Podcasts about elektronische musik

Episode 154 Chapter 15, Elektronische Musik in Germany. Works Recommended from my book, Electronic and Experimental Music  Welcome to the Archive of Electronic Music. This is Thom Holmes. This podcast is produced as a companion to my book, Electronic and Experimental Music, published by Routledge. Each of these episodes corresponds to a chapter in the text and an associated list of recommended works, also called Listen in the text. They provide listening examples of vintage electronic works featured in the text. The works themselves can be enjoyed without the book and I hope that they stand as a chronological survey of important works in the history of electronic music. Be sure to tune-in to other episodes of the podcast where we explore a wide range of electronic music in many styles and genres, all drawn from my archive of vintage recordings. There is a complete playlist for this episode on the website for the podcast. Playlist: ELEKTRONISCHE MUSIK IN GERMANY Time Track Time Start Introduction –Thom Holmes 01:32 00:00 1.     Heinz Schutz, “Morgenröte” (1952). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 03:42 01:36 2.     Karel Goeyvaerts, “Compositie Nr 5 met zuivere tonen” (1953). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 02:44 05:12 3.     Karlheinz Stockhausen, “Studie I” (1953). Elektronische musik using only processed sine waves (Cologne). 09:25 07:50 4.     Giselher Klebe, “Interferenzen” (1955). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 04:52 17:16 5.     Gottfried Michael Koenig, “Klangfiguren I” (1955). Elektronische musikusing magnetic tape (Cologne). 04:18 22:00 6.     Franco Evangelisti, “Incontri di fasce sonore” (1957). Elektronische musikusing magnetic tape (Cologne). 03:30 26:08 7.     Mauricio Kagel, “Transición” (1958). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 13:22 29:30 8.     Györgi Ligeti, “Artikulation” (1958). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 03:58 42:44 9.     Herbert Eimert, “Epitaph für Aikichi Kuboyama” (1960). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 22:26 46:44 10.   Michael von Biel, “Fassung” (1964). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 13:47 01:09:06 11.   Karlheinz Stockhausen, “Hymnen Region III (opening)” (1953). Elektronische musik using only processed sine waves (Cologne). 02:30 01:22:40 12.   Peter Eötvös, “Mese” (1968). Elektronische musik using magnetic tape (Cologne). 12:42 01:25:10   13.   Karlheinz Stockhausen, “Studie II” (1953). Elektronische musik using only processed sine waves (Cologne). 03:10       Additional opening, closing, and other incidental music by Thom Holmes. My Books/eBooks: Electronic and Experimental Music, sixth edition, Routledge 2020. Also, Sound Art: Concepts and Practices, first edition, Routledge 2022. See my companion blog that I write for the Bob Moog Foundation. For a transcript, please see my blog, Noise and Notations. Original music by Thom Holmes can be found on iTunes and Bandcamp.  

Episode 144 Chapter 06, Analog and Digital Synthesis Basics, Part 1. Works Recommended from my book, Electronic and Experimental Music  Welcome to the Archive of Electronic Music. This is Thom Holmes. This podcast is produced as a companion to my book, Electronic and Experimental Music, published by Routledge. Each of these episodes corresponds to a chapter in the text and an associated list of recommended works, also called Listen in the text. They provide listening examples of vintage electronic works featured in the text. The works themselves can be enjoyed without the book and I hope that they stand as a chronological survey of important works in the history of electronic music. Be sure to tune-in to other episodes of the podcast where we explore a wide range of electronic music in many styles and genres, all drawn from my archive of vintage recordings. There is a complete playlist for this episode on the website for the podcast. Let's get started with the listening guide to Chapter 06, Analog and Digital Synthesis Basics, Part 1 from my book Electronic and Experimental music.   Playlist: Early Experiments and Synthesizers   Time Track Time Start Introduction –Thom Holmes 01:40 00:00 1 Halim El-Dabh, “The Expression of Zaar” (alt. title Wire Recorder Piece) (1944). Middle East Radio, Cairo. Composed using a magnetic wire recorder. 01:53 01:40 2 Hugh Le Caine, “Dripsody” (1955). Canada. Using Le Caine's special purpose tape recorder. 02:00 03:30 3 Josef Anton Riedl, “Folge von 4 Studien” (1959). Siemens Studio für Elektronische Musik. 02:35 05:30 4 Milton Babbitt, “Ensembles for Synthesizer” (1961– 63). Using RCA Mark II Electronic Music Synthesizer 10:41 08:06 5 Mauricio Kagel “Antithese” (1962). Siemens Studio für Elektronische Musik. 09:22 18:46 6 Konrad Boehmer, “Aspekt” (1966).  State University Electronic-Music Studio, Utrecht. 15:15 28:08 7 Pauline Oliveros, “I of IV” (1966). University of Toronto Electronic Music Studio. Using Hugh Le Caine's tape loop system. 25:29 43:34 8 Alice Shields, “Study for Voice and Tape” (1969). Columbia– Princeton Electronic Music Center. 05:14 01:08:52 9 Charles Wuorinen, Time's Encomium (1968– 69). Using RCA Mark II Electronic Music Synthesizer. 30:47  01:14:06 10 Douglas Leedy, “Entropical Paradise I” (1970). Side 1 of three-LP set. Six “sonic environments” using the Buchla Modular Electronic Music System and Moog Modular Synthesizer at UCLA. 20:09 01:44:55     Additional opening, closing, and other incidental music by Thom Holmes. My Books/eBooks: Electronic and Experimental Music, sixth edition, Routledge 2020. Also, Sound Art: Concepts and Practices, first edition, Routledge 2022. See my companion blog that I write for the Bob Moog Foundation. For a transcript, please see my blog, Noise and Notations. Original music by Thom Holmes can be found on iTunes and Bandcamp.  

Leonie und Julian treffen sich mit der frisch gewählten neuen Pressesprecherin der Clubcommission Berlin. Sie sprechen über die aktuelle schwierige Lage der Clubkultur, die anspruchsvolle Vermittlungsrolle der Clubcommission in der Kulturpolitik - aber auch die Potentiale und Perspektiven für die nächsten Monate und Jahre.

Das Drum'n'Bass Produzenten-Duo QZB erhält den mit 20'000 Franken dotierten Förderpreis, welchen das Musikbüro alle zwei Jahre vergibt.

Würde man nur die jüngste Single «S P E Y S I D E» von Bon Iver kennen, könnte man die Band in die reine Folk- und Singer-Songwriter-Ecke stecken. Fans wissen und schätzen jedoch, dass Mastermind Justin Vernon musikalisch sehr viel breiter aufgestellt ist und Rapstars wie Playboi Carti sowie Techno-Größen wie DJ Koze beeinflusst. Diese Vielschichtigkeit von Bon Iver und Justin Vernon versuchen wir in einem einstündigen Mixtape aufzuzeigen. In dieses haben wir ausschließlich Songs gepackt, die von Bon Iver (mit)produziert wurden oder mindestens Bon-Iver-Samples enthalten. Tracklist Sounds! Mixtape Peter Gabriel Flume Bon Iver iMi James Blake Feat. Bon Iver I Need A Forrest Fire Milo Sweet Chin Music (The Fisher King's Anthem) Bon Iver Perth (Teen Daze Remix) DJ Koze Bonfire Bon Iver Hey, Ma Playboi Carti F33l Lik3 Dyin Bon Iver PDLIF Charli XCX Feat. Bon Iver I Think About It All The Time Francis And The Lights Friends Bon Iver 10 dEAThbREasT Big Red Machine Air Stryp Baby Keem/Kendrick Lamar The Hillbillies Bon Iver Holocene

„King of Techno“ – so wurde Moby eingangs seiner Karriere Anfang der 90er genannt. Weil er der Funktionsmusik für den Club eine neue Bedeutungsebene gab, Techno mit Seele, Tiefgang und besonders: mit einem Gesicht. Seinem Gesicht. „Go“ mit dem Twin-Peaks-Sample war der Startschuss für Mobys einzigartige Karriere, „Feeling So Real“ setzte sie nahtlos mit einem weiteren großen Dance-Hit für die Charts und für MTV fort. Dann ging es über 20 Alben und 30 Jahre lang auf und ab, mit Genre-Exkursionen und Drogen-Eskapaden. Moby machte Punk, Wave, Akustik Pop, Disco, Orchester Pop und immer wieder Elektronische Musik. Im Juni dieses Jahres erschien sein 22. Werk „Always Centered At Night“, ein gelungenes, filigranes Album, das wegen seiner zahlreichen Gast-Sänger wie eine Compilation wirkt. Sein Meisterwerk bleibt aber für alle Zeiten „Play“, das Album, das dieses Jahr seinen 25 Geburtstag feiert. 1999 erschuf Moby damit ein völlig neuartiges Genre der Musik: Er vereinte melancholische Synthesizer mit Originalaufnahmen alter Blues-Sänger – immer wieder anders, immer wieder auf unterschiedliche Art berührend. „Why Does My Heart Feel So Bad?“ - Na wegen Moby. In diesen Tagen feiert Moby 25 Jahre „Play“ und sein aktuelles Album mit einer Live-Tour. Die führt ihn nächste Woche auch nach Deutschland. Marc Mühlenbrock und Jörn Behr wollen Euch gebührend darauf einstimmen in Folge #096Moby, in der der Meister natürlich auch immer wieder selbst zu Wort kommt. Es geht um Ups and Downs, um seine erschütternd prekäre Herkunft, seine Freundschaft zu David Bowie, die viele Kritik, die Moby Zeit seines Lebens immer einstecken musste, und um sein zweites großes Lebenswerk: den Kampf für den Tierschutz.

In dieser Episode des Ruhr-Podcasts treffen wir auf Anmari Mëtsa Yabi Wili, die mit dem Kulturfrachter Lorin auf einer faszinierenden Reise durch verschiedene Städte unterwegs ist. Das Projekt, mit dem sie 2024 auf der Lorin reist, trägt den Titel "Rings and Wings".

Seit ChatGTP ist künstliche Intelligenz in Deutschland in aller Munde. Doch nicht nur im Bereich der Sprache wurde und wird zum Thema KI geforscht, sondern auch im Musikbereich – sei es an wissenschaftlichen Forschungsinstituten oder durch private Unternehmen, die bestimmte Anwendungen auf den Markt bringen wollen. Manchmal geht es den Anbietern aber auch darum, musikinteressierten Menschen zu vermitteln, was KI in der Musik überhaupt zu suchen haben könnte. Bei der Online-Plattform „MUSKI“ steht bezeichnenderweise an erster Stelle des Namens die Musik, erst an zweiter die KI. Matthias Nöther stellt „MUSKI“ und seine Macher vor.

Elektronische Musik gehört seit vielen Jahren zum Sound vom dänischen Roskilde Festival. Bei der 52. Ausgabe prägen vor allem junge Künstler*innen aus allen Ecken der Welt das Programm auf den zwei Hauptbühnen für elektronischen Musik: Apollo und Eos. Aus Berlin ist Sofia Kourtesis dabei, aus Südkorea kommen die Korean Music Award-Gewinner (2022) Haepaary, aus Japan das Kollektiv WaqWaq Kingdom, aus Norwegen Tacobitch und aus Dänemark ist Deb Foam dabei. Steen Lorenzen trifft die Künstler*innen irgendwo auf dem riesigen Gelände und berichtet unter freiem Himmel vom Festival. Außerdem hat er mit Ólafur Arnalds über das neue Kiasmos-Album II gesprochen, das am 5. Juli auf Erased Tapes Records erscheint.

Chilly Gonzales, der bürgerlich Jason Charles Beck heißt, ist Musiker und kommt gebürtig aus Kanada. Schon in den 90er Jahren zog es Chilly nach Deutschland, damals nach Berlin – und heute lebt er in Köln. Bekannt wurde er zunächst mit elektronischer Musik, die er mit satirischem Rap kombinierte und sich selbst “The Worst MC” nannte. Vor 20 Jahren erschien dann sein Album “Solo Piano”, das man als seinen Durchbruch bezeichnen könnte. Im September erscheint Chilly neues Album “Gonzo”. Ich wollte von Chilly wissen, wie seine Geschichte seine Kunst beeinflusst hat und wie er der virtuose Musiker wurde, der er heute ist. Wir sprechen über seine oppositionelle Persönlichkeit, über seinen Wunsch nach Sonderbehandlung, es geht um das Zusammenspiel aus Erfolg und Respekt, um die Musikindustrie und Cancel Culture und wir sprechen über Chillys unvorhersehbare künstlerische Lebensphasen. WERBEPARTNER & RABATTE: https://linktr.ee/hotelmatze MEIN GAST: https://www.chillygonzales.com/ DINGE: Chillys Album “Solo Piano” - https://spoti.fi/3UV3BRg Chilly “FCK WAGNER” - https://spoti.fi/3KcSMoQ Madi Diaz - https://madidiaz.com/ Buch “Monsters: A Fan's Dilemma” von Claire Dederer - https://shakespeareandsons.com/products/monsters-a-fans-dilemma Maximilian Frisch - Produktion Lena Rocholl - Redaktion Torben Becker - Redaktion Mit Vergnügen - Vermarktung und Distribution MEIN ZEUG: Mein neues Buch: https://bit.ly/3cDyQ18 Die Hotel Matze Suite bei Apple: https://apple.co/43V3hGq Die Hotel Matze Suite bei Spotify: https://spoti.fi/3U3ZySC Wunschgäste bitte in die Kommentare: https://apple.co/2RgJVH6 Mein Newsletter: https://matzehielscher.substack.com/ TikTok: https://tiktok.com/@matzehielscher Instagram: https://instagram.com/matzehielscher LinkedIn: https://linkedin.com/in/matzehielscher/ YouTube: https://bit.ly/2MXRILN Twitter: https://twitter.com/hotelmatze1 Mein erstes Buch: https://bit.ly/39FtHQy Mein Fragenset: https://beherzt.net/matze

Leonie und Julian treffen sich mit Dani und Chris vom gART.n Berlin und sprechen über das Gründen einer Feierlocation, die aktuelle Entwicklung der elektronische Musik in Richtung der großen Bühnen und die Zusammenarbeit in einer Partnerschaft.

Verspätete Premiere für eine radikale musikalische Idee: Schon 1932 schlug eine Musikwissenschaftlerin vor, das elektronische Instrument „Ondes Martenot“ für das Spielen von arabischer Musik zu nutzen. Von Julia Tieke www.deutschlandfunkkultur.de, Klangkunst

Leonie und Julian treffen sich mit Jane Ryse - Berliner DJ, und Produzentin. Sie sprechen über ihre musikalische Entwicklung, den Einfluss ihres Kollektivs RISE, den Status Quo von Afro House, sowie Nerdtum und Zielstrebigkeit.

Elektronische Musik aus den 2000ern Ohne, dass sich Jens und Marcel abgesprochen haben, gibt es in dieser Ausgabe 3 Songs aus dem Bereich der elektronischen Musik. Aber immerhin alle 3 aus unterschiedlichen Sub-Genres. Außerdem erzählt Jens einen Witz, Marcel versucht in einer regulären Folge das Endquiz richtig zu gewinnen und mitten in der Folge vergessen die beiden alten Männer, was sie noch Googlen wollten. Kann ja nur eine legendäre Folge werden. Es gibt (fast) alle Songs des Podcasts als Playlist bei Spotify (Link: https://open.spotify.com/playlist/4m3l3Xvt1EdFp2LxkooNmJ?si=7fa49d851b9440dd).Drückt den "Follow"-Button bei Eurem Streaminganbieter, um keine Folge mehr zu verpassen und wer es gut meint mit uns, bewertet unseren Podcast mit mindestens 5 Sternen bei seinem Streamingportal ;-). Jegliche Kritik und Euer Feedback könnt Ihr per Mail an podcast.musikgeschichte@gmail.com senden. Unseren Blog mit allen Neuigkeiten findet Ihr hier. (https://musikgeschichte.com/category/news/) Zusätzlich bieten wir ab Oktober 2023 einen eigenen WhatsApp-Channel an, der Euch alle News und Episoden-Releases direkt aufs Handy bringt (Link: https://whatsapp.com/channel/0029VaE59eoGehEO4N14xm2S) Abonnieren! Ebenso sind wie auf TikTok zu finden. Folgt uns, freundet Euch mit uns an und liked unsere Videos (https://www.tiktok.com/@podcast.musikgeschichte).Vielen Dank fürs Zuhören.LinksMusikgeschichte KalenderblattFolge 8 - November 2002Credits Podcastintro/-outro by Unlimited Music @ Pixabay Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Musik hat einen grossen Einfluss auf unseren Gemütszustand. Sie kann beflügeln, sie kann traurig machen oder sie kann auch einfach nichts auslösen. Kann sie auch nur beruhigen? Mit dieser Playlist versuchen wir es: Sie ist voll mit tiefen Soundscapes.  À propos: Es gibt auch Musik, welche die Konzentration fördert. Sie heisst Lofi Beats und ist sogar ziemlich beliebt. Hier erfährst du mehr darüber.    Tracklist sounds!Mixtape: E-Mantra The Long Walk Beneath The Polar Sky µ-Ziq Burnt Orange Exthract Whathr Eternal Judge Tornado Outbreak Slowerpace Strange Getaway Haircuts For Men ?? (hfm barber chop edit) Tupperwave Grocery Store Sunset Mr. Ho 000 Baby Windows96 Nocturne Button Presses unknown Radiation Airglow Electrifying Landscapes Justice Feat. Tame Impala One Night All Night  

Nicht viele Musiker können von sich behaupten, dass sie ihr allererstes Open Air-Konzert vor einer Million Menschen gespielt haben (und damit im Guinnessbuch der Rekorde gelandet sind). Für Jean-Michel Jarre ist es allerdings typisch, dieser Mann ist zweifelsohne ein Ausnahmekünstler! 1976 sorgt sein Werk "Oxygène" für Wirbel in der Musikwelt und macht Jarre über Nacht zu einen der wichtigsten elektronischen Musikern dieser Zeit. Dabei war es alles andere als leicht, dieses Album zu veröffentlichen... Wir schauen uns die frühen Werke von Jean-Michel Jarre genauer an, sprechen über seinen Einfluss auf andere Musiker und warum seine Live-Shows immer wieder ein besonderes Erlebnis sind.

Es ist der Hunger auf das Neue, der ihn antreibt, grundiert von einer philanthropisch-heiteren Grundstimmung: Seit seinen ersten Erfahrungen als Schlagzeuger und Pauker im Orchester erweitert Peter Eötvös ständig seinen Horizont. Lange Jahre spielte Peter Eötvös in Stockhausens Ensemble, arbeitete im Studio für Elektronische Musik des WDR, wurde der musikalische Leiter des Ensemble InterContemporain, entwickelte sich zum international erfolgreichen Komponisten und zum ebenso erfolgreichen Dirigenten (ähnlich wie Pierre Boulez, der mit Aufführungen seiner eigenen Musik unzufrieden war und das lieber selbst besorgte). Jetzt ist Peter Eötvös 80. Als Geburtstagsgeschenk bekommt er ein Eötvös-Mosaik

Mit "Violator" erscheint im März 1990 das siebte Studioalbum der britischen Synthie-Pop-Band Depeche Mode, das seitdem als ihr Meisterstück gilt. Mit über 15 Millionen verkauften Einheiten ist es das meistverkaufte Album von Depeche Mode. Die bekanntesten Hits auf dem Album sind "Personal Jesus" und "Enjoy the Silence". Dass "Violator" ein Meilenstein der Musikgeschichte geworden ist, liegt auch daran, dass es viel mehr ist als "nur" Synthie-Pop. "Es ist eine geniale Fusion von elektronischer Musik und akustischen Instrumenten mit Gospel, Blues und Rock-Elementen. Mystisch, düster und melodiös und nach Meinung vieler Fans und Kritiker das Beste, was Depeche Mode geschaffen haben." - SWR1 Musikredakteur Dave Jörg Das Massenphänomen Depeche Mode Anfang der 90er Jahre waren Depeche Mode bereites eine große Nummer. Das Vorgängeralbum "Music For The Masses", also Musik für die Massen, war im Prinzip eine Art Vorbote für das, was dann Wirklichkeit wurde. Depeche Mode wurden zum Massenphänomen, insbesondere durch ihre Tour in den USA. Auf ihrem legendären Abschlusskonzert der "Music For The Masses"-Tour am 18. Juni 1988 im Rose Bowl-Stadion im kalifornischen Pasadena spielten sie vor über 60.000 Zuschauern. Dort sind ein Tourfilm sowie das berühmte Live-Album "101" enstanden. Your Personal Jesus "Personal Jesus" ist inspiriert von Priscilla Presleys Buch "Elvis und ich", in dem sie über ihren Ex-Mann Elvis schreibt und sagt, dass er in ihrem Leben ihr persönlicher Jesus gewesen sei. Der Mensch, um den sich alles gedreht hat. Man spürt und hört in dem Song auch den Einfluss einer Musikrichtung, die auf den ersten Blick erstmal weit weg von Depeche Mode zu sein scheint: den Delta Blues aus Mississippi, der sehr stark durch die schwarze Musik geprägt ist. Ihr damaliger Produzent Flood hat Depeche Mode eine Art Freifahrtschein gegeben, sich von musikalischen Grenzen zu befreien und ihr eigenes Ding zu machen. Elektronische Musik und Gitarren oder Bluesmusik standen sich damals gar unvereinbar gegenüber, bis Depeche Mode diese sehr erfolgreiche Fusion geschaffen haben – damals ein absolutes Phänomen. Im Vereinigten Königreich hat man zu dieser Zeit eine interessante Werbekampagne zum Song gefahren: In verschiedenen lokalen Zeitschriften gab es Anzeigen, auf denen stand "Your Personal Jesus", darunter eine Telefonnummer. Unter dieser konnte man den Song in der Leitung hören. Einzigartiger Sound von Depeche Mode Dieser spezielle Sound von Depeche Mode ist in die Popkultur eingegangen. Dabei sind vor allem zwei Personen maßgeblich beteiligt, zum einen der Songschreiber Martin Gore von Depeche Mode und auf der technischen Seite deren damaliger Produzent Flood. Flood produzierte unter anderem Bands wie die Nine Inch Nails, Nick Cave, Erasure oder The Innocents. Flood stellt Depeche Mode all sein Wissen und technisches Können zur Verfügung. Am Mischpult findet sich der Toningenieur François Kevorkian, der auch mit Kraftwerk das Album "Electric Café" in den Achtzigern aufgenommen hat. Unfassbare Leute, die im Hintergrund von "Violator" mitgearbeitet haben gepaart mit sensationellen Songs machen die Magie dieses Albums aus. Enjoy the Silence "Enjoy the Silence" ist die zweite Single-Auskopplung aus dem Album "Violator" und bis heute der größte Erfolg von Depeche Mode. Songwriter Martin Gore schrieb das Stück ursprünglich als Ballade. Carla Bruni hat den Klassiker 2017 neu interpretiert und verleiht dem Song durch ihre warme Stimme besonderen Charme und macht ein klares Statement: Die Welt braucht mehr Ruhe, Stille ist heilsam. Dieser Erfolg von "Enjoy the Silence" löste einen unglaublichen Hype um Depeche Mode aus, sodass von den Journalisten damals immer wieder der Vergleich mit den Beatles gezogen wurde. Kritik zum Album Die Kritiker haben das Album zur damaligen Zeit durchaus eher durchwachsen bewertet. Wie immer ist es eine Frage der Perspektive. Die Musikjournalisten zu der Zeit waren sehr stark im klassischen Rock'n'Roll bei den Beatles und den Stones verwurzelt, sodass sie diese elektronische Musik nicht so ernst genommen haben. "Es gibt meines Erachtens nach keinen, der elektronische Musik heute macht, der nicht in irgendeiner Form direkt oder indirekt von Depeche Mode und diesem Album "Violator" beeinflusst ist." - SWR1 Musikredakteur Dave Jörg Buchtipp: Halo – Die Geschichte hinter Depeche Modes Albumklassiker "Violator" Violator blieb insgesamt 48 Wochen in den deutschen Albumcharts vertreten. Wie dieses bahnbrechende Album zustande kam, dokumentieren die beiden Super-Fans Kevin May und David McElroy ganz genau indem sie dazu mit einer Vielzahl von Mitstreitern sprachen. "Violator" – Ein Meilenstein der Musikgeschichte Wieso der Song "Enjoy The Silence" dafür verantwortlich ist, dass es in Amerika fast Straßenschlachten gegeben hat, welche Parallelen das Video zum Song mit dem kleinen Prinzen des französischen Autors Antoine de Saint-Exupéry aufzeigt und die Hintergründe zur Entwicklung des einzigartigen Sounds von Depeche Mode – darüber und mehr, wird in dieser Episode gesprochen. __________ Über diese Songs vom Album "Violator" wird im Podcast gesprochen (03:08) – "World in My Eyes"(07:35) – "Personal Jesus"(17:10) – "Halo"(21:47) – "Enjoy the Silence"(27:24) – "Policy Of Truth"(32:18) – "Clean"__________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen (01:10) – "The Wall" von Roger Waters(01:37) – "Verdammt, ich lieb' Dich" von Matthias Reim(01:48) – "Nothing Compares 2 U" von Sinéad O'Connor(05:14) – "Sky and Sand" von Paul Kalkbrenner(12:01) – "Personal Jesus" von Johnny Cash(16:34) – "Personal Jesus" von Marilyn Manson(33:01) – "One of These Days" von Pink Floyd(34:08) – "Autobahn" von Kraftwerk__________ Shownotes Der Chefredakteur des Onlinemusikmagazins "Nothing But Hope And Passion" hat zum 25-jährigen Jubiläum von "Violator" einen "Liebesbrief" geschrieben: https://nbhap.com/sounds/depeche-mode-violator Review bei allmusic.com: https://www.allmusic.com/album/violator-mw0000206302 Bericht aus TTT über Depeche Mode in der ARD Mediathek: https://www.daserste.de/information/wissen-kultur/ttt/sendung/br/ttt-depeche-mode-100.html Offizieller YouTube-Kanal von Depeche Mode: https://www.youtube.com/channel/UCM-CWGUijAC-8idv6k6Fygw __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Agi Isaku führt mit dem Nordstern einen der europaweit beliebtesten Clubs. Katja Reichenstein spricht mit dem Inhaber darüber, wie Basel zu einem fruchtbaren Nährboden für elektronische Musik wurde und weshalb seine Nähe zur Kunst und den Museen in Basel eine seit Jahrzehnten kultivierte Liebesbeziehung ist. Das und noch viel mehr erfährst du in dieser Folge: • Wie hat sich die elektronische Musikkultur seit den 90er-Jahren verändert und wie sieht ihre Zukunft aus? • Was macht den Nordstern Club so einzigartig? • Welche Herausforderungen bringt es mit sich, einen Club in einem Schiff zu eröffnen? • Welche Beziehung pflegt der Nordstern-Besitzer zur Basler Kunstszene? Shownotes: - Nordstern Club Basel: https://www.nordstern.com/ - Alle Infos und Fotos unter https://www.basel.com/podcast

Rudi Wrany im Gespräch mit Felix Mayr-Melnhof über das Paradies Garten Festival in Bruck an der Leitha. Über Schwierigkeiten, nachhaltige Konzepte und ein zeitgemäßes Booking. (superfly.fm)

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Jetzt Track17 für Bonus-Material auf Steady unterstützen. Die beste Musik des Monats im Check: Nach ihrem hochgelobten ersten Album „Bright Green Field“ von 2021 bringen die Indie-Art-Rocker **Squid** ihr zweites Album auf @warprecords heraus: „O Monolith“ ist immer anders, immer gleich. Auf „Öga For Öga“, ihrem zweiten Album als **Loopsel**, entwirft Elin Engström einen atmosphärisch düsteren und verwaschenen Nightmare-Pop-Folk-Ambient. Track17-Hörer*innen, die sich für Grouper interessieren, gefällt auch Loopsel. Wer beim diesjährigen Album der russischen Produzentin Kate NV schon „WOW“ gesagt hat, wird bei „Ticket To Fame“ Schnappatmung bekommen. Zusammen mit der ehemaligen Dirty-Projectors-Musikerin Angel Deradoorian bildet Kate NV das Duo **Decisive Pink**. Elektronische Musik – bunt, verspielt und voller Humor. Auf ihrem gemeinsamen Album „Death By Tickling“ vereinen der Japaner **Scotch Rolex** und Bassmusik-Legende **Shackleton** das Beste ihrer beiden Welten: dubbige, tribal Psychedelia trifft auf ungerade Beats und dunkle Soundeffekte. **Mandy, Indiana** aus Manchester präsentieren mit „I've Seen A Way“ ein Debütalbum,das anderen Bands für eine ganze Karriere reichen würde. Der Noise ist der Klebstoff, der diesen wahnsinnigen Genre-Mix zusammenhält. Dazu gibt's 12 weitere Musikempfehlungen von Clark, Fridge, bar italia, Halina, Arthur Russell, Swans, Midnight Magic, Alva Noto und mehr auf unserer Spotify-Playlist "Track17 - Playlist zum Podcast" [Setlist] - [00:00:00] Intro + Zuletzt gehört: Fridge (Four Tet) und Tribal-Bass von T++ - [00:05:50] Jetzt auf Steady unterstützen und Bonus-Folge zu Aphex Twin hören - [00:06:53] **Squid // O Monolith (Warp)** - [00:18:49] Playlist Part 1: Halina, bar italia, Fridge, Clark - [00:23:41] **Loopsel // Öga For Öga (Mamma's Mysteriska Jukebox)** - [00:30:38] **Decisive Pink // Ticket To Fame (Fire Records)** - [00:39:09] Playlist Part 2: Midnight Magic, Ome, Alva Noto, Daniel Avery - [00:43:02] **Scoth Rolex & Shackleton // Death By Tickling (Silver Triplet)** - [00:50:27] **Mandy, Indiana // i've seen a way (Fire Talk)** - [00:58:02] Playlist Part 3: Packed Rich, Natural Wonder Beauty Concept, Swans, Arthur Russell - Jetzt auf Spotify abonnieren. Neue Songs auf der Playlist: - Squid - The Blades - Loopsel – Time Machine - Decisive Pink - Destiny - Scotch Rolex & Shackleton – Final Spasm - Mandy, Indiana - Drag [Crashed] - Halina - Expectations - bar italia - Nurse! - Fridge – Five Combs - Clark – Alyosha - Midnight Magic - I Found Love - Ome - Nada - Alva Noto – Nie anhaltender Strom - Daniel Avery – Time Takes A While - Natural Wonder Beauty Concept - Swords - Packed Rich - Disembodied - Swans – Paradise Is Mine - Arthur Russell – Very Reason

"Oluzayo" heißt "Was vor uns liegt" und ist der Name eines afrikanischen Musikfestivals in Köln. "Eine Schiene ist zeitgenössische komponierte Musik", sagt Thomas Gläßer, künstlerischer Leiter. Aber auch Genres wie Ambient und EDM seien vertreten. Von Thomas Gläßer.

In dieser Podcast-Folge sprechen wir darüber, welche Auswirkungen das ständige Buchen der gleichen Headliner auf die elektronische Musikszene hat. Wir reden über mögliche Gründe und Vorteile, sowie auch über die Nachteile, die damit einhergehen. Zudem diskutieren wir mögliche Lösungen.

Episode 97 Crosscurrents in Elektronische Musik from Germany Playlist Josef Anton Riedl, “Studie 1b, 1a” (1951) from Zeitgenössische Musik In Der Bundesrepublik Deutschland 3 (1950-1960) (1982 Deutscher Musikrat). Early example of German tape composition, categorized as musique concrète as it includes more than purely electronic sounds, but the edited and processed sounds of human voices and instruments (a harp, string bass) as well. But it's the vocal utterances and the way they were edited for effect with unpredictable silences that makes this work stand out for me. Riedl completed this after visiting and hearing musique concrète in France. After that, the Cologne studio came into existence and provided a new means to create electronic music not with microphones, but directly through electronic signals on tape. Riedl switched from making musique concrète to elektronische music. Realization by Riedl in association with the Studio für elektronische Musik des Westdeutschen Rundfunks, Köln (WDR, West German Radio in Cologne). 5:34 Karlheinz Stockhausen, “Étude” (1952) from Elektronische Musik 1952-1960 (1991 Stockhausen Verlag). Realized by Stockhausen during a stay to ORTF, Paris, where he learned the basics of musique concrète, which is how he categorized the piece before working purely electronic music at WDR. 2:56 Karlheinz Stockhausen, “Studie I” (1953) from Elektronische Musik 1952-1960 (1991 Stockhausen Verlag). One of two purely electronic “studies” composed by Stockhausen at the WDR. His serialist approach dictated all aspects of the sound and he composed the works using a graphical approach to depict the shapes and values of the volume, duration, pitch, and timbres of the sound. “Studie I” is among the first works of electronic music composed entirely for sine waves. Although the means for creating “Studie I” are readily available today using computer synthesis, its composition in 1953 required much manual intervention and ingenuity by Stockhausen. “Studie I” was a completely serialized composition in which the composer applied the mathematical analysis of tones and timbres to the way in which he generated, shaped, and edited sounds for a tape composition. With electronic tone generators and tape recorders at his disposal, Stockhausen felt that it was possible to “compose, in the true sense of the word, the timbres in music,” allowing him to synthesize from base elements such as sine waves the structure of a composition, its tone selection, and all of the audio dynamics such as amplitude, attack, duration, and the timbre of the sounds. He approached the composition by first recording a series of electronic tones that met certain pitch and timbral requirements that he prescribed and then using serial techniques to devise an organizational plan that determined the order and duration of the sounds as he edited them together. 9:23 Karlheinz Stockhausen, “Studie II” (1954) from Elektronische Musik 1952-1960 (1991 Stockhausen Verlag). The second of two purely electronic “studies” composed by Stockhausen at the WDR. For “Studie II,” Stockhausen extended his experiments with sine waves begun on “Studie I” by exploring the use of attack and decay characteristics as elements of composition. “Studie II” is one of the first post-war tape works to have a written score, albeit a graphic one in which overlapping translucent geometric shapes are used to denote the occurrence of a tone of a given amplitude in a given frequency with specific attack and decay characteristics. For “Studie II,” Stockhausen defined a set of frequencies based on the same ratio, resulting in an 81-tone scale of tones divided into one-tenth octave steps. The loudness and attack characteristics of the tones were divided into five stages. Tones based on such equal divisions of the frequency spectrum proved to be more harmonic when mixed. Stockhausen recorded short passages of the given tones and spliced them together in a loop that could be played repeatedly. These loops were then played through a reverberation system and then recorded to provide the final material with which the composer worked. Stockhausen's extensive use of reverberation added body and a noise quality to the sounds that embellished the raw sine tones. Using serial techniques to determine how to edit the material together, Stockhausen varied the attack characteristics and then also played some of the sounds backward to create a ramping decay that would abruptly cut off. His application of attack and decay characteristics in five prescribed stages of amplitude resulted in passages that were highly articulated by cascading, irregular rhythms. 2:59 Herbert Eimert, “Fünf Stücke” (1955/56) from Zeitgenössische Musik In Der Bundesrepublik Deutschland 3 (1950-1960) (1982 Deutscher Musikrat). Realization, H. Schütz, Herbert Eimert. Produced in the WDR studios, Cologne. Like Pierre Schaffer in France, Eimert had a background in creating music and sound for radio. He was one of the founding directors of the Cologne studio. Of the works included here, this one is a good example of his serialist approach that incorporated constantly changing combinations of defined sounds. 12:31 Gottfried Michael Koenig, “Klangfiguren II” (1955/56) from Zeitgenössische Musik In Der Bundesrepublik Deutschland 3 (1950-1960) (1982 Deutscher Musikrat). Realization by Gottfried Michael Koenig. Produced in the WDR studios,Cologne. Koenig was with the WDR Studio for ten years from 1954 to 1964. There he experienced the fundamental aspects of creating works with electronic sound devices, most of which had never been intended to make music. His work led him directly to computer music composition in the 1960s. In “Klangfiguren II” “every sound goes through several working steps, and both the original sound and the various intermediate results of the transformation process are heard.” 10:13 Karlheinz Stockhausen, “Gesang Der Jünglinge” (1955/56) from Zeitgenössische Musik In Der Bundesrepublik Deutschland 3 (1950-1960) (1982 Deutscher Musikrat). Realization by Gottfried Michael Koenig, Karlheinz Stockhausen. Produced in the WDR studios, Cologne. “Gesang der Jünglinge” was begun three years before Varèse completed “Poème électronique.” Like the Varèse work, “Gesang der Jünglinge” was produced using a host of electronic music production techniques cultivated earlier at the WDR studios. Stockhausen's approach was to fuse the sonic components of recorded passages of a youth choir with equivalent tones and timbres produced electronically. Stylistically, Stockhausen avoided the choppy, sharply contrasting effects that were so evident in many early magnetic tape pieces, instead weaving his sound sources together into a single, fluid musical element. He practiced his newly formed principles of electronic music composition, setting forth a plan that required the modification of the “speed, length, loudness, softness, density and complexity, the width and narrowness of pitch intervals and differentiations of timbre” in an exact and precise manner. The piece was painstakingly crafted from a visual score specifying the placement of sounds and their dynamic elements over the course of the work 13:03 Hermann Heiss, “Elektronische Komposition 1” (1956) from Zeitgenössische Musik In Der Bundesrepublik Deutschland 3 (1950-1960) (1982 Deutscher Musikrat). Realization by H. Schütz, Hermann Heiss. Produced in the WDR studios,Cologne.One does not often hear the name Heiss in relation to electronic music, although he went on the direct the Studio für Elektronische Komposition at the Kranichstein Music Instutute. At the time of this composition, he was focused on adapting electronic sounds to serial composition, for which he thought they were ideally suited. 5:11 Herbert Eimert, “Selection I” (1959) from Panorama Électronique: Electronic Experimental Music (1968 Limelight). For electronic and concrete sounds. 10:03 Herbert Eimert, “Sechs Studien” from Epitaph Für Aikichi Kuboyama (2005 Creel Pone). “Sechs Studien” was composed 1962 & realized by Leopold von Knobelsdorff and released in 1962 on the Wergo label. For electronic and concrete sounds. Interestingly, Eimert was also branching out with the addition of keyboards and what sounds like a theremin (although it might have been an Ondes martenot). The WDR studio had a keyboard instrument built by Harald Bode in 1953, the Melochord, along with a a Monochard made by Friedrich Trautwein. 17:48 Karlheinz Stockhausen, “Kontakte”(1959-60), parts 1 and 2 from the album Gesang Der Jünglinge / Kontakte (1962 Deutsche Grammophon). Composed and realized by Karlheinz Stockhausen. Produced in the WDR studios,Cologne. This work was adapted for phonograph from a 4-track original tape composition. Given that the album could only hold about 25 minutes of sound per side, they divided this piece in two and presented it as parts 1 and 2. I've joined the two parts together for the podcast. Note the experiments in sound movement between the speakers, a facet of electronic music about which Stockhausen was captivated. Around this time, he began using contraptions invented for the Cologne studio that would, for example, rotate a loudspeaker in space from which fixed microphones could pick up fluctuating signals based on the frequency of the speaker rotation. He would eventually use this same technique with live performances and 4 or more speakers to enable the sound to, in effect, rotate around the audience. By the time her wrote the liner notes for this recoding in 1962, he had “publicly performed” the work “more than thirty times in all large European cities as well as in Canada, the USA, and Brazil, and broadcast by most radio stations in both versions” (stereo and radio mixes). Stockhausen's sound palette had also grown more sophisticated by this point and contained many seemingly organic elements that stood out from the earlier, purely electronic music output of the WDR. It is also one of his last electronic works to exploit “total serialism” in which he painstakingly composed around the parameters of sound to “bring all properties” such as timbre, pitch, intensity, and duration under a single control." In 1981, music scholar David Toop looked back on this work and noted that Kontakte was really the culmination of Stockhausen's attempts to apply serialism technique to electronic music and succeeded only at the broadest level. Many other composers by this time had discovered that the fundamental nature of electronic music was to deal with the basic elements of sound and calling it serialism seemed quite meaningless. After all, the structures and tonalities were only as interesting as the listener found them to be. In his case, Stockhausen's uniquely vibrant and organic music, tinged with introspection and shocking contrasts, provided an emotional impact that serialism had never intended. Don't miss hearing the sequence beginning around 17 minutes in that presents a sequence of pulsing electronic tones that are sped up, at first, to sound like a smooth waveform but then lowered in frequency so that you hear the component particles and beats that comprise the faster tone. This was quite a trick using tape manipulation, probably requiring several playbacks of the sound at different speeds and then some eloquent mixing to join the pieces together. 34:33 Mauricio Kagel, “Transicion I” (1958) from Panorama Électronique: Electronic Experimental Music (1968 Limelight). This is one of several reissues of the work that was originally released by Philips (who owned Limelight, its US label). I have several versions of this work and this was in the best shape. Realization by Gottfried Michael Koenig, Mauricio Kagel. Produced in the WDR studios, Cologne. “Transicion I” for electronic sounds (1958) was composed when Kagel first traveled to Cologne, where he remained for the rest of his career. Clearly influenced by the Cologne school of serialism, “Transicion II” was characterized by an exploration of the many aural possibilities of his sound sources set to an arrhythmic, seemingly formless sequence of sonic exclamations without pattern. These works were similar in effect to some of Stockhausen's instrumental pieces of the same period, but radically different from the German's evolving approach to methodical tape composition. 12:49 Opening background music: Four short sections of “Kontakte” (1959-60) from Elektronische Musik 1952-1960 (1991 Stockhausen Verlag). These are not presented in their original order, but comprise Struktur parts 11, 12, 13a and 13b. the CD release on Stockhausen Verlag presents “Kontakte” not a one uniform track but as a set of parts originally created and edited together by Stockhausen. Opening and closing sequences voiced by Anne Benkovitz. Additional opening, closing, and other incidental music by Thom Holmes. See my companion blog that I write for the Bob Moog Foundation. For additional notes, please see my blog, Noise and Notations.

György Ligeti – »großer Komponist und Clown größter Qualität«. Schlagartig bekannt wurde der Komponist in der Neue-Musik-Szene durch das 1961 in Donaueschingen uraufgeführte Orchesterwerk »Atmosphères«. Als Filmmusik hat es dieses Werk zu großer Bekanntheit gebracht, obwohl es nicht zu diesem Zweck komponiert wurde: Stanley Kubrick verwendete einen Ausschnitt aus Ligetis »Lux aeterna« für seinen Film »2001: A Space Odyssey«. Der 1923 im rumänischen Siebenbürgen geborene Komponist war nach der Niederschlagung des ungarischen Aufstands vom Herbst 1956 nach Deutschland geflohen und arbeitete zeitweise in Köln mit Karl-Heinz Stockhausen im Studio für Elektronische Musik. Im Podcast gibt Christoph Vratz anlässlich der drei Geburtstagskonzerte – Ligeti 100 – am 28. Mai einen Einblick in dessen Schaffen. Neben Hörbeispielen kommen der Komponist, der 2006 starb, und Weggefährten wie zum Beispiel der Pianist Pierre-Laurent Aimard zu Wort.

Die Frankfurterin Sandra Mann ist eine der bedeutendsten Fotokünstlerinnen und Fotografinnen Deutschlands. Schon als Studentin der HfG in Offenbach hat sich die heute 52jährige einen Namen gemacht mit ihren Bildern aus der Frankfurter Club- und Techno-Szene, die sie später in der Reihe „Nightlife“ zusammenfasste. Vom Dokumentieren kam sie immer mehr zum Inszenieren ihrer Bilder, von „Nightlife“ wechselte sie über „Daylife“ zum „Waldlife“ - ganz wesentlich provoziert durch die Digitalfotografie und die Frage: Was ist für sie als Künstlerin heute wert gezeigt zu werden in der digitalen Bilderflut des Social-Media-Zeitlalters? Darüber spricht sie im Interview mit Uli Höhmann genauso wie über ihren Arbeitsalltag als Künstlerin, der höchstens zu 20 bis 30 Prozent aus Kreativem besteht. | Foto Tom Kauth

Moin! Elektronische Musik, Hardcore Punk und Alternative-Pop, darum geht es in dieser Sendung. Wein gibt es auch wieder, der kommt diesmal vom Weingut Jurtschitsch aus Österreich und ist ein Grüner Veltliner aus dem Jahr 2021.

Von 1.000 auf 25.000 Besuchenden in wenigen Jahren. Florian Gebauer begeisterte sich schon zu Schulzeiten für Veranstaltung und organisierte früh erste Parties und Events. Mit seiner Rocking High GmbH entwickelte er z.B. ein Street Food Festival, das er durch zahlreiche Regionen in Süddeutschland schickt, veranstaltete Club Events und sogar einen Straßenfasching. Als das beschauliche Open Beatz Festival in Herzogenaurach bei Nürnberg zum Verkauf stand, schlug er sofort zu. Das Open Air für elektronische Musik war zwar klein, aber es gab den langfristigen Pachtvertrag in der malerischen Natur dazu. Im Redfield Podcast erklärt Florian Gebauer wie er das Festival seit 2014 zu Süddeutschlands größtem elektronischen Musikfestival mit rund 25.000 Besuchenden und fünf Bühnen machte. Er gibt Gastgeber Alexander Schröder Einblicke in die finanziellen Strukturen und Herausforderungen, insbesondere in der Zukunft und wie die Philosophie hinter dem Open Beatz Festival ist. Für ihn ist klar: Das Festival ist der Headliner und trotz der pandemiebedingten Pause, die ihn fast in den Bankrott stürzte, will er es auf keinen Fall verkaufen. So nutzte er diese Phase stattdessen, um sich unternehmerisch in einem anderen Metier zu versuchen – und setzte dabei alles auf eine Karte. www.openbeatz.de www.rockinghigh.com www.redfield-podcast.de

Episode 91 The Silent Episode Playlist Morton Feldman, “Intersection” (1953) from First Recordings: 1950s (1999 Mode). Feldman, like Cage, had already been a proponent of including silence in his pieces. Feldman was a part of the Project of Music for Magnetic Tape (1951 to 1954), an artist's collective founded by Cage to explore experiments in magnetic tape music. From this period came several works, the most famous of which was Williams Mix (1952) by Cage. For Williams Mix, Cage commissioned the recording of hundreds of taped sounds by Louis and Bebe Barron and then specified how to splice them together using a daunting 192-page graphical composition created using chance operations. Cage conceived the work for eight tracks of magnetic tape played simultaneously. The other members of the collective, in addition to helping edit Williams Mix, also created some unique works of their own using the same library of sounds. Feldman was one of these composers but took a decidedly different approach than Cage. For Intersection, Feldman used a graphic score composed of a grid, a method he had been testing for various instrumental works such as Intersections No. 1 for Piano (1951). The score could be likened to a sheet of graph paper with one row assigned to each of the eight channels. Each square, or cell, of each row represented a unit of time to be occupied by either a sound or silence. The sounds were assigned only as numbers representing the lengths of tape snippets to be used, thus regulating the duration of individual sounds. The sequence and simultaneity of the audio was dictated by the “intersection” of sounds and silences across the columns of the score. The realization of the piece was left in the hands of Cage and Earle Brown, who assembled the tape segments by following the grid score. The choice of sounds drawn from the tape library was left to the executors of the score. Whereas Cage had not actually specified the use of silence in the score of Williams Mix, Feldman clearly had, and this is evident from the result. Speaking about the piece later, Feldman famously said that he “loathed the sound of electronic music.” He disliked the labor of executing a piece by cutting up magnetic tape and didn't feel the result was justifiably unique. He also said, “John [Cage] says that experimental music is where the outcome cannot be foreseen. . . . After my first adventure in electronic music, its outcome was foreseen.” 3:24 John Cage Variations I from Darmstadt Aural Documents Box 2 – Communication (2012 NEOS). Two Pianos, Electronics, Radio Sets, David Tudor, John Cage. This German disc is part of the Darmstadt Aural Documents projects and features recordings from 1958. This track was of the European premiere of Variations 1 and was recorded at the International Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt September 3, 1958. This track is enlightening because it not only contains a work by Cage with purposefully scored silences, albeit by chance operations, but is also a live recording with an audience. You can clearly hear how the audience responds during the silent passages, mostly in their bemusement. Whereas the implied humor was unintentional, I often experienced this phenomenon while seeing a Cage performance. I wanted to include this as an example of what can happen when silence becomes part of a live performance. Chance operations were used to determine the placement and duration of silences. 8:50 John Cage, “WBAI” (1960) from Early Electronic And Tape Music (2014 Sub Rosa). Sine wave oscillator, record player, synthesizer, radio. Description of the piece from the score in the Edition Peters catalogue (1962) of Cage's works: “Certain operations may be found impossible e.g., 3 or 4 at once. Let the operator do what he can without calling in assistants.” Chance operations were used to determine the placement and duration of silences. This performance for sine wave oscillator, record player, synthesizer, radio. Not performed by Cage and recorded in 2013 by participants following the score. Originally presented on WBAI (NY) as a solo work scored for performance with Cage's lecture ("Where Are We Going? And What Are We Doing?"). From the comments of the score: “This composition may be used in whole or in part by an operator of machines.” Personnel on this disc include, Square-wave oscillator, Auxiliary Sounds, Radio, Robert Worby; Performer, Langham Research Centre Auxiliary Sounds, Cassette, Open-reel tape, Radio, Iain Chambers; Synthesizer, Auxiliary Sounds, Spoken Word, Philip Tagney; Turntables, Auxiliary Sounds, Open-reel tape, Felix Carey. 7:04 John Cage, David Tudor, “Klangexperimente (Sound Experiment)” 1963 from Siemens-Studio Für Elektronische Musik (1998 Siemens Kultur Programm). Interesting collection of tracks by a variety of artists invited to explore the technological possibilities of the early "Studio for Electronic Music" built and run by Siemens since 1956 in Munich and Ulm. In the case of the Cage piece, both Cage and Tudor programmed this work using punch cards, an early computer control device. Chance operations were used to determine the placement and duration of silences. 1:58 Henri Pousseur, “Scambi (Exchanges)” (1957) from Panorama Des Musiques Expérimentales (1964 Philips) is an electronic music tape composition by the Belgian composer , realized in 1957 at the Studio di Fonologia musicale di Radio Milano. Pousseur fluidly added silence patches throughout this piece, using them to create tension due to their unpredictable nature. This is an analog recording, so the silences include an abundance of tape hiss. 6:27 Ton Bruynèl, “Reflexen (Reflexes)” (1961) from Anthology of Dutch Electronic Tape Music: Volume 1 (1955-1966) (1978 Composer's Voice). Recorded in Bruynèl private electronic music studio. Another tape work that shows the potential for splicing in silence as a tool of the composer. The silences are carefully added from about the 2:14 to 4:00 mark to underscore the accelerating pace of the music. Note that the original recording has rumble from what sounds like a turntable, plus tape hiss, so the “silences” are not as abject as they are in digital recordings. 4:41 MEV (Musica Elettronica Viva), “Spacecraft” from Live Electronic Music Improvised (1970 Mainstream). Performers, Alan Bryant, Alvin Curran, Frederic Rzewski, Ivan Vandor, Richard Teitelbaum (Moog Modular synthesizer). The liner notes described the following editing process for this album that includes the random insertion of silent passages within the recorded live tracks: “The tape has been edited and interspersed with silence in accordance with a random number programme to give a representative cross-section of a concert lasting two hours.” 19:50 Maggi Payne, “Scirocco” from Crystal (1986 Lovely Music Ltd.). Composed, engineered, performed by Maggi Payne. This beautiful piece of ghostly, haunting sounds is long enough to create an expectation of a continuous soundscape, only to two drop off in two spots to present long silent or nearly silent passages. 10:26 Mika Vainio, “In a Frosted Lake” from Aíneen Musta Puhelin = Black Telephone Of Matter (2009 Touch). Produced and recorded in Berlin 2008. This piece seems to be about amplitude and inaudible frequencies, frameworked by silences. There is a pattern of eight peak tones from the start to the end of the piece. In between these peaks are quieter sounds and silences, with a tension that leans toward achieving a silent state. 5:53 Giancarlo Mangini, “September 14, 2020, from 4.50a.m. to 5.02a.m. ...and remember what peace there may be in silence” from Electronic Music Philosophy, Vol. 27: Silence (2020 Bandcamp). From the twenty-seventh collection of tracks from the collective known as Electronic Music Philosophy (Tustin, California) came this disc devoted to works composed using silence as a principal technique. In this work, there is a steady pattern of silences from start to finish, but the duration of the silences gradually increases in many instances as the work progresses. 11:38 Richard Chartier, “Herein, Then” from Other Materials(2002 3Particles). This disc includes is a compilation of tracks and unreleased works from 1999-2001. Limited to 500 copies. Composed, produced, programmed, and performed by Richard Chartier. As with many of his tracks, Chartier explores the outer reaches of human hearing. Many of the sounds in this track cannot be heard when played on loudspeakers with even moderate background noise. There are actually only two spots of abject, digital silence in this track, although due to the low frequency and amplitude of many of the other electronic tones, you might think there in nothing there. This is a clever, psychological trick. 5:02 Marina Rosenfeld, “Formal Arrangement” from Plastic Materials (2009 Room40). Composed and performed by Marina Rosenfeld. Among the various commissions found on this disc is this solo electronic work. A pattern of silences in which 25 evenly-spaced sound events, mostly gong- or bell-like tones, are each followed by a fade and then a discrete, abject silence. 2:35 Tetsu Inoue, “Super Digital” from Fragment Dots (2000 Tzadik). Composed, Programmed by Tetsu Inoue. I knew Tetsu and he would probably be embarrassed to know that I counted every conceivable “digital” silence in this special piece of music. There are 293 of them that I think one can perceive. Many are short, but because silence is an important structural component of this work, I thought it warranted a fresh listen. The longest of these silences is but 2.5 seconds. The shortness of all the tones, either audible or silent, works together to form a unity. 3:39 Miki Yui, “Balloon” from Small Sounds (1999 BMP Lab). Composed, engineered, and performed by Miki Yui. Recorded in Cologne, Germany. The composer wrote, “small sounds are to merge and fuse with your acoustic environment—please play in a transparent level; in different atmosphere.” In this piece, the silences are placed in the middle of sounds to break up an otherwise continuous noise. 2:57 Opening background music: Mooshzoom, “Silence” from Electronic Music Philosophy, Vol. 27: Silence (2020 Bandcamp). From the twenty-seventh collection of tracks from the collective known as Electronic Music Philosophy (Tustin, California) came this disc devoted to works composed using silence as a principal technique. Plus clips from the following as examples: Amelie Lens, “Resonance” from Contradiction (2017 Second State); Nora En Pure, “Norma Jean” from Come With Me (2013 Enormous Tunes). Opening and closing sequences voiced by Anne Benkovitz. Additional opening, closing, and other incidental music by Thom Holmes. See my companion blog that I write for the Bob Moog Foundation: For additional notes, please see my blog, Noise and Notations.  

Mit Paul F. , STRAH und Studiogästen. Elektronische Musik, Interviews mit DJs, Veranstaltern oder anderen interessanten Gästen, die es Wert sind ins Studio eingeladen und ausgefragt zu werden. www.minimalradio.de | linktr.ee/minimalradio

Heute mit: LATURB (Elektropunk) aus BremenWas ist diesmal los?LATURB starten mit Wodka und erzählen uns deepe Texte über oberkörperfreie Soundchecks, unbekannte Monitorboxen, wie man als Musikerin beim Arzt angibt, dass Paul Mc Cartney keine Noten lesen kann, Crowdfunding, Goldfische & Dieter Bohlen Weihnachtsbäume...Und noch ein bisschen viel mehr ...Musik: LATURBAufgenommen am: 05.12.22Links:Konzerttipp am 07.01.23 Alhambra Oldenburg@SpotifyBandcampHomepageFacebookInstagramYoutubeInterview bei BANDLISTE BremenInterview beim WESER KURIERAUDIOInterview bei Soundscout DeutschlandradioJetzt wird gecelebrated :-)

Über die Alben des Jahres 2022 abstimmen: https://www.feuilletoene.de/alben-des-jahres-2022/ Das zweite Special in diesem Jahr und wir widmen uns der elektronischen Musik.

DGS#117 – MAZ'N – Elektronische Musik aus Köln

In dieser Podcast-Folge gebe ich dir 9 Tipps an die Hand, wie du es schaffst, dich und dein Business als Künstler, Veranstalter oder Label der elektronischen Musikszene selber vermarktest.

In Episode #96 treffen sich Leonie und Julian endlich mal wieder im River View Studio im Holzmarkt. Sie sprechen ausgiebig über den [Tag Der Clubkultur](https://tagderclubkultur.berlin) - der dieses Jahr bereits zum 3. Mal statt fand und neben der Awardshow über eine Woche lang die Diversität der Berliner Clubkultur feierte! Darüberhinaus sprechen Leonie und Julian über das diesjährige [Reeperbahn Festival](https://www.reeperbahnfestival.com/de/startseite), geben einen konkreten Ausblick auf die Pläne beim [Amsterdam Dance Event](https://www.amsterdam-dance-event.nl/en/) - und erklären, warum sie die Episode vom Bucht Der Träumer Festival wieder runtergenommen haben. // [Tag Der Clubkultur](https://tagderclubkultur.berlin) // [TdC bei Insta](https://www.instagram.com/tagderclubkultur/)// [TdC bei FB](https://www.facebook.com/TAGDERCLUBKULTUR/) // ADE Events: [Berlin:Symphony Of A Great City - Live Score](https://www.amsterdam-dance-event.nl/en/program/2022/berlin-symphony-of-a-great-city-1927-live-score/1801113/) // [Screening 1 Beyond Sound](https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdrU0Fc3qd2Vng1VH75nYfstpP3S9mcLJiFaiMoiGqMk_P2gQ/viewform)// [Screening 2 Beyond Sound](https://www.melkweg.nl/en/agenda/club-kultur-berlin-beyond-sound-2022-21-10-2022) // [Reeperbahn Festival](https://www.reeperbahnfestival.com/de/startseite) // // Podcast Intro Track: [Kuriose Naturale](https://open.spotify.com/artist/3MMmLH0WVlNkJG84bMT5Bq?si=8yb0Q5RPQEGhrUp4nPTMRQ) - Total Holzmarktstrasse Danke an Jonathan & Kristian sowie das Label Kiosk ID // Send us Songs, questions, feedback to: [feierkulturpodcast@gmail.com](mailto:feierkulturpodcast@gmail.com) // **gebt uns gern ein paar Sterne bei Spotify, Apple etc** [***und folgt uns bei instagram***](https://www.instagram.com/feierkultur_podcast/)

Techno - diese Musik und die dazu gehörende Clubkultur sind in Frankfurt zuhause. Und so wird viel Frankfurterisch gesprochen in der neuen Doku-Reihe, die ab sofort in der ARD-Mediathek zu sehen ist: „Techno House Deutschland“ heißt sie und erzählt die Geschichte der elektronischen Tanzmusik aus Deutschland in acht Folgen. Wir stellen Techno House Deutschland in Ausschnitten vor und wir sprechen mit einem der Protagonisten, dem DJ und Club-Gründer Ata Macias.

Das sooperRadio ist eine neue Sendung aus dem Umfeld des Veranstalterteams der Superbooth. Es geht um Elektronische Musik in und aus Berlin, den Synthesizer als Instrument und Spielgerät und dessen praktische Anwendung. # sooperRADIO Das sooperRadio ist eine neue Sendung aus dem Umfeld des Veranstalterteams der SuperBooth. Es geht um elektronische Musik in und aus Berlin, dem Synthesizer als Instrument und Spielgerät und dessen praktische Anwendung. Zu hören sein werden viele persönliche Gedanken rund um das Thema Elektronische Musik, ihre Wirkung, Klänge und das Musizieren in seiner großen Vielfalt. Ergänzt mit Anekdoten, Aspekten und Neuigkeiten über unseren Versuch, elektronische Musikinstrumente und deren Potenzial und Anwendungsbereiche mittels einer liebevoll organisierten Veranstaltung namens SuperBooth, einem breiten Publikum verständlich zu machen und auf möglichst praktische und persönliche Weise näherzubringen. Zur besseren Veranschaulichung haben wir einen Praxisteil in der Sendung. Dafür werden wir regelmäßig den erfahrenen Produktexperten aus SchneidersLaden, Thomas Kircher, im Studio begrüßen. Neben dem fachlichen Austausch zur Materie wird uns Thomas mehr oder weniger verständliche Anwendungsbeispiele live im Studio vorstellen und vertonen. Für jede sooperRadio Sendung laden wir Musikschaffende oder Hersteller:innen ins Studio ein, mit denen wir uns über die persönliche Arbeitsweise und die Leidenschaft zur Elektronischen Musik unterhalten. Die zwei Stunden werden moderiert von Mareen und André, die neben den Künstler:innen und dem Fachberater Thomas Kircher auch immer wieder Gastmoderator:innen willkommen heissen möchten. * https://www.sooperradio.com/ ## Community Radio Woltersdorf Nichtkommerzielles, freies Radio aus Berlin Brandenburg, direkt an der Woltersdorfer Schleuse, aus dem Umfeld der Spielerei auf Pi Radio in Berlin. * https://radio-woltersdorf.org/

Klangkunst . Ausgangspunkt ist die verschollene Installation "VariaVision - Unendliche Fahrt", realisiert 1965 von Alexander Kluge, Edgar Reitz und Josef Anton Riedl im legendären Siemens-Studio für elektronische Musik. Heute ist das Tonstudio im Deutschen Museum ausgestellt. Michaela Melián hat es noch einmal zum Klingen gebracht. // Mit Laura Maire, Stefan Merki, Hans Kremer, Christos Davidopoulos, Chris Dercon u.a. / Komposition: Michaela Melián/Carl Oesterhelt / Realisation: Michaela Melián / BR 2008// Exklusive Hörspiel- und Kultur-Tipps unter br.de/kultur-newsletter

Der Komponist Oskar Sala entwickelte mit seinem selbstgebauten Trautonium die Klang-Kulisse zu mehr als 300 Filmen – darunter Hitchcocks "Die Vögel". Zu seinem 20. Todestag erinnern Tom Noga und Steffen Irlinger an den großen Musiker. Von Tom Noga.

Jetzt erst recht, das scheint die Devise einiger ukrainischer Musikerinnen und Musiker zu sein: Sie treten in Luftschutzbunkern mit selbst gebauten Synthesizern auf oder verarbeiten den Krieg in ihrer Musik, indem sie Sirenen und Explosionen einbinden. Schütz, Henrikwww.deutschlandfunk.de, CorsoDirekter Link zur Audiodatei

Berührungsängste mit elektronischer Musik weil oft zu steril und zu kühl? Dieses Album ist das Gegenmittel! Fast 10 Jahre nach seinem letzten «richtigen» Album veröffentlicht der Stockholmer Produzent Axel Boman sein neues Werk «LUZ / Quest For Fire». Ein Doppelalbum – und ein Riesenwurf. Ähnlich wie sein langjähriger Weggefährte DJ Koze schafft es auch Boman immer wieder, in seine Produktionen Quäntchen von Sehnsucht, Melancholie oder Nostalgie einzubauen. Das verleiht seinem minimalen und house-igen Sound einen Touch von Menschlichkeit. Etwas, das in der Electronica-Welt oft zu kurz kommt. Auf den Geschmack gekommen? Dann empfehlen wir ein Abo unseres «Sounds! Mixtapes» – Woche für Woche elektronische Highlights im Mix.

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In dieser Episode ist Martha Bahr zu Gast, die auch unter ihrem Künstlernamen Panic Girl bekannt ist. Die Modular-Künstlerin gibt uns im Gespräch einen Einblick in die Welt der modularen Synthesizer. Dabei dokumentiert sie die Historie, erklärt die Idee und das Konzept dahinter und zählt die verschiedenen Formaten mit ihren Unterschieden auf. Im Gespräch hilft sie außerdem Klaus & Marc dabei, ein "Starterpaket" aus Modulen für unterschiedliche Genre, Sounds und Anwendungen zu erstellen und erklärt, welche Möglichkeiten es da gibt, um auch den Einstieg zu vereinfachen. Viel Spaß beim Hören! ➡️ (00:00:00) - Martha Bahr ➡️ (00:11:52) - Was ist ein Modular-Synthesizer? ➡️ (00:17:22) - Die unterschiedlichen Formate ➡️ (00:23:40) - Die Rolle des Patchens ➡️ (00:36:22) - Module für den Einstieg ➡️ (00:53:01) - Marcs Wunsch-Rack ➡️ (01:01:36) - Klaus Wunsch-Rack ➡️ (01:05:11) - Generative Musik & Kreativität ➡️ (01:09:41) - Suchtfaktor ➡️ (01:15:57) - Typfragen ➡️ (01:17:00) - Referenztrack

Der Komponist Oskar Sala entwickelte mit seinem selbstgebauten Trautonium die Klang-Kulisse zu mehr als 300 Filmen – darunter Hitchcocks "Die Vögel". Zu seinem 20. Todestag erinnern Tom Noga und Steffen Irlinger an den großen Musiker. Von Tom Noga und Steffen Irrlinger.

(00:00:39) Der St. Galler Polizei-Kommandant Paul Grüninger rettete 1938/39 Hunderte Flüchtlinge vor der Nationalsozialistischen Verfolgung. Er liess sie einreisen und widersetzte sich damit einem Bundesratsbeschluss. Grüninger wurde entlassen und verurteilt. Erst 1993 wurde er rehabilitiert. Weitere Themen:  (00:05:17) Happy Birthday, Herr Kriminaltango – der Schweizer Jazzmusiker Hazy Osterwald wäre in diesen Tagen 100 Jahre alt geworden. (00:09:18) Kohl, Hanf oder Popcorn – warum es schwierig ist, umweltfreundliche Alternativen zu Beton zu finden. (00:13:23) Kultur als politischer Brückenbauer – zu Besuch beim ukrainischen Künstler Pavlo Makov. (00:17:37) Totgesagte leben länger – das legendäre Studio für Elektronische Musik des WDR wird nach langer Pause weitergeführt.

Das sooperRadio ist eine neue Sendung aus dem Umfeld des Veranstalterteams der Superbooth. Es geht um Elektronische Musik in und aus Berlin, den Synthesizer als Instrument und Spielgerät und dessen praktische Anwendung. ## Die Sendung zu 20 Jahre SuperBooth. Monolake aka Robert Henke, HerrSchneider und Andre Kaufmann sprechen über die Geschichte, die Visionen, Musik und ihre aktuelle Motivation. Wir schauen heute zurück zu den Ursprüngen der Idee einer Synthesizer Messe und tauschen uns über mögliche neue Impulse für dieses Format aus. Zusammen mit Marc Mesi aus Paris, kreierte SchneidersBuero aus Berlin einen Gemeinschaftsstand auf der Musikmesse Frankfurt 2002. Dort fanden sich zehn Synthesizer Hersteller ein, wie Big Briar (aka Moogmusic), Elektron, Doepfer, Vermona und zelebrierten eine kollektive Partystimmung. HerrSchneider bringt heute ein paar Geschichten von damals mit wie „Bob Moog und seine Sekretärin auf dem Dancefloor während Berliner Elektroniker ihre Live Konzerte vorspielten." # sooperRADIO Das sooperRadio ist eine neue Sendung aus dem Umfeld des Veranstalterteams der SuperBooth. Es geht um elektronische Musik in und aus Berlin, dem Synthesizer als Instrument und Spielgerät und dessen praktische Anwendung. Zu hören sein werden viele persönliche Gedanken rund um das Thema Elektronische Musik, ihre Wirkung, Klänge und das Musizieren in seiner großen Vielfalt. Ergänzt mit Anekdoten, Aspekten und Neuigkeiten über unseren Versuch, elektronische Musikinstrumente und deren Potenzial und Anwendungsbereiche mittels einer liebevoll organisierten Veranstaltung namens SuperBooth, einem breiten Publikum verständlich zu machen und auf möglichst praktische und persönliche Weise näherzubringen. Zur besseren Veranschaulichung haben wir einen Praxisteil in der Sendung. Dafür werden wir regelmäßig den erfahrenen Produktexperten aus SchneidersLaden, Thomas Kircher, im Studio begrüßen. Neben dem fachlichen Austausch zur Materie wird uns Thomas mehr oder weniger verständliche Anwendungsbeispiele live im Studio vorstellen und vertonen. Für jede sooperRadio Sendung laden wir Musikschaffende oder Hersteller:innen ins Studio ein, mit denen wir uns über die persönliche Arbeitsweise und die Leidenschaft zur Elektronischen Musik unterhalten. Die zwei Stunden werden moderiert von Mareen und André, die neben den Künstler:innen und dem Fachberater Thomas Kircher auch immer wieder Gastmoderator:innen willkommen heissen möchten. * https://www.sooperradio.com/

"Electro. Von Kraftwerk bis Techno": Das Düsseldorfer Museum Kunstpalast widmet der über 100-jährigen Geschichte der elektronischen Musik erstmals in Deutschland eine umfangreiche Schau. Ein Beitrag von Susanne Schnabel. Von Susanne Schnabel.

Elektronische Musik ist inzwischen überall. Eine Ausstellung in Düsseldorf zeigt nun den Weg der Beats und Sounds von den Anfängen bis in die Clubs in aller Welt. Die Besucher werden eingeladen, sich dem Rhythmus hinzugeben.Von Susanne Luerwegwww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

Auf Wikipedia steht: "Anja Schneider (geboren in Bergisch Gladbach) ist DJ, Produzentin, Radiomacherin und Labelinhaberin im Bereich der elektronischen Tanzmusik" ... Das stimmt alles auch. Aber vor allem war Anja Schneider auch von Anfang an dabei: Sie ist seit 20 Jahren Teil der Musikwelt, legt auf der ganzen Welt auf, hat mit Ralf Kollmann das Kult-Label Mobilee gegründet und 2017 dann ein ganz eigenes, Sous Music. Sie macht Radio und ... die Liste ist lang. Wie schafft man es, so lange relevant zu bleiben? Wie hat das überhaupt angefangen? Wozu gibt es heutzutage überhaupt noch Labels und verdient man damit eigentlich Geld? Ja und welche Tipps hat Anja für Kreativ-Unternehmer*innen? Dazu sprechen wir in dieser Folge von Pizza Society!