Podcasts about gegenwartskunst

Während in den Messehallen Kunst für Millionen verkauft wird, ist der eigentliche Szene-Hotspot während der Art Basel der Social Club. In einem verlassenen Bürogebäude trifft internationale Gegenwartskunst auf Clubkultur, Wellness auf Gesellschaftskritik. Der Eintritt ist kostenlos.

Anderthalb Jahre lang war das Haus 'Gegenwart' des Kunstmuseum Basel nach einem Wasserschaden geschlossen: Wie das Museum mit einer neuen Leiterin und Ausstellung wieder Leben ins Haus bringen will Ausserdem: · Keine Verletzten, aber grosser Schaden - im Dreispitz brannte am Abend die Fassade einer Gewerbeliegenschaft · Baselbieter Polizei verhaftet zwei mutmassliche Posträuber

Kurator Alexander Ochs und Bürgermeisterin Silke Franzl sprechen mit Claudia Linzel in der Hartmannfabrik Chemnitz über den Purple Path: über 50 Skulpturen, 38 Kommunen und die Frage, was passiert, wenn internationale Gegenwartskunst in einer Region landet, in der Bergbau, Handwerk und Umbruch zur DNA gehören. Ein Gespräch über Vertrauen, Prozesse und die Leichtigkeit, die entsteht, wenn man sich drauf einlässt. Chemnitz 2025.

Erstaunlich sinnlich ist die Ausstellung über Essen in der Gegenwartskunst, und spricht gleichzeitig schwerwiegende Themen an, die Ernährung mit sich bringt: Klimawandel, Verteilungskämpfe, Handelsgrenzen, Ausbeutung von Mensch und Natur.

In der Pause standen sie neben Katie Holmes, auf der Bühne sahen sie Cynthia Nixon. Circa zehn Weltstars in einer Woche - einfach so gesehen. In New York laufen die einfach so herum, möchte man meinen. Im zweiten Teil unseres Gesprächs mit den Drinnies wird es konkret. Giulia und Chris kennen New York City nicht nur als Touristen, sie sind dort auch schon aufgetreten: beim New York Comedy Festival in Brooklyn. Und sie schenken uns in dieser Folge die besten Tipps dafür, wie wir alle diese Stadt erleben können, ohne das große Geld rauszuwerfen. Fahrrad statt Taxi zum Beispiel - von Brooklyn bis zum Strand in Coney Island. Kostenlose Museum-Tage, Ticket-Lotterien für die großen Broadway-Shows oder ein ganzes Viertel als Open-Air-Street-Art-Galerie. Deep Talk gibt es auch noch: Sollte man in ein Land reisen, das gerade so gespalten ist? Macht es keinen Sinn oder jetzt gerade mehr denn je? —Höre alle DRINNIES Episoden überall wo es Podcasts gibt! Besuche Giulia und Chris auf Instagram: @giuliabeckerdasoriginal und @chris.sommer

Künstler und Secessionsmitglied Peter Sandbichler spricht mit Angela Stief (Direktorin der Albertina Modern), die seine Arbeit seit den frühen 2000er-Jahren intensiv begleitet und mehrfach mit ihm gearbeitet hat. Im Gespräch widmen sie sich Sandbichlers skulpturaler Praxis, die sich, wie Stief formuliert, „einer eindeutigen Kategorisierung entzieht“ und zugleich von einem tiefen Interesse an Architektur und öffentlichem Raum geprägt ist. Unter anderem spricht Sandbichler darüber, wie ihn Denken und Werk von Buckminster Fuller beeinflusst haben, sowie über sein Interesse an Kunst im öffentlichen Raum, die unmittelbare Begegnungen mit Kunst ermöglicht, große Sichtbarkeit schafft und die Chance bietet, ein sehr vielfältiges Publikum zu erreichen – verbunden mit einem Moment des Zufalls und der Unkontrollierbarkeit. Das Gespräch wurde am 22. Jänner 2026 in der Secession aufgezeichnet. Peter Sandbichler, geboren 1964 in Kufstein, lebt in Wien. Studium an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien bei Wander Bertoni, anschließend Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien bei Bruno Gironcoli sowie Neue Medien an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste in Frankfurt am Main bei Peter Weibel. 1995 Österreichischer Pavillon auf der Biennale di Venezia. Sandbichler ist ein konzeptueller Bildhauer, der gesellschaftspolitische Themen mit grundlegenden Fragen nach der skulpturalen Ästhetik, nach Fläche, Raum und Zeit genauso wie nach Material, Form und Verfahren verknüpft. Mit unterschiedlichen Medien erzeugt er raumgreifende Objekte, Installation wie auch architektonische Interventionen im öffentlichen Raum. Dabei agiert der Künstler an der Schnittstelle von Deformation und Perfektion. Er operiert mit Strukturen, Ornamenten und Rastern, zerlegt diese und generiert neue Ordnungen. www.petersandbichler.com Angela Stief, geboren 1974 in Augsburg (D) ist Kunsthistorikerin, Kuratorin und Kulturpublizistin. Sie studierte Kunstgeschichte und Philosophie. Von 2002 bis 2013 war sie Kuratorin in der Kunsthalle Wien. 2020 übernahm sie die Gastprofessur für kuratorische Praxis an der Universität Linz. Seit 2020 arbeitet sie in der Albertina und wurde 2021 zur Direktorin der Albertina Modern und Chefkuratorin für Kunst der Gegenwart in der Albertina berufen. Sie verfasst zahlreiche Beiträge über Gegenwartskunst für Monografien, Kataloge und Magazine. Ausgewählte Ausstellungen: KAWS. Art&Comix, Franz West (2026), Jenny Saville, Brigitte Kowanz (2025), Eva Beresin, The Beauty of Diversity (2024), Katharina Grosse (2023), Ways of Freedom. Jackson Pollock bis Maria Lassnig (2022), The 80s (2021), Anna Zemánková (2020), Josef Karl Rädler (2018), Leigh Bowery (2013), POWER UP – Female Pop Art (2010), Wangechi Mutu (2008). Secession Podcast: Members ist eine Gesprächsreihe mit Mitgliedern der Secession. Das Dorotheum ist exklusiver Sponsor des Secession Podcasts. Programmiert vom Vorstand der Secession. Jingle: Hui Ye mit einem Ausschnitt aus Combat of dreams für Streichquartett und Zuspielung (2016, Christine Lavant Quartett) von Alexander J. Eberhard. Schnitt: Paul Macheck Produktion: Jeanette Pacher & Bettina Spörr

In dieser Folge von „Fünfzehn Minuten über den Fünfzehnten“ spricht Brigitte Neichl mit Jeremias Altmann. Er ist Obmann-Stellvertreter des Kunstvereins PAFE in der Nobilegasse 58. In diesem Verein zur Förderung visueller Kommunikation, wie dieser genau heißt, sind künstlerische Produktion, niederschwellige Kunstvermittlung und die theoretische Auseinandersetzung mit Gegenwartskunst vereint. Eröffnet wurde der Standort im Jänner 2026. Mit dabei ist auch Grätzelkorrespondentin Karin Elise Sturm „Sunny“, die diesmal über ihre Eindrücke beim Besuch des Lokals „Dal Pirata“ in der Reindorfgasse 42 berichtet, wo sie mit Emanuele Domenico Signorile über apulische Weine und das Geheimnis einer Piratenbüste gesprochen hat. Co-Moderatorin dieser Folge ist Birgit Dhibi. Skript (außer Grätzelkorrespondenz): Brigitte Neichl

Wie fühlt sich die Kunstwelt an, wenn sie an einem Ort zusammenkommt? Ab 6. November öffnet die ART COLOGNE ihre Hallen. Dabei handelt es sich um die älteste Messe für moderne und zeitgenössische Kunst, aber die ART COLOGNE setzt bis heute Maßstäbe. Hier trifft Klassische Moderne auf Nachkriegs- und Gegenwartskunst, auf Editionen zu überschaubaren Preisen und auf spannende Positionen für große Sammlungen. Im Fokus steht der deutschsprachige Raum – mit starker internationaler Beteiligung. Struktur gibt's mit klaren Sektionen: von Galleries über Collaborations, Neumarkt und die New Positions. Das sind geförderte Solo-Präsentationen, bei denen Arbeiten unter 5.000 € angeboten werden. Ein idealer Einstieg also für neue Sammlerinnen und Sammler. Und ja: ART COLOGNE heißt zwar auch „kauf mich“, wer aber schon mal dort war, weiß: Die Messe ist mehr. Es geht um Gespräche, Entdeckungen, Vergleiche und um dieses besondere „Jetzt“, wenn über 150 Galerien und rund 2.000 Künstlerinnen/Künstler ein Panorama der Gegenwart spannen. Wir, das sind Sascha Worrich und Andreas Maurer, haben mit Daniel Hug über Profil, Auswahl und die Besonderheiten der ART COLOGNE gesprochen – und geben euch in dieser Folge Orientierung, worauf ihr euch ab dem 6.11. freuen könnt und wo sich vielleicht die spannendsten Neuentdeckungen verstecken. Viel Vergnügen.

Dylla, Carolin www.deutschlandfunkkultur.de, Studio 9

"The Outer Worlds 2": Wie gut ist das neue Game? Christian Schiffer hat es getestet / Die Fondation Cartier zeigt ihre Schätze der Gegenwartskunst ab sofort mitten in Paris, auf 6.500 Quadratmeter, direkt gegenüber dem Louvre. Stararchitekt Jean Nouvel hat dafür ein Haussmann-Gebäude aus dem 19. Jahrhundert umgestaltet. Carolin Dylla war schon dort / Heute wird der Bayerische Buchpreis vergeben, wie immer ist die Preisfindung der Jury öffentlich. Für Sachbuch und Roman sind jeweils drei Bücher vorgeschlagen. Kleines Kuriosum: alle Nominierten sind Frauen. Heute Abend ab 20 Uhr live auf Bayern 2 und im Anschluss als Podcast in der ARD Audiothek:

Bloch, Werner www.deutschlandfunkkultur.de, Fazit

"Niki. Kusama. Murakami. Love You For Infinity" - so heißt die neue Ausstellung im Sprengel Museum Hannover. Drei Ikonen der Gegenwartskunst werden hier vereint und treten in den Dialog. Was für Niki de Saint Phalle die Nanas sind, können für Yayoi Kusama die Polka-Dots und für Takashi Murakami die ikonischen Emoji-Flowers sein. Die Drei zeichnen sich aus durch farbintensive Gestaltungskraft und klare Statements zu Liebe, Sexualität, utopischem Denken oder existentieller Angst. Ihre Werke werden im Sprengel Museum in einer atemberaubenden Schau erstmals zusammen gezeigt. Flankierend zur Ausstellung wird an die großzügige Schenkung vor 25 Jahren erinnert, als Hannover mehr als 400 Werke von Niki de Saint Phalle erhielt und seitdem die weltweit größte Sammlung der Künstlerin beherbergt. Über ein ambitioniertes Ausstellungsprojekt spricht der Direktor des Sprengel Museums, Reinhard Spieler, mit Claudia Christophersen in NDR Kultur à la carte.

Engelbrecht, Sebastian www.deutschlandfunk.de, Kultur heute

Luisa Ziaja spricht mit Oliver Ressler über seine künstlerische Praxis, insbesondere über seine Videos und Videoinstallationen der letzten Jahre. Diese setzen sich mit dem Klimakollaps und aktivistischer Organisierung dagegen aus, geben Einblicke in Klimaaktivismen und laden ein zu einem Nachdenken darüber, wie Gesellschaft demokratischer und inklusiver gestaltet werden könnte. Luisa Ziaja kuratierte 2024 die Einzelausstellung "Dog Days Bite Back" von Oliver Ressler im Belvedere 21. Oliver Ressler war von 2007–2013 Mitglied im Vorstand der Secession. Das Gespräch wurde am 16. Mai 2025 aufgenommen. Oliver Ressler lebt in Wien und arbeitet an Installationen, Projekten im Außenraum und Filmen zu Ökonomie, Demokratie, Klimakollaps, Formen des zivilen Ungehorsams und gesellschaftlichen Alternativen. Seine 44 Filme wurden in tausenden Veranstaltungen von sozialen Bewegungen, Kunstinstitutionen und Filmfestivals gezeigt. Ressler hatte Überblickseinzelausstellungen im MNAC – National Museum of Contemporary Art, Bukarest; SALT Galata, Istanbul; Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, Sevilla; Museo Espacio, Aguascalientes, Mexiko and Belvedere 21, Wien. Er nahm an über 480 Gruppenausstellungen teil, wie im Museo Reina Sofía, Madrid; Centre Pompidou, Paris; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco und an den Biennalen in Prag, Sevilla, Moskau, Taipeh, Lyon, Gyumri, Venedig, Athen, Quebec, Helsinki, Jeju, Kiew, Göteborg, Istanbul, Stavanger, Istanbul and an der Documenta 14, Kassel, 2017. Von 2019-2023 arbeitete Ressler an einem Forschungsprojekt über die Klimagerechtigkeitsbewegungen, "Barricading the Ice Sheets", das vom Wissenschaftsfonds FWF finanziert wird und in sechs Einzelausstellungen mündete: Camera Austria, Graz (2021); Museum of Contemporary Art, Zagreb (2021); Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), Berlin (2022); Tallinn Art Hall, Tallinn (2022); LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón (2023); The Showroom, London (2023). www.ressler.at Luisa Ziaja ist Kunsthistorikerin, Kuratorin, Universitätslektorin und Autorin. Sie ist Chefkuratorin und Sammlungsleiterin der Österreichischen Galerie Belvedere, wo sie von 2013 bis 2022 als Kuratorin für zeitgenössische Kunst tätig war. Rezente Ausstellungen: Hans Haacke. Retrospektive (2025), Dara Birnbaum. Bruckner: Symphonie Nr. 5 B-Dur, Oliver Ressler. Dog Days Bite Back (2024), Renate Bertlmann. Fragile Obsessionen, Über das Neue. Wiener Szenen und darüber hinaus, Public Matters. Zeitgenössische Kunst im Belvedere-Garten (2023), Das Belvedere. 300 Jahre Ort der Kunst (2022), Avantgarde und Gegenwart. Die Sammlung Belvedere von Lassnig bis Knebl (2021). Von 2004 bis 2012 setzte sie als freie Kuratorin mehrjährige Forschungs- und Ausstellungsprojekte um; von 2000 bis 2004 war sie als Assistenzkuratorin in der Generali Foundation Wien tätig. Luisa Ziaja ist Co-Leiterin des postgradualen Studienprogramms für Ausstellungstheorie und -praxis /ecm – educating, curating, making an der Universität für angewandte Kunst Wien (seit 2006) und unterrichtete darüber hinaus u.a. an der Zürcher Hochschule der Künste, der Technischen Universität Wien und der Akademie der bildenden Künste Wien. Sie ist Mitglied des Universitätsrates der Akademie der bildenden Künste Wien (seit 2023) und war und ist Teil zahlreicher Fachjurys und Beiräte. In ihrer kuratorischen und diskursiven Arbeit beschäftigt sie sich u.a. mit dem Verhältnis von Gegenwartskunst, Gesellschaft und (Geschichts-)Politik sowie mit der Geschichte und Theorien des Ausstellens. Luisa Ziaja ist Mitherausgeberin des peer-reviewed Belvedere Research Journal, sowie Autorin und Mitherausgeberin zahlreicher Ausstellungskataloge und Sammelbände zu zeitgenössischer künstlerischer und kuratorischer Praxis, Kunst- und Ausstellungstheorie, darunter die Publikationsreihe curating. ausstellungstheorie & praxis in der Edition Angewandte, zuletzt Nicht einfach ausstellen. Kuratorische Formate und Strategien im Postnazismus, Berlin/Boston 2024. Secession Podcast: Members ist eine Gesprächsreihe mit Mitgliedern der Secession. Das Dorotheum ist exklusiver Sponsor des Secession Podcasts. Programmiert vom Vorstand der Secession. Jingle: Hui Ye mit einem Ausschnitt aus Combat of dreams für Streichquartett und Zuspielung (2016, Christine Lavant Quartett) von Alexander J. Eberhard. Schnitt: Paul Macheck Produktion: Jeanette Pacher & Bettina Spörr

70 Jahre documenta. Was 1955 im Fridericianum Kassel von Arnold Bode ins Leben gerufen wurde, ist heute eine der weltweit wichtigsten Ausstellungen für Gegenwartskunst. Doch mit ihrer Bedeutung für die Kunstwelt, wuchsen auch die Skandale. Die Nazi-Vergangenheit eines Gründungsmitglieds musste aufgearbeitet, ein Millionendefizit ausgeglichen werden. Bei der documenta 15 kam es zum Antisemitismus-Eklat und es stellt sich die Frage: Wie frei ist die Kunst und wie politisch muss sie sein? Brücken bauen statt provozieren - das zumindest will die neue künstlerische Leiterin Naomi Beckwith vom Guggenheim Museum in New York für die 16. Ausgabe 2027. Wir blicken zurück auf eine Erfolgsgeschichte mit Widersprüchen und richten unsere Fragen an Andreas Hoffmann, derzeitiger Geschäftsführer der documenta, an die Kunstkritikerin Julia Voss, den Rechtswissenschaftler Christoph Möllers und den Soziologen und Gründer des documenta-Instituts, Prof. Heinz Bude. Podcast-Tipp: Kunst Verbrechen Gestohlene Gemälde, Kunstschmuggel, Fälscherskandale: Bei Kunstverbrechen rollen Lenore Lötsch und Torben Steenbuck spektakuläre Verbrechen in der Welt der Kunst- und Kultur auf. Ohne Blutvergießen, dafür mit spannender Kunst! Sie nehmen euch mit an Tatorte und hinter die Kulissen der Ermittlungen bei True-Crime-Fällen im vermeintlich glitzernden Kunstgeschäft. Sie treffen Zeugen, Experten und Opfer. Unterstützung bekommen sie dabei von Deutschlands bekanntestem Kunst-Kommissar René Allonge vom LKA Berlin. https://www.ardaudiothek.de/sendung/kunstverbrechen-true-crime-meets-kultur/urn:ard:show:78b44da017c70e17/

70 Jahre documenta. Was 1955 im Fridericianum Kassel von Arnold Bode ins Leben gerufen wurde, ist heute eine der weltweit wichtigsten Ausstellungen für Gegenwartskunst. Doch mit ihrer Bedeutung für die Kunstwelt, wuchsen auch die Skandale. Die Nazi-Vergangenheit eines Gründungsmitglieds musste aufgearbeitet, ein Millionendefizit ausgeglichen werden. Bei der documenta 15 kam es zum Antisemitismus-Eklat und es stellt sich die Frage: Wie frei ist die Kunst und wie politisch muss sie sein? Brücken bauen statt provozieren - das zumindest will die neue künstlerische Leiterin Naomi Beckwith vom Guggenheim Museum in New York für die 16. Ausgabe 2027. Wir blicken zurück auf eine Erfolgsgeschichte mit Widersprüchen und richten unsere Fragen an Andreas Hoffmann, derzeitiger Geschäftsführer der documenta, an die Kunstkritikerin Julia Voss, den Rechtswissenschaftler Christoph Möllers und den Soziologen und Gründer des documenta-Instituts, Prof. Heinz Bude. Podcast-Tipp: Kunst Verbrechen Gestohlene Gemälde, Kunstschmuggel, Fälscherskandale: Bei Kunstverbrechen rollen Lenore Lötsch und Torben Steenbuck spektakuläre Verbrechen in der Welt der Kunst- und Kultur auf. Ohne Blutvergießen, dafür mit spannender Kunst! Sie nehmen euch mit an Tatorte und hinter die Kulissen der Ermittlungen bei True-Crime-Fällen im vermeintlich glitzernden Kunstgeschäft. Sie treffen Zeugen, Experten und Opfer. Unterstützung bekommen sie dabei von Deutschlands bekanntestem Kunst-Kommissar René Allonge vom LKA Berlin. https://www.ardaudiothek.de/sendung/kunstverbrechen-true-crime-meets-kultur/urn:ard:show:78b44da017c70e17/

Was 1955 noch am Rande der Bundesgartenschau begann, ist heute eine der weltweit wichtigsten Ausstellungen für zeitgenössische Kunst. Jetzt wird die documenta 70 Jahre alt und in Kassel wird das an diesem Wochenende gefeiert - unter anderem mit einem Kunstwerk zum Mitmachen. Wir blicken zurück auf 70 Jahre documenta und sprechen über Cosima von Bonins „7000 Palmen“, die in diesen Tagen rund um das Fridericianum im Kasseler Wind flattern. (Foto: Nicolas Wefers)

Brigitte Franzen studierte Kunstgeschichte, Europäische Ethnologie, Germanistik und Soziologie an den Universitäten in Karlsruhe, Wien und Marburg an der Lahn und promovierte im Jahr 2000 über das Verhältnis von Natur und Kunst am Beispiel von Künstlergärten. Ihr erstes Buch veröffentlichte sie 1993. Es thematisierte die Architekturausstellungen des Neuen Bauens der 1920er Jahre. Das Buch »Die vierte Natur« erschien im Jahr 2000 im Verlag der Buchhandlung Walther König und war schnell vergriffen. Die Themen Landschaftstheorie, öffentlicher Raum, Architektur und Ideengeschichte der Natur tauchen immer wieder in ihrem wissenschaftlichen und kuratorischen Wirken auf. Neben zahlreichen Lehrtätigkeiten betreute Brigitte Franzen seit 1993 rund 100 Ausstellungsprojekte. Von 2004 bis 2008 arbeitete sie als Kuratorin für Gegenwartskunst am Westfälischen Landesmuseum in Münster und kuratierte von 2004 bis 2007 die skulptur projekte münster 07. Von 2009 bis 2015 war Brigitte Franzen Direktorin des Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen. 2015 wurde sie Alleinvorstand und Geschäftsführerin der Peter und Irene Ludwig Stiftung mit weltweit 28 Partnermuseen zu denen beispielsweise das Museum Ludwig, das Rautenstrauch-Joest-Museum und die Museen für asiatische und für angewandte Kunst in Köln gehören, ebenso wie das mumok in Wien, das Ludwig Muzéum in Budapest und das museum für Islamische Kunst in Berlin. Ihre kuratorische Arbeit begreift sie als »forschendes Kuratieren«: 2019 hatte sie als Kuratorin der Triennale in Fellbach ihr Augenmerk auf die anthropologische Dimension der Kunst und ihrer Entstehung gelegt – in ihrem dort geschaffenen »Museum der Neugier« wurden zahlreiche zeitgenössische Positionen in Beziehung zu 40.000 Jahre alten frühzeitlichen Skulpturenfunden gesetzt. 2021/22 kuratierte sie im Gropius Bau Berlin die Ausstellung »The Cool and the Cold«, eine erstmalige Gegenüberstellung US-amerikanischer und sowjetischer Malerei zur Zeit des Kalten Krieges. Seit Oktober 2020 verantwortete Franzen für vier Jahre das Senckenberg Naturmuseum Frankfurt. Unter Ihrer Ägide wurden 19 Ausstellungen durchgeführt. Die Besuchszahlen wurden im Vergleich zur Vor-Corona-Zeit um 13 % auf 460.000 gesteigert. Das Museum konnte sich durch kooperative Projekte, wie »Wälder. Von der Romantik bis in die Zukunft« und partizipative Formate wie die »AHA?! Forschungswerkstatt« neue Besucherschichten erschließen. Franzen legte außerdem ihr Augenmerk auf die strukturelle Entwicklung des Hauses, vom neuen Shop, über die Renovierung wichtiger Museumsareale und Bestände (z.B. die berühmte Anakonda) bis hin zur Einführung sogenannter »Freiräume«, neuer Aufenthaltszonen im Museum. Seit dem 1. Oktober 2024 ist Brigitte Franzen Präsidentin der Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach.

Episode 475 / Banks VioletteBanks Violette is an artist born in Ithaca, NY who lives and works in Ithaca, NY. He recieved his BFA from the School of Visual Arts  and an MFA from Columbia University. He's had numerous solo shows including ones at MoCa, Connecticut, Gladstone Gallery, Blum & Poe, Thaddeus Ropac, Maureen Paley, Team Gallery, Rodolphe Janssen, and the Whitney Museum to name just a few. He's had scores of group shows all over the globe from the Museum of Modern Art to the Warhol Museum and his work is in the collections of The Coppel Foundation, MexicoThe Ellipse Foundation, Portugal, The Centre Pompidou, Paris, France, Frank Cohen Collection, Manchester, England The Jumex Foundation, Mexico, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich, Switzerland Musée d'Art Moderne et Contemporain, Geneva, Switzerland Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Museum of Modern Art, New York, The OverHolland Collection, Amsterdam, The Netherlands The Saatchi Collection, London, UK, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Frederick R. Weisman Art Foundation, Los Angeles and the Whitney Museum of American Art, New York. 

Das Basler Museum für Gegenwartskunst bleibt bis auf weiteres geschlossen. Grund dafür ist ein Wasserschaden. Die Wiedereröffnung wäre für dieses Wochenende geplant gewesen. Ausserdem: · Landrat bewilligt 150-Millionen Darlehen für KSBL.

Jürg Rüegger hat jahrelang für die Einhausung der Autobahn A1 bei Schwamendingen gekämpft. Nun ist sie fertig. Inklusive grossem Park auf dem Dach. Für Rüegger emotional, hätten doch viele Experten lange am Projekt gezweifelt. Weitere Themen: · VD: Nach 17 Jahren Rechtsstreit kann im Kanton Waadt ein Windpark mit 6 grossen Windrädern gebaut werden. · OW: Der Hochwasserentlastungsstollen ist noch nicht fertig, aber so weit bereit, dass er bei Hochwasser benutzt werden könnte. · BS: Das Museum für Gegenwartskunst kann am Wochenende nicht wiedereröffnen - wegen eines Wasserschadens. Ausgerechnet in dieser «publikumsintensiven» Basler Zeit diesen Sommer.

Gründen mit 70 - wie geht das? Elke Jensen war ihr Leben lang der Kunst & Kultur, dem Design und Interieur zugewandt. So hatte sie u. a. 15 Jahre lang eine eigene Galerie für Gegenwartskunst in Hamburg-Eppendorf. Sie war als freiberuflliche Produktdesignerin tätig und als Professorin im Bereich Produktdesign an der Akademie Mode und Design in Hamburg.Mit über 70 gründete sie zwei Start-ups, unter Anderen die CityCaddy UG. Mit dem CityCaddy entwickelte sie ein eigenes Produkt für moderne Senioren:einen exklusiver Shopper, Trolley und moderne Gehhilfe in einem. Ihr Credo lautet: Auch im Alter lässt die Freude am Schönen nicht nach!So eine Gründung im Alter verläuft natürlich ganz anders als mit 20 - in unserem Gespräch frage ich sie, warum sie, warum sie sich entschlossen hat, mit 70 ein Unternehmen zu gründen, was die Stärken sind, wenn man im höheren Alter gründet und mit welchen Herausforderungen sie kämpft.Mehr Infos zum CityCaddy: https://www.citycaddy.de/citycaddy Artikel über Elke:https://www.hamburg-startups.net/citycaddy-fuers-gruenden-gibt-es-keine-altersgrenze/https://www.tft-mag.com/business/interviews/city-caddy-interview-mit-gruenderin-elke-jensen/ Vielen Dank, dass du Half the Sky hörst. Wenn du Ideen oder Wünsche für zukünftige Gäste hast, dann folge mir gerne auf Instagram und schreibe mir: https://instagram.com/maxiematthiessenAußerdem ist mir dein Feedback wichtig! Wenn dir der Podcast gefällt, würde ich mich sehr freuen, wenn du ihn abonnierst, eine Bewertung hinterlässt oder ihn mit deinen Bekannten teilst.Liebe Grüße und bis zum nächsten Mal!

Blicke spielen eine Schlüsselrolle, wenn es darum geht, Emotionen, Machtverhältnisse oder auch soziale Konstruktionen herzustellen. Genau darum geht es in der Ausstellung "Schau, die Blicke" im Siegener Museum für Gegenwartskunst. Ein Gespräch mit Museumsdirektor Thomas Thiel. Von Jörg Mayer.

The long-awaited essay collection from one of the most influential voices in disability activism that detonates a bomb in our collective understanding of care and illness, showing us that sickness is a fact of life. In the wake of the 2014 Ferguson riots, and sick with a chronic condition that rendered them housebound, Johanna Hedva turned to the page to ask: How do you throw a brick through the window of a bank if you can't get out of bed? It was not long before this essay, "Sick Woman Theory", became a seminal work on disability, because in reframing illness as not just a biological experience but a social one, Hedva argues that under capitalism--a system that limits our worth to the productivity of our bodies--we must reach for the revolutionary act of caring for ourselves and others. How to Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom (Zando-Hillman Grad Books, 2024) expands upon Hedva's paradigm-shifting perspective in a series of slyly subversive and razor-sharp essays that range from the theoretical to the personal--from Deborah Levy and Susan Sontag to wrestling, kink, mysticism, death, and the color yellow. Drawing from their experiences with America's byzantine healthcare system, and considering archetypes they call The Psychotic Woman, The Freak, and The Hag in Charge, Hedva offers a bracing indictment of the politics that exploit sickness--relying on and fueling ableism--to the detriment of us all. With the insight of Anne Boyer's The Undying and Leslie Jamison's The Empathy Exams, and the wit of Samantha Irby, Hedva's debut collection upends our collective understanding of disability. In their radical reimagining of a world where care and pain are symbiotic, and our bodies are allowed to live free and well, Hedva implores us to remember that illness is neither an inconvenience or inevitability, but an enlivening and elemental part of being alive. Johanna Hedva (they/them) is a Korean American writer, artist, and musician from Los Angeles. Hedva is the author of the essay collection How To Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom, published September 2024, by Hillman Grad Books. They are also the author of the novels Your Love Is Not Good and On Hell, as well as Minerva the Miscarriage of the Brain, a collection of poems, performances, and essays. Their albums are Black Moon Lilith in Pisces in the 4th House and The Sun and the Moon. Their work has been shown in Berlin at Gropius Bau, Haus der Kulturen der Welt, Klosterruine, and Institute of Cultural Inquiry; in Los Angeles at JOAN, HRLA, in the Getty's Pacific Standard Time, and the LA Architecture and Design Museum; The Institute of Contemporary Arts in London; Performance Space New York; Buk-Seoul Museum of Art and Gyeongnam Art Museum in South Korea; the 14th Shanghai Biennial; Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich; Modern Art Oxford; Museum of Modern and Contemporary Art of Bolzano; the Museum of Contemporary Art on the Moon; and in the Transmediale, Unsound, Rewire, and Creepy Teepee Festivals. Their writing has appeared in Triple Canopy, frieze, The White Review, Topical Cream, Spike, Die Zeit, and is anthologized in Whitechapel: Documents of Contemporary Art. Their essay “Sick Woman Theory,” published in 2016, has been translated into 11 languages. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/new-books-network

The long-awaited essay collection from one of the most influential voices in disability activism that detonates a bomb in our collective understanding of care and illness, showing us that sickness is a fact of life. In the wake of the 2014 Ferguson riots, and sick with a chronic condition that rendered them housebound, Johanna Hedva turned to the page to ask: How do you throw a brick through the window of a bank if you can't get out of bed? It was not long before this essay, "Sick Woman Theory", became a seminal work on disability, because in reframing illness as not just a biological experience but a social one, Hedva argues that under capitalism--a system that limits our worth to the productivity of our bodies--we must reach for the revolutionary act of caring for ourselves and others. How to Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom (Zando-Hillman Grad Books, 2024) expands upon Hedva's paradigm-shifting perspective in a series of slyly subversive and razor-sharp essays that range from the theoretical to the personal--from Deborah Levy and Susan Sontag to wrestling, kink, mysticism, death, and the color yellow. Drawing from their experiences with America's byzantine healthcare system, and considering archetypes they call The Psychotic Woman, The Freak, and The Hag in Charge, Hedva offers a bracing indictment of the politics that exploit sickness--relying on and fueling ableism--to the detriment of us all. With the insight of Anne Boyer's The Undying and Leslie Jamison's The Empathy Exams, and the wit of Samantha Irby, Hedva's debut collection upends our collective understanding of disability. In their radical reimagining of a world where care and pain are symbiotic, and our bodies are allowed to live free and well, Hedva implores us to remember that illness is neither an inconvenience or inevitability, but an enlivening and elemental part of being alive. Johanna Hedva (they/them) is a Korean American writer, artist, and musician from Los Angeles. Hedva is the author of the essay collection How To Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom, published September 2024, by Hillman Grad Books. They are also the author of the novels Your Love Is Not Good and On Hell, as well as Minerva the Miscarriage of the Brain, a collection of poems, performances, and essays. Their albums are Black Moon Lilith in Pisces in the 4th House and The Sun and the Moon. Their work has been shown in Berlin at Gropius Bau, Haus der Kulturen der Welt, Klosterruine, and Institute of Cultural Inquiry; in Los Angeles at JOAN, HRLA, in the Getty's Pacific Standard Time, and the LA Architecture and Design Museum; The Institute of Contemporary Arts in London; Performance Space New York; Buk-Seoul Museum of Art and Gyeongnam Art Museum in South Korea; the 14th Shanghai Biennial; Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich; Modern Art Oxford; Museum of Modern and Contemporary Art of Bolzano; the Museum of Contemporary Art on the Moon; and in the Transmediale, Unsound, Rewire, and Creepy Teepee Festivals. Their writing has appeared in Triple Canopy, frieze, The White Review, Topical Cream, Spike, Die Zeit, and is anthologized in Whitechapel: Documents of Contemporary Art. Their essay “Sick Woman Theory,” published in 2016, has been translated into 11 languages. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/medicine

Der Traum der Kunst, seelenloser Materie wie Marmor oder Farbe Leben einzuhauchen, könnte in den Erzählweisen der Gegenwartskunst wahr werden. Wenn nämlich die Welt, ihre mikrobiologischen Prozesse und Akteure miterzählen. Es gilt, sie zu entdecken. Von Thomas Feuerstein www.deutschlandfunk.de, Essay und Diskurs

The long-awaited essay collection from one of the most influential voices in disability activism that detonates a bomb in our collective understanding of care and illness, showing us that sickness is a fact of life. In the wake of the 2014 Ferguson riots, and sick with a chronic condition that rendered them housebound, Johanna Hedva turned to the page to ask: How do you throw a brick through the window of a bank if you can't get out of bed? It was not long before this essay, "Sick Woman Theory", became a seminal work on disability, because in reframing illness as not just a biological experience but a social one, Hedva argues that under capitalism--a system that limits our worth to the productivity of our bodies--we must reach for the revolutionary act of caring for ourselves and others. How to Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom (Zando-Hillman Grad Books, 2024) expands upon Hedva's paradigm-shifting perspective in a series of slyly subversive and razor-sharp essays that range from the theoretical to the personal--from Deborah Levy and Susan Sontag to wrestling, kink, mysticism, death, and the color yellow. Drawing from their experiences with America's byzantine healthcare system, and considering archetypes they call The Psychotic Woman, The Freak, and The Hag in Charge, Hedva offers a bracing indictment of the politics that exploit sickness--relying on and fueling ableism--to the detriment of us all. With the insight of Anne Boyer's The Undying and Leslie Jamison's The Empathy Exams, and the wit of Samantha Irby, Hedva's debut collection upends our collective understanding of disability. In their radical reimagining of a world where care and pain are symbiotic, and our bodies are allowed to live free and well, Hedva implores us to remember that illness is neither an inconvenience or inevitability, but an enlivening and elemental part of being alive. Johanna Hedva (they/them) is a Korean American writer, artist, and musician from Los Angeles. Hedva is the author of the essay collection How To Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom, published September 2024, by Hillman Grad Books. They are also the author of the novels Your Love Is Not Good and On Hell, as well as Minerva the Miscarriage of the Brain, a collection of poems, performances, and essays. Their albums are Black Moon Lilith in Pisces in the 4th House and The Sun and the Moon. Their work has been shown in Berlin at Gropius Bau, Haus der Kulturen der Welt, Klosterruine, and Institute of Cultural Inquiry; in Los Angeles at JOAN, HRLA, in the Getty's Pacific Standard Time, and the LA Architecture and Design Museum; The Institute of Contemporary Arts in London; Performance Space New York; Buk-Seoul Museum of Art and Gyeongnam Art Museum in South Korea; the 14th Shanghai Biennial; Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich; Modern Art Oxford; Museum of Modern and Contemporary Art of Bolzano; the Museum of Contemporary Art on the Moon; and in the Transmediale, Unsound, Rewire, and Creepy Teepee Festivals. Their writing has appeared in Triple Canopy, frieze, The White Review, Topical Cream, Spike, Die Zeit, and is anthologized in Whitechapel: Documents of Contemporary Art. Their essay “Sick Woman Theory,” published in 2016, has been translated into 11 languages. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices Support our show by becoming a premium member! https://newbooksnetwork.supportingcast.fm/public-policy

The long-awaited essay collection from one of the most influential voices in disability activism that detonates a bomb in our collective understanding of care and illness, showing us that sickness is a fact of life. In the wake of the 2014 Ferguson riots, and sick with a chronic condition that rendered them housebound, Johanna Hedva turned to the page to ask: How do you throw a brick through the window of a bank if you can't get out of bed? It was not long before this essay, "Sick Woman Theory", became a seminal work on disability, because in reframing illness as not just a biological experience but a social one, Hedva argues that under capitalism--a system that limits our worth to the productivity of our bodies--we must reach for the revolutionary act of caring for ourselves and others. How to Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom (Zando-Hillman Grad Books, 2024) expands upon Hedva's paradigm-shifting perspective in a series of slyly subversive and razor-sharp essays that range from the theoretical to the personal--from Deborah Levy and Susan Sontag to wrestling, kink, mysticism, death, and the color yellow. Drawing from their experiences with America's byzantine healthcare system, and considering archetypes they call The Psychotic Woman, The Freak, and The Hag in Charge, Hedva offers a bracing indictment of the politics that exploit sickness--relying on and fueling ableism--to the detriment of us all. With the insight of Anne Boyer's The Undying and Leslie Jamison's The Empathy Exams, and the wit of Samantha Irby, Hedva's debut collection upends our collective understanding of disability. In their radical reimagining of a world where care and pain are symbiotic, and our bodies are allowed to live free and well, Hedva implores us to remember that illness is neither an inconvenience or inevitability, but an enlivening and elemental part of being alive. Johanna Hedva (they/them) is a Korean American writer, artist, and musician from Los Angeles. Hedva is the author of the essay collection How To Tell When We Will Die: On Pain, Disability, and Doom, published September 2024, by Hillman Grad Books. They are also the author of the novels Your Love Is Not Good and On Hell, as well as Minerva the Miscarriage of the Brain, a collection of poems, performances, and essays. Their albums are Black Moon Lilith in Pisces in the 4th House and The Sun and the Moon. Their work has been shown in Berlin at Gropius Bau, Haus der Kulturen der Welt, Klosterruine, and Institute of Cultural Inquiry; in Los Angeles at JOAN, HRLA, in the Getty's Pacific Standard Time, and the LA Architecture and Design Museum; The Institute of Contemporary Arts in London; Performance Space New York; Buk-Seoul Museum of Art and Gyeongnam Art Museum in South Korea; the 14th Shanghai Biennial; Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich; Modern Art Oxford; Museum of Modern and Contemporary Art of Bolzano; the Museum of Contemporary Art on the Moon; and in the Transmediale, Unsound, Rewire, and Creepy Teepee Festivals. Their writing has appeared in Triple Canopy, frieze, The White Review, Topical Cream, Spike, Die Zeit, and is anthologized in Whitechapel: Documents of Contemporary Art. Their essay “Sick Woman Theory,” published in 2016, has been translated into 11 languages. Learn more about your ad choices. Visit megaphone.fm/adchoices

Kriterien der Moral oder des Aktivismus bestimmen zunehmend die Gegenwartskunst - so der Kunsthistoriker Wolfgang Ullrich. Das in seinem Buch enthaltene Plädoyer für eine Kultur des Anstands ist aber problematisch für die Autonomie der Kunst. Jantschek, Thorsten www.deutschlandfunkkultur.de, Lesart

Kriterien der Moral oder des Aktivismus bestimmen zunehmend die Gegenwartskunst - so der Kunsthistoriker Wolfgang Ullrich. Das in seinem Buch enthaltene Plädoyer für eine Kultur des Anstands ist aber problematisch für die Autonomie der Kunst. Jantschek, Thorsten www.deutschlandfunkkultur.de, Lesart

Kriterien der Moral oder des Aktivismus bestimmen zunehmend die Gegenwartskunst - so der Kunsthistoriker Wolfgang Ullrich. Das in seinem Buch enthaltene Plädoyer für eine Kultur des Anstands ist aber problematisch für die Autonomie der Kunst. Jantschek, Thorsten www.deutschlandfunkkultur.de, Lesart

1950 beschlossen die BRD und die DDR unabhängig voneinander, dass die Gegenwartskunst bei der Gestaltung staatlicher Bauten eine feste Rolle spielen soll. Die Ausstellung „70 Jahre Kunst am Bau“ im Zentrum für Baukultur in Mainz präsentiert ausgewählte Projekte.

Unter dem Titel „This is Tomorrow” hat die Staatsgalerie Stuttgart aktuelle Gegenwartskunst mit bedeutenden Werken des 20. Jahrhunderts zusammengebracht. In sechs Räumen geht es um die künstlerische Auseinandersetzung mit den Themen Körperlichkeit, Gewalt, Natur oder Partizipation.

Reportage – Durchs Feuer springen 5/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 12 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 ⁠Ursula Haas⁠    Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

Reportage – Durchs Feuer springen 4/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 17 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 Ursula Haas   Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

(00:00:44) Beatrice Venezi wird von einem Teil der italienischen Medien und unter anderem Giorgia Meloni als «internationaler Star» bezeichnet. Wie viel Politik steckt hinter der Blitzkarriere von Beatrice Venezi, die sich nur «Dirigent» nennen lässt? (00:05:07) «Vom Space Age zum Metaverse»: Eine Vitra-Ausstellung über Möbeldesign aus dem sogenannten Weltraumzeitalter. (00:09:41) «When we see us»: Zeitgenössische Kunst aus Afrika im Haus für Gegenwartskunst im Kunstmuseum Basel. (00:14:03) Wie gelingt es die Politisierung der Gesellschaft aufzubrechen? Das Fotofestival Lenzburg lenkt mit seinen Ausstellungen zum Thema Synthese die Aufmerksamkeit auf die Grautöne zwischen den verhärteten Positionen.

Was haben Sharon Stone und Ferdinand Hodler gemeinsam? Eine Passion für die Malerei. «Kulturplatz» besucht die Hollywood-Ikone in ihrem Atelier und nimmt mit der Gegenwartskunst den Mythos des Nationalmalers ins Visier. Nach der Leinwand ist vor der Künstlerkarriere. Silvester Stallone, Jonny Depp, David Lynch – sie alle haben nach ihren grossen Filmkarrieren zum Pinsel gegriffen, die neueste Zugabe ist die ehemalige «Femme Fatale» der 90er-Jahre Sharon Stone, bekannt aus ihrem Blockbuster «Basic Instinct». Nach einem Hirnschlag Anfang der 2000er-Jahre kam sie nur langsam wieder ins Leben zurück. Jetzt malt sie seit einigen Jahren und hat damit Erfolg. In der Ausstellung «Apropos Hodler» im Kunsthaus Zürich thematisieren zeitgenössische Künstler den Mythos Hodler. Denn wer kennt ihn nicht, den Nationalmaler, der vom Tell bis zum Holzfäller die grossen Ikonen der Schweizer Malerei geschaffen hat und gleichzeitig als Provokateur die grössten Skandale in der Kunst verursachte. Der Malerfürst ist bis heute Garant für hohe Besucherzahlen, jetzt will die Gegenwartskunst davon profitieren. Zu Lebzeiten galt er als eine etwas verrückte Randfigur, erst nach seinem Tod wurde Vincent van Gogh weltberühmt. Und das hat er vor allem einer Frau zu verdanken: Johanna van Gogh-Bonger. Sie war die Frau von van Goghs Bruder Theo. Nachdem sich nämlich Vincent mit der Pistole eine Kugel in den Bauch schoss und sein Kunsthändlerbruder kurz drauf an Syphilis starb, blieb sie als Witwe allein zurück mit Hunderten van Gogh-Gemälden. Wie hat es die Witwe geschafft, Vincent zum berühmtesten Künstlernamen des letzten Jahrhunderts zu machen?

Die Bildende Künstlerin Steph Huang ließ sich vom Rhein inspirieren: „The Water that bears the Boat“ in der Galerie für Gegenwartskunst im E-Werk in Freiburg ist eine Hommage an den Fluss in all seiner Vielfalt.

NGV Triennial 2023 is a powerful and moving snapshot of the world today as captured through the work of over 120 artists, designers and collectives working at the forefront of global contemporary practice. Part of the exciting exhibition are three artists from the German-speaking part of Europe: Ulla von Brandenburg from Germany, Franziska Furter from Switzerland and Philipp Timischl from Austria. The German-Australian artist Petra Kleinherne is accompaning us in this special visit to the museum. - Seit 2017 findet in der National Gallery of Victoria, dem NGV, in Melbourne alle drei Jahre die Triennale statt. Eine Kunstausstellung, in der Gegenwartskunst gezeigt wird, eingegliedert in die bestehende Dauer-Ausstellung alter Meister, Romantiker, Impressionisten und Expressionisten oder asiatischer Kunst. Die Triennale ist eine kraftvolle und bewegende Momentaufnahme der heutigen Welt, eingefangen durch die Arbeit von über 120 Künstlern, Designern und Kollektiven, die an der Spitze der globalen zeitgenössischen Praxis arbeiten. Unter diesen Künstlern befinden sich auch drei Vertreter aus dem deutsch-sprachigen Europa: die deutsche Künstlerin Ulla von Brandenburg, die Schweizerin Franziska Furter und der Österreicher Philipp Timischl. Die Werke dieser drei Künstler sehen wir uns in einem speziellen Museumsbesuch an. Dabei hilft uns die in Melbourne lebende Kunstmalerin Petra Kleinherne.

(00:00:35) Die weltweit bedeutendste Ausstellung für Gegenwartskunst steckt in der Krise nachdem letzte Woche alle verbleibenden Mitglieder der Findungskommission zurückgetreten sind. Eine Einordnung von Carsten Probst, Kulturkorrespondent beim Deutschlandfunk. (00:05:33) Ultraorthodoxes Judentum meets Hiphop - und das in ein und derselben Person.  (00:09:40) 20 Prozent der Kinder sind übergewichtig. Das Rezept einer Ärztin: Kaugummikauen.  (00:13:18) Gustav Eiffel war leidenschaftlicher Fotograf. Das würdigt nun eine Ausstellung im Kameramuseum Vevey.  (00:17:42) "250 Komponistinnen - Frauen schreiben Musikgeschichte". Ein Buch fürs breite Volk. 

photograph by Lori E. Seid Charles Atlas was born in St. Louis, MO in 1949; he has lived and worked in New York City since the early 1970s. Recent solo exhibitions include The Mathematics of Consciousness, a 100-foot long video installation commissioned by Pioneer Works, Brooklyn, NY, and supported by a grant from the VIA Art Fund; Charles Atlas: Ominous, Glamorous, Momentous, Ridiculous, Fondazione ICA Milano, Italy; and Charles Atlas: The past is here, the futures are coming and The Kitchen Follies, The Kitchen, New York. In 2017, the Hammer Museum, Los Angeles acquired Atlas' five-channel video installation with sound entitled The Tyranny of Consciousness, which won a prize in Viva Arte Viva, the 57th International Art Exhibition of the Venice Biennial. In September 2019, Atlas unveiled The Geometry of Thought, a new commission for Art on theMART that spanned across the 2.5 acre river fac;:ade of theMART in Chicago.Atlas' work is included in the permanent collections of major institutions worldwide, including the Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Art Institute of Chicago; San Francisco Museum of Art; Tate Modern, London; Centre Georges Pompidou, Paris; Hamburger Bahnhof - Museum fur Gegenwart, Berlin; Migros Museum fur Gegenwartskunst, Zurich; and De Hallen Haarlem, The Netherlands. Charles Atlas, A Prune Twin, 2020, Eight-channel video installation with four monitors, with sound, Dimensions variable, Installation view Luhring Augustine Chelsea, New York (January 28 – March 11, 2023). © Charles Atlas; Courtesy of the artist and Luhring Augustine, New York. Photo: John Berens. Charles Atlas, A Prune Twin, 2020, Eight-channel video installation with four monitors, with sound, Dimensions variable, Installation view Luhring Augustine Chelsea, New York (January 28 – March 11, 2023). © Charles Atlas; Courtesy of the artist and Luhring Augustine, New York. Photo: John Berens.

Gleich drei Autorinnen erzählen von den Krisen des Erwachsenwerdens: Claire Keegan aus der Kinderperspektive, Antonia Baum aus der überforderten Sicht der jungen Familie, Teresa Präauer aus der Sicht derer, die ihr Milieu halten wollen. Außerdem begrüßt das SWR2 lesenswert Magazin den neuen Poeta Laureatus Michael Krüger im Interview. Im deutschsprachigen Raum ist diese Einrichtung neu und exklusiv: Ein Dichter äußert sich zur Lage der Nation. Jeden Monat, in klugen Worten und starken Bildern: "Jetzt sehnt man sich nach den kräftigen Engeln, die Ordnung schaffen, wie sie einst die vier Ecken, des Universums beschwerten, dass es nicht wegfliegt." Mit 15.000 Euro ist der Preis des literaricums in Lech dotiert. Und im Gespräch äußert sich Michael Krüger auch zur Lage einer Welt, die keinen Platz für die Vielseitigkeit der Gegenwartskunst hat. Poetische Intelligenz hat ihm die Jury attestiert. Der Preis wird im Sommer auf dem jährlichen literaricum in Lech verliehen. Musik kommt dieses Mal von Nina Simone. Die große Soul-Diva wäre in dieser Woche 90 geworden und wenn irgendjemand schon früh erfolgreich gegen Diskriminierung gekämpft, dann sie. Bei ihrem Stammlabel Verve ist eine Sammlung vieler schöner Titel erschienen. Claire Keegan - Das dritte Licht Aus dem Englischen von Hans-Christian Oeser Steidl Verlag,104 Seiten, 20 Euro ISBN 978-3-96999-199-2 Gespräch mit Christoph Schröder Teresa Präauer - Kochen im falschen Jahrhundert Wallstein Verlag, 198 Seiten, 22 Euro ISBN 978-3-8353-5429-6 Rezension von Stephanie Metzger Poeta Laureatus Gespräch und Lesung mit Michael Krüger Alexander Bätz - Nero. Wahnsinn und Wirklichkeit Rowohlt Verlag, 576 Seiten, 34 Euro ISBN 978-3-498-00686-0 Gespräch mit Alexander Bätz Antonia Baum - Siegfried Claassen Verlag, 256 Seiten, 24 Euro ISBN 9783546100274 Rezension von Nina Wolf Musik: Nina Simone - Feeling good: Her greatest hits and remixes Label: Verve Nina Simone - Feeling good. The best of Nina Simone Label: Mercury Nina Simone - Creative outlaws. US underground 1962-1970 Label: Unsere Stimme-Trikont

"Spioninnen -im Auftrag der DDR". Serie in der ARD-Mediathek über Christel Guillaume, Johanna Olbrich und andere. Gespräch mit dem Spionage-Experten Helmut Müller-Enbergs./ "1619" -ein pulitzergekröntes Buchprojekt der Professorin Nikole Hannah-Jones über die Geschichte der Sklaverei in den USA und ihre Folgen bis heute./ The pain of the others: Eine Ausstellung im DOX, dem Prager Zentrum für Gegenwartskunst über den Krieg in der Ukraine und die universelle Sprache der Kriegsbilder./ Ausblick in den Bücherfrühling, die deutschsprachigen Neuerscheinungen in den nächsten Monate.

Zum 70. Geburtstag von Rosemarie Trockel widmet ihr das Frankfurter Museum für Moderne Kunst eine große Einzelausstellung. Sie zeige, dass in Trockels Werk hochaktuelle Diskurse früh verhandelt wurden, sagt die Kunstkritikerin Laura Helena Wurth. Wurth, Laura Helenawww.deutschlandfunkkultur.de, FazitDirekter Link zur Audiodatei

dieses Start -Up hat sie mit über 70 Jahren hier in Hamburg gegründet und hat dabei einige Erfahrungen rund um das Thema „Senior Entrepreneurship“ gesammelt.. Der CityCaddy ist übrigens exklusiver Shopper, Trolley und moderne Gehhilfe, ein Hingucker für mehr Sicherheit im Alltag - nicht nur für ältere Menschen. Elke Jensen war in ihrem Leben immer der Kunst & Kultur zugewandt, so hat sie u. a. über zehn Jahre eine eigene Galerie für Gegenwartskunst geführt, war Professorin an der AMD und ist auch im Vorstand der Stiftung Die Höge. " Liebe Elke Jensen, ich bewundere Sie, finde es wundervoll Mut gebend - schlicht einfach großartig. Fühlen Sie sich herzlichst bedankt den Weg in mein Atelier und an mein Mikro gefunden zu haben - danke"

Das Licht des Sommers verleiht der ersten „Summer Edition“ der Kunstmesse ART Karlsruhe eine besondere Stimmung – meint SWR2-Kunstexpertin Marie-Dominique Wetzel. Die durch die Corona-Pandemie bedingte Verlegung in die helle Jahreszeit habe auch die Gewohnheiten beim „Preview“ am Mittwoch beeinflusst, erzählt Wetzel: „Man dachte zunächst, huch – haben da welche den Termin nicht mitbekommen.“ Aber dann seien doch viele VIP-Gäste durch die Hallen an der Karlsruher Messe geschlendert. Festzustellen sei: Die Verlegung verleite die Menschen zum Verweilen – zum Beispiel im Innenhof. Für ihren Blick auf die Kunst-Objekte sieht Wetzel auch einen Einfluss durch das Sommerlicht: „Man geht anders durch“, findet sie. Die Helligkeit und die Sommerfarben machten die Stimmung unter der Galeristen aber nur bedingt besser: „Da ist immer ein bisschen Zweckoptimismus dabei.“ Man hoffe darauf, dass sich die guten Verkäufe bei der ART Basel auch in Karlsruhe fortsetzten, fürchte aber zugleich die wirtschaftliche Rezession. So hätten ihr einige skeptische Aussteller gesagt: „Die Sammler halten ihr Geld zusammen.“ Für den Besuch bei der ART Karlsruhe rät Wetzel: „Man muss sich treiben lassen“. Anders als in früheren Jahren gebe es in den Hallen dieses Jahr nicht die Trennung von Klassischer Moderne und der Gegenwartskunst. Ihre Beobachtung dazu: „Das funktioniert ganz gut.“ Insgesamt glaubt sie daran, dass sich der Erfolg der Kunstmesse auch in diesem Jahr fortsetze. Das Angebot für Interessierte und Sammler sei niederschwellig – auch bei den Preisen. Dadurch habe sich Karlsruhe zu einem Ort entwickelt, an dem viele Sammler ihre ersten Objekte kaufen. „Das Konzept ist sicher aufgegangen“, beurteilt Wetzel den Ansatz.

Er wird als „Popstar unter den Galeristen“ in der Kunstszene gefeiert: Johann König. Durch einen Unfall verliert er als Kind fast vollständig seine Sehkraft. Dennoch gelingt es ihm, sich die Welt der Kunst zu erhalten. Von Kindheit an ist Johann König, Sohn des früheren Frankfurter Städelschul-Rektors, von den großen Namen der Kunstschaffenden umgeben: Andy Warhol, Isa Genzken, Gerhard Richter. Bereits mit 20 gründet er in Berlin die „Galerie für zeitgenössische Kunst“. Heute zeigt er immer wieder aufsehenerregende Ausstellungen in der „KÖNIG GALERIE“ mit ihren imposanten, umgebauten Räumen der Kreuzberger St. Agnes Kirche. Hierin lockt König die international renommierten Künstlerinnen und Künstler der zeitgenössischen Gegenwartskunst. Inzwischen hat er Dependancen in London, Seoul und Wien. Im Kunstjahr 2022 mit Biennale in Venedig, documenta in Kassel und Manifesta in Pristina, spricht Johann König über Kunst, Ausstellungen und Perspektiven.

(00:00:29) Am Wochenende eröffnet die Documenta, eine der wichtigsten Ausstellungen für Gegenwartskunst. Bei der diesjährigen Ausgabe, kuratiert vom indonesischen Kollektiv Ruangrupa, treten Einzelwerke in den Hintergrund.  Weitere Themen:  (00:04:28) «Art Basel»: Neuerungen bei der Liste, der einstigen Gegenmesse für Entdeckungen. (00:08:00) «Art Parcours»: Die Basler Innenstadt wird zur Freiluft-Galerie. (00:12:33) «kulturerbe, tanz!»: Ein Festival widersetzt sich der Flüchtigkeit der Tanzkunst. (00:16:48) «Wege der Kunst»: Eine Ausstellung erzählt von der Herkunft von Objekten aus der ethnologischen Sammlung im Museum Rietberg. (00:21:03) «Das letzte Wort»: So riecht das Weltall!

Auktionen für Superreiche, unverständliche Monumentalkunst in Galerien – es scheint, als habe die Gegenwartskunst sich längst von der wirklichen Welt, ja auch vom Publikum abgewandt. Nein, das ist nicht so, glaubt Kunsttheoretiker Wolfgang Ullrich.Moderation: Thorsten Jantschekwww.deutschlandfunkkultur.de, TachelesDirekter Link zur Audiodatei

We meet Lily van der Stokker (b. ‘s-Hertogenbosch, Netherlands, 1954), one of the Netherlands' most celebrated contemporary artists at the installation of her first institutional solo exhibition in London at Camden Art Centre.The exhibition brings together a group of works made by van der Stokker between 1989 and 2021, which address ideas of society, home, friendship, work, finances, illness and care; as well as speaking to this extraordinary contemporary moment. While some works have previously been realised in other contexts and spaces, others are presented across Camden Art Centre's galleries for the first time. The exhibition will also include a number of original drawings on paper and works on canvas produced over the last 30 years.Van der Stokker draws her images with an exacting care and precision, configuring them against one another for the specifics of each space, before scaling them up and executing them directly onto the gallery walls. Her monumental wall paintings – with their distinctive colour palate and highly decorative motifs, including flowers, clouds, patterns and curlicues – play on apparently clichéd stereotypes of femininity, but her work has a depth and toughness that belies its saccharine aesthetic. For more than 30 years she has immersed herself in the supposedly mundane material of everyday life, taking seriously the intricacies of the small, the personal and the overlooked, while at the same time forging a radical feminist practice in a language she has made entirely her own. Behind its apparent softness and sincerity – once described as ‘so sweet it can kill' – her work remains both provocative and radical.Optimism, joy, gossip and the petty trials and tribulations of everyday life are given a wide birth in most artistic practices, whilst work which centres the domestic and decorative has traditionally been seen as the antithesis of serious contemporary visual art. Van der Stokker's work disrupts such hierarchical considerations, challenging conventional conceptions of artistic value and merit, whilst firmly positioning itself within the legacies of feminist, post-minimal and post-conceptual art. Despite its exuberance and frivolity, its disarming humour, and its bold celebration of the ugly, the sweet, the beautiful and the silly, her work takes itself and its subjects seriously; reclaiming themes and aesthetic languages that have been routinely devalued, derided and disparaged for centuries by a patriarchal culture that has consistently denigrated the feminine and feminised what it considered superfluous or ‘other'.At a time when we have all been forced to make drastic and once unthinkable changes to our lives, van der Stokker's longstanding engagement with the supposedly ‘little' themes of family, relationships, work, home and the domestic, feel more appropriate, more timely and more important than ever.Lily van der Stokker 'Thank You Darling' is now open and runs until 18 September 2022 at Camden Art Centre. Free entry! Follow @CamdenArtCentre & @LilyVanDerStokkerVisit: https://camdenartcentre.org/lily-van-der-stokker-thank-you-darling/Lily van der Stokker lives and works in Amsterdam & New York. Selected solo exhibitions: Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich (2019); Stedelijk Museum, Amsterdam (2018); Hammer Museum, Los Angeles (2015); New Museum, New York (2013); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2010); and Tate St. Ives (2010). Visit Lily's galleries Kaufmann Repetto, New York and to Air de Paris, Paris. See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.