Podcasts about Gesamtkunstwerk

Das Mannheimer „Alte Klärwerk“ auf der Friesenheimer Insel ist ein besonderer Ort. Gebaut wurde es 1905 in überraschend schöner und aufwändiger Architektur. Seit seiner Stilllegung in den 1970er Jahren geriet es in Vergessenheit. Vor nicht ganz zwanzig Jahren hat der Bildhauer Rüdiger Krenkel in einem der alten Pumpenhäuser der Anlage sein Atelier eingerichtet. Mittlerweile hat er aus dem Gelände ein Gesamtkunstwerk geschaffen.

Das Baskenland ist anders - anders als das übrige Spanien. Mit einer besonderen Kultur, mit einer eigenen Sprache und mit sehr stolzen und selbstbewussten Menschen. Die man übrigens sehr häufig schon an ihrer Kopfbedeckung erkennt, dem Basque-Beret - der Baskenmütze. Getragen wird sie überwiegend von etwas älteren Männern, die genetisch bedingt recht früh ihre Haare verlieren und so gut wie nie einen Regenschirm bei sich haben. Und es regnet nicht selten im Baskenland, was der Region zumindest immergrüne Berge, Hügel und Täler garantiert. Es gibt zerklüftete Küsten und zahlreiche Flussmündungen, die bis an den Atlantik reichen. Das Baskenland ist deutlich rauer als das Spanien am Mittelmeer. Es gibt aber auch einiges zu entdecken und zu erleben im Baskenland. Zum Beispiel im Geopark in Zumaia. Direkt an der Steilküste erkennt man deutlich die Gesteinsschichten, die sich seit Millionen von Jahren aufeinander geschoben haben, ein beeindruckendes geologisches Erbe. Und bei einer kleinen Bootstour erfährt man dann sogar noch, wie an dieser Küste nachgewiesen wurde, dass das Massensterben der Dinosaurier, vor circa 66 Millionen Jahren, durch einen Meteoriteneinschlag in Mexiko ausgelöst wurde. Oder aber man besucht den Omako Basoa im Biosphärenreservat Urdaibai. Dort gibt es „Kunst im Wald“, rund 800 Bäume bilden ein Gesamtkunstwerk. Zu sehen sind abstrakte Figuren, skurrile Tiere oder farbenfrohe Muster, die je nach Standort und Perspektive die Gedanken und Fantasien der Betrachter freien Lauf lassen. Und dann gibt es als besondere kulturelle Errungenschaft die sogenannten Social Clubs - die Männer-Kochclubs. Egal ob in Bilbao, in San Sebastian oder in irgendeinem anderen Ort an der Küste. In Bars und Tavernen feiern Freunde und Familien, die Männer am Kochtopf, die Frauen lassen sich bedienen. Touristen sind bei diesen Events allerdings eher selten zu sehen. Kulinarisch kommt man aber trotzdem im Baskenland mit kunstvoll gestalteten Pintxos - die im übrigen Spanien Tapas heißen - und Weinen aus der Region voll auf seine Kosten. Reportagen von Carsten Vick

Bernau, Nikolaus www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

Chantal Michel, preisgekrönte Schweizer Künstlerin, trifft auf Matti Straub, Coach und Helikopterpilot. Bei Christian Zeugin geben sie Einblicke in ihr Leben. Chantal Michel (56) – Künstlerin und Selbstversorgerin Chantal Michel ist bekannt für ihre begehbaren Kunstwelten, die sie in leerstehenden Schlössern, Villen oder Kirchen erschafft. Ihre Werke sind ebenso poetisch wie radikal, stets durchdrungen von Fantasie, Sinnlichkeit und einer verspielten Auseinandersetzung mit Identität, Körper und Raum. Heute lebt sie auf einem alten Bauernhof in Diessbach bei Büren, den sie zu einem Gesamtkunstwerk aus Permakultur, Performance und Kulinarik verwandelt hat. Ihre Kunst lebt vom Moment – und davon, was andere achtlos zurücklassen. __________________ Matti Straub (52) – Berater und Helikopterpilot Matti Straub ist Gründer der Schweizer Kaospiloten-Schule, die Menschen dazu ermutigt, neue Wege zu gehen. Er selbst hat viele Lebenspfade beschritten – als Coach, Unternehmer, Sozialaktivist und Helikopterpilot. In seiner Arbeit bringt er Menschen in Bewegung, schafft kreative Räume für Wandel und glaubt daran, dass Herz und Bauch die besseren Ratgeber sind als der Verstand. Für ihn entsteht Zukunft, wenn wir das Chaos nicht scheuen, sondern als Chance begreifen. __________________ Moderation: Christian Zeugin __________________ Das ist «Persönlich»: Jede Woche reden Menschen über ihr Leben, sprechen über ihre Wünsche, Interessen, Ansichten und Meinungen. «Persönlich» ist kein heisser Stuhl und auch keine Informationssendung, sondern ein Gespräch zur Person und über ihr Leben. Die Gäste werden eingeladen, da sie aufgrund ihrer Lebenserfahrungen etwas zu sagen haben, das über den Tag hinaus Gültigkeit hat.

Der Style von Rapper*innen ist ein Gesamtkunstwerk: angefangen bei der Basecap bis runter zu den Sneakern. Wie wichtig dabei der richtige Schmuck ist, zeigt jetzt eine außergewöhnliche Ausstellung um Schmuckmuseum Pforzheim. Zu sehen sind dicke Goldketten mit Kreuzanhängern, protzige Gürtelschnallen und mit Brillanten besetzter goldener Zahnschmuck – sogenannte „Grillz“. Doch die HipHop-Kultur ist viel mehr als Mode, Schmuck und Musik – sie war und ist auch ein Lebensgefühl. Geprägt durch die Erfahrungen der Jugendlichen in den abgehängten Vierteln. Auch davon erzählt die Ausstellung und bezieht auch die lokale HipHop-Szene von Pforzheim sowie die dort ansässige Schmuckindustrie mit ein.

Heute vor 70 Jahren wird in Ost-Berlin Nina Hagen geboren, Sängerin, Punk-Ikone, Diva, Aktivistin – und Gesamtkunstwerk.

Unser heutiger Gast hat das Pseudonym Modular mit Bedacht gewählt – schließlich fügt die Wahl-Hamburgerin diverse Einzelbausteine zu einem komplexen Gesamtkunstwerk zusammen. Neben den mal tanzbar treibenden, mal emotional-fragilen Songs spielen hierbei auch die visuellen Aspekte eine große Rolle, die sich von der Zusammenstellung der Outfits über die Gestaltung von Covers und Bühne bis hin zu den detailreichen Videoclips erstrecken. Dabei können die einzelnen Module nach Belieben variiert werden, was der Künstlerin durchaus zupass kommt, lässt sich doch dadurch das allzu voreilige Einsortieren in bestimmte Schubladen zumindest erschweren. War anlässlich ihrer Debüt-EP "Rauschgift" 2023 beispielsweise des Öfteren die Rede von "Neuer Neuer Deutscher Welle", was ein Cover des Joachim Witt-Gassenhauers "Der goldene Reiter" noch zu befeuern schien, erweiterte der im Sommer 2024 erschienene Nachfolger "Trümmer" das Spektrum und sprengte Erwartungen. Der Beinahe-Titeltrack "Trümmer der Stadt" etwa lieferte mit orchestralen Sounds und torkelnden Beats eine "Anti-Summer-Hymne für alle, die auch im Sommer traurig sein wollen" – und die natürlich auch im Winter noch fabelhaft funktioniert. Auch für das noch junge Jahr 2025 hat Modular einiges vor – eingeläutet von ihrer am Freitag erscheinenden neuen Single "Lonely Hearts Club", der eine gewisse "Y2K-Nostalgie" nachgesagt wird. Diese wird sie auf der kleinen Bühne im studioeins nebst ein paar anderen Songs auch live vorstellen, nachdem wir im Interview alles aktuell Wissenswerte erfahren haben.

Unser heutiger Gast hat das Pseudonym Modular mit Bedacht gewählt – schließlich fügt die Wahl-Hamburgerin diverse Einzelbausteine zu einem komplexen Gesamtkunstwerk zusammen. Neben den mal tanzbar treibenden, mal emotional-fragilen Songs spielen hierbei auch die visuellen Aspekte eine große Rolle, die sich von der Zusammenstellung der Outfits über die Gestaltung von Covers und Bühne bis hin zu den detailreichen Videoclips erstrecken. Dabei können die einzelnen Module nach Belieben variiert werden, was der Künstlerin durchaus zupass kommt, lässt sich doch dadurch das allzu voreilige Einsortieren in bestimmte Schubladen zumindest erschweren. War anlässlich ihrer Debüt-EP "Rauschgift" 2023 beispielsweise des Öfteren die Rede von "Neuer Neuer Deutscher Welle", was ein Cover des Joachim Witt-Gassenhauers "Der goldene Reiter" noch zu befeuern schien, erweiterte der im Sommer 2024 erschienene Nachfolger "Trümmer" das Spektrum und sprengte Erwartungen. Der Beinahe-Titeltrack "Trümmer der Stadt" etwa lieferte mit orchestralen Sounds und torkelnden Beats eine "Anti-Summer-Hymne für alle, die auch im Sommer traurig sein wollen" – und die natürlich auch im Winter noch fabelhaft funktioniert. Auch für das noch junge Jahr 2025 hat Modular einiges vor – eingeläutet von ihrer am Freitag erscheinenden neuen Single "Lonely Hearts Club", der eine gewisse "Y2K-Nostalgie" nachgesagt wird. Diese wird sie auf der kleinen Bühne im studioeins nebst ein paar anderen Songs auch live vorstellen, nachdem wir im Interview alles aktuell Wissenswerte erfahren haben.

Unser heutiger Gast hat das Pseudonym Modular mit Bedacht gewählt – schließlich fügt die Wahl-Hamburgerin diverse Einzelbausteine zu einem komplexen Gesamtkunstwerk zusammen. Neben den mal tanzbar treibenden, mal emotional-fragilen Songs spielen hierbei auch die visuellen Aspekte eine große Rolle, die sich von der Zusammenstellung der Outfits über die Gestaltung von Covers und Bühne bis hin zu den detailreichen Videoclips erstrecken. Dabei können die einzelnen Module nach Belieben variiert werden, was der Künstlerin durchaus zupass kommt, lässt sich doch dadurch das allzu voreilige Einsortieren in bestimmte Schubladen zumindest erschweren. War anlässlich ihrer Debüt-EP "Rauschgift" 2023 beispielsweise des Öfteren die Rede von "Neuer Neuer Deutscher Welle", was ein Cover des Joachim Witt-Gassenhauers "Der goldene Reiter" noch zu befeuern schien, erweiterte der im Sommer 2024 erschienene Nachfolger "Trümmer" das Spektrum und sprengte Erwartungen. Der Beinahe-Titeltrack "Trümmer der Stadt" etwa lieferte mit orchestralen Sounds und torkelnden Beats eine "Anti-Summer-Hymne für alle, die auch im Sommer traurig sein wollen" – und die natürlich auch im Winter noch fabelhaft funktioniert. Auch für das noch junge Jahr 2025 hat Modular einiges vor – eingeläutet von ihrer am Freitag erscheinenden neuen Single "Lonely Hearts Club", der eine gewisse "Y2K-Nostalgie" nachgesagt wird. Diese wird sie auf der kleinen Bühne im studioeins nebst ein paar anderen Songs auch live vorstellen, nachdem wir im Interview alles aktuell Wissenswerte erfahren haben.

Unser heutiger Gast hat das Pseudonym Modular mit Bedacht gewählt – schließlich fügt die Wahl-Hamburgerin diverse Einzelbausteine zu einem komplexen Gesamtkunstwerk zusammen. Neben den mal tanzbar treibenden, mal emotional-fragilen Songs spielen hierbei auch die visuellen Aspekte eine große Rolle, die sich von der Zusammenstellung der Outfits über die Gestaltung von Covers und Bühne bis hin zu den detailreichen Videoclips erstrecken. Dabei können die einzelnen Module nach Belieben variiert werden, was der Künstlerin durchaus zupass kommt, lässt sich doch dadurch das allzu voreilige Einsortieren in bestimmte Schubladen zumindest erschweren. War anlässlich ihrer Debüt-EP "Rauschgift" 2023 beispielsweise des Öfteren die Rede von "Neuer Neuer Deutscher Welle", was ein Cover des Joachim Witt-Gassenhauers "Der goldene Reiter" noch zu befeuern schien, erweiterte der im Sommer 2024 erschienene Nachfolger "Trümmer" das Spektrum und sprengte Erwartungen. Der Beinahe-Titeltrack "Trümmer der Stadt" etwa lieferte mit orchestralen Sounds und torkelnden Beats eine "Anti-Summer-Hymne für alle, die auch im Sommer traurig sein wollen" – und die natürlich auch im Winter noch fabelhaft funktioniert. Auch für das noch junge Jahr 2025 hat Modular einiges vor – eingeläutet von ihrer am Freitag erscheinenden neuen Single "Lonely Hearts Club", der eine gewisse "Y2K-Nostalgie" nachgesagt wird. Diese wird sie auf der kleinen Bühne im studioeins nebst ein paar anderen Songs auch live vorstellen, nachdem wir im Interview alles aktuell Wissenswerte erfahren haben.

Neues Jahr neues Glück! Herzlich willkommen auf der Cigarrencouch. Zeit, mit guten Vorsätzen zu beginnen und die angekündigten Hausaufgaben zu erledigen. Maria und Gerry haben sich mit dem zweiten Teil des Films Joker befasst. Schließlich bot Teil 1 den beiden den Stoff, diesen Podcast überhaupt zu starten. Es wird in dieser Folge gespoilert, was das Zeug hält. Bei einer Macanudo Inspirado und einer Plasencia Reserva Original tauchen die beiden in ihre Wahrnehmungen über den Film ein. Fazit: die Chance auf ein großes Gesamtkunstwerk besteht. Habt einen guten Start ins neue Jahr. Servus bab, küss´ die Hand. Ade. Shownotes: @die_cigarrencouch @maria_macanudo @gerry_laechnfinga Picture by @treeburn103 Introsong "Slinky" by Ron Gelinas Chillout Lounge Outrosong "Landshark" by Roger Niewel

Send us a textOn this episode of KBTN -- Camden gets goes into full VSauce Michael mode with an exploration of time and examples of temporal illusions, and Neil raves about his and Camden's favorite content creator/musician/Safety Fan Bureaucratic Wunderkind. Note: this is actually one of KBTN's famous "lost episodes," released from the vault for the first time for all you wonderful Turbo Nerds. So strap in for some outdated fun!LINKS: Brian David Gilbert: -https://www.youtube.com/c/briandavidgilbert/videos-https://youtube.com/playlist?list=PLaDrN74SfdT7Ueqtwn_bXo1MuSWT0ji2w&si=BKCygKZrTudmyLms-https://www.youtube.com/watch?v=KGaPjW93kcM&list=PLrzMhRx_AuP3ZJ_sRFDnEgnH_lqb0JV8p-https://www.youtube.com/watch?v=Q-25c8Rsobw&list=PLaDrN74SfdT7Ueqtwn_bXo1MuSWT0ji2w-https://www.youtube.com/watch?v=4iTAkRHGbuMFOLLOW US HERE:https://www.instagram.com/kbtnpodcast/https://www.tiktok.com/@kbtnpodcasthttps://twitter.com/kbtnpodcasthttps://youtube.com/@kbtnpodcast?si=QW8mWQsHzXBTD5JAhttps://kbtnpodcast.buzzsprout.comSEND US AN EMAIL:kbtnpodcast@gmail.com Send us a text using the link above!!

Welcome to Line Noise. My guest this week is Catherine Backhouse aka DJ Bunnyhausen aka Xylitol, aka the winner of the first ever Line Noise album of the year for her absolutely divine Anemones, released by Planet Mu. And a very worthy winner she is too. We talk about “Gutter Kosmische”, prog jungle, Gesamtkunstwerk, Yugoslav pop culture, the Belgrade Bananarama and everything in between. I hope you enjoy the interview. And do give Anemones a spin. Line Noise is with the support of Cupra.

Welcome to Line Noise. My guest this week is Catherine Backhouse aka DJ Bunnyhausen aka Xylitol, aka the winner of the first ever Line Noise album of the year for her absolutely divine Anemones. And a very worthy winner she is too. We talk about “Gutter Kosmische”, prog jungle, Gesamtkunstwerk, Yugoslav pop culture, the Belgrade Bananarama and everything in between. I hope you enjoy the interview. And do give Anemones a spin. Line Noise is with the support of Cupra.

2024-ieji Aukštaitijos sostinės proveržio metai. Panevėžys rado būda, kaip įsitvirtinti ne tik Lietuvos, bet ir Europos meno gerbėjų žemėlapyje. Raktas į sėkmę – unikali pramonės, meno, kultūros ir turizmo jungtis. Vizitinė miesto kortelė – šiuolaikinio meno centras STASYS MUSEUM. Pasaulis žino Stasį. Pasaulis žinos apie Panevėžį.„Parodų tinklelio sudarymą diktuoja Stasio Eidrigevičiaus kodas: paprastumas, logika, fantazija“, – mintimis dalijasi direktorė Vaida Andrijauskaitė bei socialinių tinklų ir komunikacijos koordinatorius Gabrielius Grašys.Laidoje parodas „ICON-O-Stasys“ ir austrų menininko „Hermann Nitsch. Gesamtkunstwerk“ pristato ekspozicijų techninis vadovas Tomas Styra ir edukatorė, gidė Veronika Kaminskaitė. Vyriausiasis rinkinių kuratorius Arūnas Astramskas supažindina su kūrinių saugykla. BLUE GASTRO gastronominių projektų organizatorė Miglė Gruzdenė pasakoja apie šiuolaikinę gastronomijos kultūrą bei jos istorija per maisto ir meno jungtį.Šiuolaikinio meno centre STASYS MUSEUM įsikūrė ir Panevėžio plėtros agentūra Panevėžys Now bei turizmo informacijos centras. Lankytojams be parodų siūlomos teatralizuotos pramoginės ekskursijos po pramoninį miestą. Panevėžiečiai didžiuojasi šiuolaikine miesto pramone ir nepamiršta senosios. Ekskursijos fragmentus pristato Panevėžio plėtros agentūros Panevėžys Now vyriausioji turizmo projektų vadovė Vilanda Reikalienė ir Panevėžio teatro MENAS aktorius Irmantas Pilis.Ved. Jolanta Jurkūnienė

Mit der Sixtinischen Kapelle in Rom gab die katholische Kirche ein Gesamtkunstwerk der Renaissance in Auftrag. Doch die Wand- und Deckenmalereien Michelangelos verschmutzten im Laufe der Jahrhunderte. Erst 1999 wurden sie restauriert. Reinhardt, Anja www.deutschlandfunk.de, Kalenderblatt

Iri Antler aus Hamburg ist Produzentin und Sängerin. Ihre Musik bezeichnet sie als Art Pop: Text, Melodie, Sounddesign und Video ergeben zusammen ein Gesamtkunstwerk. Sie möchte das Gefühl oder Thema, von dem sie erzählt, von allen Seiten zeigen. Außerdem sprechen wir im Podcast über einen schwierigen Musikvideodreh am Meer, Straßenmusik auf der Reeperbahn und jede Menge Klebezettel. Instagram: https://www.instagram.com/iriantler/ Youtube: https://www.youtube.com/@IriAntler Spotify: https://open.spotify.com/artist/38OphjIHDOgu5XtfxM7eg3? si=FNBTvXqIQoy0BdfmCHdZZQ BACKSTAGE unterstützen? ♥ Hier entlang: https://backstage.podcaster.de/unterstuetzen/ RSS-Feed: https://backstage.podcaster.de/BackstagePodcast.rss Blog: https://backstage.podcaster.de Instagram: https://www.instagram.com/backstage_podcast Kontakt Leni Bohrmann: backstagepodcast@gmx.de Musik in dieser Podcast Folge: „Day by Day“, „Seagulls“ und „Circus“ von Iri Antler BACKSTAGE! wird gefördert durch den Stadtverband für Kultur der Stadt Neustadt e.V.

Zu Gast ist Anna Genger – Künstlerin, St.-Pauli-Original & Tour-Guide sowie passionierte Putzfrau. Sie hatte die vermeintlich gute Idee, in der denkmalgeschützten Apotheke ihrer Mutter in Hamburg ein Sextoy-Museum zu eröffnen. Anna ist auf St. Pauli geboren und wächst in dem Szenekiez auf. Mit 19 verlässt sie Deutschland, um in London Kunst zu studieren. Sie will eigentlich nie wieder zurückkehren, lebt zeitweise in New York, auf Kuba, in Paris und etabliert sich als freischaffende Künstlerin in Berlin. 2018 erhält sie die Nachricht, dass ihre Mutter mit 83 ihre Apotheke schließen muss. Anna gibt ihr Künstlerleben auf, um zu Hause ihre Mutter zu pflegen. Sie investiert viel Geld, kämpft sich durch die Coronazeit und eröffnet 2022 in der ältesten Apotheke auf St. Pauli Deutschlands erstes Museum für historisches Sexspielzeug. Plötzlich beendet der Vermieter den Pachtvertrag. Ein juristischer Formfehler, an dem nichts mehr zu ändern ist. Nina, Maximilian und Roman sind schockverliebt in Anna und ihre markigen Sprüche, wenn sie erzählt, warum sie so gerne im Elbschlosskeller als Putzfrau arbeitet, wie sie Obdachlose in den Arm nimmt und Väter anschreit, die sich unvorsichtig mit ihren Kindern auf St. Pauli bewegen. Die Drei wollen alles über ihren Umgang mit herben Schicksalsschlägen wissen und warum sie aufgehört hat, Alkohol zu trinken. Die Museumsidee ging schmerzhaft schief, doch Anna hat wichtige Menschen kennengelernt, die sie sonst nie getroffen hätte. Sie ist nun sogar froh über ihre wiedergewonnene Freiheit und versucht sich demnächst neben der Malerei mit Standup-Comedy und als Trauerrednerin. Ein ungewöhnliches Gesamtkunstwerk! Schreibt uns unter gjh@swr3.de. Link zum Mitschnitt dieser ungekürzten Folge bei Twitch: https://www.twitch.tv/videos/2302595673

Mit ihrem einzigartigen Doppelstudioalbum "The Lamb Lies Down On Broadway" erschaffen Genesis vor 50 Jahren völlig neue Klangwelten und nehmen in der Geschichte des Progressive Rock einen unverrückbaren Platz ein. "The Lamb Lies Down On Broadway" wurde am 22. November 1974 veröffentlicht und ist bis heute Kultklassiker in der Progressive Rock-Gemeinde. "Ein Stück Rockgeschichte, das auf keiner Bestenliste und keiner Plattensammlung fehlen darf", findet SWR1 Musikredakteur Frank König. Peter Gabriel verließ nach diesem Album die Band, was "The Lamb Lies Down On Broadway" zu seinem Vermächtnis macht. Bei Genesis entsteht eine völlig neue Klangwelt, das macht die Band für Historiker und Kulturwissenschaftler Mark Bell zur damaligen Zeit einzigartig und hebt sie von anderen dieser Zeit wie Yes oder Pink Floyd oder ab. ""The Lamb Lies Down On Broadway" ist ein Gesamtkunstwerk wie kein zweites im Progressive Rock und im Rockbereich überhaupt." (Historiker und Kulturwissenschaftler Mark Bell) Trotz finanzieller Schwierigkeiten und der drohenden Auflösung blieben Genesis ihrer Vision treu. Das Album wurde in einer Scheune in Wales aufgenommen, umgeben von Natur. Später wurde es dann in den Island Studios in Notting Hill fertiggestellt – einem ehemaligen Kirchengebäude, das für seine herausragende Akustik bekannt ist. "The Lamb Lies Down On Broadway" erzählt die Geschichte des sich durch New York prügelnden Halb-Puertoricaners Rael, der nach einem Ausweg aus New York sucht, wo er sich plötzlich befindet. Er ist auf der Reise zu sich selbst und wie im Traum passieren die verrücktesten Sachen. "Er trifft auf skurrile Figuren und bizarre Situationen und ist auch mit viel Frust und Aggressivität ausgestattet", so SWR1 Musikredakteurin Katharina Heinius. Rael wird mit seinen Ängsten und tiefen emotionalen Empfindungen konfrontiert. __________ Über diese Songs vom Album "The Lamb Lies Down On Broadway" wird im Podcast gesprochen (37:10) – "The Lamb Lies Down On Broadway"(52:05) – "Hairless Heart"__________ Alle Shownotes und weiterführenden Links zur Folge "Reckless" findet ihr hier: https://www.swr.de/swr1/rp/meilensteine/genesis-the-lamb-lies-down-on-broadway-teil-1-100.html __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Meldet euch gerne per WhatsApp-Sprachnachricht an die (06131) 92 93 94 95 oder schreibt uns an meilensteine@swr.de

 “Was eine Kiefer ist – Geschichten aus der botanischen Welt." von Lucia Jay von Seldeneck und Florian Weiß – eine Rezension von Constanze Matthes - Zeichen und Zeiten (Hördauer 09 Minuten) In jeder Geschichte in diesem Buch schwingt es mit: Pflanzen zeigen uns jeden Tag, dass alles mit allem verbunden ist. Sie schaffen sich ihre Lebensgrundlage immer selbst, immer aufs Neue. Und so werden sie immer wieder zum Mittelpunkt unseres Lebens: In Hongkong bauen die Spinnenmenschen auf Bambusgerüsten die höchsten Wolkenkratzer der Welt. In Flandern, mitten auf einem Schlachtfeld voller Mohnblumen, schöpft ein Dichter wieder Hoffnung. In der Lausitz gewinnen die Menschen in einem uraltem Ver-fahren Fasern aus den Stängeln von Flachs und verweben sie zu einem Stoff, dem Leinen. Und in Wien funkeln die Sterne der Alpen in den Haaren der Kaiserin. Florian Weiß und Lucia Jay von Seldeneck versammeln in ihrem neuen Werk 30 Pflanzen und erzählen in Text und Bild eine Geschichte zu jeder Pflanze. Inspiriert von historischen Pflanzenbüchern und der Ästhetik alter Karteikarten verbindet das Berliner Designstudio Wu die Erzählungen und Illustrationen zu einem Gesamtkunstwerk. Constanze Matthes, ich bin Journalistin und leidenschaftliche Leserin. Die Liebe zu den Büchern begann im zarten Alter von vier, fünf Jahren, als meine Mutter mich zum ersten Mal in die kleine Bücherei unseres Dorfes mitnahm. Wenige Jahre später schleppte ich die Bücher dann stapelweise allein nach Hause. In der Schule las ich stets die Pflichtlektüre und war meinen Mitschülern ein gern gesehener Gesprächspartner, um den Inhalt des zu lesenden Buches in der Pause vor der Deutschstunde zu erzählen. Sollte man an dieser Stelle „verraten“ sagen? Nach dem Abitur und einem Auslandsaufenthalt in Norwegen studierte ich im Hauptfach Germanistik mit Schwerpunkt Literaturwissenschaft. Allerdings las ich dann nicht immer die Pflichtlektüre der mehrseitigen Lektüreliste und besuchte viel eher die wunderbare Bibliothek des Deutschen Literaturinstituts. Vor allem dann, wenn meine Mitbewohnerin den Koffer-Fernseher über das Wochenende wieder nach Hause mitnahm. Noch heute bin ich „fernseherlos“ und investiere vielmehr meine Zeit in große und kleine Geschichten, dicke und dünne Bücher.   Den Volltext dieser Rezension findest Du hier Wenn dir Rezensionen gefallen, hör doch mal hier hinein. ⁠Unsere Live-Sendungen in Schwabing und im Pixel (Gasteig)⁠  

Mulay ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Berlin. In ihrem ganz eigenen Sound mischt sie immer wieder verschiedene musikalische Elemente und Genres. Außerdem betrachtet sie Musik als Gesamtkunstwerk und liebt es, ihre Songs künstlerisch zu visualisieren. Hier entlang geht's zu den Links unserer Werbepartner. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/popfilter-mulay-und-ihre-musik-fuer-alle-sinne

Mulay ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Berlin. In ihrem ganz eigenen Sound mischt sie immer wieder verschiedene musikalische Elemente und Genres. Außerdem betrachtet sie Musik als Gesamtkunstwerk und liebt es, ihre Songs künstlerisch zu visualisieren. Hier entlang geht's zu den Links unserer Werbepartner. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/popfilter-mulay-und-ihre-musik-fuer-alle-sinne

Mulay ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Berlin. In ihrem ganz eigenen Sound mischt sie immer wieder verschiedene musikalische Elemente und Genres. Außerdem betrachtet sie Musik als Gesamtkunstwerk und liebt es, ihre Songs künstlerisch zu visualisieren. Hier entlang geht's zu den Links unserer Werbepartner. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/popfilter-mulay-und-ihre-musik-fuer-alle-sinne

Mulay ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Berlin. In ihrem ganz eigenen Sound mischt sie immer wieder verschiedene musikalische Elemente und Genres. Außerdem betrachtet sie Musik als Gesamtkunstwerk und liebt es, ihre Songs künstlerisch zu visualisieren. Hier entlang geht's zu den Links unserer Werbepartner. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/popfilter-mulay-und-ihre-musik-fuer-alle-sinne

Mulay ist eine Sängerin, Songwriterin und Produzentin aus Berlin. In ihrem ganz eigenen Sound mischt sie immer wieder verschiedene musikalische Elemente und Genres. Außerdem betrachtet sie Musik als Gesamtkunstwerk und liebt es, ihre Songs künstlerisch zu visualisieren. Hier entlang geht's zu den Links unserer Werbepartner. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/popfilter-mulay-und-ihre-musik-fuer-alle-sinne

Vor der Premiere: Gedanken des Regisseurs Tobias Kratzer, der an der Bayerischen Staatsoper in München Wagners Ring inszeniert. Von Peter Jungblut. Weltkino, genreübergreifend - US-Regisseur Ang Lee wird 70. Von Antje Sieb. Sehenswert: In Frankfurt beginnt heute das 13. Korean Film Festival. Von Sina Philipps.

059: In der heutigen Folge des Tanze Wild & Frech. Podcasts geht es um John Cranko. Es ist Samstag – meine Mama und ihr Freund holen mich an der John Cranko Schule in Stuttgart ab. Die Ledersitze des Mercedes sind gemütlich und dieses Autotelefon schaut mich an. Faszinierendes Ding denke ich. Im Radio spielt Tanita Tikaram: Twist in my sobriety. Ich mag die Stimme, sie ist so weich, wie Samt. Ich schaue aus dem Fenster und freue mich dass wir zur Schloss Solitude fahren… wir fahren entlang einer schönen Baumallee und das Licht strömt durch das grün der Bäume – es glitzert.Auf einmal halten wir. Wir sind noch nicht beim Schloss angekommen. "Komm, wir steigen aus", sagt der Freund von meiner Mama. Wir sind an einem klitzekleinen Friedhof angekommen. "Schau", sagt der Freund von meiner Mama "da ist John Crankos Grab".Ich halte Inne – es ist schon irgendwie seltsam hier zu stehen, an diesem kleinen Grab, wo doch die Schule, die seinen Namen trägt so riesengroß ist. Er wirkt hier alles so klein und bescheiden… es muss wohl ein ganz besonderer Mann gewesen sein, der so viel in der Welt hinterlassen hat – vor allem in Stuttgart und für die ganze Tanzwelt. Der neueste Film Cranko endet an diesem kleinen Friedhof. Marcia Haydée legt Blumen auf das Grab, sie ist anmutig wie eh und je, nur ein wenig älter geworden. Ich tauche ein in ein Meer der Erinnerungen während der Film läuft… wie ich bei den Proben die sie geleitet hat, in meinem weißen Trikot unter dem Klavier saß und gespannt beobachtete was wohl jetzt passiert. Hier war der Tanz und die Kunst zu Hause – die Liebe zum Detail war spürbar.Der neue Film über John Cranko ist eine Hommage eines Ausnahmekünstlers, eines ganz besonderen Menschen, der Stuttgart und der ganzen Welt des Ballett sehr viel geschenkt hat.Tauche ein in die neueste Folge des Tanze Wild & Frech PodcastLINKS zur FolgeHier findest Du meine Buchtipps: 

Lange Zeit beschäftigte sich die Musikwissenschaft mit Musiktheorie und klassischen Formaten – dass Popmusik eine gesellschaftlich wichtige Rolle spielen kann, wurde erst in der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts erkannt. Mittlerweile spielen Popkünstler wie Taylor Swift oder Billie Eilish sogar eine Rolle in den deutschen Feuilletons. Einer der ersten, die die Musik als Produkt und den soziologischen Einfluss von Popmusik erforschten, war Prof. Dr. Peter Wicke, ein aus der DDR stammender Musikwissenschaftler und Rockpromoter, der heute als Pionier der Untersuchung von populärer Musik gilt. Unzählige Publikationen über Mechanismen und Wirkung von Interpreten wie Madonna oder Elvis Presley hat er bereits veröffentlicht, zuletzt widmete er sich in einem Buch dem Gesamtkunstwerk Rammstein, auch im Schatten der Missbrauchsvorwürfe gegen Till Lindemann im letzten Jahr. Warum der größte deutsche Kulturexport seit jeher von der deutschen Medienwelt missverstanden und gehasst wird, welche politische Dimension der Pop hat, und wie Musik als Produkt sich über die Jahrzehnte verändert hat, bespricht er im Interview mit Bent-Erik Scholz. Homepage von Peter Wicke: https://www.popmusicology.org/ Aktuelles Buch „Rammstein: Provokation als Gesamtkunstwerk“: https://www.amazon.de/dp/3854457839 Die gute Gesellschaft – Der Interview-Podcast mit Bent-Erik Scholz. Neue Folgen jeden Donnerstag! https://linktr.ee/diegutegesellschaft Serdar Somuncu & Bent-Erik Scholz: BOYGROUP – Make Podcast sexy again. Am 18. Oktober live in den Wühlmäusen Berlin! Tickets: https://d2mberlin.de/veranstaltung/boygroup/ Datum der Aufzeichnung: 04. Oktober 2024 Musik: cascreativearts | Station Voice: sarahsvoicstudio

Evelina Dovsten tar med er till utställningen Wiener Werkstätte på Millesgården i Stockholm, där hon visas runt av utställningens projektledare och kurator Martin Liljekvist. Mellan 1903 -1932 verkade produktions- kooperativet Wiener Werkstätte grundat av arkitekten Josef Hoffmann och grafikern Koloman Moser samt finansiären Fritz Waerndorfer. Deras skapelser kallade Gesamtkunstwerk var ett helhetskoncept där inte bara själva byggnaden var ett konstverk utan också allt i dess inredning så som möbler, bestick, kläder m.m. Med inspiration från Englands Arts & Crafts-rörelse ville de vara en motreaktion till industrialismen och lyfta hantverkets status. Kanske kan den här vinkeln vara extra intressant för oss idag i denna högteknologiska tid. Kanske finns det nån mer där ute som saknar det mänskliga avtrycket i sin omgivande miljö?Utställningen är producerad av Millesgården i samarbete med MAK - Museum für Angewandte Kunst i Wien.

Er ließ als Jugendlicher nichts anbrennen, wurde dann aber Benediktiner-Mönch. Er machte eine Ausbildung zum Floristen, wurde aber auch noch Keramiker und studierte Bildhauerei. Er ist farbenblind und gilt trotzdem als einer der großen Künstler bei uns im Westen. Seine Bilder zu "75 Jahre Grundgesetz" hängen im Innenministerium von NRW. Wie es dazu kam, erzählt Bruder Stephan Oppermann in den Sonntagsfragen. Von Gisela Steinhauer.

Wed, 25 Sep 2024 20:18:15 +0000 https://betze-podcast.podigee.io/15-new-episode 00ee2955a1aa2b32fa9cbc1e90c6626b FCK gegen HSV 2:2 gegen den HSV nach 2:0-Führung: Warum trotz des deprimierenden Punktverlusts gegen die Hamburger trotzdem nicht alles schlecht ist, besprechen Sebastian und David ausgeruht in der neuen Folge. Außerdem wurden sie sich Gesamtkunstwerke auf dem Betzenberg. Aber hört selbst. full FCK gegen HSV no Sebastian & David

 "Jugendstil – A Star was born in Munich"– mit Ingvild Richardsen und Uwe Kullnick (Hördauer 34 Minuten) Unter Anwendung neuer Prinzipien wurde damals versucht ein neues Zeitalter als Antwort auf die Industrialisierung und den His­torismus in Europa auszurufen. Die Künstler suchten nach einem Stil der eigenen Zeit mit eigenem Charakter. Kunst und Leben sollten umfassend reformiert und zu einer neuen Einheit, zu einer utopischen, ästhetisch bestimmten Lebens- und Gesellschaftsform zusammengeführt werden,  die den privaten Lebensraum vollständig durchdringen sollte. Ziel war es, ein Gesamtkunstwerk zu schaf­fen, das die Grenzen zwischen Leben und Kunst aufheben sollte.  „Jugendstil - A Star was born in Munich“? Unter diesem Label wird Bekanntes und Unbekanntes, werden neue Entdeckungen und Forschungsergebnisse präsentiert.  Hier finden sich veröffentlichte und unveröffentlichte Schlüsseltexte, Zeitschriften, Bücher und Briefe zur modernen Kunstbewegung Art Nouveau und Jugendstil.  In dieser Serie finden sich Interviews von Uwe Kullnick mit Ingvild Richardsen, Interviews von Uwe Kullnick und Ingvild Richardsen mit Kunstsammlern und Kunstexperten. Außerdem Lesungen von zeitgenössischen Schlüsseltexten und Buchpräsentationen. Die Literaturwissenschaftlerin und Kulturhistorikerin, Autorin und Ausstellungskuratorin Dr. Ingvild Richardsen hat in Würzburg, Siena, Bonn und München studiert.Seit ihrer Promotion an der LMU München (2000) ist sie als Wissenschaftlerin, Dozentin und Autorin für Universitäten, Film und Fernsehen national und international tätig. Sie forscht und publiziert zu Europäischer Kulturgeschichte und Erinnerungskultur, zu Frauenbewegungen, jüdischer Geschichte, jüdischem Erbe, NS-Zeit und sowie zu modernen Kunstbewegungen wie dem Jugendstil und den internationalen Zusammenhängen. 2020 erhielt sie für ihre Bücher und Filme den Medienpreis des Zonta-Clubs Fünf-Seen-Land und den Mobility Research der Meiji University Tokyo, mit der sie wissenschaftlich eng zusammenarbeitet (Publikationen, Vorträge, Tagungen). Sie lebt in München und arbeitet als Wissenschaftlerin an der Universität Augsburg, wo sie Pilotprojekte und Forschungsprojekte durchführt. © Ingvild Richardsen, Ukullnick, 8/24 Text und Inhalt: Ingvild Richardsen, Uwe Kullnick: Gestaltung und Realisation Text- und Dataming ist untersagt.

Wie stets in der zweiten Jahreshälfte berät der Deutsche Bundestag auch im Herbst 2025 den kommenden Bundeshaushalt. Dass die Aufstellung eines solchen Bundeshaushaltes, der für das Jahr 2025 immerhin 480 Mrd. Euro umfassen soll, politisch alles andere als einfach ist, berichtet alljährlich die Presse. Dr. Florian Toncar MdB, Parlamentarischer Staatssekretär beim Bundesminister der Finanzen, erklärt im Gespräch mit Roland Nonnenmacher, wie das am Ende trotzdem immer gelingt. Auf dem steinigen Weg zur Haushaltsaufstellung geht es um Haushaltslücken, Sparvorgaben, die Schuldenbremse, aber auch um Rekordinvestitionen und eine Wachstumsinitiative. Am Ende erfährt der Zuhörer, mit welchem Brettspiel die Haushaltsberatungen am ehesten vergleichbar sind.

Der Beginn von Wagners erotischster Oper beschäftigt seit der Uraufführung 1865 die Experten. Denn der berühmte Tristan-Akkord sprengt die Gesetze der Tonalität und öffnet die Tore zur Moderne. Das Werk der Extreme galt lange als unaufführbar, bis Ludwig II. von Bayern als Sponsor einsprang. Von Michael Lohse.

Vor 40 Jahren gegründet, begeistert Circus Monti noch heute sein Publikum. Das Besondere ist die Mischung aus Theatralik, Akrobatik, Tanz und Magie. Was als ambitioniertes Familienunternehmen mit Clown und Tier vor 40 Jahren begann, ist heute mehr Gesamtkunstwerk als klassisches Nummernprogramm. * Zwischen Tradition & Innovation: Was wir mit dem Zirkus verbinden, hat sich verändert und wird dennoch von Nostalgie getragen. * Mittlerweile ist Zirkus eine eigene Kunstform und Circus Monti wurde 2023 mit dem Schweizer Preis Darstellende Künste des BAK ausgezeichnet. * Cirque Nouveau: Unterschiedliche Performing Arts, theatralische, musikalische und artistische Elemente verschmelzen im Zirkus zu innovativen Ausdrucksformen. * Nachwuchsförderung in der Schweiz entspricht nicht der wachsenden Nachfrage. * Heute wird Zirkusschaffen in der Schweiz auch finanziell gefördert. Im Podcast zu hören sind: * Johannes Muntwyler, Leitung Circus Monti & Jongleur * Mario Muntwyler, Leiter Administration Circus Monti & Jongleur * Nadja Berger, Festivaldirektorin Young Stage – International Circus Festival Bei Fragen, Anregungen oder Themenvorschlägen schreibt uns: kontext@srf.ch Mehr zum Kontext Podcast: https://srf.ch/audio/kontext

Im Spielfilm «Le ravissement» erzählt Regisseurin Iris Kaltenbäck raffiniert vom Thema Mutterschaft. Und der jurassische Künstler Augustin Rebetez hat ein kleines Museum eingerichtet, das «Maison Totale». Ein seltsames Gesamtkunstwerk. «Die Verzückung» heisst ein neuer Film aus Frankreich: «Le ravissement». Der Film von Iris Kaltenbäck dreht sich um Mutterschaft und Sehnsucht, um Einsamkeit, Babyblues und um das Leben einer Frau, die das Baby ihrer besten Freundin als ihr eigenes ausgibt. Gehörnte Köpfe, monströse Katzen: Die Welt des Augustin Rebetez ist von seltsamen Figuren bevölkert. Der jurassische Künstler, Musiker und Autor hat mit Bildern, Objekten, Fotografien, Videos und Installationen einen künstlerischen Kosmos erschaffen, wie ein dunkler Zerrspiegel der Welt. Nun hat der Künstler ein eigenes Museum eingerichtet. Weitere Themen: - «Le ravissement» – Verzückung mit geklautem Baby - «Maison Totale»: Dunkles Märchenschloss und eigenwilliges Museum

Leute, lasst euch von diesem pseudointellektuellen Cineasten-Titel nicht täuschen. Das hier ist immer noch FUSSBALL MML - der Podcast für Fuß und Volk, die volle Dröhnung für die Straße. 3 Honks als 4 Blocks. Und um auch alle möglichen Restzweifel zu zerstäuben, gibt es hier jetzt gleich das Liedgut der ersten drei Minuten. Von Lucas Vogelsang. Als Fußilectric. Spiel' doch mal rüber, Mann! Ich mach die Pille rinn. Weil ich ein Wätjen bin. Ein Song, den man als Gesamtkunstwerk in die Wand hängen müsste. Und den Edin Terzic demnächst auch weinend vor der Süd zum Fünftbesten geben wird. Ein Bravo-Hit also, den auch der letzte Otto versteht. Es war ja, so viel sei verraten, ohnehin eine sehr musikalische Folge, mit Uli Hoeneß als Udo Lindenberg. Und Maik Nöcker als Panikorchester. So haben wir die Trainersuche der Bayern besungen, als Drei-Groschen-Oper, mit Max Eberl am Alte-Leierkasten, dem immer sehr stumpfen Herbert Hainer als Mackie Löffel und einem Verein, früher Haifisch, dem gerade die Zähne ausfallen. Und hintenraus im Takt des Abschieds geklatscht, weil Marco Reus, der lässige Lupfer als Bonus-Track, noch einmal auf der ganz großen Bühne spielen durfte. Ein Farewell, das sein Freund Kevin natürlich mit den Onkelz unterlegen musste. Auf die Freundschaft. Und schön auf die Fresse. Dann doch lieber Hartmut Engler und Toni Kroos am Brandenburger Tor. Oder die Flippers zur Nacktpolonaise im Senioren-Stift. Aber so oder so: Wir sagen Dankeschön, 20 Jahre Borussia. Und wünschen Marco Reus viel Glück beim VfL Bochum. Und wer sich jetzt noch fragt, ob das wirklich schon alle Strophen waren, dem legen wir ans Herz, doch bitte komplett hinein zu hören. In diese neue Folge, die in der Tat nicht weniger ist als Ronny's Popshow mit dem Trigema-Affen, ein Primaten-Puff für alle Floskel-Fetischisten, jede These derart durch gekaut, man könnte sich mit dieser Pöbelpaste am Ende sogar selbst heilen. In diesem Sinne: Viel Spaß!

Leute, lasst euch von diesem pseudointellektuellen Cineasten-Titel nicht täuschen. Das hier ist immer noch FUSSBALL MML - der Podcast für Fuß und Volk, die volle Dröhnung für die Straße. 3 Honks als 4 Blocks. Und um auch alle möglichen Restzweifel zu zerstäuben, gibt es hier jetzt gleich das Liedgut der ersten drei Minuten. Von Lucas Vogelsang. Als Fußilectric. Spiel doch mal rüber, Mann! Ich mach die Pille rinn. Weil ich ein Wätjen bin. Ein Song, den man als Gesamtkunstwerk in die Wand hängen müsste. Und den Edin Terzic demnächst auch weinend vor der Süd zum Fünftbesten geben ...Du möchtest deinen Podcast auch kostenlos hosten und damit Geld verdienen? Dann schaue auf www.kostenlos-hosten.de und informiere dich. Dort erhältst du alle Informationen zu unseren kostenlosen Podcast-Hosting-Angeboten. kostenlos-hosten.de ist ein Produkt der Podcastbude.Gern unterstützen wir dich bei deiner Podcast-Produktion.

Giovanni Battista Rogeri has often been confused with other makers such as the Rugeri family, because of his name, and Giovanni Paolo Maggini, because of his working style. Trained in the famous workshop of Nicolo Amati in Cremona, Rogeri set out to make a name for himself in Brescia creating a Cremonese Brescian fusion. Learn all about this often mistaken maker in this first episode on the life of Giovanni Battista Rogeri.   This is the story of Giovanni Battista Rogeri the Cremonese trained violin maker who made it big in Brescia and has since been confused with other makers throughout history. Florian Leonhard talks about the influences Rogeri pulled on and exactly why his instruments have for so long been attributed to Giovanni Paolo Maggini.   Transcript    Far, far away in a place called Silene, in what is now modern day Libya, there was a town that was plagued by an evil venom spewing dragon, who skulked in the nearby lake, wreaking havoc on the local population. To prevent this dragon from inflicting its wrath upon the people of Silene, the leaders of the town offered the beast two sheep every day in an attempt to ward off its reptilian mood swings. But when this was not enough, they started feeding the scaly creature a sheep and a man. Finally, they would offer the children and the youths of the town to the insatiable beast, the unlucky victims being chosen by lottery.  As you can imagine, this was not a long term sustainable option. But then, one day, the dreaded lot fell to the king's daughter. The king was devastated and offered all his gold and silver, if only they would spare his beloved daughter.  The people refused, and so the next morning at dawn, the princess approached the dragon's lair by the lake, dressed as a bride to be sacrificed to the hungry animal.  It just so happened that a knight who went by the name of St George was passing by at that very moment and happened upon the lovely princess out for a morning stroll. Or so he thought. But when it was explained to him by the girl that she was in fact about to become someone else's breakfast and could he please move on and mind his own business he was outraged on her behalf and refused to leave her side.  Either she was slightly unhinged and shouldn't be swanning about lakes so early in the morning all by herself, or at least with only a sheep for protection, or she was in grave danger and definitely needed saving. No sooner had Saint George and the princess had this conversation than they were interrupted by a terrifying roar as the dragon burst forth from the water, heading straight towards the girl. Being the nimble little thing she was, the princess dodged the sharp claws.  As she was zigzagging away from danger, George stopped to make the sign of the cross and charged the gigantic lizard, thrusting Ascalon, that was the name of his sword, yep he named it, into the four legged menace and severely wounded the beast. George called to the princess to throw him her girdle, That's a belt type thing, and put it around the dragon's neck. From then on, wherever the young lady walked, the dragon followed like a meek beast.  Back to the city of Silene went George, the princess, and the dragon, where the animal proceeded to terrify the people. George offered to kill the dragon if they consented to becoming Christian. George is sounding a little bit pushy, I know. But the people readily agreed and 15, 000 men were baptized, including the king. St. George killed the dragon, slicing off its head with his trusty sword, Ascalon, and it was carried out of the city on four ox carts. The king built a church to the Blessed Virgin Mary and St. George on the site where the dragon was slain and a spring flowed from its altar with water that it is said would cure all diseases.  This is the story of Saint George and the Princess. It is a classic story of good versus evil, and of disease healing miracles that would have spoken to the inhabitants of 17th century Brescia. The scene depicting Saint George and the Princess is painted in stunning artwork by Antonio Cicognata and was mounted on the wall of the Church of San Giorgio.  Giovanni Battista Rogeri gazed up at this painting as family and friends, mainly of his bride Laura Testini, crowded into the church of San Giorgio for his wedding. Giovanni was 22 and his soon to be wife, 21, as they spoke their vows in the new city he called home. He hoped to make his career in this town making instruments for the art loving Brescians, evidence of which could be seen in the wonderful artworks in such places as this small church. Rogeri would live for the next 20 years in the parish of San Giorgio. The very same George astride an impressive white stallion in shining armour, his head surrounded by a golden halo. He is spearing the dragon whilst the princess calmly watches on clad in jewels with long red flowing robes in the latest fashion. In the background is the city of Brescia itself, reminding the viewer to remember that here in their city they too must fight evil and pray for healing from disease ever present in the lives of the 17th century Brescians. Hello and welcome to the Violin Chronicles, a podcast in which I, Linda Lespets, will attempt to bring to life the story surrounding famous, infamous, or just not very well known, but interesting violin makers of history.  I'm a violin maker and restorer. I graduated from the French Violin Making School some years ago now, and I currently live and work in Sydney with my husband Antoine, who is also a violin maker and graduate of the French school, l'Ecole Nationale de Luthierie in Mircourt. As well as being a luthier, I've always been intrigued with the history of instruments I work with, and in particular, the lives of those who made them. So often when we look back at history, I know that I have a tendency to look at just one aspect, but here my aim is to join up the puzzle pieces and have a look at an altogether fascinating picture. So join me as I wade through tales not only of fame, famine, and war, but also of love. Artistic genius. Revolutionary craftsmanship, determination, cunning and bravery, that all have their part to play in the history of the violin.  Welcome to this first episode on the life of Giovanni Battista Rogeri. After having spent the last few episodes looking at the life of the Ruggeri family, we will now dive into the life of that guy who almost has the same name, but whose work and contribution to violin making, you will see, is very different. And we will also look at just why, for so many years, his work has been attributed erroneously to another Brescian maker. The year was 1642, and over the Atlantic, New York was called New Amsterdam. The Dutch and the English were having scuffles over who got what. Was it New England? New Netherlands? In England, things were definitely heating up, and in 1642, a civil war was in the process of breaking out. On one side there were the parliamentarians, including Oliver Cromwell, and on the other side were the Royalists, who were the supporters of King Charles I. This war would rage on for the next 20 years, and not that anyone in England at this time really cared, but the same year that this war broke out, a baby called Giovanni Battista Rogeri was born in Bologna, perhaps, and for the next 20 years he grew up in this city ruled by the Popes of Italy. He too would witness firsthand wars that swept through his hometown. He would avoid dying of the dreaded plague, sidestep any suspicion by the Catholic church in this enthusiastic time of counter reformation by being decidedly non Protestant. And from an early age, he would have been bathed in the works of the Renaissance and now entering churches being constructed in the Baroque style. Bologna was a city flourishing in the arts, music and culture, with one of the oldest universities in the country.  But for the young Giovanni Battista Rogeri, to learn the trade of lutai, or violin maker, the place he needed to be was, in fact, 155. 9 km northwest of where he was right now. And if he took the A1, well, today it's called the A1, and it's an ancient Roman road so I'm assuming it's the same one, he could walk it in a few days. Destination Cremona, and more precisely, the workshop of Niccolo Amati. An instrument maker of such renown, it is said that his grandfather, Andrea Amati, made some of the first violins and had royal orders from the French king himself.  To be the apprentice of such a man was a grand thing indeed. So we are in the mid 1600s  and people are embracing the Baroque aesthetic along with supercharged architecture and paintings full of movement, colour and expression. There is fashion, and how the wealthy clients who would buy instruments in Cremona dressed was also influenced by this movement. Emily Brayshaw. You've got these ideas of exaggeration of forms and you can exaggerate the human body with, you know, things like high heels and wigs and ribbons and laces. And you've got a little bit of gender bending happening, men wearing makeup and styles in the courts. You know, you've got dress and accessories challenging the concept of what's natural, how art can compete with that and even triumph over the natural perhaps. You've got gloves trimmed with lace as well. Again, we've got a lot of lace coming through so cravats beauty spot as well coming through. You've got the powder face, the, the wig. Yeah. The makeup, the high heels. Okay. That's now. I actually found a lovely source, an Italian tailor from Bergamo during the Baroque era. The Italians like really had incredibly little tailors and tailoring techniques. And during this sort of Baroque era. He grumbles that since the French came to Italy not to cut but to ruin cloth in order to make fashionable clothes, it's neither possible to do our work well nor are our good rules respected anymore. We have completely lost the right to practice our craft. Nowadays though who disgracefully ruin our art and practice it worse than us are considered the most valuable and fashionable tailors.  So we've got like this real sort of shift. You know, from Italian tailoring to sort of French and English tailoring as well. And they're not happy about it. No, they are not happy about it. And this idea that I was talking about before, we've got a lovely quote from an Italian fashion commentator sort of around the mid 17th century. His name's Lam Pugnani, and he mentions the two main fashions. meaning French and Spanish, the two powers that were ruling the Italian peninsula and gradually building their global colonial empires. And he says, “the two main fashions that we have just recorded when we mentioned Spanish and French fashion, enable me to notice strangeness, if not a madness residing in Italian brains, that without any reason to fall in love so greatly Or better, naturalize themselves with one of these two nations and forget that they are Italian. I often hear of ladies who come from France, where the beauty spot is in use not only for women, but also for men, especially young ones, so much so that their faces often appear with a strange fiction darkened and disturbed, not by beauty spots, but rather by big and ridiculous ones, or so it seems somebody who is not used to watching similar mode art”. So, you know, we've got people commentating and grumbling about these influences of Spain and France on Italian fashion and what it means to be Italian. When we sort of think about working people, like there's this trope in movie costuming of like peasant brown,  you know, and sort of ordinary, you know, people, perhaps ordinary workers, you know, they weren't necessarily dressed.  In brown, there are so many different shades of blue. You know, you get these really lovely palettes of like blues, and shades of blue, and yellows, and burgundies, and reds, as well as of course browns, and creams, and these sorts of palettes. So yeah, they're quite lovely. And I'm imagining even if you didn't have a lot of money, there's, I know there's a lot of flowers and roots and barks that you can, you can dye yourself. Yeah, definitely. And people did, people did. I can imagine if I was living back there and we, you know, we're like, Oh, I just, I want this blue skirt. And you'd go out and you'd get the blue skirt. The flowers you needed and yeah, definitely. And people would, or, you know, you can sort of, you know, like beetroot dyes and things like that. I mean, and it would fade, but then you can just like, you know, quickly dye it again. Yeah, or you do all sorts of things, you know, and really sort of inject colour and, people were also, you know, people were clean. To, you know, people did the best they could  keep themselves clean, keep their homes clean. You know, we were talking about boiling linens to keep things fresh and get rid of things like fleas and lice. And people also used fur a lot in fashion. And you'd often like, you know, of course you'd get the wealthy people using the high end furs, but sometimes people would, you know, use cat fur in Holland, for example, people would trim their fur. Their garments and lined their garments with cat fur.  Why not? Because, you know, that's sort of what they could afford.  It was there. Yeah, people also would wear numerous layers of clothing as well because the heating wasn't always so great. Yeah. You know, at certain times of the year as well. So the more layers you had, the better. The more, the more warm and snug you could be. As do we in Sydney. Indeed.  Indeed.  Canadians complain of the biting cold here. I know. And it's like, dude, you've got to lay about us. It's a humid cold. It's awful. It's horrible. It just goes through everything. Anyway. It's awful. Yeah. So at the age of 19, Giovanni Battista Rogeri finds himself living in the lively and somewhat crowded household of Niccolo Amati. The master is in his early 60s and Giovanni Battista Rogeri also finds himself in the workshop alongside Niccolo Amati's son Girolamo II Amati, who is about 13 or 14 at this time.  Cremona is a busy place, a city bursting with artisans and merchants. The Amati Workshop is definitely the place to be to learn the craft, but it soon becomes clear as Giovanni Battista Rogeri looks around himself in the streets that, thanks to Nicolo Amati, Cremona does indeed have many violin makers, and although he has had a good few years in the Amati Workshop, Learning and taking the young Girolamo II Amati the second under his wing more and more as his father is occupied with other matters. He feels that his best chances of making a go of it would be better if he moved on and left Cremona and her violin makers. There was Girolamo II Amati who would take over his father's business. There were the Guarneri's around the corner. There was that very ambitious Antonio Stradivari who was definitely going to make a name for himself. And then there were the Rugeri family, Francesco Rugeri and Vincenzo Rugeri whose name was so familiar to his, people were often asking if they were related.  No, it was time to move on, and he knew the place he was headed. Emily Brayshaw.  So, you've also got, like, a lot of artisans moving to Brescia as well, following the Venetian ban on foreign Fustian sold in the territory. So Fustian is, like, a blend of various things. Stiff cotton that's used in padding. So if you sort of think of, for example someone like Henry VIII, right? I can't guarantee that his shoulder pads back in the Renaissance were from Venetian Fustian, but they are sort of topped up and lined with this really stiff Fustian to give like these really big sort of, Broad shoulders. That's how stiff this is. So, Venice is banning foreign fustians, which means that Cremona can't be sold in these retail outlets. So, Ah, so, and was that sort of That's fabric, but did that mirror the economy that Brescia was doing better than Cremona at this point? Do you, do you think? Because of that? Well, people go where the work is. Yeah. Cause it's interesting because you've got Francesco Ruggeri, this family that lives in Cremona. Yeah. And then you have about 12 to 20 years later, you have another maker, Giovanni Battista Rogeri.  Yeah. He is apprenticed to Niccolo Amati. So he learns in Cremona. And then he's in this city full of violin makers, maybe, and there's this economic downturn, and so it was probably a very wise decision. He's like, look, I'm going to Brescia, and he goes to Brescia. He would have definitely been part of this movement of skilled workers and artisans to Brescia at that time, sort of what happening as well. So, you know, there's all sorts of heavy tolls on movements of goods and things like that. And essentially it collapses. And they were, and they were heavily taxed as well. Yeah, definitely. Definitely. It was the fabulous city of Brescia. He had heard stories of the city's wealth, art, music and culture, famous for its musicians and instrument makers. But the plague of 1630 had wiped out almost all the Luthiers and if ever there was a good time and place to set up his workshop, it was then and there. So bidding farewell to the young Girolamo Amati, the older Nicolò  Amati and his household, where he had been living for the past few years. The young artisan set out to make a mark in Brescia, a city waiting for a new maker, and this time with the Cremonese touch. Almost halfway between the old cathedral and the castle of Brescia, you will find the small yet lovely Romanesque church of San Giorgio. Amidst paintings and frescoes of Christ, the Virgin and the Saints, there stands a solemn yet nervous young couple, both in their early twenties. Beneath the domed ceiling of the church, the seven angels of the Apocalypse gaze down upon them, a constant reminder that life is fragile, and that plague, famine and war are ever present reminders of their mortality. But today is a happy one. The young Giovanni Battista Rogeri is marrying Laura Testini.  And so it was that Giovanni Battista Rogeri moved to Brescia into the artisanal district and finds himself with a young wife, Laura Testini. She is the daughter of a successful leather worker and the couple most probably lived with Laura's family. Her father owned a house with eight rooms and two workshops. This would have been the perfect setup for the young Giovanni to start his own workshop and get down to business making instruments for the people of Brescia. He could show off his skills acquired in Cremona, and that is just what he did. Since the death of Maggini, there had not been any major instrument making workshops in Brescia. Florian Leonhard  Here I talk to Florian Leonhard about Giovanni Battista Rogeri's move to Brescia and his style that would soon be influenced by not only his Cremonese training, but the Brescian makers such as Giovanni Paolo Maggini I mean, I would say in 1732. The Brescian violin making or violin making was dead for a bit,  so until the arrival of Giovanni Battista Rogeri, who came with a completely harmonised idea,  into town and then adopted  features of  Giovanni Paolo Maggini and Gasparo da Salo. I cannot say who, probably some Giovanni Paolo Maggini violins that would have been more in numbers available to him, have influenced his design of creating an arching. It's interesting that he instantly picked up on that arching  because Giovanni Battista Rogeri always much fuller arched. The arching rises much earlier from the purfling up. Right. So he came from the Cremonese tradition, but he adopted the, like, the Brescian arching idea. He, he came from Niccolo Amati and has learned all the finesse of construction, fine making, discipline, and also series production. He had an inside mould, and he had the linings, and he had the, all the blocks, including top and bottom block.  And he nailed in the neck, so he did a complete package of Cremonese violin making and brought that into Brescia, but blended it in certain stylistics and sometimes even in copies with the Brescian style. For a long time, we have had Before dendrochronology was established, the Giovanni Paolo Magginis were going around and they were actually Giovanni Battista Rogeris. Brescia at this time was still a centre flourishing in the arts and despite the devastation of the plague almost 30 years ago, it was an important city in Lombardy and was in the process of undergoing much urban development and expansion.  When Giovanni Rogeri arrived in the city, There were efforts to improve infrastructure, including the construction of public buildings, fortifications and roads. The rich religious life of the city was evident, and continued to be a centre of religious devotion at this time, with the construction and renovation of churches in the new Baroque style.  The elaborate and ornate designs were not only reserved for churches, but any new important building projects underway in the city at this time. If you had yourself the palace in the Mula, you were definitely renovating in the Baroque style. And part of this style would also be to have a collection of lovely instruments to lend to musicians who would come and play in your fancy new pad. Strolling down the colourful streets lined with buildings covered in painted motifs, people were also making a statement in their choice of clothing. Another thing that the very wealthy women were wearing are these shoes called Chopines, which are like two foot tall. And so you've got like this really exaggerated proportions as well. Very tall. I mean. Very tall, very wide. So taking up a lot of space. I'm trying to think of the door, the doorways that would have to accommodate you. Yes. How do you fit through the door? So a lot of the time women would have to stoop. You would need to be escorted by either servants.  And then you'd just stand around. I did find some discussions of fashion in the time as well.  Commentators saying, well, you know, what do we do in northern France? We either, in northern Italy, sorry, we either dress like the French, we dress like the Spanish, why aren't we dressing like Italians? And kind of these ideas of linking national identity through the expression of dress in fashion. So, we're having this But did you want to, was it fashionable to be to look like the French court or the, to look like the Spanish court. Well, yeah, it was, it was fashionable. And this is part of what people are commenting about as well. It's like, why are we bowing to France? Why are we bowing to Italy? Sorry. Why are we bowing to Spain? Why don't we have our own national Italian identity? And we do see like little variations in dress regionally as well. You know, people don't always. Dress exactly how the aristocracy are dressing. You'll have your own little twists, you'll have your own little trimmings, you'll have your own little ways and styles. And there are theories in dress about trickle down, you know, like people are trying to emulate the aristocracy, but they're not always. Trying to do that. Well, yeah, it's not practical if you're living, you know, if you're and you financially you can't either like some of these Outfits that we're talking about, you know with one of these hugh like the Garde in Fanta worn by Marie Theresa that outfit alone would have cost in today's money like more than a million dollars  You can't copy these styles of dress, right? So what you've got to do is, you know, make adjustments. And also like a lot of women, like you, these huge fashion spectacles worn at court. They're not practical for working women either. So we see adaptations of them. So women might have a pared down silhouette and wear like a bum roll underneath their skirts and petticoats and over the top of the stays. And that sort of gives you a little nod to these wider silhouettes, but you can still move, you can still get your work done, you can still, you know, do things like that. So that's sort of what's happening there. Okay, so now we find a young Giovanni Battista Rogeri. He has married a local girl and set up his workshop. Business will be good for this maker, and no doubt thanks to the latest musical craze to sweep the country. I'm talking about opera.  In the last episodes on Francesco Ruggeri, I spoke to Stephen Mould, the composer. at the Sydney Conservatorium about the beginnings of opera and the furore in which it swept across Europe. And if you will remember back to the episodes on Gasparo Da Salo at the beginning of the Violin Chronicles, we spoke about how Brescia was part of the Venetian state.  This is still the case now with Giovanni Battista Rogeri and this means that the close relationship with Venice is a good thing for his business.  Venice equals opera and opera means orchestras and where orchestras are you have musicians and musicians have to have an instrument really, don't they? Here is Stephen Mould explaining the thing that is opera and why it was so important to the music industry at the time and instrument makers such as our very own Giovanni Battista Rogeri. Venice as a place was a kind of Gesamtkunstwerk.  Everything was there, and it was a very, it was a very modern type of city, a trading city, and it had a huge emerging, or more than emerging, middle class. People from the middle class like entertainment of all sorts, and in Venice they were particularly interested in rather salacious entertainments, which opera absolutely became. So the great thing of this period was the rise of the castrato.  Which they, which, I mean, it was, the idea of it is perverse and it was, and they loved it. And it was to see this, this person that was neither man nor, you know, was in a way sexless on the stage singing  and, and often singing far more far more virtuosically than a lot of women, that there was this, there was this strange figure. And that was endlessly fascinating. They were the pop stars of their time. And so people would go to the opera just to hear Farinelli or whoever it was to sing really the way. So this is the rise of public opera. As opposed to the other version. Well, Orfeo, for example, took place in the court at Mantua, probably in the, in the room of a, of a palace or a castle, which wouldn't have been that big, but would have been sort of specially set up for those performances. If I can give you an idea of how. Opera might have risen as it were, or been birthed in Venice. Let's say you've got a feast day, you know, a celebratory weekend or few days. You're in the piazza outside San Marco. It's full of people and they're buying things, they're selling things, they're drinking, they're eating, they're having a good time. And all of a sudden this troupe of strolling players comes into the piazza and they start to put on a show, which is probably a kind of comedia dell'arte spoken drama. But the thing is that often those types of traveling players can also sing a bit and somebody can usually play a lute or some instrument. So they start improvising. Probably folk songs. Yeah. And including that you, so you've kind of already there got a little play happening outside with music. It's sort of like a group of buskers in Martin place. It could be very hot. I mean, I've got a picture somewhere of this. They put a kind of canvas awning with four people at either corner, holding up the canvas awning so that there was some sort of shade for the players. Yeah. That's not what you get in a kid's playground these days. You've almost got the sense. Of the space of a stage, if you then knock on the door of one of the palazzi in, in Venice and say to, to the, the local brew of the, of the aristocracy, look, I don't suppose we could borrow one of your rooms, you know, in your, in your lovely palazzo to, to put on a, a, a show.  Yeah, sure. And maybe charged, maybe didn't, you know, and, and so they, the, the very first, it was the San Cassiano, I think it was the theatre, the theatre, this, this room in a, in a palace became a theatre. People went in an impresario would often commission somebody to write the libretto, might write it himself. Commissioner, composer, and they put up some kind of a stage, public came in paid, so it's paying to come and see opera.  Look, it's, it's not so different to what had been going on in England in the Globe Theatre. And also the, the similar thing to Shakespeare's time, it was this sort of mixing up of the classes, so everything was kind of mixed together.  And that's, that's why you get different musical genres mixed together. For example, an early something like Papaya by Monteverdi, we've just done it, and from what, from what I can gather from the vocal lines, some of the comic roles were probably these street players,  who just had a limited vocal range, but  could do character roles very well, play old women, play old men, play whatever, you know, caricature type roles. Other people were Probably trained singers. Some of them were probably out of Monteverdi's chorus in San Marco, and on the, on when they weren't singing in church, they were over playing in the opera, living this kind of double life.  And That's how  opera  started to take off. Yeah, so like you were saying, there are different levels. So you had these classical Greek themes, which would be more like, you're an educated person going, yes, yes, I'm seeing this classical Greek play, but then you're someone who'd never heard of Greek music. The classics. They were there for the, you know, the lively entertainment and the sweet performers. Yes. So the, the, the Commedia dell'arte had, had all these traditional folk tales. Then you've got all of the, all of the ancient myths and, and, and so forth.  Papaya was particularly notable because it was the first opera that was a historical opera. So it wasn't based on any ancient myths or anything. It was based on the life of Nero and Papaya. And so they were real life a few hundred years before, but they were real. It was a real historical situation that was being enacted on the stage.  And it was a craze. That's the thing to remember is. You know, these days people have to get dressed up and they have to figure out how they get inside the opera house and they're not sure whether to clap or not and all of this sort of stuff and there's all these conventions surrounding it. That wasn't what it was about. It was the fact that the public were absolutely thirsty for this kind of entertainment.  Yeah. And I was seeing the first, so the first opera house was made in in about 1637, I think it was. And then by the end of Monteverdi's lifetime, they said there were 19 opera houses in Venice. It was, like you were saying, a craze that just really took off. They had a few extra ones because they kept burning down. That's why one of them, the one that, that is, still exists today is called La Fenice. It keeps burning down as well, but rising from the ashes. Oh, wow. Like the, yeah, with the lighting and stuff, I imagine it's So, yeah, because they had candles and they had, you know, Yeah, it must have been a huge fire hazard. Huge fire hazard, and all the set pieces were made out of wood or fabric and all of that. Opera houses burning down is another big theme.  Oh yeah, it's a whole thing in itself, yeah. So then you've got These opera troupes, which are maybe a little, something a little bit above these commedia dell'arte strolling players. So, you've got Italy at that time. Venice was something else. Venice wasn't really like the rest of Italy. You've got this country which is largely agrarian, and you've got this country where people are wanting to travel in order to have experiences or to trade to, to make money and so forth. And so, first of all if an opera was successful, it might be taken down to Rome or to Naples for people to hear it. You would get these operas happening, happening in different versions. And then of course, there was this idea that you could travel further through Europe. And I, I think I have on occasion, laughingly. a couple of years ago said that it was like the, the latest pandemic, you know, it was, but it was this craze that caught on and everybody wanted to experience. Yeah. So you didn't, you didn't have to live in Venice to see the opera. They, they moved around. It was, it was touring. Probably more than we think. That, that, that whole period, like a lot of these operas were basically unknown for about 400 years. It's only, the last century or so that people have been gradually trying to unearth under which circumstances the pieces were performed.  And we're still learning a lot, but the sense is that there was this sort of network of performers and performance that occurred.  And one of the things that Monteverdi did, which was, which was different as well, is that before you would have maybe one or two musicians accompanying, and he came and he went, I'm taking them all. And he created sort of, sort of the first kind of orchestras, like  lots of different instruments. They were the prototypes of, of orchestras. And Look, the bad news for your, the violin side of your project, there was certainly violins in it. It was basically a string contingent. That was the main part of the orchestra. There may have been a couple of trumpets, may have been a couple of oboe like instruments. I would have thought that for Venice, they would have had much more exotic instruments.  But the, the, the fact is at this time with the public opera, what became very popular were all of the stage elements. And so you have operas that have got storms or floods or fires. They simulated fires. A huge amount of effort went into painting these very elaborate sets and using, I mean, earlier Leonardo da Vinci had been experimenting with a lot of how you create the effect of a storm or an earthquake or a fire or a flood. There was a whole group of experts who did this kind of stuff. For the people at the time, it probably looked like, you know, going to the, the, the first big movie, you know, when movies first came out in the 20s, when the talkies came out and seeing all of these effects and creating the effects. When we look at those films today, we often think, well, that's been updated, you know, it's out of date, but they found them very, very, very compelling. What I'm saying is the money tended to go on the look of the thing on the stage and the orchestra, the sound of the orchestras from what we can gather was a little more monochrome. Of course, the other element of the orchestra is the continuo section. So you've got the so called orchestra, which plays during the aria like parts of the opera, the set musical numbers. And you've got the continuo, which is largely for the rest of the team. And you would have had a theorbo, you would have had maybe a cello, a couple of keyboard instruments, lute. It basically, it was a very flexible, what's available kind of. Yeah, so there was they would use violines, which was the ancestor of the double bass. So a three stringed  one and violins as well. And that, and what else I find interesting is with the music, they would just, they would give them for these bass instruments, just the chords and they would improvise sort of on those. Chords. So every time it was a little bit different, they were following a Yes. Improvisation. Yeah. So it was kind of original. You could go back again and again. It wasn't exactly the same. And look, that is the problem with historical recreation. And that is that if you go on IMSLP, you can actually download the earliest manuscript that we have of Papaya.  And what you've got is less than chords, you've got a baseline. Just a simple bass line,  a little bit of figuration to indicate some of the chords, and you've got a vocal line. That's all we have. We don't actually know, we can surmise a whole lot of things, but we don't actually know anything else about how it was performed. I imagine all the bass instruments were given that bass line, and like, Do what you want with that. So yeah, it would, and it would have really varied depending on musicians. Probably different players every night, depending on, you know,  look, if you go into 19th century orchestras, highly unreliable, huge incidents of drunkenness and, you know, different people coming and going because they had other gigs to do. Like this is 19th century Italian theatres at a point where, you know, It should have been, in any other country, it would have, Germany had much better organized you know, orchestral resources and the whole thing. So it had that kind of Italian spontaneity and improvised, the whole idea of opera was this thing that came out of improvisation. Singers also, especially the ones that did comic roles, would probably improvise texts, make them a bit saucier than the original if they wanted for a particular performance. All these things were, were open.  And this brings us to an end of this first episode on Giovanni Battista Rogeri.  We have seen the young life of this maker setting out to make his fortune in a neighbouring city, alive with culture and its close connections to Venice and the world of opera. I would like to thank my lovely guests Emily Brayshaw, Stephen Mould and Florian Leonhardt for joining me today.   ​ 

Der Grafiker und Zeichner Christoph Niemann zählt zu den gefragtesten und vielseitigsten Künstlern unserer Zeit. Er gestaltet Cover für das Magazin „The New Yorker“, schreibt Blogs, entwirft Apps, schreibt Bücher und hat für seine Arbeiten zahlreiche internationale Preise eingeheimst. Nach vielen Jahren in New York lebt der in Waiblingen bei Stuttgart geborene Künstler inzwischen wieder in Deutschland – in Berlin. Nun hat er den Kunstverein Mannheim in ein Gesamtkunstwerk verwandelt mit der Ausstellung „Christoph Niemann – Kontrast“.

Also talk Benny Montgomery and AJ Lewis, space, sun and sea-grant colleges, University of Guam (“Ever Upward”), my new podcast idea, life expectancy in US states, The City of Rock in China, Danish architect Arne Jacobsen, Gesamtkunstwerk, the House of the Future and much more

Bei seinem Probegottesdienst um das Leipziger Thomaskantorat ließ Bach am Sonntag Estomihi 1723 nichts anbrennen und präsentierte gleich zwei Kantaten, die als Gesamtkunstwerk zu begreifen sind.

Benjamin Brittens letzte Oper „Death in Venice“ nach Thomas Mann ist eine der wenigen Umsetzungen einer literarischen Vorlage des Autors für die Opernbühne. Als Kammeroper ist Brittens Künstleroper ein Gesamtkunstwerk, dem sich nun das Theater Heidelberg gestellt hat. Doch das Konzept der Inszenierung von Magdalena Fuchsberger geht nicht auf

Eine Indie-Band, die ohne einen einzigen Song veröffentlicht zu haben, Plattenvertrag und Support-Slot bei den Rolling Stones bekommt? Kann durchaus Mist sein. Doch was The Last Dinner Party seither zeigten (Barock! Hits! Gesamtkunstwerk!) hat uns überzeugt: 2024 wird eine Kostümparty!

The Ring Cycle by Richard Wagner consists of four parts: Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried and Götterdämmerung. All four operas will be seen in a new production by Opera Australia at the Queensland Performing Arts Center in Brisbane from December 1st to December 21st. Back then, Wagner not only wrote the text, but also composed the music and gave detailed scenic instructions. Nevertheless, this "Gesamtkunstwerk" still leaves a lot of room for interpretation. The current production is a world first because the stage design consists entirely of digital projections. Behind it is the founder and creative director of the design studio flora&faunavisions in Berlin, Leigh Sachwitz. - Der Ring des Nibelungen ist ein aus vier Teilen bestehender Opernzyklus von Richard Wagner: Das Rheingold, Die Walküre, Siegfried und Götterdämmerung. Alle vier Opern werden ab dem ersten Dezember bis zum 21. Dezember im Queensland Performing Arts Centre in Brisbane in eier Neu-Inszenierung der Opera Australia zu sehen sein. Wagner hatte damals nicht nur den Text geschrieben, sondern auch die Musik komponiert und detaillierte szenische Anweisungen vorgegeben. Trotzdem lässt dieses Gesamtkunstwerk noch viel Raum für Interpretationen. Die derzeitige Produktion ist eine Weltneuheit, denn das Bühnenbild besteht ausschliesslich aus digitalen Projektionen. Dahinter steckt die Gründerin und Kreativ-Chefin des Design-Studios flora&faunavisions in Berlin, Leigh Sachwitz.

Alain Kupper ist Künstler, Fotograf, Musiker und Gestalter. Zudem betätigt er sich als Galerist. Ein Besuch im Hinterzimmer seiner Galerie offenbart die Tonspur eines Lebens als Gesamtkunstwerk. Buchantiquariate und Plattenläden seien die schönsten Orte, weil er da Dinge finde, die er nicht suchen würde, sagt Alain Kupper. Der gebürtige Basler betreibt eine Kunstgalerie in Zürichs Kreis Vier, betätigt sich als Musiker, als Gestalter und als Künstler. In der Laudatio, anlässlich der Verleihung des Eidgenössischen Kunstpreises (2008), wurde Kupper als «Brückenbauer zwischen der Hochkultur und dem Underground» gewürdigt. Welche Musikstücke sein Leben nachhaltig geprägt und beeinflusst haben, verrät Alain Kupper im Gespräch mit Hannes Hug.

In dieser Komponisten-Spezialfolge ergründen Laury und Uli die gruftigen Abgründe im Gesamtkunstwerk (von) Richard Wagner. Dabei finden sie Tiere, Ambosse und Affären - und fragen sich, ob Tolkien wohl Wagner kopiert hat?

This week we learn about a famous composer, Alexander Scriabin, who had seriously tiny hands. Here we discover the lost artistic phenomenom that would have been "The Mysterium" and its many sensory wonders. Was this famous Piano player secretly commiting to ancient satanic rituals? perhaps bringing upon the apocalypse. Tune in to find out. Thanks for listening and remember to like, rate, review, and email us at: cultscryptidsconspiracies@gmail.com or tweet us at @C3Podcast. Also check out our Patreon: www.patreon.com/cultscryptidsconspiracies. Thank you to T.J. Shirley for our theme.This show is part of the Spreaker Prime Network, if you are interested in advertising on this podcast, contact us at https://www.spreaker.com/show/4145155/advertisement

02.04.2023 – Der Philosoph und Medienwissenschaftler Prof. Norbert Bolz, der Journalist Wolfgang Koydl (Die Weltwoche) und der Psychologe und Politologe Alexander Meschnig diskutieren mit Burkhard Müller-Ullrich über die mentale und politische Lage Deutschlands unter einer Regierung von Phantasten und Magiern, über den heißen Floskelwind am Ende theatralischer Koalitionsverhandlungen sowie über das staatlich geförderte Denunzieren von Gastwirten, Geschäftsleuten, Nachbarn und Kollegen zur Abfuhr von Wutgefühlen, die sich sonst gegen die Regierung richten könnten.

Sorcery cuts a unique presence in electronic music's experimental underground. A passion for the interaction between acoustic and electronic instruments has lead to the creation of intricate, mind bending and challenging compositions. Whilst the intense, polyrhythmic power-play that underpins Sorcery's live performances leaves a compelling mark, his compositions reveal a mastery of both the acoustic instruments and analogue equipment that define his sound. With a long-established artistic persona proving as polymorphic as his skillset, Ettore's message cuts as striking and uncompromising, defined by a bold aesthetique-noire he can call his own. There's an unrelenting and visceral impulse to his work, defined by a life-long and far-reaching passion for the rhythmic qualities of music. It's a compelling, abrasive alchemy, defined by a belief in pursuing the ‘Gesamtkunstwerk'. This is 'total' music production: composition, collaboration, performance and recording - of which Ettore is proven a master in all four disciplines.