Podcasts about debutaron

Círculo de Espera - Toros de Tijuana

Play Episode Listen Later Feb 9, 2023 113:22

Colabora Con Biblioteca Del Metal: En Twitter - https://twitter.com/Anarkometal72 Y Donanos Unas Propinas En BAT. Para Seguir Con El Proyecto De la Biblioteca Mas Grande Del Metal. Muchisimas Gracias. La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Saxon es una banda británica de heavy metal formada en 1976 en Barnsley, Reino Unido, considerados como líderes de la Nueva ola del heavy metal británico junto a Iron Maiden y Def Leppard. Tuvieron un breve pero excelente período de popularidad en su propio país durante la primera mitad de los años ochenta gracias a los discos Wheels of Steel, Strong Arm of the Law, Denim and Leather y el álbum en vivo The Eagle Has Landed. A pesar de incursionar en el glam metal, sonido que mandaba el mercado mundial en la segunda mitad de los ochenta con discos como Rock the Nations y Destiny, nunca pudieron alcanzar el éxito en los Estados Unidos como sí lo hicieron otras bandas británicas, aun así lograron un éxito considerable en países de Europa continental y Japón. Ya a mediados de los noventa y con el sonido característico de vuelta, obtuvieron nuevamente el reconocimiento popular principalmente en Europa, convirtiéndose en artistas obligados de los mayores festivales europeos de metal como el Wacken Open Air, el Download Festival y el Hellfest, entre otros. Con una carrera de cuarenta años sobre los escenarios y con más de ocho álbumes en los UK Albums Chart y con otros numerosos sencillos en las listas británicas, los convierte en banda clave para el heavy metal e incluso han sido nombrados como grandes influencias para bandas como Metallica, Bathory, Pantera, Slayer, Anthrax, Sodom, Mötley Crüe y Megadeth, entre otras. Por otro lado y hasta mediados de 2014, se estimó que sus ventas superaban las 15 millones de copias en todo el mundo. Saxon se fundó en 1976 en la ciudad de Barnsley cuando el guitarrista Graham Oliver y el bajista Steve Dawson unieron fuerzas con el vocalista Biff Byford y con el también guitarrista Paul Quinn, que provenían de la banda local Coast. Junto a ellos se unió el baterista David Ward y se llamaron inicialmente Son of a Bitch, sin embargo, en 1978 este último renunció a la banda cediendo su puesto a Pete Gill y con ello también cambiaron su nombre al actual. Durante ese periodo participaron en tocatas en clubes de algunas ciudades de Inglaterra e incluso abrieron en ocasiones para las bandas Ian Gillan Band y Heavy Metal Kids. Debido al éxito del punk en el Reino Unido, en ese entonces les fue difícil encontrar apoyo discográfico en su propio país, por lo cual firmaron con la discográfica francesa Carrere Records a fines de 1978. Debutaron al año siguiente con el álbum Saxon que les permitió salir de gira por el país inglés abriendo para las bandas Motörhead y Nazareth. En 1980 publicaron su segundo disco Wheels of Steel, considerado por los fanáticos como esencial del movimiento NWOBHM. De esta placa destacaron dos sencillos; el que da título al disco y «747 (Strangers in the Night)», los que entraron en la lista UK Singles Chart en los puestos 20 y 13 respectivamente. El éxito se vio reflejado además al obtener meses después su primer disco de oro en su país, al superar las 100 000 copias vendidas. Tras el lanzamiento del álbum se internaron en su respectiva gira promocional, destacando su participación en el primer Monsters of Rock celebrado el 16 de agosto de 1980, donde compartieron escenario con Rainbow, Scorpions, Judas Priest, April Wine, Riot y Touch ante más de 35 000 espectadores. Solo cinco meses del lanzamiento de Wheels of Steel lanzaron su tercera producción llamada Strong Arm of the Law, el que siguió cosechando éxito en el país británico donde obtuvo nuevamente disco de oro y se posicionó en la lista de aquel país en el puesto 11. De este se extrajo el sencillo «Dallas 1 PM», canción inspirada en el asesinato del expresidente estadounidense John F Kennedy. Este éxito se vio nuevamente en el cuarto álbum Denim and Leather, que entró en la novena posición de los UK Albums Chart en 1981. Además, vendió más de 60 000 copias solo meses después de su lanzamiento, obteniendo disco de plata otorgado por la British Phonographic Industry. También entró en las listas de otros países de Europa e incluso y al mismo tiempo, el sencillo «Motorcycle Man» de su segundo disco se posicionó en las listas de Japón, manteniéndose por más de cinco meses en ellas. Antes de iniciar la gira Denim and Leather Tour Pete Gill se lastimó la mano, lo que no le permitió tocar la batería y que obligó a ceder su puesto a Nigel Glockler, que por ese entonces era músico de sesión de Toyah Willcox. Durante el marco de dicho tour, el músico Ozzy Osbourne fue el encargado de abrir para ellos en las fechas por Europa y el país británico. Ya en 1982 tocaron por primera vez en los Estados Unidos con 38 fechas en total, de cuyas presentaciones destacó el haber tocado cuatro noches seguidas a lleno total en el Whisky a Go Go de Los Ángeles, California y otras tres más en la ciudad de San Francisco. Tras esto retornaron a su país natal y publicaron su primer disco en vivo The Eagle Has Landed, el que entró en el puesto 5 en el Reino Unido manteniéndose por 19 semanas consecutivas y obtuvo nuevamente disco de plata en dicho país. El 21 de agosto del mismo año volvieron a presentarse en el Monsters of Rock junto a las bandas Status Quo, Uriah Heep y Anvil entre otras, convirtiéndose en la primera banda en tocar dos veces consecutivas en dicho festival. Durante los meses de octubre y noviembre de 1982 la banda entró a los estudios para lanzar en 1983 su quinto trabajo Power & the Glory, el primero en entrar en la lista Billboard 200 de los Estados Unidos en el puesto 155 y que solo en Los Ángeles vendió más de 15 000 copias en su primera semana. De la misma manera entró en el Reino Unido en el puesto quince. Durante la gira por Europa fueron parte de una de las más recordadas del heavy metal británico, compartiendo escenario junto a Judas Priest y Iron Maiden, y a su vez por los Estados Unidos fueron acompañados por los alemanes Accept. Este fue el último trabajo de los ingleses con el sello francés Carrere, ya que según ellos no se sentían cómodos con las ventas del disco y por el poco apoyo de esta discográfica para con ellos sobre penetrar en el mercado estadounidense. Sin embargo, otros medios afirmaron que era por el engaño de las recaudaciones de ventas por parte del sello para con la banda, por lo que firmaron con la transnacional EMI Music a finales de 1983. En abril de 1984 publicaron Crusader, el primero con el sello EMI Music y que marcó el cambio de sonido de la banda acercándose al glam metal, lo que se vio reflejado en su vestimenta como en su música. A pesar de esto el disco se posicionó en el puesto 18 de los UK Albums Chart y en el puesto 174 en los Estados Unidos. Ya con esta visión en mente, se internaron durante la primera parte de 1984 en una gira por los Estados Unidos junto a Mötley Crüe, cerrando algunas noches los ingleses y otras los norteamericanos. Posteriormente recibieron la invitación por parte de Iron Maiden para retornar a los Estados Unidos como artistas invitados. Por su parte, en 1985 regresaron a Europa para iniciar una nueva gira acompañados por Accept, por Alemania Occidental. En septiembre de 1985 publicaron su séptimo disco de estudio Innocence Is No Excuse, el que no obtuvo buena recepción en su país, ya que solo se posicionó en el puesto 36. Eso sí inició el reconocimiento en el mercado estadounidense donde alcanzó la posición 133, el más alto para un disco de los ingleses en ese país, seguido además por la constante rotación de sus vídeos en la cadena televisiva MTV. En 1986 viajaron a Holanda para grabar un nuevo disco pero esta vez sin su bajista fundador Steve Dawson, que se retiró de la banda por problemas matrimoniales. El resultado fue Rock the Nations donde Biff Byford grabó las partes del bajo, eso sí dándole crédito al joven bajista Paul Johnson que provenía de bandas como Statetrooper y Heritage. Además en este disco participó el pianista inglés Elton John en las canciones «Party Till You Puke» y «Northern Lady». A pesar de ser uno de los más suaves de su carrera se mantuvo en las listas por varias semanas, e incluso tres de sus canciones entraron en los UK Singles Chart. En 1988 lanzaron su último disco con EMI, ya que según los integrantes de la banda esta casa discográfica no quería hacer más discos con ellos. El llamado Destiny ha sido criticado por varios medios que lo consideran como «el disco más malo y patético de la banda». Este contiene una versión de «Ride Like the Wind» del músico Christopher Cross, que se posicionó en el puesto 52 en el Reino Unido. Por otro lado, en una entrevista realizada por la revista Kerrang! al vocalista Biff Byford, mencionó que la discográfica los obligó a adaptarse al mercado americano algo que ellos realmente no querían. Durante la gira el bajista Paul Johnson se retiró de la banda, entrando en su puesto el joven de veintidós años Nibbs Carter. Dentro de esta misma gira y acompañados por Manowar, se grabó su segundo disco en vivo llamado Rock 'n' Roll Gypsies publicado en 1989. Tras este lanzamiento la banda se tomó un receso de los escenarios, apareciendo solo en actos de caridad durante dicho período. Ya en el nuevo decenio la banda volvió a los escenarios durante la corta gira denominada 10 Years of Denim and Leather, con presentaciones en el Reino Unido, Alemania, Austria, Grecia y por la aquel entonces Checoslovaquia, retornando en gran manera a sus viejos y primeros éxitos y recuperando a varios de sus fanáticos. Durante este mismo período firmaron con Virgin Records para su siguiente disco Solid Ball of Rock publicado en 1991, en el que volvieron al heavy metal característico de sus primeros trabajos, pero aún manteniendo algunos sonidos de su etapa con EMI Records. Este disco les permitió además presentarse por primera vez fuera de Europa y los Estados Unidos, llegando a países como Japón, Australia, Uruguay, Paraguay, Argentina, México, Brasil y Nueva Zelanda. Ya en 1992 publicaron su segundo álbum con Virgin, Forever Free, hasta ese entonces el más pesado de la banda desde Innocence Is No Excuse. De este destacó el sencillo «Iron Wheels», canción escrita por Byford y dedicada a su padre, que falleció durante la grabación del disco. Tres años más tarde publicaron Dogs of War el último trabajo de Graham Oliver, que se retiró solo días después de su lanzamiento. Para ocupar su puesto se integró el amigo del baterista Nigel Glockler, el guitarrista Doug Scarratt. En diciembre de 1995 y bajo la gira de soporte del disco Dogs of War, grabaron el cuarto disco en vivo denominado The Eagle Has Landed Part II publicado en 1996. Sin embargo, no obtuvo el éxito esperado a diferencias de sus anteriores trabajos en directo. En el mismo año la banda formó parte del disco tributo a Judas Priest, A Tribute to Judas Priest - Legends of Metal Vol. 1, en donde grabaron el tema «You've Got Another Thing Comin'». En 1997 los ingleses lanzaron el disco Unleash the Beast, el primero con el sello CMC International. La placa tuvo excelente recepción en Europa principalmente en Alemania, Suecia y Suiza. Hasta hoy en día ha sido considerado como un clásico, que incluso sus miembros lo han situado a la par con Dogs of War y Wheels of Steel. A pesar de ser uno de los más pesados de su carrera, destacó la canción semi-acústica «Absent Friends» dedicada a John J.J. Jones, jefe del equipo de la banda que falleció el año anterior. Durante la gira de más de un año y medio tocaron en varios países de Europa y en los Estados Unidos, e incluso fueron parte del Monsters of Rock en Brasil. Además abrieron para Deep Purple en un concierto en la ciudad de Róterdam en Holanda. Poco tiempo después y antes de terminar la gira, el baterista Nigel Glockler se vio obligado a dejar la banda por problemas en su cuello lo que le impedía tocar bien la batería, y que en su reemplazo entró el alemán Fritz Randow famoso por haber sido parte de Victory y de Sinner para terminar dicha gira. Uno de sus últimos shows durante este período fue en el festival Arena Open Air en Holanda, compartiendo escenario junto a Motörhead y Dio. Ya en 1999 publicaron su siguiente disco de estudio llamado Metalhead, el primer trabajo oficial con el baterista Fritz Randow. Este álbum mantuvo el sonido heavy que ya venía desde sus dos discos anteriores y en donde parte de la música fue compuesta por Nigel antes de su retirada. Además dicho trabajo les permitió iniciar una de las giras más grandes de los ingleses, donde destacaron su participación en el festival Bloodstock en el Reino Unido y su primera aparición en el festival Wacken Open Air en Alemania, convirtiéndose en número seguro en las siguientes versiones. En 2001 volvieron a aparecer en el festival alemán donde por primera vez desde los años ochenta, contaron con el águila de luces sobre el escenario. En septiembre del mismo año lanzaron un nuevo disco de estudio llamado Killing Ground, que mantuvo el sonido característico pero menos agresivo que Metalhead y que contiene una versión de la canción «The Court of the Crimson King» original de King Crimson. Gracias al éxito por el continente europeo, el sello EMI Music lanzó algunos compilados de la banda durante los primeros años del nuevo milenio y los vídeos remasterizados en formato DVD; Live In Innocence y The Power & The Glory - Video Anthology. En 2002 y bajo la celebración de los veinticinco años de carrera de la banda se publicó el trabajo Heavy Metal Thunder, disco doble que contiene regrabaciones y remasterizaciones de las canciones clásicas desde su disco debut hasta Killing Ground. Al año siguiente se lanzó el DVD The Saxon Chronicles, que contiene íntegramente el concierto en el festival Wacken de 2001, de igual manera imágenes inéditas del concierto en la ciudad de Esbjerg en Suecia de 1995, y por último, entrevistas y grabaciones exclusivas de sus integrantes de diversas giras mundiales. Ya en 2004 el baterista Fritz Randow se retiró de Saxon para regresar a su antigua banda Victory, tras su reunión. En su reemplazo entró otro alemán, Jörg Michael conocido en el mundo del metal por haber sido parte de bandas como Axel Rudi Pell, Grave Digger y Running Wild, entre otras. Con Michael en la batería la banda publicó en septiembre de 2004 el disco Lionheart cuya gira contó con dos partes marcadas; la primera con Jörg durante el mismo año y la segunda con Nigel Glockler tras el retorno del alemán a Stratovarius, lo que significó el regreso de Nigel tras algunas operaciones y un largo entrenamiento debido a su problema en el cuello. De esta gira se extrajo el material de lo que fue el quinto disco en vivo The Eagle Has Landed Part III, el que contó con dos discos; el primero con las presentaciones dadas principalmente en distintas ciudades de Alemania durante el 2005 y el segundo titulado A Night With the Boys, que solo contó con canciones anteriores de Lionheart, grabadas durante algunas presentaciones en 2004. En marzo de 2007 se publicó The Inner Sanctum, el primero con el baterista Nigel Glockler tras su regreso en 2005, que siguió cosechando éxito entre sus fanáticos a pesar de la incorporación de algunos sonidos más cercanos al power metal y que hasta ese entonces fue considerado por la crítica como el mejor trabajo de los ingleses desde Unleash the Beast de 1997. En 2009 publicaron un nuevo disco de estudio Into the Labyrinth, el que siguió la línea compositiva y la potencia de sus músicos que ya venían desde su trabajo del 2007. En cuanto a la gira fue un total éxito, iniciada en su país junto a la cantante alemana Doro y participando en algunos de los festivales de heavy metal más importantes del viejo continente como el Wacken Open Air y el Sonisphere, por mencionar algunos. A pesar del éxito que trajo la primera parte de la gira, tuvieron un gran problema tras verse forzados a cancelar los tres últimos shows en Europa precisamente en España, ya que tras anunciar la llegada de los ingleses junto a la banda Iced Earth, a mediados de febrero, dieron cancelado las presentaciones por "motivos de programación" de ambas bandas, lo que llevó a cambiarlas a otras fechas. En el mismo año anunciaron a través de su página web el futuro documental sobre la historia desde sus inicios al cual denominaron Heavy Metal Thunder - The Movie. En 2010 y aun bajo la gira Into the Labyrinth World Tour, participaron del festival Download Festival durante el 11 y 13 de junio, lugar en donde interpretaron el disco Wheels of Steel en su totalidad tras el aniversario número treinta de su lanzamiento. En junio de 2011 se lanzó su décimo noveno trabajo Call to Arms, que debutó en el puesto 6 de los UK Rock Albums Chart, mientras que en los Estados Unidos vendió más de 700 copias en su primera semana. Durante las pruebas de sonido en los recintos de once ciudades del Reino Unido la banda cobró tan solo 10 libras esterlinas para un grupo selecto de fanáticos, cuyo dinero recaudado fue donado a las instituciones benéficas para niños Nordoff Robbins Music Therapy y Childline Charities. Durante la gira en 2012, fueron invitados por Judas Priest para tocar juntos en el Hammersmith Apollo de Londres el 26 de mayo. A su vez y en ese mismo año publicaron el DVD Heavy Metal Thunder - Live: Eagles Over Wacken, que contó con una mezcla de vídeos de sus presentaciones en el festival Wacken en sus versiones 2004, 2007 y 2009, el que incluye además de un disco compacto con una presentación dada en 2011 en la ciudad de Glasgow. En marzo de 2013 lanzaron su vigésima producción Sacrifice, con el que giraron por varios países del mundo, llegando incluso a Venezuela. Más tarde en octubre apareció en el mercado el recopilatorio Unplugged and Strung Up, que contó con canciones en versión acústica, remezclas y regrabaciones. En 2014 publicaron un nuevo álbum en vivo llamado St. George's Day Sacrifice - Live in Manchester, que se grabó durante la gira promocional de Sacrifice. A su vez iniciaron una nueva gira denominada Warriors of the Road que contó con Skid Row como artista invitado. En noviembre del mismo año, Biff Byford anunció que grabarían un nuevo álbum y que probablemente podría ser lanzado a mediados del año siguiente. El 1 de agosto de 2015 la banda confirmó la fecha de publicación de su nuevo trabajo de estudio llamado Battering Ram, que salió a la venta el 16 de octubre del mismo año y que fue promocionado con una extensa gira mundial que culminó en octubre de 2017. En el marco de dicho tour, el 1 de junio de 2017 la banda fue víctima de un robo en los camerinos durante su presentación en Umeå, Suecia, extrayéndoles los pasaportes, teléfonos celulares y billeteras. En ese mismo mes la banda anunció el lanzamiento de un nuevo disco de estudio llamado Thunderbolt, que será publicado en febrero de 2018 y que ya cuenta con presentaciones en vivo para promocionarlo, tanto por Europa como por Norteamérica. A mediados de 1997 los exmiembros de la banda Steve Dawson y Graham Oliver inscribieron el nombre de Saxon como marca registrada en el Reino Unido. Esto causó la molestia de Biff Byford, ya que todas las mercancías y productos bajo la marca Saxon quedaba restringido tanto para él como para Paul Quinn. Tras esto Byfford entabló una demanda para invalidar dicha inscripción ya que según él, no cumplía con algunas de las cláusulas. Tras algunos años de disputa, la Alta Corte Británica anuló la inscripción ya que Byfford y Quinn como miembros recurrentes de la banda, tenían más derechos que los demandados por ende tanto el logo, el águila y el nombre en sí quedaban en sus manos. Sin embargo, como Dawson y Oliver son también fundadores de la banda, le concedieron una cláusula con el que podían utilizar el nombre Saxon siempre y cuando agregaran algo a la marca. Por ello y desde esa fecha nació la banda Oliver/Dawson Saxon. Como la mayoría de las bandas nacidas a finales de los setenta y principios de los ochenta dentro de la Nueva ola del heavy metal británico, sus principales influencias han sido las bandas de hard rock y heavy metal de principios de los setenta principalmente europeos como Thin Lizzy, Led Zeppelin, Scorpions, Deep Purple, Black Sabbath, AC/DC, Uriah Heep y Iron Butterfly, entre otras. A su vez ellos han sido considerados grandes influencias del heavy metal y thrash metal durante la segunda mitad de los ochenta y la década de los noventa para bandas como Metallica, Bathory, Megadeth, Celtic Frost, King Diamond y Slayer, entre otras. Pagina Oficial: https://www.saxon747.com/

california australia power rock dogs law san francisco war boys solo victory night sin europa argentina court wind sacrifice touch beast tribute espa brasil warriors tambi adem monsters nations durante manchester dvd venezuela mtv accept antes estados unidos esto austria john f kennedy uno rainbow glasgow whiskey hasta strangers steel heritage arms bitch dentro billboard virgin coast riot elton john tras londres metallica nazareth wheels unleash eso jap junto uruguay sinner labyrinth ac dc inglaterra heavy metal led zeppelin status quo sodom alemania unplugged go go reino unido slayer leather paraguay iron maiden black sabbath ozzy osbourne mot grecia ultima holanda scorpions debido pantera def leppard emi judas priest suiza skid row megadeth denim ropa deep purple anthrax suecia saxon crusader thunderbolt posteriormente anvil lionheart nueva zelanda thin lizzy ume king crimson barnsley norteam paul johnson hellfest running wild ect john j manowar tuvieron wacken metalhead christopher cross king diamond bathory cruzadas accesorios uriah heep kerrang virgin records inner sanctum esbjerg iron butterfly nwobhm iced earth download festival strongarm crimson king eagle has landed wacken open air uk singles chart bloodstock david ward celtic frost april wine steve dawson stratovarius paul quinn emi records biff byford ride like forever free byford checoslovaquia carrere emi music absent friends killing ground uk albums chart battering ram axel rudi pell hammersmith apollo decoracion toyah willcox debutaron alemania occidental sonisphere pagina oficial descubrela

EPISODIO 656 - Hoy recordaremos la campaña del 2004, en donde los Toros de Tijuana debutaron en la Liga Mexicana de Beisbol.

Play Episode Listen Later Jan 27, 2023 28:04

donde la liga tijuana la campa beisbol recordaremos liga mexicana los toros debutaron

Esta semana en Músicas de Ferrolterra el Coro Diapasón presenta las canciones de su primer disco. Hoy: What Can I Do

Play Episode Listen Later Jan 5, 2023 8:17

El coro Diapasón acaba de sacar al mercado su primer disco con 16 temas. El coro cumple 13 años en este 2023. Fue en verano del año 2010cuendo en un taller de música Coral contemporánea que se celebra en Ferrol, conincidieron los integrantes de dos coros que se estaban formando, uno de ellos juvenil , con el mismo director . La buena sintonia entre ambos grupos hizo que que se uniesen para siempre dando como resultado el coro Diapasón. Debutaron ya en 2011 y desde entonces hna ofrecido conciertos por toda la provincia de A Coruña y otros lugares de Galicia, en los que va mostrando un repertorio que combina música popular y académica, pero toda ella bajo el denominador común de estar creaba por compositores nacidos principalmente en el siglo XX . Otro aspecto importante a destacar del coro Diapasón es la organización de conciertos y certámenes corales en la ciudad de Ferrol, en los que además de actuar, ofrece al público actuaciones de otras agrupaciones corales tanto a nivel nacional como internacional. La organización de este certámenes y conciertos tienen un caracter temático dedicados a cinco estilos muy distintos dentro de la música coral. En el año 2022, Diapasón organizó la 5ª Muestra de Música Gallega, el 2º Certamen de Música Contemporánea, y el 1º Ciclo de Música Sacra dedicada a la música religiosa de todos los tiempos. Diapasón es a dia de hoy una interesante mezcla de personas de diferentes edades. En la actualidad está formado por 42 componentes aunque está inmerso en un constante proceso de crecimiento.

primer disco xx otro fue ciclo presenta canciones galicia muestra contempor m sicas coro esta semana coru sacra certamen ferrol gallega debutaron

Esta semana en Músicas de Ferrolterra el Coro Diapasón presenta las canciones de su primer disco. Hoy: Be Thuo My Vision

Play Episode Listen Later Jan 4, 2023 15:51

El coro Diapasón acaba de sacar al mercado su primer disco con 16 temas. El coro cumple 13 años en este 2023. Fue en verano del año 2010cuendo en un taller de música Coral contemporánea que se celebra en Ferrol, conincidieron los integrantes de dos coros que se estaban formando, uno de ellos juvenil , con el mismo director . La buena sintonia entre ambos grupos hizo que que se uniesen para siempre dando como resultado el coro Diapasón. Debutaron ya en 2011 y desde entonces hna ofrecido conciertos por toda la provincia de A Coruña y otros lugares de Galicia, en los que va mostrando un repertorio que combina música popular y académica, pero toda ella bajo el denominador común de estar creaba por compositores nacidos principalmente en el siglo XX . Otro aspecto importante a destacar del coro Diapasón es la organización de conciertos y certámenes corales en la ciudad de Ferrol, en los que además de actuar, ofrece al público actuaciones de otras agrupaciones corales tanto a nivel nacional como internacional. La organización de este certámenes y conciertos tienen un caracter temático dedicados a cinco estilos muy distintos dentro de la música coral. En el año 2022, Diapasón organizó la 5ª Muestra de Música Gallega, el 2º Certamen de Música Contemporánea, y el 1º Ciclo de Música Sacra dedicada a la música religiosa de todos los tiempos. Diapasón es a dia de hoy una interesante mezcla de personas de diferentes edades. En la actualidad está formado por 42 componentes aunque está inmerso en un constante proceso de crecimiento.

vision primer disco xx otro fue ciclo presenta canciones galicia muestra contempor m sicas coro esta semana coru sacra certamen ferrol gallega debutaron

Esta semana en Músicas de Ferrolterra el Coro Diapasón, presenta las canciones de su primer disco. Hoy: Happy

Play Episode Listen Later Jan 3, 2023 15:42

El coro Diapasón acaba de sacar al mercado su primer disco con 16 temas. El coro cumple 13 años en este 2023. Fue en verano del año 2010cuendo en un taller de música Coral contemporánea que se celebra en Ferrol, conincidieron los integrantes de dos coros que se estaban formando, uno de ellos juvenil , con el mismo director . La buena sintonia entre ambos grupos hizo que que se uniesen para siempre dando como resultado el coro Diapasón. Debutaron ya en 2011 y desde entonces hna ofrecido conciertos por toda la provincia de A Coruña y otros lugares de Galicia, en los que va mostrando un repertorio que combina música popular y académica, pero toda ella bajo el denominador común de estar creaba por compositores nacidos principalmente en el siglo XX . Otro aspecto importante a destacar del coro Diapasón es la organización de conciertos y certámenes corales en la ciudad de Ferrol, en los que además de actuar, ofrece al público actuaciones de otras agrupaciones corales tanto a nivel nacional como internacional. La organización de este certámenes y conciertos tienen un caracter temático dedicados a cinco estilos muy distintos dentro de la música coral. En el año 2022, Diapasón organizó la 5ª Muestra de Música Gallega, el 2º Certamen de Música Contemporánea, y el 1º Ciclo de Música Sacra dedicada a la música religiosa de todos los tiempos. Diapasón es a dia de hoy una interesante mezcla de personas de diferentes edades. En la actualidad está formado por 42 componentes aunque está inmerso en un constante proceso de crecimiento.

primer disco xx otro fue ciclo presenta canciones galicia muestra contempor m sicas coro esta semana coru sacra certamen ferrol gallega debutaron

Esta semana en Músicas de Ferrolterra el Coro Diapasón, presenta las canciones de su primer disco. Hoy: The Seal Lullaby

Play Episode Listen Later Jan 2, 2023 12:11

El coro Diapasón acaba de sacar al mercado su primer disco con 16 temas. El coro cumple 13 años en este 2023. Fue en verano del año 2010cuendo en un taller de música Coral contemporánea que se celebra en Ferrol, conincidieron los integrantes de dos coros que se estaban formando, uno de ellos juvenil , con el mismo director . La buena sintonia entre ambos grupos hizo que que se uniesen para siempre dando como resultado el coro Diapasón. Debutaron ya en 2011 y desde entonces hna ofrecido conciertos por toda la provincia de A Coruña y otros lugares de Galicia, en los que va mostrando un repertorio que combina música popular y académica, pero toda ella bajo el denominador común de estar creaba por compositores nacidos principalmente en el siglo XX . Otro aspecto importante a destacar del coro Diapasón es la organización de conciertos y certámenes corales en la ciudad de Ferrol, en los que además de actuar, ofrece al público actuaciones de otras agrupaciones corales tanto a nivel nacional como internacional. La organización de este certámenes y conciertos tienen un caracter temático dedicados a cinco estilos muy distintos dentro de la música coral. En el año 2022, Diapasón organizó la 5ª Muestra de Música Gallega, el 2º Certamen de Música Contemporánea, y el 1º Ciclo de Música Sacra dedicada a la música religiosa de todos los tiempos. Diapasón es a dia de hoy una interesante mezcla de personas de diferentes edades. En la actualidad está formado por 42 componentes aunque está inmerso en un constante proceso de crecimiento.

primer disco seal xx otro fue ciclo presenta canciones lullabies galicia muestra contempor m sicas coro esta semana coru sacra certamen ferrol gallega debutaron

Winger - (En Los Corazones De Los Amantes Del Metal)

Play Episode Listen Later Dec 9, 2022 65:00

Colabora Con Biblioteca Del Metal: En Twitter - https://twitter.com/Anarkometal72 Y Donanos Unas Propinas En BAT. Para Seguir Con El Proyecto De la Biblioteca Mas Grande Del Metal. Muchisimas Gracias. La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Winger es una banda de heavy metal, surgida en Nueva York (Estados Unidos), en 1986. Kip Winger, que había trabajado como bajista en la banda de Alice Cooper, decidió crear su propio grupo. Este estaba formado por Reb Beach (guitarra principal), Paul Taylor (teclista, también proveniente de Alice Cooper) y Rod Morgenstein (batería). Más tarde se unió John Roth (guitarra rítmica). Tras pensar diversos nombres para la banda como Call Your Doctor o Sahara (recibieron una carta que les decía que ya había un grupo con este nombre), decidieron escoger el nombre de su líder, Winger. Debutaron en 1988 con el álbum Winger y en 1990 lanzaron In The Heart Of The Young, ambos de estilo glam metal (siguiendo así la moda mainstream de los años 80), género que abandonaron en 1993 con la salida de su tercer álbum, Pull, de corte más heavy. Sin embargo, esto no les fue suficiente para sobrevivir en la década de los 90, lo que provocó que en 1994 decidieran hacer un parón indefinido. En 2001 se volvieron a reunir y lanzaron el recopilatorio The Very Best of Winger, seguido de una gira promocional que se alargó durante dos años. Después de otro parón, regresaron en 2006 con IV, su cuarto álbum de estudio, al que le siguieron Karma en 2009 y Better Days Comin' en 2014. Desde entonces han continuado dando conciertos de forma regular. Después de estar cuatro meses en el estudio, finalmente en 1988 Winger publicó su disco debut, Winger (que inicialmente se iba a llamar Sahara), que vendió más de un millón de copias, con la fuerza de temas como «Seventeen» y baladas como «Headed For a Heartbreak». Realizaron su primera gran gira y tras terminarla, descansaron dos semanas, para posteriormente comenzar a trabajar en su segundo álbum durante seis meses. De éste hicieron dos versiones: en la primera estaban incluidas las canciones «All I Ever Wanted» y «Never», pero decidieron escribir dos canciones más que sustituyeron a estas. Las canciones eran «Can't Get Enuff» y «Baptized By Fire». El álbum se tituló In The Heart Of The Young (1990) y tuvo un éxito similar al primero; la power ballad «Miles Away» fue el sencillo con mayor repercusión. En 1991 la banda participó en el programa de televisión MTV Unplugged, tocando en vivo versiones acústicas de algunas canciones en su repertorio, tales como «Headed For A Heartbreak», «Loosen Up» y «Can't Get Enuff». En 1993 lanzaron Pull, que es considerado por muchos el mejor trabajo de la banda, del que destacan temas como «Down Incognito», «In My Veins» o «Spell I'm Under», entre otros. John Roth sustituyó a Paul Taylor en la guitarra, además de tocar el teclado. Iniciaron una gira de seis meses que concluyó en Japón y esa fue la última vez que tocaron juntos, pues la banda se separó. A mediados de los años noventa, Kip Winger inició una carrera en solitario, en la que cuenta ya con tres discos: This Conversation Seems Like A Dream, Down Incognito y Songs From The Ocean Floor. En 2001 se volvieron a reunir y editaron el recopilatorio The Very Best of Winger, para el que grabaron un nuevo tema: «On The Inside». En 2002 acompañaron a Poison en su gira «Hollyweird World Tour» junto con Whitesnake y Faster Pussycat. A mediados de 2006 la banda se vuelve a reunir, y esta vez para editar un nuevo álbum de estudio, titulado IV, con el que dieron un gran cambio a su música adoptando un sonido mucho más moderno, pero sin perder su esencia. Este álbum tuvo una buena acogida por parte de los fanes, del que destacan temas como «Blue Suede Shoes», «Your Great Escape», «Short Flight To Mexico» o la balada «On A Day Like Today». Un año más tarde editaron una colección de temas titulada Demo Anthology, que incluía 10 temas inéditos, además de un gran número de canciones ya conocidas, todo ello compilado en dos discos. Ese mismo año, también editaron un álbum en vivo, Live, extraído de un concierto de su gira 2006-07, que también fue editado en DVD. En 2009 lanzaron el álbum Karma, con el que adoptaron un sonido más metalero, pero a la vez con un toque oscuro y melancólico. El disco fue muy bien valorado por los críticos y por los aficionados del metal en general. Del mismo destacan canciones como «Pull Me Under», «Stone Cold Killer», «Always Within Me», «Supernova» o «Witness». La banda realizó una gira y posteriormente Kip Winger, líder del grupo, continuó ofreciendo conciertos en solitario durante los siguientes años. Ya en abril de 2014 editaron su sexto álbum de estudio, Better Days Comin', con el que continuaron en la línea metalera, aunque en esta ocasión se distanciaron de su lado más melódico para ofrecer un sonido más heavy que en sus anteriores trabajos. Otra de las diferencias respecto a los dos álbumes anteriores, es que para este sí grabaron varios videoclips, cosa que no ocurría desde 1993; los temas escogidos para estos vídeos fueron «Midnight Driver Of A Love Machine», «Rat Race», «Tin Soldier», «Better Days Comin'» y «Queen Babylon». La banda también realizó una gira en 2014 y 2015, tocando en diferentes clubes y festivales, como el Download Festival. En una entrevista, Kip Winger afirmó que se vio sorprendido cuando los aficionados más jóvenes coreaban sus canciones en los conciertos, asegurando que, gracias a Internet, hoy en día era más fácil promocionarse y encontrar buenos grupos a los que escuchar, y que esto suponía un pequeño resurgimiento para las bandas antiguas. También mencionó que en sus inicios estuvo muy influenciado por grupos como Def Leppard o AC/DC. En la actualidad siguen ofreciendo conciertos y participando en festivales, como el Monsters of Rock Cruise.

live internet sin witness desde tambi monsters dvd metal despu karma iv heartbreak poison tras jap otra ac dc seventeen ese sahara alice cooper supernovas def leppard rat race ropa whitesnake corazones winger paul taylor miles away ect mtv unplugged accesorios los amantes download festival faster pussycat loosen up kip winger blue suede shoes tin soldier rock cruise john roth reb beach on the inside decoracion baptized by fire debutaron stone cold killer rod morgenstein descubrela

Saxon - (Las Cruzadas Del Heavy Metal / Truenos De Metales Pesados, 1 Cruzada 1976 -1984) - Especial Fans - Episodio exclusivo para mecenas

Quieto en primera: beisbol y estilo de vida

Play Episode Listen Later Nov 7, 2022 77:47

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! Colabora Con Biblioteca Del Metal: En Twitter - https://twitter.com/Anarkometal72 Y Donanos Unas Propinas En BAT. Para Seguir Con El Proyecto De la Biblioteca Mas Grande Del Metal. Muchisimas Gracias. La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Saxon es una banda británica de heavy metal formada en 1976 en Barnsley, Reino Unido, considerados como líderes de la Nueva ola del heavy metal británico junto a Iron Maiden y Def Leppard. Tuvieron un breve pero excelente período de popularidad en su propio país durante la primera mitad de los años ochenta gracias a los discos Wheels of Steel, Strong Arm of the Law, Denim and Leather y el álbum en vivo The Eagle Has Landed. A pesar de incursionar en el glam metal, sonido que mandaba el mercado mundial en la segunda mitad de los ochenta con discos como Rock the Nations y Destiny, nunca pudieron alcanzar el éxito en los Estados Unidos como sí lo hicieron otras bandas británicas, aun así lograron un éxito considerable en países de Europa continental y Japón. Ya a mediados de los noventa y con el sonido característico de vuelta, obtuvieron nuevamente el reconocimiento popular principalmente en Europa, convirtiéndose en artistas obligados de los mayores festivales europeos de metal como el Wacken Open Air, el Download Festival y el Hellfest, entre otros. Con una carrera de cuarenta años sobre los escenarios y con más de ocho álbumes en los UK Albums Chart y con otros numerosos sencillos en las listas británicas, los convierte en banda clave para el heavy metal e incluso han sido nombrados como grandes influencias para bandas como Metallica, Bathory, Pantera, Slayer, Anthrax, Sodom, Mötley Crüe y Megadeth, entre otras. Por otro lado y hasta mediados de 2014, se estimó que sus ventas superaban las 15 millones de copias en todo el mundo. Saxon se fundó en 1976 en la ciudad de Barnsley cuando el guitarrista Graham Oliver y el bajista Steve Dawson unieron fuerzas con el vocalista Biff Byford y con el también guitarrista Paul Quinn, que provenían de la banda local Coast. Junto a ellos se unió el baterista David Ward y se llamaron inicialmente Son of a Bitch, sin embargo, en 1978 este último renunció a la banda cediendo su puesto a Pete Gill y con ello también cambiaron su nombre al actual. Durante ese periodo participaron en tocatas en clubes de algunas ciudades de Inglaterra e incluso abrieron en ocasiones para las bandas Ian Gillan Band y Heavy Metal Kids. Debido al éxito del punk en el Reino Unido, en ese entonces les fue difícil encontrar apoyo discográfico en su propio país, por lo cual firmaron con la discográfica francesa Carrere Records a fines de 1978. Debutaron al año siguiente con el álbum Saxon que les permitió salir de gira por el país inglés abriendo para las bandas Motörhead y Nazareth. En 1980 publicaron su segundo disco Wheels of Steel, considerado por los fanáticos como esencial del movimiento NWOBHM. De esta placa destacaron dos sencillos; el que da título al disco y «747 (Strangers in the Night)», los que entraron en la lista UK Singles Chart en los puestos 20 y 13 respectivamente. El éxito se vio reflejado además al obtener meses después su primer disco de oro en su país, al superar las 100 000 copias vendidas. Tras el lanzamiento del álbum se internaron en su respectiva gira promocional, destacando su participación en el primer Monsters of Rock celebrado el 16 de agosto de 1980, donde compartieron escenario con Rainbow, Scorpions, Judas Priest, April Wine, Riot y Touch ante más de 35 000 espectadores. Solo cinco meses del lanzamiento de Wheels of Steel lanzaron su tercera producción llamada Strong Arm of the Law, el que siguió cosechando éxito en el país británico donde obtuvo nuevamente disco de oro y se posicionó en la lista de aquel país en el puesto 11. De este se extrajo el sencillo «Dallas 1 PM», canción inspirada en el asesinato del expresidente estadounidense John F Kennedy. Este éxito se vio nuevamente en el cuarto álbum Denim and Leather, que entró en la novena posición de los UK Albums Chart en 1981. Además, vendió más de 60 000 copias solo meses después de su lanzamiento, obteniendo disco de plata otorgado por la British Phonographic Industry. También entró en las listas de otros países de Europa e incluso y al mismo tiempo, el sencillo «Motorcycle Man» de su segundo disco se posicionó en las listas de Japón, manteniéndose por más de cinco meses en ellas. Antes de iniciar la gira Denim and Leather Tour Pete Gill se lastimó la mano, lo que no le permitió tocar la batería y que obligó a ceder su puesto a Nigel Glockler, que por ese entonces era músico de sesión de Toyah Willcox. Durante el marco de dicho tour, el músico Ozzy Osbourne fue el encargado de abrir para ellos en las fechas por Europa y el país británico. Ya en 1982 tocaron por primera vez en los Estados Unidos con 38 fechas en total, de cuyas presentaciones destacó el haber tocado cuatro noches seguidas a lleno total en el Whisky a Go Go de Los Ángeles, California y otras tres más en la ciudad de San Francisco. Tras esto retornaron a su país natal y publicaron su primer disco en vivo The Eagle Has Landed, el que entró en el puesto 5 en el Reino Unido manteniéndose por 19 semanas consecutivas y obtuvo nuevamente disco de plata en dicho país. El 21 de agosto del mismo año volvieron a presentarse en el Monsters of Rock junto a las bandas Status Quo, Uriah Heep y Anvil entre otras, convirtiéndose en la primera banda en tocar dos veces consecutivas en dicho festival. Durante los meses de octubre y noviembre de 1982 la banda entró a los estudios para lanzar en 1983 su quinto trabajo Power & the Glory, el primero en entrar en la lista Billboard 200 de los Estados Unidos en el puesto 155 y que solo en Los Ángeles vendió más de 15 000 copias en su primera semana. De la misma manera entró en el Reino Unido en el puesto quince. Durante la gira por Europa fueron parte de una de las más recordadas del heavy metal británico, compartiendo escenario junto a Judas Priest y Iron Maiden, y a su vez por los Estados Unidos fueron acompañados por los alemanes Accept. Este fue el último trabajo de los ingleses con el sello francés Carrere, ya que según ellos no se sentían cómodos con las ventas del disco y por el poco apoyo de esta discográfica para con ellos sobre penetrar en el mercado estadounidense. Sin embargo, otros medios afirmaron que era por el engaño de las recaudaciones de ventas por parte del sello para con la banda, por lo que firmaron con la transnacional EMI Music a finales de 1983.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Biblioteca Del Metal - (Recopilation). Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/308558

california power rock law san francisco solo night sin europa touch tambi adem monsters nations durante accept antes estados unidos john f kennedy rainbow whiskey strangers steel bitch billboard coast riot tras metallica nazareth wheels descubre jap junto inglaterra heavy metal status quo sodom go go reino unido slayer leather iron maiden ozzy osbourne mot scorpions debido pantera def leppard judas priest megadeth denim ropa anthrax exclusivo saxon anvil barnsley hellfest ect tuvieron bathory cruzadas uriah heep accesorios pesados nwobhm download festival metales strongarm eagle has landed wacken open air uk singles chart david ward april wine steve dawson paul quinn biff byford carrere emi music uk albums chart decoracion toyah willcox debutaron descubrela

“Patinada” de los Dodgers #MLB

La Sacó del Estadio

Play Episode Listen Later Oct 13, 2022 23:45

Episodio 857 #Podcast en donde contamos historias sobre todos los deportes y las ligas americanas Dodgers con su primera patinada ⚾-Dak Prescott aún no está listo-Devante Adams enfrenta cargos por a gestión —Carlos Correa de los Twins irá a la agencia libre.Skylar Thompson el domingo con su gran oportunidad

united states mlb champions colombia chile twins los angeles dodgers mundial dak prescott brujas carlos correa devante adams voleibol mundial sub debutaron

Max Scherzer y Shohei Ohtani debutaron con todo este año

Play Episode Listen Later Mar 22, 2022 24:14

Max Scherzer y Shohei Ohtano han hecho sus aperturas iniciales en la pretemoporada y ambos lucieron muy bien. Los dos, al parecer, lucen destinados a tener grandes números en este venidera temporada de 2022. También hacemos el ránquin de los 10 mejores lanzadores abridores de 2022. ¿Cuáles son tus candidatos? --- Send in a voice message: https://anchor.fm/alfredo-villasmil/message

tambi shohei ohtani max scherzer con todo debutaron

Resumen deportivo de 2021: Juegos Olímpicos y Paralímpicos

Región Deportiva (Noche)

Play Episode Listen Later Dec 30, 2021 54:45

JOSÉ ANTONIO VERALa Región de Murcia sumó en Tokio su tercera medalla de la historia en unos Juegos Olímpicos, también de plata, gracias al futbolista Rafa Mir. Cerca estuvo de lograr una Mohamed Katir, que logró un diploma en los 5.000 metros. Otro diploma, más agridulce, consiguió Laura Gil, ya que se esperaba a la selección femenina de baloncesto en el podio.Alejandro Valverde tuvo un mal día, también Miguel Ángel López (al que entrevistamos en este programa).Debutaron con ilusión el nadador Alberto Martínez o María Xiao, que además se hizo viral en redes sociales por jugar al tenis de mesa con Pau Gasol. Y también fueron protagonistas el árbitro de baloncesto Luismi Castillo o el entrenador de vela Diego Fructuoso, cuyo pupilo Joan Cardona 'rascó' un bronce. También nos acordamos de futuros y potenciales medallistas como el tenista Carlos Alcaraz o el triatleta Sergio Baxter.En los Juegos Paralímpicos Sonia Ruiz se trajo un diploma con la selección femenina de baloncesto en silla y debutó el tenista en silla Kike Siscar, que nos cuenta su experiencia. Los guías Eloy Teruel (ciclismo) y Pedro Andújar (triatlón) sumaron varios diplomas y Alfonso Cabello, ciclista cordobés pero que compite con licencia murciana, se colgó un oro y un bronce.

tambi otro resumen cerca tokio juegos ol murcia deportivo paral carlos alcaraz pau gasol xiao juegos paral alberto mart alejandro valverde laura gil debutaron

4 Downs: Jamal Adams finalmente hace historia + Debutaron los QBs novatos

4 Downs

Play Episode Listen Later Aug 19, 2021 58:41

Daniel y Mauricio hablan del contrato de Jamal Adams, las lesiones en algunos novatos, noticias en Pittsburg y debut de los QBs novatos + Jordan Love

historia hace finalmente downs qbs jordan love jamal adams pittsburg novatos debutaron

Debutaron Boca y Racing por la copa Libertadores

LA HINCHADA DEL 9

Play Episode Listen Later Apr 22, 2021 49:42

Boca debuto con un triunfazo en La Paz ante The Strongest con gol de Villa, mientras que Racing igualó en Montevideo en 1 ante Rentistas, es por eso que junto al equipo periodistico de LHD9 Radio analizamos esos estrenos. El humor se encargó el Pollo Waldiño contando una historia poco creible.

racing villa la paz boca strongest la copa montevideo copa libertadores rentistas debutaron

Nada más que música - Texas - 'White on blonde'

Play Episode Listen Later Mar 4, 2021 30:22

Que tal amigos, como ha ido la semana. Bueno, esto es una pregunta retórica, no espero contestación, por si acaso. Hoy vamos a hablar de otro gran grupo, Texas, y de uno de sus discos más importantes: White on blonde. Texas es una banda escocesa, de Glasgow, que practica un pop rock de calidad. Lo fundaron Johnny McElhone y Sharleen Spiteri. Debutaron en marzo de 1988 en la Universidad de Dundee y habían tomado el nombre de la película de Wim Wenders, París, Texas. Su álbum debut fue Southside, de 1989, y lo cierto es que consiguieron un éxito considerable, pero fue en 1997, cuando lanzaron su álbum White on Blonde del que hoy nos ocupamos, cuando consiguieron el reconocimiento internacional. “Say what you want”, “Di lo que quieras”, es el primer corte del álbum. 00’51’’ Hasta la fecha, este disco ha sido certificado seis veces platino en el Reino Unido. Y la verdad, eso no pasa todos los días. Esta canción, Say what you want, fue lanzada el 6 de enero de 1997 y se convirtió, inmediatamente, en el sencillo de más éxito de la banda hasta ese momento. De la misma manera, White on Blonde, también es el álbum más exitoso de la banda hasta la fecha. Hasta un total de cinco sencillos fueron sacados del álbum, y todos ellos estuvieron entre los diez primeros puestos de las listas del Reino Unido. Sencillos como este "Halo", lanzado en abril de 1997 y que alcanzó el puesto núm. 10 Como hemos dicho, fueron dos los fundadores del grupo: John Francis McElhone, hijo de diputados laboristas, y uno de los fundadores de la banda, nación el 21 de abril de 1963 en Glasgow, Escocia. Es el bajista del grupo y compositor de numerosos éxitos de Texas. Y Sharleen Eugene Spiteri, también nacida en Glasgow el 7 de noviembre de 1967. Sharleen se crió en un ambiente musical ya que sus padres eran semi-profesionales. Antes de dedicarse a la música trabajó como peluquera y, quizá por esto, siempre se ha encargado de la imagen de sus compañeros. Persona muy comprometida con la sociedad, colabora estrechamente con una fundación de niños con cáncer. Otro de los cortes del disco, "Black Eyed Boy", “Chico de ojos negros”, lanzado como sencillo en julio de 1997, también alcanzó el Puesto núm. 5 de las listas. 00’54’’ Por el grupo han pasado numerosos músicos pero el único que ha estado siempre, bueno casi siempre como luego veremos, al pie del cañón es el guitarrista Alistair Manson McErlaine, en el grupo desde 1988. Ally es un músico prolífico y ha compuesto y colaborado con un gran número de grupos y artistas de diversas índoles. El 8 de septiembre de 2009, McErlaine fue hospitalizado después de que se derrumbara con un aneurisma cerebral masivo a la edad de 41 años. Sus posibilidades de recuperación no estaban claras al principio, estuvo en coma durante nueve semanas y pasó seis meses y medio en el hospital, antes de ser dado de alta para continuar recuperándose en casa. En julio de 2010, ya se había recuperado lo suficiente como para actuar en el escenario y tuvo la oportunidad de unirse a Texas para su gira en 2011. Vamos a escuchar ahora otro tema de este álbum es Insane, que también fue el quinto y último sencillo lanzado de White on Blonde. También la podemos encontrar en su álbum recopilatorio del año 2000, un Grandes Éxitos. Las influencias que admite el grupo son de lo más variopintas: The Clah (pare ser que es el motivo por el que Spiteri toca una Fender Telecaster negra), Blondie, pasando por Marvin Gaye y Prince. Incluso Spiteri se reconoce como una fan declarada de Diana Ross. Postcard, otro corte de White on Blonde. Spiteri inició, paralelamente al grupo, una carrera en solitario. Así, el 6 de julio de 2008 entró en el número 47 de las listas de Reino Unido con su primera grabación sin el grupo "All the Times I Cried". La semana siguiente a su lanzamiento el sencillo subió hasta el puesto número 26.4 Su álbum debut en solitario, Melody salió a la venta el 14 de julio de 2008. Inmediatamente alcanzó el puesto 3 en las listas de Reino Unido. También ha tenido algún coqueteo con el cine. Pero Texas sigue adelante. La banda lanzó su noveno álbum de estudio en mayo de 2017 con muy buenas críticas y una gran acogida por el público y el 28 de febrero de 2020, anunciaron en Twitter que su próximo álbum, llamado Hi, será lanzado a finales de ese año. Así que, tenemos Texas para rato. Nos despedimos con la canción que título al álbum: White on Blonde. Pues esto ha sido todo por hoy, nos emplazamos para un nuevo programa la próxima semana, aquí, en internet, siénteloconoído.caster.fm, y mientras tanto… Buenas Vibraciones.

Cinderella - (Descubiertos Por Gene Simmons)

Play Episode Listen Later Feb 25, 2021 63:33

La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Cinderella fue una banda estadounidense de hard rock. Su formación original estaba compuesta por Tom Keifer (voz y guitarra), Eric Brittingham (bajo), Michael Smerick (guitarra) y Tony Destra (batería). El sonido de la banda tiene claras influencias del rock & roll de AC/DC, la fusión del blues y el rock de bandas como Led Zeppelin y Rolling Stones, además de toques de rock sureño. La banda surgió a mediados de la década de 1980 con una serie de álbumes multiplatino y exitosos sencillos cuyos vídeos musicales recibieron una fuerte rotación en el canal MTV. A mediados de la década de 1990, la popularidad de la banda disminuyó severamente debido a reveses personales, rupturas y cambios en la industria de la música. Después de un breve paréntesis, Cinderella se reunió en 1996 y continuó tocando en vivo en los siguientes 20 años, pero nunca lanzó ningún material de estudio después de su álbum de 1994 Still Climbing. La agrupación vendió 15 millones de discos en todo el mundo según el sitio web oficial de Tom Keifer. Según Tom Keifer, Cinderella fue descubierta por Gene Simmons, líder de Kiss, quien les recomendó por primera vez a la discográfica PolyGram, pero en aquella ocasión fueron rechazados. Ya en 1985, Jon Bon Jovi conoció a Cinderella cuando los escuchó tocar en el Empire Rock Club de Filadelfia, este quedó tan impresionado por la actuación que le pidió a su agente discográfico, Derek Shulman, que escuchase a la banda. PolyGram seguía manteniendo cierto excepticísmo hacia Cinderella, pero ante la insistencia de Jon Bon Jovi, accedieron a verles tocar en una actuación privada dedicada a productores. Tras la actuación, y aún sin demasiado entusiasmo, decidieron darles una oportunidad y les firmaron un contrato de prueba de seis meses, no sin antes obligarles a sustituir al guitarrista y al batería, pues según los productores no daban la talla. Tras ese tiempo Cinderella logró convencer a PolyGram y estos les firmaron su primer gran contrato. Debutaron en 1986 con Night Songs, de estilo glam metal, que vendió tres millones de copias y alcanzó el tercer puesto en las listas estadounidenses. Entre sus temas destacados están "Shake Me" y la balada "Nobody's Fool". En 1988, repitieron el gran éxito del primer disco con Long Cold Winter, de un sonido más bluesero y de influencias setenteras. La balada "Don't Know What You Got (Till It's Gone)", el medio tiempo "Coming Home" y las roqueras "The Last Mile" y "Gypsy Road" fueron la clave del impulso comercial del álbum. Con Heartbreak Station (1990), continuaron en la misma senda musical, que tuvo como arreglista a John Paul Jones, bajista y tecladista de Led Zeppelin. Este disco no alcanzó el éxito esperado. Sus sencillos más destacados fueron la balada "Heartbreak Station" y "Shelter Me", Tiempo después, Fred Coury se marchó de la banda, y en 1994 publicaron Still Climbing, que pasó desapercibido en un momento en que el grunge y el rock alternativo estaban en alza. Luego de estos inconvenientes decidieron separarse. Sin embargo, años más tarde se dio la tan esperada reunión, haciendo giras para recordar viejos tiempos y satisfacer al público que gusta de su música. En el verano de 2006 completaron un tour junto a la banda de glam metal Poison. Ambas bandas celebraban el vigésimo aniversario de sus discos debut, Night Songs y Look What the Cat Dragged In. La gira fue un éxito, convirtiéndose en una de las más exitosas de ese año. Cinderella confirmó en su sitio web que la banda saldría de gira en 2010 con dos fechas previas confirmadas.3 Se anunció el 22 de febrero que Cinderella formaría parte de los festivales Rocklahoma y Sweden Rock Festival en 2010. En julio de 2010 la banda subió al escenario para abrir para Bret Michaels durante el Common Ground Music Festival, con la alineación original compuesta por Tom Keifer, Eric Brittingham, Jeff LaBar y Fred Coury. Luego abrieron algunos conciertos para la banda alemana Scorpions en su gira Get Your Sting and Blackout, En 2011, Cinderella emprendió una gira mundial por su 25º aniversario. Veinte shows fueron confirmados desde abril hasta julio. Durante la gira, encabezaron la primera edición del Festival "Shout It Out Loud" en Alemania. En el verano de 2012 la banda hizo una gira por los Estados Unidos con el excantante de Skid Row, Sebastian Bach. En marzo de 2013 hizo parte del Monsters of Rock Cruise 2013 junto a Tesla, Kix y Queensrÿche. En noviembre de 2017, Keifer declaró que Cinderella no tiene planes de reunirse, afirmando que "los problemas entre los miembros de la banda son irreparables"

sin tesla kiss monsters durante rolling stones mtv despu estados unidos fool poison tras sus luego coming home blackout ac dc led zeppelin alemania scorpions gene simmons ambas skid row ropa jon bon jovi filadelfia last mile veinte ect sebastian bach bret michaels john paul jones accesorios kix keifer queensr night songs polygram tom keifer rocklahoma rock cruise descubiertos sweden rock festival jeff labar fred coury decoracion shake me debutaron shelter me eric brittingham gypsy road descubrela

Sin Arreglo, el Rock en Directo Valladolid con Oscar Arratia , los grupos de valladolid

Radio 4G Valladolid

Play Episode Listen Later Dec 4, 2020 34:41

SIN ARREGLO es una banda de rock de Valladolid formada en el año 2005 de la mano de dos parejas de hermanos, quienes inspirados por infinidad de bandas y estilos, deciden plasmar en canciones aquello que cruzaba sus rebeldes mentes adolescentes. Debutaron en directo en mayo de 2005 en un concurso de bandas y la cosa se puso seria cuando anunciaron que habían ganado el primer premio. Al entrar en contacto con su música puede apreciarse cómo estos cuatro jóvenes han mamado la cultura de la calle a base de comunicarse y compartir con su gente; fiel reflejo de ello son sus más de 200 conciertos donde adeptos de todas las edades y tribus urbanas hacen que Sin Arreglo sea uno de esos grupos que buscan ser una revelación dentro del cambio generacional que el rock nacional necesita --- Send in a voice message: https://anchor.fm/radio-4g-valladolid/message

grupos valladolid en directo rocken el rock arreglo debutaron

Toma uno - Texas Radio, Chris Stapleton y Sturgill Simpson - 15/11/20

Toma uno

Play Episode Listen Later Nov 15, 2020 58:56

En tiempos como los actuales, nos inclinamos por seguir la lista de la Texas Regional Radio, que nos acerca las canciones más programadas cada semana por las emisoras del Lone Star State, y hacernos eco de como hace unas semanas celebraron de forma virtual su entrega de premios anual, lo que nos da una una imagen bastante cierta de cómo está la escena tejana. La Randy Rogers Band fue la gran triunfadora de la noche llevándose a casa los trofeos de Artista, Banda y Vídeo del Año. Y lo hicieron gracias canciones como "I’ll Never Get Over You" que cantaba sobre días más largos y barbacoas encendidas. Es un ambiente perfecto para contar historias alrededor de una fogata… y bailar como solo los tejanos saben hacer en cuanto se abre el bar. Muy diferente al presente más cercano. La canción ha formado parte de Hellbent, aclamado por la crítica y especialmente representativo de los modos y maneras del grupo, que ha ido fortaleciendo su base de fieles seguidores y eligió a Dave Cobb para producir un trabajo de tintes implacables, sólido y vitalista. Su octavo álbum, Hellbent, tomó el título prestado de "Hell Bent On a Heartache", un tema firmado por Guy Clark que formó parte en 2013 del último disco en vida del trovador tejano, My Favorite Picture of You. Randy siempre ha tenido a Clark como uno de sus héroes y siempre ha aspirado a componer con esa elegancia natural. Por eso quiso que el nuevo registro del grupo hiciera un guiño a su mítica figura. La canción original es una delicada balada con acompañamiento de cuerdas que ha pasado a convertirse en casi un himno con recuerdos sonoros propios de Tom Petty. El Brandon Jenkins Memorial Songwriters Award sirvió para recordar a Kylie Rae Harris que murió con poco más de 30 años a primeros de septiembre del año pasado en un accidente de tráfico que ella misma provocó en Taos, Nuevo Mexico, cuando viajaba al festival Big Barn Dance Festival, donde tenía previsto actuar al día siguiente. Tejana de Wylie, había debutado en 2010 con el álbum All the Right Reasons al que siguieron dos EPs. El último de ellos, de título homónimo, dejó canciones como “Twenty Years From Now”. A pesar de su juventud, Jon Stork, un nativo de Houston, se está haciendo un nombre en la escena de Texas. Intentando imitar a su hermano, aprendió a tocar la guitarra, aunque también se fijó en las formas de Robert Earl Keen, Pat Green, Roger Creager, animándose a crear material original. Tras dejar la universidad por la música, era fácil verle en cualquier local que le abriera las puertas y hace tres años hizo su debut con “In Your Radio” a la que dio continuidad “One Night Stand” antes de lanzar su primer álbum en el verano de 2019, al que daba nombre genérico este “Radio Cowboy”. Con ese bagaje ya ha conseguido destacar como el nuevo vocalista del año para las emisoras de radio del Lone Star State. Casey Baker tiene su sede en Ontario y su mezcla de folk y country es la envoltura perfecta para unas canciones propias que revelan su propia personalidad con una honestidad absoluta. Dallas Green le pidió que se uniera a City & Color como guitarrista, pero nunca olvidó su vocación por mostrar sus cualidades como vocalista y compositora y en 2017 decidió mudarse a Denison, Texas, y empezar a conformar su primer álbum, When the Party's All Over, que vio la luz dos años más tarde con canciones tan sugestivas como “It Was Only Me”. Por todo ello fue premiada como mejor nueva vocalista. La Chad Cooke Band es un cuarteto originario de Houston que se mueve en los terrenos de la Red Dirt Music desde Oklahoma City hasta San Antonio, con guiños a los buenos tiempos de Brooks & Dunn y procurando no olvidar las armonías vocales que caracterizan a los Eagles. Debutaron hace cuatro años con su álbum Easy Way Home y en la primavera de 2018 se marcharon a Nashville para proseguir su andadura que dio como resultado un segundo trabajo, Risk It All, del que forma parte “Four Minutes”, un tema perfecto de two step donde la voz principal recuerda, y mucho, a Tracy Lawrence en sus mejores años. Canciones como esa les han acreditado como como la nueva banda del año. Tejana de The New Braunfels, aunque crecida en Las Cruces, del estado de Nuevo Mexico, Bri Bagwell empezó a escribir poemas siendo una cría, decidió que la música era su camino y ya tiene cuatro álbumes y un EP en su haber desde que su llegada a Austin cambió todas sus perspectivas. Debutó hace nueve años con Banned from Santa Fe y As Soon As You ha sido su último registro, del que ha salido el single “Cheat On Me”, un tema compuesto junto a Courtney Patton y convertido en el más destacado para las emisoras de radio de Texas, tanto como para convertirse en el single del año. Red Bandana, el último álbum de Aaron Watson, fue premiado como el mejor del año. Lo componen 20 canciones escritas por el propio artista con un claro sentido de conjunto, ya que cada una se relaciona con la siguiente. Un proyecto en el que el tejano estuvo trabajando desde tres meses antes de que publicara su disco anterior, Vaquero. “Legends” es uno de esos temas con la capacidad de atraparte, hablando de los viejos hábitos que mueren y las leyendas que sobreviven. Desde Willie a Hemingway, pasando por Dylan, Kristofferson, Gram Parsons, Tom Petty, Janis o Kurt Cobain. Yendo a la más cercana actualidad, ayer era el día en que se publicaba el nuevo álbum de Chris Stapleton, que hemos venido anticipando desde hace meses. Este cuarto trabajo en solitario, Starting Over, da continuación a los dos volúmenes de From A Room, que publicó hace tres años. Aunque su capacidad como compositor es evidente, entre los 14 temas del registro ha reservado un espacio para hacer dos versiones de Guy Clark ("Worry B Gone" y "Old Friends") y una de John Fogerty. En este último caso, la canción elegida ha sido “Joy Of My Life” que el músico californiano incluyó en el 97 en Blue Moon Swamp, su quinto álbum en solitario, y estaba dedicada a su mujer, Julie, siendo muy posiblemente el primer tema de amor que compuso John Fogerty. Para poner el contrapunto de rock pantanoso que siempre se le supuso a la Creedence Clearwater Revival de John Fogerty, Chris Stapleton compuso junto a Al Anderson "Devil Always Made Me Think Twice", uno de temas más poderosos de este Starting Over, que colocará al músico de Kentucky entre los mejores de este 2020. Sigue contando con el apoyo de Dave Cobb en las labores de producción y esta vez ha tenido cerca a Benmont Tench y Mike Campbell de los Heartbreakers de Tom Petty. Por supuesto, su mujer, Morgane, es un apoyo fundamental con una voz siempre armoniosa. Las canciones de Chris Stapleton siguen abarcando country, rock y góspel como vías sonoras y sus letras persisten en hablar de lo que ocurre a su alrededor. Por otro lado, el nuevo álbum de Sturgill Simpson es Cuttin' Grass – Vol. 1 (The Butcher Shoppe Sessions), un proyecto dedicado íntegramente al bluegrass y para el que ha contado con algunos de los más prestigiosos músicos de la escena de Nashville relacionados con el estilo de su Kentucky natal. Eso supone que tiene a su lado a lo que él llama "probablemente la mejor banda de bluegrass del planeta". Sturgill Simpson sigue presentándolo acompañado de esa banda impagable, que el pasado miércoles estuvo en The Late Show with Stephen Colbert versionando “Breakers Roar” desde el mítico Station Inn de Nashville. Es una de las canciones que formaron parte de A Sailor's Guide to Earth, su tercer álbum, publicado en 2016. Todas las canciones de este nuevo disco de Sturgill Simpson pertenecen a su carrera como músico y están filtradas por el bluegrass. Entre ellas hemos destacado desde el principio “I Don’t Mind”, un tema que nos remite a Sunday Valley un trío de country rock formado en 2004 con Sturgill como líder y una base rítmica con el batería Edgar Purdom III y el bajista Gerald Evans, que lanzaron un Ep homónimo aquel mismo año. Tuvieron que hacer un parón mientras Simpson trabajaba para el ferrocarril de la Union Pacific en Salt Lake City, en Utah, y ya en 2011 publicaron el álbum To The Wind And On To Heaven. Pero se separaron al año siguiente. Fue cuando Sturgill Simpson se mudó a Nashville. Ahora ha recordado aquella etapa versionando “I Don’t Mind”, que originalmente sonaba así en aquel disco de hace nueve años. Escuchar audio

texas earth guide radio mind nashville utah kentucky color desde pero legends eagles ontario debut san antonio ahora todas vol banned simpson salt lake city aunque grass tras sigue eso fue oklahoma city dunn sailors santa fe eps old friends escuchar artista kurt cobain tom petty banda canciones hemingway heartache stephen colbert late show one night stands lone star state wylie chris stapleton starting over heartbreakers taos creedence clearwater revival morgane right reasons las cruces hell bent john fogerty denison all over sturgill simpson tuvieron new braunfels texas vaquero mike campbell union pacific gram parsons intentando yendo cuttin guy clark tracy lawrence sturgill programas de rne kristofferson aaron watson four minutes dave cobb robert earl keen pat green dallas green tejana red bandana benmont tench randy rogers band nuevo mexico al anderson station inn bri bagwell red dirt music debutaron courtney patton

Rainbow - (Larga Vida Al Rock N Roll -2 Parte) Editado, Montado Y Remasterizado Por Txarly Metal - Especial Fans - Episodio exclusivo para mecenas

Play Episode Listen Later Oct 14, 2020 70:25

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Rainbow es una banda británica de hard rock y heavy metal liderada por el guitarrista Ritchie Blackmore, cuyo período de actividad tuvo lugar entre 1975 y 1984 y entre 1994 y 1997. Aunque originalmente estaba establecida por Blackmore y los componentes del grupo Elf, Rainbow sufrió varios cambios en su formación y ninguna de ellas grabó más de un disco. Además de contar con la participación de los vocalistas Ronnie James Dio, Graham Bonnet, Joe Lynn Turner y Doogie White en distintas etapas, la banda estaba integrada por una serie de instrumentistas. Originalmente su música mezclaba letras épicas con el sonido del metal neoclásico, pero ésta se volvió más comercial tras la marcha de Dio. Rainbow ocupa el puesto noventa de la lista 100 mejores artistas de hard rock diseñada por VH1. Ritchie Blackmore, guitarrista de Deep Purple, discrepaba de la orientación musical de esta banda y optó por separarse oficialmente en abril de 1975 para comenzar un proyecto paralelo. Para ello convocó a los miembros de una banda ya existente, Elf, exceptuando al guitarrista, con los cuales había estado en los Musicland Studios de Múnich (el mismo utilizado para Stormbringer de Deep Purple) entre febrero y marzo de ese año. Elf había sido la banda soporte de Deep Purple durante algunas fechas de su última gira norteamericana en 1974. Con esta formación salió el primer álbum, titulado simplemente Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), el cual ofreció como relativo éxito la canción "Man on the Silver Mountain". Pero a continuación, Blackmore deshizo el grupo y se quedó solamente con el cantante, Ronald James Padavona, más conocido como Ronnie James Dio, con quien compartía gustos por temas como la música clásica y el ocultismo. Esta situación los dejó en una extraña posición, con un disco grabado listo para salir pero sin una banda para presentarlo en vivo. A la base Dio-Blackmore se agregó un nuevo integrante, el baterista Cozy Powell, quién venía de tocar junto a Jeff Beck. La incorporación de Powell resultaría vital para la obtención del sonido que caracterizaría a la banda los siguientes cinco años. Luego se integraría el bajista Jimmy Bain y el músico canadiense Tony Carey. El 12 de noviembre de 1975, en el Beacon Theater de Nueva York se realizó el primer concierto de Rainbow de todos los tiempos, con Argent como teloneros (banda que tuvo como guitarrista a Russ Ballard, compositor de las canciones "Since You've Been Gone" y "I Surrender" que serían usadas en el repertorio de Rainbow tiempo después). El primer éxito verdadero vino en 1976 con el álbum Rising, producido por Martin Birch. Este álbum no produjo ningún sencillo pero fue muy vendido durante bastante tiempo. En este disco puede encontrarse "Stargazer", una de las canciones de referencia del género, que marca el inicio de las letras características de la carrera de Ronnie James Dio, El año siguiente editaron On Stage, un disco en vivo que marca el fin de la formación clásica de Rainbow. Al igual que en Made in Japan, el aclamado disco en vivo que años antes había grabado Ritchie junto a Deep Purple, On Stage incluye versiones extendidas de los primeros clásicos de la banda, marcando la pauta para un subgénero que se acuñaría como tal años más tarde, el heavy metal progresivo, Mientras todo esto ocurría, el grupo se reunía en París en los estudios Le Chateau para preparar un nuevo LP. El bajista Jimmy Bain no fue convocado. En su reemplazo, Blackmore llamó a Mark Clarke, exintegrante del grupo Tempest, que venía de acompañar al por entonces líder y teclista de Uriah Heep, Ken Hensley, en su segundo disco solista, Eager To Please (un disco en el que se incluía una composición del propio Clarke llamada curiosamente Stargazer). Tras dos meses de sesiones intermitentes, Blackmore, disgustado con los resultados, despide a Tony Carey primero y a Mark Clarke poco después, La grabación queda detenida con Blackmore regresando a Inglaterra para probar músicos. Al no quedar conforme con ninguno, vuelve a París y regraba él mismo todas las partes de bajo. Las partes de Tony Carey son regrabadas en diciembre por un músico de sesión llamado David Stone que es finalmente incorporado como un miembro estable. Poco después la alineación se completa con Bob Daisley al bajo y así se presenta el disco, sin embargo, el bajo en la grabación final fue grabado por el propio Blackmore. Long Live Rock 'n' Roll es lanzado en el Reino Unido el día que el guitarrista cumple 33 años, el 14 de abril de 1978. La gira lleva al grupo a Estados Unidos, plaza que por entonces la banda no podía conquistar, con magras ventas de todos los discos y sencillos editados hasta el momento, La gira se completa con un Blackmore frustrado ante esta situación. Poco después le anuncia a Dio su intención de darle a la música del grupo un planteamiento más comercial. Blackmore quería alcanzar la línea de bandas como Journey, Foreigner o REO Speedwagon. Dio no acepta estos términos y renuncia. Casi enseguida Blackmore, sintiendo que el cambio en la banda debe ser más profundo, despide a Daisley y a Stone. Solo queda a su lado Cozy Powell. Tras el alejamiento de Dio y el resto de músicos, Ritchie Blackmore se encontraba en una encrucijada personal y artística, viviendo un período convulsivo de cambios internos (un divorcio) y externos (su banda). Decidió recurrir a su antiguo compañero en Deep Purple y en ese momento un reputado productor discográfico, Roger Glover. Si bien la partida del bajista de Deep Purple en 1973 había sido mucho menos que amistosa, habían pasado casi seis años desde entonces por lo que los ánimos volvían a estar predispuestos por ambas partes. La idea de Blackmore era que Glover, como productor, llevara a Rainbow al reconocimiento masivo en los Estados Unidos, aun cuando esto significara cambiar los planteamientos musicales del grupo estilística y estéticamente. Finalmente Blackmore le propuso a Roger volver a los escenarios como bajista, lo cual también le permitió compartir los créditos de composición. Blackmore y Glover empezaron a componer nuevo material. Con el agregado del sesionista Don Airey en teclados y tras la nueva convocatoria de Cozy Powell, el cuarteto se dirigió a París en enero de 1979, y nuevamente en Le Chateau Studios grabaron bases y pistas instrumentales para ser usadas en el próximo disco, aunque la agrupación todavía no tenía un cantante contratado. El primer candidato fue Ian Gillan, pero el vocalista declinó la oferta. Roger Glover sugirió un cantante de Lincolnshire al que había oído en cintas y el cual había tenido éxito en Australia, pero que era desconocido en el resto del mundo: Graham Bonnet. El guitarrista y el bajista viajaron a Australia y vieron a Bonnet en vivo. El cantante tenía un rango vocal adecuado, pero visualmente era muy diferente a la idea que Blackmore tenía sobre como debía lucir un líder. Bonnet usaba el cabello muy corto y tenía una apariencia similar a la de James Dean, algo que no encajaba con el tono de Ritchie. Apremiado por la falta de tiempo, Blackmore decidió contratar a Bonnet. De allí fueron a París, donde se grabaron las voces y se hicieron los arreglos finales en febrero. El grupo fue presentado oficialmente y el 1 de agosto de 1979 el álbum Down to Earth fue lanzado. El disco mostraba un sonido mucho más comercial, además, los miembros de la banda se recortaron el cabello para no acentuar el contraste con Bonnet. Lograron el primer hit-single con Since You've Been Gone (Nº 6 en las listas de éxitos) y enseguida repitieron con All Night Long (Nº 5 en las listas). La gira mundial también fue un éxito, con excelente respuesta en Japón, Australia y Nueva Zelanda. Sin embargo en Inglaterra la historia fue distinta. El concierto en el estadio de Wembley terminó convertido en una batalla campal y hubo graves destrozos que motivaron la intervención policial cuando Blackmore se negó a hacer un bis tras solo 75 minutos de show. La repercusión fue tan negativa que Blackmore decidió conceder un reportaje al diario Melody Maker días después, donde fue entrevistado por un grupo de sus fanáticos. Blackmore y Glover empezaron a mostrar cierto descontento con Bonnet. La situación empeora cuando Cozy Powell anuncia su intención de dejar la banda tras el éxito de su disco solista. El 16 de agosto de 1980 el grupo encabeza la primera edición del festival Monsters of Rock en Donington Park, Reino Unido. Rainbow anuncia que el concierto del Monsters of Rock es la despedida oficial de Cozy Powell. Días después también se anuncia la partida de Graham Bonnet, señalando que es una decisión personal, A fines de agosto de 1980, superado el Monsters of Rock, Blackmore y Glover tienen temas compuestos ya desde el año anterior y otro disco en carpeta por lo que necesitan cubrir los puestos de cantante y baterista. El novato Bobby Rondinelli es elegido tras audicionar a más de cien bateristas. Con él incorporado, el grupo graba bases a finales de ese mes en los estudios Sweet Silence de Copenhague, Dinamarca. Blackmore está decidido a romper el mercado estadounidense, por lo que orientan la búsqueda hacia esas tierras. Joe Lynn Turner, cantante y guitarrista rítmico de una poco conocida banda de la costa este estadounidense llamada Fandango, es contratado como nuevo cantante en reemplazo de Bonnet. La agrupación, conformada por Blackmore, Turner, Airey, Glover y Rondinelli, se trasladó a Copenhague para grabar Difficult To Cure. El disco fue lanzado mundialmente el 12 de febrero de 1981. El diseño de carátula fue creado por la prestigiosa firma Hipgnosis, responsables de algunas de las portadas de bandas como Pink Floyd, Led Zeppelin y Black Sabbath. El nombre del álbum le es adjudicado a la última canción del mismo, una adaptación de Blackmore del "Himno a la alegría" contenido en la Novena Sinfonía de Beethoven. Al disco le sigue una gira mundial. David Rosenthal, instrumentista y transcriptor proveniente de la música clásica, reemplaza a Don Airey en los teclados para la grabación del siguiente trabajo discográfico. Para este nuevo proyecto, la premisa era acentuar el aspecto comercial de la música para lograr insertar al grupo en el mercado estadounidense, donde la banda no había podido tocar en lugares grandes excepto como banda soporte. La gira anterior por Estados Unidos, por ejemplo, fue abriendo recitales de Reo Speedwagon). Straight Between the Eyes sale al mercado en marzo de 1982. "Stone Cold", el corte de difusión, llega a la segunda posición del ranking estadounidense. Impulsado por la popularidad del sencillo, el álbum se convirtió en un éxito en ventas en Norteamérica, tanto que se convirtió en la segunda producción de Blackmore más vendida en ese continente después de Machine Head de Deep Purple. La tan ansiada popularidad en los Estados Unidos finalmente llegó para la agrupación. Sin embargo, muchos de los fanáticos del sonido inicial de Rainbow quedaron decepcionados por el acercamiento de la banda al AOR. La gira soporte del álbum se enfocó específicamente en el mercado estadounidense, dejando por fuera al Reino Unido. Fue filmado un concierto de esta gira en San Antonio, Texas y compilado en el directo Live Between the Eyes. El grupo se mantiene un año más, durante el cual plasman el álbum más consistente de todo el período Turner, Bent Out Of Shape, grabado entre mayo y junio de 1983 en Copenhague y editado en septiembre de ese año. Pese a su calidad, el álbum vende apenas la mitad de lo esperado, por lo que apenas es apoyado por material de difusión. La gira tampoco fue tan multitudinaria como la anterior. Chuck Burgi reemplazó a Rondinelli en la batería. El vídeoclip de la canción "Street of Dreams" generó cierta controversia tras declaraciones del doctor Thomas Radecki afirmando que no debería ser transmitido por el canal MTV debido a su contenido de violencia contra la mujer. Rainbow regresó al Reino Unido y también realizó una gira por tierras japonesas en marzo de 1984, donde la banda interpretó "Difficult to Cure" acompañado de una orquesta. La actuación quedaría plasmada en un vídeo oficial exclusivo para Japón y parcialmente en el doble Finyl Vinyl editado en 1986. Tras la poca acogida que tuvo la última gira de la banda en Norteamérica, Blackmore decide hacer una pausa en su carrera con Rainbow para reunirse con sus antiguos compañeros de Deep Purple. Luego de grabar cuatro álbumes de estudio y girar durante casi 10 años, a finales de 1993 algunas desavenencias personales con los integrantes de la banda (especialmente con el vocalista Ian Gillan) llevaron a Blackmore a abandonar la gira 25 Aniversario del grupo que presentaba el álbum The Battle Rages On después de varios shows que mostraban que las relaciones del conjunto eran completamente insostenibles. El guitarrista fue reemplazado por Joe Satriani. Su salida de Deep Purple llevó a Blackmore a reagrupar Rainbow en 1995 para grabar el álbum Stranger in Us All y para realizar una nueva gira mundial. Para este, su último disco en estudio de hard rock, Blackmore reclutó a Doogie White, antiguo postulante para reemplazar a Bruce Dickinson cuando partió de Iron Maiden en 1992, al bajista Greg Smith (ex-Alice Cooper), al tecladista Paul Morris (ex-Warlock) y el batería John O'Reilly. Este último se rompió una costilla después de la finalización del disco, por lo que fue reemplazado por Chuck Burgi. Hacia fines de 1996 John Micelli reemplazó a Burgi para el tour europeo, dando la banda el último show en el Esjberg Festival en Dinamarca en abril de 1997. Pese al éxito del último disco, sobre todo en Japón, con giras por Asia y Sudamérica, Blackmore decidió empezar una nueva aventura musical con su pareja, la cantante Candice Night, corista de esta nueva etapa de Rainbow, con quien formó Blackmore's Night y hasta la fecha ha editado varios discos de música medieval. Desde 2014 el antiguo vocalista de la banda, Joe Lynn Turner, extendió en diversas entrevistas el rumor de que él y Ritchie Blackmore habían estado conversando sobre una posible reunión de Rainbow, declarando que el guitarrista se estaba sintiendo tentado de volver a tocar música rock. Si bien dichas declaraciones eran hasta el momento sólo especulaciones sin confirmar por parte del mismo Blackmore, en septiembre de 2015 Ritchie Blackmore reveló en una entrevista que efectivamente iba a regresar al mundo del hard rock aunque de forma muy fugaz, teniendo en mente presentarse por solamente tres fechas en Europa a mediados de 2016, para después volver a Blackmore's Night y cerrar dicho capítulo permanentemente, motivado especialmente por la muerte de su antiguo colega de Deep Purple, el teclista Jon Lord en 2012. La nueva alineación de Rainbow fue anunciada el 6 de noviembre de 2015, con el cantante de la banda Lords of Black, Ronnie Romero (a quien Blackmore se refirió como un vocalista increíble, con una voz similar a la de Dio y Freddie Mercury). el teclista de Stratovarius, Jens Johansson, el baterista de Blackmore's Night, David Keith y el bajista Bob Nouveau. La banda encabezó la edición alemana del festival "Monsters of Rock" festival. Debutaron el 17 de junio de 2016 en el festival Loreley Freilichtbuhne ante unas 15 000 personas. El 18 de junio tocaron en otro festival al aire libre ante 30 000 fanáticos en Bietigheim-Bissingen. El tercer y último show fue brindado en Birmingham, Inglaterra. Se le consultó en una entrevista al bajista Bob Nouveau sobre la posibilidad de grabar un álbum de estudio con esta nueva formación de Rainbow, a lo que el músico contestó: "Me encantaría entrar al estudio con esta formación de Rainbow. Solo necesitamos que Ritchie se decida a hacerlo. Siento que todos tenemos alguna presión debido a las expectativas de nuestros fanáticos. En mi caso, esa presión me hace trabajar con más ímpetu para tratar de conseguir mejores resultados". Sin embargo, Blackmore afirmó que no había posibilidad de grabar un nuevo álbum y que esta reunión se dio por "simple diversión". El músico también afirmó que se le han hecho varias propuestas para hacer más conciertos en el futuro con Rainbow. Pese a la decisión inicial de no retornar al estudio, Blackmore relevó en mayo de 2017 en una entrevista con la revista Burrn! que la banda había grabado dos nuevas canciones. Blackmore afirmó: "Compuse una nueva canción y también grabé de nuevo una de las clásicas. Ronnie, que se encuentra en Madrid en este momento, le agregó las voces y me la envió de vuelta. Las canciones serán publicadas como sencillos, no en un larga duración". Rainbow se embarcó en una gira de cuatro fechas por el Reino Unido en junio de 2017. La gira dio inicio con el primer concierto de la banda en Londres desde 1995, seguida por recitales en Mánchester, Glasgow y Birmingham.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Biblioteca Del Metal (Recopilation). Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/308558

texas black australia earth man rock japan dreams solo night sin europa rising stone desde pero cure adem madrid difficult monsters mtv metal estados unidos birmingham san antonio stranger rainbow glasgow lords eyes powell aunque tras londres lp mientras clarke descubre jap luego fue ludwig van beethoven elf pink floyd hacia inglaterra nueva york led zeppelin aniversario rock n roll reino unido wembley iron maiden vh1 alice cooper black sabbath glover freddie mercury tempest foreigner ritchie stone cold argent siento james dean ropa deep purple warlock exclusivo dinamarca pese jeff beck sudam bonnet fandango nueva zelanda norteam decidi lincolnshire onstage stargazers reo speedwagon ronnie james dio joe satriani copenhague ect machine head bruce dickinson greg smith himno originalmente blackmore editado aor uriah heep accesorios us all ritchie blackmore larga vida david stone melody maker lograron david keith ian gillan hipgnosis impulsado montado stratovarius joe lynn turner been gone david rosenthal paul morris i surrender beacon theater graham bonnet remasterizado airey donington park jon lord stormbringer roger glover long live rock le chateau cozy powell martin birch ken hensley ronnie romero daisley silver mountain don airey jimmy bain bob daisley doogie white decoracion russ ballard debutaron bietigheim bissingen mark clarke sweet silence descubrela

Rainbow - (Larga Vida Al Rock N Roll -1 Parte) Editado, Montado Y Remasterizado Por Txarly Metal - Especial Fans - Episodio exclusivo para mecenas

Play Episode Listen Later Oct 6, 2020 77:52

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Rainbow es una banda británica de hard rock y heavy metal liderada por el guitarrista Ritchie Blackmore, cuyo período de actividad tuvo lugar entre 1975 y 1984 y entre 1994 y 1997. Aunque originalmente estaba establecida por Blackmore y los componentes del grupo Elf, Rainbow sufrió varios cambios en su formación y ninguna de ellas grabó más de un disco. Además de contar con la participación de los vocalistas Ronnie James Dio, Graham Bonnet, Joe Lynn Turner y Doogie White en distintas etapas, la banda estaba integrada por una serie de instrumentistas. Originalmente su música mezclaba letras épicas con el sonido del metal neoclásico, pero ésta se volvió más comercial tras la marcha de Dio. Rainbow ocupa el puesto noventa de la lista 100 mejores artistas de hard rock diseñada por VH1. Ritchie Blackmore, guitarrista de Deep Purple, discrepaba de la orientación musical de esta banda y optó por separarse oficialmente en abril de 1975 para comenzar un proyecto paralelo. Para ello convocó a los miembros de una banda ya existente, Elf, exceptuando al guitarrista, con los cuales había estado en los Musicland Studios de Múnich (el mismo utilizado para Stormbringer de Deep Purple) entre febrero y marzo de ese año. Elf había sido la banda soporte de Deep Purple durante algunas fechas de su última gira norteamericana en 1974. Con esta formación salió el primer álbum, titulado simplemente Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), el cual ofreció como relativo éxito la canción "Man on the Silver Mountain". Pero a continuación, Blackmore deshizo el grupo y se quedó solamente con el cantante, Ronald James Padavona, más conocido como Ronnie James Dio, con quien compartía gustos por temas como la música clásica y el ocultismo. Esta situación los dejó en una extraña posición, con un disco grabado listo para salir pero sin una banda para presentarlo en vivo. A la base Dio-Blackmore se agregó un nuevo integrante, el baterista Cozy Powell, quién venía de tocar junto a Jeff Beck. La incorporación de Powell resultaría vital para la obtención del sonido que caracterizaría a la banda los siguientes cinco años. Luego se integraría el bajista Jimmy Bain y el músico canadiense Tony Carey. El 12 de noviembre de 1975, en el Beacon Theater de Nueva York se realizó el primer concierto de Rainbow de todos los tiempos, con Argent como teloneros (banda que tuvo como guitarrista a Russ Ballard, compositor de las canciones "Since You've Been Gone" y "I Surrender" que serían usadas en el repertorio de Rainbow tiempo después). El primer éxito verdadero vino en 1976 con el álbum Rising, producido por Martin Birch. Este álbum no produjo ningún sencillo pero fue muy vendido durante bastante tiempo. En este disco puede encontrarse "Stargazer", una de las canciones de referencia del género, que marca el inicio de las letras características de la carrera de Ronnie James Dio, El año siguiente editaron On Stage, un disco en vivo que marca el fin de la formación clásica de Rainbow. Al igual que en Made in Japan, el aclamado disco en vivo que años antes había grabado Ritchie junto a Deep Purple, On Stage incluye versiones extendidas de los primeros clásicos de la banda, marcando la pauta para un subgénero que se acuñaría como tal años más tarde, el heavy metal progresivo, Mientras todo esto ocurría, el grupo se reunía en París en los estudios Le Chateau para preparar un nuevo LP. El bajista Jimmy Bain no fue convocado. En su reemplazo, Blackmore llamó a Mark Clarke, exintegrante del grupo Tempest, que venía de acompañar al por entonces líder y teclista de Uriah Heep, Ken Hensley, en su segundo disco solista, Eager To Please (un disco en el que se incluía una composición del propio Clarke llamada curiosamente Stargazer). Tras dos meses de sesiones intermitentes, Blackmore, disgustado con los resultados, despide a Tony Carey primero y a Mark Clarke poco después, La grabación queda detenida con Blackmore regresando a Inglaterra para probar músicos. Al no quedar conforme con ninguno, vuelve a París y regraba él mismo todas las partes de bajo. Las partes de Tony Carey son regrabadas en diciembre por un músico de sesión llamado David Stone que es finalmente incorporado como un miembro estable. Poco después la alineación se completa con Bob Daisley al bajo y así se presenta el disco, sin embargo, el bajo en la grabación final fue grabado por el propio Blackmore. Long Live Rock 'n' Roll es lanzado en el Reino Unido el día que el guitarrista cumple 33 años, el 14 de abril de 1978. La gira lleva al grupo a Estados Unidos, plaza que por entonces la banda no podía conquistar, con magras ventas de todos los discos y sencillos editados hasta el momento, La gira se completa con un Blackmore frustrado ante esta situación. Poco después le anuncia a Dio su intención de darle a la música del grupo un planteamiento más comercial. Blackmore quería alcanzar la línea de bandas como Journey, Foreigner o REO Speedwagon. Dio no acepta estos términos y renuncia. Casi enseguida Blackmore, sintiendo que el cambio en la banda debe ser más profundo, despide a Daisley y a Stone. Solo queda a su lado Cozy Powell. Tras el alejamiento de Dio y el resto de músicos, Ritchie Blackmore se encontraba en una encrucijada personal y artística, viviendo un período convulsivo de cambios internos (un divorcio) y externos (su banda). Decidió recurrir a su antiguo compañero en Deep Purple y en ese momento un reputado productor discográfico, Roger Glover. Si bien la partida del bajista de Deep Purple en 1973 había sido mucho menos que amistosa, habían pasado casi seis años desde entonces por lo que los ánimos volvían a estar predispuestos por ambas partes. La idea de Blackmore era que Glover, como productor, llevara a Rainbow al reconocimiento masivo en los Estados Unidos, aun cuando esto significara cambiar los planteamientos musicales del grupo estilística y estéticamente. Finalmente Blackmore le propuso a Roger volver a los escenarios como bajista, lo cual también le permitió compartir los créditos de composición. Blackmore y Glover empezaron a componer nuevo material. Con el agregado del sesionista Don Airey en teclados y tras la nueva convocatoria de Cozy Powell, el cuarteto se dirigió a París en enero de 1979, y nuevamente en Le Chateau Studios grabaron bases y pistas instrumentales para ser usadas en el próximo disco, aunque la agrupación todavía no tenía un cantante contratado. El primer candidato fue Ian Gillan, pero el vocalista declinó la oferta. Roger Glover sugirió un cantante de Lincolnshire al que había oído en cintas y el cual había tenido éxito en Australia, pero que era desconocido en el resto del mundo: Graham Bonnet. El guitarrista y el bajista viajaron a Australia y vieron a Bonnet en vivo. El cantante tenía un rango vocal adecuado, pero visualmente era muy diferente a la idea que Blackmore tenía sobre como debía lucir un líder. Bonnet usaba el cabello muy corto y tenía una apariencia similar a la de James Dean, algo que no encajaba con el tono de Ritchie. Apremiado por la falta de tiempo, Blackmore decidió contratar a Bonnet. De allí fueron a París, donde se grabaron las voces y se hicieron los arreglos finales en febrero. El grupo fue presentado oficialmente y el 1 de agosto de 1979 el álbum Down to Earth fue lanzado. El disco mostraba un sonido mucho más comercial, además, los miembros de la banda se recortaron el cabello para no acentuar el contraste con Bonnet. Lograron el primer hit-single con Since You've Been Gone (Nº 6 en las listas de éxitos) y enseguida repitieron con All Night Long (Nº 5 en las listas). La gira mundial también fue un éxito, con excelente respuesta en Japón, Australia y Nueva Zelanda. Sin embargo en Inglaterra la historia fue distinta. El concierto en el estadio de Wembley terminó convertido en una batalla campal y hubo graves destrozos que motivaron la intervención policial cuando Blackmore se negó a hacer un bis tras solo 75 minutos de show. La repercusión fue tan negativa que Blackmore decidió conceder un reportaje al diario Melody Maker días después, donde fue entrevistado por un grupo de sus fanáticos. Blackmore y Glover empezaron a mostrar cierto descontento con Bonnet. La situación empeora cuando Cozy Powell anuncia su intención de dejar la banda tras el éxito de su disco solista. El 16 de agosto de 1980 el grupo encabeza la primera edición del festival Monsters of Rock en Donington Park, Reino Unido. Rainbow anuncia que el concierto del Monsters of Rock es la despedida oficial de Cozy Powell. Días después también se anuncia la partida de Graham Bonnet, señalando que es una decisión personal, A fines de agosto de 1980, superado el Monsters of Rock, Blackmore y Glover tienen temas compuestos ya desde el año anterior y otro disco en carpeta por lo que necesitan cubrir los puestos de cantante y baterista. El novato Bobby Rondinelli es elegido tras audicionar a más de cien bateristas. Con él incorporado, el grupo graba bases a finales de ese mes en los estudios Sweet Silence de Copenhague, Dinamarca. Blackmore está decidido a romper el mercado estadounidense, por lo que orientan la búsqueda hacia esas tierras. Joe Lynn Turner, cantante y guitarrista rítmico de una poco conocida banda de la costa este estadounidense llamada Fandango, es contratado como nuevo cantante en reemplazo de Bonnet. La agrupación, conformada por Blackmore, Turner, Airey, Glover y Rondinelli, se trasladó a Copenhague para grabar Difficult To Cure. El disco fue lanzado mundialmente el 12 de febrero de 1981. El diseño de carátula fue creado por la prestigiosa firma Hipgnosis, responsables de algunas de las portadas de bandas como Pink Floyd, Led Zeppelin y Black Sabbath. El nombre del álbum le es adjudicado a la última canción del mismo, una adaptación de Blackmore del "Himno a la alegría" contenido en la Novena Sinfonía de Beethoven. Al disco le sigue una gira mundial. David Rosenthal, instrumentista y transcriptor proveniente de la música clásica, reemplaza a Don Airey en los teclados para la grabación del siguiente trabajo discográfico. Para este nuevo proyecto, la premisa era acentuar el aspecto comercial de la música para lograr insertar al grupo en el mercado estadounidense, donde la banda no había podido tocar en lugares grandes excepto como banda soporte. La gira anterior por Estados Unidos, por ejemplo, fue abriendo recitales de Reo Speedwagon). Straight Between the Eyes sale al mercado en marzo de 1982. "Stone Cold", el corte de difusión, llega a la segunda posición del ranking estadounidense. Impulsado por la popularidad del sencillo, el álbum se convirtió en un éxito en ventas en Norteamérica, tanto que se convirtió en la segunda producción de Blackmore más vendida en ese continente después de Machine Head de Deep Purple. La tan ansiada popularidad en los Estados Unidos finalmente llegó para la agrupación. Sin embargo, muchos de los fanáticos del sonido inicial de Rainbow quedaron decepcionados por el acercamiento de la banda al AOR. La gira soporte del álbum se enfocó específicamente en el mercado estadounidense, dejando por fuera al Reino Unido. Fue filmado un concierto de esta gira en San Antonio, Texas y compilado en el directo Live Between the Eyes. El grupo se mantiene un año más, durante el cual plasman el álbum más consistente de todo el período Turner, Bent Out Of Shape, grabado entre mayo y junio de 1983 en Copenhague y editado en septiembre de ese año. Pese a su calidad, el álbum vende apenas la mitad de lo esperado, por lo que apenas es apoyado por material de difusión. La gira tampoco fue tan multitudinaria como la anterior. Chuck Burgi reemplazó a Rondinelli en la batería. El vídeoclip de la canción "Street of Dreams" generó cierta controversia tras declaraciones del doctor Thomas Radecki afirmando que no debería ser transmitido por el canal MTV debido a su contenido de violencia contra la mujer. Rainbow regresó al Reino Unido y también realizó una gira por tierras japonesas en marzo de 1984, donde la banda interpretó "Difficult to Cure" acompañado de una orquesta. La actuación quedaría plasmada en un vídeo oficial exclusivo para Japón y parcialmente en el doble Finyl Vinyl editado en 1986. Tras la poca acogida que tuvo la última gira de la banda en Norteamérica, Blackmore decide hacer una pausa en su carrera con Rainbow para reunirse con sus antiguos compañeros de Deep Purple. Luego de grabar cuatro álbumes de estudio y girar durante casi 10 años, a finales de 1993 algunas desavenencias personales con los integrantes de la banda (especialmente con el vocalista Ian Gillan) llevaron a Blackmore a abandonar la gira 25 Aniversario del grupo que presentaba el álbum The Battle Rages On después de varios shows que mostraban que las relaciones del conjunto eran completamente insostenibles. El guitarrista fue reemplazado por Joe Satriani. Su salida de Deep Purple llevó a Blackmore a reagrupar Rainbow en 1995 para grabar el álbum Stranger in Us All y para realizar una nueva gira mundial. Para este, su último disco en estudio de hard rock, Blackmore reclutó a Doogie White, antiguo postulante para reemplazar a Bruce Dickinson cuando partió de Iron Maiden en 1992, al bajista Greg Smith (ex-Alice Cooper), al tecladista Paul Morris (ex-Warlock) y el batería John O'Reilly. Este último se rompió una costilla después de la finalización del disco, por lo que fue reemplazado por Chuck Burgi. Hacia fines de 1996 John Micelli reemplazó a Burgi para el tour europeo, dando la banda el último show en el Esjberg Festival en Dinamarca en abril de 1997. Pese al éxito del último disco, sobre todo en Japón, con giras por Asia y Sudamérica, Blackmore decidió empezar una nueva aventura musical con su pareja, la cantante Candice Night, corista de esta nueva etapa de Rainbow, con quien formó Blackmore's Night y hasta la fecha ha editado varios discos de música medieval. Desde 2014 el antiguo vocalista de la banda, Joe Lynn Turner, extendió en diversas entrevistas el rumor de que él y Ritchie Blackmore habían estado conversando sobre una posible reunión de Rainbow, declarando que el guitarrista se estaba sintiendo tentado de volver a tocar música rock. Si bien dichas declaraciones eran hasta el momento sólo especulaciones sin confirmar por parte del mismo Blackmore, en septiembre de 2015 Ritchie Blackmore reveló en una entrevista que efectivamente iba a regresar al mundo del hard rock aunque de forma muy fugaz, teniendo en mente presentarse por solamente tres fechas en Europa a mediados de 2016, para después volver a Blackmore's Night y cerrar dicho capítulo permanentemente, motivado especialmente por la muerte de su antiguo colega de Deep Purple, el teclista Jon Lord en 2012. La nueva alineación de Rainbow fue anunciada el 6 de noviembre de 2015, con el cantante de la banda Lords of Black, Ronnie Romero (a quien Blackmore se refirió como un vocalista increíble, con una voz similar a la de Dio y Freddie Mercury). el teclista de Stratovarius, Jens Johansson, el baterista de Blackmore's Night, David Keith y el bajista Bob Nouveau. La banda encabezó la edición alemana del festival "Monsters of Rock" festival. Debutaron el 17 de junio de 2016 en el festival Loreley Freilichtbuhne ante unas 15 000 personas. El 18 de junio tocaron en otro festival al aire libre ante 30 000 fanáticos en Bietigheim-Bissingen. El tercer y último show fue brindado en Birmingham, Inglaterra. Se le consultó en una entrevista al bajista Bob Nouveau sobre la posibilidad de grabar un álbum de estudio con esta nueva formación de Rainbow, a lo que el músico contestó: "Me encantaría entrar al estudio con esta formación de Rainbow. Solo necesitamos que Ritchie se decida a hacerlo. Siento que todos tenemos alguna presión debido a las expectativas de nuestros fanáticos. En mi caso, esa presión me hace trabajar con más ímpetu para tratar de conseguir mejores resultados". Sin embargo, Blackmore afirmó que no había posibilidad de grabar un nuevo álbum y que esta reunión se dio por "simple diversión". El músico también afirmó que se le han hecho varias propuestas para hacer más conciertos en el futuro con Rainbow. Pese a la decisión inicial de no retornar al estudio, Blackmore relevó en mayo de 2017 en una entrevista con la revista Burrn! que la banda había grabado dos nuevas canciones. Blackmore afirmó: "Compuse una nueva canción y también grabé de nuevo una de las clásicas. Ronnie, que se encuentra en Madrid en este momento, le agregó las voces y me la envió de vuelta. Las canciones serán publicadas como sencillos, no en un larga duración". Rainbow se embarcó en una gira de cuatro fechas por el Reino Unido en junio de 2017. La gira dio inicio con el primer concierto de la banda en Londres desde 1995, seguida por recitales en Mánchester, Glasgow y Birmingham.Escucha este episodio completo y accede a todo el contenido exclusivo de Biblioteca Del Metal (Recopilation). Descubre antes que nadie los nuevos episodios, y participa en la comunidad exclusiva de oyentes en https://go.ivoox.com/sq/308558

texas black australia earth man rock japan dreams solo night sin europa rising stone desde pero cure adem madrid difficult monsters mtv metal estados unidos birmingham san antonio stranger rainbow glasgow lords eyes powell aunque tras londres lp mientras clarke descubre jap luego fue ludwig van beethoven elf pink floyd hacia inglaterra nueva york led zeppelin aniversario rock n roll reino unido wembley iron maiden vh1 alice cooper black sabbath glover freddie mercury tempest foreigner ritchie stone cold argent siento james dean ropa deep purple warlock exclusivo dinamarca pese jeff beck sudam bonnet fandango nueva zelanda norteam decidi lincolnshire onstage stargazers reo speedwagon ronnie james dio joe satriani copenhague ect machine head bruce dickinson greg smith himno originalmente blackmore editado aor uriah heep accesorios us all ritchie blackmore larga vida david stone melody maker lograron david keith ian gillan hipgnosis impulsado montado stratovarius joe lynn turner been gone david rosenthal paul morris i surrender beacon theater graham bonnet remasterizado airey donington park jon lord stormbringer roger glover long live rock le chateau cozy powell martin birch ken hensley ronnie romero daisley silver mountain don airey jimmy bain bob daisley doogie white decoracion russ ballard debutaron bietigheim bissingen mark clarke sweet silence descubrela

Toma uno - Palabra de Willie - 04/10/20

Toma uno

Play Episode Listen Later Oct 4, 2020 58:49

El pasado martes moría el tejano de Lubbock Mac Davis. A partir de la mitad de los 60 se le empezó a reconocer como compositor, firmando temas como "Within My Memory" (Glen Campbell) o "Somethin's Burnin" (Kenny Rogers & The First Edition). Pero, además, fue el autor de "A Little Less Conversation" y sobre todo de "In The Ghetto" para el especial de televisión de Elvis Presley del 68. En un principio, Mac Davis tituló “In The Ghetto” como "The Vicious Circle" y se la presentó a Sammy Davis Jr. en un estudio junto a otros miembros de la comunidad negra. Su propio compositor la grabó de esta forma con la que hemos abierto hoy nuestro tiempo de radio después del tremendo éxito de Elvis en 1969. Sin embargo, la versión original no salió a la luz hasta aparecer en un recopilatorio de 1991 titulado Golden Throats, cuando el artista tejano ya tenía una seria consideración en el terreno del country. Mac Davis era un nativo de la tejana ciudad de Lubbock, que comenzó su carrera artística sin demasiado éxito a comienzos de los años 60. Pasaría después a ejercer de ejecutivo discográfico, un trabajo que le llevó a Los Angeles, donde comenzaría a ejercer de compositor. Como solista, dejó éxitos como "Baby Don't Get Hooked On Me", "Stop and Smell the Roses" y de manera muy especial "Texas In My Rear View Mirror", de tintes autobiográficos. Willie Nelson vuelve a dar ejemplo y recupera "Vote 'Em Out", una canción que exhorta a utilizar la herramienta más poderosa que cualquier ciudadano libre tiene a su disposición: el voto. Y como recuerda, es sagrado y pone el poder en manos de la gente. Está escrita junto a su viejo amigo Buddy Cannon y en ella se encuentra acompañado de Lukas y Micah, animando a sus conciudadanos a que ejerzan su derecho en el Election Day 2020 de Noviembre en Estados Unidos. El arma más grande que tenemos Se llama urna. Así que si no te gusta quién está ahí Vota para echarlo… Palabra de Willie. Terry McBride es de la tejana Austin, hijo de Dale McBride, en cuya banda estuvo tocando, y fue líder de McBride & the Ride, una excelente banda de la primera mitad de los 90 en el terreno del country. Tras disolverse, pasó a ser uno de los compositores más solicitados, especialmente por Brooks & Dunn. Ahora ha decidido grabar en solitario y dar continuidad al EP Hotels & Highways que publicó hace tres años inspirado por los honky-tonks y las salas de baile. Se trata del álbum Rebels & Angels, cuyo tema central lo ha compuesto junto a Chris Stapleton y ha contado, además, con la voz de Patty Loveless, a quien echamos de menos como protagonista de alguna nueva aventura sonora desde hace demasiado tiempo. Terry McBride fue el bajista de Delbert McClinton y, más tarde, trabajó con Lee Roy Parnell y Rosie Flores. Nunca se había puesto al frente de una banda hasta que llegó a Nashville. Su talento como cantante y compositor llamó la atención de Tony Brown, presidente de MCA Nashville y en Junio de 1989, durante la celebración de la desaparecida Fan Fair en Nashville, se creó McBride & The Ride como trío. Debutaron al año siguiente y con su segundo disco, Sacred Ground, del 92 lograron sus mayores éxitos, incluso el segundo puesto de las listas con la canción que les dio título. En TOMA UNO tenemos el compromiso no escrito de compartir pasado, presente y buena parte del futuro de la Americana. Esa es una de las razones por la que estamos anticipando The Highway Kind, el nuevo álbum de la Josh Abbott Band que saldrá al mercado a mediados de noviembre. Desde que se formaron en la Texas Tech University de Lubbock, han pasado a convertirse en una de los más sólidos pilares de la Red Dirt music gracias a canciones en las que su líder refleja situaciones reales y cotidianas que casi siempre tienen que ver con su propia vida. “The Highway Kind” como canción es una de las favoritas de las emisoras tejanas en estas fechas. The Band Of Heathens han sido una de las formaciones más activas en estos tiempos de pandemia. El resultado de su casi frenética actividad se resume ahora en Stranger, un último álbum que aborda el temor existencial de estos momentos con referencias a Albert Camus o a Robert Heinlein. Un tema tan sobresaliente como “Asheville Nashville Austin” ensalza la magia de la carretera en todo su esplendor a través de un tema de medio tiempo convertido casi en un himno sobre los espacios abiertos y los buenos tiempos. Otra de las bandas que ha aprovechado el aislamiento para crear nuevas propuestas sonoras es Drive-By Truckers, que publicará a mediados de diciembre por sorpresa un nuevo álbum, The New OK, aunque está ahora disponible para descarga digital. Una vez más la banda de Athens, en Georgia, ha canalizado sus frustraciones que ya manifestaban en su disco de enero, The Unraveling, y han hecho una selección de las canciones que habían grabado en Memphis los Sun Studios de Memphis en el otoño de 2018, añadiendo un par de temas recién compuesto por Patterson Hood y la inesperada versión de un tema de los Ramones como "The KKK Took My Baby Away", manteniendo esa postura desafiante ante la depresión. “Sarah’s Flame” es una de las deliciosas canciones que ha compuesto Mike Cooley y que nos recuerdan que pudimos haber visto a banda la pasada primavera en nuestro país, pero la Covid-19 lo impidió. Joachim Cooder es un californiano de Santa Monica que también debe soportar el “peso de la púrpura” al ser hijo del legendario Ry Cooder. Joachim, un multi-instrumentista centrado especialmente en la percusión tiene una larga andadura que le han encontrado con nombres de la talla de Mavis Staples, Buena Vista Social Club o Dr. John, entre otros. Ayer mismo, se publicó el tercero de sus discos en solitario, Over That Road I'm Bound: The Songs of Uncle Dave Macon, dedicado a las canciones de Uncle Dave Macon, una figura esencial en el desarrollo de la música de raíces norteamericana, a caballo entre el final del siglo XIX y los primeros años del XX. Uncle Dave Macon, conocido como "Dixie Dewdrop", era un banjista de Tennessee convertido en un pionero seminal, a la altura de Jimmie Rodgers. De hecho, cuando Ralph Peer realizó las famosas sesiones de Bristol, él ya había grabado más de 100 canciones. Fue la primera gran estrella del Grand Ole Opry y eso que comenzó su carrera profesional cuando ya tenía 50 años. Joachim Cooder ha utilizado las tonadas de Uncle Dave Macon como punto de partida, jugando con las letras y reelaborando melodías para su instrumento favorito, la mbira. Originalmente es un instrumento africano que los esclavos llevaron a América y que se suele considerar antecesor del piano. “Come Along Buddy” es una melodía creada por Uncle Dave Macon en 1930, descubierta medio siglo después por Stephen Wade en un acetato de prueba en casa de la familia Macon. Steve Earle compuso una canción como “Times Like These” hace cuatro años manifestando su ansiedad por los tiempos covulsos que se avecinaban, pero recordando que siempre puede haber esperanza a pesar de lo sombrío del presente. "Times Like These" se lanzó en principio como una pieza acústica, pero con motivo de la celebración del último Record Store Day se ha publicado una versión grabada durante las sesiones de su último álbum, Ghost Of West Virginia, realizadas en los Electric Ladyland Studios y en la que Steve Earle está acompañado por los Dukes. Se publicó en single de vinilo el 7 pulgadas siendo una edición limitada a 1300 copias. The Mastersons siguen creciendo como propuesta alternativa y respondiendo a la complejidad de la situación actual. A primeros de año publicaban No Time For Love Songs, un disco con el que volvían a poner el foco en sus propuestas como pareja, contando con la producción de su buen amigo Shooter Jennings. Algunas de las canciones grabadas por entonces quedaron fuera de aquel disco porque parecían precisar su propio espacio. La llegada de la pandemia cambió los planes de un calendario lleno de conciertos y aislados en su casa se motivaron para dedicarse a esos nuevos temas con mayor crudeza que su álbum anterior. El próximo 16 de este mes de octubre, se edita el nuevo EP de los Mastersons, Red, White & I Love You Too. Son cinco canciones que miran de frente al dilema moral sobre qué quiere ser Estados Unidos como nación. “Sensitive Souls” es un buen ejemplo de este Red, White & I Love You Too, que ha sido grabado en el estudio casero de la pareja con el apoyo de Jeff Hill, compañero en los Dukes, en las mezclas. Canciones como “A Change Is Gonna Come” pudieron costarle la vida a Sam Cooke. Fue uno de los primeros que se implicó en la industria musical, formando su propia editora y su sello discográfico Su activismo político se fue acentuando según iba ampliando su fama, no olvidando sus raíces. Su implicación en la defensa de los derechos sociales y en contra del racismo le ganó serios enemigos. “A Change Is Gonna Come” fue compuesta por Sam Cooke después de hablar para los manifestantes que habían protagonizado una sentada en Durham, en el estado de Carolina del Norte, en mayo de 1963. Es evidente que el artista de Clarksdale, en Mississippi, estaba influido por “Blowin' In The Wind” de Bob Dylan, una canción que le gustaba mucho y que, incluso, llegó a grabar. Siempre es reconfortante escuchar una canción como esta, que acaba de ser actualizada por Gary Clark Jr., Brandi Carlile y John Leventhal como un mensaje de esperanza para estos tiempos. Es evidente que la música es un nexo de unión entre distintas generaciones y las hermanas Rebecca y Megan Lovell, que forman Larkin Poe, lo dejan claro en su nueva apuesta sonora, Kindred Spirits, que se va a editar el 20 de noviembre a través de su propio sello Tricki-Woo Records. Se trata de un disco de versiones con guiños a Elton John, Neil Young, The Allman Brothers Band, e incluso los Moody Blues. Kindred Spirits expresa su admiración profunda y agradecimiento por artistas que marcaron el camino en épocas precedentes. De hecho, Larkin Poe, nativas de Calhoun, en Georgia, ya había iniciado hace cinco años una serie de YouTube dedicada a rendir homenaje a sus héroes musicales. "Nights In White Satin" es una de las canciones elegidas. Originalmente formó parte de un álbum coral y emblemático como fue Days Of Future Passed de los británicos Moody Blues. Escuchar audio

covid-19 los angeles radio tennessee nashville sin angels vote hotels ride desde pero mississippi estados unidos elvis ahora highways nunca stranger athens roses smell siempre election day bob dylan elton john tras xx americana flame durham esa otra norte fue elvis presley rebels unraveling dunn algunas santa monica neil young pasar escuchar xix willie nelson palabra ayer canciones dukes ramones joachim mcbride lubbock calhoun kenny rogers sam cooke albert camus texas tech university macon vota record store day grand ole opry somethin chris stapleton sammy davis jr glen campbell kindred spirits brandi carlile burnin moody blues blowin steve earle mavis staples first edition allman brothers band originalmente ry cooder gary clark jr robert heinlein drive by truckers buena vista social club tony brown sacred ground red dirt vicious circle clarksdale shooter jennings larkin poe sun studios delbert mcclinton programas de rne mac davis jimmie rodgers baby don patty loveless sensitive souls patterson hood jeff hill terry mcbride band of heathens rosie flores in the wind mastersons josh abbott band lee roy parnell uncle dave macon mike cooley stephen wade megan lovell fan fair joachim cooder john leventhal days of future passed debutaron in the ghetto mca nashville ralph peer buddy cannon

Suarez y Ansu Fati inician la liga con doblete. Bayern y City viven sucumben en liga. Entrevistas en Trote y Petanca

El Escorpión

Play Episode Listen Later Sep 29, 2020 51:46

Debutaron con victoria en esta liga Barça, At. Madrid y Sevilla, Catalanes y madrileños lo hicieron de forma holgada, pero los andaluces sufrieron bastante, después de caer unos días antes en la SuperCopa de Europa ante el Bayern de Munich en la prórroga. Luis Suarez se estrenó con doblete con el AT. de Madrid y Ansu fati lidero el triunfo del Barcelona con otro doblete. Manchester City y Bayern de Munich se llevaron un duro e inesperado correctivo en la competición doméstica. El Mallorca logró su primer triunfo en la liga de segunda división en casa, ante el Sabadell. Motos, coches, tenis, ciclismo..., tendrán su tiempo también en el programa de esta semana. Y protagonismo especial esta semana para trote y petanca Entrevista con Toni Frontera, ganador del Gran Premio Nacional en Son Pardo (Mallorca) con el potro Hiper Coktail. Entrevista con Paquito Rodríguez, campeón de España juvenil individual, disputado en Mojácar (Almería) Siempre deporte en El Escorpión. --- This episode is sponsored by · Anchor: The easiest way to make a podcast. https://anchor.fm/app --- Send in a voice message: https://anchor.fm/paco-su00e1nchez/message

Metallica - Los Años De Cliff Burton (El Alma De Metallica 1962-1986 D.E.P.) Especial Fans - Episodio exclusivo para mecenas

Play Episode Listen Later Jun 25, 2020 113:35

Agradece a este podcast tantas horas de entretenimiento y disfruta de episodios exclusivos como éste. ¡Apóyale en iVoox! La Tienda De Biblioteca Del Metal: Encontraras, Ropa, Accesorios,Decoracion, Ect... Todo Relacionado Al Podcats Biblioteca Del Metal Y Al Mundo Del Heavy Metal. Descubrela!!!!!! Ideal Para Llevarte O Regalar Productos Del Podcats De Ivoox. (Por Tiempo Limitado) https://teespring.com/es/stores/biblioteca-del-metal-1 Clifford Lee Burton (Castro Valley, California, 10 de febrero de 1962-Kronoberg, Suecia, 27 de septiembre de 1986), más conocido como Cliff Burton, fue un bajista estadounidense de thrash metal, conocido por haber sido el bajista de Metallica desde 1982 hasta el día de su muerte, a la edad de 24 años. Fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll con Metallica, el 4 de abril de 2009. Fue seleccionado como el noveno mejor bajista de todos los tiempos en una encuesta en línea de lectores organizada por la revista Rolling Stone en 2011.Clifford Burton nació el 10 de febrero de 1962 en San Francisco, California.Fue criado por sus padres hippies,y de ellos adoptó su imagen, sus ideales y, sobre todo, su actitud. Sus padres describen a Cliff en su infancia como un niño tranquilo, inteligente y normal a excepción de una cosa, siempre fue él mismo y no hacía las cosas que hacían los demás si es que no quería.Cuando tenía 6 años empezó a tomar clases de piano.El 19 de mayo de 1975, su hermano murió de un aneurisma cerebral, Después del fallecimiento de su hermano cuando tenía 13 años, empezó a tocar el bajo y tomar clases de música. Él le dijo a algunas personas: «I'm gonna be the best bassist for my brother» («Yo voy a ser el mejor bajista por mi hermano»), mientras que sus padres no creían que lograra realmente ser un buen bajista, ya que veían lo mucho que le costaba al comienzo aprender, en este periodo empezó a tocar con bandas como AD 2 Million, Agents of Misfortune, (junto a Jim Martin, quien más adelante sería integrante de Faith No More), y EZ Street, (junto a Martin y Mike Puffy Bordin, quien sería baterista de Faith No More y Ozzy Osbourne) Después de 6 meses de haber tomado clases, sus padres vieron un verdadero progreso en su trabajo y se sorprendieron, ya que nadie tenía algún talento musical en su familia. Cliff siguió tomando clases durante un año y superó totalmente a su profesor, por lo que siguió sus clases con otro profesor, con el que estuvo un par de años. Después, comenzó a tomar clases con el bajista de jazz Steve Doherty, entre septiembre de 1978 y enero de 1980; este le instruyó en variados estilos, desde el jazz hasta la música clásica, además de enseñarle a leer música.Cliff se graduó en Castro Valley High School en 1980. Después de graduarse pasó a Trauma, un grupo de la Bay Area de San Francisco. Cliff fue el que más se destacó en el escenario por su presencia y su característico headbanging, envuelto en su cabellera roja, a diferencia de la glamurosa y teatral actitud que tenían sus compañeros de banda durante el espectáculo. En Trauma grabó algunas maquetas, una de ellas «Such A Shame», se pueden encontrar en la recopilación de Metal Blade Records, Metal Massacre 2, En 1982, cuando Cliff Burton tocaba con Trauma en el Whisky A Go Go, dos miembros de Metallica, James Hetfield y Lars Ulrich, entraron al lugar y escucharon que se ejecutaba un solo. Al ver a Cliff se sorprendieron ya que el solo provenía de un bajo y no de una guitarra como creían, y además quedaron asombrados por la agresiva manera con que tocaba su instrumento. Debido a la salida de Ron McGovney de la banda, decidieron que Burton era el hombre que necesitaban para reemplazarlo, Sin embargo, este no aceptó tan fácilmente su propuesta (pese a que no le gustaba el camino comercial que estaba tomando Trauma),ya que no quería irse al sur de California, por lo que empezó una fase de llamadas telefónicas y ensayos, En algunos meses, Burton convenció a Metallica para que dejaran Los Ángeles, su base de operaciones, y se establecieran definitivamente en San Francisco, El debut de Cliff con Metallica fue el 5 de marzo de 1983 y su segundo concierto fue el 19 de marzo de 1983, donde realiza un solo que se encuentra en el DVD Cliff 'em All!.El primer álbum de estudio de Metallica, Kill 'Em All, se lanzó en julio de 1983, después de la incorporación de Cliff en el grupo, pero 9 de los 10 temas del álbum ya estaban hechos antes de la entrada de este en el grupo, por lo que su única creación en esas canciones son las pistas de bajo, sin embargo la única canción en la que se le da crédito como autor es «(Anesthesia) Pulling Teeth» un solo de bajo creado por Cliff, en el que se nota su distintiva manera de tocar, incorporando gran distorsión, el uso del pedal de wah-wah y el tapping. En 1984, Cliff juntó a sus amigos Jim Martin, (entonces guitarrista del grupo Faith No More) y Dave Didonato (quien después sería baterista de Ozzy Osbourne) forman el grupo The Agent of Misfortune, para entrar en la Batalla de las Bandas. Sus intenciones eran mostrar a un público en general, la experimental música que creaban en el rancho de Maxwell, absolutamente diferente a sus rivales, que se basaban en el glam rock. Aunque sus canciones duraban mucho tiempo, la banda solo tocó durante doce minutos, ya que era el tiempo límite. Al terminar la canción, el jurado y el público quedaron desconcertados con la extraña música y los solos a destiempo que ejecutaban Cliff y Jim. Finalmente The Agent of Misfortune, no se clasificó para la Batalla de las Bandas.En 1984, Metallica lanzó su segundo álbum de estudio, Ride the Lightning, este disco tiene una gran influencia de Cliff a través de todo el álbum. Burton destaca en «The Call of Ktulu» y «For Whom the Bell Tolls». Unos meses antes de lanzar su tercer álbum junto a Metallica, Cliff junto a James Hetfield forman una banda llamada Spastik Children, donde James tocaba la batería, Burton el bajo eléctrico, en tanto que Fred Cotton cantaba y James flunkey McDaniel tocaba la guitarra eléctrica. Debutaron en el Club Ruthie's en San Francisco y volvieron a tocar otras dos veces en este club y tres veces en el club The Rock En 1986 se lanzó el tercer álbum de estudio de Metallica, «Master of Puppets», con el que el grupo obtuvo un gran éxito, catalogándolo según la crítica como uno de los mejores discos de thrash metal. La más importante influencia de Cliff en el álbum es la séptima canción, el instrumental «Orion», canción compuesta casi enteramente por Cliff, donde ejecuta solos; sin embargo, la composición más destacada es la canción que le da el título al álbum, «Master of Puppets», que, como Cliff Burton declaró en una entrevista de 1986, era su canción favorita de Metallica hasta la fecha, Después del lanzamiento de este álbum, la banda hizo una gira por los Estados Unidos junto al veterano roquero Ozzy Osbourne, y después de recorrer los EE.UU., se dirigieron a Europa. El 26 de septiembre, Metallica tocaba en Estocolmo, Suecia, Fue una gran noche, sobre todo para la banda, era la primera vez que Hetfield volvía a tocar la guitarra en dos meses, ya que se había fracturado el brazo en la mitad de la gira. Esa noche Cliff tocó un gran solo de bajo, en una versión muy melódica de «Star Spangled Banner», El Himno Nacional de los Estados Unidos, La última canción que Cliff tocó con Metallica fue una versión de la canción Blitzkrieg, original de la banda del mismo nombre. Sin embargo, las luces volvieron a encenderse mientras se escuchaba el comienzo de Fight Fire with Fire apareciendo nuevamente los integrantes para completar dicha canción. Terminada la canción, James Hetfield se dirigió al público diciéndole "Muchas gracias, Estocolmo (...) esperamos regresar muy pronto". Nada sabía Hetfield del fatídico desenlace que tendría aquella noche. Después del concierto, Metallica tomó el autobús para dirigirse de Estocolmo a Copenhague (Dinamarca), para su próximo concierto, que se programó para el 27 de septiembre de 1986. A principios de esa misma noche, la banda eligió cartas al azar para asignarse los puestos en que dormirían, ya que todos querían dormir en la cama de Kirk Hammett. Confirmado por la misma Banda, Cliff Burton sacó el as de picas eligiendo el lugar donde estaba Hammett para dormir, no sabiendo lo fatal que sería eso. Alrededor de las 6:15 de la mañana, el conductor perdió el control del autobús y trató de enderezar el volante para volver a la carretera. El autobús empezó a patinar fuera de control y rodó varias veces antes de llegar a su fin. Burton salió despedido del vehículo y este le cayó encima. La banda salió del autobús y encontraron a Cliff aplastado por el vehículo de la espalda hacia arriba. Según Mick Hughes, ingeniero de sonido de Metallica, nadie estaba seguro de si Burton estaba muerto en ese punto, pues el autobús había sido levantado ya, pero posteriormente volvió a caer sobre el cuerpo del bajista, Finalmente el autobús es levantado y es sacado el cuerpo de Cliff Burton, confirmando su muerte. Según el conductor, el vehículo derrapó debido a las placas de hielo que había en la carretera, lo que ocasionó el vuelco; Hetfield, furioso por lo sucedido, lo insultó e intentó golpearlo junto con Hammett, siendo detenido por sus compañeros. Posteriormente recorrió una distancia considerable de la carretera, buscando las mencionadas placas de hielo que el conductor había mencionado... no obstante, nunca las encontró. Pese a eso Cliff Burton definitivamente ya había fallecido. Más tarde ese mismo día, Hammett vio a Hetfield, ebrio, gritando en la calle "Cliff, Cliff, ¿dónde estás? El informe del accidente declara como causa de fallecimiento una compresión torácica con una contusión pulmonar, atestiguado por el doctor Anders Ottoson, médico certificado. El informe policial señaló que la temperatura del aire en el lugar fue de 3,7 °C, sin embargo, no se hace mención sobre alguna placa de hielo de la carretera, Las pesquisas determinaron que el conductor, contra las especulaciones, no iba ebrio ni dormido. Después de 10 años se supo que en realidad fue una fatalidad lo ocurrido. Su cuerpo fue trasladado a los Estados Unidos. Su funeral se realizó el 7 de octubre de 1986, en Chapel Of The Valley en la localidad de Castro Valley, California. Fue incinerado, y sus cenizas fueron repartidas en el rancho de Maxwell, un lugar donde había pasado mucho tiempo con sus amigos Jim Martin y Dave DiDonato. Uno de los asistentes fue su amigo, Dave Mustaine, En la ceremonia final, un grupo de amigos cercanos y la familia formaron un círculo alrededor de sus cenizas, y uno por uno, cada persona que caminó hacia el centro del círculo, tomó un puñado de sus cenizas, dijo algo acerca de Cliff y luego arrojaron sus cenizas en la tierra, Al terminar su funeral se escuchó la canción Orion, Su muerte provocó la suspensión de la gira de la banda, y la retirada de los tres miembros restantes para pensar al respecto de su futuro. Finalmente, y después de consultar a los familiares del fallecido bajista, decidieron continuar con la carrera musical de la banda, y reclutaron al bajista Jason Newsted del grupo Flotsam and Jetsam, en lugar del fallecido Cliff, puesto para el cual también optó Les Claypool entre más de 40 músicos, Seis semanas después, la banda volvió a los conciertos debutando con su nuevo bajista.Después de su muerte, en 1988 Metallica lanzó el VHS/DVD Cliff 'Em All!, que muestra grabaciones recopiladas de conciertos de Cliff, a lo largo de su trayectoria junto al grupo, y también sacó a la venta el cuarto álbum de estudio, ...And Justice for All, en el que se encuentra la canción «To Live Is to Die», que contiene un poema escrito por Cliff, riffs y composiciones no terminadas que este, había creado antes de salir de gira, Cuando Dave Mustaine, guitarrista, vocalista y líder de Megadeth, que había sido integrante de Metallica entre 1982 y 1983, supo de su muerte, compuso la música de la canción «In My Darkest Hour», la que se encuentra en su álbum So Far, So Good... So What!, para Cliff. Cuando la noticia se difundió, el gremio musical le mostró su apoyo a la banda. Los miembros del grupo Anthrax le dedicaron su álbum Among the Living y también unas palabras para Cliff: «Los pantalones de campana reinan, ríete de ello, te echamos de menos», en clara alusión a los jeans hippies que solía usar Burton. Mientras que la discográfica europea Music for the Nations, publicó en una revista una simple lectura: «Cliff Burton 1962 – 1986», Jon Zazula, productor del primer álbum de Metallica, Kill 'em All, pagó para que en la revista europea Kerrang! apareciera a 2 páginas la frase: «Entrañable músico, entrañable 'headbanging', entrañable pérdida, un amigo para siempre», sobre un fondo negro, A pesar de que solamente estuvo en el grupo tres años y medio (Jason Newsted pasó 15), como se puede ver en los vídeos de Some Kind of Monster (2004), Metallica aún sigue teniendo a Burton presente. Catorce horas antes del accidente, Cliff había dado una entrevista a una revista sueca llamada Sweden Rock Magazine. Sus últimas palabras a los medios fueron: «...Uno de mis sueños es tener mi casa. Ahora vivo con mis padres, pero como estoy de gira, puedo decir que no tengo. Tal vez un día, si consigo el dinero me compraré una...» Cliff habló de la gira y predijo que se estaba gestando una nueva escena de thrash metal y que tal vez experimentarían con hacer más suave su propuesta y conseguir a un productor discográfico importante para hacer más rápido el trabajo en estudio. También habló del éxito de Master of Puppets, del estado financiero de la banda e irónicamente del autobús que lo llevaría a la muerte, Cliff era el único miembro de Metallica que podía crear una melodía en su cabeza y escribirla sin haberla tocado antes, y el único con nociones profundas de teoría musical, por lo que fue enseñando a James poco a poco cosas sobre la música y sus poemas ya que eran mejores amigos, En el bajo Burton aplicaba distorsión para reforzar la presencia del instrumento y lanzaba ataques solistas, técnicas que destacaban su estilo muy por encima de los bajistas de thrash metal, donde por lo general el bajo queda sepultado bajo la distorsión de las guitarras. Cliff cita como sus principales influencias en el rock, a los bajistas:Roger Glover, Martin Turner, Ed Gagliardi, John Deacon, Geezer Butler, Steve Harris, Geddy Lee y Lemmy Kilmister, los guitarristas Jimi Hendrix, Uli Jon Roth y Tony Iommi; los grupos Thin Lizzy, Iron Maiden, Gary Moore, Black Sabbath, The Misfits y Rainbow, y en la música clásica a Johann Sebastian Bach. También ha sido influencia de muchos bajistas como los propios Jason Newsted y Robert Trujillo, John Myung de Dream Theater, Paolo Gregoletto de Trivium, Alex Webster de Cannibal Corpse, Frank Bello de Anthrax, Tomasz Rejek de Vader, Christian Giesler de Kreator, Lauri Porra de Stratovarius, entre otros. Además de su música Burton también fue muy importante en las letras de Metallica. Les contagió su pasión por la literatura de terror, en particular de Howard Phillip Lovecraft, que sirvió de inspiración para temas como The Call of Ktulu y The Thing That Should Not Be.

music california master rock living san francisco fire trauma sin europa monster ride tambi adem cuando nations rolling stones despu estados unidos agent ahora rock and roll bay area uno rainbow lightning muchas aunque cliff metallica sus finalmente mientras tal esa fue burton puppets entra orion jimi hendrix misfits vader unos ee seis iron maiden banda black sabbath uu ozzy osbourne fama mcdaniel debido batalla megadeth ropa anthrax exclusivo pese suecia el alma bandas star spangled banner alrededor misfortune posteriormente thin lizzy johann sebastian bach dream theater faith no more confirmado estocolmo trivium rocken bell tolls blitzkrieg james hetfield ect cannibal corpse dave mustaine lars ulrich gary moore kreator geddy lee accesorios kerrang hammett tony iommi kirk hammett lemmy kilmister flotsam steve harris catorce cliff burton jim martin les claypool geezer butler jetsam terminada metal blade records john deacon robert trujillo jason newsted whisky a go go kill em all stratovarius hetfield fight fire frank bello roger glover castro valley uli jon roth kronoberg martin turner decoracion metal massacre debutaron paolo gregoletto mick hughes ron mcgovney lauri porra ez street descubrela

Toma Uno - Alguien solitario - 31/05/20

Toma uno

Play Episode Listen Later May 31, 2020 58:51

Mo Pitney viene de Rockford, en Illinois, y consiguió debutar hace cuatro años con Behind This Guitar, un álbum en el que colaboraban Morgane Stapleton y Alison Krauss. Sus inclinaciones hacia la tradición y los sonidos acústicos se salen de las normas que suele dictar la industria de Music City, aunque milite en un sello poderoso como Curb Records que tiene previsto publicar un segundo álbum a mitad de agosto al que da nombre este "Ain't Lookin' Back", subrayando que tiene una habilidad especial para seleccionar canciones que pueden llevar la firma de expertos en la materia. American Jackpot/American Girls es la nueva propuesta de Reckless Kelly, tomando el revelo a Sunset Motel de hace cuatro años. La idea era escribir sobre Estados Unidos y su gente, pero con la intención de no hacer himnos ni pontificar sobre ello. Lo que iba a ser un álbum sencillo se convirtió en dos ofertas gemelas con un total de 20 canciones en el que se encuentran historias de personajes convincentes, arrepentimientos y remordimientos, amores y rupturas. Todo con un robusto sonido envolvente. “Lonesome On My Own”, que forma parte del segundo de los discos, siendo una de las canciones que se les acumularon a los hermanos Braun en aquellas sesiones, manifiesta formas más amables de la banda de Idaho afincada en Austin. La otra parte de la “familia Braun” se reúne en Micky & The Motorcars, con Micky y Gary Braun como pilares fundamentales de un grupo que se marchó a Nashville para ser producidos por Keith Gattis, aunque persisten en su rock enraizado tras 17 años en la carretera y tomando el pulso vital al resurgir de Austin como capital del mundo de la música en directo. El tema que ha dado nombre genérico al registro, compuesto entre Micky Braun y Bruce Robison, es el encargado de culminar el proyecto, celebrando los altibajos de cualquier aventura para lograr algo importante. Es el viaje de unos contadores de historias cotidianas y reales. Desde que supimos de la creación de The Panhandlers, comentamos que el supergrupo que forman William Clark Green, Josh Abbott, John Baumann y Cleto Cordero estaba concebido para grabar un álbum de versiones en homenaje a los Flatlanders, el legendario trío de los legendarios Joe Ely, Butch Hancock y Jimmie Dale Gilmore. Sin embargo, aquel proyecto derivó hacia un disco de temas originales tras reunirse en la tejana ciudad de Marfa, para componer. Todas las canciones tienen que ver con el panhandle de Texas, un lugar poco agradecido que suele pasarse por alto. Y todas ellas están compuestas por los cuatro miembros de los Panhandlers, excepto la que sirve de apertura, "West Texas in My Eye", escrita por el compositor y fotógrafo de la ciudad de Lubbock Charlie Stout como una evidente fantasía escapista y en la que los integrantes del cuarteto se reparten el protagonismo vocal. Esta semana ocupa la primera plaza de la Texas Regional Radio Report la Chad Cooke Band con “Four Minutes”, un tema perfecto de two step para llenar las pistas de cualquier honky tonk… en el momento oportuno. Hablamos de un cuarteto originario de Houston que se mueve en los terrenos de la Red Dirt Music desde Oklahoma City hasta San Antonio, con guiños a los buenos tiempos de Brooks & Dunn y procurando no olvidar las armonías vocales que caracterizaron a los Eagles. Debutaron hace cuatro años con su álbum Easy Way Home y en la primavera de 2018 se marcharon a Nashville para proseguir su andadura que ha dado como resultado un segundo trabajo, Risk It All, del que forma parte es “Four Minutes”. Aquellos que siguen insistiendo en que el country clásico ha desaparecido con las nuevas generaciones, debería echar una escucha a Elijah Ocean. Para recuperar la tradición y las maneras de los buenos y viejos tiempos puede bastar recluirse en un estudio casero de Los Angeles, a donde llegó desde su Maine natal, y sacar a la luz las esencias del honky tonk para su quinto álbum en solitario, Blue Jeans & Barstools, que parece reclamar la vuelta de los mejores sonidos de la californiana Bakersfield y el espíritu de los legendarios forajidos de la escena campera. "Cleaned Up in Vegas", uno de los cortes más sobresalientes de un álbum bien equilibrado y altamente recomendable, muestra la desgarradora angustia del drogadicto. A primeros de abril, Charley Crockett nos sorprendió con 30 temas de baja calidad sonora que tituló Field Recordings Vol. 1 y ofreció para descarga digital. La grabación fue realizada junto a Kyle Madrigal en la granja que este posee en Mendocino County, al norte de California. Estaba formada por canciones propias y versiones de otras muy enraizadas en la tradición. Pero el artista sigue fiel a su inquieta personalidad y ya podemos escuchar la canción que dará nombre a su nuevo álbum de estudio, Welcome To Hard Times, previsto para el 31 de julio y donde mantiene el equilibrio entre country clásico, rhythm and blues y ciertas pinceladas de spaghetti western. Como viene haciendo en los últimos tiempos, este tejano nativo de San Benito está filmando y dirigiendo una serie de videos que el mismo protagoniza a lo largo de paisajes desérticos. Es la tierra que describe su sonido… y viceversa. Cody Jinks también ha publicado nueva música en estas fechas, la primera novedad desde que el pasado año nos regalara dos álbumes como The Wanting y After The Fire. La resistencia y la esperanza en días mejores suele ser el mensaje más habitual en tiempos de cuarentena, aunque el tejano haya tomado un camino diferente con "Watch the World Die", un tema melancólico que va adquiriendo dureza antes de que todo desaparezca. La solución es mantener el dedo corazón bien erguido y hacer el amor toda la noche. El toque esperanzador llega en versos como "Por la mañana, si estamos solo nosotros dos, sabremos que lo hemos hecho bien". Otro nombre que añadir a la lista de artistas con personalidad suficiente para conquistarnos es Kylie Frey, que creció compitiendo en el circuito del rodeo y componiendo desde muy corta edad. Sus padres apoyaron sus inclinaciones musicales y tras actuar en distintos locales de Texas y su natal Louisiana (ella nació hace 25 años en Opelousas, la tercera ciudad más antigua de aquel estado), debutó a finales de 2014 con su álbum Cinderella Dreams, del que destacó un tema propio editado en single, “The Chase”, logrando una importante repercusión en las emisoras de country tejanas. Hace tres años nos hicimos eco de su dúo con Randy Rogers en “Too Bad”, una balada impecable para un EP que produjo Paul Worley, seguido hace unos meses por “One Night in Tulsa” y ahora llega “Spur Of The Moment”, una de las canciones favoritas en las emisoras tejanas… y en TOMA UNO. Caitlin Cannon es puro desparpajo y optimismo. Nativa de Alabama, con un padre que abandonó a la familia, una madre peluquera esforzada por sacar adelante su hogar y un hermano en prisión, celebra con descaro y orgullo su situación y la de quienes sobreviven a los malos momentos con esfuerzo. Y lo hace en "Going For Bronze", el tema de apertura de su última novedad, un álbum con el explícito título de TrashCannon. Pero entre bravuconadas y cierto desapego emocional, Caitlin confiesa su alcoholismo y alguna que otra adicción para ahogar la realidad de una mala relación, cobijada en el rockabilly, algunos acentos punk y el llamado countrypolitan. Es la mejor manera de reflejar su soledad, frustración y el desafío ante situaciones injustas. Regreso a las raíces y a las botas. Vuelta a los sonidos originales y a las tradiciones que han construido un género tan particular como el country. Ese es el camino recorrido por Tessy Lou Williams, sobre cuyo álbum de debut, de título homónimo, llamábamos la atención hace varias semanas. Criada en Willow Creek, una localidad de alrededor de 210 habitantes en el estado de Montana, pasó por la tejana Austin y ha terminado en Nashville, de donde partieron en origen sus padres, también músicos. En la Music City ha contado con el apoyo de artistas como Ashley Campbell, Carl Jackson, Larry Cordle o Jon Randall. “Your Forever Will Never Say Goodbye” es una de las grandes canciones de este álbum, pero no la única. Ha estado casi una década al frente de Tessy Lou & the Shotgun Stars, pero ya era el momento de lanzarse en solitario a las aguas del country clásico, con evidentes influencias de Lee Ann Womack y Patty Loveless. En su disco de título homónimo Tessy Lou Williams despliega tonalidades de honky tonk, baladas enternecedoras y un respeto casi secular por la tradición, como se hace evidente en "Someone Lonely", la canción de su padre, una robusta balada recubierta por el Steel guitar de Mike Johnson. Su debut supone uno de los más apasionantes activos del presente de una country music que está recuperando su razón de ser desde la independencia de sus nuevas propuestas, al otro lado de las grabaciones sobre-producidas que atiborran las emisoras de radio fórmula del género. Convertir una súplica en una promesa es el milagro que Whitney Rose consigue en “Don’t Give Up On Me”, la canción que hoy cierra nuestro tiempo de radio y nos emplaza para la próxima semana. La artista canadiense, afincada y afianzada en Texas, nos ha hechizado a todos con un trabajo tan solvente como We Still Go to Rodeos, un último trabajo con un arsenal emocional evidente Escuchar audio

california texas los angeles las vegas radio alabama nashville sin illinois desde pero louisiana eagles maine montana idaho estados unidos san antonio todas steel hace tulsa sus otro oklahoma city dunn ese braun one night vuelta escuchar alguien regreso mike johnson barstool estaba west texas music city bakersfield lubbock lookin convertir rockford aquellos solitario criada blue jeans alison krauss willow creek marfa rodeos san benito panhandlers mendocino county nativa lee ann womack charley crockett programas de rne four minutes too bad patty loveless whitney rose my eye cody jinks joe ely randy rogers curb records opelousas flatlanders ashley campbell carl jackson jimmie dale gilmore reckless kelly bruce robison josh abbott give up on me jon randall william clark green mo pitney john baumann after the fire red dirt music debutaron butch hancock larry cordle cleto cordero paul worley cinderella dreams

Con qué sponsor técnico debutaron algunos de los principales futbolistas

Marca en Zona

Play Episode Listen Later Apr 21, 2020 11:10

Ignacio Saralegui nos trae un relevamiento sobre los principales futbolista y con qué sponsor técnico (botín) hicieron su debút profesional y con qué calzado están actualmente --- Send in a voice message: https://anchor.fm/marca-en-zona/message

algunos principales futbolistas debutaron

Rendimiento los refuerzos que debutaron en la Liga MX parte 2

La Porra Te Saluda

Play Episode Listen Later Jan 13, 2020 2:43

Rendimiento los refuerzos que debutaron en la Liga MX parte 2

america liga copa la liga tijuana mx liga mx guardianes chivas estadio rendimiento cruz azul capi queretaro porra seleccion refuerzos saluda pumas unam debutaron atletico san luis ramoncito morales

Rendimiento los refuerzos que debutaron en la Liga MX parte 1

La Porra Te Saluda

Play Episode Listen Later Jan 13, 2020 3:09

Rendimiento los refuerzos que debutaron en la Liga MX parte 1

america liga copa la liga tijuana mx liga mx guardianes chivas estadio rendimiento cruz azul capi queretaro porra seleccion refuerzos saluda pumas unam debutaron atletico san luis ramoncito morales

Nada más que música - La Rumba

Play Episode Listen Later Jun 14, 2019 35:43

Y como creo que la ocasión lo merece, hoy, haciendo un pequeño paréntesis en nuestra andadura por los años 70, vamos a rumbear… La rumba es un género de música tradicional que se originó en Cuba durante el siglo XIX. De raíces africanas, la rumba cubana es considerada la madre de numerosos ritmos y bailes latinos, como la salsa, y tiene derivaciones en diversos países de América Latina. En noviembre de 2016 la Unesco inscribió a La rumba cubana, mezcla festiva de baile y música, y todas las prácticas culturales inherentes como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. Los principales instrumentos musicales que se usan en la rumba cubana son de percusión. Los más usados son tres tambores llamados tumbadoras. La melodía en la rumba cubana la llevan los cantantes. En Cuba se conoce como rumba tanto una familia de ritmos musicales como a un estilo de danza y hay tres tipos de rumba: el yambú y la columbia, de Matanzas, y el guaguancó, de La Habana. Y hemos empezado por esta última, a cargo de Ibrahim Ferrer y la rumba “Cienfuegos Tiene Su Guaguancó”. Escucharemos ahora otro de los tipos de rumba cubana, el yambú. Montvale Rengue y su Rumba Yambú. Como hemos dicho, la instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora o Congas es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves). Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres) marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora, llamada quinto, que se afina más alto, da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines… Porque, amigos, la rumba es para bailar, así que… Bueno, todos quietos, vamos con el último estilo de rumba cubana, la Columbia de Matanzas Los muñequitos de Matanzas y su Columbia Cubana. Nos vamos a despedir del género isleño con una aportación más reciente a cargo de MONGO SANTAMARIA y su GUAGUANCO SABROSO. Se aprecia perfectamente que la melodía y su estructura han evolucionado y han dejado atrás ese, precioso por otro lado, acompañamiento casi de exclusiva percusión. Mongo Santamaría. Si cuba fue la cuna de la rumba, España es su paraíso. Este ritmo invasor se apoderó del ADN nacional y ya forma parte de su estructura para siempre jamás. Dos núcleos regionales se disputan la hegemonía de su autenticidad, Andalucía y Cataluña, ambas con sobrados motivos para presumir de su saber hacer. Pero existe una tercera vía que podríamos denominar Rumba Quinqui, melodías que, al estilo de los viejos corridos mejicanos, cantaban las andanzas de famosos delincuentes de la época, casi todos ellos con película incluida. Vamos a empezar por ellos. Los 70 y los 80 no fueron fáciles en España. La ansiada democracia no supuso un gran cambio para los habitantes de los barrios más pobres que, ocultos bajo la alfombra de un país que quería reclamar su puesto en Europa, sufrieron el impacto de la droga y la desigualdad de forma indiscriminada. Los cineastas que se atrevieron a tratar el tema no contaron con el respaldo de una sociedad que quería huir desesperadamente de sus propios demonios pero, con el tiempo, el “cine quinqui” se ha convertido en el mejor testimonio público de la España que buscó héroes entre sus delincuentes. Con Eloy de la Iglesia y José Antonio de la Loma como máximos exponentes tras las cámara, directores como Carlos Saura, Vicente Aranda, Gil Carretero o el mismísimo Pedro Almodóvar filmaron algunos de los títulos imprescindibles del género. Hemos escuchado a los Chunguitos en Ay que dolor, de la película de Carlos Saura, Deprisa, Deprisa. El grupo siempre ha estado formado por miembros de la familia Salazar, hermanos o primos. Se trasladaron desde Badajoz a Madrid siendo todavía muy niños, dentro de una familia en la que contaban otros ocho hermanos, instalándose en el barrio de Vallecas, en Madrid. Allí comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor cantando canciones populares. Descubiertos por Ramón Arcusa, del Dúo Dinámico, se consolidaron en el mundillo de la música por su participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma y Días contados, de Imanol Uribe. Sus canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan, casi exclusivamente, de las condiciones de pobreza, de los problemas por las drogas y de la marginación de los gitanos y de otros habitantes de los barrios en donde ellos mismos vivían, temas compartidos con otros grupos de rumba gitana, como Los Chichos. Los chichos cantan las andanzas de otro delincuente, el Vaquilla, a su vez, tema de la película de José Antonio de la Loma, Yo el Vaquilla. Los Chichos son un grupo español integrado, en sus comienzos, por Juan Antonio Jiménez Muñoz artísticamente el Jero, líder del grupo, compositor y voz principal, y los hermanos Emilio y Julio González Gabarre. Su carrera musical comenzó en 1973 y en todos estos años han obtenido 23 casetes de platino, 29 discos de oro y 32 discos de platino, incluyendo su último disco por descargas digitales, que titularon Hasta aquí hemos llegado. Los Chichos han sido un grupo de referencia para varios artistas como Antonio Orozco, Sergio Dalma, Estopa, Ketama, La Barbería del Sur, Camela o el Arrebato, reconociendo que sus carreras se han visto, de alguna manera, tuteladas por la influencia que Los Chichos han ejercido sobre ellos. Una muestra de esta influencia es esta excelente versión que de Si me das a elegir, de los Chunguitos, hace Antonio Vega. La rumba catalana es un género musical que desarrolla la comunidad gitana catalana en la ciudad de Barcelona desde mediados de los años 60, tomando ritmos que derivan de la rumba flamenca con influencias de música cubana y R&R. Todo salió de las comunidades de gitanos catalanes del barrio de Gracia, calle de la Cera del Raval y Hostafrancs. La comunidad gitana de estos barrios tiene un asentamiento histórico y es catalanoparlante, como las que se asientan en Vich, Tárrega, Lérida, Perpiñán, la Camarga y decenas de localidades del sur de Francia, usando la lengua catalana de forma cotidiana, asi como el castellano y el caló, también en sus manifestaciones musicales. El género se fundamenta en una fusión de cantes catalano-andaluces de aire liviano con las claves básicas de la música afrocubana. Instrumentalmente acompaña voces y palmas con guitarra española y bongós, a los que más tarde se incorporan timbales, congas, pequeñas percusiones, piano, vientos, bajo eléctrico, teclados electrónicos. Y quien es el precursor del género en Barcelona, pues Antonio Gonzalez “El pescadilla”. Si el Pescadilla fue un precursor, el rey fue Peret. Pedro Pubill Calaf, más conocido como Peret nació en Mataró, Barcelona, 24 de marzo de 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios. Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce años formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Fuensanta, Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: «Mi Santa». A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus interpretaciones, como «El muerto vivo», que acabamos de escuchar, del colombiano Guillermo González Arenas, empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret. En 1967 grabó «Una lágrima», versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como «El gitano Antón», «Don Toribio Carambola», «Saboreando», «¡Lo mato!», «Si fulano fuese mengano», «Chaví», «Canta y sé feliz» (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974), etc. En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill Calaf abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció bajo el nombre de «Hermano Pedro» labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, se subió a los escenarios ya de forma esporádica. El 30 de julio de 2014, Peret anunciaba ante los medios que padecía cáncer, retirándose de los escenarios para realizar su tratamiento y volver lo antes posible en buen estado de salud. No le dio tiempo, el 27 de agosto de 2014 fallece en el Hospital Quirón de Barcelona debido a un cáncer de pulmón a los 79 años, fue enterrado en el cementerio de Mataró. Y Cuando en 1977 parecía que la rumba catalana estaba dando alguna cabezada, aparece un señor argentino llamado Gato Perez a revolucionar, nuevamente, el género. Llegó a Barcelona en 1966. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió a Barcelona. Desde principio de los años 1970 su inquietud musical le lleva a la formación, con otros músicos, de distintas bandas como Slo-Blo (country rock, primer grupo que actuó en la sala Zeleste, de Barcelona) y Secta Sónica (jazz rock, proveniente, en parte, del anterior) En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes (Carabruta y Romesco), a los que seguirá el más comercial Atalaya. En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos le obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los compone, según sus propias palabras, 'bajo los efectos del agua mineral'. Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, la salsa o incluso el bolero. Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, en 1990. Pero la vida sigue y en la actualidad sobresale un dúo que, precisamente, inicia gira y promoción en estos días. Son los Estopa. Los hermanos David y José nacieron en el barrio de San Ildefonso de Cornellá de Llobregat, un municipio a escasos kilómetros de Barcelona. Sus padres habían llegado desde Zarza Capilla (Badajoz), en la comarca de la Serena, y regentaban el bar La Española, enfrente de la comisaría de policía de Cornellá. Los Chichos, Los Chunguitos, Bordón 4 o Los Amaya, entre otros, era la música que oían ya desde la infancia David y José, que pronto comenzaron a aficionarse a la guitarra, antes de abandonar el instituto y empezar a buscarse la vida en varios trabajos, el último en una fábrica filial de la SEAT produciendo piezas para automóviles. La historia dice que del grito "¡Dale estopa!" que utilizaba el encargado de la fábrica para que no cesaran en su trabajo, surgió el nombre de una de las bandas más importantes de la música española de la última década. Con el paso de los años Estopa ha ido creciendo en profesionalidad y calidad y siempre han mantenido una dignidad alta y el beneficio de un público entregado. La rumba flamenca es un palo flamenco que es movedizo y que tiene un toque flamenco aun en las interpretaciones que, derivando de ella, no son propias de ese campo. Se suelen emplear voces tanto masculinas como femeninas, aunque se dan también las ejecuciones instrumentales. Este estilo, se originó como ya hemos dicho a partir de la mezcla del flamenco con la rumba cubana, en España se hizo conocida en teatros y espectáculos de variedades, de donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Los instrumentos principales en la rumba flamenca son las palmas, la guitarra flamenca y las castañuelas. A partir del año 1987 los artistas del género incluyen el cajón como principal instrumento de percusión tras ser descubierto por Paco de Lucía en Perú. La rumba flamenca es, como decirlo, menos canalla que la catalana, más de señoritos, dicho esto sin mala intención. La versión que hemos escuchado de unos versos de Garcia Lorca a cargo de Manzanita es preciosa. Vamos a escuchar ahora a uno de los más bizarros de su época. Hablamos de Bambino. El estilo de Bambino es personal e inconfundible. Ha sido denominado «cultivador de la rumba dramática», también se ha señalado «su exasperada forma de meter por bulerías la ranchera, el bolero o el cuplé que no ha sido ni será igualada», así como su interpretación «de esa melodía cargada de sentimientos en el rincón más sutil de la música flamenca», para terminar apuntando, en palabras de Ramón Vendrell, que «era el príncipe de la rumba fatal» Bambino, en definitiva, imprimió un sello personal a la rumba y a la bulería, conjugando el dramatismo, la pasión y la sinceridad en todas sus interpretaciones. Otro grupo representante del género el francés Gipsy Kings. Los Reyes gitanos son una formación musical francesa gitana, cuyos miembros tienen ascendientes españoles, que canta en castellano una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera como la rumba. Las ventas de sus discos suman más de 60 millones de copias alrededor del mundo. Aunque los miembros del grupo son de nacionalidad francesa, sus abuelos eran emigrantes gitanos españoles que huyeron de España y emigraron a Francia en la década de 1930 durante la Guerra Civil. Son los máximos exponentes de la rumba flamenca española en el mundo. Su música tiene un estilo particular, con marcadas influencias del pop. Muchas canciones de los Gipsy Kings se nutren de otros ritmos, especialmente de la salsa. Su música ha sido descrita como un lugar donde "el flamenco, la rapsodia romaní y la salsa funk se reúnen". Tengo que pedir disculpas a todos los oyentes por despachar tan superficialmente un género musical tan poderoso como la rumba o el pop/fusión, como queremos llamarlo, sin atender a personajes tan importantes como Ricardo Gabarre (Junco), Ramón de Algeciras, Los Calis, El Fary, Alazán, Ketama con Antonio Carmona, Rosa Morena, Perlita de Huelva, Las Grecas, Los Amaya, Rumba Tres, Los Manolos, Ojos de Brujo, Azúcar Moreno, Rosario Flores, Lolita Flores, Antonio Flores, La cabra mecánica, Melendi, Manu Chao y su banda Mano Negra, Kiko Veneno, Pata Negra, Mártires del Compás, Muchachito Bombo Infierno, La Troba Kung-fú, La Pegatina, Bongo Botrako, Txarango, La Familia Rústika, La Banda del Panda o Vergüenza Ajena y tantos y tantos otros que merecerían especialmente nuestra atención. Pero hoy no ha dado para más. Afortunadamente, nos vamos a marchar con el mejor, con Paco de Lucía, y famosísima rumba Entre dos aguas. Con esta despedida, seguro que hemos sido perdonados. Feliz semana y… BUENAS VIBRACIONES.

festival santa nos europa desde barcelona pero espa madrid cuba columbia durante latinas hasta jos muchas seat ram feliz algo ant aunque londres sus hemos otro francia parece mu cornell tengo moreno comp unesco panda algunas luc bord iglesia lleg xix memoria din ay salazar paco verg adn matar canci rr ojos perros arenas catalu canta humanidad andaluc guerra civil posteriormente la banda bambino pedro almod afortunadamente filadelfia los reyes cera jos antonio rumba aficionado loma la habana eurovisi escucharemos huelva la espa triana en cuba vallecas nadam badajoz manu chao baleares brujo ajena destacan acabado monreal raval algeciras jero matanzas llobregat mano negra el duende plaza mayor chav peret gipsy kings manzanita carlos saura camela los bravos atalaya estopa melendi antonio vega kiko veneno patrimonio cultural inmaterial san ildefonso la pegatina mongo santamaria arrebato iglesia evang sergio dalma vendrell guillermo gonz pata negra antonio orozco ketama antonio flores congas julio gonz ibrahim ferrer descubiertos perlita rosario flores mongo santamar debutaron lolita flores romesco gato p txarango alaz zeleste manuel rom

Nada más que música - La Rumba

Play Episode Listen Later Jun 14, 2019 35:43

Y como creo que la ocasión lo merece, hoy, haciendo un pequeño paréntesis en nuestra andadura por los años 70, vamos a rumbear… La rumba es un género de música tradicional que se originó en Cuba durante el siglo XIX. De raíces africanas, la rumba cubana es considerada la madre de numerosos ritmos y bailes latinos, como la salsa, y tiene derivaciones en diversos países de América Latina. En noviembre de 2016 la Unesco inscribió a La rumba cubana, mezcla festiva de baile y música, y todas las prácticas culturales inherentes como integrante de la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Algo tendrá el agua cuando la bendicen. Los principales instrumentos musicales que se usan en la rumba cubana son de percusión. Los más usados son tres tambores llamados tumbadoras. La melodía en la rumba cubana la llevan los cantantes. En Cuba se conoce como rumba tanto una familia de ritmos musicales como a un estilo de danza y hay tres tipos de rumba: el yambú y la columbia, de Matanzas, y el guaguancó, de La Habana. Y hemos empezado por esta última, a cargo de Ibrahim Ferrer y la rumba “Cienfuegos Tiene Su Guaguancó”. Escucharemos ahora otro de los tipos de rumba cubana, el yambú. Montvale Rengue y su Rumba Yambú. Como hemos dicho, la instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la tumbadora o Congas es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves). Dos de los tambores, (la tumbadora prima y el segundo o tres) marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora, llamada quinto, que se afina más alto, da los golpes improvisados, los floreos dirigidos a los bailarines… Porque, amigos, la rumba es para bailar, así que… Bueno, todos quietos, vamos con el último estilo de rumba cubana, la Columbia de Matanzas Los muñequitos de Matanzas y su Columbia Cubana. Nos vamos a despedir del género isleño con una aportación más reciente a cargo de MONGO SANTAMARIA y su GUAGUANCO SABROSO. Se aprecia perfectamente que la melodía y su estructura han evolucionado y han dejado atrás ese, precioso por otro lado, acompañamiento casi de exclusiva percusión. Mongo Santamaría. Si cuba fue la cuna de la rumba, España es su paraíso. Este ritmo invasor se apoderó del ADN nacional y ya forma parte de su estructura para siempre jamás. Dos núcleos regionales se disputan la hegemonía de su autenticidad, Andalucía y Cataluña, ambas con sobrados motivos para presumir de su saber hacer. Pero existe una tercera vía que podríamos denominar Rumba Quinqui, melodías que, al estilo de los viejos corridos mejicanos, cantaban las andanzas de famosos delincuentes de la época, casi todos ellos con película incluida. Vamos a empezar por ellos. Los 70 y los 80 no fueron fáciles en España. La ansiada democracia no supuso un gran cambio para los habitantes de los barrios más pobres que, ocultos bajo la alfombra de un país que quería reclamar su puesto en Europa, sufrieron el impacto de la droga y la desigualdad de forma indiscriminada. Los cineastas que se atrevieron a tratar el tema no contaron con el respaldo de una sociedad que quería huir desesperadamente de sus propios demonios pero, con el tiempo, el “cine quinqui” se ha convertido en el mejor testimonio público de la España que buscó héroes entre sus delincuentes. Con Eloy de la Iglesia y José Antonio de la Loma como máximos exponentes tras las cámara, directores como Carlos Saura, Vicente Aranda, Gil Carretero o el mismísimo Pedro Almodóvar filmaron algunos de los títulos imprescindibles del género. Hemos escuchado a los Chunguitos en Ay que dolor, de la película de Carlos Saura, Deprisa, Deprisa. El grupo siempre ha estado formado por miembros de la familia Salazar, hermanos o primos. Se trasladaron desde Badajoz a Madrid siendo todavía muy niños, dentro de una familia en la que contaban otros ocho hermanos, instalándose en el barrio de Vallecas, en Madrid. Allí comenzaron a actuar por los mesones de la Plaza Mayor cantando canciones populares. Descubiertos por Ramón Arcusa, del Dúo Dinámico, se consolidaron en el mundillo de la música por su participación en las bandas sonoras de las película Deprisa, deprisa, de Carlos Saura; Perros callejeros, de José Antonio de la Loma y Días contados, de Imanol Uribe. Sus canciones mezclan rumba gitana y canción melódica española y hablan, casi exclusivamente, de las condiciones de pobreza, de los problemas por las drogas y de la marginación de los gitanos y de otros habitantes de los barrios en donde ellos mismos vivían, temas compartidos con otros grupos de rumba gitana, como Los Chichos. Los chichos cantan las andanzas de otro delincuente, el Vaquilla, a su vez, tema de la película de José Antonio de la Loma, Yo el Vaquilla. Los Chichos son un grupo español integrado, en sus comienzos, por Juan Antonio Jiménez Muñoz artísticamente el Jero, líder del grupo, compositor y voz principal, y los hermanos Emilio y Julio González Gabarre. Su carrera musical comenzó en 1973 y en todos estos años han obtenido 23 casetes de platino, 29 discos de oro y 32 discos de platino, incluyendo su último disco por descargas digitales, que titularon Hasta aquí hemos llegado. Los Chichos han sido un grupo de referencia para varios artistas como Antonio Orozco, Sergio Dalma, Estopa, Ketama, La Barbería del Sur, Camela o el Arrebato, reconociendo que sus carreras se han visto, de alguna manera, tuteladas por la influencia que Los Chichos han ejercido sobre ellos. Una muestra de esta influencia es esta excelente versión que de Si me das a elegir, de los Chunguitos, hace Antonio Vega. La rumba catalana es un género musical que desarrolla la comunidad gitana catalana en la ciudad de Barcelona desde mediados de los años 60, tomando ritmos que derivan de la rumba flamenca con influencias de música cubana y R&R. Todo salió de las comunidades de gitanos catalanes del barrio de Gracia, calle de la Cera del Raval y Hostafrancs. La comunidad gitana de estos barrios tiene un asentamiento histórico y es catalanoparlante, como las que se asientan en Vich, Tárrega, Lérida, Perpiñán, la Camarga y decenas de localidades del sur de Francia, usando la lengua catalana de forma cotidiana, asi como el castellano y el caló, también en sus manifestaciones musicales. El género se fundamenta en una fusión de cantes catalano-andaluces de aire liviano con las claves básicas de la música afrocubana. Instrumentalmente acompaña voces y palmas con guitarra española y bongós, a los que más tarde se incorporan timbales, congas, pequeñas percusiones, piano, vientos, bajo eléctrico, teclados electrónicos. Y quien es el precursor del género en Barcelona, pues Antonio Gonzalez “El pescadilla”. Si el Pescadilla fue un precursor, el rey fue Peret. Pedro Pubill Calaf, más conocido como Peret nació en Mataró, Barcelona, 24 de marzo de 1935. Su padre se ganaba la vida como vendedor ambulante de telas y Peret de pequeño le acompañaba en sus desplazamientos comerciales por Cataluña y Baleares, por lo que fue poco a la escuela. Parece ser que aprendió a leer de forma autodidacta fijándose en los carteles publicitarios. Aficionado desde niño a la guitarra y al cante gitano, a los doce años formó un dúo con una prima suya. Se llamaban Los Hermanos Montenegro. Debutaron en el teatro Tívoli de Barcelona, en un festival infantil. Ocasionalmente actuaba en locales de la costa catalana. Poco a poco, su nombre se fue conociendo en Barcelona. Así, grabó un par de discos que sonaron bastante en las emisoras de la zona. Al poco se casó con Fuensanta, Santa, una gitana de la familia a la que años más tarde dedicaría una de sus más populares canciones: «Mi Santa». A mediados de los 60 dio el salto a Madrid, cuando fue contratado por El Duende, un tablao flamenco perteneciente a Pastora Imperio y Gitanillo de Triana, y ahí se inició su escalada. Algunas de sus interpretaciones, como «El muerto vivo», que acabamos de escuchar, del colombiano Guillermo González Arenas, empezaron a tener mucho éxito entre gentes de diversa extracción social. Y en este momento ocurrió un fenómeno muy significativo que Manuel Román describió así en su libro Memoria de la copla: En las discotecas de moda, donde se programa música anglosajona y de los conjuntos españoles de la época, como Los Bravos y otros del género pop, hay de pronto un cambio brusco, pasada la medianoche, que el pinchadiscos de turno aprovecha para que suenen las rumbas de Peret. En 1967 grabó «Una lágrima», versión rumbera de un vals del maestro Monreal, que tuvo un éxito fulgurante, convirtiéndose en una de las canciones del verano de 1968. En los años posteriores, todas las orquestas incorporan a su repertorio temas como «El gitano Antón», «Don Toribio Carambola», «Saboreando», «¡Lo mato!», «Si fulano fuese mengano», «Chaví», «Canta y sé feliz» (con la que participó en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974), etc. En 1982, de forma imprevista, Pedro Pubill Calaf abandonó radicalmente su actividad artística e ingresa en la sección barcelonesa de la Iglesia Evangélica de Filadelfia. Durante nueve años ejerció bajo el nombre de «Hermano Pedro» labores religiosas con dedicación exclusiva. Posteriormente, sin dejar su creencia religiosa, cesó en la actividad pastoral y montó una productora discográfica. Desde entonces, se subió a los escenarios ya de forma esporádica. El 30 de julio de 2014, Peret anunciaba ante los medios que padecía cáncer, retirándose de los escenarios para realizar su tratamiento y volver lo antes posible en buen estado de salud. No le dio tiempo, el 27 de agosto de 2014 fallece en el Hospital Quirón de Barcelona debido a un cáncer de pulmón a los 79 años, fue enterrado en el cementerio de Mataró. Y Cuando en 1977 parecía que la rumba catalana estaba dando alguna cabezada, aparece un señor argentino llamado Gato Perez a revolucionar, nuevamente, el género. Llegó a Barcelona en 1966. Acabado el bachillerato se estableció un tiempo en Londres, con el objetivo de entrar a trabajar en alguna discográfica pero no tuvo suerte y volvió a Barcelona. Desde principio de los años 1970 su inquietud musical le lleva a la formación, con otros músicos, de distintas bandas como Slo-Blo (country rock, primer grupo que actuó en la sala Zeleste, de Barcelona) y Secta Sónica (jazz rock, proveniente, en parte, del anterior) En 1977 empieza a experimentar con la rumba catalana y posteriormente publica sus dos primeros álbumes (Carabruta y Romesco), a los que seguirá el más comercial Atalaya. En 1981 Gato Pérez padece un infarto, empieza a tener graves problemas de salud y la fatiga producida por sus problemas cardíacos le obliga a dejar el alcohol. Sus siguientes álbumes los compone, según sus propias palabras, 'bajo los efectos del agua mineral'. Gato Pérez ha sido reconocido como el renovador de la rumba catalana, precisamente en unos momentos en que pasaba por sus horas más bajas, debido a la pujanza de la muy dinámica movida madrileña. Destacan especialmente la calidad de sus letras y la fusión que logra entre la rumba y otras músicas populares contemporáneas, como el rock, la salsa o incluso el bolero. Sus problemas de salud no lo abandonarán hasta su muerte, víctima de un infarto de miocardio, en 1990. Pero la vida sigue y en la actualidad sobresale un dúo que, precisamente, inicia gira y promoción en estos días. Son los Estopa. Los hermanos David y José nacieron en el barrio de San Ildefonso de Cornellá de Llobregat, un municipio a escasos kilómetros de Barcelona. Sus padres habían llegado desde Zarza Capilla (Badajoz), en la comarca de la Serena, y regentaban el bar La Española, enfrente de la comisaría de policía de Cornellá. Los Chichos, Los Chunguitos, Bordón 4 o Los Amaya, entre otros, era la música que oían ya desde la infancia David y José, que pronto comenzaron a aficionarse a la guitarra, antes de abandonar el instituto y empezar a buscarse la vida en varios trabajos, el último en una fábrica filial de la SEAT produciendo piezas para automóviles. La historia dice que del grito "¡Dale estopa!" que utilizaba el encargado de la fábrica para que no cesaran en su trabajo, surgió el nombre de una de las bandas más importantes de la música española de la última década. Con el paso de los años Estopa ha ido creciendo en profesionalidad y calidad y siempre han mantenido una dignidad alta y el beneficio de un público entregado. La rumba flamenca es un palo flamenco que es movedizo y que tiene un toque flamenco aun en las interpretaciones que, derivando de ella, no son propias de ese campo. Se suelen emplear voces tanto masculinas como femeninas, aunque se dan también las ejecuciones instrumentales. Este estilo, se originó como ya hemos dicho a partir de la mezcla del flamenco con la rumba cubana, en España se hizo conocida en teatros y espectáculos de variedades, de donde la adoptarían los intérpretes flamencos. Los instrumentos principales en la rumba flamenca son las palmas, la guitarra flamenca y las castañuelas. A partir del año 1987 los artistas del género incluyen el cajón como principal instrumento de percusión tras ser descubierto por Paco de Lucía en Perú. La rumba flamenca es, como decirlo, menos canalla que la catalana, más de señoritos, dicho esto sin mala intención. La versión que hemos escuchado de unos versos de Garcia Lorca a cargo de Manzanita es preciosa. Vamos a escuchar ahora a uno de los más bizarros de su época. Hablamos de Bambino. El estilo de Bambino es personal e inconfundible. Ha sido denominado «cultivador de la rumba dramática», también se ha señalado «su exasperada forma de meter por bulerías la ranchera, el bolero o el cuplé que no ha sido ni será igualada», así como su interpretación «de esa melodía cargada de sentimientos en el rincón más sutil de la música flamenca», para terminar apuntando, en palabras de Ramón Vendrell, que «era el príncipe de la rumba fatal» Bambino, en definitiva, imprimió un sello personal a la rumba y a la bulería, conjugando el dramatismo, la pasión y la sinceridad en todas sus interpretaciones. Otro grupo representante del género el francés Gipsy Kings. Los Reyes gitanos son una formación musical francesa gitana, cuyos miembros tienen ascendientes españoles, que canta en castellano una mezcla entre flamenco, pop y varias tradiciones de canción ligera como la rumba. Las ventas de sus discos suman más de 60 millones de copias alrededor del mundo. Aunque los miembros del grupo son de nacionalidad francesa, sus abuelos eran emigrantes gitanos españoles que huyeron de España y emigraron a Francia en la década de 1930 durante la Guerra Civil. Son los máximos exponentes de la rumba flamenca española en el mundo. Su música tiene un estilo particular, con marcadas influencias del pop. Muchas canciones de los Gipsy Kings se nutren de otros ritmos, especialmente de la salsa. Su música ha sido descrita como un lugar donde "el flamenco, la rapsodia romaní y la salsa funk se reúnen". Tengo que pedir disculpas a todos los oyentes por despachar tan superficialmente un género musical tan poderoso como la rumba o el pop/fusión, como queremos llamarlo, sin atender a personajes tan importantes como Ricardo Gabarre (Junco), Ramón de Algeciras, Los Calis, El Fary, Alazán, Ketama con Antonio Carmona, Rosa Morena, Perlita de Huelva, Las Grecas, Los Amaya, Rumba Tres, Los Manolos, Ojos de Brujo, Azúcar Moreno, Rosario Flores, Lolita Flores, Antonio Flores, La cabra mecánica, Melendi, Manu Chao y su banda Mano Negra, Kiko Veneno, Pata Negra, Mártires del Compás, Muchachito Bombo Infierno, La Troba Kung-fú, La Pegatina, Bongo Botrako, Txarango, La Familia Rústika, La Banda del Panda o Vergüenza Ajena y tantos y tantos otros que merecerían especialmente nuestra atención. Pero hoy no ha dado para más. Afortunadamente, nos vamos a marchar con el mejor, con Paco de Lucía, y famosísima rumba Entre dos aguas. Con esta despedida, seguro que hemos sido perdonados. Feliz semana y… BUENAS VIBRACIONES.

festival santa nos europa desde barcelona pero espa madrid cuba columbia durante latinas hasta jos muchas seat ram feliz algo ant aunque londres sus hemos otro francia parece mu cornell tengo moreno comp unesco panda algunas luc bord iglesia lleg xix memoria din ay salazar paco verg adn matar canci rr ojos perros arenas catalu canta humanidad andaluc guerra civil posteriormente la banda bambino pedro almod afortunadamente filadelfia los reyes cera jos antonio rumba aficionado loma la habana eurovisi escucharemos huelva la espa triana en cuba vallecas nadam badajoz manu chao baleares brujo ajena destacan acabado monreal raval algeciras jero matanzas llobregat mano negra el duende plaza mayor chav peret gipsy kings manzanita carlos saura camela los bravos atalaya estopa melendi antonio vega kiko veneno patrimonio cultural inmaterial san ildefonso la pegatina mongo santamaria arrebato iglesia evang sergio dalma vendrell guillermo gonz pata negra antonio orozco ketama antonio flores congas julio gonz ibrahim ferrer descubiertos perlita rosario flores mongo santamar debutaron lolita flores romesco gato p txarango alaz zeleste manuel rom

Nada más que música - La Psicodelia

Play Episode Listen Later Mar 21, 2019 39:06

Habiamos dejado nuestra pequeña historia de la música pop en el mundo hippy, con sus luces estroboscópicas, luces negras, técnicas láser, proyecciones de colores y desarrollos musicales con temas de larga instrumentación. Bueno, pues todo esto, favoreció que, paralelamente, surgieran grupos identificados con estas nuevas formas de conciertos y un paso más lejos de la esfera hippy. En Londres el fenómeno tuvo un hondo calado desde finales de 1966 y se prolongó a lo largo del 67. El primer concierto de música psicodélica se celebró el 29 de abril de 1967 en el Alexander Palace de Londres, y en él actuaron como nuevos grupos Pink Floyd y Soft Machine, además de una desconocida artista japonesa llamada Yoko Ono. Esto ha sido The Piper at the gates of dawn, The Pink Floyd Sound, corte principal de su disco debut, lanzado el 5 de agosto de 1967. Este disco fue uno de los primeros en explorar el rock psicodélico, junto con Sgt. Pepper's de The Beatles y lo cierto es que se le considera uno de los LPs más influyentes de la historia del rock psicodélico. Pink Floyd fue formado por tres estudiantes de arquitectura: Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason. Se consolidaron cuando se les unió un genio musical llamado Syd Barret, un tipo inclasificable y visionario. Él cambió su orientación y les bautizó con su nombre definitivo. Pink Floyd - Wish You Were Here El cuarteto frecuentó clubs y festivales como el Spontaneous Underground, y rápidamente dio que hablar. Debutaron discográficamente en 1967 y se codearon con Cream, Jimi Hendrix, lo mejorcito. Todo un espaldarazo. Por desgracia, al poco de editarse su primer LP, Syd Barrett tocó fondo. Sus escarceos con las drogas y su frágil moral le hundieron. Entró David Gilmour a la guitarra y durante un breve lapso de tiempo fueron cinco, hasta que Syd tuvo que apartarse definitivamente. Con la publicación de A Saucerful of Secrets en 1968, el estilo de la banda dio un giro debido a la salida de Barrett y a la entrada de Gilmour. Definido como un álbum de transición, en él se mezclan las canciones psicodélicas semejantes a las firmadas por Barrett y piezas más experimentales, con influencias de la música clásica y que ayudaron a marcar el posterior sonido de Pink Floyd. Pink Floyd - Shine On You Crazy Diamond Con The Wall, la supremacía de Waters en la creatividad de Pink Floyd se hizo claramente patente. Con todo, es uno de los discos más famosos de la discografía de la banda y uno de los más vendidos de la historia. El disco es una ópera rock basada en una estrella de rock que se aísla del mundo a base de consumir drogas, construyendo un muro a su alrededor. Aunque Waters lo haya negado varias veces, el álbum parece una autobiografía suya, puesto que el protagonista, llamado «Pink», guarda numerosas similitudes con él. El disco está compuesto básicamente por canciones cortas de uno, dos ó tres minutos aproximadamente, unidas con piezas más largas . La canción «Another Brick in the Wall» se alzó rápidamente como la canción más representativa del disco y una de las más conocidas del grupo, con un característico coro de niños cantando la línea «We don't need no education». Esta frase luego sería criticada y caricaturizada por artistas como Elvis Costello en alguno de sus discos. En The Wall es también famoso el solo de guitarra final de «Comfortably Numb», compuesto por Gilmour y, para muchos, uno de los mejores de la historia. Pink floyd - another brick in the wall Y este es el famoso solo. La canción es un poquito larga por lo que solo podremos el final. Pink Floyd - Comfortably numb El otro grupo más representativo de esta corrientes fue The Soft Machine y este que está sonando, su primer sencillo: “Love Makes Sweet Music” The Soft Machine fue un grupo musical inglés de rock formado en 1966, y que durante su inestable e intensa carrera (con más de 15 miembros en poco más de una década) pasaron por la psicodelia y el rock progresivo para finalmente desembocar en el jazz fusión, siendo pioneros en los tres géneros. Lo fundaron el guitarrista Daevid Allen, el teclista Mike Ratledge, el cantante y bajista Kevin Ayers y el cantante y bateria Robert Wyatt. Su nombre proviene de la novela de William Burroughs The Soft Machine (La Máquina Suave, 1961). The Soft Machine tuvo varias etapas que las podríamos denominar según el líder de turno de la banda. Así, uno de los más importantes fue protagonizado por Ratledge y Hopper. El repertorio en vivo fue cambiando, con nuevas composiciones de Ratledge y Hopper, mientras las piezas antiguas iban desapareciendo progresivamente. Ya nada quedaba de Wilde Flowers, de la época con Daevid Allen ni del primer disco. Al mismo tiempo, las partes cantadas por Wyatt también iban disminuyendo. En este momento se editó Third, LP doble que marcará un antes y un después para la banda.. Soft Machine - Moon in June La ultima etapa de la banda estuvo liderada por Karl Jenkins. Si bien compuso casi la mitad de Six, el LP que lo confirmó como nuevo líder fue Seven (1974), donde hace su debut Roy Babbington como nuevo bajista. Seven tuvo buenas críticas en su momento. En los siguientes tres años no habría álbumes de Soft Machine, excepto el primer recopilatorio, Triple Echo (1977), y el single de música disco «Soft Space» el mismo año. Sin embargo, en esta época habría varios proyectos paralelos. Y entre estos proyectos, cada vez más personales de sus miembros, llegó su disolución en 1.984. Y como siempre nos preguntamos, que estaba pasando en España con este estilo de música? La psicodelia, por definición, un sonido que replica las experiencias con setas mágicas, mezcalina o LSD no tenían cabida en la España de los 60, cuando el aislamiento cultural del régimen sirvió de barrera contra estas y otras influencias foráneas. Todos los grupos se veían obligados a enviar sus discos a la Dirección General de Radiodifusión y Televisión, que calificaba como «no radiables» aquellos títulos relacionados con el contacto físico, el mundo de la noche y, en general, que filtraran cualquier atisbo de vicio. Las bandas psicodélicas que se oteaban en el horizonte anglosajón casi no consiguieron ser «radiables». Pero, en España, hay algunos tesoros enterrados. Smash, con su fusión de psicodelia y folclore andaluz, sí consiguio franquear al mismisimo Franco. Smash – El Garrotin Si algo bueno ocurrió gracias a las bases militares de Rota, Morón o San Pablo, es que los americanos traían música. Vinilos de rock clandestinos, que caían en manos de aquellos jóvenes españoles con ganas de libertad. Jóvenes como Gualberto Garcia, guitarrista de Smash o Manuel Molina, guitarrista y cantante del mismo grupo y posterior Lole y Manuel. Pero si hay una piedra angular del rock progresivo andaluz, tiene que ser Triana. Triana - Abre la puerta niña Triana se formó en 1974 en Sevilla por Jesús de la Rosa Luque, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios Tele. Con un estilo musical basado principalmente en el rock progresivo y una alta influencia del flamenco, se erigieron como una de las bandas más importantes e influyentes del rock español. Sus tres primeros lanzamientos discográficos forman parte de los álbumes más alabados de la época de esplendor del rock progresivo español aunque su éxito y reconocimiento fue algo tardío. Especialmente con la publicación del sencillo «Tu frialdad» que llegaría a alcanzar el primer puesto en las listas de venta españolas. El accidente de tráfico que sufrió Jesús de la Rosa en 1983 acabó con su vida y provocó la disolución de la banda. TRIANA- TU FRIALDAD Misma década de los 70, misma España gris, surge en Barcelona otra genial banda de rock psicodélico, con influencias acid-folk, Pan y Regaliz. Se atrevieron a cantar en inglés y consiguieron un sonido muy carismático, con influencias africanas. Su paso, desafortunadamente, fue breve. Su música era tan buena que llegaron a pincharla en varios pubs ingleses. Pan y regaliz - Un día más En mayo del 71, Granollers fue epicentro del primer Festival de Música Progresiva en España (y el primer festival al aire libre). Sus asistentes, la también primera generación de soñadores psicodélicos, jugaron por unas horas a ser libres. Durante esas intensas noches de amor, paz, alucinógenos y buena música, tocaron Smash y Pan y Regaliz, junto a otras bandas como Maquina!, más jazzeros y eléctricos. Barcelona, habitualmente aventajada en creación artística, parió otro de los mejores sonidos del progresivo español. MAQUINA! - Burning Butts Más allá de Andalucía y Cataluña, también hubo vida. Crack, asturianos haciendo también rock sinfónico en plena industrialización, sólo duraron un año. Sin embargo, Si todo hiciera crack es un disco épico, en todos los sentidos; una armonía preciosista de guitarras, teclado y flauta. A pesar de sus majestuosas composiciones, pasaron sin pena ni gloria por España, aunque sí recibieron alabanzas desde el extranjero. De este disco escuchamos Descenso en el Mahellstrong. Crack - Descenso en el Mahëllstrong https://youtu.be/frhHW4833p8 Pero el sinfónico más luminoso vino de las islas. Los Canarios, con Teddy Bautista (más tarde famosísimo presidente de la SGAE) al frente, también le dieron al progresivo con su joya Ciclos, una dimensión onírica de Las cuatro estaciones de Vivaldi. Por desgracia, es su único disco de este género, bellamente artificioso y con instrumentación electrónica potente. Las cuatro estaciones son sustituidas por las cuatro etapas del desarrollo humano: niñez, juventud, madurez y vejez. Escuchamos “la Primavera”, de Vivaldi. CANARIOS (Ciclos) - La Primavera Y por hoy nada más. Me despido de vosotros hasta la próxima semana con esta extraordinaria obra. “Buenas, buenísimas vibraciones”

secrets festival sin wall barcelona pero espa beatles durante esto pink crack waters smash londres pepper sus lp lsd cream pink floyd pan sgt sevilla jimi hendrix buenas primavera direcci hopper lps yoko ono elvis costello televisi ciclos rota syd mor vivaldi catalu escuchamos roger waters andaluc suave mah san pablo gilmour triana descenso richard wright another brick nadam syd barrett maquina en londres nick mason comfortably numb robert wyatt sgae psicodelia soft machine vinilos progresiva granollers eduardo rodr saucerful radiodifusi lole kevin ayers syd barret karl jenkins los canarios regaliz debutaron manuel molina daevid allen habiamos mike ratledge

Nada más que música - La Psicodelia