Podcasts about Donaueschingen

Send us a textIn der aktuellen Episode begrüßt Tom den  Zwei-Sterne-Michelin-Koch Manuel Ulrich vom Restaurant Ösch Noir in Donaueschingen. Gemeinsam sprechen sie über Manuels beeindruckenden kulinarischen Werdegang, der im Öschberghof begann. Nach seiner Ausbildung kehrte er als Küchenchef zurück und half bei der Eröffnung des Fine-Dining-Restaurants, das mit zwei Michelin-Sternen ausgezeichnet wurde. Manuel teilt wertvolle Einblicke, wie er eine gesunde Work-Life-Balance in der Küche sicherstellt. Er betont, wie wichtig gute Planung und Teammanagement sind, um Exzellenz zu erreichen, ohne das Team zu überlasten. Hört rein in die Folge und bekommt einen tiefen Einblick in das Leben eines Michelin-Sternekochs und den Betrieb eines Top-Restaurants in der Schwarzwaldregion. 

Am heutigen Donnerstag starten die Donaueschinger Musiktage. Und das älteste Festival für zeitgenössische Musik schreibt sich in besonderer Weise Aktualität auf die Fahnen: „Viele treibt die Frage um, welche Rolle Kunst spielen soll, wenn nicht weit entfernt Kriege toben, die Erde kollabiert und Demokratien erodieren“, sagt Lydia Rilling, die Künstlerische Leiterin der Musiktage. In SWR Kultur gibt sie Ausblicke auf die künstlerischen Antworten, die bis zum 20. Oktober bei den zahlreichen Uraufführungen in Donaueschingen zu erwarten sind.

Vor 100 Jahren besuchte der japanische Dichter Saito Mokichi Donaueschingen. Die neue Installation „Kaminoyama Soundmarks“ des Klangkünstlers Robin Minard lädt im Karlsgarten Donaueschingen jetzt dazu ein, den Klängen aus Saitos Heimat zu lauschen.

„Sing mir dein Lieblingslied vor“: Mit dieser Aufforderung ging die Musikerin Séverine Ballon in Flüchtlingsunterkünfte in Donaueschingen. So entstand ihr neues Stück „Shared Sounds“, das bei den Donaueschinger Musiktagen uraufgeführt wird. Sandra Helmeke hat die Proben besucht und hörte nicht nur fremdländische Gesänge, sondern auch Bambus, Tonscherben, Steine und Bindfäden.

Música creada por el compositor francés Pierre Schaeffer en 1948, en París, cuando trabaja en la Radio Televisión Francesa. Su atención está en los sonidos naturales—el paso de un tren, el trino de un pájaro—que graba en cinta magnética y transfiere de modo “concreto”._____Has escuchadoCinq études de bruits. Étude aux chemins de fer (1948) / Pierre Schaeffer. Ina Éditions (2010)Cinq études de bruits. Étude noire (1948) / Pierre Schaeffer. Ina Éditions (2010)Crayonnés ferroviaires (1992) / Michel Chion. Ina GRM (1998)Étude aux sons animés (1958) / Pierre Schaeffer. Ina Éditions (2010)Hors Phase (1977) / Bernard Parmegiani. Ina Éditions (2008)_____ Selección bibliográficaALLEN, Richard, “The Sound of ‘The Birds'”. October, vol. 146 (2013), pp. 97-120*BERTRAND, Loïc, Pierre Schaeffer & Pierre Henry: Symphonie pour un homme seul. Contrechamps Éditions, 2021CHION, Michel, El arte de los sonidos fijados. Traducido por Carmen Pardo. Centro de Creación Experimental de la Universidad de Castilla-La Mancha, 2001*—, Pierre Henry. Fayard, 2003DALLET, Sylvie y Anne Veitl, Du sonore au musical: cinquante années de recherches concrètes (1948-1998). L'Harmattan, 2001DELHAYE, Cyrille, “Orphée 53 de Pierre Schaeffer et Pierre Henry. Aux origines du scandale de Donaueschingen”. Revue de Musicologie, vol. 98, n.º 1 (2012), pp. 171-191*GAYOU, Évelyne, Le GRM: Groupe de Recherches Musicale: cinquante ans d'histoire. Fayard, 2007*GIRAULT, Hervé, “Les Affichages de Pierre Henry - ‘Apparitions Concertées': Analyse d'un parcours”. Musurgia, vol. 17, n.º 3 (2010), pp. 39-58*HENRY, Pierre, Le son, la nuit. La Rue musicale, 2017*—, L'œuvre: catalogue illustré, opus et musiques d'application 1945-2017. Philharmonie de Paris, 2021JUDD, Frederick Charles, Electronic music and musique concrète. Foruli Classics, 2013MANNING, Peter, “The Influence of Recording Technologies on the Early Development of Electroacoustic Music”. Leonardo Music Journal, vol. 13 (2003), pp. 5-10*PALOMBINI, Carlos, “Pierre Schaeffer, 1953: Towards an Experimental Music”. Music & Letters, vol. 74, n.º 4 (1993), pp. 542-557*POLSON, Simon, “(Demolishing) Concrete Music”. Leonardo Music Journal, vol. 23 (2013), pp. 55-57*SCHAEFFER, Pierre, A la recherche d'une musique concrète. Seuil, 1952—, Tratado de los objetos musicales. Traducido por Araceli Cabezón de Diego. Alianza, 1988*—, De la musique concrète à la musique même. Mémoire du livre, 2002STEINTRAGER, James A. y Rey Chow (eds.), Sound objects. Duke University Press, 2019*WEDGEWOOD, Richard B., “Dziga Vertov's ‘Enthusiasm': Musique Concrète in 1930”. College Music Symposium, vol. 23, n.º 2 (1983), pp. 113-121* *Documento disponible para su consulta en la Sala de Nuevas Músicas de la Biblioteca y Centro de Apoyo a la Investigación de la Fundación Juan March

Wie lässt sich die Zuwanderung steuern? Wird der Zuwanderungsdruck zur Gefahr für unsere Demokratie? Was müssen die demokratischen Parteien jetzt tun? Aber auch: Warum werden extreme Parteien immer größer? Wie muss Politik jetzt zusammenarbeiten? Lassen sich klare Abgrenzungen noch aufrechterhalten? Darüber diskutiert CDU-Generalsekretär Carsten Linnemann mit zwei hochkarätigen Fachleuten: Karina Mößbauer ist Journalistin und seit Januar Chefkorrespondentin Politik bei „The Pioneer“. Thorsten Frei ist Parlamentarischer Geschäftsführer der CDU/CSU-Fraktion. Als Oberbürgermeister von Donaueschingen von 2004 bis 2013 kennt er die Herausforderungen vor Ort. Ihre gemeinsame Feststellung: Politik muss Probleme lösen, um die eigene Akzeptanz zu steigern und das Vertrauen zu fördern. Die Demokratie muss sich bewähren.

From smart-enabled match balls and artificial intelligence to cryogenic recovery chambers, soccer is being transformed by the cutting-edge technology available to players, coaches, and officials. That much has been evident at Euro 2024, where advancements in areas, such as equipment and sports science, have been deployed on and off the field, designed to improve the game, the fan experience, and player welfare. Not all of it is a hit with everyone. Regardless, the world's most popular sport continues to be impacted by rapidly developing technologies in the wider world. Video assistant referees (VAR) decisions have, in large part, seemed to be a smoother process here and have taken an average time of 51 seconds to be determined according to the Union of European Football Associations (UEFA)—five seconds quicker than in the Champions League last season. The UEFA is deploying semi-automated offside technology, along with AI and Adidas' connected ball technology to speed up the review process and improve accuracy. Coaches are trying to find an edge wherever they can. England's players have been spotted wearing smart rings. “The idea is it helps monitor your sleep, which is the biggest factor in terms of recovery,” England manager Gareth Southgate said. “So, no matter what things are invented in the world, the best things to aid recovery are sleep and nutrition. We're not checking on the players but it allows them to monitor their own recovery.” Southgate is also wearing a smartwatch which retails at $6,500, has its own tracking capabilities, and also provides score alerts during the tournament. Teams have a suite of recovery devices to help players cope with the congested tournament schedule. Spain's base camp in Donaueschingen has a hyperbaric oxygen chamber, a cryogenic chamber, and a phototherapy bed to help speed muscular recovery after practice or a game. A hyperbaric oxygen chamber is used to breathe in 100% pure oxygen. Cryogenic treatment involves the use of cold temperatures, while phototherapy uses light. “This works wonders after the intense games we have here at the Euros. Anything that can give us an edge we are going to take advantage of,” Spain forward Nico Williams said on Instagram. This article was provided by The Associated Press.

I hope you enjoy this latest update from Germany, as Spain and I depart Donaueschingen, where they have trained and relaxed and prepared for the mesmeric performances you've been watching in this tournament. These reports are also available - for free - at my new Substack, the link is coming up. If you subscribe to this site, you'll receive regular posts - podcasts and written work on all aspects of Spanish football - directly to your email inbox. It's very simple to subscribe, and once you do, everything comes straight to your email. Soon, I'l be focusing all my indepent reporting on this site. It be great if you could join me. https://revistadelaliga.substack.com/ This is a public episode. If you would like to discuss this with other subscribers or get access to bonus episodes, visit revistadelaliga.substack.com

Debatimos en El Sanedrín sobre las palabras de Jon Uriarte sobre Nico Williams y el Athletic Club. Además nos despedimos del hotel de la concentración en Donaueschingen.

Hablamos con Dani Olmo, jugador de la Selección, desde la concentración en Alemania. Desgranamos y entrevistamos al presidente de una peña de la Selección indignado con el injusto reparto de las entradas para la final, nos despedimos de Donaueschingen y conocemos la última hora de Wimbledon y Tour de Francia.

Tras la remontada contra Francia en Múnich, la selección española espera rival ya de vuelta a Donaueschingen. Hablamos con Jordi Font, entrenador de Lamine Yamal en el Bemjamín del Barça. Inglaterra y Países Bajos buscan  hoy en Dortmund ser nuestro rivalen la final. Empieza la pretemporada del Barça con Hansi Flick. Y Pogačar no perdona y va al ataque en el Tour de Francia.

El jugador del Real Madrid lo ha develado en el micrófono de la Cadena SER desde la concentración de la Selección Española en Donaueschingen.

Continuamos hoy escuchando una selección de diferentes obras sonoras audiovisuales y fotográficas realizadas por creadores de todo el mundo dentro de la Muestra Internacional de Música Electroacústica MUSLAB. Se trata de un proyecto sobre la identidad cultural planteada desde el arte contemporáneo. Esta muestra internacional de música electroacústica en la que participan artistas e instituciones de diversos lugares está coordinada por Pedro Castillo Lara, investigador adjunto del Programa Arte Ciencias y Complejidad del Centro de Ciencias de la Complejidad de la UNAM.Escucharemos obras de Matteo Tundo, Pedro Castillo Lara, Edmar Soria y Panayiotis Kokoras. Además, vamos a remontarnos a los orígenes de esta música, vamos a escuchar una obra clásica de la música electroacústica. Le Voile d'Orphée es la primera obra de música electrónica. Fue compuesta por Pierre Henry en 1953 aunque hay una versión anterior de 1951 a partir de su ópera realizada para el Festival de Donaueschingen.La obra sería utilizada en el año 1958 por el coreógrafo Maurice Bejart.Escuchar audio

Er gehört zu den erfolgreichsten deutschen Dressurreitern bei Europameisterschaften und Weltreiterspielen: Zuletzt holte Matthias Alexander Rath mit seinem aktuellen Pferd Thiago bei der Euro 2023 die Silbermedaille mit der Mannschaft. Mit den Moderatoren Sebastian Conrad und Olivia Best spricht der Familienvater, Unternehmer, Reitlehrer und Profisportler in einer neuen Folge des Sportpodcast "Einwurf" u.a. über das 50. Festhallen Reitturnier in Frankfurt, über Perspektiven für den Reitsport in Deutschland, über sein soziales Engagement mit der Linsenhoff Stiftung, über seine persönliche Karriere sowie über seine Verantwortung für ein neues Turnier-Projekt im Schlosspark von Donaueschingen.

Hey Alter – das Thema im Denkraum Deutschland Auf einen Hinweis von Tamara Dietl wurde ich von Miro Craemer für zwei Tage in den Denkraum Deutschland 2023 eingeladen. Kein Wunder, ging es doch vom 14.10. – 22.10. in der Pinakothek der Modernen in München um das Thema „Hey Alter“. Mit unserem Podcast „gelassen älter werden“ gehörten wir quasi 2 Tage zur Ausstellung. Welch ein Erlebnis. Ich durfte viele Menschen kennenlernen, Künstlerinnen und Künstler, Beteiligte an den Talkrunden und natürlich Besucherinnen und Besucher. Entstanden sind in den 2 Tagen 3 Podcastepisoden, die wir hier nach und nach verlinken werden. Dazu etwas ganz Neues, eine Art Feature zum Denkraum Deutschland „Hey Alter“, also vielleicht ein kleines Audiokunstwert oder eine Art Audioeventdokumentation. Entscheidet einfach für euch selbst. Als Einstieg empfiehlt sich die eigene Episode mit Miro Craemer „Denkraum Deutschland – Hey Alter“. Hier geht's lang! Dazu wird es eine Episode mit Jonas geben, der unseren Hörerinnen und Hörern sein Konzept von Jonas fragt, vorstellt. Er möchte als junger Mann, die Lebenserfahrungen alter Menschen und die damit verbundenen Weisheiten, gerne an junge Menschen weitergeben. Dazu nimmt er Interviews auf und verbreitet sie auf Instagram. Ein sehr schönes Format, also gerne einmal anschauen. Und es wird einen Podcast mit Tamara Dietl geben. Sie war beteiligt am Talk „Alter – eine Krise“ und ich spreche mit ihr über Vorbilder ihres Lebens, die zu einem gelingenden Leben beitragen. Grundlage dafür sind bestimmte Charaktereigenschaften, die besonders eng mit Zufriedenheit im Leben verknüpft sind. Dazu gehören z.B. Neugier, Dankbarkeit, Hoffnung. Wer sind ihre Vorbilder zu diesen Eigenschaften und wie wirken sie sich positiv auf ihr Leben aus. Ein lebendiges und intensives Gespräch. Und in dieser Episode nehme ich sie mit, in meine Erlebnisse an 2 Tagen Denkraum Deutschland. Folgendes ist zu hören: · Fahrt nach München und ankommen in der Großstadt · Miro Craemer erklärt das Konzept · Ich spreche mit Jonas zu Jonas fragt · Besucher Emanuel · Ich spreche mit Fotograf – Fine Art Analog – Karl Heinz Rothenberger, 1945 · Besucher Nina und Niklas · Ich spreche mit Wolfgang Flatz, 1952 · Ich spreche mit Tamara Dietl, 1964 · Heimweg Hier finden sie weitere Hinweise zu den Künstlern aus den Interviews: Zur Biografie von Miro Craemer, 1969 Zitiert von https://www.glockenbachbiennale.com/team Miro Craemer studierte Theaterwissenschaft, Psycholinguistik und Literatur an der Ludwig-Maximilians-Universität in München, bevor er 15 Jahre als Art Director für diverse Modelabels tätig war. Seit 2007 arbeitet er ausschließlich als freier Künstler in den Bereichen Textil, Performance und multimediale Installation und fungiert dabei gleichzeitig als Kunstvermittler und Kurator. Einem „Erweiterten Kunstbegriff“ folgend, erforscht er in zumeist interdisziplinären Projekten das integrative und soziale Potenzial von Kunst, teilweise auch im öffentlichen Raum. Unter den Projekten sind zu nennen: „Togetthere_fACTory“ (Pinakothek der Moderne, München, 2016) „Cord of Desires“ (Karachi, Augsburg, Wien, 2016/17), „OVERxCOME“ (Karachi, München2017), „Vigor“ (München, 2021) und „Chapel of Connectedness“ (Augsburg, 2021). Miro Craemer nahm an zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen teil, u. a. an der Karachi Biennale 2017, der Lahore Biennale 2018, den „Personal Structures“ (Performance „Cosmosoluna“) in Venedig 2019, im Staatlichen Textil- und Industriemuseum Augsburg 2020/21, im Buchheim Museum, Bernried, 2021/22, und zuletzt im KOENIGmuseum, Landshut, 2022. Seit 2019 realisiert er für die Pinakothek der Moderne den „Denkraum Deutschland“, ein diskursives Ausstellungs- und Kunstvermittlungsformat zu gesellschaftlichen Themen, das 2021 mit dem Art Museum Award der European Museum Academy ausgezeichnet wurde. Das seit 2020 erscheinende Magazin „MAG – Museum und gesellschaftlicher Wandel“ verfolgt den bewusst niederschwelligen Zugang zu Kunst und Kultur. Seit 2020 leitet er den Kunstraum „mim | Raum für Kultur“ in München mit einem explizit lokal ausgerichteten Programm an der Schnittstelle von Kunst und Design. 2022 initiierte er die GLOCKENBACH BIENNALE. Hinweise zu Karl Heinz Rothenberger von seiner Homepage: K.H. Rothenberger wurde 1945 in Landshut geboren und studierte Medizin in München und Zürich. Nach Assistenzarztjahren in der Inneren Medizin und Chirurgie wendete er sich der Urologie zu. Nach fundierter Facharztausbildung konzentrierte er sich als Oberarzt vermehrt auf operative Techniken und wissenschaftliche Forschung, z.B. der damals brandneuen Lasertechnik. 1983 kehrte er als Chefarzt in seine Heimatstadt zurück und gründete die Urologische Klinik. Parallel dazu widmete sich Rothenberger schon früh der Fotografie, so beteiligte er sich bereits 1967 mit 2 Arbeiten an der Ausstellung des Deutschen Jugendfotowettbewerbs in Düsseldorf. Inzwischen hat sich der Künstler und Arzt ganz auf die SchwarzWeiss-Fotographie in analoger Kleinbildtechnik fokussiert. Früher kamen Spiegelreflexkameras zum Einsatz, jetzt hat die Leica M7 Priorität. „Subjektiv durch das Objektiv“, „gesehen mit den Augen des Fotografen“ sind frühe Programmpunkte im Schaffen Rothenbergers. Sie beinhalten auch die Wahrhaftigkeit in der Fotografie, die nachträgliche Manipulation des einmal festgehaltenen Augenblicks wird abgelehnt. In der Regel unterbleiben selbst Ausschnittvergrößerungen, sichtbar am demonstrativen Leica-Rahmen. Die Sichtweise Rothenbergers ist neugierig und interessiert, aber auch einfühlend und wohlwollend, nie verletzend und indiskret. Neben industriellen & handwerklichen Arbeiten steht die Darstellung der menschlichen Persönlichkeit und landschaftliche Formen in der Themenliste obenauf, gesehen in Einzelausstellungen von Wien über München, Berlin bis Algund/Italien und Herrmannstadt/Rumänien, sowie einer Gruppenausstellung in Hamburg. Acht Kalender, sieben Bücher sowie Zeitschriftenbeiträge runden den Arbeitskatalog ab. Zur Biografie von Wolfgang Flatz, 1952 Zitiert von seiner Homepage: „Vielleicht bedeutet „hören“ etwas ganz anderes für jemanden, der als zehnjähriger Hirtenjunge allein auf der Alm miterlebt, wie alte 156 ihm anvertrauten Rinder nach einem Blitzeinschlag in der Blockhütte bei lebendigem Leib verbrennen. Und der in diesem unbeschreiblichen Gebrüll noch deutlich die Stimme des mitgefangenen Schäferhundes vernimmt. Dass (Wolfgang) FLATZ seine Kindheit als hart bezeichnet, liegt aber keineswegs an diesem Ereignis. Der Sohn eines Eisenbahnschlossers hatte als Mitglied einer Familie aus der Unterschicht nicht nur unter dem sozialen Druck zu leiden, sondern auch unter seinem Vater – und als sensibler Mensch unter der geistigen Dumpfheit des ruralen Vorarlberger Umfelds, in welchem er aufwuchs. Der Weg zur Kunst war insofern nicht nur ein metaphorischer Akt der Befreiung- Das gestalterische Talent, das während seiner Goldschmiedelehre zum Vorschein kam, verhalf FLATZ zu einem Stipendium in Deutschland. „Emigration“ hat er seine Entscheidung, Österreich zu verlassen, genannt, und die heutige politische Entwicklung, die ja nicht aus dem Nichts entstanden ist, gibt ihm auch in der Wortwahl erschreckend Recht. Das war 1974, und seine ersten öffentlichen Auftritte hatten FLATZ bereits eine kurzfristige Unterbringung in einer geschlossenen psychiatrischen Anstalt eingebracht (nebst der Androhung, es im Wiederholungsfall nicht unter einem halben Jahr bewenden zu lassen). In München, wo er bis heute wohnhaft geblieben ist, studierte er Kunstgeschichte an der Universität und Malerei an der Akademie. Und stellte fest, dass die Mittel der „klassischen“ Bildenden Kunst seinem Mitteilungsbedürfnis nicht entsprachen, weil sie sein Lebens-, Körper- und Kunstgefühl nicht trafen. Das ist für FLATZ nicht voneinander trennbar, und so suchte er sich seine genuine Ausdrucksweise – die Performance, als der Begriff noch gar nicht kanonisiert war. Dies geschah erst, indem er auf die documenta 1977 eingeladen wurde, wo er einiges seiner späteren Konzepte vorwegnahm: eine Flugblattaktion mit der Mitteilung „FLATZ nimmt an der dokumenta 6 nicht teil“. Abwesenheit ist eine radikale Form der Präsenz: ein Fehlen. Noch radikaler ist FLATZ‘ Art des Auftretens, des Daseins. In Handtücher eingenäht auf einer öffentlichen Toilette, damit man sich an ihm abtrocknet. Nackt als Zielobjekt für Dartpfeile. Oder zwischen Stahlplatten bis zur Bewusstlosigkeit hin- und hergeschlagen als Glockenklöppel zu den Klängen eines Wiener Walzers. Demontagen nannte FLATZ die Reihe seiner Aktionen von 1986 bis 1991, zu denen die letztgenannte in der Synagoge zu Tiflis gehörte, und stets spielte Musik in ihnen eine zentrale Rolle. Für FLATZ war die CAGEsche Gleichberechtigung aller Laute eine Selbstverständlichkeit, der Kontrast von klassischem Wohlklang und den Geräuschen der jeweiligen Aktion machte die „Komposition“ erst aus, als Metapher für sein Verständnis von Kunst, die alles andere als ein ästhetischer Zufluchtsort sein soll. 1994 wurde FLATZ zum Mekka der Avantgarde, den Donaueschinger Musiktagen, eingeladen. Zwei Jahre zuvor fiel er in einem anderen Mekka für Gegenwartskunst auf: der IX. documenta in Kassel. Mit seinen berühmt gewordenen, von der Decke hängenden schwarzen Sandsäcken versperrte er den Zugang, so dass man sich durchboxen musste – und mit jedem Stoß automatisch die Mitbesucher beeinträchtigte, durch deren Bewegung wiederum der eigene Weg versperrt wurde… Das war eine der ersten „Physical Sculptures“, zu denen die Tätowierung auf FLATZ‘ Rücken ebenso gehört wie der speziell angefertigte schwarz-rot-goldene Porsche mit dem Wiener Nummernschild W-FLATZ 2. Oder der beinahe verbotene Brecht-Abend, bei dem ein (toter) Schimmel auf der Bühne gehäutet wurde, während eine anfangs nackte Sopranistin in weiß eingekleidet wurde. Womit wir wieder bei der Musik wären, die als akustisches und somit physikalisches Phänomen ein ideales Material für FLATZ darstellte: unmittelbar, emotional, mediengerecht (was noch lange nicht angepasst heißt) und vor allem: lebendig, jung. Mit einer Stimme, die eine Skulptur für sich ist, lag es nahe, dass er immer öfter prominentere Angebote erhielt, als Gastsänger eine Platte aufzunehmen. Die Anfragen fielen insofern auf fruchtbaren Boden, als FLATZ, vom Gedanken angeregt, den Schwerpunkt seines Schaffens immer mehr auf die Musik verschob. Und seine künstlerische Unabhängigkeit wahrte: 1998 präsentierte er seine erste Vinyl mit dem Titel „Physical Sculpture“. Donaueschingen und Pop, Was für viele unvereinbar erscheint, ist für FLATZ nie ein Widerspruch gewesen, in keiner Facette seines Schaffens. Als Künstler will er Menschen erreichen, und zwar nicht nur ein paar Akademiker. Das Elitäre ist seine Sache nie gewesen, und so hat er immer nach Ausdrucksformen gesucht, die auch verstanden werden: nach der adäquaten Sprache für das jeweilige Thema. FLATZ ist deshalb nicht nur ein Pionier der Performance-Kunst geworden, sondern auch des Crossover (als man das bestenfalls für eine verbotene Art hielt, die Straße zu überqueren). Nach dem Erfolg der Vinyl kamen Angebote großer Labels. FLATZ‘ Entscheidung fiel auf Sony/Epic und Karl Bartos als Komponist/Produzent. Für seine früheren Experimente mit elektronischer Musik mit KRAFTWERK bekannt, war er der ideale Partner, um zu den FLATZschen Texten (und nach seinen Vorstellungen bezüglich des Charakters jedes Songs) die Musik für den Computer zu komponieren, die von Toy Productions London (Depeche Mode, Bjork, u.v.m.) produziert und gemischt wurden. Halt FLATZ – ganz ohne Körper? Ohne Instrument? „Der Computer ist das Instrument der Zukunft“ sagte er, „und auch das demokratischste, weil es jedem zugänglich ist“. Er, der Anfang der 80er mit der Band „Clerico“ auf Festivals auftrat (am selbstgebauten Bass, auch so eine Skulptur), sieht er keinen Grund, puristisch zu sein. „Akustisch erzeugte Musik ist ein Relikt, wie die Oper“ – und für nostalgische Anachronismen hat FLATZ nichts übrig. Pop-Musik ist für ihn als junges, authentisches Ausdrucksmittel relevant. Das ungenierte Physische des Techno ohne seine Monotonie, die Open-Air-Atmosphäre der späten 70er ohne naive Betulichkeit, die soziale Aggressivität des Punk und die Aufbruchstimmung der ursprünglichen Neuen Deutschen Welle zusammenzuführen – so in etwa kann man FLATZ‘ neues Projekt umschreiben. Oder: Eine mediale Skulptur, die ihre Botschaft gleichzeitig an Emotion und Intellekt richtet. Denn eines ist der vielseitige FLATZ nie gewesen: ein Künstler des l'art pour l'art. Seine Aktionen beziehen sich immer auf den Menschen und die Gesellschaft, stellen Strukturen in Frage, zeigen oft die Ambivalenz der Gefühle in Bezug auf Gewalt, Konsum und Gesellschaft. Das ist FLATZ‘ künstlerisches Erbe zu Lebzeiten, und bei aller Vorsicht mit derartigen Prognosen – zu den wenigen Kulturerzeugnissen aus den 80ern, die eine reelle Chance haben, noch in hundert Jahren präsent zu sein, gehört die deutschlandfahnenfarbende Postkarte mit der Aufschrift FRESSEN/FICKEN/FERNSEHEN. Dieses Motto hat er auf der neuen Platte übrigens auch vertont, neben zwei Neuver-sionen der schon bekannten „Ich“ und „Virus“ sowie neun weitere Tracks. Direkte, suggestive Lieder, in denen FLATZ den Text kompromisslos, repetitiv, eindringlich artikuliert, während die Musik – völlig gleichberechtigt – mit hartem Rhythmus und präzisen Effekten den Hörer völlig in ihren Bann zieht. Lebendige, laut zu hörende Musik, die aufrüttelt, weil sie destruktiv und aufmunternd zugleich ist, weil in ihr Aggression und Zärtlichkeit (überraschend sanft: das balladeske „Wunderkind“) ganz nah beieinanderliegen. Diese Spannung erzeugt Energie. jene Energie, die für FLATZ‘ gesamtes Schaffen charakteristisch ist, und die das ausmacht, was wir Leben nennen“ Text: Axel Sanjos Zur Biografie von Tamara Dietl, 1964 Zitiert von ihrer Homepage: Krise ist... ...ein produktiver Zustand“, hat Max Frisch einmal gesagt, „man muss ihr nur den Beigeschmack der Katastrophe nehmen.“ Das fällt angesichts der Corona-Krise unendlich schwer. Und doch hat Max Frisch Recht. Damit wir Krisen produktiv nutzen und sie kraftvoll meistern können, ist es wichtig zu verstehen, was eine Krise eigentlich ist. Denn sie ist weit mehr als ein unüberwindbar scheinendes Problem. Eine Krise ist ein Ausnahmezustand, eine Unter­brechung der Kontinuität. Sie ist ein belastender, temporärer, in seinem Verlauf und seinen Folgen offener Veränderungsprozess. Eine Krise ist dadurch gekennzeichnet, dass die vertrauten Bewältigungs­strategien, die wir bisher für das Lösen von Problemen parat hatten und die uns immer weitergeholfen haben, jetzt nicht mehr zur Verfügung stehen. Jedem Menschen, jeder Gemeinschaft und jeder Gesellschaft ist es immer wieder möglich, neue Bewältigungs­strategien zu entwickeln und neue Ressourcen zu entdecken. Bewältigungsstrategien und Ressourcen, die uns stark machen können. Natürlich noch nicht in der ersten Phase einer Krise, die dadurch gekennzeichnet ist, dass wir unter Schock stehen und die Krise nicht wahrhaben wollen. In dieser Phase gilt es, die Schock­starre zu überwinden und die Krise langsam anzunehmen. Denn sie ist da – ob wir wollen oder nicht. In dem Moment, wo wir sie in unser Leben zu integrieren, kann es durchaus sinnvoll sein, das Beste aus ihr zu machen. Denn wir sind auf der Welt, um unserem Leben Sinn geben – auch in Krisenzeiten. Oder vielleicht gerade dann besonders intensiv. Der Anspruch, dass das Leben uns etwas zu bieten hätte, der Anspruch, dass es einen Garantie­schein auf ein sicheres, gesundes, ja glückliches Leben gibt - dieser Anspruch ist in Wahrheit ganz schön verdreht. Die Perspektive ist nämlich genau andersherum. Die Unsicherheit ist der Normalfall. Und zwar immer. Nicht nur in der Krise. In Phasen aber, die über einen langen Zeitraum (relativ) stabil sind, bilden wir uns ein, wir seien sicher und unser schönes Leben würde immer so weitergehen. Doch das ist in Wahrheit eine Illusion. Viktor Frankl, nach dessen Sinn-Theorie ich eine Zusatz­ausbildung zum Krisencoach gemacht habe, hat gesagt: „Das Leben selbst ist es, das dem Menschen Fragen stellt. Er hat nicht zu fragen, er ist vielmehr der vom Leben her Befragte, der dem Leben zu antworten – das Leben zu ver-antworten hat.“ Das zutiefst Befriedigende an dieser Form der Eigenverantwortung dem Leben gegenüber ist die Selbstbestimmtheit, die mit ihr einhergeht, und die gerade in Krisen elementar wichtig ist. Denn diese Selbst­bestimmtheit macht frei. Auch den Begriff der Freiheit hat Frankl so definiert, dass er uns gerade in Krisen wirklich weiterhelfen kann. Denn: „Die Freiheit des Menschen ist selbstverständlich nicht eine Freiheit von Bedingungen“, sagt Frankl. „Sie ist überhaupt nicht eine Freiheit von etwas, sondern eine Freiheit zu etwas, nämlich die Freiheit zu einer Stellungnahme gegenüber all den Bedingungen.“ In dieser Freiheit „zu etwas“ liegt der Schlüssel zum sinnvollen Umgang mit Krisen. Auch der jetzigen Corona-Krise. Wie wollen wir uns zu dieser Krise stellen? Wir als Individuen? Aber auch wir als Gemeinschaft? Es gibt drei Möglichkeiten, aus einer Krise hervorzugehen: Erstens die Wiederherstellung des alten Gleichgewichts. Zweitens eine negative Veränderung, die eine Fehlentwicklung zur Folge hat. Und drittens eine positive Veränderung, die durch eine sinnvolle Weiterentwicklung gekennzeichnet ist. In all meinen Krisen habe ich mich immer für diese dritte Möglichkeit entschieden: die Kraft in mir zu entdecken, die mir hilft an der Krise zu wachsen. Welche Haltung es dafür braucht und welche emotionalen und mentalen Werkzeuge wir dafür trainieren müssen – davon handelt mein Buch. Hier habe ich beschrieben, welche Mechanismen wir brauchen, um die Chance und den Sinn in der Krise zu entdecken. Denn nur so können wir sie in einen produktiven Zustand verwandeln und ihr damit den Beigeschmack der Katastrophe zu nehmen. Eine Bitte an unsere Hörerinnen und Hörer:Wir freuen uns über eine Bewertung unseres Podcasts. Holt für uns die 5 Sterne vom Himmel und schreibt gerne, was euch besonders gefällt.Das schenkt noch mehr Menschen unsere Inhalte, da es durch das bessere Ranking öfter vorgeschlagen wird. Herzlichen Dank.Für mehr Informationen zum Thema "gelassen älter werden" gibt es auf unserer Homepage ein Magazin zum Lesen. Hier der Link: https://gelassen-aelter-werden.de/magazin-gelassen-aelter-werden/Die Musik im Intro und Outro ist von Stefan Kissel und wurde von Nico Lange gesprochen.

Lydia Jeschke, Redaktionsleiterin der Neuen Musik, ist zu Gast im Studio und zieht ihr persönliches Fazit zum wichtigsten Festival der Neuen Musik. Was waren die Aufreger der Donaueschinger Musiktage 2023, was hätte besser laufen können? Und gab es wirklich Neues zu entdecken?

Die Donaueschinger Musiktage beginnen heute Abend mit dem ersten Orchesterkonzert. Traditionell gehören aber die ersten Klänge, die in Donaueschingen zu hören sind, den Klanginstallationen: Mischformen aus Kunst und Musik, Skulptur und Sound, die man an verschiedenen Orten und Räumen in Donaueschingen besuchen und kostenlos erleben kann. Vier internationale Arbeiten sind in diesem Jahr ausgewählt worden. Die Künstlerinnen und Künstler kommen aus den USA, aus Japan und Estland. Karsten Umlauf hat die Donaueschinger Klanginstallationen für uns im Voraus erkundet und auch mit den Komponistinnen und Komponisten gesprochen.

Ab wann sollte ein Kind eigentlich "trocken" sein? Und was umfasst das genau? Und ab wann hingegen spricht man von Bettnässen - und was kann man dagegen tun? (Spoiler: Schimpfen und Abstrafen helfen nicht!) Über diese Fragen und hilfreiche Methoden spricht Julia heute mit Frau Professor Doktor Schultz-Lampel. Die Urologin ist Leiterin des Kontinenzzentrums im Klinikum Schwarzwald-Baar in Villingen-Schwenningen und Donaueschingen.ZITAT: "Trocken heißt wirklich trocken: Tag und Nacht. Ist ein Kind das ab einem gewissen Alter nicht, gibt es gute, hilfreiche Maßnahmen. Schimpfen und Strafen gehören nicht dazu."OOODER Ihr hört mal in Julias zweiten tollen Podcast rein: MENO AN MICH. Frauen mitten im Leben - die die denken: betrifft mich ja noch nicht, sollten erst recht mal reinhören ;-)+++++++++++++++++Infos zur Folge: Homepage Kontinenzzentrum SüdwestHomepage Klinik für Urologie und KinderurologieKlinikums-Blog „Hilfe mein Kind nässt noch ein!“Krankheitsbild EnuresisAWMF Leitlinie Enuresis++++++++++++++++++Lob, Tadel oder Themenvorschläge und Fragen zu den Themen Partnerschaft sowie Erziehung? Schreibt Julia eine persönliche Mail an podcast@eltern.de oder wendet euch an unseren Instagram-Account @elternmagazin. Und bewertet oder abonniert unseren Podcast gerne auch auf iTunes, Spotify, Deezer oder Audio Now.OOODER Ihr hört mal in Julias zweiten tollen Podcast rein: MENO AN MICH. Frauen mitten im Leben - die die denken: betrifft mich ja noch nicht, sollten erst recht mal reinhören ;-)Unsere allgemeinen Datenschutzrichtlinien finden Sie unter https://datenschutz.ad-alliance.de/podcast.htmlUnsere allgemeinen Datenschutzrichtlinien finden Sie unter https://art19.com/privacy. Die Datenschutzrichtlinien für Kalifornien sind unter https://art19.com/privacy#do-not-sell-my-info abrufbar.

SynopsisAt 6:05 p.m. on today's date in 2007, the Interstate 35W Bridge in Minneapolis collapsed, plunging dozens of cars and trucks into the Mississippi River. Thirteen people died. Investigators said a design flaw was to blame, and the event served as a wake-up call about America's crumbling infrastructure.It also inspired a new piece of music.In 2007 Minnesota composer Linda Tutas Haugen had been commissioned to write a piece for solo instrument and organ for performance at the next American Guild of Organists' national convention. Haugen had been looking at various hymn tunes for inspiration when the I-35 bridge collapsed.As she recalled, “I had family members who'd been over the bridge a day before. Many were feeling, ‘It could have been me.' I reread texts of the hymns I had been considering, and there was one that talks about ‘God of hill and plain, o'er which our traffic runs' and ‘wherever God your people go, protect them by your guarding hand.' That inspired my writing.”Haugen scored her new piece for trumpet and organ and titled it “Invocation and Remembrance.” “For me,” said Haugen, “it's a prayer, an invocation for protection, and also a remembrance of what happened.”Music Played in Today's ProgramLinda Tutas Haugen Invocation and Remembrance Martin Hodel, trumpet; Kraig Windschitl, organ Augsburg Fortress Music CD (with ISBN: 9780800679118)On This DayBirths1779 - Baltimore lawyer Francis Scott Key, who in 1814 wrote the words of "The Star-Spangled Banner," setting his text to the tune of a popular British drinking song of the day, "To Anacreon in Heaven," written by John Stafford Smith; The text and the tune became the official national anthem by and Act of Congress in 1931;1858 - Austrian composer Hans Rott, in Vienna;1913 - American composer Jerome Moross, in Brooklyn;1930 - British pop song and musical composer Lionel Bart, of "Oliver!" fame, in London;Deaths1973 - Gian-Francesco Maliperio, Italian composer and first editor of collected works of Monteverdi and Vivaldi, age 91, in Treviso;Premieres1740 - Thomas Arne: masque, “Alfred” (containing “Rule, Brittania”), in Clivedon (Gregorian date: August 12);1921 - Hindemith: String Quartet No. 3, Op. 16, by the Amar Quartet (which included the composer on viola) in Donaueschingen, Germany;1968 - Webern: "Rondo" for string quartet, written in 1906, at the Congregation of the Arts at Dartmouth College in Hanover, New Hampshire;1993 - Ellen Taaffe Zwilich: Concerto for Horn and String Orchestra, at the Bravo! Music Festival in Vail, Colo., by soloist David Jolley with the Rochester Philharmonic, Lawrence Leighton Smith conducting;Others1892 - John Philip Sousa , age 37, quits the U.S. Marine Corps Band to form his own 100-piece marching band;1893 - In Spillville Iowa, Antonin Dvorák finishes his String Quintet in Eb, Op. 97 ("The American") during his summer vacation at the Czech settlement. Links and Resources On Linda Tutas Haugen

Hekla Magnúsdóttir byrjaði níu ára gömul að læra á selló en þegar hún kynntist þeramíni á unglinsaldri þá var ekki aftur snúið. Síðan þá hefur þetta forláta hljóðfæri verið henni stöðugur innblástur og uppspretta sköpunar. Hekla fékk viðurkenningu úr Minningarsjóði Kristjáns Eldjárns gítarleikara þann 16. júní síðastliðinn, en sjóðurinn heiðrar árlega tónlistarfólk með fjárframlagi. Síðasta plata Heklu kom út í fyrra og kallast hún Xiuxiuejar, sem þýðir að hvísla á katalónsku. Við ætlum að kynnast Heklu betur í þætti dagsins og hennar einstaka hljóðheimi. Þýski myndlistarmaðurinn Anselm Kiefer hefur ítrekað reynt að lesa þessa bók Finnegans Wake. Fyrr í þessum mánuði opnaði samnefnd sýning Kiefers í White Cube Bermondsey í London sem má segja að sé óður til bókarinnar og efni hennar og texti er alltumlykjandi. Auk þess sem hann vísar í æsku sína og leikfangasmíði í rústum heimilis fjölskyldu hans. Salurinn í White Cube er algjör geimur og nú er eins og sprengja hafi lent í honum. Steinsteypubrot eru á víð og dreif, innan um gaddavír og annað brak. Það ásamt öðrum innsetningum, skúlptúrum og málverkum á sýningunni kann að gefa af sér hamfarakenndan blæ, fullan af eyðileggingu en Kiefer segir að þarna sjái hann aðeins upphaf. Þetta á sér rætur í hans eigið upphaf, Kiefer er fæddur árið 1945 á lokametrum síðari heimsstyrjaldarinnar í Donaueschingen, fallegum bæ í svartaskógi í suður Þýskalandi. Við ræðum við Margréti Tryggvadóttur formann rithöfundasambandsins sem nýlega gerði sér ferð í White Cube. Og við höldum áfram ferð okkar með Guju Dögg Hauksdóttur arkitekt um Frakkland, í þetta sinn fer hún meðal annars til Rúðuborgar og dáist þar að formfagurri dómkirkjunni og til fjalls Mikjáls erkiengils, þar sem hún klífur snarbrattar tröppur virkisveggjanna.

Hekla Magnúsdóttir byrjaði níu ára gömul að læra á selló en þegar hún kynntist þeramíni á unglinsaldri þá var ekki aftur snúið. Síðan þá hefur þetta forláta hljóðfæri verið henni stöðugur innblástur og uppspretta sköpunar. Hekla fékk viðurkenningu úr Minningarsjóði Kristjáns Eldjárns gítarleikara þann 16. júní síðastliðinn, en sjóðurinn heiðrar árlega tónlistarfólk með fjárframlagi. Síðasta plata Heklu kom út í fyrra og kallast hún Xiuxiuejar, sem þýðir að hvísla á katalónsku. Við ætlum að kynnast Heklu betur í þætti dagsins og hennar einstaka hljóðheimi. Þýski myndlistarmaðurinn Anselm Kiefer hefur ítrekað reynt að lesa þessa bók Finnegans Wake. Fyrr í þessum mánuði opnaði samnefnd sýning Kiefers í White Cube Bermondsey í London sem má segja að sé óður til bókarinnar og efni hennar og texti er alltumlykjandi. Auk þess sem hann vísar í æsku sína og leikfangasmíði í rústum heimilis fjölskyldu hans. Salurinn í White Cube er algjör geimur og nú er eins og sprengja hafi lent í honum. Steinsteypubrot eru á víð og dreif, innan um gaddavír og annað brak. Það ásamt öðrum innsetningum, skúlptúrum og málverkum á sýningunni kann að gefa af sér hamfarakenndan blæ, fullan af eyðileggingu en Kiefer segir að þarna sjái hann aðeins upphaf. Þetta á sér rætur í hans eigið upphaf, Kiefer er fæddur árið 1945 á lokametrum síðari heimsstyrjaldarinnar í Donaueschingen, fallegum bæ í svartaskógi í suður Þýskalandi. Við ræðum við Margréti Tryggvadóttur formann rithöfundasambandsins sem nýlega gerði sér ferð í White Cube. Og við höldum áfram ferð okkar með Guju Dögg Hauksdóttur arkitekt um Frakkland, í þetta sinn fer hún meðal annars til Rúðuborgar og dáist þar að formfagurri dómkirkjunni og til fjalls Mikjáls erkiengils, þar sem hún klífur snarbrattar tröppur virkisveggjanna.

György Ligeti – »großer Komponist und Clown größter Qualität«. Schlagartig bekannt wurde der Komponist in der Neue-Musik-Szene durch das 1961 in Donaueschingen uraufgeführte Orchesterwerk »Atmosphères«. Als Filmmusik hat es dieses Werk zu großer Bekanntheit gebracht, obwohl es nicht zu diesem Zweck komponiert wurde: Stanley Kubrick verwendete einen Ausschnitt aus Ligetis »Lux aeterna« für seinen Film »2001: A Space Odyssey«. Der 1923 im rumänischen Siebenbürgen geborene Komponist war nach der Niederschlagung des ungarischen Aufstands vom Herbst 1956 nach Deutschland geflohen und arbeitete zeitweise in Köln mit Karl-Heinz Stockhausen im Studio für Elektronische Musik. Im Podcast gibt Christoph Vratz anlässlich der drei Geburtstagskonzerte – Ligeti 100 – am 28. Mai einen Einblick in dessen Schaffen. Neben Hörbeispielen kommen der Komponist, der 2006 starb, und Weggefährten wie zum Beispiel der Pianist Pierre-Laurent Aimard zu Wort.

Die irisierenden, schwebenden Klangfarbenwirkungen von György Ligetis "Lontano" setzten einen ganz eigenen, neuen Ton in der Szene der zeitgenössischen Musik. Das Werk wurde 1967 in Donaueschingen uraufgeführt. Julius Heile über das Orchesterwerk - in der Kurzeinführung für unterwegs.

El artista griego Iannis Xenakis ha sido una de las figuras más personales e influyente del arte de la segunda mitad del siglo XX. Ingeniero de formación, ha dejado una innovadora obra como músico y arquitecto, en la que la aplicación de modelos matemáticos le permitió lograr nuevos lenguajes artísticos. Sus conocidos politopos, propuestas innovadoras de espectáculos de fusión de luz y sonido en dialogo con grandes espacios únicos, que realizó para escenarios tan impactantes como Persépolis en 1971 o Micenas en 1978, son un claro precedente del actual concepto de instalación artística y espectáculo performativo. En 2022 se cumple el centenario de su nacimiento y Documentos RNE se acerca a su figura con el espacio Xenakis, la alianza entre arte y ciencia, de Ana Vega Toscano. El documental sonoro parte de la propia visión del artista a través de una recreación biográfica realizada con fragmentos de entrevistas recogidas en el libro Conversations with Xenakis, del húngaro Bálint András Varga. Igualmente se rescata su propia voz del Archivo de RTVE, gracias a una entrevista realizada al compositor en su estudio de París en el año 1986. Se cuenta también con la participación de la arquitecta Susana Moreno, coordinadora del grado de Fundamentos de la Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid y autora del libro Arquitectura y Música en el siglo XX; y del compositor Adolfo Núñez, fundador y director del Laboratorio de Informática y Electrónica Musical del INAEM y profesor de la UAM y de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Xenakis, que nació en 1922 en la localidad rumana de Ballin, vivió en carne propia la crudeza de la Segunda Guerra Mundial; acontecimientos que inspiraron muchas de sus obras posteriores. Formado en la Universidad de Atenas como ingeniero, en 1947 tuvo que exiliarse de Grecia. Terminó recalando en París donde comenzó a trabajar en el estudio de Le Corbusier, una de las figuras más destacadas de la arquitectura del siglo XX, mientras continuaba con su formación musical, iniciada ya en Grecia. En 1955, el estreno de su obra musical, Metátasis, en el festival de música de Donaueschingen, le reveló como una de las personalidades más originales del panorama compositivo. En paralelo inició su andadura como arquitecto, con obras como el convento de La Tourette. Momento álgido en su carrera sería el famoso Pabellón Philips, creado para la exposición de Bruselas de 1958, donde también presentó una pionera obra electroacústica, Concret PH. Toda su obra, ya sea musical, arquitectónica o performativa, se encuentra entrelazada por su ideario humanista, que le llevó a formular una importante obra teórica en numerosos artículos y libros, como es el caso de Músicas formalizadas. Precursor de la utilización de la informática y los ordenadores como herramienta de ayuda a su creación, supo aunar arte y ciencia como dos caras de una misma moneda, dos formas de conocimiento indisolublemente unidas en el hombre. Escuchar audio

durée : 01:00:09 - Festival d'Automne : Emilio Pomarico, chef d'orchestre - par : Thomas Vergracht - A l'affiche du Festival d'Automne prochainement, Emilio Pomarico est un chef d'orchestre qui fait vivre la musique contemporaine dans toute sa diversité : à la programmation d'ensembles spécialisés européens, des disques du festival Musica Viva, du festival de Donaueschingen et du label Kairos. - réalisé par : Céline Parfenoff

Meist lohnt sich das alljährliche Regionalbahnpilgern in die südwestdeutsche Pampa. Dann spuckt einen das berühmte Uraufführungsfestival in Donaueschingen beseelt und voll mit neuen Eindrücken wieder aus. Manchmal aber auch nicht. Wie war es dieses Jahr? BR-KLASSIK-Redakteurin Kristin Amme zieht Bilanz.

Seit fast dreißig Jahren macht Dirk von Lowtzow nun Musik – doch sein Auftritt bei den Donaueschinger Musiktagen ist für den Sänger der Band Tocotronic eine ganz neue Erfahrung: „Ich interessiere mich seit vielen Jahren für Neue Musik und Avantgarde, allerdings nur als Hörender“, sagte von Lowtzow im Gespräch mit SWR2. In Donaueschingen tritt er gemeinsam mit dem New Yorker Talea Ensemble auf, er rezitiert dort ein selbst verfasstes Gedicht, das durch eine Komposition von Iris ter Schiphorst ergänzt wird. Im Gegensatz zu der Musik, die von Lowtzow sonst mit Tocotronic macht, sei das Stück von Iris ter Schiphorst „ungleich komplexer“, zum Beispiel durch die Notierung. „Es gibt eine Partitur, das gibt es bei Rocksongs in der Regel nicht. Und ich kann auch überhaupt keine Noten lesen, insofern ist es eine vollkommen andere Herangehensweise – man weiß bei klassischer Musik und vor allem bei Neuer Musik nicht, wie ein Stück enden wird.“ Rocksongs hingegen seien primitiver. Am Samstag wird Dirk von Lowtzow gemeinsam mit dem Talea Ensemble bei den Donaueschinger Musiktagen auftreten, außer der Komposition von Iris ter Schiphorst werden Werke von Mauro Lanza, Alexander Goehr und Joanna Wozny zu hören sein.

Konzerte mit Beethovens 5. gibt es zuhauf, hier ist für den Dirigenten klar, wie die Instrumente eingesetzt werden. Doch bei Uraufführungen gestaltet sich ein ganz anderes, ein neues Bild, bei dem die Klangfarben erst gefunden werden müssen. Bas Wiegers leitet das Abschlusskonzert bei den diesjährigen Musiktagen in Donaueschingen und berichtet über die Herausforderungen für einen Dirigenten bei Uraufführungen.

Synopsis On today's date in 1928, the Danish composer Carl Nielsen conducted the first public performance of his new Clarinet Concerto in Copenhagen. “The clarinet,” said Nielsen, “can, at one and the same time seem utterly hysterical, gentle as balsam, or as screechy as a streetcar on badly greased rails.” Nielsen set himself the task of covering that whole range of the instrument's conflicting emotions and colors. He wrote it for a Danish clarinetist he admired named Aage Oxenvad, who played both the public premiere on today's date and a private reading a few weeks earlier. After the private performance Oxenvad is supposed to have muttered: “Nielsen must be able to play the clarinet himself — otherwise he would hardly have been able to find all the instrument's WORST notes.” The concerto's wild mood-swings puzzled audiences in 1928, but today it's regarded as one of Nielsen's most original works. In October of 1996, another Clarinet Concerto received its premiere when American composer John Adams conducted the first performance of his work Gnarly Buttons with soloist Michael Collins. This concerto contains a bittersweet tribute to Adams' father, a clarinetist who fell victim to Alzheimer's disease. In Adams' concerto, the swing tunes slide into dementia, but the concerto ends with a kind of benediction. Music Played in Today's Program Carl Nielsen (1865-1931) Clarinet Concerto, Op. 57 Kjell-Inge Stevennson, clarinet; Danish Radio Symphony; Herbert Blomstedt, cond. EMI 69758 John Adams (b. 1947) Gnarly Buttons Michael Collins, clarinet; London Sinfonietta; John Adams, cond. Nonesuch 79453 On This Day Births 1882 - Canadian-born American composer R. Nathaniel Dett, in Drummondsville, Ontario; Deaths 1896 - Austrian composer Anton Bruckner, age 72, in Vienna; Premieres 1727 - Handel: "Coronation Anthems," in London at Westminster Abbey during the coronation of King George II and Queen Caroline (Gregorian date: Oct. 22); 1830 - Chopin: Piano Concerto No. 1 in E minor, in Warsaw, composer as soloist; 1928 - Nielsen: Clarient Concerto, at a public concert in Copenhagen, with the composer conducting and Aage Ozenvad the soloist; This concert had been given a private performance in Humlebaek on September 14, 1928); 1947 - Prokofiev: Symphony No. 6, by Leningrad Philharmonic, Yevgeny Mravinsky conducting; 1952 - Prokofiev: Symphony No. 7, by Moscow Philharmonic, Samuil Samosud conducting; 1953 - Messiaen: "Réveil des oiseaux," in Donaueschingen, Germany; 1955 - B.A. Zimmermann: "Nobody Knows de Trouble I See" for Trumpet and Orchestra, in Hamburg, by the North German Radio Orchestra conducted by Ernest Bour, with Adolf Scherbaum the soloist; 1962 - Carlisle Floyd: opera "The Passion on Jonathan Wader," by the New York City Opera; 1977 - Bernstein: "Songfest," "Three Mediations from 'Mass,'" and "Slava!" by the National Symphony, conducted by the composer ("Songfest" and "Meditations"‚ and Mstislav Rostropovich ("Slava!"); Rostropovich was also the cello soloist in the "'Meditations"; 1980 - Bernstein: "A Musical Toast ( A Fanfare in Memory of André Kostelanetz)" by the New York Philharmonic conducted by Zubin Mehta; 1980 - Zemlinksy: opera "Der Traumgörge" (Goerge the Dreamer), posthumously, in Nuremberg at the Opernhaus (This opera was written in 1906); 1985 - John Harbison: String Quartet No. 1, at the Corcoran Gallery in Washington, D.C., by the Cleveland Quartet. 1985 - Michael Torke: “Vanada” for brass, keyboards and percussion, at the Concertgebouw Chamber Hall in Amsterdam, by the Asko Ensemble, Lukas Vis conducting. Links and Resources On Carl Nielsen On John Adams

Die stellvertretende Geschäftsführerin Annika Stoll und Spa- und Gym-Managerin Ayleen Fossé nehmen uns mit in die Entspannungs- und Aktivwelt des Fünf-Sterne-Resorts Der Öschberghof. Zusammen mit TV-Ärztin Dr. Anne Fleck wurde hier die "Selfcare Vital Season" ins Leben gerufen, ein Programm, das sich der Achtsamkeit und Selbstfürsorge widmet. Von den beiden Powerfrauen erfahren wir auch, warum sich erstklassige Fußballclubs in dem Ausnahmeresort mit seiner 45-Loch-Golfanlage und dem über 5.000 qm großen Spa optimal auf die Saison vorbereiten können.

Der Öschberghof in Donaueschingen gehört zu den Leuchtturm-Betrieben der deutschen Hotellerie. Geschäftsführer Alexander Aisenbrey entführt uns in dieser Folge des Mein Tophotel Talk in die fabelhafte Welt des Fünf-Sterne-Superior-Resorts mit seiner 45-Loich-Golfanlage und seinem preisgekrönten über 5.000 qm großen Spa-Bereich. Zudem erklärt er, warum für ihn ein exzellentes Wellnesshotel sich heute nicht nur durch traumhafte Pools sondern auch durch erstklassige Kulinarik auszeichnet. Das mit zwei Michelin-Sternen gekrönte "Ösch Noir" unter der Leitung von Küchenchef Manuel Ulrich ist dafür der beste Beweis. Außerdem erfahren wir, warum internationale Fußballclubs den Öschberghof für ihre Trainingslager so schätzen.

Synopsis Most classical music lovers know and love Dvorak's “New World” Symphony, Opus 95, and his “American” String Quartet, Opus 96, but fewer know the work he wrote next: his String QUINTET, Opus 97. We think that's a shame, since all three rank among the finest things the Czech composer ever wrote. Dvorak's Quintet is also nicknamed the “American” – and for good reason: It was completed in 1893 on today's date in Spillville, Iowa, during the composer's summer vacation in that small, rural community of Czech immigrants, where he and family could escape the noise and bustle of New York City and his duties there at the National Conservatory. Dvorak had been brought to America to teach Americans how to write American music, but, like any good teacher, Dvorak was as eager to LEARN as to teach. In New York, Henry T. Burleigh, a talented African-American Conservatory student taught Dvorak spirituals, and in Spillville, Dvorak eagerly attended performances of Native American music and dance by a group of touring Iroquois Indians. Traces of those influences can be heard in Dvorak's “American” works. In his Quintet, for example, unison melodic lines and striking rhythms seem to echo the Iroquois chants and drums Dvorak heard during his summer vacation in Spillville. Music Played in Today's Program Antonin Dvorak (1841-1904) – II. Allegro vivo, fr String Quintet in E-Flat Major, Op. 97 (Vlach Quartet Prague with Ladislav Kyselak, viola) Naxos 8.553376 On This Day Births 1779 - Baltimore lawyer Francis Scott Key, who in 1814 wrote the words of "The Star-Spangled Banner," setting his text to the tune of a popular British drinking song of the day, "To Anacreon in Heaven," written by John Stafford Smith; The text and the tune became the official national anthem by and Act of Congress in 1931; 1858 - Austrian composer Hans Rott, in Vienna; 1913 - American composer Jerome Moross, in Brooklyn; 1930 - British pop song and musical composer Lionel Bart, of "Oliver!" fame, in London; Deaths 1973 - Gian-Francesco Maliperio, Italian composer and first editor of collected works of Monteverdi and Vivaldi, age 91, in Treviso; Premieres 1740 - Thomas Arne: masque, “Alfred” (containing “Rule, Brittania”), in Clivedon (Gregorian date: August 12); 1921 - Hindemith: String Quartet No. 3, Op. 16, by the Amar Quartet (which included the composer on viola) in Donaueschingen, Germany; 1968 - Webern: "Rondo" for string quartet, written in 1906, at the Congregation of the Arts at Dartmouth College in Hanover, New Hampshire; 1993 - Ellen Taaffe Zwilich: Concerto for Horn and String Orchestra, at the Bravo! Music Festival in Vail, Colo., by soloist David Jolley with the Rochester Philharmonic, Lawrence Leighton Smith conducting; Others 1892 - John Philip Sousa , age 37, quits the U.S. Marine Corps Band to form his own 100-piece marching band; 1893 - In Spillville Iowa, Antonin Dvorák finishes his String Quintet in Eb, Op. 97 ("The American") during his summer vacation at the Czech settlement. Links and Resources On Dvorak

Endlich wieder ein Trainingslager-GEISSPOD: Unsere Reporter Sonja und Marc sind beim 1. FC Köln in Donaueschingen und sprechen in einer neuen Folge des FC-Podcasts vor allem über den eigenwilligen Anthony Modeste und den Neuzugang Sargis Adamyan. Als Spezialgast ist zudem Matthias Köbbing im GEISSPOD.

220616PCAlle Jahre wieder! Der rätselhafte Feiertag. Mensch Mahler am 16.6.2022 Fron – Leich – Nam. Rätselhaft. In Gegenden mit überwiegend katholischer Bevölkerung ein Feiertag – und in Sachsen. Die nahmen nach der Wende alles mit, was sie kriegen konnten an Freizeit. Prozessionen, mit der Monstranz, in der das Blut Christi sein soll, in echt, Blumenteppiche, von denen ich in Meiner Kindheit begeistert war. Da, wo ich herkomme, war ein kleines Dorf, Hüfingen bei Donaueschingen, mit hunderttausenden Blüten in allen Straßen übersät. Ich konnte es als Kind nicht fassen, dass die ProzessionsteilnehmerInnen auf den Blumen rumgetrampelt sind. Was um alles in der Welt feiern wir heute, wenn wir nicht gedankenlos die freie Zeit bei herrlichstem Wetter am Badesee oder im Freibad verbringen?Als Evangele ist es einfach zu erklären: Fronleichnam bei den Katholen ist Gründonnerstag bei den reformierten Kirchen. Gefeiert wird nichts anderes als das letzte Abendmahl Jesu mit seinen Freundinnen und Freunden vor seiner Hinrichtung. Es wird öffentlich: Die Prozessionen führen über Feld und Flur, der Fronleichnam – der Leib des Herrn in Brot in Wein, die Hostie in der Monstranz, wird in die Öffentlichkeit getragen. Gut so! Da gehört er hin. Nicht hinter muffigen Kirchenmauern gefangen, sondern hinausgetragen in einen herrlichen Sommertag. Gott ist da – in Jesus Christus ist er präsent. Für alle Zeiten. Oder wie die Katholiken sagen: die immerwährende Präsenz Gottes in Christus in der Welt. Da gehört er hin – hinein is pralle Leben. Vielleicht merken sie etwas davon, heute. Dass dieser Tag nicht nur freie Zeit ist, sondern mehr: Transzendenz, die unser kleines, kurzes Leben in einen größeren Zusammenhang stellt. Wir sind mehr: Weltgeschichte. Ein kleines Staubkorn zwar, aber immerhin: Ein Puzzleteil in Gottes großem Gemälde mit seinen Milliarden von Menschen. In Zeit und Ewigkeit. Einen inhaltsreichen Feiertag wünsche ich Ihnen! See acast.com/privacy for privacy and opt-out information.

Vor hundert Jahren wurde der griechisch-französische Komponist Iannis Xenakis geboren. Er war nicht nur Musiker, sondern auch Architekt, der u.a. mit Le Corbusier zusammenarbeitete, und auch seine Musik überschreitet Grenzen.  Eine musikalische Linie etwa kann sich bei Xenakis zu einer musikalischen Fläche, ja sogar zu einem musikalischen Körper ausweiten. Der grosse musikalische Erneuerer hat auch «fremde» Parameter mit Klängen in Verbindung gebracht: Seine Musik knüpft an mathematische oder architektonische Prinzipien an oder auch an die Spieltheorie. Was man etwa bei der Bewegung einer Menschenmasse oder eines Bienenschwarms beobachten kann, lässt sich auch mit der Welt des Klangs verbinden. Dabei war die unmittelbare Wirkung für ihn sehr wichtig, oder wie er zu seinem Stück «Metastaseis» schrieb, das ihn 1955 bei der Aufführung in Donaueschingen international bekannt machte: «Die Zuhörenden müssen in die Flugbahn der Klänge hineingezogen werden. Der sinnliche Schock muss so eindringlich werden wie beim Anhören des Donners oder beim Blick in bodenlosen Abgrund.» In dieser Spezialausgabe der Diskothek kommen Einspielungen dreier verschiedener Werke des Komponisten zum Zug, über die die Pianistin Simone Keller und der Pianist und Komponist Stefan Wirth zusammen mit Norbert Graf diskutieren.

Berlin violinist, performer and music mediator Daniella Strasfogel talks about musical identities, music for children and international new music trends. Through her years of development as an artist, Daniella has consistently sought to deepen her understanding of her body as a vessel for interpretation, through the instrument and the voice as well as through physicality of movement and gesture. She is a founding member of the Solistenensemble Kaleidoskop Berlin and was artistic director of the ensemble from 2010-2015.Daniella Strasfogel: https://www.daniellastrasfogel.com/__________– Discussed in this episode –• Schrumpf!:https://www.loudsoft.de/schrumpf/• Ensemble Adapter: http://www.ensemble-adapter.de/• Splitter Orchester: https://splitter.berlin/• Splinter Orchestra: https://www.splinterorchestra.com/• Kaleidoskop: https://kaleidoskopmusik.de/• Ernstalbrecht Steibler: http://www.ernstalbrecht-stiebler.de/• Ethan Braun: https://www.ethanbraun.com/• Entartete Musik (Degenerate Music): https://en.wikipedia.org/wiki/Degenerate_music• György Kurtág: https://www.boosey.com/composer/gyorgy+kurtag• Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik (Darmstadt Summer Course for New Music): https://internationales-musikinstitut.de/en/ferienkurse/• Thomas Meadowcroft: http://www.thomasmeadowcroft.com/• Donaueschinger Musiktage (The Donaueschingen Festival): https://www.donaueschingen.de/musiktage• Max Richter: https://www.maxrichtermusic.com/• André Rieu: https://www.andrerieu.com/__________Opening music: Heaven Only Empty (2014) – Damien RicketsonClosing music: Light for the First Time (2017) – Bree van ReykThe Offcast is hosted by Claire Edwardes OAM, and produced and edited by Ben Robinson.Ensemble Offspring: https://ensembleoffspring.com/This episode of The Offcast is sponsored by Limelight

Der VfB holt mit einer respektablen Leistung einen wichtigen Punkt in Mönchengladbach und wir blicken wieder optimistisch auf die nächsten Wochen. Es stand wirklich unter keinen guten Vorzeichen, dieses Spiel, das später als 1:1 in Mönchengladbach in die Chronik eingehen sollte. Umso beeindruckender die Leistung der Brustringträger, die einen Punkt holten, über den wir und unser Gast Marion (@marion73069) uns mehr freuen als unser zweiter Gast, Gladbach-Fan und ARD-Radiomoderatorin Lisa (@LisaTellers). Mit den beiden reden wir über die zwei sehenswerten Treffer und den unterschiedlichen Grad an Effizienz der Mannschaften. Anschließend blicken wir auf die kommenden Wochen und den nächsten Gegner aus Köpenick, den der VfB endlich wieder vor einen potenziell vollen Haus, vor allem aber vor einer wiedererweckten Cannstatter Kurve bestreiten kann. Natürlich kommen wir um das Thema Corona nicht drumherum, widmen uns zum Abschluss aber unseren Nachwuchs-, Leih und Nationalspielern, FairTrade-Merch und Christian K. aus Donaueschingen. Die Themen im Überblick 00:01:14   Begrüßung 00:11:31   Das 1:1 in Mönchengladbach 01:00:40   Die Lage nach dem achten Spieltag 01:13:15   Weitere Themen rund um den Brustring: Nachwuchs-, Leih- und Nationalspieler, Cannstatter Kurve Werdet Gast im Podcast Wir suchen wieder Podcast-Gäste für unsere wöchentlichen Folgen! Schreibt uns unter podcast@rundumdenbrustring.de! Weitere Infos findet Ihr hier. Rund um den Brustring unterstützen Wenn Ihr uns finanziell unterstützen wollt, könnt Ihr das entweder über Patreon oder PayPal tun. Das Geld nutzen wir, um die laufenden Kosten zu decken und Rund um den Brustring weiter zu entwickeln. Schon kleine Spenden helfen uns. Wir freuen uns auch über eine Rezension bei Apple Podcasts, die wir dann natürlich auch im Podcast vorlesen. Wenn Euch unser Podcast gefällt, gebt uns gerne Feedback dazu, sei es auf Facebook, Twitter, Instagram, als Sprachnachricht bei WhatsApp oder Telegram (0157 51108680) oder eben in Form einer positiven Bewertung und ein paar netten Worten auf Apple Podcasts. Wir freuen uns natürlich auch, wenn Ihr uns ganz altmodisch offline weiterempfehlt! Ihr könnt uns übrigens auch bei YouTube und Spotify abonnieren und hören. Danke an: Ron (@Brustring1893) für Intro und Outro.

Wer in Donaueschingen gespielt wird, hat es geschafft – sagen Komponistinnen und Komponisten. Ist die badische Stadt tatsächlich der unbestrittene Olymp der zeitgenössischen Musikszene? Welche Impulse hat das Festival in den letzten 100 Jahren gesetzt? Und wohin geht die Reise? Martina Seeber diskutiert mit Sylvain Cambreling – Dirigent, Manos Tsangaris – Komponist, Dr. Lydia Jeschke – Redaktionsleiterin Neue Musik und Jazz im SWR

Unsere Reihe #MusikNah ist eine Kooperation mit den Jungs von MusikNah. Yannik und Niklas haben schon im Interview erzählt wie sie Bands und Einzelkünstler:innen mit ihren Partner:innen fördern und verbreiten. Das Stadtgespräch Marburg ist nun auch Partner und möchte mithelfen Musiker:innen zu fördern. Bei uns könnt ihr in kurzen Selbstinterviews die Gewinner:innen der Stagetalents der Wochen Wahl hören. Sie erzählen kurz wer sie sind, was sie machen und warum. Wenn ihr dann richtig heiß geworden seid könnt ihr unter den unten angegebenen links die Musik auch gleich hören. Und wer noch mehr über Musikförderung wissen möchte kann sich unter musiknah.de mit der Arbeit der zwei Cappler vertraut machen. In ihrem außergewöhnlich abwechslungsreichen Songrepertoire verbinden "Remain a Mystery" aus Donaueschingen, seit ihrer Gründung im Winter 2017, Handpan (René Fichter) und Akustik-Gitarre (Matthias Schorp) auf ihre ganz eigene Art und Weise! Wundervolle Melodien im Einklang mit unterschiedlichsten Rhythmen erzeugen eine Klangvielfalt, die die Zuhörer in völlig andere Welten abtauchen lässt. Mal ruhig und entspannt dann wieder überraschend schnell und rythmisch. Von beispielsweise spanischen Gitarrenmelodien über elektronisch klingende Beats bis hin zu entspannt meditativen Klängen scheut das Duo "Remain a Mystery" vor nichts zurück! Taucht ein in eine mysteriöse Welt der Klänge! https://www.remainamystery.com/ https://www.facebook.com/remainamystery https://www.instagram.com/remain_a_mystery/ https://open.spotify.com/artist/5pWcgNZooego1t2mcvQRL8 ramofficial@web.de https://www.youtube.com/channel/UCpUhmtEIKyfXUwDVpylPXHw/featured (Dieser Beitrag steht unter Creative Commons cc-by-nc-sa, Jingle MusikNah/Michael/Jonaton, Schnitt Michael , Bild: 5Raumfenster) /mh Folge direkt herunterladen

Den ersten Stern im ersten Jahr und den zweiten Stern im zweiten Jahr - Manuel Ulrich hat auch der Lockdown nicht stoppen können. Mehr über seine Arbeit im Ösch Noir gibt es in dieser Podcast-Folge.

"Springboard" und "Singel Saw" sind Disziplinen beim Lumberjack, einer Sportart, die den Athleten viel Kraft, Geschicklichkeit und Konzentration abverlangt. Außerdem finden am Wochenende das Weltenbummler-Treffen der Unimogs und das Fest der Pferde statt. Viel Spaß!

Sonja und Marc fahren aus Donaueschingen zurück nach Köln und nutzen die Zeit für ein Fazit zum Trainingslager des 1. FC Köln. Im GEISSPOD sprechen die GEISSBLOG-Reporter über Steffen Baumgart, den FC-Kader und die Lehren aus den zehn Tagen im Schwarzwald. Die Carpool-Version des FC-Podcasts - jetzt anhören, mitdiskutieren und teilen.

Synopsis Today's date marks the premiere of two chamber works from the 1920s, both landmark and transitional works from two of the 20th century's most influential composers. On this date in 1920, at London's Wigmore Hall, the Swiss conductor Ernest Ansermet led the first performance of a “Grand Suite” from Igor Stravinsky's biting anti-war stage fable entitled “The Soldier's Tale.” During and immediately following the First World War, Stravinsky had developed a spiky, jagged, and occasionally jazzy style, and music from “The Soldier's Tale” is typical of this period. But Stravinsky did a compositional about-face that same year with one of his earliest “neo-classical” scores: the ballet “Pulcinella,” based on themes borrowed from 18th century composers. Stravinsky's “neo-classical” period would last for another three decades until the 1950s, when he became fascinated with the 12-tone method of composition developed by the Austrian composer, Arnold Schoenberg. And speaking of Schoenberg, on today's date in 1924, his “Serenade” received its premiere at the Fourth Donaueschingen Festival in Germany. “Serenade” was the first work in which Schoenberg employed his strict “12-tone” method of composition, avoiding traditional 18th century rules of melody and harmony – and only its Mozartean sounding title could be considered “neo-classical.” Music Played in Today's Program Igor Stravinsky (1882 – 1971): L'histoire du Soldat Suite (Harmonie Ensemble; Steven Richman, cond.) Koch 7438 Igor Stravinsky (1882 – 1971): Pulcinella Suite (Columbia Chamber Ensemble) Sony 64136 Arnold Schoenberg (1874 – 1951): Serenade, Op. 24 (Ensemble InterContemporain) Sony 48463 On This Day Births 1872 - French composer Déodat de Severac, in Saint-Félix-de-Caraman, Lauraguais 1908 - Swedish composer Gunnar de Frumerie, in Nacka (near Stockholm Deaths 1752 - German-born English composer and conductor John Christopher (Johann Christoph) Pepusch, age 85, in London; In 1710 was one of the founding members of the "Academy of Ancient Music," which revived 16th century vocal music; He orchestrated some of the numbers in John Gay's famous "The Beggar's Opera" in 1728 Premieres 1920 - Stravinsky: "Grande Suite" from the staged work "The Soldier's Tale," in London at Wigmore Hall, with Ernest Ansermet conducting 1924 - Schoenberg: "Serenade" for chamber ensemble, in Donaueschingen, Germany 1942 - Miaskovsky: Symphony No. 23, in Moscow 1958 - Xenakis: "Achorripsis" for 21 instruments, in Brussels 1970 - Morton Feldman: "Mme. Press Died Last Week at Ninety," an orchestral work commemorating his Russian piano teacher, in St. Paul de Venice, France

Synopsis Today's date marks the premiere of two chamber works from the 1920s, both landmark and transitional works from two of the 20th century's most influential composers. On this date in 1920, at London's Wigmore Hall, the Swiss conductor Ernest Ansermet led the first performance of a “Grand Suite” from Igor Stravinsky's biting anti-war stage fable entitled “The Soldier's Tale.” During and immediately following the First World War, Stravinsky had developed a spiky, jagged, and occasionally jazzy style, and music from “The Soldier's Tale” is typical of this period. But Stravinsky did a compositional about-face that same year with one of his earliest “neo-classical” scores: the ballet “Pulcinella,” based on themes borrowed from 18th century composers. Stravinsky's “neo-classical” period would last for another three decades until the 1950s, when he became fascinated with the 12-tone method of composition developed by the Austrian composer, Arnold Schoenberg. And speaking of Schoenberg, on today's date in 1924, his “Serenade” received its premiere at the Fourth Donaueschingen Festival in Germany. “Serenade” was the first work in which Schoenberg employed his strict “12-tone” method of composition, avoiding traditional 18th century rules of melody and harmony – and only its Mozartean sounding title could be considered “neo-classical.” Music Played in Today's Program Igor Stravinsky (1882 – 1971): L'histoire du Soldat Suite (Harmonie Ensemble; Steven Richman, cond.) Koch 7438 Igor Stravinsky (1882 – 1971): Pulcinella Suite (Columbia Chamber Ensemble) Sony 64136 Arnold Schoenberg (1874 – 1951): Serenade, Op. 24 (Ensemble InterContemporain) Sony 48463 On This Day Births 1872 - French composer Déodat de Severac, in Saint-Félix-de-Caraman, Lauraguais 1908 - Swedish composer Gunnar de Frumerie, in Nacka (near Stockholm Deaths 1752 - German-born English composer and conductor John Christopher (Johann Christoph) Pepusch, age 85, in London; In 1710 was one of the founding members of the "Academy of Ancient Music," which revived 16th century vocal music; He orchestrated some of the numbers in John Gay's famous "The Beggar's Opera" in 1728 Premieres 1920 - Stravinsky: "Grande Suite" from the staged work "The Soldier's Tale," in London at Wigmore Hall, with Ernest Ansermet conducting 1924 - Schoenberg: "Serenade" for chamber ensemble, in Donaueschingen, Germany 1942 - Miaskovsky: Symphony No. 23, in Moscow 1958 - Xenakis: "Achorripsis" for 21 instruments, in Brussels 1970 - Morton Feldman: "Mme. Press Died Last Week at Ninety," an orchestral work commemorating his Russian piano teacher, in St. Paul de Venice, France

Es könne keine Rede davon sein, dass Deutschland die afghanischen Ortskräfte der Bundeswehr im Stich lasse, sagt der CDU-Politiker und stellvertretende Fraktionsvorsitzende Thorsten Frei aus Donaueschingen in SWR2. Seit der Verringerung der deutschen Präsenz in Afghanistan nach 2013 seien etwa 3.400 gefährdete Ortskräfte in Deutschland aufgenommen worden. „Aktuell werden mit Hochdruck weitere Sicherheitsüberprüfungen vorgenommen“, so der CDU-Politiker, „so dass alle diejenigen, die gefährdet sind, weil sie für die Bundesrepublik Deutschland gearbeitet haben, auch tatsächlich aufgenommen werden können.“ Die Gefährdungslage im Land sei allerdings ein Problem, räumt Thorsten Frei ein. Er hoffe, dass die in Kabul selbst noch immer als relativ stabil geltende Situation erlauben werde, alle Anträge auch so bald wie möglich zu bearbeiten.

In dieser Episode ist Kathrin Riedy vom Deutschen Assistenzhunde-Zentrum von Donaueschingen bei mir zu Gast. Frau Riedy bildet Assistenzhunde für die unterschiedlichsten Erkrankungen und Menschen aus, unter anderem Diabetikerwarnhunde, um die Lebensqualität der Betroffenen zu verbessern.

Themen in dieser Folge u.a.: Raphael Netz gewinnt auf Elastico den Piaff-Förderpreis in Mannheim - Isabell Werth im Special nicht zu schlagen - Turnier in Donaueschingen wird Teil der Riders Tour - Isländer-WM abgesagt.

Welcome to the Instant Trivia podcast episode 43, where we ask the best trivia on the Internet. Round 1. Category: Everything From A To X 1: The tip, point or summit apex. 2: A conclusion that is far less important or less powerful than expected anticlimax. 3: In 1613 some 60,000 died of this infectious disease in southern Europe anthrax. 4: To officially incorporate territory into a country's domain annex. 5: The word vermiform, meaning wormlike, often precedes this body part the appendix. Round 2. Category: A Dress 1: Don't apologize, it's the popular Hindu style of garment seen here: Sari. 2: This diminuitive dress style seen here was introduced by Mary Quant in the 1960s: Mini dress/skirt. 3: This term for the dress seen here could also apply to its Roaring '20s wearers: Flapper. 4: "Canine" favorite of the 1950s seen here: Poodle skirt. 5: Often used as a dressing robe, it's the Asian style of dress seen here: Kimono. Round 3. Category: A Vulgar Display Of "Power" 1: Collective coalition name for Germany, Austria-Hungary, Bulgaria and the Ottoman Empire during WWI the Central Powers. 2: Any of several portable G4 computers made by Apple Powerbooks. 3: A period of time in a hockey game where one team has a numerical advantage the power play. 4: Zordon and Alpha recruited the teenagers who became this "Mighty Morphin'" group the Power Rangers. 5: This multi-state lottery has peaked over 200 million dollars more than once Powerball. Round 4. Category: German Rivers 1: The 339-mile Moselle River forms part of the boundary between Germany and this duchy Luxembourg. 2: The Pegnitz and the Rednitz join to form the Regnitz River just NW of this German city famous for its trials and rallies Nuremberg. 3: A major waterway of western Germany, the Weser river flows 273 miles to this sea the North Sea. 4: The Neckar river of SW Germany begins its 228-mile course near Schwenningen in this region aka the Schwarzwald the Black Forest. 5: The Breg and the Brigach unite at Donaueschingen, Germany to form this second-longest river in Europe the Danube. Round 5. Category: Historic Couples 1: Some say this Scottish queen only married the Earl of Bothwell because he abducted her Mary, Queen of Scots. 2: This "Great" czar forced his first wife, Eudoxia, to become a nun, but she gave up the veil and romanced Stepan Glebov Peter the Great. 3: This philandering U.S. pres. called his wife Florence "The Duchess"; we wonder if she had any choice nicknames for him Warren G. Harding. 4: In his will, this playwright left his second-best bed to his wife; maybe the best one went to Gwyneth Paltrow William Shakespeare. 5: Against all odds, Catherine Parr's marriage to this man who'd been wed 5 times before was surprisingly happy Henry VIII. Thanks for listening! Come back tomorrow for more exciting trivia!

„Répons“ lautet der Titel einer Komposition von Pierre Boulez, die am 18. Oktober 1981 in Donaueschingen vom Pariser Ensemble Intercontemporain aus der Taufe gehoben wird. Der Begriff verweist auf den liturgischen Wechselgesang zwischen einem Vorsänger und der Gemeinde. Und genau das findet in Boulez‘ Stück für sechs Solisten, Kammerensemble, Computerklänge und Live-Elektronik statt.

Das Stück To Zeitblom von Lars Petter Hagen ist maximal unvorhersehbar. Erst ist es ein Solokonzert für die norwegische Hardangerfidel. Nach etwa sieben Minuten aber nimmt das Szenario eine unerwartete Wendung: Die Musik wird unterbrochen, Lars Petter Hagen selbst nimmt ein Mikrofon zu Hand und beginnt eine Publikumsansprache. Leonie Reineke in der Reihe Donaueschingen Greatest Hits #3 über die Uraufführung 2011.

2005 kommt in Donaueschingen ein Werk vom Norweger Lars Petter Hagen zur Uraufführung: Norwegian Archives. Anstatt sich mit neuen Klängen, Ansätzen und Musiksprachen zu befassen, besinnt sich der Komponist in seinem ersten tonalen Werk auf die klingende Vergangenheit seines Landes. Das sorgt natürlich für Kontroversen. Volkstümelei oder überzogene Ironie? Leonie Reineke in der Reihe Donaueschingen Greatest Hits #2 über ein skandalös rückwärtsgewandtes Werk in Donaueschingen.

1977 in Donaueschingen: Der Cellist müht sich mit einer Uraufführung ab: Es wird gesungen, mit dem Fuß getrampelt, und gespielt. Alles gleichzeitig. Die neue Komplexität erreicht Donaueschingen. Aber ist die Musik von Ferneyhough wirklich unspielbar oder wird mit dieser Belastung einfach ein totaler Identifikationszustand erreicht? Michael Rebhahn über diesen Meilenstein der Uraufführungen bei den Musiktagen.

German sculptor Stefan Rohrer loves cars and mopeds. His artwork, repurposed from old vehicles, bear titles like “Whiplash“. These embody the thrill of high speed, but also the devastation of resulting disasters.

Überraschend schnell wurden die Ermittlungen zum schlimmsten Terror-Attentat der deutschen Nachkriegsgeschichte eingestellt. Der 21-jährige Geologiestudent Gundolf Köhler aus Donaueschingen habe alles allein gemacht. Nach dem Anschlag wurde eine Hand gefunden. Eine ganze Hand - kaum beschädigt, sie kann nicht von Köhler sein. Im Laufe der Jahre ist dieses Asservat verschwunden. Wem hat sie gehört? 40 Jahre nach dem Oktoberfest-Attentat gibt es noch immer viele Unklarheiten und Fragen. Juliette Marischka aus den ANTENNE BAYERN-Nachrichten hat das Attentat als junges Mädchen überlebt. Erstmals erzählt sie als Augenzeugin von dieser Nacht. ANTENNE BAYERN - Reporter Christoph Lemmer spricht mit Zeitzeugen und geht den vielen offenen Fragen nach. Geheimakte „Oktoberfest-Attentat“ - Ein Podcast von ANTENNE BAYERN. Seit September 2020 gibt es ein neues Buch von U. Chaussy: „Das Oktoberfest-Attentat und der Doppelmord von Erlangen - Wie Rechtsterrorismus und Antisemitismus seit 1980 verdrängt werden“ ISBN 978-3-96289-100-8 im Chr. Links Verlag

Die Dressurtage sind das Highlight des Jahres in Donaueschingen, auch wenn das Event in diesem Jahr leider kleiner ausfällt als sonst. Wir empfehlen Ihnen außerdem eine Wanderung auf dem Markgräfler Wiiwegli.

Dedicamos nuestro programa a la compositora londinense Rebecca Saunders, nacida en 1967. Tras sus estudios en la Universidad de Edimburgo, bajo la supervisión de Nigel Osborne, pasó a trabajar con Wolfgang Rihm en Alemania, país en el que mantiene su residencia. Su música ha sido reconocida con numerosos premios, incluyendo el Ernst von Siemens Förderpreis, el Premio Paul Hindemith, el Royal Philharmonic Society Composition Award para música de cámara o el Premio de Música GEMA de Música Instrumental en 2010, entre otros. En 2009 fue seleccionada como miembro de la Academia de Artes de Berlín, y desde 2013 forma parte de la Academia de las Artes de Sajonia en Dresde. Desde 2003 Saunders ha intensificado su interés en las propiedades escultóricas del sonido, planteando trabajos que se aproximan, en algunos aspectos, al tipo de escucha propio de las instalaciones sonoras. Estos trabajos varían cada vez que se presentan en un nuevo espacio, y la forma en que interactúan los instrumentos en estas piezas trasciende la idea de grupo instrumental unificado, respondiendo más bien a conceptos de organización de inspiración arquitectónica, poética, pictórica, literaria, filosófica, o puramente sonora. Saunders crea, así, yuxtaposiciones de segmentos autónomos y líneas temporales de eventos en los que la coordinación de los elementos depende de la escucha subjetiva entre los diferentes instrumentistas (que la compositora controla con parámetros musicales no tradicionales). Es, desde luego, el caso de la primera obra que presentamos en nuestro programa, el collage espacial titulado "Stasis", fechado en 2011, cuando se presentó en el festival de Donaueschingen. Este trabajo consta de veintitrés módulos, que son interpretados por dieciséis solistas que ocupan acústicamente un espacio complejo durante casi una hora. La inspiración parte aquí de un breve y esquelético texto de Beckett, "Still", de 1974, donde se describe a un protagonista desconocido observando un atardecer y aguardando algún sonido: "Una noche mientras estaba sentado a la mesa con la cabeza entre las manos se vio levantarse e irse. Una noche o un día. Porque cuando su propia luz desapareció no quedó a oscuras". También escuchamos, a modo de contraste, "Blue And Gray", un trabajo de 2005 de unos diez minutos de duración, escrito para dos contrabajos como resultado de un encargo de la Konzerthaus Dortmund. Su título procede de un cuadro de Mark Rothko de 1962, pero también ciertas ideas de Kandinsky, Derek Jarman y Goethe nutrieron el proceso compositivo de una obra que viaja desde las violentas texturas graves de los instrumentos hasta un lirismo melódico que recorre las tesituras más agudas de los contrabajos. La música de Rebecca Saunders, en la que es posible detectar claras influencias de autores como Helmut Lachenmann o Salvatore Sciarrino -especialmente en su aproximación al timbre instrumental-, también refleja esa tendencia, cada vez más frecuente entre los compositores de formación académica tradicional, que los aproxima a los planteamientos propios de prácticas que en las últimas décadas habían quedado más cerca del ámbito estético del arte sonoro, como desde luego es el caso de la instalación, tal y como se hace manifiesto en "Stasis", obra a cuya escucha retornamos al final de esta edición de Ars Sonora. Escuchar audio

Chill On Air Vol 69 Tracklist: 01. La Payara - Psicodelico Pez 02. Sun Electric - O'Locco (Space Therapy) 03. Afterlife - Warsaw 04. The Orb - A Beautiful Day 05. Gaudi - Sufani 06. Jungle - The Heat 07. Chroma Oscura - Glow Worm 08. Zagar - Countdown 09. Joey LaBeija, Nina Sky - dry your eyes 10. re:jazz - Donaueschingen feat. Atradies (Swell Session Remake) 11. Jean-Michel Jarre - Brick England (feat. Pet Shop Boys) 12. Crooked Colours - Just Breathe 13. Michael E - Space And Time

Chill On Air Vol 69 Tracklist: 01. La Payara - Psicodelico Pez 02. Sun Electric - O'Locco (Space Therapy) 03. Afterlife - Warsaw 04. The Orb - A Beautiful Day 05. Gaudi - Sufani 06. Jungle - The Heat 07. Chroma Oscura - Glow Worm 08. Zagar - Countdown 09. Joey LaBeija, Nina Sky - dry your eyes 10. re:jazz - Donaueschingen feat. Atradies (Swell Session Remake) 11. Jean-Michel Jarre - Brick England (feat. Pet Shop Boys) 12. Crooked Colours - Just Breathe 13. Michael E - Space And Time

Die Donaueschinger Musiktage sind ein jährlich von der „Gesellschaft der Musikfreunde“, dem Südwestrundfunk und der Stadt Donaueschingen in den Donauhallen und anderen Orten in Donaueschingen veranstaltetes Festival für zeitgenössische Musik, das jeweils am dritten Oktoberwochenende stattfindet. Es besteht in der Regel ausschließlich aus Uraufführungen und gilt international als eines der wichtigsten Festivals für Gegenwartsmusik. Derzeit wird es gefördert durch das Land Baden-Württemberg, die Kulturstiftung des Bundes und die Ernst von Siemens Musikstiftung. Seit einigen Jahren werden alle Konzerte live im Kulturprogramm SWR2 des Südwestrundfunks und im Internet übertragen. – (Wikipedia)

Eine Rezension von Klaus Hübner 32 Jahre alt war der 1869 geborene Engländer Algernon Blackwood, als er in Donaueschingen ankam, zusammen mit einem Freund das aus London gelieferte Kanu bestieg und sich auf den Wasserweg nach Budapest machte. Damals etwas absolut Ungewöhnliches, denn Kanufahren war noch nicht in Mode, es gab nur erste Rudervereine. Die Donau war an manchen Stellen viel wilder als heute. Und Briten waren noch Exoten, wie die prägnanten, manchmal auch recht lustigen Schilderungen vieler Begegnungen mit Uferbewohnern vor Augen führen. Die beiden Freunde schlugen sich tapfer. Abends bauten sie ihr Zelt auf, machten ein Feuer und kochten sich ein Süppchen. In aller Frühe ging’s weiter – doch was war das? In der Alb versickert der Fluss beinahe vollständig in Ritzen und Felsspalten! Also: im kalten Wasser waten und das Kanu tragen. Noch weit vor Ulm dann ein Dröhnen, „das klang wie ein Zug, der über eine hohe Brücke rast“. Das war die Iller: „Hals über Kopf stürzten ihre eisigen, wirbelnden, schlammgetrübten Wassermassen herein und brachten ein Tempo in den gemächlichen Lauf der Donau, das fast hundert Meilen lang anhielt“ … Es las Uwe Kullnick Den Text der Rezension finden Sie hier.

Attribution: Roberto Fabbriciani and Roberto Paci Dalò, in “Usmaradio” for the radio program “Voci” by Roberto Paci Dalò, recorded at Usmaradio, Summer 2019, cc by-sa al Una conversazione appassionante e rivelatrice con uno dei più grandi musicisti della scena internazionale. Roberto Fabbriciani ci trasporta dal mondo della musica a quello del suono sottolineando l'importanza della cultura elettronica anche per un mondo acustico e strumentale. Tanti racconti "backstage" nella sua collaborazione con Gigi Nono e Aldo Clementi disegnando percorsi e ricerche di cruciale importanza per il nostro presente. ° Roberto Fabbriciani è internazionalmente riconosciuto tra i migliori interpreti. Originale ed artista versatile, Roberto Fabbriciani ha innovato la tecnica flautistica moltiplicando con la ricerca personale le possibilità sonore dello strumento. Ha collaborato con alcuni tra i maggiori compositori del nostro tempo: Luciano Berio, Pierre Boulez, Sylvano Bussotti, John Cage, Elliot Carter, Niccolò Castiglioni, Aldo Clementi, Luigi Dallapiccola, Luis De Pablo, Franco Donatoni, Jindřich Feld, Brian Ferneyhough, Jean Françaix, Giorgio Gaslini, Harald Genzmer, Adriano Guarnieri, Toshio Hosokawa, Klaus Huber, Ernest Krenek, György Kurtág, György Ligeti, Luca Lombardi, Giacomo Manzoni, Bruno Maderna, Olivier Messiaen, Ennio Morricone, Luigi Nono, Goffredo Petrassi, Henri Pousseur, Wolfgang Rihm, Jean-Claude Risset, Nino Rota, Nicola Sani, Giacinto Scelsi, Dieter Schnebel, Salvatore Sciarrino, Mauricio Sotelo, Karlheinz Stockhausen, Toru Takemitsu, Isang Yun, molti dei quali gli hanno dedicato numerose ed importanti opere. Con Luigi Nono ha lavorato a lungo, presso lo studio sperimentale della SWF a Freiburg, aprendo e percorrendo vie nuove ed inusitate per la musica. Ha suonato come solista con i direttori Claudio Abbado, Roberto Abbado, Bruno Bartoletti, Luciano Berio, Ernest Bour, Bruno Campanella, Aldo Ceccato, Riccardo Chailly, Sergiu Comissiona, José Ramón Encinar, Peter Eötvös, Vladimir Fedoseyev, Gabriele Ferro, Daniele Gatti, Gianandrea Gavazzeni, Gianluigi Gelmetti, Michael Gielen, Cristóbal Halffter, Djansug Kachidse, Bernhard Klee, Vladimir Jurowsky, Peter Maag, Bruno Maderna, Diego Masson, Ingo Metzmacher, Riccardo Muti, Marcello Panni, Zoltán Peskó, Josep Pons, Giuseppe Sinopoli, Arturo Tamayo, Lothar Zagrosek, e con orchestre quali l’Orchestra della Scala di Milano, l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, le Orchestre della Rai, London Sinfonietta, LSO, RTL Luxembourg, BRTN Brussel, Orchestre Symphonique de la Monnaie, WDR di Colonia, SWF Baden-Baden, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Bayerischer Rundfunks, Münchener Philharmoniker. Ha effettuato concerti presso prestigiosi teatri ed istituzioni musicali: Scala di Milano, Filarmonica di Berlino, Royal Festival Hall di Londra, Suntory Hall di Tokyo, Sala Cajkowskij di Mosca, Carnegie Hall di New York e Teatro Colon di Buenos Aires ed ha partecipato a festivals quali Biennale di Venezia, Maggio Musicale Fiorentino, Ravenna, Londra, Edimburgo, Parigi, Bruxelles, Granada, Luzern, Warsaw, Salisburgo, Wien, Lockenhaus, Donaueschingen, Köln, München, Berlin, St. Petersburg, Tokyo, Cervantino. Ha inciso numerosi dischi molti dei quali premiati dalla critica ed è stato docente di flauto presso il Conservatorio “L. Cherubini” di Firenze e dei corsi di alto perfezionamento presso l’Università Mozarteum di Salisburgo. E’ autore di opere musicali e testi didattici adottati nei percorsi della didattica musicale internazionale, editi da Ricordi e Suvini Zerboni. Tra le sue recenti composizioni: Glacier in Extinction; Alchemies; Cantus; Suoni per Gigi; Quando sorge il sole; Zeus joueur de flûtes; Figaro il Barbiere (liberamente da Rossini); Grande, grande amore; Alluvione; Conversazione su Tiresia (di Andrea Camilleri).

Eine entschleunigte Performance - ein Künstler, der an seine Grenzen geht. Zum zweiten Mal habe ich Daniel Beerstecher zu Gast - heute aus aktuellem Anlass: Kommenden Sonntag beginnt seine Langzeitperformance „Walk in Time“. Daniel Beerstecher läuft mit 42,2 km ungefähr die Strecke eines Marathons die Donau entlang. Von Donaueschingen bis nach Tuttlingen - allerdings in Zeitlupe. Er läuft jeden Tag 6 Stunden und legt dabei pro Stunde ca 100-120 Meter zurück - 6 Tage die Woche, drei Monate lang. Dabei wird er mit allerlei Sensoren verkabelt sein und Atemfrequenz, Herzfrequenz, Körpertemperatur und Hautwiderstand werden aufgezeichnet. Viel Spaß mit Daniel Beerstecher. Er erzählt uns: - wie man sich als Künstler Glaubwürdigkeit aufbaut. - wie ein Burnout letztendlich zu dieser Performance geführt hat. - wie er sich körperlich und geistig auf diese Herausforderung vorbereitet. - von seinem Mindset, seiner Motivation, von Erwartungen und der Möglichkeit des Scheiterns. - vom Trend der Selbstoptimierung. - wie er solcher Projekte finanziert. Künstlergespräch und Start der Performance Sonntag 14. Juli 2019, 12 Uhr, Museum Art Plus, Donaueschingen. Dauer der Performance bis ca. 20. Oktober 2019. Darüber haben wir gesprochen: Zum weiterlesen - Die ausführlichen Shownotes, mit weiteren Fotos, Informationen und Links zu Inhalten aus dieser Podcastfolge findest du unter: http://www.saga.gallery/blog Gefällt dir dieser Podcast? Dann empfehle uns weiter und gib dem Podcast Art Companion | Strategien für Künstler*innen eine Rezension auf iTunes. www.saga.gallery | feedback@saga.gallery

Der Wellness-Gutschein liegt als Geschenk zu Hause in Donaueschingen, aber das Studio hat zum 1. Januar die Preise erhöht. Muss Andreas beim Einlösen des Gutscheins die Differenz zahlen?

Peti és Zoli Donauescingenben járt Vác város delegációjával megünnepelni Vác és Donaueschingen 25 éves testvérvárosi kapcsolatát. #sotetkamra #fotózás #vác #utazás oldalunk   ►http://sotetkamra.com facebook  ►https://www.facebook.com/sotetkamracast/ Csatlakozz hozzánk és kövesd adásainkat! Nemsokára újra jelentkezünk! Addig is, hogy ne maradj le semmiről, iratkozz fel a csatornára a legújabb tartalmakért és nézd vissza a régebbi adásokat is. --- Send in a voice message: https://anchor.fm/sotetkamra/message

Herzlich Willkommen zum Podcast "Travel to happy - Faszination Reisen", dem Podcast für alle die leidenschaftlich gerne reisen und unterwegs sind. In dieser Folge erzähle ich von meinem Projekt „Deutscher Donau-Radweg von Donaueschingen bis Passau“. Ein erholsamer Urlaub direkt vor der Haustür mit ganz kleinem Aufwand. Warum der Donau-Radweg für mich das Prädikat „sehr empfehlenswert“ verdient hat und warum diese Reise für jeden geeignet ist, das erfährst du in dieser Folge. Viel Inspiration und viel Spaß!---Hier gibt es einen Radtouren-Führer für den Donau-Radweg: https://www.esterbauer.com/db_detail.php?buecher_code=DRW1---Schreib mir gerne deine Anregungen, dein Feedback, deine Wünsche und Kritik: traveltohappy@gmx.deMeine facebook-Seite mit Fotos meiner Unternehmungen - stay in touch: https://www.facebook.com/naturepixjulianethamm/

Jedes Jahr findet im beschaulichen Donaueschingen eines der bedeutendsten Festivals für zeitgenössische Musik statt. Es geht aber nicht nur um Musik, sondern es wird vor allem experimentiert: mit Tönen, Spielorten und dem Publikum. >> Artikel zum Nachlesen: https://detektor.fm/musik/donaueschinger-musiktage

20 Uraufführungen, 12 Spielstätten, 13 Ensembles. Allein am Samstag sechs Konzerte innerhalb von 14 Stunden. Stücke von Komponistinnen und Komponisten aus 18 Ländern. Dazu Lectures, Performances, Klanginstallationen. Ein überbordendes Programm ist in Donaueschingen die Regel. Trotzdem war das Programm in diesem Jahr so breitgefächert wie selten.

Moral ist kein Orden, den man sich äußerlich anheften kann. Moral ist der innerste Kern einer Haltung, die das Handeln bestimmt. Wer über eine starke Moral verfügt, kann auch in scheinbar aussichtslosen Situationen bestehen. So zeigt sich an Haltung und Handeln nicht nur, wes Geistes Kind jemand ist, sondern ob sein Streben auch der Gesellschaft, […]

S01E21 mixed by Hugo Hp (Deck Fat Records / Luxembourg / Luxembourg) TRACKLIST 1) Ennio Morricone – L’Estasi dell oro (Bandini remix) 2) A Forest Mighty Black – Rebirth 3) Truby Trio – Donaueschingen 4)...

In dieser Woche fand die offizielle Teampräsentation des Amateur-Eliteteam des RSC Donaueschingen statt. Zehn Fahrer treten für die Baaremer in der aktuell laufenden Saison in die Pedale, Teamkapitän ist Raphael Bertschinger. Neben ihm treten Denis Bojarkin, Dominik Hetzer, Karl Zimmerer, Philipp Föry, Jan Fahl, Janusch Laule, Daniel Fahl, Felix Koch und Benjamin Premiati in die Pedale. Betreut werden die Fahrer von Teamleiter Bruno Wischnewski und dem sportlicher Leiter Erich Bertschinger. Ich konnte am Rande einer wirklich gelungenen Präsentation ein paar Stimmen einfangen.

Begrüßung durch den Rektor der Albert-Ludwigs-Universität Freiburg Prof. Dr. Dr. h.c. Hans-Jochen Schiewer Ein Exemplum für die Kooperation: Zeitgenössische Kompositionen und SWR Sinfonieorchester: Donaueschingen Barbara Eckle (Neue Musikzeitung), Prof. Dr. Jürg Stenzl (Universität Salzburg) und Armin Köhler (SWR) Moderation: Anne Holzmüller (Freiburg)

Begrüßung durch den Rektor der Albert-Ludwigs-Universität Freiburg Prof. Dr. Dr. h.c. Hans-Jochen Schiewer Ein Exemplum für die Kooperation: Zeitgenössische Kompositionen und SWR Sinfonieorchester: Donaueschingen Barbara Eckle (Neue Musikzeitung), Prof. Dr. Jürg Stenzl (Universität Salzburg) und Armin Köhler (SWR) Moderation: Anne Holzmüller (Freiburg)

Mark is an American composer who is currently based in Berlin. He works in the areas of concert music and concert installation. Recent commissions include new works for the Donaueschingen, Witten, and Darmstadt festivals as well as for ensemble recherche, KNM Berlin, and Ensemble Intercontemporain. You can listen to more of his music at www.mark-barden.com.In our conversation we talk about his former life as a pianist and why he chose to become a composer, his frustation and solution for writing in a concert hall setting, and combining Arabic poetry with Western art music. The piece played in this interview is Alam and was performed by KNM Berlin.

The Sixteen, Harry Christophers from "Monteverdi: Selva morale e spirituale, Vol. 1" (Coro) Buy at iTunes Music Store More On This Album Without doubt, Monteverdi was the greatest of the early baroque European composers. He revolutionized the music of the theater and the church by his dramatic and imaginative use of voices and instruments and by his daring harmonies and rhythms. Next to his Vespers of 1610, the Selva morale e spiritual of 1641 is his most significant and virtuosic collection of sacred music. Over the next few years we intend to record the complete publication with a variety of forces. His much performed Beatus vir is a mere appetizer for this delightful yet thrilling music.BYU Men's Chorus "Goin' Home" (mp3) from "The Pilgrim's Journey Home" (Tantara Records) Buy at iTunes Music Store More On This AlbumLift your spirits with a brand-new collection of inspirational folk hymns and songs. Although life may be difficult, the youthful and energetic voices of the BYU Combined Choirs and Orchestra will inspire and strengthen you on your own journey home.Florilegium & Arakaendar Bolivia Choir, Ashley Solomon "Fuera, Fuera! Haganles Lugar!" (mp3) from "Bolivian Baroque Vol. 3" (Channel Classics Records) Buy at Napster Buy at iTunes Music Store Buy at Amazon MP3 More On This Album Welcome to our third volume of Bolivian Baroque music which was, unusually, recorded in three different venues, in two different countries almost 6250 miles apart. This time the majority of the CD was recorded in Holland (in both the Waalse Kerk in Amsterdam and the Doopsgezinde Kerk in Deventer) during Arakaendar Bolivia Choirís first tour of Europe with Florilegium in 2008. In addition we have included a number of solo organ pieces from the Bolivian archives which James Johnstone recorded on the restored anonymous 18th century Blockwerk organ in the Mission Church of Santa Ana de Velasco. This is the first European recording on this remarkable instrument, its raw sound recorded here for posterity. The music on this volume differs considerably from the other two Channel Classics recordings (CCS 22105 & CCS 24806) as it mainly showcases Arakaendar Bolivia, the choir I set up in 2005. They continue to thrive and have shown tremendous commitment and determination in preparing this challenging and varied programme. We were delighted to be nominated by BBC Music Magazine for the best choir recording of 2008 for our last CD recording, as well as receiving our 5th Editorís Choice from Gramophone magazine. I hope this new volume is received as warmly.The Choir of St Mary's Cathedral, Edinburgh, Duncan Ferguson "Leroy Kyrie" (mp3) from "John Taverner: Sacred Choral Music" (Delphian Records) Buy at Napster Buy at iTunes Music Store Buy at Amazon MP3 More On This Album John Taverner brought the English florid style to its culmination and final flowering; his music is quite unlike anything written by his continental contemporaries and, viewed retrospectively, represents not only the culmination of one period but also the beginning of something new. In his debut recording with the critically acclaimed Edinburgh choir, Duncan Ferguson presents this music with forces akin to those of the sixteenth century ñ a small group of children and a larger number of men. The singers respond with their characteristic freshness, and an emotional authenticity born of the daily round of liturgical performance.Johann Sabastian Bach: MotetsVocalconsort Berlin, Marcus Creed from "Johann Sebastian Bach: Motets" (Harmonia Mundi) More On This Album Album will be availble online around March 22, 2011 The Vocalconsort Berlin was founded in 2003 and made its debut the same year in Monteverdi's LíOrfeo under the direction of RenÈ Jacobs at the Innsbruck Festival. The ensemble specialises in early and high Baroque repertoire, but also interprets Romantic and contemporary music. The Vocalconsort¥s composition can range from quartet to polychoral formations, including also solo performances. It sings both in concert and in operatic and theatrical productions. Under the direction of Marcus Creed, RenÈ Jacobs, Jos van Immerseel and Ottavio Dantone, the ensemble has worked with the Akademie f¸r Alte Musik Berlin and the Accademia Bizantina. With the Akademie f¸r Alte Musik Berlin, it has participated since 2006 in the projects of Sasha Waltz & Guests at Radialsystem V, the new venue for interaction of the arts on the Spree. Marcus Creed, artistic director of the SWR Vokalensemble (South West German Radio Choir) since 2003, studied at Kingís College Cambridge, Christ Church Oxford, and at the Guildhall School of Music in London. From 1977 to 1998 he lived in Berlin, where he was chorusmaster at the Deutsche Oper, taught lied interpretation at the Hochschule der K¸nste, and worked as pianist and conductor with the Gruppe Neue Musik and the Scharoun Ensemble. From 1987 he was artistic director of the RIAS Kammerchor, being awarded many international prizes for his recordings. He has formed close working relationships with the Akademie f¸r Alte Musik Berlin, the Freiburger Barockorchester and Concerto Kˆln, and has appeared at festivals in Berlin, Vienna, Salzburg, Montreux, Edinburgh, Lucerne, Innsbruck, Donaueschingen, Strasbourg, and Gˆttingen. He was appointed Professor of Choral Conducting at the Hochschule f¸r Musik in Cologne in 1998. His recordings of works by Bruckner, Ives, Nono, and Kurt·g with the SWR Vokalensemble have received a number of awards from the critics.

'Von den Verlorenen gerührt, die der Glaube nicht trug, erwachen die Trommeln im Fluss' is the title of each of two works, one painting and one floor installation. It is not uncommon for Kiefer to use the same titles again and again. This is because of his sustained commitment to certain themes that he pursues over many years. These two works represent two such themes in Kiefer's development and although they look very different as objects they are two sides of one key idea in his mature work. The horizon in Kiefer's work is always more than a landscape feature, it is highly charged symbolically. 'Glaube, Hoffnung, Liebe' 1984-86 in the Gallery's collection includes a propeller which has the potential to fly over the horizon transcending the boundary between heaven and earth. In many of Kiefer's paintings and sculptures there are ladders, wings, rockets, Ziggurats, snakes and rainbows that all in some way suggest the idea of transcendence. The broken stairs in this work correspond to the broken propeller suggesting the dream of climbing above the horizon and yet it is a dream that is doomed to fail. This ambivalence towards transcendental aspiration is common to much art of the late twentieth century. For example Ken Unsworth's sculpture 'Rapture' 1994 in the Gallery's collection takes the form of a stairway to heaven frustrated when the stairs made of the keyboards of a grand piano arrive at the body of the piano which is stuffed with straw and will never sound the music of the spheres. The floor installation belongs to a body of works that reverse the passage between heaven and the earth. This is often represented by emanations from above sometimes in the form of poured lead attached to a painting or hanging in space like the finger of God. Many of Kiefer's recent works have more to do with the stars which according to the 16th century philosopher Robert Fludd each have their equivalent in a flower on the earth. Here we see a pile of glass plates that have fallen as a shower over piles of human hair (material human presence). Inscribed with one of 9000 star numbers, each piece of glass represents a heavenly intervention or emanation. Human hair is woven throughout the glass in a reference to the Egyptian Queen Berenice, who often appears in Kiefer’s works in the form of long locks of hair. Berenice was famous for her beauty and as an offering to the gods to bring her husband safely back from war, she cut her tresses and placed them on the temple altar. The Gods were so pleased with the offering that they took the hair into the sky where it became the constellation Coma Berenices (Berenice’s hair). The constellation of Coma Berenices is centred between Canes Venatici to the north, Virgo to the south, Bootes on the east and Leo on the west border. The following text is taken from the 2005 exhibition literature when these works were first shown in London: Kiefer's elegiac oeuvre is based on a vast system of themes and references relating to the human condition, explored through a highly emotive use of material and medium. In his muscular artistic language, physical materiality and visual complexity are equal to the content itself, which ranges over sources as diverse as Teutonic mythology and history, alchemy, apocalypse, and belief. As corollary to this breadth of content, Kiefer employs an almost bewildering variety of materials including - in addition to the thick oil paint that is the base of all his large-scale works - dirt, lead, models, photographs, woodcuts, sand, straw and all manner of organic material. By adding 'real' materials to the illusionistic painted surface of his gigantic tableaux, he has invented a compelling 'third space' between painting and sculpture. Few contemporary artists match Kiefer's epic reach; the provocative and paradoxical nature of his work suggests that he embraces the notion of the modern artist who stands resolutely outside society, flaunting its histories, its taboos and its myths. By assimilating and utilizing the conventions and traditions of history painting, he goes beyond them, mingling viewpoints and presenting contradictory interpretations while emulating the genre's grandiloquence. Anselm Kiefer was born in 1945 in Donaueschingen. As a young artist in a Germany reeling from the after-shocks of the Second World War, he opted for a thoroughly and obviously indigenous art, of native subjects, values and symbols that contended with the fraught territory of German history and identity. In the late 1970s he started to make large, highly worked books that began with photographs staged in his studio, gradually gaining body through the application of lead, paint and other collage elements. These impressive objects indicated the way to the complex, process-oriented works of his mature period. In 1991 Kiefer left Germany, eventually settling in the south of France. In the same year he made an exhibition of paintings stacked randomly on top of each other as if discarded. This led to a hiatus in his art production that lasted more than three years. After this he began making new work with a wholly new subject matter, themes and references, dealing with central spiritual and philosophical concerns of our time. Over the past four decades, Kiefer has exhibited his work extensively throughout the world and is included in the world's most prestigious public and private collections.