museum. From time to time, maybe a couple of times a year, I run weekend master classes.    Sharon: This goes back to what I asked before. Can you teach this drawing virtually?   Inesa: Yes, that's very easy. It's video tutorials. There's online education everywhere.    Sharon: I know you've lived all over the world because you're talking to us from Amsterdam. You've lived in London. You started interning at Van Cleef. How did you find the influence of architecture and being Ukrainian and high jewelry? How did you find that?   Inesa: In the very beginning, you can clearly read architecture influence in my jewels. When I think about the architecture that inspired it, it was really unconscious influence. I grew up in an industrial town. There was a lot of machine building production, as it is a big industry in the area. When you think about steelworks plants, you have a lot of straight lines, a lot of volumes intersecting, sometimes just due to practical reasons, not because of the design. The design is completely rational, and there's this heavy industry. It's how it looks inside. When you see the plant from a distance, you see a lot of straight lines intersecting, and then you can see lights blinking here and there. That's actually how things inside look. The same metalworks plant still exists in Donetsk. In my hometown, there was a commercial building plant. This was one of the largest in the Soviet Union during Soviet Union times, and on a Ukrainian scale, it was quite a big production center.   I never thought about this architecture as an inspiration for my work. I thought mostly about master plans. I worked in urban planning. When you look at the city, you see the master plan. Many cities have straight grids, so when I worked on my first collection that was called Urban, influences—   Sharon: Which was what? I'm sorry.   Inesa: The name of my first collection, which was my collection from Central St. Martins. I named it Urban.   Sharon: Urban?   Inesa: Urban, yeah. It was definitely an influence of architecture. Afterwards, when I started showing my pieces to my friends I studied with in Ukraine from the same landscape, they all recognized the influence of industrial architecture. They basically recognized all the commercial building plants. It was a friend of mine who said, “Well, I don't know what inspires you to design this way, but I can clearly see the metalworks part in it.” It was really insightful.    Indeed, when I look at my mood boards, I have a lot of grids; I have a lot of lines. I think it's all together. When studying architecture, I was really interested in industrial areas. One of my diploma projects was about revitalization of industrial areas, like how to bring abandoned industrial sites to life. I even forgot about it when I started designing jewelry, but all of a sudden it pops up very unconsciously.   Sharon: Do you find you have other influences unconsciously, say, high jewelry or modernist or art jewelry?   Inesa: Yes, obviously, like French modernists at the beginning of the previous century. They are my great inspiration. That's actually another point and driver of my research. I always look at materials and techniques, how they influenced the jewelry industry. When we think 100 years back, it was exactly what the Exposition of 1925 brought into jewelry. It was all about new materials. It was all about new industrial inspiration at that moment. Now our world has changed completely, so we have much more innovative materials developed that are not perceived as precious, but they do find their place in jewelry, including high jewelry.    I really believe the definition of high jewelry should expand. The closest one, to me, seems to be the definition given by the Committee of Exhibition when they describe what modern jewelers should aim for and what they are willing to accept to exhibit at an art fair. They look for innovative and excellent craftsmanship and excellence in design. There are few companies that really make jewelry an art. Without any technical or material innovation, when we go back to traditional jewelry and we keep on producing the same things for 100 years, it becomes much less interesting. What I take from modernism as my inspiration is that I love to have jewelry that is from today, from this century.   Sharon: When did you decide you wanted to have part of your business be illustration, as opposed to 100% of your business doing design?   Inesa: When I started the illustration school, it was probably a lucky chance. It all came from passion. I really like jewelry painting and I love drawing by hand. There was a moment when I was not yet working anywhere abroad, but I saw more and more digital models replacing drawing, and I was worried that people had stopped drawing. I had students. I had people who wanted to learn, and it just grew naturally. There were people asking for classes. When there were too many people, it was completely reasonable to make a group and teach a group class. Then when there were even more people from different cities, it was completely reasonable to record. In fact, our illustration school is a wonderful community of people. I met so many people thanks to it. I love it.   Sharon: Do you teach other things besides hand drawing? Do you teach people how to use CAD?   Inesa: No, it's very specific. It's a couple of techniques I find important working in jewelry design. Gouache is a great tradition. It's purely for external communication when I talk to clients. Sometimes gouache might not be reasonable for smaller productions. There are people whose process through making, not through drawing. That's also completely fine, but when I think about gouache, I think of a particular craft that is a pleasure of its own and could have no practical implementation. As a sketching technique, it's essential for any designer who would make it specific for jewelry. We don't sketch a building or an apartment, but we do sketch a ring. So, it's something for people to understand. It's super helpful for many designers when they communicate with jewelers, when they communicate inside the company, when they quickly need to sketch their ideas to explain.   Sharon: Has anybody brought you a design or an idea that's art jewelry or made of very different materials, and you felt like, “What is this?” or “Can I help?”   Inesa: It's also myself. My 3D printed jewels, I cannot draw them. So, when making them, I don't start with a drawing. I do, but it's mostly a compositional drawing. Then I have my own process that is based on making. I cannot design that sort of jewel just with a pencil in my hand.    Sharon: Have people come to you and said, “I'm afraid to take your class because you might steal my designs”?   Inesa: Yes. You may see my designs. Luckily, this didn't happen. Of course, confidentiality is a thing in the jewelry business, but there were more people coming and saying, “I'm afraid to take a class because I'm not sure if I will be able to draw it.” Someone could stay afraid, but there are those who dare to try. They do.   Sharon: But they haven't brought you anything you couldn't help with, that you couldn't shed some light on?   Inesa: No, I haven't had that yet. When it's something I don't know how to draw, I try to look for a solution with the person. Last year, I ran a masterclass. They all had different ideas, very brave, very experimental ones. Something could be more difficult to draw than simple classical designs, and then I tried to break the jewel into smaller, more understandable parts. Sometimes I looked for examples of how it could be done to try to come up with idea of how to illustrate a jewel in a way that will translate what this jewel is about. We might keep some detailing, for example, that can give an impression of the volume. We can help a person to understand what is in front of us.    Sharon: Do you consider yourself an artist or an illustrator? What do you consider yourself?   Inesa: I consider myself a designer. I like to think about ideas and concepts. Then, when it comes to designing objects, that is a result of an extensive thinking process and research.   Sharon: I also use the example of you're at a party or work event and people say, “What do you do?” You say you're a designer.   Inesa: I say I'm a designer. When they ask, “What do you design?” I say jewelry. Most of the people there are very surprised, because there are not many jewelry designers working on the streets. There are, but you need to know where to look.   Sharon: If I heard somebody say they're a designer, I'd want to know, “Can you design a cup for me? Can you design this for me?”   Inesa: When a person is a designer they can design anything. Of course, maybe you will need to study. You'll need to research how to design specific mechanisms. You need to learn the process, what is happening with the object, how people use it or what this object should do. Then you probably will be able to come up with a solution.   It's a great thing from architecture. It's all about thinking three-dimensionally. It's also about thinking about the contexts, about a bigger city as a living organism and the intersection of different spheres, like social, sometimes political. You think about all this when designing a city. Of course, you don't think that when designing a material; you think about other things. You think about the processes in your flat: how you open a cupboard, how you take your cup out of it, and that drives the design solutions.   Sharon: Do you ever look at people's jewelry they have on and say—   Inesa: I do look. I don't always dare say, but I memorize jewels well. I might forget the name, but I would remember the jewel.   Sharon: But do you look at the jewel and think, “I would have done it this way instead”?   Inesa: No.   Sharon: No, O.K.   Inesa: I think it's very personal. There are so many different reasons and so many different options a person chooses. I find it's very, very personal. You could just be happy that a person found what she or he likes.   Sharon: Do you start your school with people signing a confidentiality agreement? It seems like you would be inspired or have the influence to buy their ideas or what they're trying to do.   Inesa: No, we don't sign those types of confidential agreements because everything is not about design; it's about illustration. People can work with their own designs since they would like to illustrate during the process, but we also work a lot with references of existing jewels. You choose what you want to draw and then you draw it.    Sharon: How did you learn about gems and jewels if you didn't study it? You studied architecture and illustration, and you said you learned about how light reflects on different gems and jewels. How did you learn about that?   Inesa: How light reflects in general I learned from art school. Then I studied in a creative academy. It's a private school run by Richemont Group in Milan. It's a very specific training for people who'd love to work as designers for luxury brands. The school teaches you a lot about the luxury industry, starting from marketing management and communication. They also have specific training in illustration and design and different techniques you might need to apply. So, the courses are a combination of what I practice myself as a designer and what I know from art and architecture school. I put together a lot of insights from different learning experiences, and, of course, it all comes from practice.   Sharon: Did you have to learn different illustration techniques for new things like 3D printing?   Inesa: Yes, I had to learn 3D. We design these integrated structures that I print with a 3D printer afterwards. I cannot brief anyone to design it for me, so I have to open the program and do it myself. I had to learn at least the basics of the program. I'm not a very advanced user. I know things that I need to create my volumes, but if I would need to create something else, I would look for tutorials and probably would do it that way.   Sharon: I really appreciate you being with us today. I hope next time we'll hear a lot more about the school and the people who come and your designs. Thank you very much.   Inesa: Thank you, Sharon. It's been a pleasure to talk to you.   Sharon: It's been so nice to talk to you.   We will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out.   Thank you again for listening. Please leave us a rating and review so we can help others start their own jewelry journey.

Ungewöhnlich modern wirkt dieses leicht und locker dahin geworfene Bild, gemalt 1827 von William Turner. Keine spektakulären Schiffskollisionen oder Naturkatastrophen, die Turner sonst gerne darstellte, begegnen uns hier, sondern zwei Billardspieler. Sie drehen uns den Rücken zu. Wir haben keinen Einblick in die Lage auf dem Billardtisch in einem hohen Raum mit reich verzierten Wänden und Decken in einem Herrenhaus, dem Petworth House in der Grafschaft West Sussex. Ist das Leben nicht auch ein Billardspiel? Inwieweit können wir den Spielverlauf vorhersagen und beeinflussen? Das sind die Fragen, die ich mir stellte, als ich Turners kleines Gouache- und Aquarellbild sah und damit war es die erste Wahl für die Silvesterausgabe von „Kunst musst Du nicht verstehen“. Wenn dieser Podcast Dein Leben bereichert und Du meine Arbeit unterstützen möchtest, kannst Du das hier tun: https://www.paypal.me/astridblohme. Ich freue mich über Deinen Beitrag! Musik: Food for thought von III Kitchen Keep it easy von RA Orange Clouds von Oliver Massa

We are thrilled to share a beautiful conversation with our friend Greg Cottrell from Concord & 9th. We love how close-knit and supportive the companies are in the paper crafting industry, and it's always a treat to hear from Greg! Learn all about Greg's experiences designing products, how his company has evolved over time, his role as a parent of five kids, and the right way to pronounce Concord.Check out Artistry by Altenew website:Artistry by Altenew | Watercolor, Markers, & Art Supplies – ArtistrybyAltenewInstagram: https://www.instagram.com/artistrybyaltenew/Facebook: https://www.facebook.com/Artistry-by-Altenew-102472322591073YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCCY0ifFqCq6irkxFZeQGrXgPinterest: https://www.pinterest.es/artistrybyaltenew/Craft your life with Altenew! Follow us for more design inspiration:Instagram: https://www.instagram.com/altenewllc/Facebook: https://www.facebook.com/altenewYouTube: https://www.youtube.com/altenewPinterest: https://www.pinterest.com/altenew/Card blog: https://www.blog.altenew.comScrapbook blog: https://www.mixedmedia.altenew.comVisit https://www.altenew.com to shop for your crafting stash.Contact our Customer Happiness Team at support@altenew.com if you have any questions.

How is Artistry different from Altenew? Is this new company replacing the products crafters love? What does gingerbread have to do with embossing folders? In this episode feature with not one, but two special guests, we hear all about the launch of Altenew's new sister company, Artistry by Altenew. This enlightening conversation with Altenew CEO, Nabil Rab, and President, Tasnim Ahmed, will keep you inspired and up-to-date on the latest big changes at Altenew.Check out Artistry by Altenew website:Artistry by Altenew | Watercolor, Markers, & Art Supplies – ArtistrybyAltenewInstagram: https://www.instagram.com/artistrybyaltenew/Facebook: https://www.facebook.com/Artistry-by-Altenew-102472322591073YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCCY0ifFqCq6irkxFZeQGrXg Pinterest: https://www.pinterest.es/artistrybyaltenew/Craft your life with Altenew! Follow us for more design inspiration:Instagram: https://www.instagram.com/altenewllc/Facebook: https://www.facebook.com/altenewYouTube: https://www.youtube.com/altenewPinterest: https://www.pinterest.com/altenew/Card blog: https://www.blog.altenew.comScrapbook blog: https://www.mixedmedia.altenew.comVisit https://www.altenew.com to shop for your crafting stash.Contact our Customer Happiness Team at support@altenew.com if you have any questions.

Kyle Thurman (b. 1986, West Chester, PA) lives and works in Brooklyn, New York. In 2016 he received an MFA in painting from the Milton Avery Graduate School of the Arts at Bard College. From 2011 to 2012, Thurman studied with Christopher Williams and Peter Doig as a guest student at the Kunstakademie Dusseldorf. In 2009 he received his BA in Film Studies and Visual Arts from Columbia University. Most recently, Thurman was included in the 2019 Whitney Biennial curated by Rujeko Hockley and Jane Panetta; his work is now included in the permanent collection of the Whitney Museum of American Art. Other recent solo and group exhibitions include Central Fine, Miami Beach, FL; The Meeting, New York, NY; Sophie Tappeiner, Vienna, Austria; 1301PE, Los Angeles, CA; Off Vendome, New York, NY; The Cleveland Triennial, Cleveland, OH; Parapet Real Humans, St. Louis, MO; Hannah Hoffman Gallery, Los Angeles, CA; Cookie Butcher, Antwerp, Belgium; Office Baroque, Brussels, Belgium; Kostyal, London, England; Benevento, New York, NY; OFFSITE, New York, NY; Bodega, New York, NY; MOCA Tucson, Tucson, AZ; Fluxia Gallery, Milan, Italy; Laurel Gitlen, New York, NY; Dickinson Gallery, New York, NY; Galeria Marta Cervera, Madrid, Spain; Lisa Cooley and Laurel Gitlen, New York, NY; Room East, New York, NY; Middlemarch, Brussels, Belgium; Nudashank, Baltimore, MA; Shoot the Lobster, Miami, FL; Maison Particuliere, Brussels, Belgium; West Street Gallery, New York NY; Eleven Rivington, New York, NY; Clearing, Brussels, Belgium; M and B Art, Los Angeles, CA; Martos Gallery, New York, NY; Printed Matter, New York, NY; and The Mercantile Fiction Library, New York, NY among others. The artist's upcoming exhibitions include Central Fine, Miami Beach, FL and Sophie Tappeiner, Vienna, Austria. Kyle Thurman Dream Police (My neck) 2022 Acrylic dispersion, gouache, oil, and watercolor on PVA primed paper and Dibond panel in artist's frame 49 7/8 x 73 7/8 x 2 7/8 in 126.7 x 187.6 x 7.3 cm Image courtesy the artist and David Lewis. Kyle Thurman Forest (our shadow) 2022 Gouache, graphite, oil, and watercolor on PVA primed paper and Dibond panel in artist's frame 49 7/8 x 73 7/8 x 2 7/8 in 126.7 x 187.6 x 7.3 cm. Image courtesy the artist and David Lewis. Kyle Thurman Crown (model monument, emotion) 2022 with altar by Lesser Miracle Patinated bronze and wood Sculpture Dimensions: 21 1/10 x 21 1/10 x 21 1/10 in 53.6 x 53.6 x 53.6 cm Altar Dimensions: 30 x 70 x 33 in 76.2 x 177.8 x 83.82 cm. Image courtesy the artist and David Lewis.

Today, your Bad at Sportscenterers take refuge in Diane Christiansen's room at the Chicago Cultural Center's exhibition An Instrument in the Shape of a Woman. Her enrapturing paintings and animations play tricks in the cosmic sands as we feel and laugh our way through the existential biggies, buoyed by bodies, icons and acorns. Curator Annie Morse helps lead our sense of the exhibition and takes us through the long, pandemic-wrought fraughtness that permeates the space. Part one of a three part series!   https://rulegallery.com/artist/diane-christiansen/ https://www.chicago.gov/city/en/depts/dca/supp_info/instrument.html   image: Diane Christiansen, Last Days of Capitalism, 2020, Gouache, acrylic, ink and plaster on paper, 55 x 50 in.

In this episode you will learn why M Graham:Watercolors are made with Northwest blackberry honey. Gouache is made in the time-honored tradition of binding pigment with pure honey and gum arabic, just as it was for Dürer and Boucher. Providing superior coverage and a creamy application.Acrylic artists' color are made with the same devotion and craftsmanship that they use in their traditional media: small batches, quality ingredients, and the highest concentrations of color possible.For more information on all of the M Graham products click here.Art Supply InsidersClick here to subscribe & follow (and be notified of every new podcast): Subscribe & FollowPlease leave a comment (we love feedback!): CommentsSupport the show

Un épisode enregistré en direct du 95e congrès de l'Ageem intitulé « Vive le temps de l'école maternelle ». Les invitées se succèdent pour interroger les spécificités du temps de l'école maternelle. Brigitte Munch, psychologue et psychothérapeute, Sonia Sautet-Cournil et Charlène Schiltz, enseignantes en maternelle, travaillent sur l'importance de vivre pleinement le temps dans ses dimensions humaines. Véronique Boiron, chercheuse en épistémologie et didactique des disciplines, montre que, avec la littérature jeunesse, le temps des histoires est une histoire de temps. Cécile Grasset et Hélène Zavattin, enseignantes en maternelle, nourrissent leurs projets pédagogiques par les valeurs du temps long, qui fait grandir et devenir un citoyen éclairé. Site du congrès de l'Ageem. Inspiration des invitées : le mur sonore interactif. La transcription de cet épisode est disponible après les crédits. Chaque dernier mercredi du mois, découvrez un nouvel épisode de « Parlons pratiques ! » sur votre plateforme de podcasts préférée. Suivez-nous, écoutez et partagez… Retrouvez-nous sur : Extraclasse.reseau-canope.fr Apple Podcasts Spotify Deezer Google Podcasts Podcast Addict Extra classe, des podcasts produits par Réseau Canopé. Émission préparée et animée par : Hélène Audard et Régis Forgione Directrice de publication : Marie-Caroline Missir Coordination et production : Hervé Turri, Luc Taramini, Magali Devance Enregistrement et mixage : Simon Gattegno Secrétariat de rédaction : Nathalie Bidart Contactez-nous sur : contact@reseau-canope.fr © Réseau Canopé, 2022 Transcription : RÉGIS FORGIONE : Bonjour et merci de nous rejoindre pour cet épisode « Parlons pratiques ! » en direct. Nous sommes Hélène Audard et Régis Forgione, en direct du 95ᵉ congrès de l'Ageem qui nous accueille à Boulazac, à quelques encablures de Périgueux. HÉLÈNE AUDARD : L'Association générale des enseignants des écoles et classes maternelles publiques, une vénérable organisation centenaire. Ce n'est pas rien. Et qui, cette année, propose la thématique « Vive le temps de l'école maternelle ». RF : Ça tombe plutôt bien car tout le mois de juillet, Extra classe va prendre le temps de s'intéresser à la maternelle, avec des épisodes des « Énergies scolaires » et ce « Parlons pratiques ! ». Pour cet épisode particulier, en direct du congrès de l'Ageem, nous nous penchons sur le temps de et le temps à l'école maternelle. HA : Le temps dans toutes ses dimensions : celui vécu par les enfants, le temps social de l'école et celui que les jeunes élèves de maternelle vont apprendre à construire grâce au langage, mais aussi aux récits ou encore à l'observation de la nature. RF : Plusieurs invitées vont se relayer au micro. Pour ceux qui sont sur le direct, vous les voyez déjà à notre micro. Pour cette table ouverte, nous allons parler de ce sujet. HA : Nous allons commencer par oser prendre le temps du bien-être avec vous, Brigitte Munch. Bonjour. BRIGITTE MUNCH : Bonjour. HA : Alors, vous êtes professeure de philosophie, psychologue, psychothérapeute en haptonomie, vous êtes spécialiste des questions relatives au développement affectif et membre du conseil scientifique de l'Ageem. Alors, quand on parle du temps, on parle de plusieurs choses. Comment vous définiriez ces différentes dimensions du temps ? BM : Eh bien, il y a un temps objectif que nous connaissons tous, qui est celui dans lequel nous pouvons nous rencontrer, qui est le temps de la matière. C'est-à-dire le temps que nous avons l'habitude de scander en secondes, en minutes, en heures, etc., qui nous permet de nous retrouver mais qui n'est pas le temps de la conscience. À l'intérieur de nous, nous vivons dans un autre temps, qui est le temps de nos impressions. Le temps peut nous paraître extraordinairement long quand on attend quelqu'un qu'on aime et extraordinairement court quand on a rejoint cette personne. C'est un temps qui est défini par nos vécus affectifs. Et puis, il y a un troisième temps et c'est celui-là qui nous intéresse le plus ici, parce qu'il est souvent méconnu et oublié. C'est le temps de la rencontre. Ce sont les moments suspendus de la vie qui laissent des traces inaltérables en nous et qui sont liés à un moment de communion, de compréhension mutuelle, très fort avec un autre être, quelquefois même avec un paysage ou avec une œuvre d'art, etc. Ces moments laissent des traces dans une autre forme de mémoire, qu'on appelle une mémoire affective, qui est plus de l'ordre du souvenir et qui détermine notre manière de vivre. Donc, si on ne voit pas dans quel type de temps est un enfant, s'il est dans ce type de temps intérieur et qu'on ne le laisse pas vivre ce moment-là, c'est une forme de violence éducative. Et si, à l'inverse, on respecte ce temps intérieur, ce temps de la rencontre, on crée avec lui des liens extraordinaires. RF : Sonia Sautet-Cournil, bonjour. SONIA SAUTET-COURNIL : Bonjour. RF : Alors, si je ne dis pas de bêtises, vous êtes enseignante à l'école maternelle du Lardin-Saint-Lazare en Dordogne. SSC : C'est bien cela. RF : Et vous avez des toutes petites sections et des petites sections. SSC : C'est bien cela. RF : Et donc, vous travaillez cette année autour d'un projet sur l'accueil. Je vais faire mon naïf et demander ce que vous entendez par « accueil »… C'est ce fameux temps, le matin, où on accueille les élèves ? SSC : Alors, c'est ce qu'on peut penser quand on est enseignant. Et on se rend compte que, accueillir un enfant… On l'accueille toute la journée, du matin à son départ, le soir. Ce sont toutes les attentions qu'on va lui donner. C'est accueillir un moment difficile pour lui. L'accueil, c'est l'échange, c'est du temps partagé, c'est un échange qui peut être individualisé… « Prendre le temps » de passer du temps avec nos élèves. HA : Vous avez travaillé cette année toutes les deux, avec d'autres enseignantes aussi, sur un projet autour de l'accueil. Est-ce que vous pouvez nous en dire quelques mots ? Brigitte Munch, par rapport aux objectifs ? Qu'est-ce que vous souhaitiez faire passer, faire travailler ? BM : Eh bien, comme le thème du congrès est le temps, cette équipe m'a sollicitée, justement, pour que nous travaillions sur une manière différente de concevoir le temps de la classe. Il y a les injonctions de programmes, d'emplois du temps, etc. Et puis, à l'intérieur de ça, ben justement, il y a la rencontre entre l'enseignant et chaque enfant. Et les très jeunes enfants ont besoin de se sentir accueillis et reconnus par l'adulte, de manière très régulière, tout au long de l'école maternelle. Sinon, ils sont pris dans une masse et ils sont rendus anonymes et, souvent, ils n'ont pas la sécurité affective qui leur permet de rester ouverts, curieux et de participer. Voilà. RF : Sonia, on sait le foisonnement d'une classe de maternelle pour qui a juste pu observer, même quelques minutes, ce qui peut s'y passer. Et on a l'impression que l'enseignante de maternelle, elle doit être multitâche. Elle doit faire 1 000 choses à la fois et en fait, c'est le cas. Et il y a cette notion de prendre le temps de s'occuper de chacun individuellement. Comment on rend les choses « compatibles », quelque part ? SSC : C'est justement cette mission qui est importante pour nous, les enseignants : apprendre à ne pas multiplier les tâches. Quand on est avec un enfant, on doit lui accorder notre attention entière et complète. On ne peut pas répondre à un adulte qui se trouve à côté tout en faisant travailler un groupe d'enfants. L'attention doit être portée à chacun, ou à un instant T. HA : Ça veut dire, Brigitte Munch, organiser aussi le temps de la journée, de la semaine – et peut-être même jusque l'année – pour prendre en compte les besoins des enfants ? C'est une autre organisation du temps ? BM : Je dirais, c'est plutôt laisser des espaces vacants à l'intérieur de l'organisation du temps. Laisser des espaces de disponibilité qui permettent à l'enfant de se manifester. Trop souvent, on attend de lui qu'il réponde à nos attentes, à nos injonctions pédagogiques. Alors qu'un très jeune enfant a besoin d'exprimer ce que ça lui fait, à lui, de vivre ce qu'on lui propose de vivre, que ce soit peindre, apprendre, dessiner, etc. C'est laisser l'espace pour que l'enfant s'adresse à nous et nous manifeste son extraordinaire créativité. Et une intelligence qui dépasse l'intelligence purement corticale, purement cognitive. RF : Sonia Sautet-Cournil, quand vous êtes en classe – j'imagine en tout cas –, quand on débute dans le métier… On voit très souvent ces fameuses cases, je pense à ça… On parle d'emploi du temps. Vous savez, on met telle partie de telle heure à telle heure, et il y a des transitions plus ou moins souples. Mais ce sont des cases assez contraintes. J'ai l'impression que c'est antinomique avec votre approche, non ? SSC : Oui, effectivement, il faut être un peu plus souple sur la notion de temps. Quand un enfant a un besoin à un instant T, il faut lui répondre. Quand un groupe d'enfants nous questionne sur un élément qui est important, il faut lui répondre à ce moment-là. On ne peut pas passer à l'activité prévue initialement, l'activité de mathématiques par exemple. HA : Qu'est-ce qui se joue particulièrement en maternelle ? Parce que cette approche que vous proposez, finalement, on pourrait l'imaginer à tous les niveaux, pour tous les enseignants. Là, on est axé sur cette période très particulière de la maternelle, sur des âges… D'un âge à l'autre, on peut imaginer que les réactions sont très différentes, l'évolution des enfants est très rapide. Qu'est-ce qui se joue là ? BM : Moi, je dirais que la spécificité de l'école maternelle, c'est qu'on est avant l'âge de raison. C'est-à-dire que le langage n'est pas encore un langage de dialogue, entre deux subjectivités. Il faut que nous accueillions l'enfant – ce que dit Sonia – dans ce qu'il est en train de vivre, parce qu'il ne peut pas le différer et il ne peut pas encore le mettre au regard de ce que demande l'adulte. Il n'est pas encore capable de se décentrer à ce point. Et ça, aujourd'hui, on demande ce décentrement dès l'âge de 4 ans. Alors qu'on sait très bien, depuis Jean Piaget [psychologue suisse connu pour ses travaux sur les stades du développement de l'enfant et sa théorie sur l'apprentissage] – et toutes les neurosciences le confirment –, que l'enfant n'en est pas capable avant 7 ans. Donc, il s'agit d'accueillir pour pouvoir créer la complicité affective qui va permettre la suite. RF : Sonia, est-ce que c'est dans cette complicité qui se joue avec les élèves que l'enseignant doit aussi aborder un certain lâcher-prise ? On a l'impression que les structures habituelles sont un peu plus lâches, qu'il faut prendre le temps, justement, de tisser tout ça. Qu'est-ce que ce projet a transformé, pour vous, dans vos pratiques professionnelles ? SSC : Alors, les pratiques… Quand on échange avec Brigitte Munch, je vous assure que nos pratiques professionnelles changent ! Parce qu'elle fait qu'on s'interroge beaucoup sur ses pratiques et qu'on regarde notre classe avec un autre œil. On prend le temps d'observer la classe, ce que je ne faisais pas quotidiennement, auparavant. Là, je prends le temps de lâcher prise, de lâcher ma pratique professionnelle pour regarder ce qui se passe et pour ajuster, justement, quotidiennement… Être au mieux, au plus près de chaque enfant, au plus près du groupe-classe aussi. Et l'important se trouve là. HA : Sonia, merci beaucoup. SSC : Merci à vous. HA : En fait, on fait une table tournante et on va laisser la place à une nouvelle invitée pour poursuivre sur cette thématique. Brigitte Munch, pendant que notre prochaine invitée s'installe… En fait, vous nous disiez, finalement, que ce qui se jouait là, ça avait un impact sur toute la scolarité ensuite. C'est maintenant que ça se passe, finalement, au moment de la maternelle ? BM : Oui, tout à fait. Et de ce point de vue-là, la problématique du temps est vraiment importante parce que je crois que l'idée, c'est de pouvoir éventuellement faire ce qu'on appelle habituellement « perdre du temps », qui n'est pas perdu d'ailleurs, pour en gagner. Refuser de prendre en compte la sécurité affective de l'enfant dans la relation avec l'enseignant dès les premières années de l'école, c'est se préparer à des difficultés par la suite, parce que les enfants restent sur cette frustration. Si, au contraire, on répond à ce besoin, l'enfant est apaisé et il va être beaucoup plus ouvert à ce qu'on voudra lui transmettre. Et paradoxalement, plus capable d'accepter les contraintes. HA : Nous avons parlé, donc, de l'importance de prendre le temps avec les enfants et avec notre prochaine invitée, on va plutôt parler maintenant de prendre le temps avec les parents. RF : Exactement. On reçoit au micro maintenant Charlène Schiltz. Bonjour ! CHARLÈNE SCHILTZ : Bonjour. RF : Alors, vous êtes professeure des écoles en toute petite section à l'école maternelle de la Crayère à Épernay [Marne, 51], et vous avez mené un projet – notamment avec Brigitte Munch – pour créer des temps partagés avec les parents. C'est ça ? CS : C'est ça. Alors, l'année dernière, en fait, on a participé à une recherche-action avec Brigitte Munch, en travaillant sur l'aménagement de l'espace pour le bien-être des tout-petits. Donc, on a fait évoluer l'espace en fonction des besoins et on s'est rendu compte… On avait donc répondu aux besoins cognitifs, aux besoins moteurs, aux besoins sociaux, etc. Mais on s'est dit qu'il manquait quand même quelque chose au niveau des besoins affectifs et on s'est questionné sur le temps des parents. Donc, c'est pour ça que cette année, la recherche s'est plus basée sur le temps des parents. HA : Alors expliquez-nous un petit peu comment ça s'est déroulé sur l'année. Il y a eu différentes étapes ? CS : Il y a eu trois temps. Au début de l'année, le premier temps consistait à apprendre à connaître les parents. Donc, pour ça, on a réalisé un questionnaire avec notre éducatrice jeunes enfants et l'enseignante qui était normalement sur le poste, Sandrine Legris-Vitry – qui a participé à la recherche l'année dernière. On a créé ce questionnaire qu'on a fait passer en entretien individuel [dans un second temps]. Donc, ce n'était pas un questionnaire à proprement parler. Et on a recueilli, en fait, leur vision de l'école, mais aussi leur vécu scolaire à eux, et leurs attentes par rapport à l'école, ce qu'ils voulaient faire dans la classe, etc. Et à partir de ça, toute l'année, on a proposé des interventions avec mon Atsem – qui était partant aussi, parce que c'est très important… Des interventions, donc, des moments en classe, des sorties, un projet imagier qu'on a réalisé avec Clémence Gouache [illustratrice jeunesse et enseignante en arts appliqués], etc. Et à la fin de l'année, donc, il y a eu ce troisième temps, où on a évalué l'impact de ces interventions sur leur vision de l'école, sur leurs craintes, etc. Et on a vu qu'il y avait un changement par rapport à ces interventions. On a vu qu'au début, j'avais quand même 52 % des parents qui avaient des craintes au niveau scolaire, donc différentes craintes, et à la fin, on s'est retrouvé à 11 %. C'est donc qu'il y a eu un bel impact sur leur vision de l'école. RF : Et pour le coup, donc, c'est un projet de recherche-action, donc basé sur des données, là où parfois on est plus juste sur du ressenti, on dit : « Là, voilà, je vais transformer ma pratique professionnelle à partir de ça. » Là, il y a des données concrètes. Vous dites : « Bon, c'est des questionnaires, mais on les a vus ensemble. » Voilà, c'est quelque chose de travaillé [sur lequel] vous pouvez vous appuyer pour transformer vos pratiques par la suite ? C'est ça l'idée, aussi ? CS : C'est ça. En fait, il y avait ces questionnaires de début d'année et de fin d'année, et après chaque intervention, il y avait aussi un petit questionnaire dans lequel on leur demandait ce que ça [leur] avait apporté. Et moi, j'avais aussi un tableau d'observation de l'enfant. Parce que c'est avant tout pour le bien-être des enfants qu'on a fait ça, pour voir un petit peu s'il y avait eu un impact. Par exemple, j'ai une petite qui refusait de faire de la peinture et une fois que sa maman est venue au mois de novembre pour faire de la peinture avec elle, eh ben, hop, elle s'est mise à en faire après, et sur toute l'année. Et donc, on se dit : « Bon, ben, c'est super, quoi ! Dès qu'ils ont confiance en nous parce que le parent est entré dans la classe, ben là, on sait qu'il y a quelque chose de gagné. » Et donc, j'ai fait des statistiques, justement, pour pouvoir comparer. Et aussi par rapport aux différents moyens de communication qu'on a dans la classe – des petites boîtes de langage, des sacs à histoires, des cahiers de vie, etc. –, pour savoir en fait ce que ça leur avait apporté : est-ce que ça leur a permis de faire partager ça à leur famille ? ou de comprendre ce que leur enfant apprenait ? etc. Et à partir de là, je vois à quoi sert tel outil. Et à partir de ça, je vais pouvoir aussi modifier chaque outil pour essayer de remonter un petit peu ce que ça leur apporte. HA : On sait que dans ces problématiques de coéducation, ce n'est pas simple de faire venir les parents, surtout de manière assez régulière. Et il y a aussi un problème d'emploi du temps, tout simplement. Parfois, c'est compliqué pour eux aussi, de s'investir. Donc comment avez-vous travaillé ça ? Parce que vous avez eu des résultats assez spectaculaires. Je crois que vous avez peut-être 75 % des parents qui sont venus à un moment ou à un autre ? CS : C'est ça. J'ai eu presque 80 % des parents qui sont venus au moins une fois dans l'année. Et en fait, j'ai fait aussi en fonction de leurs horaires de travail. Alors, il y a beaucoup de parents qui ne travaillaient pas, donc, c'était aussi plus facile pour moi. Mais pour ceux qui travaillaient, je sais qu'ils ne travaillaient pas forcément avant 9 h 00, donc, hop, dès 8 h 20, on installait tout avec mon Atsem et on disait aux parents : « Bon ben, là, on fait telle activité à 8 h 20. Même si vous restez 20 minutes, vous restez 20 minutes. Du moment que vous avez partagé un petit temps avec nous, que vous avez un petit peu vu ce qui se passait dans la classe… » Et ça, c'était déjà gagné. Et eux, en plus, ils se sont aussi sentis inclus dans tout ça. Et ça les a aidés aussi à revenir à d'autres moments après, plus tard. RF : Brigitte Munch, dans vos travaux, vous parlez de qualité de présence. Elle est aussi là, la qualité de présence : avec les parents, autour de l'enfant, et l'enseignant de l'autre côté ? BM : Oui, oui, c'est un tabouret à trois pieds. Il y a l'enseignant, les enfants et les familles. Si on exclut les familles, c'est insécurisant pour l'enfant. Et vous dites très bien que la présence des parents apporte cette fameuse sécurité affective qui fait que l'enfant adhère beaucoup plus à ce qu'on lui propose. Et ça, ça devrait entrer dans les objectifs de l'école, notamment maternelle, que d'intégrer les familles de plein de manières. Parce que ça, c'est très important. Ça fait tomber la peur de l'école. Nous avons des mémoires de nos propres vécus qui font que beaucoup de parents sont inquiets, pour leurs enfants, quant à la réussite. Et ce type d'initiative désamorce ces peurs. RF : On est vraiment là – si je devais résumer un peu cette partie, dans ce qu'on disait tout à l'heure… C'est, entre guillemets : « perdre du temps » au petit âge pour en gagner sur toute la scolarité, et même au-delà de la scolarité, sur la qualité personnelle des élèves et même des personnes qu'il y a derrière ces élèves. BM : Voilà. Moi, je dirais : « prendre le temps » de résoudre les conflits ou les difficultés au moment où elles se présentent est un gain immense pour la suite. HA : Merci beaucoup à toutes les deux. CS : Merci. BM : Merci à vous. HA : On va passer à un deuxième temps de cette émission autour du temps : on peut le construire dans les apprentissages, avec notamment la littérature, les récits, les histoires et pour cela, nous accueillons Véronique Boiron. On lui laisse le temps de s'installer. Bonjour Véronique. VÉRONIQUE BOIRON : Bonjour. HA : Alors, vous êtes formatrice à l'Inspé de l'académie de Bordeaux, chercheuse au sein du laboratoire Lab E3D [Épistémologie et didactiques des disciplines] et membre du conseil scientifique de l'Ageem. VB : Exactement. RF : Alors, une première question pour vous, Véronique. On parle, naïvement peut-être, de « construire le temps ». Est-ce que ça signifie quelque chose ? VB : Oui, ça signifie quelque chose. Et en même temps, ce n'est pas tout à fait exact. C'est-à-dire que l'enfant a des relations avec le temps, sans en avoir la conscience, parce qu'il vit des expériences. C'est-à-dire qu'il vit l'expérience d'attendre : quand il est bébé, il attend qu'on vienne le chercher dans son berceau, qu'on lui donne à manger… Et puis, il va avoir des expériences plus ou moins heureuses d'attente, quand il rentre à l'école maternelle. C'est-à-dire, il va devoir attendre son tour, attendre pour parler, attendre pour jouer alors qu'il en meurt d'envie, mais on lui demande d'attendre un peu parce qu'il a des choses à faire avant… Et donc, c'est à travers ces expériences qu'il ressent des choses agréables, plus ou moins agréables, plus ou moins désagréables. Et en fait, en parlant avec lui de ça et en lui lisant des albums, par exemple, on va lui permettre de mettre en mots ce qu'il ressent, ses sensations, ses ressentis. Et surtout, il va comprendre que c'est partagé. C'est-à-dire que les autres enfants connaissent aussi l'ennui, savent aussi ce que c'est d'attendre, savent aussi ce que c'est que grandir, même si ce n'est pas la même chose pour un petit enfant de 3 ans et un enfant qui a 5 ou 6 ans, par exemple. HA : Donc, ça se construit par l'expérience personnelle et aussi par le partage avec les autres. VB : Oui. HA : Ça se construit aussi par ce que les enseignants vont mettre en place et donc, vous avez travaillé sur une recherche-action cette année, je crois ? Alors, vous pourriez peut-être nous en dire quelques mots ? VB : Oui. Alors j'ai travaillé avec trois collègues dans trois écoles maternelles différentes, en milieu très défavorisé, et on a beaucoup réfléchi à ce qui était en fait des évidences de l'école maternelle. C'est-à-dire, heu… Alors, je parle de mon domaine et de cette recherche-action en particulier : par exemple, des lectures d'albums qui sont presque toujours collectives. Et on a un peu interrogé cette évidence en se disant : « Finalement, dans ces lectures collectives, qui a le temps de comprendre ? qui a le temps de parler ? qui a le temps de s'émerveiller ? » Et donc, on a réfléchi à mettre en place des lectures avec des tout petits groupes et les collègues, au fil de l'année, ont entendu s'exprimer des enfants qu'ils n'entendaient jamais parler. Et puis, ils ont aussi proposé des relectures régulières d'une même histoire. Parce qu'en fait, ce qui est un problème, c'est qu'en proposant toujours des choses nouvelles, en « zappant » [continuellement], pour le dire comme ça, eh bien, les enfants n'ont jamais le temps, justement, de s'approprier, de comprendre qu'il y a plusieurs compréhensions, qu'il y a des moments où l'on ressent quelque chose de très fort pour un personnage et à une relecture, trois ou quatre jours après, eh bien, on s'attache plutôt à un autre personnage. Donc, on a beaucoup interrogé cette course en avant perpétuelle dans de la nouveauté, et on a plutôt installé des moments où on prend le temps de réécouter, de réentendre, parce qu'on n'a pas non plus la même attention tout le temps. Donc, un enfant aussi a le droit, à un moment, d'avoir décroché. Et puis, si on lui propose une relecture, il peut à nouveau l'investir. Voilà. HA : On sait que c'est un grand plaisir des enfants qu'on leur « re-raconte » les histoires des dizaines et des dizaines de fois. VB : Oui, exactement. HA : Donc, il y a aussi quelque chose dans le fait qu'ils construisent… Enfin, qu'ils connaissent l'histoire et qu'ils anticipent… VB : Exactement. HA : … et donc, dites-nous un petit peu ce qui se joue dans ces relectures successives ? VB : Alors, on n'entend pas du tout la même chose et on ne comprend pas du tout la même chose quand on connaît la chute, par exemple. C'est-à-dire que si on sait que ça se passe bien… Je prends l'exemple de l'album Bébés chouettes [Kaléidoscope, 2015] : à la première lecture, tant que les enfants ne savent pas que la maman chouette va revenir auprès de ses petits, eh bien, ils sont dans une forme d'inquiétude. Et une fois qu'ils savent qu'elle revient, à la relecture, ils vont même se moquer un peu des personnages en disant : « Ah non, mais ce sont des bébés, ils pleurent, ils ont peur. » En gros : « Moi, ça y est, j'ai passé cette étape-là et je peux jouer de cette peur. » Et donc, ça met cette peur à distance. Et ça fait que les enfants n'ont pas peur des histoires et… La relecture permet… À chaque fois qu'on relit – mais comme quand on revoit un film plusieurs fois –, on voit des choses nouvelles, on entend des choses nouvelles ou on croit… On pensait avoir compris quelque chose et en réécoutant, on se dit : « Ah ben non, finalement, ce n'est pas tout à fait comme ça. » C'est ça que ça permet, les relectures. RF : Et ce transfert… On sent qu'ils vivent les choses à travers la fiction, et le transfert dans leur vie réelle, quotidienne, avec leurs émotions au-delà de l'art et de la littérature, il se fait aussi, pour le coup ? VB : Bien sûr. Parce qu'en fait, ils construisent l'altérité ; ils construisent l'humanité. C'est-à-dire qu'ils se rendent compte que… Quand ils ont peur avec les copains, dans la classe, eh bien, ils se disent : « Ah ben oui, finalement, les autres aussi ont peur. » Quand ils rient tous ensemble, ils se rendent compte que les autres aussi rient. Et donc, dans leur vie quotidienne, ça les aide à comprendre que voilà, tout va bien. Puisque les autres ressentent la même chose, ont les mêmes émotions. Donc, c'est un puissant moteur de développement chez l'enfant, de sa vie affective, de sa vie psychique, de la vie sociale, bien sûr. HA : Il y a le travail sur les récits, et puis le travail sur le langage en lui-même : comment il exprime le temps, comment il peut exprimer les différentes dimensions du temps, donc la chronologie, la durée, le rythme, etc. C'est aussi un gros travail qu'ont à faire les enseignants de maternelle ? VB : Oui, ça, c'est un gros travail parce que quand ils arrivent à 3 ans, en petite section, les enfants sont dans le temps présent. C'est-à-dire que le langage accompagne les gestes, les actions, ce qu'ils sont en train de faire. Et quand ils vont quitter la grande section, ils auront construit, grâce aux enseignants de la maternelle, le langage du récit, ce qu'on appelle « langage d'évocation ». C'est-à-dire qu'ils seront capables de parler de ce qui n'est plus, de ce qu'ils ont fait une heure avant, puis la veille, puis une semaine avant, puis un mois avant. Et puis ils vont aussi commencer à être capables de parler de ce qui n'est pas encore. Et donc, c'est ça que permet le langage, c'est de sortir de l'ici et maintenant. Et ça, c'est une immense aventure langagière et intellectuelle – immense. RF : Et l'aspect recherche-action, donc l'accompagnement des enseignants et enseignantes que vous suivez, concrètement, ça se passe comment ? Vous vous voyez régulièrement, ils vous racontent ce qui se passe en classe ? Vous documentez tout ça ? VB : Alors, avec une collègue, aussi chercheuse, on est allées voir plusieurs fois les collègues dans leur classe. En fait, le but de la recherche-action, c'est de partir de ce que font les enseignants dans leur classe et essayer avec eux… On débriefe tout de suite après et à nouveau le lendemain. Et on essaie de les amener à parler de ce qu'ils savent faire, de leur professionnalité et donc, de mettre à distance cette professionnalité. Et puis, en créant un groupe, il y a bien sûr des échanges de pratiques qui se font. C'est-à-dire que les enseignants se rendent compte que : « Tiens, le collègue du village à côté, il ne fait pas tout à fait la même chose et ça a l'air drôlement intéressant. » Et donc, tout le monde bouge, les places bougent sans cesse au cours des recherches-actions. Et ce qui est extraordinaire, c'est qu'au bout d'un moment, nous, les chercheurs, ça nous échappe. C'est-à-dire que les enseignants s'emparent de nos propositions, en les ayant interprétées et en les adaptant à leur classe, et ils font des choses qui nous étonnent nous-mêmes. C'est-à-dire que, voilà, on se dit : « On est arrivé à produire ça ? » Mais c'est eux qui le font, hein, bien sûr. RF : L'objectif, évidemment, c'est l'enfant. Mais votre œil de chercheuse, il est alors focalisé sur les évolutions professionnelles, sur les gestes professionnels des enseignants. Est-ce que vous leur faites ces retours, aussi ? VB : Tout le temps. RF : D'accord. VB : Tout le temps, oui. On discute beaucoup. RF : Et ça les nourrit… VB : Voilà. Et ils disent bien – ils présenteront cette recherche-action demain matin… Ils diront bien… Voilà, les changements professionnels… Et puis surtout, ils vont, je pense, parler beaucoup de la réflexivité, c'est-à-dire le fait que ça rétroagit sur eux, leur pensée – parce que ce sont des intellectuels, les enseignants… Donc ça rétroagit sur leur pensée. HA : Merci beaucoup, Véronique. Merci d'avoir partagé les résultats, les effets aussi de cette recherche-action avec nous. VB : Merci à vous. HA : Nous avons donc parlé du temps de l'enfant, de la classe, et on va peut-être s'inscrire dans un temps plus long qui va être à la fois celui de l'histoire, mais de l'histoire dans une plus grande chronologie : la place de l'enfant dans un temps long, la place dans le monde aussi. Alors, c'est le sens des deux projets dont nous allons maintenant parler avec deux nouvelles invitées. Cécile Grasset, bonjour. CÉCILE GRASSET : Bonjour. HA : Donc, vous êtes professeure des écoles, vous avez une classe multiniveau… C'est ça ? CG : Alors, j'ai une classe de petite section, moyenne section et grande section. J'ai 31 élèves, dans un village qui s'appelle Saint-Martial-de-Valette… HA : En Dordogne, bien sûr, puisque c'est quand même le point commun d'une grande partie de nos invitées aujourd'hui. CG : En Dordogne, exactement. RF : Pensez, Mesdames, à bien parler près du micro. On reçoit aussi Hélène Zavattin. Bonjour. HÉLÈNE ZAVATTIN : Bonjour. RF : Alors vous êtes enseignante en maternelle également, évidemment, à… Prigonrieux, près de Bergerac. HZ : C'est ça, oui [rires]. RF : J'ai réussi à le dire ! HA : Alors, Hélène Zavattin, vous, c'est un projet autour d'eTwinning, peut-être plutôt autour de la place de l'enfant dans le monde… HZ : C'est ça. HA : Mais vous allez nous dire aussi quel rapport il peut avoir avec le temps ? HZ : Eh bien, déjà, c'est un projet sur plusieurs mois. Et puis, ça prépare le futur citoyen de demain. Et donc, voilà, ce sont plusieurs facettes du temps, finalement. RF : On va échanger autour de vos deux projets. Cécile, vous, c'est un projet autour de l'éducation au développement durable qui semble être finalement partout, dans les programmes, dans toutes les têtes, mais pas forcément pratiquée partout ? CG : Voilà, tout à fait. On peut vraiment se questionner sur quelles activités mettre en place pour rendre nos petits élèves écoresponsables. Voilà, qu'est-ce qu'on ferait, nous, les enseignants… C'est aussi notre travail de réfléchir à ces situations-là. HA : Et dans les deux cas, c'est une réflexion aussi sur la relation de cause à effet pour des tout-petits comme ça : comprendre l'impact qu'ils ont sur le monde, la façon dont ils se situent par rapport aux autres. Donc, Hélène, votre projet, dites-nous un petit peu comment il s'est déroulé, ce que vous avez travaillé. HZ : Alors moi, je souhaitais développer les compétences linguistiques et culturelles, s'ouvrir à l'autre, découvrir d'autres langues. Et je l'ai donc fait à travers un projet eTwinning. HA : Avec plein, plein de modalités, si j'ai bien compris ? C'est-à-dire à la fois par des rencontres, par différents biais et dans différentes temporalités. HZ : Complètement. Voilà, c'est pour ça que c'était un projet très intéressant pour travailler sur le temps. Donc, nous avons beaucoup travaillé avec une collègue de Roumanie, avec une classe de Roumanie. Donc, tout ce pan-là du projet était via la plateforme eTwinning. Mais c'est vrai que j'ai aussi élargi à d'autres moyens de communication. Et puis en m'appuyant aussi sur des élèves de la classe. Par exemple, un petit Marocain nous a appris à compter « un, deux, trois » en marocain. Et puis le papa s'est enregistré, on a pu s'appuyer sur son enregistrement. Donc, voilà, c'est aussi une ouverture aux familles. RF : Cécile, vous, l'aboutissement de votre projet – je vais le dire comme ça –, c'est la protection d'un animal en particulier, qui fait plutôt peur, qui vit la nuit. Comment en êtes-vous arrivée là ? Je donne la fin pour que vous nous expliquiez un peu depuis le début. CG : Alors voilà, mon projet, c'était d'essayer de faire prendre conscience aux enfants d'abord qu'il y avait une biodiversité animale nocturne, ce qui n'est pas forcément évident pour eux, puisqu'ils ne vivent pas forcément la nuit. Pour eux, la nuit, c'est un monde imaginaire. C'est un monde peuplé de loups-garous – c'est ce qu'ils m'ont dit, ce sont leurs premières conceptions, finalement… De loups-garous, de morts-vivants même. Donc, c'est un peu étonnant. Ils ont des conceptions assez faussées alors qu'ils vivent à la campagne, ils vivent dans un parc naturel régional qui est incroyable. Et donc, mon travail a été d'essayer, déjà, de faire en sorte qu'ils soient conscients de cette biodiversité animale. Donc, évidemment, oui, on a parlé d'animaux comme la chauve-souris – on en parlera à la fin –, mais aussi de renards, de cerfs, etc. Voilà. Donc, ma démarche, en fait, a été une démarche, un peu, d'investigation scientifique, avec différentes phases. Donc, la première phase, c'était la phase de familiarisation autour de la nuit – puisqu'on va parler de la nuit, des animaux de la nuit. Donc : qu'est-ce que c'est que la nuit ? qu'est-ce que c'est le noir ? Et donc, les enfants ont des peurs ancestrales, des peurs de l'obscurité, ce qui est tout à fait logique. Je ne suis pas une grande spécialiste des peurs, mais [le noir] est une peur archaïque que l'on a [tous], voilà. Donc, on a essayé de travailler sur cette peur-là, avant de travailler sur les animaux. Donc, pour travailler sur cette peur, en réalité, j'ai réfléchi à une cabane de la nuit et du noir. Donc, j'ai demandé à mes élèves de chercher dans la classe un lieu qui était très sombre. Et à partir de là, tout est parti en fait, ce sont eux qui ont trouvé toutes les idées. C'est ce que disait Madame Boiron tout à l'heure. J'ai tiré les ficelles de leurs idées et donc, on a construit cette cabane du noir en agrafant des tissus, en peignant… Et dans cette cabane, eh bien, ils allaient jouer, ils allaient lire des livres avec des odeurs, écouter des sons, etc. C'était leur cabane à eux. Donc, pour appréhender le noir. Et ça a fonctionné. Et cet espace est devenu un espace à part entière de ma classe, que j'inscrivais dans mon cahier-journal d'ailleurs, puisque c'était un lieu d'apprentissage. Ça, c'était la première phase de familiarisation et voilà. HA : Donc, on voit que ce sont des projets qui se déroulent sur des temps assez longs, finalement ? Vous étiez sur l'année toutes les deux ? HZ : Tout à fait. CG : Oui. HA : Et c'est important, ça, pour construire justement… alors, pour grandir, construire ce sentiment d'écoresponsabilité dans un cas, de citoyenneté dans l'autre, que ça se fasse dans la durée, ça a besoin de ce temps-là ? HZ : Tout à fait, oui, et c'est d'autant plus riche qu'on prend justement le temps, on revient sur ce projet plusieurs fois dans l'année. Ça mûrit. Les choses se construisent lentement… mais sûrement, je rajouterais [rires]. CG : Pour ma part, pour Saint-Marcel, en fait, c'est un projet qui est sur trois ans, en lien avec des partenaires et avec un travail autour des déchets sur la première année. Ensuite, un travail autour de la biodiversité nocturne et ensuite, un travail autour de l'eau. Et toute l'école fait partie de ce projet. Donc, on travaille de la maternelle jusqu'au CM2. C'était important que ce soit dès le départ. HA : Donc les élèves vont suivre, ce sont les mêmes élèves, finalement… CG : Voilà, ce sont les mêmes élèves qui participent à ce projet, qui créent ce projet finalement. Et les partenaires avec qui on travaille, le parc naturel régional Périgord-Limousin par exemple, travaillent avec toute l'école. RF : Hélène Zavattin, j'ai envie de dire le pitch de votre projet – en tout cas, on a vu ça sur la présentation de vos affiches… C'est comment développer la curiosité, la motivation et faire des élèves des citoyens de demain. Mais comment ? HZ : [rires] En développant évidemment leur curiosité, et la curiosité des autres… Déjà, prendre conscience qu'il existe d'autres langues. Ils n'en ont pas forcément conscience quand ils sont petits. Et prendre plaisir à essayer de répéter d'autres langues… C'est un vrai bonheur dans la classe. Et aussi préparer des outils pour l'autre en tenant compte, justement, de ce barrage de la langue. Et donc, en réfléchissant à d'autres moyens de communication, en s'appuyant sur le visuel, en réfléchissant à l'articulation, au geste… Il y a eu toute une réflexion et donc, la communication non verbale est aussi importante et c'est ça aussi qui est important. Ils prennent conscience, petit à petit, de tout cela, finalement. RF : Et ce rapport à l'autre qui est loin physiquement… HZ : Oui. RF : … qui est décalé dans le temps, pour le moins, parce qu'il y a des échanges audio, vidéo… HZ : C'est ça, à la fois dans l'espace et dans le temps… RF : Qu'est-ce que ça change dans l'altérité, [le rapport] à l'autre, et au « maintenant », qui est leurs camarades, en classe ? HZ : Alors, en fait, le plus grand changement qu'il y a eu dans ma classe, c'est que… Moi, j'avais commencé à travailler la diversité linguistique en début d'année, l'éveil à la diversité linguistique, juste à partir de supports que l'on a dans des bouquins… Et en écoutant d'autres langues, les enfants riaient. Et, petit à petit, ces rires ont disparu et il y a eu une écoute attentive. Voilà, ils essayaient de percevoir des choses, de reconnaître des mots qu'ils avaient déjà entendus… Ils répétaient, enfin, ils jubilaient quand ils pouvaient répéter des mots. Voilà. Et ça, c'est vraiment très important pour moi. HA : Cécile Grasset, je vais vous poser un peu la même question. Vous vous êtes donné comme objectif de construire, en tout cas de sensibiliser à une écoresponsabilité. Alors, comment en êtes-vous arrivée là ? Comment avez-vous réussi à susciter ça chez des tout-petits ? CG : Oui, parce que je voulais que ça vienne d'eux, que ça ne vienne pas de moi. Donc, petit à petit, je voulais que cette petite graine qui était semée arrive à pousser toute seule, que les pensées qui étaient fausses au départ, arrivent à devenir de vraies pensées pour être acteurs dans leur parc, être écoresponsables. Donc, en fait, je continue cette phase d'investigation, puisque dans la démarche scientifique, il y a plusieurs phases. Donc, pour prouver aux enfants qu'il y avait vraiment des animaux nocturnes, on a fait appel à un partenaire qui s'appelle le parc naturel régional. Donc, il y a eu des intervenants qui sont venus dans la classe et ces intervenants nous ont montré des vidéos des animaux qu'ils avaient filmés la nuit, par exemple. Donc, les enfants pensaient qu'il y avait des méchants loups qui allaient les manger la nuit. Et finalement là, ils se sont rendu compte qu'il y avait des renards, des genettes – des animaux qu'on ne connaît pas forcément –, qui passaient chez nous, pas loin, des cerfs, etc. Donc là, on commençait à être plus près de la vérité. Donc, ensuite, après avoir fait en sorte de voir qu'ils étaient présents, on a essayé de déterminer leurs besoins avec les intervenants, finalement : qu'est-ce que mange un renard ; un renard, il mange des poules, il mange des souris, il mange des insectes, mais il ne mange pas d'enfants. HA : Une bonne nouvelle… CG : Oui [rires] ! Mais pour eux, c'est important de le savoir. Et ensuite, avec le parc, on a travaillé sur ce qui gêne les animaux, ici : qu'est-ce qui les empêche de bien se développer ? Un des intervenants a expliqué aux enfants qu'il allait dans des endroits, dans le parc, chercher les chauves-souris. Donc, avec sa petite lampe, il les cherchait partout. Donc, nous, on a vécu ça en classe. Il nous a fait vivre la recherche et le comptage des chauves-souris dans la classe, avec des fausses petites chauves-souris. Donc, on a compté les chauves-souris… Il leur a expliqué que les chauves-souris, il y en avait de moins en moins, que c'était très compliqué pour elles de vivre parce qu'il y avait beaucoup de lampadaires allumés. Je ne vais pas expliquer tout ça, mais c'est un petit peu plus long… parce qu'il existe une pollution lumineuse, finalement, et si on diminue cette pollution lumineuse, eh bien, les chauves-souris vont mieux pouvoir se développer. Et comme elles peuvent moins nicher, on en est arrivé à construire des nichoirs pour les chauves-souris. Et donc, on devient des préservateurs de la biodiversité nocturne. Ça, c'est un des exemples. RF : Sur un animal qui fait peur. CG : Sur un animal qui fait peur. Et d'ailleurs, ça s'atteste avec les dessins. Au départ, les dessins sont des dessins de monstres et, petit à petit, ce sont des vrais dessins de chauve-souris, « classiques » et… voilà. HA : Alors vous savez – ou vous ne savez pas, peut-être… Mais, souvent, on termine cette émission par un temps d'inspirations. On vous demande quelque chose qui vous a inspirée, quelle que soit sa nature, et que vous auriez envie de partager avec nos auditeurs et auditrices. Alors je commence avec Cécile parce que Cécile, elle était au courant alors qu'Hélène, je ne l'avais pas prévenue, je lui laisse le temps de réfléchir… CG : Alors moi, il y a énormément de choses qui m'ont inspirée, mais vraiment… Enfin, tout m'a inspirée, j'allais dire… Je voudrais parler, peut-être, d'un outil, en particulier en classe, qui est très utile, je pense, pour toutes les maîtresses de maternelle. C'est ce qu'on appelle « le mur sonore », qu'on trouve chez Easytis – un petit peu de pub, mais c'est vraiment très efficace. Donc, sur ce mur sonore, on peut s'enregistrer, donc enregistrer des voix d'enfants, des animaux, etc. Il sert de support à la pédagogie. Il va dans toutes les pédagogies, donc, c'est vraiment un outil très efficace qui peut servir dans tous les domaines de l'école maternelle et parler du temps qui passe puisque c'est ce que j'ai fait, du coup, dans ma classe. Parce qu'on a parlé du temps avec cet outil-là. HA : Oui, on en a vu deux exemples. On a vu le vôtre, effectivement, et un autre exemple dans l'agora du congrès où là, les enfants disaient ce qu'ils voulaient faire plus tard, ce qu'ils feraient quand ils seraient grands… CG : Exactement. Je pense que c'est un outil qui vraiment correspond à cette classe d'âge. HA : Hélène, est-ce que vous avez une inspiration qui vous vient ? HZ : À propos du congrès, si j'ai bien compris ? HA : Ou sur la thématique… HZ : Alors, parce qu'en fait, moi, je n'ai pas trop eu le temps de circuler. Mais par contre, ce qui m'inspire, ce sont les échanges qu'il y a entre les collègues. J'ai fait des rencontres là, des gens qui ont envie de communiquer sur des thématiques du congrès et de notre métier. Donc, voilà, on s'échange des adresses mails et je trouve ça magique. HA : Conclusion, venez tous au congrès, c'est un grand temps d'inspiration ! HZ : Oui, tout à fait. RF : Clairement, on le voit autour de nous. Un grand merci à toutes les deux… HZ & CG [à l'unisson] : Merci à vous. RF : … et aux invitées précédentes, qui se sont suivies autour de cette table ronde. Notre temps est écoulé, Hélène ! [rire d'Hélène] Elle est facile, je sais bien… Mais, en forme de conclusion, je crois qu'on ne peut qu'égrainer des espèces de vérités générales sur : il faut prendre le temps, perdre du temps pour en gagner. Tout ça, ce sont finalement, en vous écoutant, des vérités du quotidien pour mieux faire apprendre. HA : Un très grand merci également à l'Ageem et à sa présidente, Maryse Chrétien, qui nous a très bien accueillis, Régis et moi, et toute l'équipe Extra classe…

23rd July - I did a couple of Gouache paintings, one of which took me back to a very happy time and prompted action to try and recreate.Much love and gratitude, Belle x

Anlässlich ihrer großen Einzelausstellung in der Weserburg spricht Direktorin Janneke de Vries mit Silvia Bächli (*1956 in Baden, lebt in Basel). Die Schweizer Künstlerin gilt als eine der wichtigsten zeichnerischen Positionen ihrer Generation. Seit 40 Jahren bereichern ihre Arbeiten in Tusche, Kohle, Pastellkreide oder Gouache die älteste Gattung der Bildenden Kunst mit neuen und unerwarteten Impulsen. Im Gespräch gibt Silvia Bächli faszinierende Einblicke in den künstlerischen Prozess: Wie entstehen ihre Zeichnungen? Welche Impulse sind wichtig? Wie reagiert sie auf die Räume, in denen sie ausstellt? Neben dem zeichnerischen Werk geht es dabei auch um eine neuere Gruppe kleinformatiger Skulpturen, die ebenfalls in der Ausstellung in Bremen zu sehen ist und das Werk auf besondere Weise ergänzt und fortführt. Silvia Bächli ist in bedeutenden öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter befinden sich Arbeiten im Kunstmuseum Basel, im Centre Georges Pompidou in Paris oder auch im New Yorker MoMA, um nur einige wenige Sammlungen hervorzuheben. Neben den zahlreichen internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen hat die Künstlerin 2009 die Schweiz auf der Biennale in Venedig vertreten. Sie war darüber hinaus 24 Jahre lang Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Der Podcast wird gefördert durch die VGH-Stiftung. Zur Künstlerin: [https://www.silviabaechli.ch]( https://www.silviabaechli.ch) Zur Ausstellung in der Weserburg: [http://www.officeforart.org/about-us/] http://www.officeforart.org/about-us/) Mehr Infos zur Weserburg unter: [https://weserburg.de/](https://weserburg.de/) Fragen und Anregungen zum Podcast unter: info@weserburg.de

Herzlich willkommen beim Federverliebt-Podcast, dem ersten deutschsprachigen Podcast für alle Themen rund um's schöne Schreiben. Mein Name ist Sabine Tack und ich bin seit einigen Jahren begeisterte Kalligraphin. Da ich liebend gerne Podcasts höre, habe ich irgendwann festgestellt, dass ich zu diesem einen Thema, dem Schönschreiben nämlich, keinen einzigen finden konnte – und so mache ich meinen Podcast eben selbst. Hier gibt es jede Woche eine neue Folge für alle Kalligraphen, BrushPenverrückten und Schönschreiber. Von handfesten Anleitungen und How To's über geteilte Gedanken und meine Learnings finden sich bunt gemischte Themen für Anfänger und Fortgeschrittene – Hauptsache, Du liebst das Handlettering! Heute geht es um eine Technik, die es Dir erlaubt, ganz leicht jede beliebige Tintenfarbe aus Gouache zu mischen. Wie Du selbst die außergewöhnlichsten Farbwünsche ganz leicht erfüllen kannst und dabei noch Zeit und Material sparst, darüber reden wir. Schön, dass Du da bist und viel Spaß bei der neuen Folge!

Herzlich willkommen beim Federverliebt-Podcast, dem ersten deutschsprachigen Podcast für alle Themen rund um's schöne Schreiben. Mein Name ist Sabine Tack und ich bin seit einigen Jahren begeisterte Kalligraphin. Da ich liebend gerne Podcasts höre, habe ich irgendwann festgestellt, dass ich zu diesem einen Thema, dem Schönschreiben nämlich, keinen einzigen finden konnte – und so mache ich meinen Podcast eben selbst. Hier gibt es jede Woche eine neue Folge für alle Kalligraphen, BrushPenverrückten und Schönschreiber. Von handfesten Anleitungen und How To's über geteilte Gedanken und meine Learnings finden sich bunt gemischte Themen für Anfänger und Fortgeschrittene – Hauptsache, Du liebst das Handlettering! Heute geht es um den Unterschied zwischen Aquarellfarbe und Gouache. Worin sich beide gleichen und wo sie voneinander abweichen, wie Du mit beiden ganz leicht schreiben kannst und welche Farbe wofür gern verwendet wird, darüber reden wir. Schön, dass Du da bist und viel Spaß bei der neuen Folge!

On this Episode, I have Artist and Painter, Jessica of Lilisys Art! Jessica and I talk about how she started getting into art, finding and improving her art style, applying, travelling and selling at conventions, Genshin Impact and more!! FOLLOW Jessica at:https://lilisys.carrd.co/JOIN THE SPOILER FORCE PATREON!! Starting on this Episode, Patrons will have their names mentioned on episodes depending on which tier is selected!! The first TEN PATRONS to sign up at the Level 2 Tier will receive an EXCLUSIVE Spoiler Force Original Character T-Shirt!!https://patreon.com/spoilerforcepodcastLIKE, SHARE, RATE, SUBSCRIBE, COMMENT and FOLLOW Spoiler Force Podcast!! You can find more content at:https://linktr.ee/SpoilerForcePodcastYouTube - https://www.youtube.com/spoilerforcepodcastApple Podcasts - https://podcasts.apple.com/us/podcast/spoiler-force-podcast/id1465655015Spotify - https://open.spotify.com/show/3edg2bpJPr85Qwry6kzvOrSoundCloud - https://www.soundcloud.com/spoilerforcepodcastAny kind of guest recommendations, comments, questions, concerns or criticisms can be sent to rickyvang92@gmail.com. I might even respond to your message in a future podcast episode!!Don't Forget to Join the Spoiler Force Discord Community!!Support Spoiler Force Podcast! ALL Tips and Donations will be used for podcasting needs such as Booking Guests, Equipment and Software!https://streamlabs.com/spoilerforcepodcast1/tipIf you want to start your very own Podcast, go tohttps://www.buzzsprout.com/?referrer_id=1059248 and sign up for free!If you want a simpler way to record your Audio or Video Podcast, go to https://streamyard.com?pal=6037820492218368 and sign up to earn a $10 credit!Music from Uppbeat (free for Creators!):https://uppbeat.io/t/sensho/glow#SpoilerForcePodcast #LilisysArt #Conventions #Artist #Art #Gouache #WaterColor #DigitalArt #TraditionalArt #Anime #Manga #ComicBooks #Cosplay #Games #GenshinImpact #FinalFantasyVII #Tifa #Cloud #Beidou #Ningguang #WaterPaint #GouachePaint #OtakuDetroit #Detroit #Vendor #AnimeExpo #Otakon #YoumaConSupport the show

Qui a peur des histoires ? Certainement pas Rébecca Dautremer qui sait mieux que personne se les approprier quand elle illustre et réinvente les classiques de la littérature : Cyrano, Babayaga, Nasreddine, le héros malicieux du conte arabe… Soie d'Alessandro Baricco devient un autre livre, son Alice aux pays des merveilles, un hommage à la modernité de Lewis Carroll, Des Souris et des hommes de John Steinbeck, une adaptation visuelle qui fait corps avec le texte du romancier américain. S'éloignant d'une simple illustration, nourrie par une approche photographique qui lui fait appréhender cadrage, couleurs et lumière, la dessinatrice parvient à inventer son propre langage, à faire entendre sa voix sans faire oublier celle de Steinbeck. Sous les pinceaux de Rébecca Dautremer, apparaît un monde peuplé de créatures sombres et fantastiques, d'un lapin philosophe – l'inoubliable Jacominus –, de princesses oubliées ou d'une Belle au bois dormant qui s'affranchit des codes visuels habituels… Née en 1971, Rébecca Dautremer a étudié aux Arts Déco de Paris et s'est consacrée très tôt à l'illustration. Artiste prolifique (animation, théâtre, photographie…), ses ouvrages sont aujourd'hui traduits dans plus de vingt langues et lui valent une reconnaissance internationale. La gouache est sa technique de prédilection, ses originaux aux formats géants sont très prisés des collectionneurs. L'artiste prête son talent à la publicité ou aux costumes de théâtre qu'elle dessine pour les adaptations scéniques de ses albums. Voici une occasion rare de découvrir l'une des plus grandes autrices-illustratrices du XXIe siècle et de se laisser embarquer dans ses univers fantastiques. __ À lireRébecca Dautremer, Des souris et des hommes, d'après John Steinbeck, Tishina, 2020 ; Les Riches Heures de Jacominus Gainsborough, Sarbacane, 2018. __ Un entretien avec Rébecca Dautremer animé par Élodie Karaki et enregistrée en public le 15 juillet 2021 au conservatoire Pierre Barbizet à Marseille, lors de la 5e édition du festival Oh les beaux jours !.  __ Un podcast produit par Des livres comme des idées. Montage : Clément Lemariey Voix : Benoît Paqueteau Musique : The Unreal Story of Lou Reed by Fred Nevché & French 79 2022 © Oh les beaux jours !.  

Do you paint with acrylics?  Oils?  Gouache?  This week we discuss different types of paint, what we prefer, and why.  Afterwards, we talk about the new Immersive Frida Kahlo Exhibit.  Check out Skye's and Catherine's work at:Skye Becker-Yamakawa IG: https://www.instagram.com/skyesartshop/ Web: http://www.skyesart.com/ Catherine Moore IG: https://www.instagram.com/teaandcanvas/ Web: http://teaandcanvas.com/ Polka Dot Raven IG: https://www.instagram.com/polkadotraven/

Fabiola Gil Alares is one of mokuhanga's most interesting artists. Her work, with bright flat, rich colours with a romantic appeal, tells a fantastic story, one which naturally draws you to her work. In this episode of The Unfinished Print, I speak with mokuhanga printmaker Fabiola Gil Alares about her prints, her artistic background, the amazing book project she's undertaken and what it feels like to be one of the hardest working mokuhagna artists, today.  Special thanks to my good friend Consuelo Orrego for help in translation.  Please follow The Unfinished Print and my own print work on Instagram @andrezadoroznyprints Twitter @unfinishedprint, or email me at theunfinishedprint@gmail.com Notes: may contain a hyperlink. Simply click on the highlighted word or phrase. Fabiola Gil Alares - website, Instagram, LinkedIn, Facebook, YouTube, Mokuhankan Laura Boswell - is a British printmaker who uses mokuhanga, and linocut and reduction printmaking, as her mediums of choice. She was interviewed by The Unfinished Print, which can be found, here. She is an important teacher and promoter of mokuhanga. More info can be found, here. MI Lab - Is an artist-in-residency located in Lake Kawaguchi, near Mt. Fuji. Once called Nagasawa Art Park, MI Lab has been an important centre of many talented and successful mokuhanga printmakers, working today. More info, here.  Mokuhankan and David Bull - is a brick and mortar woodblock print shop located in Asakusa, Tōkyō. It is a learning and working space, where it sells the works of artist Jed Henry, master carvers of the past, and various print series. All are printed and carved by Mokuhankan printmakers and carvers. Started by printmaker David Bull as a way to sell his own series and reprints of old carvers of the past, Mokuhankan has grown exponentially over the years and is a must visit when coming to Tōkyō. More info, here.  Shoicihi Kitamura - is a master carver of Japanese woodblock. He has taught at Nagasawa Art Park and has conducted many demonstrations on carving, and at various International Mokuhanga Conferences. More info, here.  Hidehiko Gotō - is a master baren maker and mokuhanga artist who has conducted many demonstrations on baren making throughout the world, and at the International Mokuhanga Conferences. Some of his mokuhanga can be found here. Gotō also contributed to Fabiola's book.  Terry McKenna - is a mokuhanga artist and instructor based in Karuizawa, Nagano, Japan. He is a student of Richard Steiner, an American woodblock printmaker based in Kyōtō, Japan. Terry runs and operates the Karuizawa Mokuhanga School, which is a school open to those who are interested in wanting to learn and study mokuhanga in a Japanese setting. Both Richard and Terry have been interviewed by The Unfinished Print, here, and here.  Educational Museum of Origami, Zaragoza - is a one of its kind museum focused on the Japanese paper art of origami, located in Zaragoza, Spain. More info, here.  Serigraphy - is another word for the art of silk screen printing. Silk screen printing can be in on various materials, silk, canvas, paper, etc.  Katsushika Hokusai (1760-1849) - is one of the most, if not the most, famous Japanese artist ever known. He designed woodblock prints, as well as creating his own paintings, screens, scrolls, and commissioned art in Buddhist temples throughout Japan. More info, here. The British Museum has a lot of info, here.  Miyakodori - is a publishing house of woodblock prints. Started by Takashi Kashiwagi, a woodblock carver himself, he releases and carves (through laser and hand carving) artists such as Tōkyō based graphic designer Shinji Tsuchimochi. More info, here. shop.  Saitō Kiyoshi (1907-1997) - was a Japanese woodblock printmaker and artist who worked in the sōsaku hanga style of mokuhanga. His fame outside of Japan was fairly comprehensive with his peak fame being in the 1950's and 1960's. For a comprehensive book on his life and times, Saitō Kiyoshi: Graphic Awakening published by The John & Mable Ringling Museum is an excellent source. Can be found, here. Lecture by Dr. Paget about Saitō can be found, here. Royal Talens Gouache - is a specific brand of gouache pigment. Gouache pigments are a mixture of pigment, water and binder and usually opaque and used in painting, and various types of printmaking. Royal Talens is a maker of different types of pigments, originally a Dutch company but is currently produced all over the world. More info, here.  Nakajima Tsuzen - is a mokuhanga printmaker who has been working in the medium for many years. His work highlights the woodblock technique of mokume, where the grain of the wood is used to highlight certain aspects of the print. Mr. Nakajima's website can be found, here. Instagram Different types of wood - mokuhanga printmakers can use many different types of wood for their work. Most of the time, shina veneer harvested sustainably, is used for modern woodblock prints. Japanese cherry wood was used a lot but because of it's expense today it is used rarely. Other woods used is basswood, elm, and even red oak. Mokuhanga books in English - As Fabiola mentions in the episode, there are various other books on mokuhanga and it process in the English language. Here is a list of books that I am aware of. It is also important for me to say, that through this list we can see how important Fabiola's book is for those who speak languages other than English and hopefully other mokuhanga practitioners will publish books in various languages around the world. This list is by no means exhaustive, so if you believe I've missed someone please message me. If the book is in print (or even out of print and there are PDF's) you will see the authors name hyper-linked so you can buy the books : April Vollmer - Japanese Woodblock Printshop: A Modern Guide to the Ancient Art of Mokuhanga. (2015) Watson-Guptill Publications Tuula Moilanen, Kari Laitinen, and Antti Tanttu - The Art and Craft of Woodblock Printmaking. (2013) Aalto Books Laura Boswell - Making Japanese Woodblock Prints. (2020) The Crowood Press. Hiroshi Yoshida - Japanese Woodblock Printing. (1939) Sanseido Company, Ltd. Walter J. Phillips -  The Technique of the Colour Woodcut. (1926) Brown-Robertson, New York. Rebecca Salter - Japanese Woodblock Printing. (2001) A&C Black. Toshi Yoshida & Rei Yuki - Japanese Print Making: A Handbook of Traditional and Modern Techniques. (1966) Tuttle Publishing. Marilyn Chesterton and Rod Nelson - Making Woodblock Prints. (2015) Crowood Press  Terry McKenna - Terry has written two excellent woodblock primers for the beginner and the intermediate practitioner. The first is Mokuhanga Fundamentals: Core Skills... & the second book is, Creative Print. Both can be purchased directly from here, and other fine establishments in e-book or physical form. Self Published.  Naoko Matsubara -  is a Japanese-Canadian mokuhanga printmaker who has been a printmaker for over 60 years. She has worked with artists such as Munakata Shikō (1903-1975) and has published many books, and has traveled the world for her work. More info, here. Her website can be found, here.  opening and closing credit music - TELEVISION -  Marquee Moon (1977) Elektra/Asylum  © Popular Wheat Productions logo designed and produced by Douglas Batchelor and André Zadorozny  Disclaimer: Please do not reproduce or use anything from this podcast without shooting me an email and getting my express written or verbal consent. I'm friendly :) Слава Україну If you find any issue with something in the show notes please let me know. ***The opinions expressed by guests in The Unfinished Print podcast are not necessarily those of André Zadorozny and of Popular Wheat Productions.***  

*This episode was recorded before Russia's invasion into Ukraine. Our guest, Ellina Chetverikova was born there and has family still living there. If you're able to support Ellina in her efforts to get her family out of Ukraine and to safety, you can donate to the links below.  Venmo: @ellina-chetverikova  PayPal : @echetverikova@artacademy.edu In this episode, we meet our new co-host Peter Van Hyning! Peter and I talk with Art Academy of Cincinnati (AAC) alum Ellina Chetverikova. Ellina was born in Severodonetsk, Ukraine, in 1989. Her love of painting and drawing developed very early, and she's always felt drawn to represent her surrounding world and create images from life. Listen to learn about how Ellina moved to Cincinnati, OH as an exchange student to pursue her education in Arts, her experience growing up in Ukraine, and how her practice has evolved since leaving the AAC.  Resources: Sugarlift Gallery Bayan Air Bud        

"Mixtapes were more than a way to share music in the 1980s and 1990s: They were, in fact, a type of extraverbal language — a vivid, inexpensive form of folk communication." – Rolf Potts In this episode of Deviate, Rolf talks about the film Cassette, and reads an informal essay about how mixtapes are a kind of lost language (00:45); then Rolf, Liesl, and Michael talk about how person-to-person connection was essential to sharing music in the 1990s, and the legacy of cassettes (8:00); the era when cassettes were a new technology, and the craft and care that went into creating mixtapes (22:00); how finding new music is different in the era of online algorithms, versus what music curation was like before cassettes (33:00); and how music and music-nostalgia is generationally specific, according to what technology was used when a given generation was young (45:30). Zack Taylor is an actor and cinematographer, known for Cassette: A Documentary Mixtape (2016). Notable Links: Cassette: A Documentary Mixtape (film) Rondo Rolf essay and track listing High Fidelity (2000 movie) The Fall (English post-punk band) Kevin Young (poet and author) Gouache (type of paint) KROQ-FM (LA "alternative music" radio station) Siouxsie and the Banshees (English rock band) Fishbone (American rock band) Henry Rollins (musician) Kurt Cobain: Montage of Heck (documentary film) Cut-up technique (art method popularized by William S. Burroughs) Payola (music industry practice) "Home Taping Is Killing Music" (1980s slogan) "It's Raining Tacos" (Parry Gripp song) Lou Ottens (inventor of the cassette tape) The Deviate theme music comes from the title track of Cedar Van Tassel's 2017 album Lumber. Note: We don't host a “comments” section, but we're happy to hear your questions and insights via email, at deviate@rolfpotts.com.

Staffel 5, Folge 5Machen wir doch mal wieder eine geführte Collage, schlug Silvia vor. Wir schlagen abwechselnd vor, wie es weitergehen soll. Super Plan. Also machten wir das für diese Aufnahme - und du bist herzlich eingeladen, selbst mitzumalen, während diese Episode läuft. Was du brauchst: einen Malgrund deinen Lieblingsstift einen Stabilo All schwarz Aquarell- oder Gouache- oder Acrylfarben Stabilo Woodys oder neocolor II wasservermalbare Wachspastelle Collagepapier Kleber Kleber- und andere Pinsel Gesso sowie alle Malutensilien und -materialien, die du gern verwenden möchtest. Hab Spaß bei dieser geführten Collage und zeig uns gern, was du gestaltet hast. Tagge @malfreundefm bei Instagram oder komm zu uns in die Malfreunde-Gruppe auf Facebook https://www.facebook.com/groups/malfreunde2 KREASPHÄRE22Ausnahmsweise sprachen wir mal nicht über die Entstehung des Jahreskurses KREASPHÄRE22. Wenn du keine Infos darüber verpassen möchtest, dann abonniere am besten den Newsletter. https://andrea-gunkler.de/newsletter Hierin erfährst du es als Erstes, sobald der Kurs zu buchen ist und verpasst keine Aktionen mehr – wie aktuell den Kreadvent. https://andrea-gunkler.de/kreadvent21 SponsoringWir sind ein ungesponserter Podcast, wenn wir Produkte, Künstler und/oder Angebote nennen, dann tun wir das aus freien Stücken und aus voller Überzeugung. Ungesponserter Podcast hin oder her: Wenn du Vertreter:in einer Firma bist, die Künstlerbedarf herstellt oder vertreibt oder dich sonstwie mit unserem Podcast verbunden fühlst und uns gern bei unserer Arbeit unter die Arme greifen möchtest: wir sind für Sponsoring-Angebote offen! Magst du, was du hier hörst?Dann hilf uns gern, unsere Angebote zu erhalten und auszubauen, indem du Mitglied auf unserer Steady-Seite wirst. Dein finanzieller Beitrag (ab 2,50 € im Monat, jederzeit kündbar) unterstützt uns in unserem Einsatz für die Kreativität – auch für deine! https://steadyhq.com/de/malfreundefm/about Tritt mit uns in KontaktWenn du etwas anmerken möchtest, eine Frage hast oder ein Thema, über das wir im Podcast einmal sprechen sollten, dann lass uns das gern wissen. Wir freuen uns über deine Rückmeldung. Du erreichst uns über unsere Homepage unter https://malfreunde-fm.de unsere Facebook-Seite unter https://www.facebook.com/malfreundefm oder unseren Instagram-Account unter https://www.instagram.com/malfreundefm Vielen Dank fürs Zuhören! Wir, Silvia und ich, wünschen dir eine wundervolle Woche, bleib gesund und schalte auch nächste Woche wieder ein, wenn es heißt „Hier ist Malfreunde FM, dein Podcast für Kreativität und Lebensfreude“.

"Saiba que eu não queria esquecer você. Eu tive que fazer isso por mim. O tempo me ajudou, te apagou dos meus dias e quando eu te encontrei no meio daquela semana, eu nem te reconheci mais, mas eu sabia que era você." Texto retirado do app Medium --- Support this podcast: https://anchor.fm/kai-silva1/support

See a portrait painting demo using characters from Wes Anderson's film "The French Dispatch." Watch this episode on YouTube: https://youtu.be/5Gy_p4XaiQM. This video provides tips and techniques for how to creating a convincing portrait using a monochromatic color scheme using watercolor and gouache. Techniques like how to achieve a solid structure of the skull in the portrait, a range of value and contrast, as well as how to use lighting to show volume are explained. Demo led by Art Prof Clara Lieu and Teaching Artist Alex Rowe. Support Art Prof on Patreon: https://www.patreon.com/artprof  or make a one-time donation: https://www.paypal.me/artprof 

In this episode, I chat about community with fellow San Francisco based creative Lindsay Stripling. Lindsay is an artist, illustrator, muralist, teacher, and she hosts an amazing series on her instagram called Lunch Club, where she has really wonderful conversations with fellow artists.We discuss how community has shaped Lindsay's life and career, how having a creative community to tap into can accelerate your path and feel like therapy, how to build your own community (even if you're shy), and how important it is to surround yourself with supportive, like-minded people.Lindsay also shares a super useful map she uses (and teaches) to help navigate the ups and downs of a creative project. Talking to Lindsay was so fun and insightful. She's a ray of sunshine and I hope this conversation makes your day a little brighter.You can find out more about Lindsay by following her on instagram, or find her online at lindsaystripling.com.

Thanks for watching this week's episode of the Draw Pod. In this podcast I talk about how I am improving as a painter, what is successful about this painting, how annoyed I am with nonfiction books, gouache, watercolor, and what I've been up to (applying to jobs and staying positive)! If you're new here, this is a visual podcast where I draw something and chat with you as I go! You really don't have to watch the video to know what is going on, and if you prefer to listen to it on a podcast app, it's available everywhere! If you wanna watch the youtube video, check out my channel, linked in the description in this pod. Also if you would like to see the final image, check out my art instagram, @elyse_draws. Artist of the Week: Joshua Barkman @falseknees on instagram -- Books I mentioned in this episode: Range: Why Generalists Triumph in a Specialized World by David Epstein Maybe You Should Talk to Someone: A Therapist, Her Therapist, and Our Lives Revealed by Lori Gottlieb -- My Goodreads | My Etsy Watch the Pod on my YouTube Channel Check out the final drawing on my instagram @elyse_draws. Thank you to Grace Usleman for the intro and outro music of this podcast. Links to Grace's Info: YouTube | Instagram | LinkedIn | Others --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app

Thanks so much for listening to this week's episode of the Draw Pod. In this episode, I talk about being home alone with my dogs, watching the crown and being led down wikipedia rabbit holes where I learn about debutantes and the "Texas Dip", the most delicious homemade pizza I have ever made, and what books I am currently reading. I also am switching up the podcast and trying to talk more about art, and specifically the art that I am making in the video. In this episode, I talk about the ethics of tracing in art, and whether or not I think it is cheating (for my purposes (tracing photos I took to paint), it is not. (but please don't trace other peoples art)). Anyway, here are the links to things I talked about in this episode: The Crown | The Texas Dip | Useful Charts (an all time fave youtube channel about genealogy) | Blink by Malcolm Gladwell | The Silent Patient by Alex Michaelides | My Goodreads | My Etsy Watch the Pod on my YouTube Channel Check out the final drawing on my instagram @elyse_draws. Thank you to Grace Usleman for the intro and outro music of this podcast. Links to Grace's Info: YouTube | Instagram | LinkedIn | Others --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app

Thanks for watching this week's episode of the Draw Pod. In this episode I talk about how much I have enjoyed gouache painting lately, hiking at lost maples, reading, and a change in seasons. I complain a little about Daylight Savings Time, and go into the culinary plans for this holiday season. Books mentioned: Asymmetry by Lisa Halliday | Moral Ground: Ethical Action for a Planet in Peril | Blink by Malcolm Gladwell |Top of the Feud Chain (Alphas 4) by Lisi Harrison | Borderlands/La Frontera: The New Mestiza by Gloria Anzaldúa | The Silent Patient by Alex Michaelides Here's the instagram I use to reference my still lives @stillherestilllife Here's the paint palette I was talking about I use Turner Acryl Gouache for my paint! ------ Add me on goodreads! Watch the Pod on my YouTube Channel Check out the final drawing on my instagram @elyse_draws. Thank you to Grace Usleman for the intro and outro music of this podcast. Links to Grace's Info: YouTube | Instagram | LinkedIn | Others --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app

Hello and thank you for listening to this episode of the Draw Pod! Look, I finally got a mic! I'm professional now! Anyway, I hope you enjoy this episode about parachuting beavers, jeopardy, books, gouache, painting and getting out of the house. And a lot of other things. Subscribe to my podcast on apple podcasts, spotify, or anywhere you listen to podcasts. Leave a rating if you feel so inclined :3 Watch the Pod on my YouTube Channel Check out the final drawing on my instagram @elyse_draws. Thank you to Grace Usleman for the intro and outro music of this podcast. Links to Grace's Info: YouTube | Instagram | LinkedIn | Others --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app