Podcasts about kunstformen

**In dieser Episode:** Rico Kerstan spricht mit dem Denis Newiak darüber, was man aus Kinofilmen und Fernsehserien für einen Blackout lernen kann. Beide zeigen damit noch einmal einen ganz anderen und auch ungewohnten Blick auf das Thema Krisenmanagement. Der Mitarbeiter am Lehrstuhl für Angewandte Medienwissenschaften an der Brandenburgischen Technischen Universität in Cottbus forscht darüber, was die Menschen und auch die Politik aus filmischen Kunstformen für die Bewältigung von Pandemien, Sturzfluten und Waldbränden, flächendeckenden Stromausfällen und Cyberterrorismus lernen können. Denis Newiak zeigt Rico Kerstan das Potential filmischer Science-Fiction-Werke zur Bewältigung realweltlicher Krisen- und Katastrophenpotential auf. Katastrophenfilme und Scifi-Serien zeigen, so zeigt der Experte in seinem Buch „Blackout – Nichts geht mehr“, seit Langem, was droht, wenn der modernen Gesellschaft ihr Lebenselixier abhandenkommt. "KrisenHacks" ist ein informativer Podcast, der sich auf die wichtigen Themen der organisationalen Resilienz, des Krisenmanagements und der IT-Sicherheit konzentriert. Er richtet sich an Entscheider und Verantwortliche für die Krisenresilienz von Unternehmen und Organisationen.

Stefan Scholz im Gespräch mit Kristine Preuß Kristine Preuß ist Leiterin der Kunstvermittlung im Sinclairhaus in Bad Homburg, eines Museums, das sich Kunstformen verschrieben hat, die sich mit Natur auseinandersetzen, und mit Künstlern arbeitet, die nach künstlerischen Formen suchen, um wissenschaftlichen Erkenntnissen eine ästhetische Erfahrbarkeit zu geben. Cover: Anne Zegelman

Dana Grigorcea gehört zu den bekanntesten Schriftstellerinnen der Schweiz. Aber eine Lebensleidenschaft hegt sie für die Oper und das Ballett. Im Podcast mit Claus Spahn spricht sie über die Inspirationskraft, die sie aus diesen Kunstformen schöpft, über Pathos, das Erdenschwere und das Federleichte in der Literatur und in den Bühnenkünsten und wie es sich anfühlt, wenn man als Statistin in einer Oper mitwirkt.

Summary In dieser Episode des Dualen Studios spricht Peter mit Michael Backes, einem Alumni. Michael teilt seine Erfahrungen aus dem Marketingstudium, seine praktischen Erfahrungen während des Studiums und seinen beruflichen Werdegang. Er erzählt von seiner Leidenschaft für Zauberei und Comedy, die ihn schließlich zur Selbstständigkeit führten. Zudem diskutieren sie die Bedeutung seiner Kunstfigur Schmitz-Backes und die Marketingstrategien, die er anwendet, um seine Auftritte zu positionieren. In diesem Gespräch geht es um die Entwicklung und Herausforderungen eines Zauberkünstlers, der seine Karriere durch innovative Marketingstrategien vorantreibt. Besonders während der Pandemie hat er sich neu erfunden und interaktive Online-Shows angeboten. Zudem hat er die Rolle des Veranstalters übernommen und eine erfolgreiche Comedy-Mixshow ins Leben gerufen, die durch kreative Marketingmaßnahmen und Markenbildung besticht. Keywords Marketing, Alumni, Zauberei, Comedy, Selbstständigkeit, Schmitz-Backes, Praktikum, Berufserfahrung, Künstler, Auftritte, Preisfindung, Work-Life-Balance, Pandemie, Veranstalter, Marketing, Zauberkunst, Comedy, Auftrittsplanung, Kundenbindung, Interaktivität Takeaways Michael Backes ist ein Alumni der Fontys Hochschule. Sein Interesse für Marketing begann bereits in der Jugend. Praktische Erfahrungen während des Studiums waren entscheidend für seine Karriere. Die Fontys Hochschule bietet eine praxisorientierte Ausbildung. Michael hat seine Leidenschaft für Zauberei und Comedy kombiniert. Die Entscheidung zur Selbstständigkeit fiel 2009. Er hat eine einzigartige Kunstfigur namens Schmitz-Backes entwickelt. Seine Auftritte sind auf Teambuilding und gemeinsames Erleben ausgerichtet. Michael beobachtet den Markt und passt seine Strategien entsprechend an. Er hat eine Mehrmarkenstrategie in seiner Karriere verfolgt. Der perfekte Preis ist individuell verhandelbar. Work-Life-Balance ist entscheidend für die persönliche Zufriedenheit. Die Pandemie hat neue Möglichkeiten für Online-Interaktionen eröffnet. Die Rolle des Veranstalters erfordert Kreativität und Planung. Marketingstrategien sind entscheidend für den Erfolg einer Show. Interaktive Elemente steigern das Publikumserlebnis. Kundenbindung ist durch wiederkehrende Veranstaltungen möglich. Die geografische Zielgruppenansprache spart Zeit und Ressourcen. Markenbildung schafft Vertrauen und Wiedererkennung. Die Kombination verschiedener Kunstformen kann das Publikum überraschen. Sound Bites "Ich wollte immer, dass ich der bin, auf den sich alle einigen können." "Ich habe wirklich, wirklich, wirklich Learning by Doing gemacht." "Der perfekte Preis ist, wenn du jeden Preis einzeln vereinbarst." "Ich habe eine Onlineshow an den Start gebracht." Chapters 00:00 Einführung und Vorstellung von Michael Backes 01:13 Der Weg zum Marketingstudium und die Fontys Hochschule 03:36 Praktische Erfahrungen während des Studiums 06:44 Beruflicher Werdegang nach dem Studium 09:44 Die Leidenschaft für Zauberei und Comedy 13:00 Die Entscheidung zur Selbstständigkeit 14:52 Auftrittsorte und Zielgruppen 16:24 Die Kunstfigur Schmitz-Backes und ihre Bedeutung 20:38 Marketingstrategien und Positionierung 23:03 Preisfindung und Angebotsgestaltung 25:17 Work-Life-Balance und Auftrittsplanung 29:49 Herausforderungen während der Pandemie 33:33 Die Rolle des Veranstalters 39:22 Marketingstrategien und Markenbildung AI show notes Links: www.pullunder.show www.schmitz-backes.de Instagram / Facebook: schmitz-backes

Es gibt ganz wenige Kunstformen, in der sich "anders sein, denken und fühlen" so zu hause fühlen wie in der Rockmusik. Dazu beigetragen haben ganz besonders so Punk-Rock Plattenlabels wie Dischord Records mit ihrem DIY-Ethos, über das uns Jim heute nette Geschichten erzählen wird. SPOTIFY Playlist 2024 (mit den Songs aus unserem Podcast) Achtung: Die Liste enthält natürlich leider nur die auf Spotify verfügbaren Titel. Wie wir aber alle wissen, gibt es noch ein Musikuniversum jenseits von Streaming. Facebook (mit News aus der Rockmusik und allem, was glücklich macht) YouTube (der ganze Rest) Anregungen, Ideen? Dann schreibt uns doch mal - wmruv2021@gmail.com Du möchtest deinen Podcast auch kostenlos hosten und damit Geld verdienen? Dann schaue auf www.kostenlos-hosten.de und informiere dich. Dort erhältst du alle Informationen zu unseren kostenlosen Podcast-Hosting-Angeboten. kostenlos-hosten.de ist ein Produkt der Podcastbude. Gern unterstützen wir dich bei deiner Podcast-Produktion.

Der berühmteste Komponist Japans verbindet Ost und West - östliche und westliche Klangsprachen, östliche und westliche Philosophie. In seiner Musik sei jeder Moment ein wichtigster Moment, jeder Moment eine Ewigkeit. Erst während seines Studiums in Deutschland entdeckte der aus Hiroshima stammende Hosokawa die Schönheit der traditionellen Künste seiner Heimat. Er fand seine künstlerische Identität und erkannte, wie wichtig auch für ihn zentrale Elemente dieser Kunstformen waren: Der Prozess der Seelenheilung im N?-Theater, die, wie er sagt, «kosmischen» Klänge der höfisch-zeremoniellen Gagaku-Musik und der Mundorgel Sh?, oder die Prägnanz der Kalligrafie. Zudem ist ihm die Natur eine unerschöpfliche Quelle der Inspiration. Am Meer oder im Wald schöpft er Kraft und findet seine innere Ruhe. In seiner Kunst stellt er die Natur in all ihrer Schönheit und Reinheit dar, aber auch in ihrer Grausamkeit und Gewalt. Viele von Hosokawas Werken sind von Naturkatastrophen inspiriert oder sind Klagelieder für deren Opfer, wie seine beiden letzten Opern «Stilles Meer» oder «Erdbeben. Träume» über das T?hoku-Erdbeben von 2011. Und Hosokawa schreibt bereits an seiner nächsten Oper, welche ebenfalls von den Auswirkungen von Katastrophen erzählt und in etwa zwei Jahren uraufgeführt werden soll. Der 67-Jährige sieht sich auch als Komponist einer Urkraft, welche in der japanischen Kultur «Ki» genannt wird. Er empfange und vertonte das, was bereits da sei im ewigen «Fluss der Töne». Wie ein Schamane wolle er so die spirituelle Welt mit uns verbinden. Erstausstrahlung: 22.03.2023

Seit langer Zeit schon beschäftigt sich Joachim Römer als Künstler und politisch Aktiver mit den „Kölner Progressiven“. Die suchten nach dem 1. Weltkrieg als Teil der revolutionären Bewegungen neue künstlerische Wege jenseits von Dada und Surrealismus. Sie forschten nach Kunstformen für eine künftige, von Ausbeutung und Unterdrückung befreite Gesellschaft. Der Referent führte in seine Einführung […]

Bildungsforschungszentrum und Reallabor für nachhaltige Entwicklung, insbesondere zu sozialer Interaktion, Umwelt-, Naturbewusstsein, alternativen Ökonomien, Gewerken, Kunstformen und medialer Gestaltung. Der Mann hinter dem Bildungsforschungszentrum und Reallabor für nachhaltige Entwicklung, Lauritz Heinsch erzählt von seinem Weg und seiner Vision. Von den Pfaden zur Wildgestaltung bis hin zu den Humus Festivals und natürlich der legendären Humes Hood auf dem Herzberg Festival wird alles angesprochen.

Die Geigerin, Orchesterleiterin, Autorin und Pädagogin Gesine Mielitz spricht mit mir über die Zusammenhänge zwischen Sprache und Musik, über das Spektrum, in dem sich Musik und Sprache bewegen, über die interessante Übersetzung, die beim Wechsel zwischen verschiedenen Kunstformen stattfindet, über die Auswirkung der Nationalkultur auf den Stil von Autoren und Musikern, sowie über die Doppelrolle des kreativen Schöpfers und Pädagogen aller, die als Künstler sowohl in der Musik als auch in der Literatur tätig sind. Ein sehr interessantes Interview, das es wagt, schwierige Fragen zu stellen, dessen Antworten jedoch für die zukünftige Entwicklung von Sprache und Musik sehr wichtig sind. cultureum.com       @cultureumdrj

In dieser neuen Folge tauchen wir tief ein in die faszinierende Welt von Saralisa Volm, einer Künstlerin mit vielen Talenten & einer klaren Vision. Saralisa spricht über ihre vielseitigen beruflichen Interessen & die Kunstformen, in denen sie Geschichten erzählt. Wir diskutieren die Darstellung von Frauen in Geschichte & Kunst, insbesondere als sexuelle Wesen, & die dauerhafte Bewertung weiblicher Körper. Gemeinsam hinterfragen wir Schönheitsideale, den Druck, perfekt auszusehen, & wie diese Erwartungen Frauen unzufrieden machen. Saralisa teilt zudem ihre Erfahrungen als Regisseurin & Produzentin in der Filmbranche, wo sie für mehr Diversität und Gleichberechtigung kämpft. Ein aufrüttelndes Gespräch über die Unsichtbarkeit von Frauen über 40 in der Branche, den Umgang mit Schönheitsoperationen& die dringende Notwendigkeit eines Wandels. Ein Muss für alle, die sich für Kunst, Gesellschaft & die Herausforderungen von Frauen in der modernen Welt interessieren! Saralisa ist Schauspielerin, Regisseurin, Autorin, Kunsthistorikerin & Produzentin. Sie begann ihre Karriere als Schauspielerin & machte sich durch zahlreiche Film- & Fernsehrollen einen Namen. Später wandte sie sich der Regie und Produktion zu, wo sie mit ihrer kreativen Vision & ihrem Engagement für Diversität und Gleichberechtigung beeindruckt. Mit ihrem zweiten Buch „Das Ewige Ungenügend“ etablierte sie sich auch als Autorin. Geboren 1985 in Hechingen absolvierte sie 2011 ihren Bachelor of Arts in Kunstgeschichte & Philosophie & machte 2022 ihren Master in Kunstgeschichte. Sie ist Mutter von vier Kindern & lebt in Berlin. Links Website: https://saralisavolm.com/ Instagram: https://www.instagram.com/saralisavolm/& https://www.instagram.com/365_imperfections/ Buch: https://saralisavolm.com/das-ewige-ungenuegend Empfehlungen Film: „A body like mine“ ZDF Mediathek, „When the lights break” von von Rochus Wolff Buch: “Das Trauma in dir“ von Bessel van der Kolk Werbung Fashion Changers Konferenz Am 1. Oktober 2024 ist es wieder soweit: Die Fashion Changers Konferenz findet im Silent Green Berlin statt. Seit ihrer Gründung im Jahr 2020 ist die Konferenz ein Pflichttermin & Highlight für alle, die in der Welt der nachhaltigen Mode etwas bewegen wollen. Hier treffen sich Expert*innen aus Industrie, Wissenschaft & Aktivismus, um über essenzielle Themen wie ganzheitliche Nachhaltigkeit, Machtstrukturen & Solidarität in der Modebranche, aktuelle Gesetzgebungen & Forschung zu nachhaltiger Mode zu diskutieren. Link: https://fashionchangers.de/fair-fashion-konferenz/ ZWEIvorZWÖLF Infos/Kontakt Website: https://www.zweivorzwoelf.info/ Instagram: https://www.instagram.com/zweivorzwoelf/ ZWEIvorZWÖLF ist offen für Sponsoren & Partner. Wir wissen, dass Nachhaltigkeits-Unternehmen oft nur ein kleines Marketing-Budget haben. Kontaktiert uns einfach & wir finden eine Lösung.

In dieser Folge sprechen wir über die Bedeutung gesellschaftlichen Engagements. Außerdem über die Rolle von Frauen & nicht-binären Personen in der Sportbranche (neben dem Spielfeld), die aktuellen globalen Konflikte & die Notwendigkeit von ehrenamtlichem Engagement für die Demokratie. Im Gespräch wird die Bedeutung von Gemeinschaft & Solidarität betont & eine gerechtere & sozialere Zukunft gefordert. Wir erörtern, wie verschiedene Initiativen & Kunstformen dazu beitragen, gesellschaftliche Veränderungen anzustoßen & alternative Zukunftsvisionen zu entwickeln. Es geht auch um die Wichtigkeit von Sprache & Kommunikation, um Menschen zu bewegen & gesellschaftliche Veränderungen voranzutreiben. Das Gespräch wurde am 02.06.2024 im Rahmen der Millerntor Gallery aufgenommen. Panel: Kübra Gümüşay: Sie ist Bestsellerautorin des Buches: „Sprache & Sein“, dass es zeitweise bis auf Platz 3. der Spiegel Bestseller Liste geschafft hat! Das Magazin Forbes zählte sie 2018 zu den Top 30 unter 30 in Europa. Seit 2023 ist sie Fellow am New Institute. Aktuell erforscht sie alternative Zukünfte, reale Utopien und die Politik der Imaginationen. Stephanie Gonçalves Norberto: Sie ist ist zertifizierte systemische Beraterin. Seit 2018 ist Stephanie ist pädagogische Leiterin im Nachwuchsleistungszentrum des FC St. Pauli. 2020 hat sie The League gegründet & möchte den Gleichstand abseits der Spielfelder voranbringen. Moritz Etorena: Er ist Graffiti-Künstler & im Alter von 15 Jahren ist er nach Lateinamerika gezogen. Zusammen mit Laura Hormaetxe bildet er das Kunstkollektiv Arima Tribe. Links Kübra Gümüşay: https://kubragumusay.com/ The League: https://theleague-community.com/ Arima Tribe: https://www.arima.website/ Millerntor Gallery: https://www.millerntorgallery.org/ ZWEIvorZWÖLF Infos/Kontakt Website: https://www.zweivorzwoelf.info/ Instagram: https://www.instagram.com/zweivorzwoelf/ Produktion & Musik: David Wehle david@ZWEIvorZWOELF.de, https://www.instagram.com/david_wehle/ Redaktion & Interviews: Andrea Gerhard https://www.instagram.com/andreagerhard_tall_area/?hl=de ZWEIvorZWÖLF ist offen für Sponsoren & Partner. Wir wissen, dass Nachhaltigkeits-Unternehmen oft nur ein kleines Marketing-Budget haben. Kontaktiert uns einfach & wir finden eine Lösung. ZWEIvorZWÖLF Infos/KontaktZur WebsiteZu Instagram Produktion & Musik: David Wehle david@ZWEIvorZWOELF.de, https://www.instagram.com/david_wehle/Redaktion & Interviews: Andrea Gerhard @andreagerhardZWEIvorZWÖLF ist offen für Sponsoren & Partner. Wir wissen, dass Nachhaltigkeits-Unternehmen oft nur ein kleines Marketing-Budget haben. Kontaktiert uns einfach und wir finden eine Lösung

KI trifft Kunst: Bedrohung oder Bereicherung? Manuel Dürr diskutiert die Bedrohungen und Einflüsse der Künstlichen Intelligenz auf die Künstlergemeinschaft, insbesondere auf die digitale Kunst. Er betont die Bedeutung traditioneller Kunstformen wie Malerei und deren Rolle, menschliche Verbundenheit und tiefere Sinnzugänge zu erhalten. Seine persönlichen Erlebnisse und künstlerischen Prinzipien bieten dabei tiefere Einblicke in die kulturelle und emotionale Bedeutung von Kunst.

Guess who's back mit schwerem Gepäck! Jessi und Pi sind in ein Black Metal Rabbit Hole gefallen und mehr als verstört von den Geschehnissen in den frühen Neunzigern Norwegens. Black Metal erscheint rechts, faschistisch, gewalttätig, aber eben auch wegweisend für so viele Künstler*innen danach. Daher die allseits bekannte Frage: Kann man Kunst und Künstler*in trennen? Schnell ist klar: Diese Frage ist viel zu pauschal gestellt und es ist, wie immer, komplizierter. Sowohl in der Musik, als auch in anderen Kunstformen. Viel Spaß beim Hören und Mitdiskutieren!

Klassikstar Jan Vogler gehört international zu den gefragtesten Cellisten. Als Solist füllt der gebürtige Ost-Berliner Konzertsäle in aller Welt. Vor 15 Jahren übernahm Vogler die Intendanz der Dresdner Musikfestspiele. Der Ausnahmekünstler, der die meiste Zeit des Jahres in New York verbringt, sucht leidenschaftlich nach Wegen, klassische Musik mit anderen Kunstformen zu verbinden. Auf dem Roten Sofa spricht er über seine Karriere und verrät, warum das Cello zu seinem Instrument wurde und das Joggen für ihn unverzichtbar ist.

In allen Kunstformen ist das Werk Kafkas reflektiert worden. Und natürlich auch in der Musik. Kafka selbst bezeichnete sich als unmusikalisch.

Poetry Slams, Stand-Up-Comedy, Theater, Konzerte & Co. - manchmal kann man sich zwischen den ganzen Kulturangeboten in Köln gar nicht so richtig entscheiden. Doch was, wenn man das gar nicht mehr muss? Die Veranstaltung "Wave Jam" verbindet verschiedene Kunstformen an an einem Abend und lockt so immer mehr Kunstbegeisterte vor und auf die Bühne.

Raafey trifft in dieser Folge auf Ontan, einen absoluten Kenner, was Animes und Mangas angeht. Was ist besser? Kann man das überhaupt so einfach sagen? Was sind die größten Unterschiede zwischen diesen beiden Kunstformen? Raafey und Ontan suchen nach Antworten, diskutieren über das beste "Inner Beast", das beeindruckendste Worldbuilding, den Impact von Ghibli-Filmen und so viel mehr. Es geht um Anime-Studios, schwierige Entscheidungen zwischen absoluten Klassikern und unmöglich harte Rankings.

Trotz prominenter Künstler wollte das Open Ohr in Mainz nie ein Kommerz-Festival sein. Stattdessen soll hier in verschiedenen Kunstformen über dringliche Themen der Gegenwart gesprochen werden: über die Sexualmoral der katholischen Kirche genauso wie über die Wehrhaftigkeit der Demokratie.

In dieser Episode von "Ausgesprochen Kunst" steht die Ausstellung "Looping Tongues" im Mittelpunkt, die aktuell in der Galerie Kandl im 7. Wiener Gemeindebezirk zu sehen ist. Zu Gast sind die Künstlerinnen Titania Seidl und Bianca Phos, deren Werke in Malerei und Bildhauerei die Grundlage der Schau bilden. Die Diskussion erforscht, wie sich diese beiden Kunstformen innerhalb der Ausstellung ergänzen. Kuratiert von Livia Klein, bietet "Looping Tongues" bis zum 25. April 2024 eine Plattform für den Dialog zwischen den Disziplinen. Hören Sie rein, um mehr über die Zusammenstellung und die Perspektiven der Künstlerinnen zu erfahren. Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at Website: https://www.gieseundschweiger.at/ Redaktion: Lara Bandion, Fabienne Lubczyk Musik: Matthias Jakisic Sprecherin: Sarah Scherer Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer

In dieser Folge spricht Jacqueline Klusik-Eckert mit Julian Stalter über die lange Geschichte der digitalen Kunst und die vielen Akteur*innen dieser Kunstgattung.Die Digitale Kunst hat ihren Ursprung in den 1960er Jahren, als Künstler*innen begannen, Computer als kreatives Werkzeug zu nutzen. Der Durchbruch kam in den 1980er Jahren mit der Verbreitung personalisierter Computer und Software, die es Künstlern ermöglichten, digitale Medien als eigenständige künstlerische Ausdrucksform zu nutzen. Der Blick auf unterschiedliche Kunstwerke zeigt, wie eng die digitale Kunst auch mit der Technikgeschichte verbunden ist, sich aber auch von der Biologie inspiriert ist. Im Blogbeitrag zu dieser Folge findet man eine Liste aller genannter Künstlerinnen und Künstlern. Wo es möglich ist, wurden auch Aufzeichnungen der Werke als Links hinterlegt. Digitale Kunstwerke gehen oft über die traditionelle visuelle Wahrnehmung hinaus und integrieren Klang, Bewegung und Interaktivität. In teils experimentellen Installationen werden die Grenzen der Sinneswahrnehmung ausgelotet. Viele der multidimensionalen Werke fordern nicht nur die kunsthistorische Analyse heraus, sondern werfen auch Fragen nach der Rolle des Publikums und der Interaktion in der Kunst auf.Wichtige Institutionen, die sich mit Digitaler Kunst beschäftigen, sind das ZKM | Zentrum für Kunst und Medien in Karlsruhe, das sich auf die Schnittstelle von Kunst und Technologie konzentriert. Das Ars Electronica Center in Linz widmet sich der Förderung von Kunst und Technologie schon seit mehreren Jahrzehnten. Diese Institutionen und noch einige mehr spielen eine entscheidende Rolle bei der Dokumentation, Ausstellung und Erforschung digitaler Kunst und tragen dazu bei, ihre Anerkennung in der kunsthistorischen Landschaft zu fördern.Trotz ihrer kulturellen Bedeutung und des Einflusses auf zeitgenössische Kunst sind digitale Kunstformen in den kunsthistorischen Lehrplänen oft unterrepräsentiert. Die Debatte darüber, warum diese Gattung in der akademischen Welt nicht ausreichend gewürdigt wird, kreist um Fragen der Materialität, der Zugänglichkeit und der fehlenden Tradition. Die Trennung zwischen Kunst und Technologie sowie die Schwierigkeiten bei der Bewahrung und Ausstellung digitaler Werke sind ebenfalls Themen, die in diesem Kontext diskutiert werden.Julian Stalter M.A. ist Wissenschaftlicher Mitarbeiter im Projekt Reflection-driven Artificial Intelligence in Art History, LMU München und beschäftigt sich in seiner Forschung mit Digitaler Kunst an der Schnittstelle von Naturnachahmung und Bio Art.Begleitmaterial zu den Folgen findest du auf der Homepage unter https://www.arthistoricum.net/themen/podcasts/arthistocastAlle Folgen des Podcasts werden bei heidICON mit Metadaten und persistentem Identifier gespeichert. Die Folgen haben die Creative-Commons-Lizenz CC BY 4.0 und können heruntergeladen werden. Du findest sie unterhttps://doi.org/10.11588/heidicon/1738702Bei Fragen, Anregungen, Kritik und gerne auch Lob kannst du gerne per Mail an uns schicken unterpodcast@digitale-kunstgeschichte.de

Ein absolutes Novum in der Theaterwelt: Ein Ballett und zwei Instrumentalensembles gestalten mit einer Distanz von mehr als 600km ein Abendprogramm. Sowohl die technischen Entdeckungen, die in dem langjährigen Entwicklungsprozess gemacht wurden, als auch die intensive Zusammenarbeit von zwei so unterschiedlichen Kunstformen wie Theater und Film haben Pioniercharakter. Das Ziel ist also nicht nur das Ergebnis eines solchen Projektes zu präsentieren, sondern den Weg für die Digitalisierung in den Theatern zu ebnen und zukünftige Ideen weiterzuspinnen. Und wie sich so eine Kooperation zwischen Digital und Analog anhört, hat sich Viktoria Kassel im Festspielhaus Baden-Bande beim Soundcheck zu „Holo Harmonies“ einmal angesehen.

In der 166. Folge von "Was Isch Los?" ist Karo Godles aus Baden-Baden zu Gast bei Moderator Markus Lang. Karo, die in Polen geboren und in Rastatt aufgewachsen ist, ist eine vielseitige Künstlerin, die sich in verschiedenen Kunstformen ausdrückt. Sie lebt und arbeitet in ihrem Atelier in Baden-Baden. Karo hat sich besonders in der Welt der Street Art einen Namen gemacht. Ihre beeindruckenden Wandgemälde, wie z. B. "Augusta Sybilla" am Hotel Schwert in Rastatt und weitere an der Bundesstraße in Baden-Baden, werden nicht nur lokal, sondern auch international bewundert. Dabei kämpft sie oft jahrelang um Genehmigungen für große Flächen, um ihre künstlerische Vision umzusetzen. Mit einer Ausbildung als Bühnenmalerin beim SWR legte Karo Godles den Grundstein für ihre künstlerische Karriere. Diese Erfahrung zeigt sich in ihrer Fähigkeit, nicht nur auf Leinwänden, sondern auch auf großen Bühnen kreativ zu sein. Durch ihre Zeit in der Rapszene, wo sie aktiv mit einer Rap-Gruppe unterwegs war, brachte sie eine zusätzliche Dimension in ihre Kunst ein. Karo Godles' künstlerische Reise führte sie sogar nach Los Angeles, wo sie für Warner Bros. arbeitete und Bühnenbilder gestaltete. Ihre kreative Vision und technische Finesse trugen dazu bei, Kunst und Musik zu verbinden und machten sie zu einer gefragten Persönlichkeit in der Unterhaltungsbranche. Zu ihren Projekten zählt auch das Design eines Etiketts für den bekannten Schwarzwald Gin „Needle". Neben der visuellen Kunst ist Karo auch eine leidenschaftliche Musikerin, die gerne Beats und Musik kreiert. Ihre Liebe zur Musik ist so stark, dass sie sich vorstellen könnte, ausschließlich in diesem Bereich tätig zu sein. Eine Podcast Videoshow, die auf YouTube und allen bekannten Streaming/Podcast-Plattformen zu hören ist. Thematisch geht es mal um Kultur, Kunst, Sport, Musik oder Wissenswertes. Interessantes aus Baden für Baden. Dauer immer ca. eine halbe Stunde; interessant, kurzweilig gestaltet und immer auf Augenhöhe!

Anlässlich des Jubiläums 50 Jahre österreichische Auslandskultur startete das Bundesministeriums für europäische und internationale Angelegenheiten der Republik Österreich die Initative „Imagine Arts & Ideas - Dignity“. Das Österreichische Kulturforum Sarajewo wird hierzu mehrere große Ausstellungen und Begleitveranstaltungen organisieren. Ein Bericht von Leonie Jungwirth. Zu den Hauptaktivitäten des Imagine-Programms gehören einzigartige Ausstellungen zu Architektur, Design und bildender Kunst sowie eine Reihe anderer Segmente unter dem Imagine-Dach, wie etwa Musik- und Filmprogramme. Neben der Präsentation verschiedener Kunstformen und der Kommunikation zwischen österreichischen und lokalen KünstlerInnen wird Imagine auch zeitgenössische Lebenskonzepte fördern, die ökologische Standards respektieren und eine humanere Gesellschaft schaffen, die auf den Prinzipien der Eigenverantwortung und des Individuums basiert. Imagine beginnt seine Reise in Sarajewo, danach wird das Programm zur Präsentation österreichischer Kultur nach diesem Modell in anderen Ländern der Region fortgesetzt. Hinter Imagine in Bosnien und Herzegowina stehen einige der bedeutendsten zeitgenössischen KünstlerInnen und KuratorInnen. Neben Performances und Ausstellungen bietet Imagine zahlreiche Workshops und verwandte Inhalte, die neben der Präsentation von Kunst, die sich unter anderem mit menschlicher Verantwortung auseinandersetzt, auf vielfältige Weise den Dialog zwischen Publikum, AutorInnen und Werken fördern.

Das Theater als flüchtige Kunstform sowohl auf der klassischen Guckkastenbühne als auch in Formen des immersiven Theaters, der Performance, des Straßentheaters, des Tableaux vivants … Es gibt unendlich viele Formen und Facetten, wo, wie und mit wem Theater konstruiert wird. Seit Ende des 19. Jahrhunderts erwacht der Film - das Bewegtbild. Seit es den Film gibt, gibt es das Bestreben, diese beiden Kunstformen zusammenzuführen. Schon früh wird der Film als Medium geschätzt, welches aufgrund der visuellen Wirkung das intensive Erleben von Theateraufführungen verstärkt. Unsere drei Gäste sind alle Expert*innen im Verweben von filmischen und theatralen Elementen. Eine improvisierte Fernsehserie hier, ein Live-Mitschnitt einer Theateraufführung dort und ein Publikum, das sich in einem immersiven Social-Media-Event wiederfindet. Cosmea Spelleken (Regisseurin), Jan Georg Schütte (Regisseur, Schauspieler & Drehbuchautor) und Nazgol Emami (Regisseurin & Videodesignerin) sprechen über ihre Projekte, Erfahrungen und Wünsche für die Zukunft. **Zum gesamten Beitrag:** https://indiefilmtalk.de/episodes/154-intermedialitaet-mehr-mut-zum-experiment/ ---------- Social Media - @indiefilmtalk Steady - https://steadyhq.com/de/indiefilmtalk/about Paypal - https://www.paypal.com/paypalme/Indiefilmtalk Webseite - https://indiefilmtalk.de/

C-LEVEL INTERVIEW | Wie funktioniert eigentlich der Kunstmarkt? Gero Decker, unser Experte im Sales Bereich, ist Kunstsammler und beantwortet dir diese und andere spannende Fragen rund ums Thema Kunst kaufen und verkaufen. Was für viele Menschen leidenschaftliches Hobby ist, ist für andere auch ein knallhartes Business. Die Szene ist sehr elitär und nur wenige können von Ihren Einnahmen als Kunstschaffende leben. Doch hat man es als Künsterl:in erstmal geschafft, werden nicht selten 5-stellige Beträge für Kunstwerke bezahlt. Gero erzählt, wie Künstler sich heutzutage einen Namen machen können und berichtet von Möglichkeiten seine Kunst zu verkaufen. Du erfährst... …wie du mit deiner Kunst Geld verdienen kannst …wie verschiedene Kunstformen mit einem Scoring bewertet werden …warum Social Media auch in der Kunstszene relevant ist …welchen Wert Cultural Recognition auf dem Kunstmarkt hat …wie sich der Wert von Kunst im Laufe der Zeit verändern kann …welche Rolle Kunstkritiker:innen auf dem Kunstmarkt spielen …wie sich Primär- und Sekundärmarkt im Kunsthandel unterscheiden …wie es um den Handel mit digitaler Kunst steht Diese Episode dreht sich schwerpunktmäßig um Unternehmertum: Dazu laden wir uns regelmäßig wechselnde Digitalexpert:innen ein, um mit ihnen zu den aktuellsten Trends rund um die Digitalbranche zu sprechen. Egal ob Kryptowährung, Krisenkommunikation oder Promi-Marketing: Für dich löchert Joel die Profis. Das Ergebnis: Spannende Insights, Tipps und natürlich Erfahrungen aus der Praxis. __________________________ ||||| PERSONEN |||||

Persönliche Geschäftsbeziehungen und Kontakte sind schon eine Weile (fast) wieder "beim Alten". Aber auch unsere digitalen Beziehungen - mit Kunden, Geschäftspartnern, Investoren - sind für viele von uns wichtiger denn je. Beim Social Selling natürlich sowieso.In dieser Episode sprechen wir mit Digital Native Sebastian Förster, Customer Experience Manager Activation bei der Henkel AG, über seine Best Practices zum Thema virtuelle und persönliche Kontakte. Sebastian definiert Customer Experience als Orchestrierung von Storytelling, Vertrieb, Key Account Management, Marketing und Branding im Sinne des Kunden.Welche Art von Kontakt spielt dabei welche Rolle? Hört jetzt rein!Fragen, die wir beantworten sind unter anderem:- Wo macht es Sinn, sich persönlich zu treffen oder wo reicht das Virtuelle aus? Oder macht vielleicht eine Mischung am meisten Sinn?- Wie switcht man in der Customer Journey zwischen digitaler und persönlicher Beziehung?- Was sind die Vorteile von digital, was von persönlich? - Wie verknüpft man beide Formen geschickt?- Was sind die wesentlichen Unterschiede zwischen der digitalen und der persönlichen Kommunikation?Über Sebastian:Sebastian ist Customer Experience Manager und Marketingexperte mit über 10 Jahren Erfahrung. Er hat alle Ebenen von Unternehmen in Bezug auf Social Media, Branding, Marketingstrategien, Social Selling und Active Sourcing auf oberer Managementebene beraten und diese Strategien mit Hilfe von globalen Teams umgesetzt.Er begeistert sich für Technologie, Unterhaltungselektronik und digitale Kunstformen. Vernetzt Euch mit ihm oder folgt ihm auf LinkedIn.Über unseren Sponsor ReadyForSocial:ReadyForSocial ist ein führender Social-Selling-Anbieter und Sponsor dieses Podcasts. Bereits seit 2014 unterstützt ReadyForSocial Grossunternehmen in der DACH-Region sowie in Europa und den USA, bei der Konzipierung, Einführung, dem Management und Ausbau ihrer Social-Selling-Programme. Dabei liegt ein besonderer Schwerpunkt auf Analytics und dem Erzielen eines nachweisbaren ROIs (5 - 8x).Mehr Informationen zu ReadyForSocial gibt es hier.Lisa, Monika und Kathrin arbeiten für ReadyForSocial. Kontaktiere uns gerne mit Fragen und Anregungen zu diesem Pocast, oder zu den Leistungen von ReadyForSocial: Lisa Davidson und Monika Ruzicka und Kathrin Wollin.

This summer, in a major new exhibition, you can see how documenting the animal world has resulted in some of humankind's most awe-inspiring art, science and sound recordings: Animals: Art, Science and Sound is now open at the British LibraryPart of the exhibition is dedicated to darkness and Steve got to have a preview of what's on show a couple of days before the exhibition opened. In this interview with Cheryl Tipp, curator of Wildlife and Environmental Sounds, Steve discovers what can be heard in the exhibit as well as what bat recordings lie in the archive. Hear the recordings of horseshoe bats made on one of the first commercially available bat detectors; the Holgate Mk VI and you can see this detector within the exhibition along with photographs of the waveforms it could make from recordings. It sits alongside other important works such as Ernst Haeckel's Kunstformen der Natur (Artforms in nature) with the plate of bats on display. Cheryl also explains how you can submit your bat recordings to the library for adding to the archive.The exhibition is open until Monday 28th Aug 2023. Tickets and all the information you need can be found on the Animals: Art, Science and Sound website.Follow Cheryl Tipp on twitter.Discover more about John Hooper on page 13 of this journal.Listen to the Holgate recordings of greater horseshoes again on the British Library archive page as well as Cheryl's recording of common pipistrelles.We've been selected by the Big Give for this year's Green Match Fund; every donation we receive up to £5000 will be doubled. A huge opportunity to raise £10,000 for bat conservation. Donations must be received via the Big Give website between 20th - 27th April. We're running a Listener SurveyWe'd really appreciate it if you could answer a few quick questions about BatChat so that we can bring you the best possible content for future series.You can leave your answer anonymously if you'd prefer: https://forms.office.com/e/VAvudX7NFr Support the showPlease leave us a review or star rating if your podcast app allows it because it helps us to reach a wider audience so that we can spread the word about how great bats are. How to write a podcast review (and why you should).Got a story to share with us? Please get in touch via comms@bats.org.ukBats are magical but misunderstood. At BCT our vision is a world rich in wildlife where bats and people thrive together. Action to protect & conserve bats is having a positive impact on bat populations in the UK. We would not be able to continue our work to protect bats & their habitats without your contribution so if you can please donate. We need your support now more than ever: www.bats.org.uk/donate Thank you!

In dieser Episode sprechen Philipp Sandner und Annette Doms, Founding Partner bei xcircle, über digitale Kunst und die Rolle von Metaversen bei der Verbreitung neuer digitaler Kunstformen. Sie erklärt, wie die Blockchaintechnologie Nutzern die Möglichkeit gibt, ihre eigenen Daten zu besitzen und welche Implikationen das für die Zukunft von Marken haben wird. Die beiden reden über Annettes Arbeit bei xcircle, bei der sie ein neues Metaverse-Erlebnis zusammen mit verschiedenen Partnerunternehmen aufbaut.

George Orwell hat nach Hendrik Otrembas Geburtsjahr seinen Roman „1984“ benannt. Ort des Geschehens ist Recklinghausen im Ruhrgebiet, wo Otremba auch aufwächst.Mit Mitte 20 geht es für den künstlerischen Tausendsassa nach Münster und Anfang 2016 weiter nach Berlin. Es gibt nicht viele Kunstformen, die Otremba nicht beherrscht.Als Sänger und Songwriter ist er vornehmlich Teil der Post-Punk-Band Messer, mit der er zwischen 2012 und 2020 vier Alben veröffentlicht. Für die malt er auch die Cover-Artworks – und hat das auch schon für einige weitere Tonträger getan.Wobei diese Cover nur die Spitze des Eisbergs sind, denn Otremba tobt sich kreativ auch in der Gemäldemalerei aus.Da sein Expertentum über Leinwände oder 40 bis 80 Minuten Musik hinausreicht, hat er sich längst auch als Romanautor einen guten Namen gemacht.2017 erscheint sein Debüt „Über uns der Schaum“, es folgt die Noir-Science-Fiction „Kachelbads Erbe“ 2019 und 2022 erscheint „Benito“.Ab und zu ist er auch Dozent für freies Schreiben oder als Journalist tätig. Doch 2023 steht für den noch relativ jungen Vater im Zeichen der Musik, denn mit „Riskantes Manöver“ hat Otremba jüngst sein erstes Soloalbum fertiggestellt. Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

Die 1895 veröffentlichte und drei Jahre später uraufgeführte Tragödie „Erdgeist“ von Frank Wedekind, in der die junge Frau Lulu gleich mehrere bürgerliche Herren in den Ruin und in den Tod treibt, zeigte sich als besonders wirkmächtig und Lulu wurde zur Bezeichnung für den Frauentypus der selbstbewussten und durchsetzungsfähigen Femme fatale. Das Werk diente als Vorlage für zahlreiche Übertragungen in andere Kunstformen – so auch in den Stummfilm. Am 22. Februar feierte der Film „Erdgeist“ von Leopold Jessner mit Asta Nielsen als Lulu Premiere und brachte so den „Lulu-Typus“ erneut in die gesellschaftliche Debatte, wo ihn die Publizistin Gabriele Tergit aufgriff und darüber nachdachte, ob es diesen Typ nicht schon immer gab und ob er nun erstrebenswert sei oder nicht. Erschienen sind ihre Überlegungen im Berliner Tageblatt pünktlich zur Premiere des Stummfilms und vertont hat sie für uns Paula Leu.

Glitzernde Wattrippel, geschwungene Sandbänke, feinste Verästelungen der Priele im Gegenlicht - Martin Stock weiß wie kaum ein anderer, das Wattenmeer in Szene zu setzen. Er ist Biologe, Fotograf und ausgesprochener Wattenmeerliebhaber, fotografiert das Watt seit 30 Jahren und verrät in der aktuellen  Folge des NORDSEE Podcasts, den ein oder anderen Trick, wie man dieses vordergründige Nichts des Watts überzeugend im Bild festhält.Seine Ausstellung "Kunstformen des Meeres" ist noch bis zum 14.03.2023 im Husumer Rathaus zu sehen. www.wattenmeerbilder.dewww.baerbel-fening,de

Im Jahr 1974 folgte Alois Hahn (geb. 1941) dem Ruf auf eine Professur H4 (ordentliche Professur) an der Universität Trier. Er bekleidete sie bis zu seiner Emeritierung im Jahr 2009. Hahn hatte nach dem Studium in Freiburg i. Br. dann in Frankfurt a. M. studiert, u. a. bei Theodor W. Adorno, Jürgen Habermas und Thomas Luckmann. Seine zahlreichen Gastprofessuren und Forschungsaufenthalte in aller Welt, während seiner aktiven Forschungs- und Lehrzeit sowie auch nach seiner Emeritierung, sind kaum aufzuzählen. Sicher gehört Alois Hahn zu den Soziologen, die den weitesten Überblick über Fach- und Forschungsgeschichte besitzen und ihn auch didaktisch besonders gut vermitteln können. Die hier von der Autobahnuniversität dokumentierte Vorlesung zu Grundbegriffen und theoretischen Ansätzen der Soziologie, die Hahn Mitte der 1990er Jahre hielt, belegt dies auf eindrucksvolle Weise. Die Autobahnuniversität sendet im Winter 2022/23 ab 18. Dezember 2022 immer samstags und mittwochs sukzessive die komplette vierzehnteilige Vorlesung. Fragen zu Kultur, Kulturentwicklung, Kulturübersicht müssen, so Hahn, konstatieren, dass komplexe Kultur nicht jeweils Bewusstseinsinhalt aller einzelnen Mitglieder sein kann. Das gilt selbst für elementare Werttatbestände. Soziologie als Wissenschaft springt in diese Lücke ein. Sie versucht, wechselseitige Fremdheit der Gesellschaftsmitglieder aufzuheben. Dies gilt auch für Romane und andere Kunstformen. Kulturell gelerntes wie Grammatik sorgt dabei generativ für Innovation. Drei Formen des Lernens werden daraufhin beschrieben: Kognitives, moralisches und katektisches Lernen. Darauf basieren die weiteren Ausführungen zu gesellschaftlicher "Vererbung" von kulturell Gelerntem. Im zweiten Teil unterscheidet Hahn zwei Aspekte von Sozialisation (=Übernahme von Kultur). Die Notwendigkeit von Lernen ist verknüpft mit der menschlichen Ausstattung von Lernfähigkeit an Stelle angeborenen Instinktverhaltens sowie grundsätzlicher Lenbedürftigkeit, gegründet in der Plastizität menschlicher Anlagen. Sozialisation gilt hier als Prozess, wie ein Mensch handlungsfähig wird. Der erste Aspekt beleuchtet die individuelle Perspektive, oder auch die individuelle Lernkarriere. Sie beschäftigt neben der Soziologie die Entwicklungspsychologie (beobachtend) und die Pädagogik (beeinflussend). Der zweite Aspekt betrifft den Prozess der Perpetuierung von Kultur in Anerkennung der Abhängigkeit des Gegebenseins von Individuen, aber mit dem Fokus auf kulturelle Reproduktion in Austauschbarkeit von Individuen. Ob im Auto oder mit oder ohne Maske in der großen weiten Welt: Autobahnuniversität hören! Und Carl-Auer Sounds of Science, Formen (reloaded), Heidelberger Systemische Interviews, Sich sicher sein sowie den Wahrnehmungspodcast Frauen führen besser. Jeder Stau bringt Sie weiter. Wo es geht, die freien Augen und den freien Geist nutzen: Carl-Auer Bücher lesen, Carl-Auer Wissen nutzen! Alle Folgen der "Autobahnuniversität" finden Sie auch hier: www.carl-auer.de/magazin/autobahnuniversitat Die anderen Podcasts des Carl-Auer Verlags finden Sie hier: Heidelberger Systemische Interviews www.carl-auer.de/magazin/heidelbe…ische-interviews Sounds of Science www.carl-auer.de/magazin/sounds-of-science sich-sicher-sein www.carl-auer.de/magazin/sich-sicher-sein

Eine Sendung von Henning Cordes, zu Gast: Matthias Koch, Gründer 30M Records ("Finest Sounds from Iran") Die Proteste reißen nicht ab. Seit dem Tod der 22-jährigen Mahsa Amini in Polizeigewahrsam Mitte September begehren Menschen im Iran erneut gegen das autoritäre System der Islamischen Republik auf. Nach iranischen Angaben wurden dabei bislang mehr als 200 Menschen getötet, internationale Menschenrechtsorganisationen gehen von mehr als 450 Toten aus. Tausende Menschen wurden festgenommen: Zuletzt löste die Festnahme von Schauspielerin Taraneh Alidoosti breite Empörung aus, vor Wochen traf es bereits den populären Rapper Toomaj Salehi. Tanz und Musik – im Besonderen Rap – sind im autoritären Staat seit jeher schwierige Kunstformen und teils mit Verboten belegt. Schon lange arbeitet sich die iranische Musikszene daran ab. Jetzt, in den Tagen des Protests, sind die Stimmen der Kulturschaffenden im In- und Ausland besonders deutlich wahrnehmbar. Wir hören zu, tauchen ein und fragen nach: eine Stunde über aktuelle Politik, persische Kultur und Protestlieder.

Ernst Haeckel (1834 - 1919) war einer der einflussreichsten Naturphilosophen des 19. Jahrhunderts. Er war Mediziner, Zoologe, Philosoph und ein großer Unterstützer von Charles Darwins Evolutionstheorie. Er konnte auch ziemlich gut zeichnen. In seinem Sammelband "Kunstformen der Natur" hat er wunderbare, hochästhetische Zeichnungen von Organismen aller Art hinterlassen. Allerdings vertrat er auch die Ideologie der Rassenhygiene und der Eugenik, die später von den Nazis bereitwillig aufgenommen wurden. Haeckel bewegte sich oft an der Grenze zwischen Wissenschaft und Philosophie. Er formulierte etwa die sogenannte biogenetische Grundregel, die im Kern besagt, dass jeder Organismus in seiner Embryonalentwicklung noch einmal die gesamte Evolution seiner Art rekapituliert. Platt gesagt: Ein menschlicher Fötus im Mutterleib durchläuft im frühen Stadium noch einmal etwa eine Fisch- und eine Amphibienphase. Eine interessante Theorie, die aber so nicht mehr haltbar ist. Ein wenig esoterisch klingt auch ein Vortrag aus dem Jahr 1918 zum Thema "Kristallseelen". Haeckel liest aus seinem gleichnamigen Buch, das ein Jahr zuvor erschienen war. Darin wirbt er zunächst für die Idee von der Einheit der Natur – eine Ansicht, die auch der modernen Naturwissenschaft nicht fremd ist. Sie besagt im Wesentlichen, dass alle Erkenntnisse etwa über das Leben auf der Erde am Ende mit physikalischen Gesetzen im Einklang stehen müssen. Haeckel dreht dabei aber den Spieß um und erklärt, dass sich das Konzept der Seele auch auf tote Materie – wie eben Kristalle – übertragen lasse. Dabei nimmt er Bezug auf mehrere Bücher aus dem Jahr 1904, in denen andere Autoren ähnliches behaupten. | Transkript des schwer verständlichen Vortrags und mehr zum Thema: http://swr.li/haeckel-kristallseelen

Ja, das RSO Wien kann auch Oper, immerhin sitzen wir einen Gutteil unserer Dienstzeit im Graben des MusikTheaters an der Wien. Für viele Leute ist das Gesamtkunstwerk Oper die magischste aller Kunstformen. Aber wie groß ist die Rolle der Musik? Wie kann sie helfen, eine Geschichte zu erzählen, wie spielt sie mit unseren Emotionen?

Meine Kollegin Karin Cerny hat sich auf einen Kaffee mit Kay Voges getroffen. Sie sprechen über sein bewegtes Leben, von seiner Suche nach seiner Berufung, die ihn als Heimerzieher zum Filmvorführer hin zu diversen Kunstformen gebracht hat. Aus der Not eine Tugend machen, so beschreibt auch der gebürtige Düsseldorfer seine Suche. Was ist eigentlich die Hauptaufgabe eines Regisseurs? Wie wird man Intendant? Und was macht Wiens Theater bunter? Diese und andere Fragen beantworten die beide im Gespräch!

Kunst vs. Content - die Entrepreneurisierung von KunstSponsoring: https://linktr.ee/feuerundbrotWas ist eigentlich Kunst, was ist Content, was unterscheidet Künstler*innen von Unternehmer*innen, gibt es da heute noch einen Unterschied? Mit großer Reichweite und einer ausgefeilten öffentlichen Persona (siehe letzte Folge) kann bzw. will uns jeder etwas verkaufen. Sei es nun Eistee, Pizza oder eine neue Skin Care Linie. Und die die es nicht wollen, werden dazu gedrängt, so beschwerten sich zuletzt die Musikerinnen Halsey, Fka Twigs, Florence Welsh oder auch Charli xcx darüber, wie ihre Plattenlabel sie dazu bringen wollen, mehr "Content" zu liefern, also im Endeffekt kleine Schnipsel, die vielleicht sogar für den nächsten viralen Moment taugen. Was bedeutet es für Künstler*innen heutzutage, dass die Kunst alleine manchmal nicht mehr ausreicht und wie beeinflusst das wiederrum die Kunst? Marketing Genies wie lil Nas X und sein Team scheinen es raus zu haben, diese Welle zu reiten und trotzdem eine nachhaltige Karriere zu gestalten. Andere werden zum viralen One Hit Wonder und verschwinden wieder, aber was macht er denn anders? Auch in anderen Kunstformen wird immer deutlicher, wie sehr Reichweite zählt und dass anders auf die Kunst geblickt wird, wenn wir die digitale Auswertung immer gleich mit betrachten. Sind Künstler*innen also geborene Entrepreneur*innen oder ist Kunst, die aufs Verkaufen ausgelegt ist, automatisch profan? Sind wir selber arrogant, wenn wir da überhaupt Unterschiede machen und wie müssen wir alle unseren Kunstkonsum hinterfragen?Shownotes:Sponsoring: https://linktr.ee/feuerundbrotPayPal it Your Way. Immer schön flexibel: Ein vielseitiges Leben erfordert flexible Zahlungsmöglichkeiten. PayPal bietet dir für jede Situation die passende Lösung. Bezahle, wie und wann du willst – sofort, nach 30 Tagen* oder in 3, 6, 12 oder 24 Raten**. Mit PayPal gestaltest du deinen Sommer so wie du es willst. **vorbehaltlich KreditwürdigkeitsprüfungQuellen:https://glasstire.com/2019/05/12/art-is-not-entrepreneurship/https://solowork.co/story/youre-an-artist-not-an-entrepreneurThe Artist is dead. Long live the creative entrepreneur | Bart Van der Roost | TEDxGhent Are artists entrepreneurs? 3 Reasons Why Artists And Entrepreneurs Are The Same by Adam Leipzig celebrities need to STOP creating beauty brands! Is TikTok Hurting the Music Industry? TikTok's Impact on the Music Industry Why Tik Tok is destroying the music industry See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Wir fahren die richtig dicken Geschütze auf und versuchen die Frage der Ontologie des Films anzugehen. Natürlich versuchen wir das nicht alleine, sondern lassen uns von Malick, Heidegger und Cavell unter die Arme greifen. Was ist Film? Was unterscheidet ihn von anderen Kunstformen? Was kann Film mit uns machen und warum? All dies betrachten wir, um in den kommenden Episoden Terrence Malick genauer unter die Lupe zu nehmen.

Vor ziemlich genau 50 Jahren – also 1972 – verschwand Megastar David Bowie plötzlich von der Bildfläche um als Ziggy Stardust zurückzukommen. Auf seinem Konzeptalbum “The Rise And Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” schlüpft David Bowie in die Rolle des Rockstars Ziggy Stardust, der erfährt, dass die Welt in fünf Jahren durch eine Naturkatastrophe untergehen soll. Infolgedessen versucht Ziggy Stardust den Untergang der Welt zu verhindern und die Welt durch Liebe zu retten. Hätte das mit der Weltrettung im Rahmen des Albums geklappt, würde im Titel wohl kaum “...And Fall Of Ziggy Stardust” stehen. Der Rock ‘n' Roll Messias Ziggy scheitert mit seiner Mission und das Album endet mit dem Song “Rock ‘n' Roll Suicide”. David Bowie nur als Musiker zu bezeichnen, würde dem Ausnahmekünstler nicht gerecht werden. Die Figur, die Bowie für das Konzeptalbum “The Rise And Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” erschaffen hat, findet dabei nicht nur auf dem Album selbst statt. Er vereint unterschiedlichste Kunstformen und nimmt auch die Persönlichkeit Ziggy Stardust über die Grenzen des Albums hinaus an, erzählt Katharina Heinius im Podcast. __________ Über diese Songs vom Album “The Rise and Fall of Ziggy Stardust…” wird im Podcast gesprochen: 08:40 Mins – “Five Years” 10:57 Mins – “Soul Love” 13:26 Mins – “Moonage Daydream” 14:52 Mins – “Starman” 16:09 Mins – “Star” 20:05 Mins – “Ziggy Stardust” 22:58 Mins – “Rock 'n' Roll Suicide” __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen: 18:24 Mins – “Pinball Wizard” von The Who __________ Links zum Podcast: Diplomarbeit von Manuela Wurm Uni Wien zum Album http://othes.univie.ac.at/10159/1/2010-05-25_0302680.pdf Umfangreiche Fanseite zum Album http://www.5years.com/ David Bowie YouTube Kanal https://www.youtube.com/channel/UC8YgWcDKi1rLbQ1OtrOHeDw __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

"Ohne Proben ganz nach oben"? Susanne Tiggemann lacht. 30 Jahre lang hat sie - neben japanischem Ausdruckstanz, Commedia dell'Arte und Erfahrungen als Klinikclown - bei einer der ersten Impro-Theatergruppen in Deutschland gespielt. Sie weiß, dass die Kunst des Improvisierens viel Wissen und Können braucht und eine erfolgreiche Impro-Theatergruppe unterschiedliche Talente in sich vereint. Susanne Tiggemanns Stärke lag und liegt im Umgang mit Worten und dem Erfinden von Geschichten.

Lange war der Wald in der Kunst nur ein Dekor, ein Hintergrund. In der Romantik wird er zum geheimnisvollen, erhabenen Ort stilisiert. Und dies gerade weil er im Zuge der Industrialisierung ein zunehmend gefährdeter Ort war. Das gilt auch für die Literatur, die dem Wald grossen Raum gibt, gerade auch im Nature Writing, einer Kunstform zwischen wissenschaftlicher Dokumentation und Literatur. Wir unternehmen eine Zeitreise von Caspar David Friedrich zu Beuys und von Rousseau zu Walser, in Begleitung der Kuratorin und Kunsthistorikerin Regula Moser und des Literaturwissenschaftlers Stefan Zweifel.

Die Sendung mit der Ziege - Folge 82 - Staffel 3, Episode 2Ob Fisch, Strahlentierchen oder Schmetterling - sie alle haben etwas gemeinsam: Symmetrie! Symmetrie findet sich überall in der Natur und läßt sie dadurch zu einem Augenschmaus für uns werden. Symmetrische Formen empfinden wir als schön, gesund und ausgeglichen. In dieser Folge erfahrt Ihr, welche Symmetrien es bei Tieren gibt und woran ihr sie erkennt. Viel Spaß!Link zum Videocast: https://www.youtube.com/watch?v=awh5mX6vdtE&ab_channel=DrMadlenZiegeKunstformen der Natur von Ernst Häckelhttps://de.wikipedia.org/wiki/Kunstformen_der_NaturAlle Pod- und Videocastfolgen auf einen Blick: www.DieSendungMitDerZiege.deMitgliedschaft:https://madlenziege.com/mitgliedschaftenDir gefällt meiner Sendung und du möchtest meine Arbeit unterstützten?Dann werfe doch ein paar Münzen in den Hut!Support the show (https://madlenziege.com/geldindenhut) Support the show (https://madlenziege.com/geldindenhut)

Das Düsseldorf Festival feierte in diesem Jahr sein 31-jähriges Jubiläum – wieder im altbekannten Theaterzelt auf dem Burgplatz. Gestartet in den frühen 90ern widmet es sich bis heute überwiegend den spaten- und stilübergreifenden Künsten und versteht sich als Gegenentwurf zum klassischen Spatenbetrieb. Das hochkarätig besetzte Programm macht das Festival heute zu einem national und internationale anerkannten und geschätzten Kunstereignis, zu dem Menschen aus alles Welt nach Düsseldorf reisen. In der aktuellen Folge von Wirtschaft Düsseldorf Unplugged spricht Moderatorin Andrea Greuner mit den Intendanten und geschäftsführenden Gesellschaftern des Düsseldorf Festivals c über die Bedeutung der Kunst im Allgemeinen, das Aufbrechen von bekannten Kunstformen und das Heranführen an neue künstlerische Interpretationen aber auch über die Anfänge des Festivals und den Wunsch, Kunst individuell erlebbar zu machen. Der Rotonda Business Club präsentiert in Partnerschaft mit IHK Düsseldorf und der Wirtschaftsförderung der Landeshauptstadt Düsseldorf die neue Stimme der Düsseldorfer Wirtschaft. DER BUSINESS CLUB DES 21. JAHRHUNDERTS Der Rotonda Business Club ist das größte aktive Netzwerk für unternehmerisch denkende und handelnde Menschen in Deutschland. Unsere 8 Clubstandorte bieten Raum für Beziehungen und neue Ideen. Hier können Sie sich in einem zukunftsorientierten, professionellen Ambiente mit interessanten Menschen austauschen und neue Impulse für Ihr Business gewinnen. Als Mitglied stehen Ihnen unsere Räume und Veranstaltungen in allen wichtigen Städten Deutschlands offen. Unsere Clubmanager sind persönlich für Ihre Anliegen da und kümmern sich aktiv um Ihre Themen und Anforderungen. Selbstverständlich profitieren Sie auch von unserem starken Netzwerk, vielfältigen Services und hochkarätigen Veranstaltungen. Sprechen Sie uns an. Wir freuen uns auf Sie! Wirtschaft Düsseldorf unplugged ist auch Ihr Podcast! Wir laden Sie ein zum Austausch, Diskutieren und Mitgestaltten. Schicken Sie uns Ihr Feedback, Ihre Anregungen und Themenvorschläge via WhatsApp an +49 1573 5498 414 oder per Mail an hallo@wirtschaftspodcast-duesseldorf.de!

Auch Urban Street Art ist eine Kunst. Doch wie geht man damit um, wenn andere Kunstformen von ihr überzeichnet werden? Aktuell wurden Fotografien des Künstlers Malte Wandel zugetaggt. Sie zeigen ehemaligen mosambikanische Vertragsarbeiter:innen der DDR.

Der Rheinfelder Kultursommer ist ein Festival für verschiedene Kunstformen, das vom bis zum stattfindet.... The post K wie Kultur – Ausgehtipp: Rheinfelder Kultursommer appeared first on Kanal K.

Der Rheinfelder Kultursommer ist ein Festival für verschiedene Kunstformen, das vom bis zum stattfindet.... The post K wie Kultur – Ausgehtipp: Rheinfelder Kultursommer appeared first on Kanal K.

Elnaz Seyedi ist 1982 im Iran geboren und studierte dort Komposition und Informatik. Später setzte sie ihre Kompositionsstudien in Deutschland und der Schweiz fort. In ihrer Musik sucht sie Verbindungen zu verschiedenen Kunstformen, zur Philosophie und zur Kultur ihrer Heimat Iran. Mit ihren Kompositionen steht Elnaz Seyedi mitten in der Gesellschaft. Sie ist eine Künstlerin, die den Dialog sucht: zwischen Menschen aber auch zwischen Kunstformen und Kulturen. Und immer wieder ist es die Philosophie, die ihr neue Horizonte eröffnet. Elnaz Seyedi schreibt eine kraftvolle Musik, nicht laut, aber spannungsreich, eine Musik, die unserer Aufmerksamkeit einfordert. Und gleichzeitige führen uns ihre Klänge und Klanginstallationen in die Tiefe des eigenen Hörens und sensibilisieren unsere Wahrnehmung. Cécile Olshausen hat die Komponistin zum Gespräch getroffen.

Dieser Podcast wurde produziert vom Theatertreffen der Berliner Festspiele in Kooperation mit der Digitalen Dramaturgie und dem Podcast //abgespielt//. Gesellschaftliche Utopien in digitalen Kunstformen Die Expertin für Gaming-Theater Sarah Fartuun Heinze im Gespräch mit der Vorsitzenden des Cyborgs e. V. Elle Nerdinger über gesellschaftliche Utopien in digitalen Kunstformen und die cyborghafte Verschmelzung von Körper und Technik in virtuellen Räumen. MIT Sarah Fartuun Heinze & Elle Nerdinger MODERATION Katharina Rösch REDAKTION Digitale Dramaturgie BERATUNG & SCHNITT Lisa Weidenmüller AUDIOPRODUKTION Tobias Voigt MUSIK Matze Pröllochs Fotocredits: Sarah Fartuun Heinze © Dr.Bernd Seydel & Elle Nerdinger © M. Schiefer https://digital.berlinerfestspiele.de/stages-unboxed https://dramaturgie.digital https://linktr.ee/abgespielt.podcast

Wondertalk mit Alexander Wilbert - In dieser Folge vereinen so viele Kunstformen, wie es nur geht. Gesang, Schauspielerei, Tanz, Musical, Schreiben und ein wenig Unsinn. Lasst Tanz kein Gefängnis für euch werden und erzählt uns von euer Traumgeschichte!

Die Musikerin, Schriftstellerin und Illustratorin spricht über ihre Entscheidung, kreative Arbeit zum Beruf zu machen, und darüber, wie man als KünstlerIn unternehmerisches Denken entwickelt. Im Interview erfahren wir von Ariane, wie sie sich durch Musik, Malerei und Texte ausdrückt, wie unterschiedlich sie diese Kunstformen wahrnimmt und wie sich diese für sie gegenseitig ergänzen. Ihren Kiez – ihr Barrio – hat die deutsch-argentinische Allround-Künstlerin in ihrer Wahlheimat Mexiko gefunden. Dort gibt es für sie alles, was ein Zuhause ausmacht: Inspiration, Gemeinschaft – und nachhaltig produzierten Kaffee!

Hier mein Artikel erschienen im Evolve Magazin online über die Premiere von Marina Abramović an der Münchner Staatsoper im September 2020. Ursprünglich war die Weltpremiere für April 2020 geplant, und musste wie alles in der Kultur verschoben werden. Mein Interview mit Marina fand Mitte Dezember 2020 statt, somit ist mit next year i Gespräch 2021 gemeint, wo Marina Abramović als erste Frau seit 250 Jahren eine Einzelausstellung in der Royal Academy in London erhält. Diese große Ausstellung ist nun ein zweites Mal verschoben, nun in den Herbst 2023. https://www.royalacademy.org.uk/exhibition/marina-abramovicDas Marina Abramovic Institut https://mai.art/Die nächsten Vorstellungen von 7 death of Maria Callas werden in der Nationaloper in Athen stattfinden im JUNO 2021.https://www.nationalopera.gr/ In Deutschland gibt es einen weiteren Termin bei den Opernfestspielen in München am 26.Juli.https://www.staatsoper.de/stueckinfo/7-deaths-of-maria-callas/2021-07-26-19-00.htmlTemine für die Staatsoper in Berlin gibt es erst in 2022.Weitere Planungen in Florenz und Paris. ...............................................................................................................................................................................................Liebe, Tod und Erkenntnis von Ute Maria Lerner ©Wilfried Hösl„7 Deaths of Maria Callas” von Marina Abramović an der bayerischen StaatsoperUte Maria LernerLeider hätte ich nicht zur Premiere ihres neuen Opern-Projekts Anfang April nach München gekonnt, und so fragte ich Marina Abramović Mitte März, ob denn der Florenz-Termin im Juni noch stehen würde, woraufhin sie mir am27. März zurückschrieb: „Dear Uma, I am rehearsing in an empty theater in an empty city!“Ich weiß noch, dass mich in diesem Moment zum ersten Mal ein seltsames Gefühl durchzog, dass ich tief in meiner Magengrube spürte. Dann wissen wir alle, wie es weiterging: Lockdown. Auftritt: Coronavirus betritt die Weltbühne und legt kurzfristig die Welt lahm.Eine Meditation auf das Leben und das SterbenNun, ein halbes Jahr später, hat sie unter besonderen Umständen, sozusagen als erster Hoffnungsschimmer für unsere Opern und Theaterhäuser, stattgefunden, die Premiere. Eine denkwürdige Spielzeiteröffnung an der Staatsoper in München in mehrfacher Hinsicht. Und zudem Weltpremiere!Aber mal ehrlich, eine ganz normale Premiere im Spielplan eines Opernhauses, das würde doch auch nicht ganz zu Marina Abramović passen. Selbst der Hausherr Nikolaus Bachler sagt in einem Gespräch mit Abramović: „Manchmal glaube ich, ein Marina Abramović Projekt mit Callas und sieben Toden gäbe es unter normalen Umständen sowieso nicht.“ Marina lacht.Und die gewohnte Opernkost ist es ja auch nicht, sondern eine Mischung aus Performance, Gesang, Film und narrativen Elementen. Für mich persönlich ist es eine Meditation auf das Leben und das Sterben. Der Noch Hausherr Nikolas Bachler gehört augenscheinlich zu den Intendanten, die sich gerne auf neue, zeitgemäße Musiktheaterkonzepte einlassen.Normalerweise fasst die bayerische Staatsoper über 2000 Menschen, die Corona-Auflagen sahen nur 200 Besucher zur Premiere vor, aber einen Tag vor der Premiere hat man noch eine Sondergenehmigung bekommen und konnte noch einmal 300 Karten herausgeben, also 500 Besucher zur Premiere zulassen. Ein Pilotprojekt und Hoffnungsschimmer auf dem Weg zu hoffentlich wieder besseren Zeiten für Kunst und Kultur. Die 300 Karten waren sofort weg. Es folgten in München noch vier weitere Vorstellungen, dann soll das Projekt, wie ursprünglich geplant aber neu terminiert, nun 2021 auch nach Florenz, Berlin und Athen gehen.GrenzgängerinMarina Abramović hatte nun also am 01. September Premiere mit ihrem, wie sie sagt, seit 30 Jahren gehegten Wunsch, dieses Projekt zu Maria Callas zu realisieren. Es trägt den Titel „7 Deaths of Maria Callas“. Marina Abramović (73) ist die wohl bekannteste Performancekünstlerin der Welt, und eine der wenigen, die in diesem Alter noch aktiv auf dem internationalen Kunstmarkt präsent ist. Einem großen internationalen Publikum bekannt wurde sie 2010 mit ihrer drei Monate dauernden Performance im Museum of Modern Art (MOMA) in New York mit dem Titel: The Artist is Present.Eine, wie ich finde, großartige, transformative und spirituelle Arbeit. Die Menschen standen drei Monate jeden Tag Schlange, um sich der Künstlerin auf einem Stuhl gegenüberzusetzen und stumm in die Augen zu schauen. Genau genommen 721 Stunden, die Abramović auf dem Stuhl verbrachte. Jeder, der diese Übung aus Selbsterfahrungsgruppen kennt, weiß, welche Kraft darin liegt. Diese mentale und körperliche Kraft kann wohl nur jemand aufbringen, der in seiner Kunst immer bis an die physischen und mentalen Grenzen gegangen ist. In ihrer Arbeit hat sie sich mit ihrem Körper, den sie als ihr Werkzeug betrachtet, auch in extreme Gefahrenzonen begeben. Als Beispiele seien ihre Performance „Rhythm 0“ von 1974 oder „Rhythm 5“ genannt, wo sie in einem brennenden Stern lag, das Bewusstsein verlor und vom Publikum gerettet wurde. Eine Künstlerin wie sie hat natuerlich von Anfang an polarisiert, aber das liegt in der Natur derer, die immer wieder gewohntes Terrain verlassen.Durch Mauern gehenMein Interesse an Marina Abramović regte sich erst, als ich ihre im Jahre 2017 Autobiographie „Walking through Walls“ (Durch Mauern gehen) las. Ihre Transformation in die Heilung und das Umsetzen ins Künstlerische, das war es, was mich besonders an ihrer Arbeit und Biografie interessierte. Darüber hinaus ist ihr Leben, indem immer die Arbeit auch das Sternenzentrum bildete, sehr bewegt und in ihrer Konsequenz beeindruckend.An der Liebe wäre sie fast zerbrochen, die Liebeschmerzen führten sie auf eine tiefe Reise zu sich selbst und ihren Verletzungen, zu intensiven Reinigungsprozessen, zu Schamanen nach Brasilien und Klöstern in Indien. Auch daraus schöpfte sie Essentielles für ihre Arbeit. Ihre Abramović Methode, die seit vielen Jahren an ihrem Marina Abramović Institut (MAI) gelehrt wird, wird an junge Menschen und den Performance Nachwuchs weitergegeben. „Cleaning the House“ nennt sie diese Arbeitstools. 2017/18 tourte ihre Retrospektive, die den bezeichnenden Titel „THE CLEANER“ trug, durch sieben Hauptstädte in Europa. Nach 40 Jahren kehrte sie sogar in ihre Heimat Serbien, nach Belgrad zurück, und ihre Retrospektive dort bildete 2019 den krönenden Abschluss der Europatour. Von den Kulturvertretern ihres Heimatlandes bis dato eher gemieden, (ein klassisches Motiv vieler Künstlerbiographien) setzte sich dieses Mal die Premierministerin des Landes dafür ein, Marina Abramović zurück in ihre Heimat zu holen. Überhaupt hat die Ausnahmekünstlerin, die seit Beginn des neuen Jahrtausends in New York lebt, und in den folgenden Jahren den amerikanischen Kunstmarkt eroberte, in Europa immer einen Kontinent an ihrer Seite gehabt, der ihrer Arbeit seit Anbeginn ihrer Karriere eine konstante Plattform bot.Heute ist sie weltberühmt und eine hochbezahlte Künstlerin. Sie hat aber, wie mir scheint, die Bodenhaftung nicht verloren. Sie ist eine Kunstnomadin, die in ihrem Leben alle Kontinente bereist hat. In ihrer Biografie sagte sie einmal, ihre glücklichste Zeit war die, als sie in den späten siebziger Jahren mit ihrem damaligen Partner Ulay und der gemeinsamen Hündin Alba in einem umgebauten Bus vier Jahre durch die Welt reiste, fast ohne Geld. Eine besondere Zeit muss wohl auch ihr Aufenthalt mit ihrem Partner Ulay zu Beginn der achtziger Jahre bei den Aborigines im australischen Outback gewesen sein, wo sie Einblicke in deren spirituellen Kosmos erhielt, eine Erfahrung, die wohl nur ganz wenigen Fremden zuteilwird.Ulay lernte sie 1975 kennen, es war – beide sind am gleichen Tag geboren – eine Schicksalsbegegnung. Ihre Arbeits- und Liebesbeziehung hielt bis 1988 an, dann trennte sich das Paar spektakulär. Eigentlich hatten die beiden die Überquerung der Chinesischen Mauer geplant, ein Projekt, welches sie jahrelang vorbereitet hatten. Sie wollten sich auf der Chinesischen Mauer von den entgegengesetzten Enden entgegengehen, um dann zu heiraten. Es kam anders. Als sie sich nach drei Monaten Wanderung auf der Mitte des Weges trafen, besiegelte es das Ende ihrer Liebesbeziehung.Nach der Trennung von Ulay (Frank Uwe Laysiepen), der in diesem Jahr Anfang März verstarb, startete sie dann ab 1988 ihre Solo-Karriere. Und mal ehrlich, wer kann von sich behaupten, nicht nur über Mauern gegangen zu sein, sondern auch durch Mauern?Marina Abramović ist eine Suchende, aber auch eine Lehrende. In den neunziger Jahren lehrte sie bereits u.a an der Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig das Fach Performance Kunst. Im Jahre 1997 bekam sie den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihre Arbeit, eine vier Tage und sieben Stunden andauernde Performance, die den Schrecken des Balkan Krieges zeigte. In „Balkan Baroque“ schrubbte sie vier Tage lang blutige Knochen.Maria und MarinaBis heute sucht ihr kreativer Geist immer wieder nach Herausforderungen und wendet sich deshalb nun auch dem Opernprojekt über Maria Callas zu. Seit sie zum ersten Mal im Alter von 12 Jahren eine Aufnahme der Callas hörte, habe sie die Stimme und die Person der Callas fasziniert und begleitet. “I love Callas, since I saw her in the late fifties“, sagt Marina Abramović. Die Callas sei an gebrochenem Herzen gestorben, ist sich Abramović sicher, und sie selbst sei beinahe auch an gebrochenem Herzen zu Grunde gegangen. Die Callas hatte eine schwierige Mutterbeziehung, so wie sie. Maria Callas ist im Sternzeichen des Schützen geboren, Marina Abramović ebenfalls. Auch im Äußeren sehen sich die beiden Frauen, beide mit Charakternase, sogar ähnlich. Der große Unterschied sei der, sagt Abramović, dass die Callas es zuließ, dass ihr gebrochenes Herz auch ihre Arbeit zerstörte. Sie selbst hätte das nicht zugelassen. Wenn man ein solches Ausnahmetalent wie die Callas besitze, dann hätte man eine Verpflichtung der Welt gegenüber, es der Welt bereitzustellen.Auch scheint mir eines essenziell im Unterschied: Marina Abramović ist durch den schmerzlichen Prozess der Erkenntnis gegangen, dass die Fähigkeit, lieben zu können, immer mit der Selbstliebe beginnt. Hier liegt meiner Interpretation nach vielleicht auch der große Unterschied zwischen den beiden Ausnahmekünstlerinnen. Callas hat es zugelassen, dass die fehlende Selbstliebe ihr nicht die Kraft zur Verantwortung gegeben hat, die eine große Künstlerin für ihr Talent übernehmen muss.Marina Abramović ist heute eine faszinierende Erscheinung, oder anders formuliert, sie gehört zu den Frauen, die im Alter noch an Ausstrahlung gewinnen, weil sie es wohl geschafft haben, mit dem Kosmos im Einklang zu schwingen, und sich dem Essentiellen zuzuwenden. Dazu umgibt Marina Abramović sich gerne mit jüngeren Menschen. Ihr künstlerisches Team, aber auch ihre Partner sind eigentlich immer jünger gewesen. Mit jüngeren Menschen fühlt sie sich einfach wohler, wie sie sagt.Liebe zur KunstLiebe ist für uns alle ein Grundbedürfnis und gleichzeitig der meistmissbrauchte Begriff überhaupt. Das, was als Liebe bezeichnet wird, ist oft eher das genaue Gegenteil oder das Klammern von zwei Abhängigen aneinander, wie es kürzlich Prof. Hüther in einem Podcast-Gespräch mit mir beschrieb. Und gleichzeitig ist die Liebe das meistbehandelte Motiv in allen Kunstformen, und besonders in der Oper.Marina Abramović hat sich nun 7 Operntoden und auch Todesformen gewidmet, die aus “Liebe“ gestorben wurden. Die sieben Bühnentode werden in Filmen von der Künstlerin inszeniert und auf die große Leinwand projiziert. Einen achten, den echten Tod der Maria Callas an Herzversagen in ihrem Pariser Apartment, stellt sie dann live als Traumsequenz auf der Bühne dar. Diese Tode ist Maria Callas in ihren meistgesungenen Opern immer wieder gestorben. Wir sprechen über Norma, Othello, Lucia di Lammermoor, Tosca, Madame Butterfly, Traviata und Carmen. Die zweite Arie des Abends, Tosca, 2. Akt – „Vissi d`arte, Vissi d´amore“, Ich lebte für die Kunst, ich lebte für die Liebe –, könnte dann schon das Glaubensbekenntnis auch von Marina Abramović sein.Sie zeichnet sich für das Konzept und die Regie verantwortlich, ist aber auch von Anbeginn des Abends auf der Bühne anwesend. Bei diesem Projekt wird ihr ihre Arbeit mit dem Theaterregisseur Bob Wilson, mit dem sie bereits 2012 „The Life and Death of Marina Abramović“ auf die Bühne brachte, zugutekommen. Die Arbeit mit Wilson habe zudem ihre Sicht auf die Schauspielkunst verändert, wie sie sagt.Auch wieder an ihrer Seite, wie schon 2012, der US- amerikanische Schauspieler William Dafoe, der in sieben Filmsequenzen ihr Counterpart ist. Die Kostüme hat Burberry Designer Riccardo Tisci entworfen, Yoel Gamzou, der junge israelisch-amerikanische Dirigent gibt sein Debüt beim bayerischen Staatsorchester, die Musik stammt von Marko Nikodijević, sieben Opernsängerinnen singen jeweils eine Opernsequenz.Das TotenkleidDer Abend beginnt mit der Stimme von Abramović über Band: „Ich bin eine flackernde Flamme auf einer einzelnen Kerze …“Der Tod beschäftigt mich schon lange, sagt Marina Abramović. Das könnte wohl auch mit ihrer Großmutter zu tun haben, die ihr Totenkleid immer parat liegen hatte, schon in jungen Jahren, wie Abramović in ihrer Biografie schreibt. Eigentlich eine weise Vorkehrung der Großmutter, sind doch diese beiden Momente, wie der Mensch in die Welt eintritt, und wie er sie verlässt, die beiden wichtigsten Momente seiner Existenz. Selbstverständlich hat die Künstlerin für ihre letzte Performance bereits Vorkehrungen getroffen, und schon lange ein Skript für ihr eigenes Begräbnis geschrieben. So wünscht sie sich drei Begräbnisse an drei Orten, und niemand wisse dann, in welchen Sarg nun die echte Marina liege. Eigentlich klar, dass die Performance-Legende ihre Reise in eine neue Dimension auch mit einer Performance starten möchte.Georgia van der Rohe, die Tochter des weltbekannten Architekten Mies van der Rohe, schrieb einmal in ihrer Biografie: „Motivation, Entschlossenheit, Durchhaltevermögen waren meine Devise“. Ich erinnere mich noch, dass ich dem gut nachfühlen konnte, habe ich doch schon früh als Künstlerin selbst erfahren, dass diese Eigenschaften unabdingbar sind. Dies sind Eigenschaften, die ich Marina Abramović unbedingt zuordnen würde.Und man sieht es: Es lohnt sich, diese Eigenschaften als Künstlerin zu pflegen. „7 Deaths of Maria Callas“, ein Abend, an dem eine Diva einer Diva huldigt, und auch die spirituelle Erkenntnis transportiert, dass wir das Leben verlieren, wenn wir die Liebe verlieren. „It was a purification for me”, sagt sie nach ihrer Premiere, “all struggle came to an end and I can focus now on life again.“An ihren wichtigsten Läuterungsprozessen, so scheint es, hat Marina Abramović das Publikum immer teilhaben lassen, ja sie braucht das Publikum, wie sie sagt. Und: Breathe, breathe , breathe, breathe heißt es am Schluss, fast schon eine prophetische Aufforderung angesichts der Zeit, in der wir uns befinden, und erkennen dürfen, wie essentiell der Atem, der freie Atem für unser Leben ist. Leben, Liebe, Schmerzen, Tod und Atmen, es geht um Essentielles. Hoffen wir, dass Marina Abramović sich nun, geläutert, weitere große Lebensthemen vornimmt. Und ist nicht die Zeit genau JETZT, die beste Zeit, das Leben, die Liebe und die Kunst zu feiern? Seven Deaths of Maria Callas, nach der Uraufführung an der Staatsoper München Anfang September, 2021 geplant in Florenz, Berlin, Paris und Athen. Zum Projekt ist ebenfalls ein Bildband erschienen bei Damiani, Harcover, 175 Seiten, 55 Euro.———————————————————————————-

Dein Leben und Ich quatscht ja gern mal über Filme. Heute sprechen wir mit ihnen. Der heutige Gast beim unliterarischen Duett ist Filmemacher, und weiß uns die Hintergründe der Leinwand zu beleuchten. Warum ist ein Film ein Wunder? Was kann alles schiefgehen? Und was macht eigentlich unser weißbärtiger DuD in der Unterführung? Hier gibt es Antworten und Anekdoten über den viele Kunstformen vereinenden Film.

Dr. Matthias Rauch ist ein ausgewiesener Kenner für kulturelle Stadtentwicklung, hat das Cluster Musikwirtschaft in Mannheim und Region über Jahre entwickelt und ist aktuell Cultural Innovation Officer bei NEXT Mannheim, der Mannheimer Gründerzentren GmbH. Für ihn sind Kultur-/Kreativwirtschaft und Stadtentwicklung keine Widersprüche, sondern bedingen sich beidseitig. Dabei motiviert ihn täglich, mit ganz unterschiedlichen Menschen im Austausch zu sein, auch wenn es sehr herausfordernd ist. Als Grundlage hilft ihm sein Studium der Kultur- und Wirtschaftswissenschaft, in dem er einen Fokus auf das kaufmännische Verständnis gelegt hatte. Für ihn ist Kultur alles von Menschen Erschaffene. Somit sind Kunstformen, Kulturangebote aber auch Kulinarik und Gastronomie zentrale Treiber der Stadtentwicklung. Es ist ein Querschnittsthema, das viele Bereiche der Menschen betrifft. Dabei ist ihm wichtig, dass die Schaffensseite von Kunst und Kultur stets frei sein muss, hingegen es auf der Seite des Empfängers um die Funktionalität der Kunst geht. Der Begriff „Stadtplanung“ ist aus seiner Perspektive kein Widerspruch, wenn es darum geht, Kunst und Kultur Freiräume zu geben, da sich Kreativität nicht planen lässt. Die Begegnungsflächen und Gestaltungsräumen sind existenziell, nicht „nice to have“. Aus diesem Grund ist es für ihn unerlässlich, Kultur von Anfang an in Prozesse der Stadtentwicklung zu integrieren, sie mitzudenken und Kreative- bzw. Kulturschaffende zu involvieren. „Sie wissen am besten, was die Räume brauchen und von wem die Räume genutzt werden,“ so der Experte. Dieses Wissen hat nach seiner Auffassung auch in der aktuellen Diskussion über die Reaktivierung der Innenstädte eine große Bedeutung. Er plädiert auch hier für eine frühzeitige Mitnahme der kreativen Potenziale einer Stadt. Dr. Rauch zeichnet ein umfassendes Bild von dem Potenzial, wenn sich Kultur und Stadtentwicklung auf Augenhöhe begegnen. Mit Mannheim liegt ein erfolgreicher Case zu Grunde, der durch ihn nachvollziehbar wird und Anknüpfungspunkte für andere ermöglicht. In der Folge 24 von „#CITYMAKING – So wollen wir in Städten leben“ bieten sich viele Anknüpfungspunkte für die Zukunft der Städte.Folgentext

Noch in 450 Millionen Jahren werden die 1977 gestarteten Sonden Voyager 1 und 2 ihre Bahnen durch den Weltraum ziehen und davon künden, dass es einmal eine Zivilisation gegeben hat, die über Kunstformen wie Musik, Klangkunst und Hörspiel verfügte. Von Frank Kaspar und Jochen Meißner www.deutschlandfunk.de, Freistil Hören bis: 17.01.2022 20:05 Direkter Link zur Audiodatei

Fragen: Was heißt es überhaupt, als Afghane in Deutschland zu leben? Soll man am besten die eigene Identität vergessen? Sie verleugnen oder verdrängen? Geht es überhaupt? Und: Warum wird man über alles hier in Deutschland ständig gefragt? Hört das denn irgendwann mal auf? Nach einem kurzen Intro auf Deutsch lauschst du fast eine halbe Stunde lang Paschtunisch, eine der beiden Amtssprachen in Afghanistan. Oder vielleicht sprichst du selbst diese Sprache? Dann verstehst du ja, was der EULENGASSE-Künstler Rahulla Torabi positiv und kritisch über die kulturelle Begegnung mit und in Deutschland zu berichten weiß. Er rezitiert Gedichte in Paschtu, lässt Musik erklingen, und spricht gegen Ende auch ein wenig auf Deutsch. So erfährt man auch als Nicht-Afghan:in von seiner Einstellung zu Fremdheit und Aneignung, zu Herkunft und Identität, zu Fragen und Neugier. Rahulla Torabi floh in seinem 17. Lebensjahr aus seinem Geburtsland Afghanistan (Kandahar, Maidan) nach Deutschland. Überlegungen über und Beobachtungen aus der zurückgelassenen und neuen Heimat hält Torabi in diversen Kunstformen wie etwa Malerei, Fotografie, Skulptur oder Collagen fest. Zentrale Themen im Werk des Künstlers sind die Poesie, die Harmonie und die Magie im Leben. Diese Podcastfolge wurde ermöglicht durch das Arbeitsstipendium der Hessischen Kulturstiftung im Rahmen des Förderprogramms »Hessen kulturell neu eröffnen« 2020.

Was ist schön und was ist hässlich? In der Kunst wie im echten Leben ist das oft eine Frage des subjektiven Geschmacks, fällt in der Betrachtung von Musik dann aber doch mit erstaunlicher Schlagseite in eine bestimmte Richtung. Denn hässliche Musik, so geben es uns viele ästhetische Ideale europäischer Klangtraditionen seit Jahrhunderten vor, ist schlechte Musik, Schönheit ist das über allem stehende und zu erreichende Ideal. Wir aber fragen uns zu Beginn der neuen Staffel von Tapas und Merlot: Kann ein Song nicht gerade auch wegen seiner Hässlichkeit herausragend sein? Als einschneidendes Fallbeispiel dient in dieser Debatte Lingua Ignotas "Caligula", ein Album, das mit dem Blick auf psychische und physische Gewalt nicht nur enorm unangenehme Themen verhandelt, sondern diese auch auf eine Weise vertont, wie sie der Hässlichkeit des Inhalts angemessen ist. Der virtuose Spagat zwischen der Bezugnahme auf die der immerwährenden Schönheit frönenden Orchestermusik und ihr gleichzeitiger Bruch durch exzeptionelle Noise-Fragmente sorgt dabei nicht nur für ein enorm eindringendes Hörerlebnis, sondern bietet auch Raum für viele Fragen. Können Künstler*Innen heute noch echte musikalische Skandale erzielen? Unterscheiden sich die Schönheitsideale in der Musik von anderen Kunstformen? Oder noch viel grundsätzlicher: Kann Kunst überhaupt hässlich sein?

HDVDL TALK #47 mit Thomas Brandon Kovacs (Sparkojote) über den Hype rund um Pokémon und warum für einzelne Karten bereits sechsstellige Summen bezahlt werden, das Trading Card Game und Grading, sein privates Vermögen und seine Assets, die volatilen Börsenmärkte und den Umgang mit Kursschwankungen, die Kunstformen der Generationen, die Wichtigkeit einer ambitionierten Zielsetzung, Umsatzanstiege während Corona, seine unternehmerischen Tätigkeiten, festgefahrene Denkmuster - sowie seine Gedanken zu Themen wie alternative Investments, Inflation, Marktkapitalisierungen, emotionale und nostalgische Werte, Mindset uvm! Wir würden uns freuen, wenn Du unseren Podcast abonnieren und bewerten - und somit unterstützen würdest. instagram: hdvdl_podcast / www.hdvdl.ch Werde Podcast-Patron aka Gönner: www.patreon.com/hdvdl

Wie sprechen wir inklusiv und respektvoll miteinander? Im Deutschen ist das schwierig und das Gendern eine Option. Diese nutzen wir auch bei Yvonne & Berner. Das Gendern, dieser geschlechterbewusste Sprachgebrauch, ist aber nicht nur ein oft genutzter, sondern auch viel diskutierter Ansatz. Nicht allen Menschen fällt es leicht, ihre Sprache anzupassen. Und sie haben auch keine Lust auf die “grammatischen Kunstformen” und bezeichnen es als “Eingriff in die schöne deutsche Sprache“. Ist Gendern eine Frage der Haltung? Und wenn es eine Lösung ist, kostet sie uns dann unsere Sprache? Jochen und Felicia fragen bei denen nach, die es wissen müssen:Sprachwissenschaftlerin Damaris Nübling, Sabine Mertens vom Verein Deutsche Sprache, Lann Hornscheidt (Professex, Buch „Exit Gender“), Gender & Diversity Experte Felix Haas und Nachrichtensprecherin und unsere Stationvoice Britta Nothnagel. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Boo! Halloween steht vor der Tür und auch Konsolenkino hat sich Gedanken gemacht, wie man den Schrecken des 31. Oktober thematisch passend in eine Podcastfolge gießen könnte. Herausgekommen ist ein schaurig-schöner Ritt durch den interaktiven Horror. Von kleinen Schreckgespenstern wie "Little Nightmares" und "Gylt" bis zu der ausgewachsenen Gruselerfahrung "Dead Space" geben Markus und Max aka Süßes und Saures Tipps für eine gelungene Halloween-Zocksession, die sich auch vor blutigen Leinwandabenteuern nicht verstecken muss. Die haben das Medium Videospiel ohnehin schon längst auf dem Schirm. Filmversoftungen wie "Alien: Isolation" oder "Blair Witch" transportieren den bösen Geist ihrer Vorlage zielgenau in Spielerhände. Ob ein Exorzismus angebracht ist oder sich beide Kunstformen gerade in diesem Genre wunderbar ergänzen, klären die Jungs in der zweiten Podcasthälfte. Wer direkt zu den einzelen Games springen möchte: 02:50 - Little Nightmares 11:30 - Gylt 21:00 - Dead Space 32:50 - Alien: Isolation 40:50 - Blair Witch Cover Design: Marius Scholz Intro- und Outro-Musik: Shane Ivers - Switch Me On https://www.silvermansound.com

Was macht ein Gedicht zu einem Gedicht? Was kann dichterisches Denken, was andere Herangehensweisen nicht vermögen? Und wie drückt es sich in anderen Kunstformen aus? In dieser Folge geht es um Bücher, die eine besondere dichterische Form aufweisen, oder sich damit beschäftigen. In seinem Essayband Dichterisch Denken zeigt Amir Eshel anhand von Gedichten und Bildern, wie dichten das Denken beeinflusst und wie es ihm neue Perspektiven eröffnen kann. Er richtet seine Aufmerksamkeit auf zeitgenössische Künstler, die in ihrer Gestaltungsweise einen Ausweg aus der negativen Wirklichkeit, Erfahrung und Einschränkung weisen – hin zu eigenem Denken, zu perspektivischer Weite, zu neuen Formen und Inhalten. Friederike Mayröckers Buch da ich morgens und moosgrün. Ans Fenster trete lässt keine Zweifel an dem, was für die Autorin noch immer Tag für Tag zu tun ist: hellwach und neugierig auf die Welt blicken und sie in poetische Sprache verwandeln. Die Sprache selbst wird dabei als ein unerschöpflicher poetischer Zauberkasten begriffen. Mit dem zweisprachigen Lyrikband Running Upon The Wires / Vibrationen hat Kae Tempest erneut ein hochmusikalisches Sprachkunstwerk geschaffen, das mit Hilfe vieler unterschiedlicher Stilmittel sowohl das menschliche Herz als auch die politischen und sozialen Gegebenheiten beobachtet und abbildet. Radikal ehrlich und radikal verletzlich zeigt Kae Tempest, wie wir unser Zusammenleben neu gestalten können. Bei dem Buch Erinnerungen von Albrecht Schöne, das kürzlich im Wallstein Verlag erschien, handelt es sich um den Lebensbericht des großen Germanisten, der eine Vielzahl dichterischer Werke kommentiert und herausgegeben hat. Alle Bücher der Folge: Dichterisch Denken von Amir Eshel: http://shrk.vg/DichterischDenken-P da ich morgens und moosgrün. Ans Fenster trete von Friederike Mayröcker: http://shrk.vg/Moosgruen-P Running upon the Wires / Vibrationen von Kae Tempest: http://shrk.vg/Vibrationen-P Erinnerungen von Albrecht Schöne: http://shrk.vg/AlbrechtSchoene-P

Nach fast dreimonatiger Abstinenz ist es nun endlich soweit: Seb kehrt in den Podcast zurück und bringt selbstverständlich auch direkt ein passendes Thema mit. Spätestens seit Homers Dichtungen sind die Sagen zurückkehrender Held*innen ein absolut klassischer Erzähmythos, der uns in weitreichende Kunstformen begleitet. Aber auch in die Welt der Videospiele? Dieser Frage gehen wir heute […]

Hegel wurde vor 250 Jahren in Stuttgart geboren und gilt heute als wichtiger Vertreter des deutschen Idealismus. Er hat sich aber auch mit verschiedenen Kunstformen beschäftigt und die Musik in ein System der Künste eingeordnet. Hegel glaubte, der Mensch erkenne in der Musik vor allem sich selbst, so der Professor für Philosophie Daniel Martin Feige. Warum für Hegel die höchste Form der Musik im Gesang und der Melodie bestehe, erzählt Daniel Martin Feige im Gespräch.

Juergen Staack. Freier Künstler Düsseldorf »Es geht um Denkbilder. Das fotografische Medium verlässt den Raum und geht über die Grenze hinaus, bliebt aber thematisch noch in der Fotografie.« Zitat aus dem Podcast. In der neunten Episode spricht Andy Scholz mit Juergen Staack aus Düsseldorf über Grenzbereiche der Fotografie und grenzenlose fotografische Bilder. »Juergen Staack gehört zu jenen Künstlern, die sich radikal über Kunstformen, Bildwerdungen, Bilder an sich usw. Gedanken machen. Sich gleichzeitig darüber hinweg setzen und Fotografie neu denken.« Andy Scholz in einem Text zur Ausstellung HÖHER SCHNELLER WEITER, die Hauptausstellung vom Festival Fotografischer Bilder in Regensburg. »Meine Arbeiten bewegen sich in Grenzbereichen der Fotografie; Bildern und Bildentstehung. Dabei eröffnen sich grundsätzliche Fragen, die geprüft und bearbeitet werden. Was ist ein Bild? Was macht ein Bild aus? Wie, wann und wo entsteht es? Welchen Stellenwert bekommt ein Bild in einer Welt, die geprägt ist von visuellen Reizen? In verschiedenen Ansätzen habe ich Bildoriginale verloren, uminterpretieren und verfallen lassen, ausgetauscht, in Akustik gewandelt, codiert und erfahrbar gemacht. In meinen Arbeiten spielt auch die Kommunikation und Pseudo-Kommunikation eine wichtige Rolle, die ich medienübergreifend anwende.« Juergen Staack, Mai 2020 Staack wurde 1978 in Dob.- Kirchhain geboren. Nach einer Fotografenausbildung in Wuppertal studierte er bei Thomas Ruff an der Kunstakademie in Düsseldorf und wurde sein Meisterschüler. 2015 und 2020 erhielt er das Arbeitsstipendium der Stiftung Kunstfonds. Er hatte bereits diverse Einzel- und Gruppenausstellungen u.a. im Kunstverein Oldenburg und im Kunstverein Ruhr. Ein Auszug aus seiner Arbeit wird in der großen Hauptausstellung HÖHER SCHNELLER WEITER im Kunst- und Gewerbeverein Regensburg vom 22. Oktober bis 15. November 2020 zu sehen sein. https://festival-fotografischer-bilder.de/portfolio/juergen-staack/ http://juergenstaack.com/ Episoden-Cover-Foto: privat Episoden-Cover-Gestaltung: Andy Scholz Save the Date: 22.10.2020 bis 15.11.2020 FESTIVAL FOTOGRAFISCHER BILDER Regensburg Der Podcast ist eine Produktion von STUDIO ANDY SCHOLZ 2020. Das FESTIVAL FOTOGRAFISCHER BILDER ist eine Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Regensburg.

Der Neuer Leipziger Kulturzirkel – ein idealer Ort für Reflexion über Kunstformen und Wissenschaft. In dieser Episode ist es mir wichtig zu erläutern, warum es für viele Künstler Austausch zu anderen Gebieten zu pflegen. Dafür berichte ich vom Musiksalon, der am 11. Juli bei uns Zuhause stattgefunden hat. Im Fokus stand hierbei unser Cembalo (ein Sperrhake Passau), seine Mechanik und Spielmöglichkeiten. Damit die schier unendlichen Möglichkeiten des Instruments veranschaulicht werden können, bewegen wir uns musikalisch zwischen HÄNDEL und XENAKIS. Die Restaurierung wurde durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen ermöglicht und erklingt an diesem Abend das erste Mal. Mit Ermis Theodorakis www.ermis-theodorakis.com #sogehtsächsisch: Das Programm Deines Leipzig-Podcasts Oper und Leben besteht aus hintergründigen Themen aus der Opernwelt. Neben Werkbesprechungen und Reflexion von aktuellen Diskussionsthemen, sollen auch Künstler, Veranstalter, Komponisten und Kritiker zu Wort kommen. Moderiert und produziert wird der Podcast von mir, Juliane Harberg. Neugierig? Fehlt was? Ein loser Gedanke? Schreibt mir gern: www.endialogue.julianeharberg.com www.julianeharberg.com www.sogehtsächsisch.de Foto credit: @Michael Bader Fotografie

Prof. Birthe Piontek. Emiliy Carr Universität in Vancouver (Kanada). Im zweiten Podcast: Fotografie Neu Denken hat Andy Scholz Prof. Birthe Piontek zu Gast, die seit 2019 Professorin für Fotografie an der Emiliy Carr Universität Vancouver ist. In ihrer Arbeit erforscht sie die Beziehung zwischen Erinnerung und Identität. Ihre Arbeiten werden international in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, sind unter anderem in der Sammlung des Museums of Contemporary Photography in Chicago zu finden und erscheinen regelmäßig in internationalen Magazinen. Birthe Piontek arbeitet als Professorin für Fotografie an der Emily Carr Universität in Vancouver und studierte gemeinsam mit Andy Scholz in Essen Fotografie. Allein das macht sie für diesen Podcast mehr als interessant. »Birthe Piontek Bilder berühren auf eine indirekte Weise. Sie wirken wie eine Skulptur, wie ein ungelenker Tanz, wie eine ungewollte Bewegung – wie etwas, das nicht ganz richtig erscheint. Es wird etwas spür- und greifbar, was wir nicht formulieren oder in Worte fassen können. In dem Podcast-Interview, das ich Ende Mai mit ihr führte, spricht sie selber davon, dass sie durch Fotografie ihre Sicht auf die Welt greifbar machen möchte und dass sie die Momente der Sperrigkeit und der Unheimlichkeit interessieren. Damit deutet sie genau das an, was die Stärke ihrer Arbeiten ausmacht. Etwas haptisch (greifbar) werden zu lassen in einem zweidimensionalen Bild.« Andy Scholz, Juni 2020 https://www.birthepiontek.com Birthe Piontek wurde 1976 geboren, studierte an der Folkwang Universität der Künste in Essen, ehemals Universität Gesamthochschule Essen und wurde 2019 als Professorin für Fotografie an die Emily Carr Universität für Kunst und Design in Vancouver berufen. Sie lebt und arbeitet seit 2004 in Vancouver (Kanada). »In ihrer Arbeit erforscht sie die Beziehung zwischen Erinnerung und Identität. Sie beschäftigt sich insbesondere mit der weiblichen Identität und wie diese in unserer Gesellschaft sichtbar ist. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf der Fotografie. Sie nutzt aber auch andere Kunstformen wie Installation, Skulptur und Collage, um grundsätzlich zu untersuchen, inwieweit komplexe Identitäten visualisiert werden können.« (Artist statement. Zitat von ihrer Webseite. Übersetzung: Andy Scholz) Ihre Arbeiten werden international in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, sind unter anderem in der Sammlung des Museums of Contemporary Photography in Chicago zu finden und erscheinen regelmäßig in internationalen Magazinen. Ihre Arbeit »The Idea of North« erhielt den »Critical Mass Buch Preis«, die Serie »Abendlied« wurde 2018 mit dem »Edward Burtynsky Award« ausgezeichnet. Beide Projekte sind als Fotobücher im Handel erhältlich. Ein Auszug aus ihrer Arbeit wird in der großen Hauptausstellung HÖHER SCHNELLER WEITER im Kunst- und Gewerbeverein Regensburg vom 22. Oktober bis 15. November 2020 zu sehen sein. Link zum Festival Fotografischer Bilder: https://festival-fotografischer-bilder.de Save the Date: 22. Oktober bis 15. November 2020 Festival Fotografischer Bilder Regensburg Der Podcast ist eine Produktion von Studio Andy Scholz 2020 und das »Festival Fotografischer Bilder« ist eine Kooperation mit dem Kulturamt der Stadt Regensburg.

Wenn wir Videospiele als Medium in den Dialog mit anderen Kunstformen treten lassen, sprechen wir meistens über Filme. Mit dem Adjektiv „cinematisch“ schmücken sich die Prestigetitel der Industrie gerne. Aber warum eigentlich? Liegt der Vergleich mit dem Theater nicht viel näher? Schließlich geht es in Spielen nicht selten darum, eine Rolle einzunehmen. Performanz als Konstante […]

Das sind Voßi und Jan. Der sehr gute Supersexyactionmegazirkuszaubershowpodcast mit etwas Feuer. Ein Jongleur und ein Zauberer Schnaken über: Ihren Auftritt auf der Straße der ins Wasser gefallen ist! Stattdessen erzählen die beiden über Kunstformen, die sie gerne mal machen wollen oder können wollen aber es nicht tun. Jongleure zeigen was sie können und Zauberer zeigen was sie nicht können. Hört zu, macht euch Notizen und schickt ihnen Geld. Die geheimen Worte von den Beiden: Jan: Zitronensäure, Kohlensäure Voßi: Bundfaltenhose, Katzenfutter Instagram: pest_und_cola c.vossi janselmar_artist