Podcasts about albumtitel

Mit seinem dritten Album "The Marshall Mathers LP" festigt Rapper Eminem im Jahr 2000 seinen Platz im Rapgeschäft und steigt zum absoluten Megastar des Hip-Hops auf. Mit seinem überdrehten, überzogenen und frechen Alter Ego "Slim Shady" schaffte Eminem es 1999 in den USA schon bis in die Top Ten der Charts. In Deutschland blieb der Künstler eher noch ein Underground-Name, den eingefleischte Hip-Hop- und Rapfans feierten. Mit "The Marshall Mathers LP", seinem dritten Album, landet Eminem auch bei uns in Europa auf Spitzenplätzen der Albumcharts. Der bürgerliche Name von Eminem ist Marshall Bruce Mathers III. Damit wird schon beim Blick auf den Albumtitel "The Marshall Mathers LP" klar: Hier wird es sehr persönlich. Nach "The Slim Shady LP" demaskiert Rapper Eminem sich hier an vielen Stellen – aber eben nicht an allen. Welche Person in den einzelnen Songs zu uns spricht, entdeckt man auf diesem Album oft erst auf den zweiten Blick: Ist es der Mensch Marshall Mathers, der Rapper Eminem oder doch wieder sein Alter Ego "Slim Shady"? Eminem erzählt auf seinem Album "The Marshall Mathers LP" viele Geschichten. Es geht viel um Gewalt und Drogen – Themen, die ihn schon sein ganzes Leben beschäftigen. Von seinem Vater verlassen landet Eminem mit seiner Mutter Deborah im Kindesalter in einem Trailerpark in Warren, einem Vorort von Detroit. Zu Schulzeiten bringt ihn sein nur wenige Jahre älterer Onkel und bester Freund Ronnie zum Hip-Hop. Die Jugendzeit ist für Eminem ist besonders hart. Seine Mutter ist von Tabletten abhängig und gewalttätig, sein Onkel Ronnie nimmt sich das Leben und Eminem bricht die Schule ab. Viele diese Themen verarbeitet Eminem in seinen Songs. Wer nur kurz in die Platte reinhört, bekommt den Eindruck, dass es hier nur um vulgäre Beleidigungen, Gewaltfantasien und Drogen geht. Dabei setzt Eminem sich an vielen Stellen von "The Marshall Mathers LP" mit den Schattenseiten des neuerworbenen Ruhms auseinander. Was erwartet das Plattenlabel von mir? Was erwarten die Fans? Und was macht dieser Druck mit mir und meinem Umfeld? Immer wieder wurde Eminem als homophob und frauenfeindlich kritisiert. Von hohen politischen Ämtern und von Aktivisten wurde gegen ihn mobil gemacht. Dabei wurde ihm auch vorgeworfen, Täter, wie zum Beispiel die des Amoklaufs an der Columbine High School durch seine Songtexte mit expliziten Gewaltfantasien angeheizt und motiviert zu haben. Eminem selbst weist in seiner Musik immer wieder darauf hin, dass man seine Songs nicht zu ernst nehmen sollte und er gerne übertreibt. Klar ist, Eminem will provozieren. "The Marshall Mathers LP" ist ein Album, das mit seinen sehr transparenten, eingängigen und markanten Beats (zum Großteil von Hip-Hop-Legende Dr. Dre) definitiv im Ohr bleibt und auch Spaß macht. Aber die Platte fordert den Hörer sehr, denn die Texte von Eminem, wenn sie auch vollgepackt sind mit – bewusst provozierenden – Ausdrücken und mehr als vulgären Beleidigungen, ist unglaublich tiefgründig und vielschichtig. Ohne die vielen Referenzen zu seinen Alter Egos oder anderen Personen aus der Popkultur zu verstehen, wird es schwer, die Platte in Gänze zu erfassen und verstehen zu können – aber die Arbeit lohnt sich. __________ Über diese Songs vom Album "The Marshall Mathers LP" wird im Podcast gesprochen: (15:20) – "Kill You"(29:08) – "The Real Slim Shady"(45:25) – "Stan"(01:00:16) – "The Way I Am"(01:05:42) – "Bitch Please II"__________ Alle Shownotes und weiterführenden Links zur Folge: https://1.ard.de/eminem-the-marshall-mathers-lp __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert "Meilensteine – Alben, die Geschichte machten"! Fragen, Kritik, Anregungen? Meldet euch gerne per WhatsApp-Sprachnachricht an die (06131) 92 93 94 95 oder schreibt uns an meilensteine@swr.de

Die dreiköpfige Hamburger Band Fettes Brot zählt zu den legendärsten deutschen Hip-Hop-Gruppen überhaupt. Jetzt feiert ihr Album "Am Wasser gebaut" Jubiläum. Nach etwas mehr als 30 Jahren Bandgeschichte haben König Boris, Doktor Renz und Björn Beton das Bandkapitel "Fettes Brot" im Jahr 2023 geschlossen. In ihrer Geschichte hat die Band neun Alben und diverse große Hits zur deutschen Hip-Hop- und Popgeschichte beigesteuert. Wir sprechen in dieser Meilensteine Folge über das fünfte Album des Trios "Am Wasser gebaut". 2005 haben Fettes Brot ihr Album "Am Wasser gebaut" herausgebracht. Neben gewohnten Gute-Laune- und Feiersongs gibt es auch auf dem fünften Album der Brote nachdenkliche und sozialkritische Stücke, wie zum Beispiel den Song "An Tagen wie diesen". SWR1 Musikredakteurin Nina Waßmundt beschreibt den musikalisch und textlichen Mix in der Musik von Fettes Brot als "Partymusik mit Haltung". Denn auch wenn ihre Musik zum Nachdenken anregt und soziale und gesellschaftliche Probleme anspricht, soll die Musik von Fettes Brot auch Spaß machen, erklärt sie weiter. "Mit diesem Album schaffen sie die perfekte Mischung", erklärt SWR1 Musikredakteur Stephan Fahrig. Sie verarbeiten gesellschaftskritische Themen und sie grenzen sich ab zu anderen Hip-Hop- und Rapgruppen und auch von homophobem, sexistischem und frauenfeindlichem Rap. Auch mit Anfang 30 hatten Fettes Brot durchaus noch "spätpubertäre Themen" auf ihrem Album, so bezeichnet es zumindest Meilensteine Host Frank König, als sie im Podcast zu "Am Wasser gebaut" über den größten Hit des Albums "Emanuela" sprechen. Ein Song über die unerwiderte Liebe der Traumfrau. Der Song schaffte es 2005 in den Jahres-Singlecharts fast bis in die Top 10 bei uns in Deutschland. Anders als "Yasmin" vom Album, ist "Emanuela" schon eher als Partyhymne angelegt, erklärt SWR1 Musikredakteurin Nina Waßmundt den Unterschied zu den beiden Songs auf dem Album, die einen Frauennamen im Titel tragen. Mit ihrem Song "An Tagen wie diesen" zeigen Fettes Brot schon 2005, wie Weltlage auf Alltag trifft und wir von großen Krisen und Tragödien erfahren, während wir vielleicht gerade bei so alltäglichen Dingen sind wie beim Wocheneinkauf. Auch 20 Jahre später sind genau diese Situationen noch sehr aktuell und sogar durch das Smartphone, Social Media und Co. noch intensiver als früher – Krisen und Alltag passieren gleichzeitig. Und so regt dieser Song auch im Meilensteine Podcast nochmal die Diskussion um verantwortungsvollen und konstruktiven Journalismus an. Wenn wir uns die Liste der Songs anschauen, die auf dem Album "Am Wasser gebaut" sind, fällt auf, dass es auf der ganzen Platte keinen Song mit dem Albumtitel gibt. Für ein Hip-Hop- oder Popalbum ist das schon eher ungewöhnlich. Dennoch passt der Albumtitel unglaublich gut zur Platte, sagt SWR1 Musikredakteurin Nina Waßmundt. Zum einen bezieht sich der Titel natürlich auf die Heimat von Fettes Brot. Alle drei Bandmitglieder kommen aus Hamburg bzw. der näheren Umgebung von Hamburg und damit auch direkt von der Elbe, einem der größten und bekanntesten Flüsse Deutschlands. Damit waren sie auch nur unweit entfernt von der Nordsee. Fettes Brot mischen auf "Am Wasser gebaut" viele unterschiedliche Musikrichtungen wie zum Beispiel Soul. Eine Musikrichtung, die für ihre Emotionalität bekannt ist. Nina Waßmundt beschreibt es im Podcast so: "Der (Album)Titel ist auch ein Hinweis auf das, was inhaltlich auf dem Album passiert [...]. "Am Wasser gebaut" kündigt eben an: Vorsicht, jetzt wird's emotional!" __________ Über diese Songs vom Album "Am Wasser Gebaut" wird im Podcast gesprochen: (21:34) – "Emanuela"(31:35) – "Soll das alles sein?"(37:07) – "Kuba"(43:29) – "An Tagen wie diesen"(54:56) – "Die meisten meiner Feinde"(57:55) – "Falsche Entscheidungen"__________ Alle Shownotes und weiterführenden Links zur Folge: https://1.ard.de/fettes-brot-am-wasser-gebaut __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Meldet euch gerne per WhatsApp-Sprachnachricht an die (06131) 92 93 94 95 oder schreibt uns an meilensteine@swr.de

Die 22-jährige Sängerin Loi startet aktuell richtig durch. Vor kurzem ist ihr Debütalbum «Left In Your Love» erschienen. Was die schlechte Beziehung zu ihrem Vater mit dem Album-Titel zu tun hat, erzählt Loi hier im Hitparade-Interview.

Sein oder Nicht-Sein? Kampf oder Flucht? Sekt oder Selters? Wie oder was? An großen Entweder-oder-Fragen herrscht wahrlich kein Mangel. Dass die vom Quartett Paper Thieves vorgeschlagene neue Erweiterung der Liste um eine Gegenüberstellung von Gott und Ei dennoch mehr als willkommen ist, liegt nicht zuletzt am spannenden Sound der Band aus Berlin: Auf ihrem kommende Woche erscheinenden Debütalbum "The God Or The Egg" bewegen sich die vier um Sängerin und Texterin Leah Christensen zwischen atmosphärischem Pop mit psychedelischen Anklängen und elegantem Neo-Soul. Dass die Musiker:innen mit Wurzeln in Neuseeland, der Türkei und Deutschland trotz bald zehnjährigen Bandbestehens (und nach diversen Singles und EPs sowie zahlreichen Konzerten) "erst" jetzt ihr Langspieler-Debüt vorlegen, ist zum Teil Corona geschuldet. Es hat zum anderen aber auch damit zu tun, dass es in jüngerer Vergangenheit gleich bei mehreren Bandmitgliedern Nachwuchs gab – was wiederum Ausdruck in Album-Titel, -Cover und –Thema fand, denn hier dreht sich viel um "neue Generationszyklen und neue Anfänge", wie sie erklären; mit Texten, die "eine magisch-realistische Traumwelt" erschaffen. Da muss man sich dann offenbar auch mal zwischen einem Gott und einem Ei entscheiden...

Sein oder Nicht-Sein? Kampf oder Flucht? Sekt oder Selters? Wie oder was? An großen Entweder-oder-Fragen herrscht wahrlich kein Mangel. Dass die vom Quartett Paper Thieves vorgeschlagene neue Erweiterung der Liste um eine Gegenüberstellung von Gott und Ei dennoch mehr als willkommen ist, liegt nicht zuletzt am spannenden Sound der Band aus Berlin: Auf ihrem kommende Woche erscheinenden Debütalbum "The God Or The Egg" bewegen sich die vier um Sängerin und Texterin Leah Christensen zwischen atmosphärischem Pop mit psychedelischen Anklängen und elegantem Neo-Soul. Dass die Musiker:innen mit Wurzeln in Neuseeland, der Türkei und Deutschland trotz bald zehnjährigen Bandbestehens (und nach diversen Singles und EPs sowie zahlreichen Konzerten) "erst" jetzt ihr Langspieler-Debüt vorlegen, ist zum Teil Corona geschuldet. Es hat zum anderen aber auch damit zu tun, dass es in jüngerer Vergangenheit gleich bei mehreren Bandmitgliedern Nachwuchs gab – was wiederum Ausdruck in Album-Titel, -Cover und –Thema fand, denn hier dreht sich viel um "neue Generationszyklen und neue Anfänge", wie sie erklären; mit Texten, die "eine magisch-realistische Traumwelt" erschaffen. Da muss man sich dann offenbar auch mal zwischen einem Gott und einem Ei entscheiden...

Sein oder Nicht-Sein? Kampf oder Flucht? Sekt oder Selters? Wie oder was? An großen Entweder-oder-Fragen herrscht wahrlich kein Mangel. Dass die vom Quartett Paper Thieves vorgeschlagene neue Erweiterung der Liste um eine Gegenüberstellung von Gott und Ei dennoch mehr als willkommen ist, liegt nicht zuletzt am spannenden Sound der Band aus Berlin: Auf ihrem kommende Woche erscheinenden Debütalbum "The God Or The Egg" bewegen sich die vier um Sängerin und Texterin Leah Christensen zwischen atmosphärischem Pop mit psychedelischen Anklängen und elegantem Neo-Soul. Dass die Musiker:innen mit Wurzeln in Neuseeland, der Türkei und Deutschland trotz bald zehnjährigen Bandbestehens (und nach diversen Singles und EPs sowie zahlreichen Konzerten) "erst" jetzt ihr Langspieler-Debüt vorlegen, ist zum Teil Corona geschuldet. Es hat zum anderen aber auch damit zu tun, dass es in jüngerer Vergangenheit gleich bei mehreren Bandmitgliedern Nachwuchs gab – was wiederum Ausdruck in Album-Titel, -Cover und –Thema fand, denn hier dreht sich viel um "neue Generationszyklen und neue Anfänge", wie sie erklären; mit Texten, die "eine magisch-realistische Traumwelt" erschaffen. Da muss man sich dann offenbar auch mal zwischen einem Gott und einem Ei entscheiden...

Sein oder Nicht-Sein? Kampf oder Flucht? Sekt oder Selters? Wie oder was? An großen Entweder-oder-Fragen herrscht wahrlich kein Mangel. Dass die vom Quartett Paper Thieves vorgeschlagene neue Erweiterung der Liste um eine Gegenüberstellung von Gott und Ei dennoch mehr als willkommen ist, liegt nicht zuletzt am spannenden Sound der Band aus Berlin: Auf ihrem kommende Woche erscheinenden Debütalbum "The God Or The Egg" bewegen sich die vier um Sängerin und Texterin Leah Christensen zwischen atmosphärischem Pop mit psychedelischen Anklängen und elegantem Neo-Soul. Dass die Musiker:innen mit Wurzeln in Neuseeland, der Türkei und Deutschland trotz bald zehnjährigen Bandbestehens (und nach diversen Singles und EPs sowie zahlreichen Konzerten) "erst" jetzt ihr Langspieler-Debüt vorlegen, ist zum Teil Corona geschuldet. Es hat zum anderen aber auch damit zu tun, dass es in jüngerer Vergangenheit gleich bei mehreren Bandmitgliedern Nachwuchs gab – was wiederum Ausdruck in Album-Titel, -Cover und –Thema fand, denn hier dreht sich viel um "neue Generationszyklen und neue Anfänge", wie sie erklären; mit Texten, die "eine magisch-realistische Traumwelt" erschaffen. Da muss man sich dann offenbar auch mal zwischen einem Gott und einem Ei entscheiden...

Autoritäre Tendenzen sind gerade auf dem Vormarsch. Dabei kann die Selbstermächtigung des Bürgers nur noch durch ihn selbst aufgehalten werden. Hören Sie jetzt den dritten Teil der Reihe „Morgenröte der Freiheit“ des Juristen und Autoren Milosz Matuschek. Er trägt den Song- und Albumtitel von Ton Steine Scherben: „Keine Macht für niemand“ Sabrina Khalil hat den Text für uns eingelesen. Er war zunächst auf seinem Blog „Freischwebende Intelligenz“ erschienen: https://www.freischwebende-intelligenz.org/p/keine-macht-fuer-niemand Übrigens veröffentlichte der Verlag FiftyFifty gerade seine Essay-Sammlung «Wenn´s keiner sagt, sag ich´s» – die schon Spiegel-Bestseller geworden ist: https://www.buchkomplizen.de/buecher/corona-buecher/wenn-s-keiner-sagt-sag-ich-s.html

Fast schon angriffig ist der Albumtitel der neuen Platte von Primal Scream: «Come Along» - die schottische Antwort auf die Einladung zum Faustkampf. Etwas versöhnlicher könnte man den Titel auch als Aufforderung zum Mitkommen auf die Reise der letzten acht Jahre der Band verstehen. Das zwölfte Album der Alternative-Heroes aus Glasgow handelt von Konflikten – im Innern wie im Äussern. Die Titelinterpretation des aufmüpfiges «na, komm schon» liegt also nicht ganz fern. Wie auch immer der Titel gemeint ist, Hauptsache es groovt. Und das tut «Come Along» so ordentlich mit funky Basslines, poppigen Melodien und dem einen oder anderen Gospel-Moment. «Come Along» ist die erste Platte der Band rund um Bobby Gillespie seit acht Jahren und diese Woche Sounds! Album der Woche. Sounds! hat CDs und Vinyl und verlost täglich.

Frische und neue Schweizer Musik von Jan Seven Dettwyler und Sky Of Augustine wartet in dieser Ausgabe von Swissmade. Deutscher Soul von Format und sphärische Pop-Musik aus den Walliser Bergen Als Seven hat sich der Aargauer Tausendsassa einen Namen gemacht. Seit einiger Zeit hat er seine Basis nach Berlin verlegt und nennt sich Jan Seven Dettwyler und punktet mit deutschem Soul. Mit «Schwarz auf Grün» lässt sich der 45-Jährige tief in die Seele blicken. Das «Grün» im Album-Titel entspricht seiner Augenfarbe und unterstreicht die Selbstfindung, die der Musiker in den letzten Monaten gemacht hat. Hinter Sky Of Augustine sind Romaine und Joel. Zwei Geschwister, die sich mit dem Projekt einen Wunschtraum verwirklichen. Die beiden sind schon bei Wintershome zu Hause, trumpfen nun mit dem Album «Ways Of Water» auf. Der Longplayer ist sphärisch, zweistimmig arrangiert und fühlt sich so leicht und erfrischend wie ein junger Tag in den Bergen an. Kein Wunder: die beiden sind unter dem Matterhorn zu Hause und leben nicht nur Musik, sondern lieben Schnee über alles.

Drei Alben, drei Volltreffer: Nilüfer Yanya ist auch auf dem neusten Werk «My Method Actor» kreativ, weitsichtig und vielschichtig. Einen thematischen Bogen gibts auf dem Album zwar nicht, doch die Londonerin zeigt sich auf den 11 Songs als Getriebene und Suchende und offenbart bei jedem Song ein bisschen ihres Selbst. Bei jener Offenbarung liegt auch die Verbindung zum Albumtitel. Beim Method Acting versuchen Schauspielerinnen und Schauspieler mit ihrem gespielten Charakter zu verschmelzen, um ein natürlicheres, authentischeres Spiel zu kreieren. Sie versuchen die Emotionen der Rolle nicht nur zu spielen, sondern sie tatsächlich zu erleben. Nilüfer Yanya ist zwar keine Schauspielerin, doch das Konzept ist für sie auch auf die Musik anwendbar: «Beim Method Acting geht es ja darum, dass man eben nicht schauspielert, sondern eine Version von sich selbst ist. Ähnlich ist es bei meiner Musik, wenn ich auf die Bühne gehe oder einen Song schreibe, dann ist das für mich eine Art Selbstentdeckung.» «My Method Actor» ist neues Sounds! Album der Woche und wird täglich als Vinyl verlost. Und hier gehts zum Nilüfer Yanya-Archiv: Nilüfer Yanyas «Miss Universe»: Belle de loin, loin d'être belle? Sounds! Album der Woche & Interview: Nilüfer Yanya «PAINLESS»

Noch 1x schlafen, dann ist es soweit: Das neue Curse Album "Unzerstörbarer Sommer" erscheint am 06.09.2024. In Anlehnung an den Album-Titel erzählt Curse von der Herkunft und von der tiefen Bedeutung eben dieses Titels: - Was ist ein unzerstörbarer Sommer? - Welchen Einfluss hat der unzerstörbare Sommer auf unser Inneres? - Was geschieht, wenn wir erkennen, dass in uns drin ein unzerstörbarer Sommer liegt? Viel Freude mit dieser wunderschönen Deep Talk-Folge. www.curse.de www.instagram.com/cursezeit www.facebook.com/curseofficial www.tiktok.com/@curseofficial Tour Tickets: https://www.curse.de/termine

Auch auf seinem siebten Album «Delicate Steve Sings» liefert Steve Marion – dem Albumtitel zum Trotz – wieder instrumentale Gitarrenjams für Roadtrips. Nur bei den drei Coverversionen, die auf dem Album ebenfalls enthalten sind, hat er sich total vergriffen. Nebst einer passablen Version von Donnie & Joe Emersons «Baby» hört man auf Delicate Steves neuem Album auch seine Takes von «Yesterday» von den Beatles und Otis Reddings «These Arms Of Mine», die beide mehr nach Backingtracks klingen, die man normalerweise auf Karaokemaschinen findet, deren Hersteller:innen sich zu schade waren, den richtigen Songwritern Tantiemen abzudrücken. Not good!

Camille Bertault und David Helbock mit ihrem Projekt "Playground" beim 55. Deutschen Jazzfestival Frankfurt 2024 || Auf den österreichischen Pianisten David Helbock traf die französische Sängerin Camille Bertault im Rahmen der Ludwigsburger Schlossfestspiele, nachdem dessen Duo-Partner kurzfristig hatte absagen müssen. Über verschiedene Festival-Einladungen entstand so das Repertoire, das zu ihrem 2022 erschienen Album „Playground“ führte. Wer sich an David Helbocks furiosen Auftritt beim Deutschen Jazzfestival Frankfurt 2018 mit dem Multiinstrumentalisten-Trio "Random/Control" erinnert, versteht, dass der Albumtitel sich nicht allein der Verspieltheit und Abenteuerlust von Bertault verdankt. In der Tat haben sich hier zwei gefunden, die keine Herausforderung scheuen und vor allen Dingen jeder Aufgabe auch gewachsen sind. Von Alexander Skrjabin über Thelonious Monk und Egberto Gismonti bis hin zu eigenen Kompositionen zeigen die beiden auf ihrem Duo-Album ein beeindruckendes Spektrum. Der Vorverkauf zum diesjährigen Deutschen Jazzfestival läuft seit dem 5. Juni, alle Infos auf hr2.de (Sendung vom 19.6.)

Das irisch-deutsche Trio hat kürzlich sein zweites Album "Face To Punch" veröffentlicht. Geschrieben wurden die leichtfüßigen Pop-Songs in einer von Mücken belagerten Hütte in Brandenburg, thematisch bittet Sängerin Claire-Ann Varley ihr "inneres Kind um Vergebung". Das weist schon darauf hin, dass sich Varley textlich nicht mit Banalitäten aufhalten, und auch der dezent gewalttätig anmutende Albumtitel, demzufolge Claire-Ann ihr "Gesicht als Punchingball" anbietet, ist eher als Metapher für größtmögliche und gelegentlich eben schmerzhafte Offenheit zu verstehen. Denn obwohl sie mit dem Ansatz gestartet waren, diesmal mehr "Lieder über Liebe" zu schreiben, mussten Varley feststellen: "Es geht einfach nicht." Also verhandeln sie einmal mehr alles rund ums Thema "psychische Gesundheit", und tun dies abermals auf einnehmende, optimistische Art, sodass die Musik auf "Face To Punch" bei allem textlichen Tiefgang stets einen ermutigenden "safe space" darstellt – so wie es die Band für ihre Mitglieder tut.

Das irisch-deutsche Trio hat kürzlich sein zweites Album "Face To Punch" veröffentlicht. Geschrieben wurden die leichtfüßigen Pop-Songs in einer von Mücken belagerten Hütte in Brandenburg, thematisch bittet Sängerin Claire-Ann Varley ihr "inneres Kind um Vergebung". Das weist schon darauf hin, dass sich Varley textlich nicht mit Banalitäten aufhalten, und auch der dezent gewalttätig anmutende Albumtitel, demzufolge Claire-Ann ihr "Gesicht als Punchingball" anbietet, ist eher als Metapher für größtmögliche und gelegentlich eben schmerzhafte Offenheit zu verstehen. Denn obwohl sie mit dem Ansatz gestartet waren, diesmal mehr "Lieder über Liebe" zu schreiben, mussten Varley feststellen: "Es geht einfach nicht." Also verhandeln sie einmal mehr alles rund ums Thema "psychische Gesundheit", und tun dies abermals auf einnehmende, optimistische Art, sodass die Musik auf "Face To Punch" bei allem textlichen Tiefgang stets einen ermutigenden "safe space" darstellt – so wie es die Band für ihre Mitglieder tut.

Das irisch-deutsche Trio hat kürzlich sein zweites Album "Face To Punch" veröffentlicht. Geschrieben wurden die leichtfüßigen Pop-Songs in einer von Mücken belagerten Hütte in Brandenburg, thematisch bittet Sängerin Claire-Ann Varley ihr "inneres Kind um Vergebung". Das weist schon darauf hin, dass sich Varley textlich nicht mit Banalitäten aufhalten, und auch der dezent gewalttätig anmutende Albumtitel, demzufolge Claire-Ann ihr "Gesicht als Punchingball" anbietet, ist eher als Metapher für größtmögliche und gelegentlich eben schmerzhafte Offenheit zu verstehen. Denn obwohl sie mit dem Ansatz gestartet waren, diesmal mehr "Lieder über Liebe" zu schreiben, mussten Varley feststellen: "Es geht einfach nicht." Also verhandeln sie einmal mehr alles rund ums Thema "psychische Gesundheit", und tun dies abermals auf einnehmende, optimistische Art, sodass die Musik auf "Face To Punch" bei allem textlichen Tiefgang stets einen ermutigenden "safe space" darstellt – so wie es die Band für ihre Mitglieder tut.

Das irisch-deutsche Trio hat kürzlich sein zweites Album "Face To Punch" veröffentlicht. Geschrieben wurden die leichtfüßigen Pop-Songs in einer von Mücken belagerten Hütte in Brandenburg, thematisch bittet Sängerin Claire-Ann Varley ihr "inneres Kind um Vergebung". Das weist schon darauf hin, dass sich Varley textlich nicht mit Banalitäten aufhalten, und auch der dezent gewalttätig anmutende Albumtitel, demzufolge Claire-Ann ihr "Gesicht als Punchingball" anbietet, ist eher als Metapher für größtmögliche und gelegentlich eben schmerzhafte Offenheit zu verstehen. Denn obwohl sie mit dem Ansatz gestartet waren, diesmal mehr "Lieder über Liebe" zu schreiben, mussten Varley feststellen: "Es geht einfach nicht." Also verhandeln sie einmal mehr alles rund ums Thema "psychische Gesundheit", und tun dies abermals auf einnehmende, optimistische Art, sodass die Musik auf "Face To Punch" bei allem textlichen Tiefgang stets einen ermutigenden "safe space" darstellt – so wie es die Band für ihre Mitglieder tut.

Auf meinen heutigen Gast, habe ich mich ganz besonders gefreut. Vor mittlerweile fast 20 Jahren durfte ich 2 Songs zu ihrem Doppel-Platin-Album „Schwarz Weiss“ beitragen und danach gemeinsam in Songwriting- und Studio Sessions eine so eigenständige und authentische Künstlerin (nannte man das damals eigentlich schon so…?) kennenlernen. Nun haben wir allerdings schon seit weit über 10 Jahren nicht mehr gesprochen - aber natürlich habe ich ihren künstlerischen Weg weiter verfolgt. Christina Stürmer war nach einem spektakulären Karrieerestart irgendwie nie wirklich weg - aber feierte mit ihrem 2013er Album „ich hör`auf mein Herz“ fast so etwas wie Ihren 2. Karriere-Frühling - und vermutlich ist dieser Album Titel einfach auch inhaltlich genau der Grund, warum ich Christina Stürmer in diesem Gespräch so ausgeglichen, reflektiert und nach eigener Aussage auch total in ihrer Mitte erleben durfte. Soeben hat sie als erste deutschsprachige Künstlerin ein MTV Unplugged Album veröffentlicht, was sie in diesem Jahr standesgemäss mit einer sehr erfolgreichen Tour mit ihrer Band auf die Bühne bringt und das Publikum musikalisch und energetisch teilhaben lässt, an ihrer persönlichen und künstlerischen Entwicklung der letzten Jahre. Wie hat sich ihre Sicht auf das Musik-Geschäft und ihre Rolle in der Öffentlichkeit verändert, nachdem sie 2002 quasi über Nacht zum Wohl grössten weiblichen Popstar Österreichs wurde und in kürzester Zeit lernen dufte, mit dem damit einhergehenden kreativen und medialen Druck umzugehen. Wir sprechen über spirituelle Routinen, die Freiheit aber auch Verpflichtungen, die ihr eigenes Label und natürlich ihre Rolle als 2-fache Mutter mit sich bringt und wie sie ihren Platz in der digitalen Musikwelt und Social Media gefunden hat - dies alles an dem letzten Tourtag des ersten Blocks ihrer MTV Unplugged Tour. CHRISTINA STÜMER WEB: https://www.christinastuermer.at INSTA: https://www.instagram.com/stuermerchristina TIKTOK: https://www.tiktok.com/@christina.stuermer HIER FINDEST DU JAN LOECHEL ▶︎INSTAGRAM: https://www.instagram.com/janloechel ▶︎FACEBOOK: https://www.facebook.com/janloechel ▶︎YOUTUBE: https://www.youtube.com/SunwaterRecordings ▶︎WEB: https://www.janloechel.de

1979 veröffentlichten Thin Lizzy ihr Album "Black Rose: A Rock Legend". Mit dabei ist Gitarrenlegende Gary Moore. Während bei anderen Künstlern das Debütalbum häufig die erfolgreichste Platte ist und bleibt, ist es bei Thin Lizzy Album Nummer neun. "Black Rose: A Rock Legend" ist die erfolgreichste Platte der Band und es ist auch das einzige Album, bei dem der legendäre Gitarrist Gary Moore als festes Bandmitglied mit dabei ist, vorher war Gary Moore immer "nur" der Ersatzgitarrist der Band. "Er ist so ein bisschen der Feuerwehrmann in dieser Band. Immer wenn ein Gitarrist ausfällt, und da fallen die Gitarristen nonstop aus, bei Thin Lizzy muss Gary Moore ran", analysiert SWR1-Musikredakteur Stephan Fahrig. Der Grund, warum gerade dieses Album der Band ein Meilenstein ist, und nicht etwa das Album "Jailbreak", auf dem auch der größte Hit der Band "The Boys Are Back in Town", ist für SWR1 Musikredakteurin Katharina Heinius ganz klar: "...weil dieses Album zeigt, wie wunderbar Irish Folk und Hardrock zusammenpassen." Was Thin Lizzy so besonders macht, ist auch Sänger und Bassist Phil Lynott, der mit seiner speziellen Gesangsart in den 70er-Jahren besonders herraussticht. SWR1-Musikredakteurin Katharina Heinius bezeichnet seinen Gesangsstil als "fast schon lässigen Rock-Rap". Auch eine leichte Punk-Attitüde könnte man Thin Lizzy und Phil Lynott attestieren, für seinen Gesangsstil und auch den Text beim Song "Do Anything You Want To". Das lag vor allem auch an Phil Lynott selber und seinem persönlichen Interesse an der Punkmusik zu der Zeit. Neben Thin Lizzy hatte er mit Mitgliedern der legendären Sex Pistols auch das Musikprojekt "Phil Lynott and the Greedies". Neben dem Gesang von Phil Lynott stechen bei diesem Song aber auch die sauberen, druckvollen Drums hervor und natürlich das typische zweistimmige Melodie-Spiel der Gitarristen Gary Moore und Eric Bell. Die schwarze Rose ist ein klassisches irisches Symbol, sie schmückt nicht nur das Plattencover und den Albumtitel "Black Rose: A Rock Legend", sondern auch den Titelsong. Im Gälischen heißt es allerdings nicht "Black Rose", sondern "Róisín Dubh". Und "Róisín Dubh" ist ein irischer Traditional Song, der auch schon von anderen Künstlern wie Sinead O'Connor interpretiert wurden. Der Ursprung dieses traditionellen Songs ist ein irisches Gedicht aus dem 16. Jahrhundert. Das kann zum einen als Liebeslied gedeutet werden, des Schreibers an eine von ihm Angebetete, oder es kann auch als Liebeslied an Irland selbst gesehen werden, wie es in der Vergangenheit oft interpretiert wurde. Thin Lizzy machen aus diesem Vorbild ein rund siebenminütiges, zweigeteiltes Folk-Rock-Epos. SWR1-Musikredakteurin Katharina Heinius empfindet den Song als "ein wunderschönes, wirklich episches Werk für Irland, über Irland". Phil Lynott war Bassist, Sänger und als Frontmann von Thin Lizzy hatte er eine unglaubliche Bühnenpräsenz. Über sein Leben abseits der Bühne sprechen wir ausführlich im Meilensteine Podcast. Wir sprechen über die zwei Gesichter des Phil Lynott. Über seine Drogen- und Alkoholsucht, aber auch über seine sanfte Seite, die er als Vater gezeigt hat und auch als Mentor für andere Musiker wie zum Beispiel auch Sänger Huey Lewis. __________ Über diese Songs vom Album “Black Rose: A Rock Legend” wird im Podcast gesprochen (11:26) – "Do Anything You Want To" (30:02) – "Róisín Dubh" (Black Rose) (35:56) – "Toughest Street in Town" (46:18) – "Waiting for an Alibi" (52:18) – "Sarah" __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen (16:30) – "Twin Guitar Special" von Bob Wills & His Texas Playboys (17:08) – "And Your Bird Can Sing" von den Beatles (18:02) – "Errors of My Way" von Wishbone Ash (19:54) – "The Boys Are Back in Town" von Thin Lizzy (24:20) – "Whiskey in the Jar" von Thin Lizzy (26:28) – "Róisín Dubh" von Sinead O'Connor (34:57) – "Over The Hills and Far Away" von Gary Moore __________ Shownotes Podcast-Tipp "Sucht & Süchtig" in der ARD-Audiothek: https://www.ardaudiothek.de/sendung/sucht-und-suechtig/94641878/ Buchtipp: "My Boy – The Philip Lynott Story": https://shop.hotpress.com/collections/philip-lynott-collection/products/my-boy-the-philip-lynott-story-fully-updated Biographie über Gary Moore: http://www.hannibal-verlag.de/cgi-bin/WebObjects/TXTSVHannibal2.woa/640/wo/xJ3zEUw2TfSS2mPlbRF1pWihw84/0.0.SuperPage.11.1.3.0.1.1.0.1.6.1.BoxQuickSearch.0.1 Thin Lizzy auf YouTube:  https://www.youtube.com/channel/UCvBfm-GXTovLlApGVPfsP4g SWR1 Meilensteine Folge zu "Breakfast in America" von Supertramp: https://www.ardaudiothek.de/episode/swr1-meilensteine/supertramp-breakfast-in-america/swr1/13216793/ SWR1 Meilensteine Folge zu "The Wall" von Pink Floyd: https://www.ardaudiothek.de/episode/swr1-meilensteine/pink-floyd-the-wall/swr1/10457315/ SWR1 Meilensteine Folge zu "Sports" von Huey Lewis: https://www.ardaudiothek.de/episode/swr1-meilensteine/huey-lewis-and-the-news-sports/swr1/94770170/ SWR1 Meilensteine Folge zu "Argus" von Wishbone Ash: https://www.ardaudiothek.de/episode/swr1-meilensteine/wishbone-ash-argus/swr1/10474453/ __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Meldet euch gerne per WhatsApp-Sprachnachricht an die (06131) 92 93 94 95 oder schreibt uns an meilensteine@swr.de

Mit «SucieriaZH» kündigt Loco Escrito sein kommendes Album «9013» an und verrät uns heute, was hinter dem ungewöhnlichen Song- und Album-Titel steckt, wie und warum er sich gerne von der Arbeit ablenken lässt und welche Schweinereien mehr Platz im Leben haben sollten.

Es hat Google Translate gebraucht um die Albumtitel der neuen Alben von Shakira und Gianna Nannini auszusprechen. Christl hats dann aber geschafft und spätestens bei dem Debütalbum von Tyla wurde es dann einfacher. Das Comeback von Blümchen hat dann zu ein paar herzhaften aber wertschätzenden Lachern geführt und die Laune im Studio nach "Ravergirl" war schlagartig besser. Außerdem geht Moby auf Tour, spendet die gesamten Einnahmen, während Kelly Clarkson ihren Ex-Ehemann bis auf die Unterhosen klagt. Brian Molko von Placebo wird vielleicht auch verklagt und Kendrick Lamar streitet mit Drake wegen J. Cole. Ganz schön schwierig hier dranzubleiben, aber gemeinsam schaffen wir das. Ach ja und während Eminem mit Dr. Dre im Studio sitzt versucht Diddy fka P. Diddy fka Puff Daddy aka LOVE abzuhauen und niemand weiß grad so recht wo er überhaupt ist... Zum Glück wirds im Austro Spotlight mit den FM4 Award Gewinnern Bipolar Feminin und dem vorerst letzen Song von Keke wieder etwas weniger wild. Der TnT-Throwback verspricht ein paar feuchte Augen heute. Viel Spaß beim Anhören!

Mit 20 Millionen verkauften Exemplaren ist "Breakfast in America" das erfolgreichste Album von Supertramp und sogar eines der meistverkauften Alben überhaupt. Damit gelingt Supertramp 1979 der große Durchbruch in den USA. Mit Erscheinen dieses Podcasts sind seit der Veröffentlichung von "Breakfast in America" bereits 45 Jahre vergangen. "Breakfast in America" ist ein zeitloser Meilenstein des progressiven Pop mit Songs, die auch heute noch relevant sind. Das sind neben dem Titelsong auch "The Logical Song", "Goodbye Stranger" und "Take The Long Way Home". Die Gründung der Band Supertramp Supertramp haben sich 1969 gegründet. Rick Davies spielt bereits im Alter von 12 Jahren Schlagzeug und steigt dann zum Keyboarder auf. Bei einem Gig in München lernt er den holländischen Millionär Stanley August, genannt Sam, kennen. Dieser ermutigt ihn dazu eine eigene Band zu gründen. Über eine Annonce im "Melody Maker", einer großen britischen Musikzeitschrift, die bis ins Jahr 2000 wöchentlich erschienen ist, sucht er geeignete Musiker. Daraufhin meldet sich Roger Hodgson bei ihm und die beiden gründen die Band "Daddy". Ihr allererster Auftritt findet im damaligen Münchner Szene-Lokal "PN hit-house" auf der Leopoldstraße statt. Unter der Woche spielten doch meist Cover-Bands, während am Wochenende die Bands aus Großbritannien auftraten. In München entscheiden sie sich für einen neuen Bandnamen: aus Daddy wird Supertramp. Von "Supertramp" bis hin zu "Breakfast in America" Die ersten Alben "Supertramp" und "Indelibly Stamped" sind wenig erfolgreich, weshalb das Kapitel Supertramp bereits 1971 zunächst als beendet erscheint. Die Band besteht zu diesem Zeitpunkt aus Rick Davies, Rodger Hodgson, Kevin Currie, Frank Farrell und Dave Winthrop. Ihr Finanzier Sam zieht sich aus dem Musikgeschäft zurück, 1973 stehen Supertramp vor der Auflösung. Ein Jahr später — in neuer Formation — veröffentlichen sie "Crime of the Century". Zu Davies und Hodgson gesellen sich nun John Helliwell, Bob Siebenberg und Dougie Thomson dazu. Erstmals in der Bandgeschichte agieren auch Gastmusiker bei den Aufnahmen. Mit ihrem fünften Album 1977 "Even in the Quietest Moments" und der daraus veröffentlichten Single "Give a Little Bit" folgt dann endlich auch der Durchbruch in den USA und Supertramp zieht es nach Los Angeles. Dort entsteht ihr sechstes Studioalbum "Breakfast in America" und eröffnet, passend zum Albumtitel, mit "Gone Hollywood". Insgesamt gibt es für Davies und Hodgson drei Phasen von Songwriting während der Produktion des Albums. Sie schreiben ihre Songs zuhause und nehmen sie auch dort zunächst als Demo auf, eine weitere Demo wird im Studio aufgenommen, bis sie im dritten Schritt das Arrangement festlegen und die Songs tatsächlich einspielen. Opener "Gone Hollywood" und Closer "Child of Vision" Für unsere SWR1 Musikredakion sind beides epische Stücke. Mit gut 7,5 Minuten behalten Supertramp ihre Tradition bei, den Closer ziemlich episch zu gestalten. "Child of Vision" thematisiert angeblich das Verhältnis zwischen den beiden äußerst unterschiedlichen Songwriter-Persönlichkeiten: Rick Davies und Roger Hudgson. Hodgson hat den Song geschrieben und dabei möglicherweise an Davies gedacht. Die beiden haben gänzlich unterschiedliche Vorstellungen vom Leben, nicht nur auf musikalischer Ebene und eben diese Widersprüche werden in "Child of Vision" thematisiert. Davies kommt aus dem Jazz, dem Rhythm and Blues und hat dementsprechend andere musikalische oder auch thematisch viel tiefere, destruktivere Ansätze an Texten, während Roger Hodgson vom Pop geprägt ist und eine Falsettstimme mitbringt. "The Logical Song" Die Welt der erwachsenen Erziehungsschule aus Sicht eines Teenagers. "The Logical Song" handelt davon, dass Schülerinnen und Schülern gelehrt wird nach Außen zu funktionieren, aber nicht, wer man innerlich wirklich ist und was den wahren Sinn des Lebens ausmacht. Die Nummer war die Lead-Single von "Breakfast in America" und ist bis heute ein absoluter Rock-Klassiker und für SWR1 Musikredakteur Frank König ein wahres Meisterwerk. Der Song ist in drei Teile gegliedert: beginnend in der Kindheit, über die Schulzeit im Internat bis hin zum Erwachsenendasein. Rodgson beschreibt die magische Schönheit der Kinderwelt und stellt sie der widersprüchlichen und überfordernden Erwachsenenwelt gegenüber und stellt sich die Frage: Wer bin ich eigentlich? Ein Meilenstein der Musikgeschichte Warum der Ursprungstitel des Albums eigentlich "Hello Stranger" sein sollte, von welchen Songs der Beatles sich Supertramp in "Breakfast in America" inspirieren lassen haben, welche ungewöhnlichen Instrumente bei der Produktion zum Einsatz kamen und ob Johnny Hallywell sein stilbringendes Saxophon tatsächlich auf der Studio-Toilette aufgenommen hat, das und mehr gibt es im Meilenstein zu "Breakfast in America" von Supertramp. __________ Über diese Songs vom Album "Breakfast in America" wird im Podcast gesprochen (04:49) – "The Logical Song"(14:18) – "Gone Hollywood"(21:40) – "Gone Hollywood"(22:24) – "Child of Vision"(29:24) – "The Logical Song"(48:12) – "Goodbye Stranger"(56:03) – "Breakfast in America"(01:03:54) – "Take the Long Way Home"__________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen (26:34) – "Here Comes the Sun" von The Beatles(01:40:12) – "Hyper Hyper" von Scooter(01:10:43) – "When We Were Young" von David Guetta und Kim Petras(01:11:07) – "Cry Cry Cry" von Coldplay(01:11:41) – "It Might Be Time" von Tame Impala (Prod. Kevin Parker)__________ Shownotes Buch von Frank Bösch über das Jahr 1979: https://www.chbeck.de/boesch-zeitenwende-1979/product/26071725 Buchtipp: Ein Tribute an Supertramp – Die illustrierte Biografie: https://www.isbn.de/buch/9783750535305/ein-tribut-an-supertramp Wie "The Logical Song" entstanden ist_ https://www.soundonsound.com/techniques/classic-tracks-supertramp-logical-song Making Of "The Logical Song" im Video: https://www.youtube.com/watch?v=2tfOF7XcOlg Wie Schauspielerin Kate Murtagh als Kellnerin auf das Plattencover von "Breakfast in America" kam: https://www.youtube.com/watch?v=salH6GDlNuE Podcast-Tipp: "Fuck you very, very much! Die größten Beefs im Musikbiz" von ARD Kultur: https://www.ardaudiothek.de/sendung/fuck-you-very-very-much-die-groessten-beefs-im-musikbiz/13172547/ Liste der Meilensteine-Folgen von 1 bis 250__________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Die Themen der Folge: Badmómzjay und Jumpa sampeln „Alles neu" von Peter Fox. Gepaart mit zeitgenössischen Drill-Beats und Jordys messerscharfem Flow wird daraus ihre neuen Single „Alles glänzt". In seiner neuen Single wird Apache207 nachdenklich, zeigt jedoch, dass er alles andere ist, als ein „Loser"! „Europapa" heißt der Song, mit dem Joost in diesem Jahr für die Niederlande beim ESC antritt. Der ist eine bunte Mischung aus Gabber, Techno, EDM und Pop. Gerd veröffentlicht heute ihr Debütalbum „Meet Me In The Blue". Wir haben mit ihr über den Albumtitel und ihren Lieblingssong der Platte gesprochen.

Es ist erst das zweite Album des Solothurners Pascal Geiser. Und es ist sicher nicht falsch, «You Can Change Your Hat», so der Albumtitel, dem Blues zuzuordnen. Die 9 Tracks hat er zusammen mit seiner Band eingespielt - nun ist er live als Studiogast bei Swissmade, wo das Album vorgestellt wird. Mit «You Can Change Your Hat» hat Pascal Geiser ein Album mit allen Facetten des Blues am Start. Weder fehlen schnellere Songs, noch solche mit der für den Blues typischen düsteren Melancholie oder Schwermut.  Daniel Kandelbauer war Teilnehmer der zweiten Staffel von Music Star. Er kam am 26. Februar 2005 bis ins Finale, welches dann aber die Walliserin Salome Clausen gewann. Nach einer langen Pause veröffentlicht er mit «Supernova» einen neuen Song. Grund genug für Moderatorin Marietta Tomaschett, sich mit ihm zu unterhalten.  Ebenfalls gibt es einen ganz neuen Song der Baslerin Anna Rossinelli zu hören - ein Duett mit Sam Himself, ebenfalls aus Basel. 

Vor ziemlich genau 3 Jahrzehnten hieß uns Ben Harper in seiner Welt willkommen. Sein Debut „Welcome to the Cruel World“ erschien am 8. Februar 1994 und führte uns nochmal vor Augen und Ohren, was wir eh schon wussten: Die Welt ist ein grausamer Ort. Die folgenden Albumtitel – ähnlich niederschmetternd: „Fight for Your Mind“ und „The Will to Death“. Die Songs aber gaben bei aller Traurigkeit auch immer Hoffnung, das alles besser wird, und den Mut, für das, was man liebt, zu kämpfen. Ben Harpers Waffen: Skateboard, Rasta-Mütze und die Weissenborn, jene besondere Slide-Gitarre, die seiner Musik einen unverwechselbaren Klang gibt. Damit hat er im Alternative Rock der 90er und Nullerjahre seine Fußspuren hinterlassen. Seine eigenen Wurzeln liegen im Folk, Soul, Gospel und vor allem im Blues. Für Gast-Stereo.Typin Noelle O'Brien Coker sind Ben Harpers erste Alben der Soundtrack ihrer Kindheit und auch danach horchte sie immer wieder auf, wenn der Mann aus Kalifornien neue Musik releaste. Der erzählt uns in #087BenHarper von den wichtigsten seiner inzwischen 17 Alben und so viel mehr aus seinem Leben und von seiner Musik.

The dead poets department, the tortured poets club the poets torture department...? während Marleen sich noch mit dem neuen Albumtitel schwer tut ist Alex schon einen gedanklichen Schritt weiter und fragt sich, wie ein weiteres Album es auf die Eras Tour Setlist schaffen soll. Und kommt reputation TV jetzt doch noch? Und die Grammys... wir dürfen die Grammys nicht vergessen. Weil SO VIEL los ist wurde es mal wieder Zeit für eine Long Sory Short Folge. Schreibt uns gerne: breakfastatmidnights@web.de Instagram: ⁠⁠⁠⁠⁠breakfastatmidnights ⁠⁠⁠⁠⁠ Twitter/X:⁠⁠⁠⁠⁠ breakfastatpod ⁠⁠⁠⁠⁠ TikTok: ⁠⁠⁠⁠⁠breakfast.podcast⁠⁠⁠⁠ --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/breakfast-at-midnights-po/message

Vor rund 50 Jahren ist im Dezember 1973 mit "Band on the Run" das dritte Studioalbum von Paul McCartney & Wings und das fünfte Studioalbum von Paul Mc Cartney nach der Trennung der Beatles erschienen. Paul McCartney hat die Band Paul McCartney & Wings im Jahr 1971 zusammen mit seiner Frau Linda McCartney gegründet — ein Jahr nach der Trennung der Beatles. Linda hat die Beatles zuvor schon als Fotografin begleitet und teilweise auch Vocals bei verschiedenen Alben hinzugesteuert. John Lennon hat einige Jahre zuvor bereits mit seiner Frau Yoko Ono die Plastic Ono Band gegründet. "Band on the Run" kann für Paul McCartney als eine Art Befreiungsschlag von seiner musikalischen Vergangenheit gesehen werden, den Beatles. Paul McCartney zeigt auf diesem Album, dass er es noch draufhat, losgelöst von seinem kongenialen Partner John Lennon als Songwriter, als Bassist und als Sänger zu arbeiten. Turbulente Produktionsbedingungen "Band on the Run" wurde in Afrika, in Nigeria, genau genommen in Lagos produziert. Für Paul McCartney klang das nach Sonne, nach Entspannung, das klingt danach, als könnte man hier ganz entspannt in wunderschöner afrikanischer Umgebung ein tolles Album aufnehmen. McCartney hatte die Koffer bereits gepackt, Demos und Songideen im Gepäck. Gitarrist Henry McCullough und Schlagzeuger Denny Seiwell sollen schon länger nach einem Grund für den Ausstieg gesucht haben. McCartney hat sie ihrer Meinung nach zu schlecht bezahlt und sie konnten sich künstlerisch nicht in dem Maße einbringen, wie sie das gerne wollten. Bis zum Tag des Abfluges am 9. August 1973 hatten beide gekündigt. Denny Laine war als einziger von den ursprünglichen Wings neben Paul und Lina McCartney mit nach Lagos geflogen. Was ein Glück — er war nämlich auch Multiinstrumentalist und konnte somit McCartney kräftig unterstützen. Trotzdem konnte er sich nicht so mit einbringen, wie er es gerne getan hätte. Dennoch — die drei waren produktiv und haben sich durchaus auch von Afrika musikalisch inspirieren lassen, zumindest rhythmisch. Ursprünglich wollte McCartney das Album sogar mit afrikanischen Musikern aufnehmen, hat sich dann aber dagegen entschieden, weil er viel Gegenwind bekommen hat. Zurück zum Tag der Ankunft in Lagos, Paul McCartney & Wings werden auf offener Straße überfallen. Alle Tapes und Ideen, die Paul bisher in irgendeiner Form für "Band on the Run" gesammelt hatte, waren also weg. Sie standen mit leeren Händen da und mussten alles aus ihrem Gedächtnis rekonstruieren. Auch eine gewisse Angst nach dem Überfall begleitete die McCartneys, die sie versucht haben mit Gras zu bekämpfen. Paul McCartney erlitt — vermutlich infolge übermäßigem Konsums — eine Panikattacke und musste ins dortige Krankenhaus. Zu den Aufnahmen war er zurück und hat gemeinsam mit Linda im Studio gearbeitet. Seine Frau war von Beruf aus Fotografin und hat während der Albumaufnahmen intensiv gelernt, die Instrumente zu spielen, vor allem das Klavier. Unter diesen katastrophalen Produktionsbedingungen, an denen andere Musiker und Musikerinnen womöglich verzweifelt wären, erschafft McCartney in diesem Kosmos ein großartiges Album und er schafft es wieder geliebt zu werden, so Fahrig weiter. Durchbruch von "Band on the Run" Es war nicht leicht für Paul McCartney nach der Trennung der Beatles. Nicht nur John Lennon sondern auch George Harrison sollten ihm musikalisch ernsthafte Konkurrenz machen. Seine beiden ersten Soloalben verkaufen sich zwar gut und sind erfolgreich, doch die Kritiker lassen ihn durchfallen und das soll noch schlimmer werden bei Paul McCartney and Wings. Trotzdem gab es 1973 eine große Auftragskomposition für James Bond 007 — der Durchbruch für Paul McCartney & Wings. "Band on the Run" ist der Welthit für Paul McCartney & Wings. Die Bande auf der Flucht, textlich wie musikalisch teilt sich dieser Song auf in 3 Teile. Ein dramaturgies, durchkomponiertes Meisterwerk. Diese Aufteilung und Strukturierung erinnerten stark an die Beatles-Ära, in der Paul diese Technik bereits perfektioniert hat. Musikalischer Scheidungskrieg zwischen McCartney und Lennon Im Jahr 1967 haben sich Linda Eastman und Paul McCartney das erste Mal getroffen, haben sich ineinander verliebt und dann 1969 geheiratet. Noch in einer Zeit, in der Paul McCartney aktives Mitglied der Beatles war. Sie hat alle Hochs und Tiefs der Band an der Seite ihres Mannes erlebt, und da gab es einige, gerade in den Endjahren der Beatles. Nach der offiziellen Trennung im April 1970 haben Paul McCartney und John Lennon einen Art offenen musikalischen Scheidungskrieg über Songs geführt. Den Anfang macht Paul McCartney 1971, er singt in "Too Many People" darüber, dass Lennon seine Glückssträhne zerbrechen hat lassen. Dieser antwortet darauf in seinem Album "Imagine" 1971 mit dem Song "How Do You Sleep?" mit den Worten "Das einzige, was du je geschafft hast, war "Yesterday". Wie kannst du schlafen?". McCartney antwortet seinerseits in "Band on the Run" mit dem Song "Let Me Roll It". Ein Song, wie John ihn selbst schreiben könnte, so Fahrig. "Let Me Roll It" ist ursprünglich eine Textzeile aus einem George Harrison-Song "I'd Have You Anytime" aus dem Album "All Things Must Pass" von 1970. McCartney und Lennon haben sich bald getroffen und sich einigen können. John Lennon bezeichnete seinerseits das Album "Band on the Run" sogar als fantastisches Werk. Paul McCartney – Lyrics Im November 2021 erschienenen Buch von PaulMcCartney "Lyrics" betrachtet er sein Leben und Werk intensiv im Prisma von 154 eigenen Songs. "Band on the Run" – Ein Meilenstein der Musikgeschichte Die Gruppe, die Band, die Bande auf der Flucht. Was genau hinter dem Albumtitel steckt, wieso die Band tatsächlich irgendwie auf der Flucht war und wie es Picasso auf dieses Album geschafft hat, warum Lagos vermeintlich kein guter Ort war, um eine Platte aufzunehmen und viel mehr, wird in dieser Episode besprochen. __________ Über diese Songs vom Album "Band on the Run" wird im Podcast gesprochen (15:50) – "Bluebird"(25:24) – "Jet"(29:49) – "Band on the Run"(48:33) – "Let Me Roll It"(52:27) – "Picasso's Last Words (Drink to Me)"__________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen (47:31) – "Too Many People" von Paul McCartney und Lina McCartney(49:14) – "I'd Have You Anytime" von George Harrison __________ Paul Mc Cartney & Wings Rockshow Live: https://youtu.be/BiCboZoKOcw?si=xPYLZJiAC3KyKQyh Rolling Stone: Paul McCartney & Wings veröffentlichen "Band on the Run": https://www.rollingstone.de/rewind-today-1973-paul-mccartney-wings-veroeffentlichen-band-on-the-run-362018/ Musik-Sammler Release: "Band on the Run": https://www.musik-sammler.de/release/paul-mccartney-wings-band-on-the-run-2-cd-358897/ YouTube Paul McCartney "Band on the Run": https://youtu.be/LulVVED_93c?si=ZU0uORCdXgIEfFq8 John Lennon singt das Album "Band on the Run": https://youtu.be/FPkC54xEEnU?si=JEzTPGiD4fno63oa Paul McCartney & Wings "Band on the Run" BBC-Doku: https://www.youtube.com/watch?v=Z9dEqN-dQtY __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Sie haben der Musik der 80er-Jahre ihren ganz eigenen Stempel aufgedrückt und mit Songs wie "Enola Gay" oder "Maid of Orleans" Charterfolge in Serie gefeiert. Jetzt sind Andy McCluskey und Paul Humphries wieder da. "Bauhaus Staircase" heißt das neue Album des Orchestral Manoeuvres in the Dark, kurz OMD. Und es ist: einfach nur schön. Wie es zum Comeback kam und was der Albumtitel über die Band verrät - das erzählen die Herren in unserem aktuellen Podcast. Viel Spaß!Du möchtest deinen Podcast auch kostenlos hosten und damit Geld verdienen? Dann schaue auf www.kostenlos-hosten.de und informiere dich. Dort erhältst du alle Informationen zu unseren kostenlosen Podcast-Hosting-Angeboten. kostenlos-hosten.de ist ein Produkt der Podcastbude. Gern unterstützen wir dich bei deiner Podcast-Produktion.+++Werbung+++ Jetzt im neuen Jahr besser füttern mit biologisch artgerechtem Rohfutter von BARFER'S. Für Deinen Hund oder Deine Katze mit 10 % Rabatt mit dem Gutscheincode „PODCAST10“. https://www.barfers-wellfood.de/

Alec und Sascha von The BossHoss sind in den allerletzten Vorbereitungen, bevor ihre Deutschlandtournee zum aktuellen Album "Electric Horsemen" startet. Im aktuellen Podcast sprechen sie ausführlich über die Songs auf dem Album, was Marvel Comics und ein alter Robert Redford Film mit dem Albumtitel zu tun haben und natürlich auch über ihre glorreichen Auftritte in der TV Show "Grill den Henssler". Ausserdem verraten sie die Entstehungsgeschichte ihres Duetts mit Michael Patrick Kelly und wie sie, ausgelöst durch das "Tauschkonzert" im Fernsehen zu richtig guten Freunden geworden sind. Ausserdem gehts bei "Axel Trifft" um den Livetermin auf der Deutschlandtour am 13. Oktober in der Arena Leipzig.

Spliff war im Grunde genommen die Fortsetzung der Nina Hagen Band, die sich 1979 getrennt hatten. "85555" war das zweite Album der Band, nach dem sie kurz nach ihrer Gründung 1980 schon das Konzeptalbum "The Spliff Radio Show" rausgebracht hatten. Was steckt hinter dem Zahlencode "85555", dem Albumtitel von Spliff? Das haben sich 1982 vermutlich viele Fans der Band gefragt. Die Antwort ist ziemlich einfach: Es war die Bestellnummer des Albums. Auf "85555" hatten Spliff mit harten Gitarren, Drums, einem Slap-Bass und Synthesizern einen sehr kantigen Sound. Und trotz des Songs "Computer sind doof", hat Keyboarder Reinhard Heil sich für das Album mit sogenannten Fairlight Computern beschäftigt und sich auch an der Band Kraftwerk orientiert. Spliff haben für das Album "85555" sehr viel mit technischen Elementen rumprobiert und auch sehr viel unterschiedliche Technik genutzt. Dabei stand das Equipment aber nie im Vordergrund, sondern wurde von der Band immer gekonnt kaschiert. "Wir haben ganz schön mit der Technik rumgekämpft", erklärt Herwig Mitteregger von Spliff. "Aber man hört das eben nicht, dass wir soviel Technik verwendet haben, das ist der Clou der Geschichte", sagt Mitteregger weiter. Im Februar 1982 wurde "85555" veröffentlicht, erreichte umgehend die Spitzenposition der Albumcharts und konnte sich insgesamt über ein Jahr lang in den deutschen Album Charts halten. Damit war es nicht nur das kommerziell erfolgreichste Album, sondern enthielt mit "Carbonara" auch noch den erfolgreichsten und bekanntesten Song, den die Band unter dem Namen je veröffentlicht hat. __________ Über diese Songs vom Album “85555” wird im Podcast gesprochen 02:17 Mins – “Déjà Vu” 13:19 Mins – “Heut' Nacht”  25:47 Mins – “Carbonara” 31:12 Mins – “Computer sind doof” 39:34 Mins – “KIll!”  42:34 Mins – “Damals” __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen 12:48 Mins – “African Reggae” von Nina Hagen 18:27 Mins – “Ich glotz TV” von der Nina Hagen Band 21:15 Mins – “Spliff Jingle” von Spliff 35:44 Mins – “99 Luftballons” von Nena __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Adel Tawil, deutscher Musiker mit ägyptischen Wurzeln, ist als die männliche Hälfte des erfolgreichen Pop-Duos "Ich + Ich" bekanntgeworden. Seine Solokarriere verläuft auch schon seit Jahren sehr erfolgreich. Im aktuellen Podcast “Axel Trifft” spricht er über sein aktuelles Album “Spiegelbild”, das im Frühjahr erschienen ist und über die Entstehung von einzelnen Songs und wie er zum Albumtitel gekommen ist. Ausserdem verrät er einiges über die Tour, mit der er gerade open Air unterwegs ist, zum Beispiel am 10.08. in Chemnitz am Wasserschloss Klaffenbach, und über die Weiterführung der Tour im Herbst in verschieden Hallen, unter anderem am 15. Oktober im Leipziger Haus Auensee.

"Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" ist das Debüt-Studioalbum der Südstaaten Rockband Lynyrd Skynyrd. Es wurde am 13. August 1973 veröffentlicht und gilt heute als Meilenstein des Southern Rock. Zu den bekanntesten Titeln des Albums gehören bis heute: "Gimme Three Steps", "Simple Man", "Tuesday's Gone" und "Free Bird", von denen der letzte die Band zu nationalem Ruhm führte. Ein Song, der es beinahe auch auf die Platte geschafft hätte: "Sweet Home Alabama" — er wurde ihr größter Hit. "Im Lexikon neben Südstaaten-Rock steht Lynyrd Skynyrd (…), weil sie einfach der Prototyp dieses Sounds sind." (SWR1 Musikredakteur Stephan Fahrig) "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" wurde am 18. Dezember 1974 mit Gold und am 21. Juli 1987 mit Doppelplatin von der RIAA ausgezeichnet. 1975 erreichte es Platz 27 der US Billboard 200. Der Rolling Stone hat es zuletzt auf Platz 318 der 500 besten Alben aller Zeiten gewählt. Von "One Percent" zu "Lynyrd Skynyrd" Lynyrd Skynyrd sind bei der Veröffentlichung von "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" im verflixten siebten Jahr — oder wie es später im Song "Workin' for MCA" ausgedrückt wird — "Seven years of hard luck comin' down on me." Bis dahin nannten sie sich "One Percent", also ein Prozent, worüber sich einige Leute lustig machten. Auf der Suche nach einem neuen Bandnamen stießen sie auf "Lynyrd Skynyrd". Inspiriert durch einen Song von Allan Sherman "Hello Muddah, Hello Fadduh", in dem ein gewisser "Leonard Skinner" auftaucht — wird dessen Name ein Running Gag innerhalb der Band, der schließlich in etwas veränderter Form zu ihrem Bandnamen wird. Und weil den keiner so richtig aussprechen konnte, erklärt ihn der Albumtitel "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" in Lautschrift. Schicksalhafte Plattencover Nicht nur in der Musik hört man den Bezug zu den Südstaaten, auch das Plattencover nimmt uns mit Richtung Heimat von Lynyrd Skynyrd, nach Georgia in ein kleines Städtchen mit knapp 5000 Einwohnern. Sie stehen zu siebt vor einem kleinen Supermarkt — aus heutiger Sicht wahnsinnig tragisch, da mittlerweile keiner der Jungs auf dem Cover mehr lebt. Die schicksalhafte Symbolik nimmt ihren Lauf mit dem Folgealbum "Street Survivors", welches unmittelbar vor dem Flugzeugabsturz erschien und die Band ursprünglich in Flammen zeigt. If I Leave Here Tomorrow — Der Flugzeugabsturz Der Song "Free Bird" bekommt in der Geschichte der Band eine tragische Bedeutung: es war immer der letzte Song ihrer Konzerte, so auch an dem Abend, bevor sie den tragischen Flugzeugunfall hatten und abgestürzt sind. "If I leave here tomorrow, would you still remember me?" Ist die letzte singende Zeile von Sänger Ronnie Van Zant aus dem Song "Free Bird". Am 17. Oktober 1977 kommt es zu einem tragischen Flugzeugabsturz — die zweimotorige Maschine stürzte in einen Sumpf am Mississippi, unter den Opfern befinden sich drei Mitglieder der Band: Sänger Ronnie Van Zant, Gitarrist Steve Gaines und seine Schwester, die Sängerin Cassie Gaines. Die Band gibt es heute noch, obwohl kein einziges Original-Mitglied mehr dabei ist. "Sie leben im Endeffekt auch von und mit diesem Album." (SWR1 Musikredakteur Benjamin Brendebach) Mehr über das Vermächtnis der Band, ihre Entstehungsgeschichte und was es mit den ominösen schicksalhaften Symbolen wirklich auf sich hat, hören Sie in diesem Podcast. __________ Über diese Songs vom Album "Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd" wird im Podcast gesprochen 04:36 Mins — "Simple Man" 04:51 Mins — "Free Bird" Intro 18:21 Mins — "I Ain't the One" 32:46 Mins — "Tuesday's Gone" 42:23 Mins — "Gimme Three Steps" 1:00:31 Mins — "Simple Man" 1:06:11 Mins — "Free Bird" 1:16:18 "Free Bird" Gitarrenbattle __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen 09:01 Mins – "Hello Muddah, Hello Fadduh" von Allan Sherman 42:22 Mins – "Tuesday's Gone" von Metallica 51:15 Mins – "Sweet Home Alabama" von Lynyrd Skynyrd 55:08 Mins – "Southern Man" von Neil Young __________ Shownotes: Pronounced 'Lĕh-'nérd 'Skin-'nérd bei Allmusichttps://www.allmusic.com/album/pronounced-lh-n%C3%A9rd-skin-n%C3%A9rd-mw0000190876 Lynyrd Skynyrd YouTube Kanalhttps://www.youtube.com/channel/UCipLjr-h2iaEBWMJVfK2e2A „If I Leave Here Tomorrow” - Dokumentarfilm über Lynyrd Skynyrd in der ARD Mediathekhttps://www.ardmediathek.de/video/rockpalast/if-i-leave-here-tomorrow-a-film-about-lynyrd-skynyrd/wdr/Y3JpZDovL3dkci5kZS9CZWl0cmFnLWQxNjY4NWQ4LWVlMmYtNGQ4Ny1hZmM4LTM0NjhhYzAyZDZmOA __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Sie bezeichnen sich selber als Essential Translators of the End Times. In ihrem Debütalbum pulsiert das Hip Hop Duo zwischen Nostalgie und Neuerfindung und wie der Albumtitel schon antönt, wissen wir in der Luft schwebend auch hier nicht, in welche Genrerichtungen sie uns als nächstes hinkippen. von Mirco Kaempf

Nach fünf Jahren im Game released Verifiziert nun endlich ihr Debüt-Album “adhs”. Gemeinsam mit ihren Haus und Hof-Produzenten und Freunden ist sie dafür in ein Haus in der Natur gefahren, für die Videos ging es dann gleich noch weiter weg - nach Tokio. Wie der Albumtitel erahnen lässt, beschäftigte sie neben der Album Entstehung auch ihre mentale Gesundheit und ihre ADHS Diagnose. Eine Diagnose im Erwachsenenalter ist schwer, umso wichtiger ist es ihr mit dem Albumtitel Awareness zu schaffen. Auch abseits dessen gibt sie auf ihrem Debüt Einblick in ihre Gefühlswelt, nimmt uns wie gewohnt mit in ihrem Auto und macht dabei den ein oder anderen Halt für einen Wodka Wellness mit Longus Mongus und Co. Was euch sonst auf “adhs” erwartet, wie sie den Festival-Sommer erlebt hat und ob sie nun einen Goldzahn besitzt, erfahrt ihr im aktuellen Interview mit Johanna.

Mit «Alright» landeten Gaz Coombes und seine Band Supergrass 1995 einen Welthit. Seit über einem Jahrzehnt steht der Brite aber mehrheitlich solo auf der Bühne. Mit «Turn The Car Around» veröffentlichte er am Freitag sein viertes Soloalbum. Anders als der Albumtitel vermuten lässt, ist «Turn The Car Around» aber keine musikalische Kehrtwende. Coombes verfeinert auf der vierten Platte seinen Alternative Rock und natürlich schimmert zwischen den mystischen Songs und epischen Rockhymnen auch immer mal wieder etwas Britpop- und 90er-Nostalgie durch.

Mit «Flower In The Snow» schickt die 6-köpfige Band um Frontmann Jay Messerli morgen einen weiteren Vorboten zu ihrem dritten Album «Too Good To Go» raus, das im März 2023 erscheinen wird. Ihr hört ihn heute schon im punkt CH – und Jay verrät, was es mit dem Song und dem Albumtitel auf sich hat.

"This is almost heaven" sagte Dan unter Tränen, als er erstmals die Aufnahmen zu diesem Album hörte. Schon war der Albumtitel geboren. Nach "Over The Hump", dem großen Durchbruch der Kelly Family, war der Druck sicherlich enorm, einen guten Nachfolger zu produzieren. Aber was soll man sagen? Es ist ihnen mehr als gelungen! Heute tauschen wir uns über eine der erfolgreichsten und beliebtesten CDs der Kellys aus, die eine große Rolle in unser beider Leben spielt und einige Kindheitserinnerungen in uns hervorruft. Viel Spaß beim Hören! Abonniert gerne unseren Podcast und schreibt uns eine Bewertung! :) Folgt uns auch gerne auf unseren Social Media-Seiten: Instagram: www.instagram.com/keeponsinging_podcast Facebook: www.facebook.com/keeponsingingpodcast Oder schreibt uns eine Mail an keeponsinging@gmx.de Wir freuen uns auf euer Feedback! Und bis dahin: Keep on singing!

Autoritäre Tendenzen sind gerade auf dem Vormarsch. Dabei kann die Selbstermächtigung des Bürgers nur noch durch ihn selbst aufgehalten werden. Hören Sie jetzt den dritten Teil der Reihe „Morgenröte der Freiheit“ des Juristen und Autoren Milosz Matuschek. Er trägt den Song- und Albumtitel von Ton Steine Scherben: „Keine Macht für niemand“ Sabrina Khalil hat den Text für uns eingelesen. Er war zunächst auf seinem Blog „Freischwebende Intelligenz“ erschienen: https://www.freischwebende-intelligenz.org/p/keine-macht-fuer-niemand Übrigens veröffentlichte der Verlag FiftyFifty gerade seine Essay-Sammlung «Wenn´s keiner sagt, sag ich´s» – die schon Spiegel-Bestseller geworden ist. https://www.buchkomplizen.de/buecher/corona-buecher/wenn-s-keiner-sagt-sag-ich-s.html?listtype=search&searchparam=milosz%20matuschek

Dreißig Jahre ist es her, da veröffentlichte BLIND GUARDIAN das bis dato stärkste Album "Somewhere Far Beyond". Das allein ist für die Fans dieser Band ein Grund zu feiern. Doch die vier Musiker ruhen sich nicht nur auf ihren bisher erworbenen Lorbeeren aus, sondern veröffentlichen in diesem Sommer auch das neue Album "The God Machine". Gitarrist Marcus Siepen verrät unserem Redakteur Fränky in dieser Pommesgabel-Ausgabe, ob und was sich hinter dem Albumtitel verbirgt. Und nicht nur das. Der Gitarrist hat natürlich noch einiges mehr zu berichten. Ob es nun um das bereits erwähnte Album von 1992, um das BLIND GUARDIAN TWILIGHT ORCHESTRA Projekt oder um die musikalischen Wurzeln des gebürtigen Krefelders geht - hier erfahrt ihr viele Dinge rund um BLIND GUARDIAN.

Sinead O'Brien im Interview mit Leandra Sommaruga über ihren Albumtitel "Time Bend and Break The Bower", die Suche nach Risks and Threats in jedem Konzert und den Prozess der Musikentstehung.

Paul McCartney hat die Beatles verlassen! Diese Meldung im April 1970 schockierte die Musikwelt. Die Auflösungstendenzen der berühmtesten Band der Welt waren vorher schon unübersehbar, auch George Harrison und John Lennon hatten die Band bereits verlassen wollen. Paul McCartney legte danach - wie seine Freunde - gleich los mit einem Solo-Album. Das berühmte Liebeslied „Maybe I´m amazed“ erzählt von Linda, seiner Frau, die privat und musikalisch zur wichtigsten Person wird. Die Musikwelt verfolgte den musikalischen Streit der ehemaligen Beatles in den folgenden Jahren. Was aber war musikalisch bei Paul McCartney los? War er endlich ungebremst in seinem Eifer? Warum wurde die Qualität vieler Lieder damals nicht erkannt? War der Schatten der Beatles einfach zu groß für die „Wings“-Alben oder die Soloprojekte? Paul McCartney lieferte auch in den 70er und 80er Jahren regelmäßig Hits, er arbeitete zusammen mit Stevie Wonder, Michael Jackson und Elvis Costello. „Say Say Say“ und „Ebony and Ivory“ waren weltweit in den Charts, andere Projekte floppten, “Here Today“, sein Lied an den ermordeten Freund John Lennon, rührte 1982 die Welt zu Tränen. Peter Urban berichtet von Begegnungen mit Paul McCartney in der Abbey Road. Im Gespräch mit Ocke Bandixen erzählt er von der Wahrnehmung des Solokünstlers McCartney über die Jahrzehnte, von Meisterwerken in den späteren Jahren des Musikers und den nicht nachlassenden musikalischen Ideen des Liverpoolers. Die erste Folge Paul McCartney: der Beatle sowie alle anderen Folgen von Urban Pop Musiktalk mit Peter Urban findet Ihr in der ARD Audiothek. Peters Playlist für Paul McCartney: Wings und Solo-Jahre (2/2) (Albumtitel in Klammern) 1970: Every night, Maybe I'm amazed (McCartney) 1971: Another day (Single) Too many people (Ram) Dear friend (Wild Life) 1973: My love (Red Rose Speedway) Live and let die (Single) Band on the run, Nineteen Hundred and Eighty Five (Band on the Run) 1979: Arrow through me (Back to the Egg) 1980: Coming up, Waterfalls (McCartney II) 1982: Here today (Tug of War) 1983: Pipes of peace (Pipes of Peace) 1986: Only love remains (Press to Play) 1989: My brave face, Put it there, That day is done, Ou est le soleil? (Flowers in the Dirt - remastered 2017) 1993: Hope of deliverance (Off the Ground) 1997: The song we were singing, The world tonight, If you wanna, Somedays, Young boy, Calico skies, Heaven on a Sunday, Souvenir, Little willow, Beautiful night, Great day (Flaming Pie – remastered 2020) 2001: Your loving flame (Driving Rain) 2005: Jenny Wren, This never happened before, Anyway (Chaos and Creation in the Backyard) 2007: Dance tonight, The end of the end (Memory Almost Full) 2012: My valentine, Only our hearts (Kisses on the Bottom) 2013: Early days, New (New) 2015: Rihanna/Kanye West/Paul McCartney - FourFiveSeconds (Single) 2018: I don't know, Happy with you, Despite repeated warnings (Egypt Station) 2020: Find my way, Seize the day (McCartney III)

Paul McCartney ist eine Musiklegende. Die Maßstäbe der Popmusik wurden durch ihn und die Beatles gesetzt. Sein außerordentliches Talent für Melodien, seine Kreativität und Neugier, dazu die symbiotische musikalische Zusammenarbeit mit seinem Freund John Lennon - an ihm kann niemand vorbei. Bei allem Zauber des vierköpfigen Phänomens der Beatles, ihrem märchenhaften Erfolg und bahnbrechenden Einfluss auf die Pop- und Rockmusik stellt sich die Frage: welchen Anteil hatte Paul McCartney daran? Woher kommen seine musikalischen Ideen? Wie hat es der Liverpooler sowohl als Balladenkomponist als auch als Rockmusiker schafft, so viel Neues zu schaffen? Seit 60 Jahren ist Paul McCartney erfolgreich mit seiner Musik, die Zahl seiner Hits ist ohne Beispiel. Peter Urban analysiert das Können von Sir Paul McCartney in den neuen Folgen von „Urban Pop – Musiktalk mit Peter Urban“. Er erzählt in zwei Ausgaben einmal über die Zeit von Paul McCartney bei den Beatles, des Weiteren über seine Arbeiten danach. In der ersten Folge geht es um den musikalischen Hintergrund von Paul McCartney, die Musikwelt seiner Familie, den Impuls des Rock'n‘Roll, die Lehrjahre in Hamburg und Liverpool. Ab wann konnte man sagen: das ist ein Paul-McCartney-Song? Die außerordentliche Balance zwischen unvergesslichen Balladen und mitreißenden Rocknummern – wie haben John Lennon und Paul McCartney zusammengearbeitet? Welchen ganz persönlichen Einfluss hatte der Produzent George Martin auf Paul McCartney, war er dessen Meisterschüler? Im Gespräch mit Ocke Bandixen erklärt Peter Urban das musikalische Schaffen von Paul McCartney zur Beatles-Zeit, er deckt Quellen und Einflüsse auf und beschreibt die Reaktionen und Erwartungen der Fans und Kritiker der Zeit. Den zweiten Teil, in dem es um Paul McCartney ohne die Beatles geht, findet Ihr hier ab dem 16.06.. Peters Playlist für Paul McCartney: der Beatle (1/2) (Album-Titel in Klammern, remastered versions 2009 und Remixe 2017/2019) 1963: I saw her standing there (Please Please Me) From me to you (Single), I want to hold your hand (Single) All my Loving (With the Beatles) 1964: If I fell, And I love her, Can't buy me love, Things we said today (A Hard Days Night) Baby in black, I'll follow the sun (Beatles For Sale) 1965: I've just seen a face, Yesterday (Help!) We can work it out (Single) Drive my car, You won't see me, Michelle, I'm looking through you (Rubber Soul) 1966: Eleanor Rigby, Here, there and everywhere, Good day sunshine, For no one, Got to get you into my life (Revolver) 1967: Penny Lane (Single, Stereo Mix 2017) With a little help from my friends, Getting better, Fixing a hole, She's leaving home, When I'm sixty-four, A day in the life (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band – Remix 2017) Hello, Goodbye (Single) The fool on the hill (Magical Mystery Tour, EP) 1968: Hey Jude (Single) Blackbird, I will, Mother Nature's son, Helter skelter, Honey pie 1969: Get back (Single) Oh Darling, You never give me your money, She came in through the bathroom window/Golden slumbers/Carry that weight/The end (Abbey Road – Remix 2019) 1970: Let it be (Let It Be), The long and winding road (Let It Be…Naked, 2014)

Es ist das erfolgreichste Album der Band: “Eye In The Sky”. Im Mai 1982 brachte das Alan Parsons Project ihr legendäres Album raus, das jetzt seinen 40. Geburtstag feiert. “Eye In The Sky” ist bereits das sechste Studioalbum der Band, die vor allem in ihren ersten Jahren sehr produktiv waren. Von 1975 bis 1980 veröffentlichte die Band jedes Jahr ein neues Album. Dieses „Auge am Himmel“ steht bei dem Albumtitel für die Überwachung. Es ist nämlich ein Konzeptalbum, dass die Annahme voraussetzt, dass wir unter ständiger Beobachtung stehen.   Das Album wurde nach seiner Veröffentlichung 1982 für zwölf Grammys nominiert, konnte damals aber keinen gewinnen. Erst 2019. 35 Jahre später gab es zur Wiederveröffentlichung des Albums endlich einen Grammy für das “Best Immersive Audio Album” (übersetzt: das beste Raumklang-Album). Dabei kannte sich Bandgründer Alan Parsons schon bei der Ur-Veröffentlichung mit Raumklang und Sound aus. Nicht umsonst war er Tontechniker in den legendären Abbey Road Studios und hat auch bei den letzten Platten der Beatles am Sound getüftelt. In den Abbey Road Studios lernte Parsons dann auch Eric Woolfson kennen. Nach nur einem Jahr gründeten die beiden dann das “Alan Parsons Project”. __________ Über diese Songs vom Album “Eye In The Sky” wird im Podcast gesprochen: 11:09 Mins – “Sirius” 18:43 Mins – “Eye In The Sky” 27:01 Mins – “Silence And I” 33:14 Mins – “You're Gonna Get Your Fingers Burned” 37:49 Mins – “Old And Wise” __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen: 34:37 Mins – “Waiting For The Day” von Gerry Rafferty 40:16 Mins – “She's Not There” von The Zombies __________ Links zum Podcast: Offizielle Seite des Albums https://www.the-alan-parsons-project.com/eye-in-the-sky Eye in the Sky Review von Stephen Thomas Erlewine  bei Allmusic https://www.allmusic.com/album/mw0000195219 Alan Parsons Project YouTube Channel https://www.youtube.com/channel/UCOANtcwoFl_Hm02fMWVIgGg __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Purer Post-Punk im Jahr 2022 ist langweilig - zu viel des Gleichen hat man schon gehört. Zu diesem Schluss kommt die irische Band Fontaines D.C. auf ihrem dritten Album «Skinty Fia» und wird zum ersten Mal sogar leicht clubtauglich. «Skinty Fia» aus dem Irischen übersetzt heisst es so viel wie die Verdammnis des Hirsches und wird als Fluch bei kleineren Malheurs verwendet. Fontaines D.C. wählten diesen Albumtitel, um an ihre Heimat Dublin zu erinnern. Die fünf Musiker wohnen mittlerweile alle in London, wie Gitarrist Conor Curley im Interview erzählte. Dies, um mit genügend Abstand die verkorkste Schönheit der Heimat zu bewahren. Auf ihrem dritten Album verarbeiten sie das Leben im Exil, die irische Diaspora, den Konflikt zwischen England und Irland, den sie bis heute spüren und verpacken das Erlebte in Songs, die sogar in einer Nacht im Club funktionieren. «Skinty Fia» ist unser neues Sounds! Album der Woche. Wir haben Vinyl und CDs zu verschenken – jeden Abend, nur im Radio!

Es gibt Künstler, bei denen man eigentlich fast allen Alben eine Meilensteine Folge widmen könnte – zumindest wenn es nach den Fans geht. Einer dieser Künstler ist ganz sicher Prince.  Immer wieder taucht Prince bei den Vorschlägen auf, die uns als Hörerwünsche über unsere Mailadresse meilensteine@swr.de erreichen.   Vor einem knappen Jahr haben wir das Album „Purple Rain“ besprochen, weil die Nummer, die dem Album den Namen gab, so ein gigantischer Erfolg war und bis heute ist. Jetzt geht es aber um "Sign o' the Times" von Prince aus dem Jahr 1987. Vorweg – Ende 2021 haben wir unsere Planung für 2022 weitestgehend abgeschlossen. Aber dass das Friedenszeichen, welches anstelle des Wortes „Of“ im Albumtitel zu finden ist, jetzt mit dem Erscheinen des Podcasts Anfang April 2022 so ein wichtiges Zeichen der Zeit ist, konnten wir nicht ahnen.  Insofern ist es vielleicht doch ganz gut, dass wir "Sign o‘ the Times" erst jetzt besprechen, da sich so viele Menschen weltweit, aber vor allem in der Ukraine, nach Frieden sehnen. __________ Über diese Songs vom Album “Sign o' the Times” wird im Podcast gesprochen: 09:45 Mins – “Sign o' the Time” 21:20 Mins – “If I Was Your Girlfriend” 29:20 Mins – “The Cross” 38:02 Mins – “The Ballad Of Dorothy Parker” 50:47 Mins – “It's Gonna Be A Beautiful Night” __________ Über diese Songs wird außerdem im Podcast gesprochen: 08:05 Mins – “Never Gonna Give You Up” von Rick Astley 08:13 Mins – “I Wanna Dance With Somebody” von Whitney Houston 08:25 Mins – “You Win Again” von den Bee Gees 08:45 Mins – “Bad” von Michael Jackson __________ Links zum Podcast: Buchtipp zu Prince https://rowman.com/ISBN/9781538144527/Prince-and-the-Parade-and-Sign-O%27-The-Times-Era-Studio-Sessions-1985-and-1986 Eine Online-Enzyklopädie zu Prince https://princevault.com/index.php?title=Album:_Sign_O%E2%80%99_The_Times Die Website von Prince https://prince.com/ Artikel des Rolling Stone zur Entstehungsgeschichte von “Sign o' the Times” https://www.rollingstone.de/prince-sign-o-the-times-rolling-stone-titelgeschichte-2039807/ Musikvideo zum Song “Sign o' the Times” https://www.youtube.com/watch?v=8EdxM72EZ94 __________ Ihr wollt mehr Podcasts wie diesen? Abonniert die SWR1 Meilensteine! Fragen, Kritik, Anregungen? Schreibt uns an: meilensteine@swr.de

Als Tara Nome Doyle im Jahr 2020 beim Reeperbahn-Festival auftrat, kündigte der Musikjournalist Steve Blame sie als „tender snowstorm“ an, als "zärtlichen Schneesturm". Dann betrat die Berliner Mittzwanzigerin mit irisch-norwegischen Eltern die Bühne und zog das Publikum für die nächste halbe Stunde in ihren Bann – nur mit ihrem Keyboard, ihrer Stimme und natürlich ihren Songs (gelegentlich unterstützt von einem Gitarristen bzw. zweiten Keyboarder). Am 28. Januar 2022 erscheint nun ihr neues, zweites Album mit dem interessanten Titel „Værmin“ – der sowohl an das englische Wort für „Ungeziefer“ („vermin“) erinnert, als auch an die dänische Phrase „vær min“, was „sei mein“ bedeutet. Dazu passend singt sie in „Snail I“, der ersten Single daraus, von einer „Schnecke in weißer Rüstung“. Das macht natürlich neugierig, und deswegen haben wir Tara Nome Doyle zu einem Besuch im „studioeins“ eingeladen, um mit ihr über den Albumtitel und so manches mehr zu plaudern, aber natürlich auch, um ein paar Beispielen des musikgewordenen „zärtlichen Schneegestöbers“ ihrer Songs zu lauschen.

In der Leipziger Liedermacherin „schlummern so einige Tiere“ – mal sehen, welche sie heute Abend im Bikini musikalisch aufweckt … Wenn die Welt aus den Fugen zu geraten scheint, kann das Angst machen – eine positive Nebenerscheinung haben Krisensituationen aber häufig: Künstler*innen, die etwas zu sagen haben, werden besonders kreativ. Und so ist es wohl auch kein Zufall, dass Sarah Leschs neues Album dieser Tage erscheint. Darauf will die 35-Jährige Leipzigerin nicht die Welt erklären – das überlässt sie eher Menschen wie ihrem Nachnamensvetter Harald – sondern singt über die Dinge, die sie (und viele andere) beschäftigen. Ohne Furcht, diese Dinge auch unverblümt beim Namen zu nennen, weswegen der Albumtitel „Triggerwarnung“ durchaus passend ist. So thematisiert sie, wie in „Schweigende Schwestern“, sexualisierte Gewalt und erzählt im Lied über „Die Löwin“ von Empowerment und Resilienz, denn: „Drunter machen wir’s nicht.“ Das alles gebettet in leichtfüßig-harmonische, „handgemachte“ Musik. Doch nicht nur die eingangs erwähnten Tiere wie die Löwin schlummern in Sarah Lesch: „Es schläft ein Lied“ heißt ihre neueste Single, die quasi ebendieses Lied erweckt und einen liebevollen Blick auf zwischenmenschliche Verbundenheit wirft. Heute Abend ist sie für ein Interview und natürlich ein paar live gespielte Stücke zu Gast im „studioeins“ im Bikini, denn wie hieß es doch gleich 2017 in ihrem Lied „Da draußen“: „Ich weiß, dass man die Angst vergisst, wenn man singt.“

Die amerikanische Musikerin hat bewusst das deutsche Wort "Geist" als Albumtitel genutzt, für sie ein Symbol, "das etwas in uns schlummert". Die rothaarige Musiker aus Kalifornien hat eine Punkvergangenheit und ist bestens in der Musikszene vernetzt. Von Punk ist auf ihrem neuen Album "Geist" nichts zu spüren, stattdessen sind ihre Songs fast archaisch arrangiert. Die irische Herkunft der Musikerin prägt auch die Stimmung der Platte. Shannons wunderbare Stimme, die in ihrer Intensität an die große Sandy Denny erinnert, trägt die Songs. Das Album hat eine ganz eigene, entschleunigte Stimmung und Parallelen zu Fairport Convention sind deutlich zu spüren. Zahlreiche musikalische Freund*innen haben sie auf "Geist" behutsam unterstützt. Aber niemand drängt sich in den Vordergrund, alles geschieht im Dienste der Songs. "Geist" ist ein beeindruckendes Album und Shannon Lay eine Ausnahmesängerin. Heute Abend wird sie ihr Album im "Monarch" vorstellen und vorher schaut Shannon Lay für ein Gespräch im Studioeins vorbei und wird auch live für uns spielen.

Die irische Sängerin Claire-Ann und ihre deutschen Mitmusiker Joschka Bender und Matthias Heising überwinden mit der gemeinsamen Band Varley nicht nur geografische Grenzen, sondern springen auch musikalisch munter zwischen den Genres und sogar den Epochen des Pop hin und her. Perlentaucherisch picken sie sich das Beste aus dem melodieseligen Radio-Pop der 1980er, verquirlen es mit der bunten Tanzbarkeit der 1990er und garnieren das Ganze mit einem Schuss Indie-Attitüde der frühen 2000er. „Smalltalk & DMCs“ heißt ihr Debütalbum, das sie heute Abend auszugsweise vorstellen werden, um dann im anschließenden Smalltalk, will sagen: Interview ein wenig von sich zu erzählen – und vielleicht auch zu verraten, wofür das „DMC“ im Albumtitel steht. Der „Deutsche Mais Club“ oder die „Diffusion Monte Carlo“ (mit der sich anscheinend z.B. die Schrödingergleichung traktieren lässt) dürften wohl kaum gemeint sein. Oder etwa doch?