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Este fin de semana, A vivir Madrid comienza el programa desde el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para celebrar el Día Internacional de los Museos con una visita a Ritmos, una exposición que cuestiona los límites de la representación y propone nuevas formas de mirar el arte desde el cuerpo, el movimiento y el activismo.Comisariada por Selina Blasco, Maite Garbayo-Maeztu y María Rosón, la muestra ocupa el Espacio D de la Biblioteca y Centro de Documentación del museo y traza un recorrido por imágenes y documentos vinculados al trabajo femenino antes, durante y después de la Guerra Civil, poniendo en diálogo gestos cotidianos, luchas colectivas y representaciones culturales que han quedado fuera de los grandes relatos.

Este fin de semana, A vivir Madrid comienza el programa desde el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía para celebrar el Día Internacional de los Museos con una visita a Ritmos, una exposición que cuestiona los límites de la representación y propone nuevas formas de mirar el arte desde el cuerpo, el movimiento y el activismo.Comisariada por Selina Blasco, Maite Garbayo-Maeztu y María Rosón, la muestra ocupa el Espacio D de la Biblioteca y Centro de Documentación del museo y traza un recorrido por imágenes y documentos vinculados al trabajo femenino antes, durante y después de la Guerra Civil, poniendo en diálogo gestos cotidianos, luchas colectivas y representaciones culturales que han quedado fuera de los grandes relatos.

Send us a textHow do you foster community and collaboration? One way is through art and activism. And, we dive into that in this episode of Dem Bois Podcast. Today I sit down with rommy torico, a formerly undocumented queer, trans, non-binary visual artist, and they share their experiences navigating identity, survival, and self-discovery. We also discuss the impact of being undocumented on their gender journey, the importance of college as a space for exploration, the complexities of family dynamics during the coming out process, and the significance of mental health support. We talk:11:22 The Impact of Survival on Self-Discovery20:10 The Role of Chosen Family and Community24:19 Navigating Relationships and Trauma39:34 Art as a Medium for Social Justice49:31 Future Aspirations and UncertaintiesEpisode References:Past Lives (2023)Titanic (1997)Love Jones (1997)Read more about rommy in their bio below:rommy torrico is a formerly undocumented, queer, trans nonbinary visual artist born in Iquique, Chile and raised in Florida. They have been involved in social movement spaces encompassing (im)migrant, queer and trans rights struggles for over a decade and infuse much of their work with personal experience and the stories their communities share. Over the years, Torrico's work has been included in several publications and exhibited at the Getty Museum, the Smithsonian Museum, the Library of Congress and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía as well as many galleries and museums throughout the Americas and internationally.IG: @rommyyy123Donate today to support Transmasc Gender Affirming Grants and Community Wellness Packages for Trans Men of Color! The Visibility = Possibility™️ Merch is here! Introducing a groundbreaking collaboration crafted by Emilio Perdomo (featured on episode 37). This isn't just merch--it's a movement! We're empowering trans men of color with creative freedom to design their interpretation of Visibility = Possibility™. Think of it like major brands collaborating with athletes, but this time, our community takes center stage. Every purchase supports our vital programs! Craving more Connection? Dem Bois Community Voices Facebook Group is a safe, moderated sanctuary where trans men of color can connect authentically, discuss podcast episodes, share powerful experiences, and build support networks. Dem Bois YouTube Channel! - @demboisinc Exclusive content you won't find anywhere else: Behind-the-scenes magic, engaging YouTube shorts, and insider perspectives.

En #HoyEsRisco del martes 25 de febrero, el periodista Arturo Ángel confirmó que Roberto Moreno Herrera finalmente renunció a la Secretaría Técnica del Sistema Nacional Anticorrupción (SNA), después que el jueves pasado, diera a conocer en milenio.com que había un consenso para su salida derivada de varios actos de corrupción detectados por el mismos SNA y la Auditoría Superior de la Federación. La pregunta que queda es ¿qué va a pasar con este caso?, precisó el periodista. En el Meollo del Asunto con Olivia Zerón, comentó sobre el brutal caso de pederastia en Francia, donde, un cirujano pediatra de 73 años es acusado de violar a 299 pacientes, la mayoría de ellos, menores de 15 años. Este médico ya está preso, pues en 2020 fue condenado por abusar sexualmente de sus sobrinas y de una vecina. Con Iván Escalante, procurador Federal del Consumidor, se habló sobre la modificación del Sistema Cashless en el ingreso a festivales, conciertos o eventos que opera OCESA en México.Finalmente con Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en España, habló sobre la relevancia de las tradiciones milenarias en el arte textil.

Compositor, artista conceptual y performer, es el primer español que crea una obra serial en el Festival Internacional de Nueva Música de Darmstadt. Además, es autor de la primera obra electroacústica española. Funda el grupo de acción-teatro musical Zajcon Walter Marchetti._____Has escuchadoConcierto ZAJ para 30 o 60 voces / Esther Ferrer. CAC Brétigny (2012) Rrose Sélavy (Quintetto) (1975) / Juan Hidalgo. Juan Hidalgo, instrumentos interpretados grabados mediante multipistas. Cramps Records (1977)Ukanga (1957) / Juan Hidalgo. Grupo Círculo; José Luis Temes, director. EMEC (1997)“Zaj (Fluxus) en el No-Do 1965”. YouTube Vídeo. Publicado por Raúl, 1 de agosto de 2017: https://www.youtube.com/watch?v=ahUJmP-WM8U_____Selección bibliográficaARTETXE, José Angel, “Entrevista a Esther Ferrer”. Artecontexto: arte, cultura, nuevos medios, n.º 24 (2009), pp. 55-61*BARBER, Llorenç, Zaj: historia y valoración crítica. CENDEAC, 2019CASTRO, Fernando (ed.), Juan Hidalgo & etcétera [Catálogo de exposiciones]. Fundación Tabacalera, 2018CHILLIDA, Alicia, “Juan Hidalgo, el último rubio”. Arte y parte: revista de arte, n.º 80 (2009), pp. 52-61*COLLADO, Gloria, “Esther Ferrer: ante el espectador”. Lápiz: revista internacional de arte, n.º 108 (1995), pp. 36-41*DÍAZ CUYAS, José, “Juan Hidalgo: ¡responde!”. La Balsa de la Medusa, n.º 19-20 (1991), pp. 177-180FIGAREDO FERNÁNDEZ, Rubén, Juan Hidalgo. El sonido del gesto. Tesis doctoral, Universidad de Oviedo, 2007GARCÍA DE MESA, Roberto, “El arte de la acción en los etcéteras de Juan Hidalgo”. Cuadernos del Ateneo, n.º 31 (2014), pp. 65-83 [PDF]JIMÉNEZ, Carlos, “Entrevista con Juan Hidalgo”. Lápiz: revista internacional de arte, n.º 56 (1989), pp. 43-49LAFUENTE, José María y Javier Maderuelo, Escritura experimental en España, 1963-1983 : Círculo de Bellas Artes de Madrid, 16 de octubre de 2014-11 de enero de 2015 [Catálogo de exposiciones]. La Bahía, 2014LAMBIE, Monique, “Esther Ferrer: taller Esther Ferrer”. Revista do CGAC, n.º 2 (2001), pp. 100-103LUNA DELGADO, Diego, Zaj: arte y política en la estética de lo cotidiano. Athenaica, 2016MARCHETTI, Walter, Música visible [Catálogo de exposiciones]. Centro Atlántico de Arte Moderno, 2004—, “Zaj: al fondo del sonido”. Minerva: Revista del Círculo de Bellas Artes, n.º 11 (2009), pp. 70-72*NICOLÁS MARTÍNEZ, Violeta, Las partituras de Esther Ferrer y el absurdo en el discurso creativo. Tesis doctoral, Universidad de Alcalá, 2014PARREÑO VELASCO, José María, “Juan Hidalgo [entrevista]”. Arte y parte: revista de arte, n.º 9 (1997), pp. 46-52PÉREZ MANZANARES, Julio, Juan Hidalgo: poética/política de la indeterminación. Tesis doctoral, Universidad Complutense de Madrid, 2016—, Juan Hidalgo y Zaj: arte subversivo durante el franquismo. Huerga y Fierro, 2018PÉREZ, David, A propósito de Zaj y de Juan Hidalgo: una revisión crítica del contexto histórico. Tesis doctoral, Universitat de València, 1991—, Sin marco: arte y actitud en Juan Hidalgo, Isidoro Valcárcel Medina y Esther Ferrer. Editorial de la UPV, 2008—, Una poética del etcétera: Juan Hidalgo y la fractura documental. Fire Drill, 2018QUERALT, Rosa, El arte sucede: origen de las prácticas conceptuales en España, 1965-1980. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2005RODRÍGUEZ HERNÁNDEZ, Rosa María, “El periodo Zaj de Ramón Barce”. Papeles del Festival de Música Española de Cádiz, n.º 3 (2007-2008), pp. 187-197*—, “La creación de Zaj de Ramón Barce formulada desde la memoria (1ª parte)”. Itamar: revista de investigación musical: territorios para el arte, n. 2 (2009), pp. 223-252*—, “La creación de Zaj de Ramón Barce formulada desde la memoria (2ª parte)”. Itamar: revista de investigación musical: territorios para el arte, n. 3 (2010), pp. 208-235*RIVIÈRE RÍOS, Henar, “El arte postal de Zaj: una escritura performativa”. Minerva: Revista del Círculo de Bellas Artes, n.º 25 (2015), pp. 63-67*—, “Arte y edición: arpocrate seduto sul loto, de Walter Marchetti”. Arte y parte: revista de arte, n.º 115 (2015), pp. 87-113*—, “La escritura performativa del grupo zaj: arte postal, libros de artista, etcéteras”. HIOL: Hispanic Issues On Line, n.º 21 (2018), pp. 136-168*—, “Intimidad e imágenes de la escritura: lo no dicho en el decirse José Luis Castillejo”. En: Materia de escritura: entre el signo y la abstracción en la época del intermedia (1950-1980). Editado por Henar Rivière y Arantza Romero. Consejo Superior de Investigaciones Científicas, 2022SAN MARTÍN MARTÍNEZ, Francisco Javier, “Entrevista con Esther Ferrer”. Lápiz: revista internacional del arte, n.º 156 (1999), pp. 39-48SARMIENTO, José Antonio, Críticas a un concierto Zaj. Ediciones +/- 491, 1991*—, La otra escritura: la poesía experimental española, 1960-1973 [Catálogo de exposiciones]. Servicio de Publicaciones de la Universidad de Castilla-La Mancha, 1990*SARMIENTO, José Antonio (ed.), Escrituras en libertad: poesía experimental española e hispanoamericana del siglo XX [Catálogo de exposiciones]. Instituto Cervantes, Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, 2009*VALCÁRCEL MEDINA, Isidoro, “Juan Hidalgo”. Lápiz, vol. 12, n.º 99-101 (1994), pp. 56-63VILLASOL, Carlos, “Cuatro apuntes sobre Juan Hidalgo”. Músicas actuales: ideas básicas para una teoría. Editado por Jesús Villa Rojo. Ikeder, 2008*ZAJ: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 23 de enero al 21 de marzo de 1996 [Catálogo de exposiciones]. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 1996* *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

La Segunda Guerra Mundial es, sin ningún género de duda y con Darmstadt como prueba, el factor temporal determinante de la revolución vivida en la música de la segunda mitad de siglo. La música salvó a muchos, si no de la contienda, al menos de parte de sus traumáticas consecuencias._____Has escuchadoAutobiografía intelectual. Luis de Pablo. Entrevista realizada al compositor el 25 de marzo de 2010 en la Fundación Juan March: [Web]Cuarteto de cuerda nº. 8 en do menor. Largo (1960) / Dmitri Shostakovich. Fitzwilliam String Quartet. Decca (1992)Cuarteto n.º 3, op. 46 (1943) / Viktor Ullmann. Cuarteto Bennewitz. Grabación sonora realizada en directo en la sala de conciertos de la Fundación Juan March, el 3 de marzo de 2021. Dentro del ciclo “Terezín: componer bajo el terror. La música de cámara en Terezín”“Tomás Marco habla sobre la “música confinada”. YouTube Vídeo. Publicado por Fundación BBVA, 27 de septiembre de 2022: https://www.youtube.com/watch?v=Q02yvqKCDEMWar Requiem (1962) / Benjamin Britten. Galina Vishnevskaya, soprano; Peter Pears, tenor; Dietrich Fischer-Dieskau, barítono; The Bach Choir & London Symphony Orchestra Chorus; London Symphony Orchestra; Benjamin Britten, director. Decca (1985)_____Selección bibliográficaARNOLD, Ben, “Music, Meaning, and War: The Titles of War Compositions”. International Review of the Aesthetics and Sociology of Music, vol. 22, n.º 1 (1991), pp. 19-28*BOTSTEIN, Leon, “After Fifty Years: Thoughts on Music and the End of World War II”. The Musical Quarterly, vol. 79, n.º 2 (1995), pp. 225-230*DINGLE, Christopher Philip (ed.), The Cambridge History of Music Criticism. Cambridge University Press, 2022*FANNING, David (ed.), The Routledge Handbook to Music under German Occupation, 1938-1945: Propaganda, Myth and Reality. Routledge, 2020*FUNDACIÓN JUAN MARCH, “Terezín: componer bajo el terror” [Programa de concierto]. Ciclo de miércoles 24 de febrero al 10 de marzo de 2021: [PDF]GUILBAUT, Serge, Manuel J. Borja-Villel, Be-Bomb: The Transatlantic War of Images and All That Jazz, 1946-1956. Museu d'Art Contemporani de Barcelona; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2007*HEILE, Björn, Charles Wilson, et al. (eds.), The Routledge Companion to Modernism in Music. Routledge, 2019*JAROCINSKI, Stefan, “Polish Music after World War II”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 244-258*KRADER, Barbara, “Soviet Research on Russian Folk Music since World War II”. Ethnomusicology, vol. 7, n.º 3 (1963), pp. 252-261*ORAMO, Ilkka, “Sibelius, Bartók, and the ‘Anxiety of Influence' in Post World War II Finnish Music”. Studia Musicologica Academiae Scientiarum Hungaricae, vol. 47, n.º 3/4 (2006), pp. 467-479*POTTER, Pamela M., “What Is ‘Nazi Music'?”. The Musical Quarterly, vol. 88, n.º 3 (2005), pp. 428-455*ROGERS, Julian C., Resonant Recoveries: French Music and Trauma Between the World Wars. Oxford University Press, 2021*ROSS, Alex, El ruido eterno. Seix Barral, 2009*SCHWARZ, Boris, “Soviet Music since the Second World War”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 259-281*VYBORNY, Zdenek y William Lichtenwanger, “Czech Music Literature since World War II”. Notes, vol. 16, n.º 4 (1959), pp. 539-546*WALLNER, Bo, “Scandinavian Music after the Second World War”. The Musical Quarterly, vol. 51, n.º 1 (1965), pp. 111-143* *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

Episódio 11 da temporada especial do Appleton Podcast - FARRA - numa parceria com o MACE, Centro de Arte Oliva e Córtex Frontal. Sandra Vieira Jürgens é curadora, historiadora de arte e professora universitária. Atualmente, é Curadora da Coleção de Arte Contemporânea do Estado. Foi investigadora de pós-doutoramento, bolseira FCT no Instituto de História da Arte (IHA, FCSH, Universidade NOVA de Lisboa). É doutorada pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (2014), licenciada em História da Arte pela Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa (1997) e pós-graduada em História da Arte Contemporânea pela FCSH-UNL (2000) e em Comunicação, Cultura e Tecnologias da Informação pelo ISCTE – Instituto Superior de Ciências do Trabalho e da Empresa (2003). Integrou o programa internacional de Residências de Investigação 2015-2016 do Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, em Madrid. Dirigiu a revista online Wrong Wrong e a plataforma digital raum (2014-2022). É autora do livro "Instalações Provisórias: Independência, autonomia, alternativa e informalidade. Artistas e exposições em Portugal no século XX" (2016). É vice-presidente da AICA Portugal - Associação Internacional de Críticos de Arte. Francisca Portugal é curadora independente e escritora em Lisboa e Berlim. Com Mestrado em Curadoria (Goldsmiths College of London), a sua prática centra-se na criação de terreno para a experimentação, o discurso e o intercâmbio.Investigando a intersecção da amizade com as práticas curatoriais, desenvolveu projetos em Lisboa, Porto, Londres, Berlim e Paris. Colaborou com Lisbon Art Weekend, Berlin Art Prize, AZAN Contemporary, Duplex Air e escreveu para a revista UMBIGO.Recentemente, iniciou uma prática curatorial e editorial entre Portugal e Espanha, focando-se em mentes subversivas e críticas, familiarizadas com recursos online e projectos virtuais. Links: https://colecaodoestado.pt/ https://sandravieirajurgens.com/ https://sandravieirajurgens.wordpress.com/ https://umbigomagazine.com/pt/blog/2023/02/16/entrevista-a-sandra-vieira-jurgens-curadora-da-cace/ https://franciscaportugal.pt/ https://umbigomagazine.com/pt/blog/author/franciscaportugal/ https://farra.pt/portfolio-item/colecao-de-arte-contemporanea-do-estado/ Episódio gravado a 18.07.2024 Créditos introdução e final:David Maranha - GuitarraManuel Mota - Guitarra http://www.appleton.pt Mecenas Appleton:HCI / Colecção Maria e Armando Cabral / A2P / MyStory Hotels Apoio:Câmara Municipal de Lisboa Financiamento:República Portuguesa - DGArtes

Una fiesta del cine que lleva como título 25º aniversario De película, una tarde llena de emociones en un lugar tan emblemático para Madrid y Radio Nacional de España como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.Dos horas en las que ocuparon un lugar privilegiado los actores y actrices como Elena Anaya, Luis Tosar o Javier Gutiérrez, directores como Fernando Colomo o Pablo Berger. los presidentes de la Academia de Cine de los últimos años y en su representación escuchamos a nuestra colaboradora Ángeles González Sinde, así como los directores de los festivales de cine más importantes: Juan Antonio Vigar, del Festival de Málaga; José Luis Cienfuegos, de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Seminci; y José Luis Rebordinos, del Festival de San Sebastián.No podían faltar administraciones, productoras, plataformas, compañeros de agencias de comunicación, directiva de RTVE y por supuesto nuestros oyentes.Sorpresas, entrevistas, sueños realizados y mucha ilusión todo amenizado con actuaciones en directo: Manuela Vellés, Riki Rivera, Valeria Castro y Estefanía García Nieto, cantante del Coro RTVE, acompañada del pianista José Ángel Silva.Escuchar audio

Una fiesta del cine que lleva como título 25º aniversario De película, una tarde llena de emociones en un lugar tan emblemático para Madrid y Radio Nacional de España como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.Dos Horas en las que ocuparon un lugar privilegiado los actores y actrices como Elena Anaya, Luis Tosar o Javier Gutierrez, directores como Fernando Colomo o Pablo Berger. los presidentes de la Academia de Cine de los últimos años,y en su representación escuchamos a nuestra colaboradora Ángeles González Sinde así como los directores de los festivales de cine más importantes: Juan Antonio Vigar, del Festival de Málaga; José Luis Cienfuegos, de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Seminci; y José Luis Rebordinos, del Festival de San Sebastián.No podían faltar administraciones, productoras, plataformas, compañeros de agencias de comunicacion, directiva de RTVE y por supuesto nuestros oyentes.Sorpresas, entrevistas, sueños realizados y mucha ilusión todo amenizado con actuaciones en directo: Manuela Vellés , Riki Rivera, Valeria Castro y Estefanía García Nieto, cantante del Coro RTVE, acompañada del pianista José Ángel Silva.Escuchar audio

'De película', el programa especializado en cine de Radio Nacional de España, cumple 25 años. Desde el pasado 12 de septiembre, cuando celebró las bodas de plata, ‘De Película’ ha ido conmemorando sus inicios. Hoy, esas celebraciones tendrán su colofón con una fiesta por todo lo alto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 'Las Mañanas de RNE', hablamos con nuestra compañera al frente de este programa, Yolanda Flores, quien nos ha contado cómo está viviendo este aniversario: "Yo me quedo con cada uno de los pequeños y grandes momentos de todas las personas que han pasado por el programa, tanto actores, actrices o directores. Pero fundamentalmente, aparte de los oyentes, que son los que nos han llevado hasta estos 25 años, me quedo con los compañeros"."Es un intercambio de emociones, de alegrías, de amor y pasión por el cine lo que ponemos cuando hacemos este programa. Y yo me quedo con eso, con los que se han ido y siguen manteniendo la ilusión y los que van viniendo, que eso aporta siempre a los programas", ha concluido Flores. Escuchar audio

Es uno de los compositores más importantes de la llamada Generación del 51, grupo al que él mismo pone nombre y que dota al panorama español de técnicas de vanguardia. Aporta la combinación de elementos tradicionales con atonalidad, dodecafonismo, serialismo, música concreta, electrónica y formas clásicas._____Has escuchadoCuarteto de cuerda n.º 11 (2019). Cuarteto Quiroga. Grabación sonora realizada en directo en la sala de conciertos de la Fundación Juan March, el 9 de diciembre de 2020Fantasía sobre una sonoridad de G. F. Haendel (1981). Diego Alonso, Oleguer Aymamí, Paula Hernández, Mikel Zunzundegui, violonchelos; Joven Orquesta Nacional de España; José Luis Temes, director. Verso (2005)Tiempo para espacios (1975). Elisabeth Chojnacka, clave; Orquesta Filarmónica de Radio France; Cristóbal Halffter, director. RTVE (1996)Versus. Thesis (1983). Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt; Cristóbal Halffter, director. Auvidis (1996)_____Selección bibliográficaCASARES RODICIO, Emilio, Cristóbal Halffter. Universidad de Oviedo, 1980*CHARLES SOLER, Agustín, “La universalidad de un lenguaje, confrontación de dos obras Debla y Preludio para Madrid 92 de Cristóbal Halffter”. Nassarre: Revista Aragonesa de Musicología, vol. 8, n.º 1 (1992), pp. 9-54*DASCHNER, Hubert, Spanische Musik auf der Höhe ihrer Zeit: Cristóbal Halffter. Pfau, 2000*FOURCHOTTE, Alain, “La dialectique de l'un et du multiple dans Mizar (1977) de Cristóbal Halffter”. En: Iannis Xenakis-Gérard Grisey. La métaphore lumineuse. Editado por Makis Solomos. L'Harmattan, 2003GAN QUESADA, Germán, “Ut pictura musica: Referentes plásticos contemporáneos en la obra de Cristóbal Halffter”. En: Ante el nuevo milenio. Raíces culturales, proyección y actualidad del arte español. XIII Congreso Nacional de Historia del Arte. Granada, del 31 de octubre al 3 de noviembre de 2000, vol. 1. Universidad de Granada, 2000—, La obra de Cristóbal Halffter: creación musical y fundamentos estéticos. Tesis doctoral, Universidad de Granada, 2003*—, “La obra de Cristóbal Halffter: creación musical y fundamentos estéticos”. Revista de Musicología, vol. 27, n.º 2 (2004), pp. 1156-1161*—, “Tópico folklórico, tradición e innovación en un ballet ‘español': Jugando al toro de Cristóbal Halffter”. Revista de Musicología, vol. 30, n.º 1 (2007), pp. 181-206*—, “El universo plástico en la obra de Cristóbal Halffter: interacciones estéticas y afinidades electivas”. En: Poéticas compartidas: Convergencias artísticas en la música de los siglos XX y XXI. Editado por Belén Pérez Castillo y Ruth Piquer Sanclemente. Comares, 2023*GAN QUESADA, Germán y  José Antonio Robés, Cristobal Halffter. Hoy es siempre todavía. Lunwerg, 2005*GAN QUESADA, Germán et al., Carta blanca a Cristóbal Halffter. Orquesta y Coro Nacionales de España, 2009*HALFFTER, Cristóbal, Tradición y coetaneidad. Discurso de ingreso del Excmo. Sr. Cristóbal Halffter y Jiménez Encinas, leído en el acto de su recepción pública el día 20 de noviembre de 1983, y contestación del Excmo. Sr. D. Ramón González de Amezúa y Noriega. Real Musical, 1983—, “Lucio Muñoz y la música”. En: Lucio Muñoz. Obra sobre papel. Ministerio de Educación; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2001*—, Música-poesía: semejanzas y diferencias. Visor Libros, 2007*—, “En torno a la obra Elegías a la muerte de tres poetas españoles”. Quodlibet: Revista de Especialización Musical, n.º 59 (2015), pp. 117-125*—, Una vida para la música: breve ensayo sobre composición y creación musical. Almuzara, 2016*MARCO, Tomás, Cristóbal Halffter. Servicio de Publicaciones del Ministerio de Educación y Ciencia, 1972*NAVARRO GONZÁLEZ, Javier, “Impresiones de un estreno: Don Quijote, de Cristóbal Halffter”. Revista de Occidente, n.º 232 (2000), pp. 129-133*SUÑÉN, Luis, “Cristóbal Halffter: forma y razón”. En: Músicas actuales: ideas básicas para una teoría. Editado por Jesús Villa Rojo. Ikeder, 2008 *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

Radio Nacional de España celebra su edición XXXIV de los Premios 'El Ojo Crítico' en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, galardones con los que el programa cultural reconoce los jóvenes que están marcando el panorama cultural de nuestro país.Esta gala presentada por Laura Barrachina y Rubén Nevado ha contado con la presencia del escultor Jaume Plensa, galardonado con el Premio Especial a toda su trayectoria que ha sido entregado por el ministro de Cultura, Ernest Urtasun. Jaume Plensa ha recogido su segundo Premio 'El Ojo Crítico', 30 años después del primero, cuando lo recibió en 1990 como futura promesa de las artes plásticas. Junto a él, los jóvenes talentos premiados en esta edición: Greta García (Teatro), César Sebastián (Cómic), Mario Bermúdez (Danza), Eva Fàbregas (Artes visuales), Bruna Cusí (Cine), Brais Lamela (Narrativa), Laura Rodríguez (Poesía), Roberto González-Monjas, galardonado en Música Clásica, que no ha podido asistir y María José Llergo (Música Moderna), quien ha abierto y cerrado esta edición con una actuación musical.Escuchar audio

Recordamos a uno de nuestros creadores más ilustres. Cineasta, dramaturgo y novelista, Jaime de Armiñán era un hombre culto y versátil que había pisado tanto la pequeña como la gran pantalla. Películas como Mi querida señorita y series como Juncal son ya parte de la memoria colectiva. Para repasar la trayectoria del veterano director, fallecido esta semana, hemos invitado a la directora, guionista y actual presidenta del patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Ángeles González Sinde. Escuchar audio

Su aceptación para la Historia del Arte es complicada: la arquitectura de museos y salas no está concebida para la experiencia de escucha. Comprende instalación sonora, escultura interactiva, poesía experimental, fonografía, y sobre todo, la prevalencia de la escucha y el sonido sobre el hecho artístico._____Has escuchadoDedicatorias. Infinito Infinity (19/5/2013-10/11/2014) / José Iges. María de Alvear World Edition (2016)El ojo del silencio / José Antonio Sarmiento. [Grabación de la acción e instalación sonora para 100 radio transistores]. Centro de Creación Experimental (2000)Guitar Drag / Christian Marclay. [Banda sonora del vídeo Guitar Drag, 2000. Grabado en San Antonio, Texas, el 18 de noviembre de 1999]. Neon (2006)Irregularity / Homogeneity: Emerging from the Perturbation / Minoru Sato. [Instalación sonora]. Senufo Editions (2012)Magnetic Flights (2007) / Christina Kubisch. [Instalación sonora]. Important Records (2021)Motores / Isidoro Valcárcel Medina. [Obra sonora]. Ediciones sonoras experimentales; Radio Fontana Mix (1973)Small Music. Musik für einen fast leeren Raum / Music for an almost Empty Space (Edition VIII) / Rolf Julius. [Instalación sonora]. Autoedición (1998)_____Selección bibliográficaADEN, Maike (ed.), Disonata: arte en sonido hasta 1980. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2020ÁLVAREZ-FERNÁNDEZ, Miguel, “Panorama del arte sonoro y la música experimental en la península ibérica”. En: Experimentaclub Limbo: proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación cultural. Editado por Jorge Haro y Javier Piñango. Experimentaclub LIMbO (2010), pp. 54-64—, “Sonido, musicología, archivo: tres genealogías (hacia un catálogo de arte sonoro)”. Boletín DM, año 16 (2012), pp. 62-69*ARIZA, Javier, Las imágenes del sonido: una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX. Universidad de Castilla-La Mancha, 2003*ASHER, Michael, Writings 1973-1983 on Works 1969-1979. Editado por Benjamin H. D. Buchloh. Press of the Nova Scotia College of Art and Design; The Museum of Contemporary Art, 1983*BARBER, Llorenç y Monserrat Palacios, La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro en España. Fundación Autor, 2009*COSTA, José Manuel (ed.), ARTe SONoro. La Casa Encendida, 2010*CUYÁS, José Díaz, Carmen Pardo y Esteban Pujals (eds.), Encuentros de Pamplona 1972: fin de fiesta del arte experimental. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2009*DE LA MOTTE-HABER, Helga, Matthias Osterwold y Georg Weckwerth (eds.), Sonambiente Berlin 2006. Kehrer Verlag, 2006DEWEY, Fred et al. Brandon Labelle: Overheard and Interrupted. Les Presses du Réel, 2016*ESPEJO, José Luis (ed.), Escucha, por favor: 13 textos sobre sonido para el arte reciente. Exit Publicaciones, 2019*ESPEJO, José Luis y Óscar Martín (eds.), Ursonate: revista de arte sonoro y culturas aurales (2011-)*ETIENNE, Yvan, Bertrand Gauguet y Matthieu Saladin (eds.), “De l'espace sonore = From Sound Space”. TACET: Sound in the Arts, n.º 3 (2014)FONTÁN DEL JUNCO, Manuel, José Iges y José Luis Maire (eds.), Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016. Fundación Juan March, 2016*GARCÍA FERNÁNDEZ, Isaac Diego, Conversaciones en Nueva York: sobre arte sonoro, música experimental e identidad latina. EdictOràlia, 2020*GRANT, Jane, John Matthias y David Prior (eds.), The Oxford Handbook of Sound Art. Oxford University Press, 2021*HEGARTY, Paul, Noise/Music: A History. Continuum, 2007*—, Rumour and Radiation: Sound in Video Art. Bloomsbury, 2015*IGES, José et al., MASE. Historia y presencia del Arte Sonoro en España. Bandaàparte Editores, 2015*—, “Dimensión sonora de la escritura”. Arte y Parte, n.º 117 (2015), pp. 8-27*—, Conferencias sobre arte sonoro. Árdora Ediciones, 2017*JIMÉNEZ CARMONA, Susana y Carmen Pardo, “Aperturas y derivas del arte sonoro”. Laocoonte: revista de estética y teoría de las artes, n.º 8 (2021), pp. 49-56JOSEPH, Branden W., Beyond the Dream Syndicate: Tony Conrad and the Arts After John Cage. Zone Books, 2008*JOY, Jérôme y Peter Sinclair, Locus Sonus: 10 ans d'expérimentations en art sonore. Le Mot et le Reste, 2015*KAHN, Douglas, Noise Water Meat. A History of Sound in the Arts. The MIT Press, 1999*KELLY, Caleb (ed.), Sound. Documents of Contemporary Art. The MIT Press, 2011*KIM-COHEN, Seth, In the Blink of an Ear: Toward a Non-Cochlear Sonic Art. Continuum, 2009*KOTZ, Liz, Words to Be Looked At. Language in 1960s Art. The MIT Press, 2007*LABELLE, Brandon, Background Noise. Perspectives on Sound Art. Bloomsbury, 2006*—, “Short Circuit: Sound Art and The Museum”. Journal BOL, n.º 6 (2007), pp. 155-175—, Acoustic Territories: Sound Culture and Everyday Life. Continuum, 2010*LABELLE, Brandon y Christof Migone (eds.), Writing Aloud: The Sonics of Language. 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Towards a Philosophy of Sound Art. Continuum, 2010*WANG, Jing, Half Sound, Half Philosophy: Aesthetics...

Secession Podcast: Members is a series of conversations featuring members of the Secession. This episode is a conversation between the member Dorit Margreiter Choy and the corresponding member Sabine Breitwieser. It was recorded on December 13, 2023. Dorit Margreiter Choy lives and works in Vienna. She studied fine arts at the University of Applied Arts in Vienna. Extended study visits and scholarships have brought her to Tokyo, Berlin and Los Angeles, among other places. Her work has been shown in numerous international and national museums, exhibitions, and biennials, including extensive solo exhibitions at the Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien (2019), the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid (2011), the MAK Center for Art and Architecture in Los Angeles (2009), the Galerie für Zeitgenössische Kunst in Leipzig (2006), the Galerie im Taxispalais in Innsbruck (2001), and, most recently, the Plečnik Museum in Ljubljana (2023), as well as in exhibitions at the EUCA Annex in London (2023), the MACBA in Barcelona (2009), the Museo Tamayo in Mexico City (2012), and the Museum of Modern Art in New York (2012). She represented Austria at the 53rd Biennale di Venezia (2009), the Cairo Biennale (2008), and the Liverpool Biennale (2004). She has been professor of fine arts at the Academy of Fine Arts Vienna since 2006. She also taught at Cal Arts in Valencia near Los Angeles (2005–2006), the Art Centre College of Design in Pasadena (2005), and elsewhere. Sabine Breitwieser is an internationally active independent curator, scholar, and museum professional with decades of professional experience. She is currently based in Vienna. She was a 2020–2021 Getty Scholar at the Getty Research Institute in Los Angeles with a research project that she was able to pursue further in 2022. From 2013 until 2018, she held the position of artistic director and CEO at the Museum der Moderne Salzburg. Previously, from 2010 until 2013, she served as chief curator of media and performance art at the Museum of Modern Art in New York. From 1988 until 2007, she was the founding director and chief curator of the Generali Foundation in Vienna, where she also oversaw the construction of the foundation's home. She has organized and directed more than 150 monographic and thematic exhibitions throughout Europe and the United States and has also edited and published about 100 catalogues and books as well as numerous essays. In 2012, Sabine Breitwieser received the Yoko Ono Lennon Courage Award for the Arts in New York. The Dorotheum is the exclusive sponsor of the Secession Podcast. Jingle: Hui Ye with an excerpt from Combat of dreams for string quartet and audio feed (2016, Christine Lavant Quartett) by Alexander J. Eberhard Editing Director: Dorit Margreiter Choy & Sabine Breitwieser Editor: Christian Lübbert Programmed by the board of the Secession Produced by Christian Lübbert

Comenzamos el programa desde el Museo Nacional-Centro de Arte Reina Sofía para reflexionar frente al Guernica sobre la mirada que nos devuelve la obra de Picasso en un momento bélico como el actual. ¿Qué nos dice el mundo de la cultura como lugar de encuentro en un mundo tan polarizado?

In questo audio il prezioso incontro con Luigi Cattivelli biotecnologo, e Marzia Migliora artista. L'intervista è in Contemporaneamente di Mariantonietta Firmani, il podcast divulgato da Artribune.com e Parallelo42.it In Contemporaneamente podcast trovate incontri tematici con autorevoli interpreti del contemporaneo tra arte e scienza, letteratura, storia, filosofia, architettura, cinema e molto altro. Per approfondire questioni auliche ma anche cogenti e futuribili. Dialoghi straniati per accedere a nuove letture e possibili consapevolezze dei meccanismi correnti: tra locale e globale, tra individuo e società, tra pensiero maschile e pensiero femminile, per costruire una visione ampia, profonda ed oggettiva della realtà. Luigi Cattivelli e Marzia Migliora ci raccontano di genomica e arte, ricerche storiche e intuizioni, delle regole di trasmissione genetica si progettano evoluzioni. Le piante sono addomesticate per divenire nutrimento per gli esseri umani, da dodicimila anni con l'agricoltura nasce e si evolve con la civiltà umana. La realizzazione di un'opera nasce dall'approfondimento di un argomento, della sua storia, e muove verso forme straniate che narrano altri punti di vista. Ed ancora, parliamo di ricerca dell'autentico, curiosità, necessario ripensamento del luogo della tecnologia, tra storia e presente la natura non temporeggia la maturazione e molto altro. GUARDA IL VIDEO!! https://youtu.be/CksoIzaD2XY BREVI NOTE BIOGRAFICHE DEGLI AUTORI Luigi Cattivelli Direttore del CREA Centro Ricerca Genomica e Bioinformatica, 1986 Laurea in Scienze agrarie alla Cattolica di Piacenza, dottorato al Max Planck Institute di Colonia. Insegna Genetica vegetale alla Facoltà di Biotecnologie dell'Università di Verona 1997-2003, dal 1991 lavora presso l'Istituto Sperimentale Ricerca Cereale di Fiorenzuola d'Arda. E nel 2004 è direttore del CREA Cereal Research Center di Foggia, interesse principale in allevamento, genetica, metabolomica e tecnologia di lavorazione del grano duro.Dal 2010 è direttore del CREA Centro di Ricerca di Genomica e Bioinformatica, coordina 40 ricercatori che si occupano di genomica vegetale, fisiologia vegetale e bioinformatica. Coordinatore di autorevoli progetti internazionali, dirige gruppi di ricerca e gestisce importanti fondi: AGROGEN, sulla genomica del grano duro, ottiene 11 milioni dal MIUR 2007-2010. Poi BIOTECH dedicato al genome editing, Biotecnologie sostenibili in Agricoltura, 2018-2022 e molti altri. Inoltre, rappresenta l'Italia nel comitato di ricerca di Wheat Initiative, per il coordinamento della ricerca sul grano approvata dai ministri dell'Agricoltura del G20. È copresidente di Genomica e allevamento gruppo di esperti sul grano duro. Infine, autore di oltre 200 pubblicazioni con oltre 13.000 citazioni; membro dei comitati editoriali: “Plant Science” e “Journal of Cereal Science”. Marzia Migliora artista usa un'ampia gamma di linguaggi, tra cui fotografia, video, suono, performance, installazione e disegno. Le tematiche ricorrenti nel suo lavoro sono la memoria come strumento di articolazione del presente e l'analisi dell'occupazione lavorativa come affermazione di partecipazione alla sfera sociale. Nella maggior parte dei suoi lavori l'elemento dell'assenza invita lo spettatore a una relazione esclusiva con l'opera e i suoi potenziali significati.Ha esposto in numerosi prestigiosi musei tra i quali: Museo delle Civiltà, Roma; Museo d'Arte Contemporanea del Castello di Rivoli. E presso: MART, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto; MA*GA, Museo arte Gallarate; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid. Ed anche presso: Museo del Novecento, Milano; MAMbo, Museo d'Arte Moderna di Bologna; Maxxi, Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, Serlachius Museum, Mänttä. Infine, invitata al Padiglione Italia, 56° Biennale d'Arte, Venezia. Altre autorevoli istituzioni private hanno esposto il suo lavoro: Radius Center for Contemporary Art and Ecology, Delft; Dhaka Art Summit; Fondazione Prada, Milano. Ed anche: Fondazione Merz, Torino; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; FACT, Foundation for Art and Creative Technology, Liverpool; Ca' Rezzonico, Venezia. Poi ancora: OGR Officinie Grandi Riparazioni, Torino; Carré d'Art, Nîmes; Le MAGASIN Centre National d'Art Contemporain, Grenoble; e altri.

Charlamos con Concha Iglesias, ex Jefa de Prensa del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, sobre los entresijos de uno de los museos más importantes de nuestro país

A veces el descubrimiento es más conocido que el descubridor. Este es el caso de Fidel Pagés, un nombre que quizá no te suene, pero que en realidad fue el médico militar español que descubrió la “anestesia epidural”. En 2020 la anestesia epidural torácica y lumbar cumplió 100 años. Y con ellos se volvió a poner en el lugar que merece a este médico militar oscense, cuyo éxito fue posible por sus conocimientos anatómicos, fisiológicos y farmacológicos, además de por su gran interés en el estudio pionero de la anestesia intradural y epidural sacra. Con el descubrimiento de la “anestesia epidural” se abrió la puerta a un técnica anestésica que ha mejorado la vida de toda la humanidad. En 1920, tras considerar que sus investigaciones avanzaban, Fidel Pagés Miravé realizó la primera anestesia epidural lumbar en el mundo. Fue en el antiguo Hospital Provincial de Madrid, que curiosamente hoy es el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

“La fotografía cuenta historias y habla de sentimientos. He querido tratar el sufrimiento ajeno con mucha dignidad y mucho respeto, porque, para mí, el acto de fotografiar es un acto de amor”. La fotógrafa Isabel Muñoz lleva décadas retratando el atlas humano que nos rodea, acompañando el dolor ajeno y buscando el sentido a lo que hacemos. Desde sus primeros pasos en la Escuela Photocentro de Madrid y posteriores estudios en Estados Unidos, ha recorrido el mundo a través de las emociones, con imágenes icónicas de danza, artes marciales, tribus ancestrales y urbanas, en busca de los orígenes y la comprensión del comportamiento humano. Su trabajo sobre “La Bestia”, el tren de inmigrantes que cruza la frontera entre México y Estados Unidos, su serie sobre el tráfico y esclavitud infantil en países asiáticos y su denuncia fotográfica sobre la violencia ejercida contra mujeres y niños en la República Democrática del Congo, en colaboración con Caddy Adzuba, son algunos ejemplos del poder transformador de la fotografía. En los últimos años, su trabajo lanza un mensaje de concienciación medioambiental, tanto en sus fotografías sobre la contaminación del mar, como en su experimentación técnica con la impresión en “coralotipias” y “nacarotipias”. La obra de Isabel Muñoz ha recorrido el mundo a través de numerosas exposiciones y forma parte de colecciones museísticas permanentes, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Canal, ambas en Madrid, el Contemporary Arts Museum de Houston o la Maison Européenne de la Photographie de París. Ha recibido, entre otros galardones, varios World Press Photo y PHotoEspaña, Medalla al Mérito de las Bellas Artes 2009 y Premio Nacional de Fotografía 2016. En 2022 se convirtió en la primera fotógrafa nombrada miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Aida Sánchez de Serdio es profesora en la Universidad Oberta de Cataluña (UOC) desde 2017, investigadora y educadora en torno a las prácticas artísticas colaborativas y la investigación cualitativa. También ha asesorado durante varios años al departamento de Educación y Públicos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su trabajo pretende formar conexiones entre la academia y el trabajo cultural. Selina Blasco es profesora del Departamento de Historia del Arte en la Facultad de Bellas Artes UCM, su trabajo se extiende sobre las comunidades artísticas universitarias, también participa en encuentros y seminarios en programas sobre prácticas artísticas y culturales. Lila Insúa es profesora de Proyectos y Estrategias en la Facultad de Bellas Artes de Madrid de la UCM. Su línea de investigación se centra en la construcción de la memoria de los sujetos y su implicación colectiva, el proceso de creación y la regeneración de la arquitectura desde las cualidades e interrelaciones entre los sujetos. - Las profesoras Selina Blasco y Lila Insúa (Facultad de Bellas Artes Universidad Complutense) conversan con Aida Sánchez de Serdio (Universitat Oberta de Catalunya) sobre cómo hacer universidad, la vida que se despliega en las facultades de arte, la necesidad de abolir el permiso y el tiempo de reposo regenerador que nos permite estar juntas y que sucedan otras cosas. En este podcast sobre las nociones expandidas del currículum, la participación de las facultades de arte en la esfera social y cultural más amplia, y la capacidad de autogestión de las comunidades de aprendizaje, se mencionan diversos proyectos: https://bellasartes.ucm.es/fanzines (colección de 30 fanzines que recogen algunas de las actividades del Vicedecanato de Extensión Universitaria de la Facultad de Bellas Artes UCM entre 2010 y 2014, realizados por las personas que los programaron) https://eprints.ucm.es/id/eprint/49874/ Blasco, Selina; Insúa, Lila y Simón, Alejandro (2016) Universidad sin créditos. Haceres y artes: un manual / University Without Credits: a Workbook on the Arts and their Doings. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid. https://eprints.ucm.es/id/eprint/61033/1/ProgramaSinCreditos1.pdf Blasco, Selina; Insúa, Lila, eds. (2017) Programa sin créditos: una investigación basada en la práctica artística/ Programme without Credits: A research project based on artistic practice. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid. https://edicionesasimetricas.com/Programa-sin-creditos-en-modo-celebracion-VVAA-SBlasco-LInsua-y-ASimon-eds Insúa, Lila; Blasco, Selina, eds., (2019) Programa sin créditos en modo celebración: otros relatos sobre comunidades artísticas de aprendizaje/ Programme without credits in celebration mode : other stories about artistic learning communities. Ediciones Asimétricas y Comunidad de Madrid, Madrid. https://brumaria.net/producto/exterioridades-criticas-comunidades-de-aprendizaje-universitarias-en-arte-y-arquitectura-y-su-incorporacion-a-los-relatos-de-la-modernidad-y-del-presente/ Blasco, Selina; Insúa, Lila, eds. (2019) Exterioridades críticas. Comunidades de aprendizaje universitarias en arte y arquitectura y su incorporación a los relatos de la modernidad y del presente. Brumaria, Madrid. https://www.ucm.es/arteinvestigacion (web del Grupo de Investigación UCM Arte, investigación, universidad. Documentos para un debate) https://www.museoreinasofia.es/actividades/escuela-perturbable/grupo-480-20 (web de la Escuela Perturbable, Grupo 480+20: sobre educación artística y universidades Museo Reina Sofía, 2019) Inter-Accions. Prácticas colectivas para intervenciones en el espacio urbano https://mixite.cat/interaccions/practiques-collectives/ Experiencia transversal de formación entre estudiantes de Arte y de Arquitectura (Facultat de Belles Arts-UB y Escola Superior Tècnica d'Arquitectura de Barcelona-UPC)

Espacio patrocinado por Ballantines Ligth… ¡Disfruta de una copa sin cambiar tus planes! https://youtu.be/H1j2-32CA1s El Grupo Hepta fue creado en 1987 por el padre José María Pilón, y son un equipo formado por profesionales de distintas disciplinas, entre los que destacan periodistas, científicos físicos, y hasta sensitivos, que se dedica a la investigación de campo de cualquier tipo de fenómeno paranormal. Entre sus investigaciones más relevantes y mediáticas, cabe destacar la realizada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía… allí localizaron el punto exacto donde reposaban algunos cuerpos del hospital general de Madrid, antiguo edificio que alberga en la actualidad dicho museo… ¡Cómo no! El Palacio de Linares, donde se encargó una investigación oficial al Grupo HEPTA para buscar el origen de los supuestos fenómenos extraños… O el no menos sorprendente y conocido caso de “El Baúl del Monje”… Esta noche en El Centinela del Misterio, y para hablarnos de los orígenes del grupo HEPTA, de sus casos más famosos, de la película de NETFLIX y de muchas más cosas, visita los Estudios Manuel Carballal, la gran dama del Misterio Sol Blanco Soler, una de las fundadoras de ese famoso, expeditivo y singular grupo que aún hoy, en la actualidad, no ha perdido la esencia ni los valores con los que fue creado hace ya la friolera de 36 años. Dirección y Presentación. Carlos Bustos Realización. David Castillo Responsable de Producción. Helen Bustos MetRadioTV Ayudante de Dirección Davinia González ©️ ®️El Centinela del Misterio 04/05/2023 ESPACIO BAJO LA PRODUCCIÓN EJECUTIVA DE MET ESPAÑA PRODUCCIONES AUDIOVISUALES. ¿Quieres hacer crecer tu negocio? Anúnciate en El Centinela del Misterio. Infórmate en el 📲 +34 609 67 69 88 Queda expresamente prohibida la reproducción total o parcial de este programa/podcast, por cualquier procedimiento, plataforma de difusión, medio de comunicación, así como el tratamiento informático, el alquiler o cualquier otra forma de cesión sin la autorización previa y por escrito de los titulares del copyright y propietarios de los derechos de El Centinela del Misterio. Los colaboradores, asistentes y personas que usan la palabra en el espacio radiofónico El Centinela del Misterio, se hacen responsables unilateralmente de las opiniones vertidas en el mencionado espacio, y ceden los derechos de su actuación únicamente a El Centinela del Misterio. ©️ ®️El Centinela del Misterio 04/05/2023 Escucha el episodio completo en la app de iVoox, o descubre todo el catálogo de iVoox Originals

¿Por qué escuchar esta entrevista? Luis ha sido profesor invitado y asociado de Historia del Arte, Museología y de Arte Venezolano en numerosos institutos y universidades, entre ellos, la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo (Francia), la universidad de Princeton, la universidad de Harvard, la universidad de Columbia y la universidad Central de Venezuela, entre muchas otras. Luis, ha sido curador de arte para diversas galerías, institutos y museos. Entre ellos: el Museo Armando Reverón en Macuto, el Museo Soto de Ciudad Bolívar, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Museo Picasso (Málaga), y el Museo de Arte Moderno de New York, entre muchos otros. Luis ha recibido el Premio Especial Aica, Capítulo Venezuela de Association Internationale des Critiques d'Art en 2019, el Itau Prize Jury member, del Museu de Arte de Sao Paulo, en Brasil, y el Prize Jury member, Premio de la Galería Nacional de Arte Joven de Berlín, en Alemania en 2013; entre una lista muy extensa de reconocimientos. Explora lo que tenemos para ti en nuestra página web: https://tramauniversity.org/ Síguenos en Instagram para estar al día con todas nuestras actividades: https://www.instagram.com/tramauniversity/ Regla #1: No creerte el éxito pues la experiencia del fracaso es fundamental para el aprendizaje. Regla #2: Hay que tener osadía: decir lo que uno piensa y atreverse a pensar por uno mismo. Regla #3: Hay que ser consciente de lo que no sabes. Regla #4: La disponibilidad es un ejercicio permanente. Cronomarcadores 00:00:14 Presentación del invitado. 00:01:56 ¿En qué momento y por qué Luis se ha interesado por el mundo del arte? 00:09:25 Sobre la tesis doctoral de Luis que trata Las Meninas, obra de Velasquez. 00:31:27 ¿Cuál es el trabajo de un curador de arte? 00:33:10 ¿Se corre el riesgo de que la ciencia y la tecnología terminen por deshumanizar el arte? 00:44:42 ¿Cómo ve Luis el estado del arte en Venezuela? ¿Hay oportunidades para los artistas? 00:53:35 Acerca de la exposición sobre Reverón de la cual estuvo “encargado” en el MoMA. 01:03:03 ¿Qué significado tiene para Luis ser venezolano? 01:07:18 ¿Qué es lo más curioso que le ha sucedido a Luis en el mundo del arte? 01:10:04 Claves para alcanzar un alto nivel de excelencia en el mundo del arte. 01:10:27 No creerte el éxito pues la experiencia del fracaso es fundamental para el aprendizaje. 01:13:08 Hay que tener osadía: decir lo que uno piensa y atreverse a pensar por uno mismo. 01:13:59 Hay que ser consciente de lo que no sabes. 01:14:08 La disponibilidad es un ejercicio permanente. 01:15:24 Palabras para aquel que busca el éxito.

Hoy se entregan los Premios 'El Ojo Crítico' de Radio Nacional de España. La ceremonia se celebra a partir de las 18:00 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. La escritora Laura Fernández es la premiada de esta edición en la categoría de narrativa y ha comentado que se encuentra nerviosa y con muchas ganas de asistir al evento. Afirma que su obra 'La señora Potter no es exactamente Santa Claus' ha sido un proceso largo y que le ha cambiado como persona. Escuchar audio

“León Ferrari“ L'aimable cruautéau Centre Pompidou, Parisdu 20 avril au 29 août 2022Interview de Nicolas Liucci-Goutnikov, conservateur, chef du service de la bibliothèque Kandinsky, Musée national d'art moderne et co-commissaire de l'exposition,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 19 avril 2022, durée 10'20.© FranceFineArt.Communiqué de presse Commissariat :Nicolas Liucci-Goutnikov, conservateur, chef du service de la bibliothèque Kandinsky, Musée national d'art moderne, Assisté de Diane Toubert, chargée de recherche au Musée national d'art moderneCommissaires invités : Andrea Wain, Javier del Olmo, Fernanda CarvajalLe Centre Pompidou présente la première exposition muséale en France de l'oeuvre de León Ferrari (1920 – 2013). Figure majeure de la scène argentine d'après-guerre, il est l'auteur d'un oeuvre protéiforme alliant inventivité plastique et conscience critique.Ingénieur de formation, il pratique le dessin en autodidacte dès 1946. En 1952, installé avec sa famille en Italie, il réalise ses premières sculptures en céramique, exposées à Milan en 1955. De retour à Buenos Aires, León Ferrari se tourne vers de nouveaux matériaux, le bois et le fil de fer, dont il fait de fragiles et complexes édifices. À partir de 1962, il explore la visualité du langage dans des « tableaux écrits » (« cuadros escritos ») annonçant l'émergence d'un conceptualisme globalisé. Dessin et sculpture se répondent et s'enrichissent, engageant un dialogue constant entre expérimentation formelle et radicalité politique.« L'art n'est ni beauté, ni nouveauté, mais efficacité et désordre. » León FerrariFrappé par les violences de son temps, notamment celles de la guerre du Vietnam largement diffusées par les médias, León Ferrari constate avec inquiétude que « par un étrange paradoxe, la liberté de la presse s'est convertie en justification de la torture » et voue son oeuvre à mettre en évidence la « barbarie » du monde libéral occidental.Tenant le christianisme responsable des phénomènes contemporains de torture et d'exclusion, son discours anticolonial se double d'un anticléricalisme farouche. Ainsi, en 1965, León Ferrari réalise la retentissante sculpture La civilización occidental y cristiana (La civilisation chrétienne et occidentale) représentant un Christ crucifié sur un avion militaire américain. À la fin des années 1980, exilé au Brésil, il poursuit cette pratique de l'assemblage dans une série de collages iconoclastes réunissant des représentations bibliques issues de la tradition picturale occidentale et les images de violence véhiculées par la presse. Tout au long de sa vie, León Ferrari n'eut de cesse de nous mettre en garde contre le processus par lequel l'art embellit et banalise la violence – mécanisme qu'il nomme « aimable cruauté » (« bondadosa crueldad »).L'exposition est organisée à l'occasion du centenaire de León Ferrari, par le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, le Van Abbemuseum, Eindhoven, le Musée National d'Art Moderne Centre Pompidou, Paris et avec la complicité de la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo, Buenos Aires.#ExpoLeonFerrari Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Episode No. 535 of The Modern Art Notes Podcast features curator and historian Marin Sullivan and artist Olivia Block. Along with Jed Morse, Sullivan is the co-curator of "Harry Bertoia: Sculpting Mid-Century Modern Life," the first American museum retrospective of Bertoia's work in over 50 years. The exhibition is at the Nasher Sculpture Center in Dallas through April 24. The exhibition features over 100 works, including Bertoia's early jewelry and furniture designs, monotypes, sculptures, and commissions he fulfilled for architect-clients such as Gordon Bunshaft, Eero Saarinen and Minoru Yamasaki. The exhibition is accompanied by an excellent catalogue published by the museum in collaboration with Verlag Scheidegger & Spiess. Indiebound and Amazon offer it for $59. The Nasher has commissioned Olivia Block to make a new sound installation from recordings of Bertoia's so-called sonambient sculptures. Block's new composition, titled The Speed of Sound in Infinite Copper, will highlight the Bertoias' ability to create a palpable sonic space while allowing the audience to activate the sonic experience by moving about a gallery. The Speed of Sound in Infinite Copper will be presented at the museum through April 24. Block's discography includes over 20 solo and collaborative recordings. She has performed and exhibited around the world including in Chicago's Millennium Park, and at venues such as the Institute of Contemporary Art, London and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid.

José Pedro Croft nascido no Porto em 1957, vive e trabalha em Lisboa.Croft é um dos principais expoentes da renovação da escultura portuguesa. A sua carreira, tanto como escultor como desenhador, tem sido caracterizada desde as suas fases iniciais por um meticuloso processo construtivo que combina o seu universo formal com o seu mundo pessoal. Em suma, o projecto artístico de Croft situa-se fora do caminho determinado pelas escolas e grupos.Em relação a esta noção, os seus trabalhos resultam sempre dos processos desencadeados no seu interior, onde as dimensões visuais, plásticas e poéticas dos objectos criados se misturam, produzindo uma impressão de equilíbrio precário entre o estável e o instável que, para o artista português, "reflecte a natureza transitória do universo".As suas esculturas desenvolvem relações complexas com o seu contexto e com as suas próprias formas e volumes, através de estruturas simples quase minimalistas que combinam a natureza material do objecto com os seus aspectos formais.Expondo individualmente pela primeira vez em 1983, desde então tem participado em várias exposições individuais e coletivas em Portugal e no estrangeiro. Representou Portugal na 46ª Bienal de Veneza, em 1995, e apresentou uma retrospetiva do seu trabalho no Centro Cultural de Belém, Lisboa e no Centro Galego de Arte Contemporánea Santiago de Compostela em 2002 e 2003 respectivamente. Em 2017 representou Portugal com a instalação “Medida Incerta” na 57ª Biennale di Venezia, comissariada por João Pinharanda.Em 2002 recebeu o Prémio EDP – Desenho. Tem também realizado obras de arte pública, tendo recebido em 2001 o Prémio Nacional de Arte Pública Tabaqueira. Está representado em várias colecções institucionais e privadas das quais se destacam: Centro de Arte Moderna - Fundação Calouste Gulbenkian (PT), Fundação de Serralves (PT), Colecção Berardo (PT), Secretaria de Estado da Cultura (PT), Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento (PT), Colecção Caixa Geral de Depósitos (PT), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (ES), MEIAC (ES), Centro Georges Pompidou (FR), Museu Albertina (AT), Fundação La Caixa (ES), Banco de España (ES), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (BR) e Pinacoteca do Estado de São Paulo (BR) entre outros. Links: http://helgadealvear.com/en/artists/jose-pedro-croft/https://www.galeriamaior.es/en/artists/jose-pedro-croft/ https://www.veracortes.com/artists/jose-pedro-croft/ http://projectomap.com/visitas-atelier/jose-pedro-croft/ https://irenelaubgallery.com/artistes/jose-pedro-croft/ https://observador.pt/especiais/jose-pedro-croft-de-vidro-e-aco-em-veneza-nao-tenho-uma-carreira-tenho-uma-forma-de-viver/ https://www.dgartes.gov.pt/pt/noticia/479 https://www.publico.pt/2017/05/10/culturaipsilon/noticia/as-esculturas-de-jose-pedro-croft-sao-capazes-de-pintar-veneza-1771695 https://www.youtube.com/watch?v=dCJs5dCLZw0 https://www.youtube.com/watch?v=-fI6Jb2LbvU https://www.rtp.pt/noticias/cultura/jose-pedro-croft_v935619 https://contemporanea.pt/edicoes/12-2017/conversa-dois-entre-dois-desenhos-e-duas-esculturas https://makingarthappen.com/2012/10/18/dois-desenhos-uma-escultura-jose-pedro-croft/ http://www.museuartecontemporanea.gov.pt/pt/artistas/ver/103/artistsEpisódio gravado a03.12.2021 http://www.appleton.pt Mecenas Appleton:HCI / Colecção Maria eArmando Cabral Financiamento:República Portuguesa -Cultura / DGArtes Apoio:Câmara Municipal de Lisboa

Su 'Tarantos' es una de las cuatro obras seleccionadas como finalista en el XXXII Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNEM 2021, que han sido elegidas de un total de 28 partituras escogidas.Los otros tres finalistas son Josuè Blanco Balaguer con 'Pan', '22 cristales rotos y un hilo de sangre' de Brais Martínez Basalo y Tomás Jesús Ocaña González con 'Y sin embargo, es necesario...'El ganador se dará a conocer en un concierto final, con acceso libre, en el que el Ensemble NeoArs Sonora interpretará las cuatro obras finalistas y que tendrá lugar el 15 de noviembre en el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía dentro del ciclo SERIES 20/21 programado por el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).Además de la dotación económica, y como en cada edición, la Fundación SGAE editará un disco promocional que reunirá las cuatro obras finalistas, con el fin de contribuir a su posterior promoción y difusión. Y a esto se suma el Premio Especial JM España que otorgará Juventudes Musicales de España al ganador de esta edición, convirtiéndolo en Compositor Residente de la Red de Músicas de JM España durante la temporada 2022-2023.

Nasceu em Lisboa no ano de 1953, cidade onde vive e trabalha.Iniciou os estudos em engenharia civil, transferindo-se em 1976 para a Escola de Belas Artes de Lisboa. Posteriormente frequentou o Curso de Formação Artística da Sociedade Nacional de Belas Artes. Enquanto aluno na Faculdade de Belas Artes, trabalhou como fotógrafo profissional, tendo-se dedicado mais intensamente à pintura a partir de 1985. Entre 1986 e 1998 foi professor no Ar.Co. em Lisboa, tendo sido responsável pelos departamentos de desenho e de pintura. Começou a participar em exposições ainda nos anos 70, tendo realizado a sua primeira exposição individual em 1982.No contexto nacional, Pedro Calapez é um dos nomes mais reconhecidos, tendo surgido na chamada década do «regresso à pintura», os anos 80, junto com os artistas Pedro Cabrita Reis, José Pedro Croft, Rui Sanches, Rosa Carvalho e Ana Léon.Desde 2019 que é membro da Direcção da SPA, Sociedade Portuguesa de Autores, Lisboa; Em 2012 recebeu o Grau de Comendador da Ordem do Infante D.Henrique.O seu trabalho tem sido alvo de mostras em diversas galerias e museus tanto em Portugal como no estrangeiro sendo de salientar as exposições individuais na Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca (1997); no Museo MEIAC, Badajoz e Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilha (2002); no CAM- Fundação C. Gulbenkian, Lisboa (2004); no CGAC- Centro Galego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela. Destaca-se ainda a sua participação nas Bienais de Veneza (1986) e S. Paulo (1987 e 1991). Encontra-se representado em importantes coleccções nacionais e internacionais Caixa Geral de Depósitos, Lisboa; Centro de Arte Caja Burgos, Burgos; Central European Bank, Frankfurt; Centro Galego de Arte Contemporânea, Santiago de Compostela; Chase Manhattan Bank N.A, Nova Iorque; Coleção António Cachola, Elvas; European Investment Bank, Luxemburgo; Fondación Coca-Cola España, Madrid; Fundació Pilar i Joan Miró, Maiorca; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; Fundação EDP, Lisboa; Fundação Luso Americana, Lisboa; Fundação PLMJ, Lisboa; MEIAC- Badajoz; Museo Nacional Centro de Arte ReinaSofia, Madrid; Museu de Serralves, Porto e outras coleções públicas e privadas.Dos diversos prémios ganhos destacam-se: Em 2005 – o “Premio Nacional de Arte Gráfico”, pela Calcografia Nacional da Real Academia de Bellas Artes, Madrid e ganhou o “Prémio AICA” (Associação Internacional de Críticos de Arte -secção portuguesa). Em 2001 – “Prémio de Pintura EDP”, em Lisboa. 1999 – “Premi Ciutat de Palma de Pintura”, Palma de Mallorca. 1998 – “Prémio “El Brocense”, Deputación Provincial de Cáceres. 1994 – “Prémio de Desenho”, Fundació Pilar i Joan Miró em Mallorca. E em 1990 a primeira edição do “Prémio União Latina”, Lisboa. 1987 – “Pémio Amadeo de Sousa Cardoso”, Museu de Serralves, Porto. 1986 – “Arte dos Anos Oitenta”, V Bienal de V.N.de Cerveira. 1984 – “Lagos 84”, Lagos.Links: https://www.calapez.com/ https://www.cps.pt/pt/artistas/pedro-calapez http://museuartecontemporanea.gov.pt/pt/artistas/ver/121/artists https://www.rtp.pt/noticias/cultura/pedro-calapez-galardoado-em-espanha-com-premio-de-arte-grafica-2005_n155195 http://www.aica.pt/pt/artists/pedro-calapez/ https://www.publico.pt/2006/02/22/jornal/pedro-calapez-o-artista-inquieto-64809 https://www.publico.pt/2021/08/06/culturaipsilon/critica/dois-artistas-dentro-casa-imagens-1972742 https://galeriasmunicipais.pt/en/exposicoes/um-estranho-aqui-cheguei/ https://www.artecapital.art/snapshot-16-pedro-calapezEpisódio gravado a 21.09.2021http://www.appleton.ptMecenas Appleton:HCI / Colecção Maria e Armando CabralFinanciamento:República Portuguesa - Cultura / DGArtesApoio:Câmara Municipal de Lisboa

“Michael Schmidt“Une autre photographie allemandeau Jeu de Paume, Parisdu 8 juin au 29 août 2021Interview de Quentin Bajac, directeur du Jeu de Paume,par Anne-Frédérique Fer, à Paris, le 7 juin 2021, durée 17'48.© FranceFineArt.Extrait du communiqué de presse :Commissaire : Thomas WeskiConseil artistique : Laura BielauAvec le concours de Quentin Bajac pour sa présentation au Jeu de Paume à Paris.À l'occasion du 75e anniversaire de la naissance de Michael Schmidt, le Jeu de Paume présente une grande rétrospective de cet artiste, considéré comme l'un des piliers majeurs de l'histoire de l'art allemand du XXe siècle.Hommage à un grand photographe, cette exposition présentera des originaux, des tirages de travail inédits, des projets de livre et d'autres archives illustrant l'évolution de son travail artistique. Elle veut aussi mettre en évidence le processus de reconnaissance de la photographie comme forme d'expression artistique en Allemagne et en Europe à partir des années 1970.Comme Bernd et Hilla Becher, Michael Schmidt fait partie des photographes d'après-guerre les plus influents. Il a inlassablement développé son oeuvre durant cinq décennies. À travers les publications de ses travaux sous forme de livres et d'installations toujours en dialogue avec leur lieu d'exposition, il a mis au point différents types de présentation novateurs. Par l'incessant renouvellement de son langage formel et par le choix de ses thèmes, Michael Schmidt a écrit un volet de l'histoire de la photographie et est aujourd'hui un modèle pour toute une génération de jeunes photographes.Né à Berlin le 6 octobre 1945, c'est dans cette ville qu'il vit et travaille jusqu'à sa mort en 2014. Cet autodidacte travaille comme photographe à partir du milieu des années 1970, tout d'abord exclusivement dans sa ville natale. C'est là qu'ont vu le jour les séries consacrées à Kreuzberg et Wedding – deux arrondissements de Berlin-Ouest –, lesquelles vont déjà au-delà de la simple description d'un quartier, prenant un sens plus large. C'est avec le projet de livre et d'exposition développé en collaboration avec le metteur en scène et dramaturge Einar Schleef, Waffenruhe (Cessez-le feu), présenté tout d'abord à Berlin en 1987, que Michael Schmidt réalise un travail indéniablement artistique.Cette série constituée d'images brutes, à l'atmosphère chargée, dessine un portrait très personnel de la ville à la fin de la guerre froide – et de sa jeunesse –, une ville encore coupée en deux, peu avant le changement d'époque.Michael Schmidt abandonne cette concentration sur l'univers thématique de Berlin avec la série Ein-heit (Uni-té), dans laquelle il explore les langages visuels des différentes formes de société et des différents systèmes politiques qui ont marqué l'Allemagne au XXe siècle. Il utilise à cette occasion des images déjà médiatisées qu'il mêle à des photographies prises par lui-même, publiant le tout dans un livre sans texte. La première exposition de cette série est orginasée en 1996 au Museum of Modern Art, à New York.Schmidt a été ainsi le premier photographe allemand depuis des décennies à bénéficier d'une exposition personnelle en ce lieu. Par la suite, il consacre d'autres travaux à l'image de la femme telle que revendiquée par celle-ci, au rôle des régions et à l'importance de la nature. Sa dernière grande série, Lebensmittel (Denrées alimentaires), dans laquelle il explore la production alimentaire contemporaine, lui a valu d'obtenir le prix Pictet quelques jours seulement avant sa mort.L'exposition « Michael Schmidt. Une autre photographie allemande» est organisée par la Stiftung für Fotografie und Medienkunst mit Archiv Michael Schmidt et la collaboration du Jeu de Paume pour sa présentation à Paris. Après Paris, l'exposition sera présentée au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid (21 septembre 2021 – 28 février 2022) et au palais Albertina à Vienne (24 mars – 12 juin 2022). Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Marcos Ramírez ERRE in Conversation with Bread & Salt Curator Thomas DeMello About the Artist (from the MASS MoCA Website) Marcos Ramírez, known as ERRE (a nod to the rolled ‘r’ of Spanish), was born in Tijuana in 1961. He studied at the Universidad Autónoma de Baja California, graduating with a law degree, and later worked in the construction industry for many years to support his visual art practice. He has been the subject of a number of solo exhibitions at institutions including the Museum of Contemporary Art San Diego, CA (2016), Museum of Latin American Art, Long Beach, CA (2014), MACLA/Movimiento de Arte y Cultura Latino Americana, San Jose, CA (2012), Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City (2010), and Centro Cultural Tijuana, Mexico (1996); he has also participated in group exhibitions at the Oceanside Museum of Art, Oceanside, CA (2017-18); Today Art Museum, Beijing (2016-17); SITE Santa Fe Biennial (2014); the California Biennial, Orange County Museum of Art, Newport Beach, CA (2008); Moscow Biennale (2007); The São Paulo/Valencia Bienal Valencia, Spain ( 2007); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005); Havana Biennial, Havana, Cuba (2000); the Whitney Biennial, New York, NY (2000); and the InSite 1997 and 2000 editions in the San Diego / Tijuana border region. you can View his Current Exhibition through June 2021 At MASS MoCA For Episodes in Spanish Hosted by Griselda Rosas Subscribe to the Pan y Sal Podcast

Arte y pedagogía. Críticas encarnadas a la pedagogía y herramientas para su desmantelamiento. Contra Pedagogías racistas, salidas de la educación colonial, según Dani Benitez (México). Pedagofagia y piquete contra la normalización hetero-cis, Pao Lunch (Newquen). BIOS del archivo que aparecen en los episodios Pao Lunch es docente, artista visual, lesbiana disidente sexual, piquetera agénero, neuquina y transfeminista incómoda. Problematiza la construcción de lxs cuerpxs sexuadxs, cuerpoterritorios, desde la ilegalidad, las pedagogías críticas y las prácticas estético @Contagiamosimágenes @paolunch Daniel Sepúlveda / Menos Foucault Mas Shakira horrorista, educadorx e investigadorx independiente, impulsorx del Círculo Permanente de Estudios Independientes, plataforma de investigación contrapedagógica que entre otros proyectos sostiene el curso de de-formación continua Menos Foucault, Más Shakira. Desde el 2017 he venido desarrollando diversas propuestas en el campo de la pedagogía crítica tomando como punto de partida las narrativas visuales que sostienen la colonialidad, entre dichas propuestas destacan seminarios y talleres intensivos sobre blanquitud, supremacias, racismo, mestizaje, nacionalismos y políticas del error impartidos tanto en espacios independientes como dentro de la institución blanco-colonial en las ciudades de México, Madrid, Barcelona y Rio de Janeiro. en 2019 formé parte de Escuela Perturbable dentro del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, institución en la que desarrollé una residencia de investigación junto a la plataforma FelipaManuela en la ciudad de Madrid. Fui parte del programa internacional de residencias artísticas Capacete 2019-2020 en la ciudad de Rio de Janeiro, Brasil y actualmente coordino el proyecto Lenguajes de la Indigestión: laboratorio de contrapedagogías y resistencias visuales financiado por la Prince Claus Fund así como el laboratorio a raça cósmica. @opresentejamorreu ---euskaraz--- 3. atala. A ANORMALAK Artea eta pedagogia. Kritika gordinak pedagogiari, eta hori eraisteko tresnak. Pedagogia arrazisten aurka, hezkuntza kolonialetik irteerak, Dani Benitez-en (Mexiko) arabera. Pedagofagia eta zishetero normalizazioaren aurkako piketea, Pao Lunch (Newquen). Ataletan azaltzen diren BIOak Pao Lunch Irakaslea, artista bisuala, lesbiana disidente sexuala, piketera ageneroa, Neuquén-goa eta transfeminista deserosoa da. Gorputz sexuatuak, lurralde-gorputzak, ilegaltasunetik eraikitzea arazo gisa planteatzen du, pedagogia kritikoak eta praktika estetikoak. @Contagiamosimágenes @paolunch Daniel Sepúlveda / Menos Foucault Mas Shakira Horrorista, hezitzaile eta ikertzaile independentea, Círculo Permanente de Estudios Independientes delakoarne sustatzailea. Ikerketa kontrapedagogikorako plataforma horrek eskaintzen du etengabeko de-formazio ikastaro hau: Menos Foucault, Más Shakira. 2017tik, zenbait proposamen garatu ditut pedagogia kritikoaren arloan, abiapuntu gisa kolonialtasunari eusten dioten kontaketa bisualak hartuta. Proposamen horien artean aipagarriak dira zuritasunari, gailentasunari, arrazakeriari, mestizajeari, nazionalismoei eta errore-politikei buruz Mexikon, Madrilen, Bartzelonen eta Rio de Janeiron eskainitako mintegi eta tailer trinkoak. 2019an Sofia Erregina Arte Zentroaren Museo Nazionalaren baitan, Escuela Perturbale ekimenean parte hartu nuen. Erakunde horretan egin nuen ikerketa-egonaldi bat FelipaManuela plataformarekin, Madrilen. Egonaldi artistikoetarako Capacete 2019-2020 nazioarteko programan parte hartu nuen, Brasilgo Rio de Janeiro hirian, eta orain proiektu hau kudeatzeko lanetan nabil: Lenguajes de la Indigestión: laboratorio de contrapedagogías y resistencias visuales. Prince Claus Fund eta a raça cósmica laborategiak finantzatutako proiektua da. @opresentejamorreu

Desde el pasado 14 octubre, y hasta el 11 enero del 2021, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) acoge, en la tercera planta de su Edificio Sabatini, una amplia exposición titulada "Audiosfera. Experimentación sonora 1980-2020". En esta edición de Ars Sonora continuamos nuestro análisis de esta pretenciosa muestra, que reúne 728 obras de más de 800 autores. La decisión del comisario, Francisco López, de acumular tal cantidad de piezas no solamente disuelve la especificidad de cada propuesta y de su autor en una suerte de magma confuso para el visitante, sino que también implica la imposición de unas condiciones de escucha homogéneas para todas ellas. Ese modo de escucha, heredero de la decimonónica “idea de la música absoluta” —que estudió el musicólogo Carl Dahlhaus—, ciertamente puede resultar idóneo para la música de López, pero no favorece en nada —más bien al contrario— la recepción de la mayor parte de las obras reunidas en “Audiosfera”. El discurso estético de López se presenta de manera no ya independiente, sino radicalmente ajena a cualquier estímulo cultural que apele, por ejemplo, a la literatura, a la historia (incluyendo, claro, la historia de la música), a los problemas de la sociedad, a la política… Esta actitud escapista, que intenta presentar la música como algo independiente y puro, ajeno a su contexto (social, histórico, político, estético…), desde luego no es la más frecuente en la práctica de la creación sonora experimental de las últimas décadas. Por ello es posible sostener que la muestra propone un retrato falseado de esa realidad, al escamotear al visitante todos esos elementos contextuales que —a diferencia de lo que sucede en las obras del propio López— dotan de sentido a buena parte de esas creaciones sonoras. La imposición de esta forma de relación con las obras no solamente revela una incapacidad de escucha por parte del comisario (es decir, una ineptitud para penetrar íntimamente en el discurso propio de cada propuesta estética y para propiciar una inmersión plena en cada obra; para abrirse o desnudarse humildemente ante ella, en tanto que comisario, y facilitar al oyente una forma de disfrute lo más rico y pleno que resulte posible en cada caso). También puede interpretarse como una manifestación de los procesos socioeconómicos propios del tardocapitalismo que se celebran efusivamente en el texto confeccionado por López para el catálogo (por ejemplo, la aparente “democratización” de las tecnologías y los saberes, o la presunta disolución de las jerarquías económicas y simbólicas —negada por el propio dispositivo de un museo como el Reina Sofía—). Estas asunciones por parte del discurso curatorial —que apelan a una ingenua relación espiritual con el sonido, intentando evitar cualquier posibilidad de un análisis crítico de su sustrato ideológico neoliberal— de nuevo remiten a la propia praxis artística de López, más que a las peculiaridades propias de las obras por él compiladas (pues éstas, en general, se oponen a la producción en serie de bienes de consumo prácticamente indiferenciados entre sí —véase la serie “untitled”—, que en su uniformidad constante a través del tiempo niegan la posibilidad de cualquier desarrollo —estético o político—). Acompañamos estas y otras reflexiones con la escucha de una selección —algo más modesta y limitada, al menos cuantitativamente, que la de “Audiosfera”— de algunos fragmentos de obras presentes en la exposición: “Die Badende”, de María de Alvear; “Point à la ligne”, de Émilie Payeur; “Breaking News”, de Hildegard Westerkamp; “Looking For Patterns In The Flow of Data”, de Blanca Rego; “El Principio del Fin”, de Fátima Miranda; “Live at Sarean”, de Marta Sainz & Enrique Zacagnini; “with 4”, de Sachiko M. Escuchar audio

Desde el pasado 14 octubre, y hasta el 11 enero del 2021, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) acoge, en la tercera planta de su Edificio Sabatini, una amplia exposición titulada "Audiosfera. Experimentación sonora 1980-2020". El comisario —y, en cierto sentido, gran protagonista— de la exposición, Francisco López, escribe que ésta “(…) propone cubrir un vacío histórico y cultural en cuanto al reconocimiento, exposición y análisis de una parte esencial de los cambios recientes que se han dado en la concepción artística de la creación sonora”. Ahora bien, tal y como argumentamos en esta edición de Ars Sonora, podría afirmarse que, en realidad, “Audiosfera” apenas proporciona elementos de análisis que permitan valorar apropiadamente ni las obras presentadas en la exposición (nada menos que 728 en total), ni en consecuencia esos cambios a los que se refiere López. En un sentido similar, tampoco es fácil entender por qué el comisario afirma que su exposición ha sido “(c)oncebida desde una perspectiva social, con el objetivo de revelar y proporcionar un contexto para la reflexión y discusión sobre los cambios tecnoculturales ocurridos desde la década de 1980”, cuando ese contexto interpretativo, según explicamos en el programa, ha sido reducido al máximo en lo que respecta a cada una de las obras, lo cual disminuye en igual medida las posibilidades de la reflexión a la que alude explícitamente Francisco López. No queda claro, finalmente, qué se quiere decir exactamente cuando se habla de que la exposición ha sido “concebida desde una perspectiva social” —si bien esta cuestión será más detenidamente examinada en la próxima edición de Ars Sonora, que también estará dedicada a esta ambiciosa y relevante exposición, cuya visita no dejamos de recomendar por su excepcionalidad y previsible trascendencia—. Acompañamos estos pensamientos de la audición de algunos fragmentos de obras presentadas en “Audiosfera”, firmadas por Jana Winderen (“Heated”, de 2008), Olivia Block (“Foramen Magnum, de 2013), Chantal Dumas (“Oscillations planétaires: Magnétisme terrestre, de 2019), Barbara Held (“Pausa”, de 2018), Christina Kubisch (“Seven magnetic places”, de 2017) y Susana López (“Fenomenología”, de 2012). Aunque, de manera excepcional, apenas comentamos cada una de estas composiciones en esta edición de Ars Sonora —al contrario de lo que es habitual en nuestro programa desde su fundación en 1985, pues consideramos que ello es fundamental para el “reconocimiento, exposición y análisis” de las piezas y sus autores—, sí proporcionamos las referencias a las ediciones anteriores de nuestro espacio dedicadas a cada una de las mencionadas artistas. Escuchar audio

Welcome to this 13th episode of the new Dior Talks series ‘The Female Gaze’. With the term developed in response to the writings of feminist film theorist Laura Mulvey, this podcast series will explore how the work of the female photographers and creatives collaborating with Dior offers a radically new and progressive image of women. In this episode, series host Charlotte Jansen, a British journalist and author, speaks with Maya Goded from her home in Mexico City. Goded is no ordinary arbiter of the photographic form, spending years, sometimes decades, working on individual research projects and painstakingly building visual documents of women and womanhood from every stratum of Mexican society. From her sensitive and inquiring photographs of women’s precarious existence, to her subtly moving portrait of Maria Grazia Chiuri, she offers a thoughtful discussion of her working processes and her socially conscious approach to contemporary life. Maya Goded was born in Mexico City in 1967 and currently resides in the beautiful Coyoacán neighborhood which is also home to Frida Kahlo’s Blue House (La Casa Azul). She assisted other photographers before embarking on her solo career, and her first major project was a three-year endeavor photographing Afro-Mexicans, titled Black Earth. She has consistently focused on themes of female sexuality, gender violence, prostitution and the traditional role of motherhood assigned to women in Mexican society. In 2001, she held a major solo exhibition at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, titled Sex Workers 1995-2000, which was hailed for its penetrating, refreshingly nuanced portrayal of its subjects. An unstinting commitment to listening and sensitive observation is the hallmark of Goded’s work, which has allowed her to reveal so many layers of women’s lives without cliché or condescension. Goded has received numerous prestigious awards for her work, including the Guggenheim Fellowship, the FotoPres La Caixa prize and the W. Eugene Smith Memorial Fund. Here, Charlotte Jansen speaks to Maya Goded about the breadth of her practice and how she views the world at this extraordinary time. They discuss how lockdown has forced each of us into a reckoning with ourselves and our lives and how this year’s eerie silence has led to millions of personal examinations of the potential for change. They reminisce on Goded’s intimate portrait of Maria Grazia Chiuri and the brief, bonding time they spent together. They also reflect on the striking images Goded took of the Dior Cruise 2019 collection. Through her multifaceted and lovingly empathetic practice, Goded is an ideal figure to consider the question, what does it take to change the way we see a woman?

Escrito y narrado por Susana Benko Fotografía Juan Genovés El abrazo, 1976 Acrílico y serigrafía sobre lienzo 151 x 201 cm Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Fotografía: https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/abrazo

‘Guernica' es mucho más que un cuadro. ‘Guernica' es un símbolo, uno de los más poderosos del siglo XX. Analizamos el contexto en el que Picasso lo creó como un encargo para la Exposición Internacional de París de 1937, su significado y su historia con la enorme ayuda de Jorge García, Jefe de Restauración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Por su lado, Eva Perales, restauradora de pintura del siglo XIX del Museo del Prado, nos cuenta cómo fue cuidar de ‘Guernica' (sí, así, sin artículo) durante su traslado hasta el Reina. 

Episodio #03 José López Montes Compositor, pianista y músico visual. Moderador: Domingo Campillo (Comisión académica Máster producción e investigación en arte, BBAA Granada) Título: “Serendípicos y aleatorios” Duración de episodio 01:06:41 Resumen José López Montes es un compositor, pianista y músico visual de Guadix, Granada. En este episodio nos adentramos –aún más si cabe– en el sonido, en los procesos oscuros del autor, en lo microscópico, en lo microsonico. Es un creador de mundos sonoros a través del uso de los algoritmos, los cuales le permiten crear unos espacios de libertad sonora mucho más amplios. Escucharemos algunas de sus piezas como GEST, Zobeliana, y su relación de forma azarosa con la obra pictórica de Fernando Zóbel; eHayku, a través de algoritmos genéticos codificando el timbre como cromosomas, manejando cientos o miles de parámetros en un sonido para llegar a algo que se parezca a la complejidad de lo físico; Choral Riffs, compuesta por micropartituras, la pieza está inspirada en los arrecifes de coral y de alguna manera recrea toda esa vida abigarrada de miles de pequeños seres que interaccionan entre sí. Microcontrapunctus, una pieza creada para ser escuchada en un espacio arquitectónico: una basílica; donde –según el autor– el espacio es como un acelerador de partículas. José López Montes va más allá de la música, del arte, e incluso de la ciencia, aportando su visión interconectada del mundo que nos proporciona una experiencia sublime con respecto a su manera de proyectarnos el mundo. José López Montes Compositor, improvisador, músico visual, pianista e investigador. Su obra explora la interacción entre procesos algorítmicos, improvisación, electroacústica y síntesis de vídeo integrada con la composición instrumental, el teatro y la danza. Ha sido compositor invitado en instituciones como el Institute for Computer Music and Sound Technology de Zúrich, el Daegu International New Media Art Festival, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Observatorio Astronómico de La Silla (Chile). Recientemente su obra visual y musical para saxofones y electrónica se interpretó para la clausura del XX Aniversario del Museo Guggenheim de Bilbao, en un gran evento con la colaboración de la Agencia Espacial Europea. Durante una década ha colaborado con La Maquiné en la producción e interpretación de múltiples espectáculos distinguidos con galardones como el Premio Max o los Premios Lorca, actuando en escenarios como el Teatro Real de Madrid, el Liceu de Barcelona o el Kursaal, entre muchos otros. Actualmente es docente en el Conservatorio Profesional Ángel Barrios de Granada y cursa sus estudios de doctorado en el Departamento de Inteligencia Artificial de la Universidad de Granada centrados en las técnicas de creatividad artificial aplicadas a la composición mediante metaprogramación basada en la evolución de genotipos musicales. https://www.lopezmontes.es/ ________________________________________________________________ Organiza Facultad de Bellas Artes Universidad de Granada Colabora Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Patrimonio Unidad de Cultura Científica y de la Innovación FECYT-Ministerio de Ciencia e Innovación Master Producción e Investigación en Arte. Universidad de Granada Producción de Sonido Andrés Cándido Música José López Montes - Funky Riff https://www.lopezmontes.es/ Identidad Patricia Crespo Robles Divulgación RRSS Raquel Victoria Rodríguez

SONIC ACTS ACADEMY 2020 T. J. Demos – Beyond the End of the World 22 February 2020 – De Brakke Grond, Amsterdam, The Netherlands Celebrated writer T. J. Demos rarely leaves a seat empty at his talks on politics, ecology and art, often attending to decoloniality within nature. His most recent book addresses the occlusions embedded in the academic use of the term ​‘Anthropocene’ (human-caused planetary change) in shielding problems as opposed to opening inroads for change made accessible by artists. This presentation discusses the ongoing research and exhibition project, Beyond the End of the World, directed by T. J. Demos of the Center for Creative Ecologies at University of California, Santa Cruz (beyond​.ucsc​.edu). In the wake of the end of multiple worlds, we already live in a post-apocalyptic present following countless genocides and colonialisms. With reference to diverse traditions of the oppressed, this year-long research project addresses what lies beyond dystopian catastrophism, past and present end-of-world narratives, and how we can imagine and cultivate radical futures of social justice and ecological flourishing. T. J. Demos is an award-winning writer and Professor of Visual Culture at University of California, Santa Cruz and Director of its Center for Creative Ecologies. He writes widely about contemporary art, global politics and ecology and is the author, most recently, of Against the Anthropocene: Visual Culture and Environment Today (2017) and Decolonizing Nature: Contemporary Art and the Politics of Ecology (2016). Demos co-curated Rights of Nature: Art and Ecology in the Americas, at Nottingham Contemporary in 2015 and organised Specters: A Ciné-Politics of Haunting, at Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid in 2014. He is currently working on a Mellon-funded research, exhibition and book project dedicated to the questions: ​‘What comes after the end of the world?’ and ​‘How can we cultivate futures of social justice within capitalist ruins?’ #politicsandart #ecologyandart #anthropocene #future #experimental art

"Cum grano salis" es el título de un ciclo de música inmersiva que se enmarca dentro del proyecto expositivo "Museo de Pasiones" del artista visual Javier Viver. Si bien esta muestra tiene su sede principal en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid (donde se puede visitar desde el 5 de febrero al 4 de mayo), es en la segunda sede del proyecto, la Capilla de los Arquitectos, donde se celebrará este ciclo de conciertos (que se desarrolla entre el 13 de febrero y el 4 de mayo). Bajo la cúpula diseñada por el arquitecto Ventura Rodríguez, cuyos restos reposan en la cripta de esta capilla de la histórica Iglesia de San Sebastián -ubicada en la Calle de Atocha, número 39-, intervendrán los músicos Fernando Monedero -junto al coro de Taizé- ("Nacimiento", 13 de febrero), Menhir ("La meditación del agua", 7 de marzo), Luis Hernáiz ("Levitación", 21 de marzo), Lucas Bolaño ("Latido", 4 de abril), Alberto Bernal ("Disolución", 18 de abril), y de nuevo Fernando Monedero (el 2 de mayo), esta vez sin la presencia física del coro, pero sí con sus voces previamente grabadas. El espacio de culto, sin abandonar su dimensión de espacio de reflexión, pasa a convertirse así, también, en espacio expositivo y de búsqueda de lo indecible. En esta edición de Ars Sonora conversamos con José Delgado Periñán, coordinador de "Cum grano salis", así como con el artista visual Javier Viver -desde cuyo proyecto de exposición surge la iniciativa-, y con los dos miembros del dúo Menhir (Coco Moya e Iván Cebrián), que protagonizan una de las sesiones. Como comentan nuestros invitados durante la conversación, la principal particularidad de este ciclo es la voluntad de inmersión que se pretende generar en el público, sirviéndose para ello de la especial acústica de la arquitectura que lo acoge, así como de su función espiritual y su carga simbólica. Si Javier Viver atiende, en su montaje expositivo, a la planta en cruz de la arquitectura (el cuerpo), estas propuestas sonoras resuenan en el círculo a partir del cual surge la semiesfera de la cúpula que apunta al cielo (el espíritu). El diseño acústico que se usará para todas las propuestas que participan en el ciclo proyecta el sonido a partir de varias fuentes que dibujan ese círculo y esa semiesfera que representa al cosmos. También aparece en el diálogo la obra de José Val del Omar (1904-1982), artista a quien dedicó su tesis doctoral Javier Viver (titulada "Laboratorio de Val del Omar"), de la que derivó un primer montaje que recreaba el laboratorio PLAT (Picto–Lumínica–Audio–Táctil) en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, dentro de la muestra "Desbordamiento de Val del Omar" comisariada por Eugeni Bonet en 2010. Val del Omar estuvo dedicado durante gran parte de su carrera al "sonido diafónico" (un dispositivo acústico destinado a representar el consciente y el subconsciente a través de diversas fuentes de sonido), lo que se conecta con los planteamientos inmersivos que protagonizan este ciclo de conciertos. Nuestra conversación se complementa con la audición de diversos trabajos de los artistas sonoros participantes en "Cum grano salis". Escuchar audio

Hablamos de los límites de la fotografía y sus relaciones con el arte conceptual con Carmen Calvo (Valencia, 1950), Premio Nacional de Artes Plásticas 2013 y Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), que este año protagonizó una gran exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dos creadores destacados que, sin ser fotógrafos al uso, han usado la fotografía -y la imagen, en un sentido muy amplio-ya sea rescatando fotografías para intervenirlas o creando nuevos dispositivos a partir de cruzar la poesía con las artes visuales o interpretando con una mirada crítica desde la señalética urbana a las imágenes de los medios de comunicación de masas. Carmen Calvo, por su parte, protagonizó una exposición en PhotoEspaña 18. Además, analizamos "The Earth is Only a Little Dust Under our Feet", fotolibro de Bego Antón (Bilbao, 1983), un trabajo sobre el universo fantástico de las leyendas islandesas referidas a elfos, hadas o unicornios y reseñamos "El ojo del fotógrafo", libro de John Szarkowski, legendario director del departamento de fotografía del MOMA de Nueva York. Dirige y presenta: Juan María Rodríguez Con: Alfredo Oliva y Leire Etxazarra Emisión: 10 / 12 / 19

Hablamos de los límites de la fotografía y sus relaciones con el arte conceptual con Carmen Calvo (Valencia, 1950), Premio Nacional de Artes Plásticas 2013 y Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), que este año protagonizó una gran exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dos creadores destacados que, sin ser fotógrafos al uso, han usado la fotografía -y la imagen, en un sentido muy amplio-ya sea rescatando fotografías para intervenirlas o creando nuevos dispositivos a partir de cruzar la poesía con las artes visuales o interpretando con una mirada crítica desde la señalética urbana a las imágenes de los medios de comunicación de masas. Carmen Calvo, por su parte, protagonizó una exposición en PhotoEspaña 18. Además, analizamos "The Earth is Only a Little Dust Under our Feet", fotolibro de Bego Antón (Bilbao, 1983), un trabajo sobre el universo fantástico de las leyendas islandesas referidas a elfos, hadas o unicornios y reseñamos "El ojo del fotógrafo", libro de John Szarkowski, legendario director del departamento de fotografía del MOMA de Nueva York. Dirige y presenta: Juan María Rodríguez Con: Alfredo Oliva y Leire Etxazarra Emisión: 10 / 12 / 19

Tras más de medio siglo de trayectoria profesional, el diseñador, pintor y escultor Alberto Corazón (Madrid, 1942) es uno de los diseñadores españoles más reconocidos y laureados. Realiza sus primeros trabajos de diseño editorial y diseño de carteles en 1965, y es el responsable de la imagen gráfica de empresas e instituciones como Anaya, ONCE, Círculo de Bellas Artes, Junta de Andalucía, Tesoro Público, UNED y RENFE Cercanías. Es autor de varios libros sobre diseño y creación artística, como Un ensayo de ecología de la imagen impresa (1980), Un hombre que hace letras (1985) y Una mirada en palabras (2008). Como diseñador gráfico e industrial, Alberto Corazón fue Premio Nacional de Diseño en 1989 y ha sido premiado con las medallas de las asociaciones profesionales de Italia e Inglaterra. Su labor ha sido objeto de varias exposiciones, como la retrospectiva que le dedicó en 2015 la Fundación Telefónica: Alberto Corazón. Diseño: la energía del pensamiento gráfico. 1965-2015. Como artista, su obra pictórica y escultórica forma parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otras, y expone regularmente en Nueva York y Madrid en la Galería de arte Marlborough. Fue invitado como representante del arte español, junto a Antonio Saura, a la 73 Bienal de Paris y después a la 76 Bienal de Venecia, con Antoni Tàpies, Equipo Crónica y Antonio Saura. Su última gran retrospectiva de pintura y escultura tuvo lugar en el Museo Nacional en Shanghái (China). Por su trayectoria artística, obtuvo el premio Descubrir el Arte en 2011. Es miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 2006, donde introduce el diseño como nueva disciplina. El diálogo se complementará con la proyección de vídeos e imágenes relacionadas con la actividad del invitado.Más información de este acto

Conversaciones en la Fundación: Alberto Corazón en diálogo con Antonio San José. Tras más de medio siglo de trayectoria profesional, el diseñador, pintor y escultor Alberto Corazón (Madrid, 1942) es uno de los diseñadores españoles más reconocidos y laureados. Realiza sus primeros trabajos de diseño editorial y diseño de carteles en 1965, y es el responsable de la imagen gráfica de empresas e instituciones como Anaya, ONCE, Círculo de Bellas Artes, Junta de Andalucía, Tesoro Público, UNED y RENFE Cercanías. Es autor de varios libros sobre diseño y creación artística, como Un ensayo de ecología de la imagen impresa (1980), Un hombre que hace letras (1985) y Una mirada en palabras (2008). Como diseñador gráfico e industrial, Alberto Corazón fue Premio Nacional de Diseño en 1989 y ha sido premiado con las medallas de las asociaciones profesionales de Italia e Inglaterra. Su labor ha sido objeto de varias exposiciones, como la retrospectiva que le dedicó en 2015 la Fundación Telefónica: Alberto Corazón. Diseño: la energía del pensamiento gráfico. 1965-2015. Como artista, su obra pictórica y escultórica forma parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otras, y expone regularmente en Nueva York y Madrid en la Galería de arte Marlborough. Fue invitado como representante del arte español, junto a Antonio Saura, a la 73 Bienal de Paris y después a la 76 Bienal de Venecia, con Antoni Tàpies, Equipo Crónica y Antonio Saura. Su última gran retrospectiva de pintura y escultura tuvo lugar en el Museo Nacional en Shanghái (China). Por su trayectoria artística, obtuvo el premio Descubrir el Arte en 2011. Es miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 2006, donde introduce el diseño como nueva disciplina. El diálogo se complementará con la proyección de vídeos e imágenes relacionadas con la actividad del invitado. Explore en www.march.es/conferencias/anteriores el archivo completo de Conferencias en la Fundación Juan March: casi 3.000 conferencias, disponibles en audio, impartidas desde 1975.

Chema Madoz (Madrid, 1958) es uno de los fotógrafos españoles con más proyección internacional. En 1999 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presentó la exposición Madoz. Objetos 1990-1999, primera muestra individual que el museo dedicó a un fotógrafo español vivo. A nivel internacional ha expuesto en instituciones como el Centro Pompidou de París, el Nederlands Fotomuseum en Róterdam, la Fondazione M. Marangoni en Florencia, el Museo de Bellas Artes de Caracas y el Multimedia Art Museum en Moscú. Ha recibido el Premio Nacional de Fotografía y el Premio PHotoEspaña en el año 2000, y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la modalidad de Fotografía en 2012, entre otros. Su trabajo artístico ha sido calificado de "fotografía analítica o tropo visual" y su estilo visual como "racionalidad surreal o lógica de lo onírico", para referirse a las composiciones de objetos que protagonizan sus obras –en palabras del filósofo e historiador del arte Luis Arenas–. Para concluir, el periodista Antonio San José pedirá a Chema Madoz que enuncie tres propuestas que, a su juicio, podrían contribuir a mejorar la sociedad. El diálogo se complementará con la proyección de vídeos e imágenes relacionadas con la actividad del invitado.Más información de este acto

Entrevista al escultor Pablo Serrano realizada por José Luis Pécker en su programa Gente Importante en la Cadena SER en el año 1973.La tozudez, unida a la vocación, lograron que Pablo Serrano se convirtiera en uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX. Sus obras están expuestas en el MOMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París,  el Museo Middelheim de Amberes, o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre otros.El premio más grande que ha recibido es el haber visto cómo su pueblo comenzó a tener fuentes en sus calles evitando, así, el tener que ir a las aldeas próximos a por agua. Dice que no se siente con espíritu académico, su único interés es trabajar en su taller de 9-13 y de 16-20h y asegura que lo único que le interesa plasmar en sus obras es lo que aflora en el interior de los que retrata.

Mesa redonda como cierre de la jornada "Herramientas para la implantación de la conservación preventiva en exposiciones temporales" que tuvo lugar el 16 de Junio de 2017 en el Museo Nacional del Prado. Moderadora: Marta Hernández, Jefa de Servicio de Colección Permanente, Área de Registro y Exposiciones del Museo Nacional del Prado Participan: Charo Fernández, Grupo Español de Conservación-IIC Benoit de Tapol, Museu Nacional d’Art de Catalunya - Coordinador grupo de trabajo Informe de instalaciones y recursos – CP EXPOTEMP Emilia Aglio, Jefa de servicio de Fondos Museográficos, Área de Colecciones de la Subdirección General de Museos Estatales Mª Auxiliadora Llamas, Jefa de Servicio de Museos de la Dirección General de Bienes Culturales y Museos, Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía Carmen Cabrera, Jefa de Registro de Obras de Arte, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Lucía Villarreal, Jefa de Servicio de Exposiciones Temporales, Área de Registro y Exposiciones del Museo Nacional del Prado

Gremios medievales en el Museo Arqueológico Nacional Hablamos con José Luis Hernando Garrido, profesor de la UNED en Zamora, sobre la pieza del mes de mayo del Museo Arqueológico Nacional: El azulejo de Manises. Nuestro invitado nos acercó a través de la pieza al nacimiento de los gremios y en consecuencia el auge de la burguesía. Más allá de Guernica Manuel Fernández, Los laberintos del Arte, nos acompañó en un viaje hacia la historia del Guernica de Pablo Picasso. Un periplo que nos llevó desde el acontecimiento histórico, pasando por la creación de la obra, hasta su recorrido por medio mundo, llegando finalmente a instalarse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

How does literary reference affect the interpretation of largely abstract works? In her recent book, Reading Cy Twombly: Poetry in Paint (Princeton University Press, 2016), Mary Jacobus focuses on the artist’s use of poetry in his work, which often includes handwritten words and phrases—-naming or quoting poets ranging from Sappho, Homer, and Virgil to Mallarmé, Rilke, and Cavafy. In the artist’s own words, he “never really separated painting and literature.” Mary Jacobus's opening presentation will be followed by a wide-ranging discussion with Peter de Bolla (English) and Alyce Mahon (Art History) spanning both Twombly's work (currently the focus of a Pompidou retrospective) and that of his friend Robert Rauschenberg (currently the focus of a Tate Modern retrospective). Mary Jacobus, Professor Emerita of English at the University of Cambridge, was Director of CRASSH from 2006-2011. She has written widely on Romanticism, feminism, psychoanalysis, and visual art. Alyce Mahon is a Reader in Modern and Contemporary Art History at the Department of History of Art. She is currently researching the American Surrealist Dorothea Tanning (1910-2012) and curating the first major retrospective exhibition of Tanning for the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid for 2018-2019. Peter de Bolla is Professor of Cultural History and Aesthetics and Direct of the Concept Lab at CRASSH.

Janet Cardiff’s Forty Part Motet is composed of forty speakers arranged in eight groups of five, configured as a large oval facing each other in the center of the room, and resting on stands so they are roughly just above eye level. The Motet, as Cardiff referred to it in our conversation, is a reworking of the English composer Thomas Tallis'sSpem in Alium (1570), which translates as “Hope in Any Other” and is sung in Latin by a choir of forty voices. The composition is arranged so that the choir, like the speakers, is divided into eight groups of five singers; each group consists of a soprano, tenor, alto, baritone, and bass. The groups alternate singing: first one, than another, sometimes alone, and at a few moments, all together, rising in a crescendo that breaks open the room to a place beyond the physical world. To hear the Motet in its entirety is profound. Spem in Alium is considered one of the greatest works of English music. The Forty Part Motet is equally a contemporary masterwork. It was a privilege, then, to sit down with Cardiff on November 12, 2015, to speak about her practice.  - Patricia Maloney Janet Cardiff lives in British Columbia, where she works in collaboration with her partner George Bures Miller. The artist is internationally recognized for immersive multimedia works that create transcendent multisensory experiences and draw the viewer into often unsettling narratives. Cardiff and Miller’s work has been included in recent group exhibitions and biennales such as Soundscapes at the National Gallery, London, the 19th Biennale of Sydney in 2014, and dOCUMENTA (13). Representing Canada at the 2001 Venice Biennale, Cardiff and Miller received the Biennale’s Premio Prize and Benesse Prize. Recently, the artists debuted new site-specific commissions for Fondation Louis Vuitton, Paris, the Menil Collection, Houston, TX, and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.  The Forty Part Motet is on view at Fort Mason Center for Arts and Culture, in San Francisco, through January 18, 2016; it is co-presented by the San Francisco Museum of Modern Art.  

This exhibition invites visitors to enter the fascinating universe of José Val del Omar (1904-1982), one of the most original and obscure filmmakers in Spain, who understood cinema as a total art and who based his work on the most avant-garde experimentation. The show includes materials of different nature that the artist used in his work: essays, poetic and technical texts, documents (like the patent of cross-talk and the filmmaking standards BiStandard e Intermediate), prototypes for sound equipment (like the Spanish Phoneme Stand), or photographies and collages. The lab PLAT (Picto Lumínica Audio Tactil), recreated in shows from the original objects that made it up, is one of the cores of this proposal. El PLAT (1974-1982) concentrates the last works by José Val del Omar, an unfinished project and in constant mutation where the filmmaker set up an experimentation workshop and it was the place where he spent the last years of his life, focusing on the production of a corpus of audiovisual variations, texts and collages, that have been kept in their original location until today. His two short films Aguaespejo granadino (1953-55) and Fuego en Castilla (TactilVisión del páramo del espanto) (1958-60) will also be shown in the exhibition. Val del Omar is a exhibition organized by the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía and produced by Obra Social “la Caixa” and LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.

Esta exposición propone al visitante adentrarse en el fascinante universo de José Val del Omar (1904-1982), uno de los cineastas (o cinemistas como él prefería que le llamaran) más originales y menos conocidos de nuestro país, que consideró el cine como un arte total y que trabajó en él desde la experimentación más vanguardista. La muestra recoge materiales de diferente naturaleza con los que el artista trabajó a lo largo de su trayectoria: textos ensayísticos, poéticos y técnicos, documentos (como la patente de la diafonía y de los formatos cinematográficos BiStandard e Intermediate), los prototipos de equipos de sonido (como el atril del Fonema Hispánico), o fotografías y collages. El laboratorio PLAT (acrónimo de Picto Lumínica Audio Tactil), recreado en las salas a partir de los objetos originales que lo componían, es uno de los núcleos de la propuesta. El PLAT (1974-1982) condensa la última obra de José Val del Omar, un proceso inacabado y en constante mutación. Allí, el realizador configuró un taller de experimentación y fue el lugar en el que pasó los últimos años de su vida, concentrado en la producción de un cuerpo de variaciones audiovisuales, textos y collages, que fueron conservados en su ubicación original hasta la actualidad. En la exposición también se verán sus dos cortometrajes Aguaespejo granadino (1953-55) y Fuego en Castilla (TactilVisión del páramo del espanto) (1958-60). Val del Omar es una exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y producida por la Obra Social “la Caixa” y LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

Throughout Remaking Research, graduate students in the Master of Applied Arts Program at Emily Carr University of Art + Design will be holding a parallel event in response to the content of the symposium. Listening Works will be facilitated by visiting educator David Gersten. David Gersten is an architect, writer and educator based in New York City. He has been a Professor in The Irwin S. Chanin School of Architecture of The Cooper Union, since 1991, where he has served as Associate Dean under Dean John Hejduk and Acting Dean of the School of Architecture. He has taught studios and seminars at every level of the School’s five-year program, as well as a series of seminars titled ‘The House of Poetry’ in the Faculty of Humanities and Social Sciences. He has held the Ellen and Sidney Feltman Chair and is a former Chairman of the School’s Administrative, Curriculum and Admissions Committees. Professor Gersten currently heads Architectonics, the first-year Design Studio and teaches an Advanced Concepts seminars entitled; ‘A Material Imagination of the Social Contract’. David has been a visiting professor in the U.S. and abroad at City University of New York; Rhode Island School of Design; Universidad Politecnica de Valencia in Spain; Aarhus School of Architecture, Denmark; Universidad Andina Simon Bolivar and Universidad Privada de Santa Cruz in Bolivia; and Universidad Catolica de Cordoba in Argentina. He is currently a visiting professor in the Graduate Studies division at RISD teaching seminars and studios across sixteen Masters of Fine Arts, Design and Architecture departments. He regularly teaches workshops and lectures in academic and cultural institutions though-out the world, including: The Royal Danish Academy of Fine Arts, (Denmark), McGill University (Canada), Cranbrook Academy of Art, Harvard University, Yale University, The Canadian Center for Architecture, the National Science Foundation, the Círculo de Bellas Artes, (Madrid, Spain), The University of Puerto Rico, and the United Nations International School. Gerstens’ drawings, stories and constructions have appeared in numerous international exhibitions, and are held in the collection of the Canadian Center for Architecture, the New York City Public Library’s print collection and many private collections. He has published widely in national and international publications including: RES: Anthropology and Aesthetics, the Peabody Museum; Ineffable; Architecture Computation and the In-expressible; The Making Of Design Principles, RISD; Critical Digital, Harvard; Boulevard, Saint Louis University; Making Science Visible, National Science Foundation; Nacho Criado, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid Spain. The Paris-based publisher Editions Firmin-Didot will soon release “Hunting Life: A Forever House”, a collection of Professor Gersten’s drawings and writings. Gersten has published and lectured extensively on diverse areas of research including: The financial markets, ethics and technology, the poetic / material imagination and social justice and the linkages between: memory, perception, language and space. David Gersten is a graduate of The Irwin S. Chanin School of Architecture of The Cooper Union. He has also pursued studies in phenomenology at the New School for Social Research as well as Islamic Studies at the Jewish Theological Seminary.

The Coronation is a three-channel video with sound, projected on three 52-inch plasma monitors. Wall-mounted and arranged like a triptych, the work alters the architecture of the gallery and establishes a visual dialogue with Georges Rouault's Tragic Landscape, 1930, from the permanent collection. The Coronation isa pictorial narrative, in which the Pyes, who come from Canada, explore issues of gender and identity. In three separate scenes that unfold simultaneously and evoke panels in an altarpiece, the couple is shown in a series of physical transformations against an Edenic landscape, as they come together and separate. The Pyes have exhibited their work, nationally and internationally, including at The Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington, DC; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; The Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; Galerie Nationale du Jeu de Paume, Paris, France; and the Museum of Contemporary Canadian Art, and The Power Plant, Toronto, Canada. Their work has been screened in numerous film festivals such as the Toronto International Film Festival, Canada; the Locarno International Film Festival, Switzerland; and Les Rencontres Internationales in Paris, Berlin, and Madrid. Their work will be shown at Curator's Office, Washington, D.C., concurrently with the installation at the Phillips.

The Coronation is a three-channel video with sound, projected on three 52-inch plasma monitors. Wall-mounted and arranged like a triptych, the work alters the architecture of the gallery and establishes a visual dialogue with Georges Rouault's Tragic Landscape, 1930, from the permanent collection. The Coronation isa pictorial narrative, in which the Pyes, who come from Canada, explore issues of gender and identity. In three separate scenes that unfold simultaneously and evoke panels in an altarpiece, the couple is shown in a series of physical transformations against an Edenic landscape, as they come together and separate. The Pyes have exhibited their work, nationally and internationally, including at The Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington, DC; Museum of Contemporary Art, San Diego, CA; The Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain; Galerie Nationale du Jeu de Paume, Paris, France; and the Museum of Contemporary Canadian Art, and The Power Plant, Toronto, Canada. Their work has been screened in numerous film festivals such as the Toronto International Film Festival, Canada; the Locarno International Film Festival, Switzerland; and Les Rencontres Internationales in Paris, Berlin, and Madrid. Their work will be shown at Curator's Office, Washington, D.C., concurrently with the installation at the Phillips.

Javier Rodríguez Marcos (Cáceres, 1970) es autor de los poemarios Naufragios, Mientras arden y Frágil, por el que obtuvo el Premio El Ojo Crítico de Poesía en 2002. Es también autor de libros de viaje como Los trabajos del viajero, de ensayos de arte como Vidas construidas. Biografías de arquitectos, con Anatxu Zabalbeascoa, y del catálogo de la exposición Minimalismos. Un signo de los tiempos (2001, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), de la que fue uno de los comisarios. Colaborador en prensa, como redactor en los suplementos culturales del diario ABC y, más tarde, de El País.Más información de este acto

Vicente Valero (Ibiza, 1963) es poeta y autor de seis poemarios, entre los que se encuentran Jardín de la noche (1986), Herencia y fábula (1989), Teoría solar (1992) o Días del bosque (2008), por el que fue galardonado con el Premio de Poesía Loewe. Es asimismo autor de ensayos como Experiencia y pobreza. Walter Benjamin en Ibiza, 1932-1933 (2001) o Viajeros contemporáneos (2004). Ha trabajado como crítico literario en el diario La Vanguardia  y ha colaborado como crítico de arte en publicaciones del Institut Valencia d´Art Modern y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En esta sesión el poeta ofrecerá la lectura comentada de una selección de su repertorio poético.Más información de este acto