Podcasts about angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 27, 2024 12:14

Reportage – Durchs Feuer springen 5/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 12 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 ⁠Ursula Haas⁠ Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

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Reportage – "Durchs Feuer springen" 4/5 - Mittsommernacht mit Katharina Ponnier

Play Episode Listen Later Jun 26, 2024 16:33

Reportage – Durchs Feuer springen 4/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 17 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 Ursula Haas Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

brand position weg als deutschland arbeit musik frauen ziel hilfe politik medien kultur organisation verbindung aufnahme unesco mitglied feuer kontext netzwerk literatur reportage mitgliedern durchs tendenzen kontakten springen belange kulturbetrieb sparten kunstf neue medien bildende kunst bildenden k gegenwartskunst darstellende kunst fachjury angewandte kunst die mitgliedschaft internationalen gesellschaft

Reportage – "Durchs Feuer springen" 3/5 - Mittsommernacht mit Sabine Jörg

Play Episode Listen Later Jun 25, 2024 15:02

Reportage – Durchs Feuer springen 3/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 15 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 Ursula Haas Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

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Reportage – "Durchs Feuer springen" 2/5 - Mittsommernacht mit Gunna Wendt

Play Episode Listen Later Jun 24, 2024 18:54

Reportage – Durchs Feuer springen 2/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 19 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen: 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 Ursula Haas Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur)Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

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Reportage – "Durchs Feuer springen" 1/5 - Mittsommernacht mit Gisela Corleis

Play Episode Listen Later Jun 23, 2024 12:42

Reportage – Durchs Feuer springen 1/5 - Mittsommernacht mit GEDOK - Geliebtes Licht – tödlicher Brand. Literarinnen der GEDOK spielen mit dem Feuer. (Hördauer 13 Minuten) (Einführung Olessia Seminina + Beitrag) Teilnehmerinnen 1/5 Gisela Corleis 2/5 Gunna Wendt 3/5 Sabine Jörg 4/5 Katharina Ponnier 5/5 Ursula Haas Mit ca. 300 Mitgliedern die größte Regionalgruppe der bundesweiten GEDOK-OrganisationInterdisziplinär (Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Musik und Literatur) Fördert professionell künstlerisch tätige Frauen Die GEDOK ist die größte und traditionsreichste interdisziplinäre Künstlerinnenorganisation in Deutschland. Sie wurde 1926 von Ida Dehmel gegründet. Als gemeinnützig anerkannte Organisation hat die GEDOK sich zum Ziel gesetzt, die Arbeit von talentierten Künstlerinnen nachhaltig zu fördern, ihnen den Weg in die Öffentlichkeit zu erleichtern, die Verbindung zwischen Künstlerinnen und Kunstförderern zu pflegen und die gleichgestellte Position von Frauen im Kulturbetrieb mit institutioneller und praktischer Hilfe zu unterstützen.Die GEDOK setzt sich über ein Netzwerk von Kontakten zu Kultur, Politik und Medien für die Belange der Künstlerinnen aller Sparten ein: Bildende Kunst, Angewandte Kunst, Neue Medien, Musik, Literatur und Darstellende Kunst, besonders im Kontext grenz- und spartenüberschreitender Tendenzen der Gegenwartskunst. Über die Aufnahme einer Künstlerin in die GEDOK entscheidet eine Fachjury. Die Mitgliedschaft als Kunstförderer steht allen Kunstinteressierten offen. Die GEDOK gehört der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste (IGBK) an. Sie ist Mitglied der UNESCO, des Deutschen Musikrats, des Deutschen Frauenrats und Gründungsmitglied des Kunstfonds e.V.. Die GEDOK München ist außerdem Mitglied im Bayerischen Kulturrat, im Bayerischen Landesfrauenausschuss, im Stadtbund Münchner Frauenverbände und ist vertreten in der Gleichstellungsstelle für Frauen. --- Send in a voice message: https://podcasters.spotify.com/pod/show/hoerbahn/message

brand position weg als deutschland arbeit musik frauen ziel hilfe politik medien kultur organisation verbindung aufnahme unesco mitglied feuer kontext netzwerk literatur reportage mitgliedern durchs tendenzen kontakten springen belange kulturbetrieb sparten kunstf neue medien bildende kunst bildenden k gegenwartskunst darstellende kunst fachjury angewandte kunst die mitgliedschaft internationalen gesellschaft

I werd narrisch: Zur Geschichte der Sportreportage (5)

universit werd cordoba geschichte der orf zur geschichte angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 14, 2024 6:35

1978, Cordoba - Österreich gegen Deutschland Mit: Roman Horak, Kulturwissenschaftler von der Universität für Angewandte Kunst, Wien - Eine Eigenproduktion des ORF, gesendet in Ö1 am 14. Juni 2024.

I werd narrisch, Zur Geschichte der Sportreportage (4)

universit wembley werd geschichte der orf zur geschichte angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 13, 2024 5:44

Das legendäre WM-Endspiel in Wembley 1966 Mit: Roman Horak, Kulturwissenschaftler von der Universität für Angewandte Kunst, Wien - Eine Eigenproduktion des ORF, gesendet in Ö1 am 13. Juni 2024

I werd narrisch: Zur Geschichte der Sportreportage (3)

universit bern werd geschichte der orf das wunder zur geschichte angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 12, 2024 7:06

Das Wunder von Bern 1954 mit Reporter Herbert Zimmermann Mit Originalausschnitten und mit Roman Horak, Kulturwissenschaftler von der Universität für Angewandte Kunst, Wien - Eine Eigenproduktion des ORF, gesendet in Ö1 am 12. Juni 2024.

I werd narrisch: Zur Geschichte der Sportreportage (2)

universit werd geschichte der orf zur geschichte rapid wien angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 11, 2024 5:38

Rapid Wien wird 1940/41 deutscher Meister - Mit: Roman Horak, Kulturwissenschaftler von der Universität für Angewandte Kunst, Wien - Eine Eigenproduktion des ORF, gesendet in Ö1 am 11. Juni 2024.

I werd narrisch: Zur Geschichte der Sportreportage (1)

universit werd geschichte der orf zur geschichte angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jun 10, 2024 6:04

Der erste Radioreporterstar in Österreich, Willi Schmieger. Mit: Roman Horak, Kulturwissenschaftler von der Universität für Angewandte Kunst, Wien - Eine Eigenproduktion des ORF, gesendet in Ö1 am 10. Juni 2024.

2.6: T WIE TEXTIL

kunstgeschichten abc

Play Episode Listen Later Jun 7, 2024 47:06

sag mal, spinnst du!? in dieser folge geht's nicht nur um techniken wie spinnen, weben, wirken und sticken, sondern um die bedeutung von textil in der bildenden kunst. wir haben einiges zu erzählen: wir liefern dir (fun) facts aus der (kunst-)geschichte, sprechen über frauen in der textilkunst und haben eine ganz wunderbare gesprächspartnerin eingeladen. lilien feledy berichtet von ihrer derzeit entstehenden doktorarbeit über marie cuttoli (1879–1973), der es mit ihrer galerie myrbor gelang, etwas ganz besonderes auf die beine zu stellen.

museum geschichte material kunst wissenschaft forschung mak textil kunstgeschichte textilien kunstmuseum kunstvermittlung angewandte kunst

DDCAST 196 - Hartmut Esslinger "Die Hartmut Trilogie (Teil 1)"

DDCAST - Was ist gut? Design, Kommunikation, Architektur

Play Episode Listen Later Jun 2, 2024 40:24

Prof. Dr. hc. Hartmut Esslinger HonRDI Hartmut Esslinger war der erste Designer, der mensch-gerechtes High-Touch-Design in die Welt komplexer Hardware- und Softwaretechnologie brachte. 1969 gründete er als Student „esslinger design“ in seiner Heimat Deutschland und etablierte als Teil seiner Partnerschaft mit Steve Jobs 1982 „frog design“ in den U.S.A. – und dann zusammen mit seiner Partnerin und Ehefrau Patricia Roller auf alle fünf Kontinente. Hartmut ist Ehrendoktor der Parsons New School, New York und HonRDI (honorable Royal Designer for Industry) der Royal Society of Arts, London. Wichtige Kunden waren – und sind teilweise immer noch - Wega, Sony, Louis Vuitton (LHMH), KaVo Dental, hansgrohe, Apple, Microsoft, Hewlett Packard, NEC, Olympus, Samsung, Canon, General Electric, Lufthansa, Shimano, Yamaha, Honda, Toyota, Docomo, Motorola, Texas Instruments, Kodak , Polaroid, Disney und Disney Cruise Lines, Nike, Sky Networks, Unilever, Hilti, SAP… 2005 erwarb Flextronics die Mehrheit an frog design und 2008 kam KKR als Investor dazu. 2021 erwarb CAPGEMINI INVENT alle Aktien. Mt 35 Studios und mehr als 2500 kreativen Mitarbeitern und Mitarbeiterinnen weltweit ist frog die einflussreichste Design- Agentur. Seit 2018 Hartmut Mit-Gründer der „Esslinger Group“, einem Unternehmen für IoT-Produkte in Hong Kong, Shenzhen und Silicon Valley. Seit 1989 ist Hartmut auch als Design-Dozent tätig. Er ist Gründungsprofessor der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe in Deutschland, lehrte sechs Jahre lang an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und ist seit 2011 Dozent an der SIVA-DeTao Design School in Shanghai. 1969 erhielt Hartmut den ersten Bundespreis Gute Form, und 2017 wurde ihm die erstmalige World Design Medal der WDO (World Design Organisation – zuvor ICSID) als einflussreichster Designer seit der Gründung der WDO im Jahr 1957 verliehen. Linktipps von Hartmut Esslinger A fine line: How Design Strategies Are Shaping the Future of Business https://www.amazon.com/Fine-Line-Strategies-Shaping-Business/dp/0470451025 Keep it Simple, Apple's early Design Years https://www.amazon.com/Keep-Simple-Early-Design- Years/dp/3897904071/ref=sr_1_1?crid=2OIHFSB84L8IW&dib=eyJ2IjoiMSJ9.34DPjY4j LPpBUgflh52ueqiibsNXEBUCp9rIQzvGrPaEm9iY0Pt4rjbCloNCHOtBRJyjUKpBxgJp4f4 QhhKAqAKq0TW4WLFIA3DIhDNVaV4.hAYQBnXqdDt_Tm5iKlJfwfAEuXYy3HnA3m- TdlTP3PQ&dib_tag=se&keywords=keep+it+simple+esslinger&qid=1716850586&s=boo ks&sprefix=keep+it+simple+esslinger%2Cstripbooks%2C163&sr=1-1 Design Forward,:Creative Strategies for Sustainable Change https://www.amazon.com/Design-Forward-Creative-Strategies- Sustainable/dp/3897903814/ref=sr_1_1?crid=3P16OINRWPS6I&dib=eyJ2IjoiMSJ9.ukv 2uVrPLu9DfDwyPmbYnWTAXDqCHzkrfxQXQCljlag.7N0FwKeIwgvuFcOiu2pkMYgJOZ DN3X790NP7MjZd58c&dib_tag=se&keywords=design+forward+esslinger&qid=171685 0632&s=books&sprefix=design+forward+esslinger%2Cstripbooks%2C175&sr=1-1 Hartmut Esslinger Design Matters with Debbie Millman https://podcasts.apple.com › podcast CONVERSATION WITH HARTMUT ESSLINGER https://ndion.de/en/we-were-system-innovators-in-conversation-with-hartmut- esslinger/ Hartmut Esslinger - Advice For Designers https://vimeo.com/59679411 Lifetime Achievement Award https://www.euipo.europa.eu/en/designs/designeuropa-awards/awards-2018/hartmut- esslinger A bit of a Biography https://www.immigrantentrepreneurship.org/entries/hartmut-esslinger/

Franz Schuh & Maria Katharina Moser: MITLEID - Plädoyer für ein unzeitgemäßes Gefühl

Kreisky Forum Talks

Play Episode Listen Later May 24, 2024 53:56

Franz Schuh im Gespräch mit Maria Katharina Moser MITLEID Plädoyer für ein unzeitgemäßes Gefühl Titel und Idee zu dieser Veranstaltung entstammen einem Buch des Theologen Alfred Holl. 1954 zum Priester geweiht, brachten ihn seine Texte in Konflikt mit der katholischen Kirche; 1976 folgte die Suspendierung vom Priesteramt. Er lebte als Schriftsteller und freier Publizist in Wien, wo er 2020 starb. Der Residenzverlag publiziert seit 2021 eine Werkausgabe seiner Schriften, herausgegeben von Walter Famler und Harald Klauhs. Holls Buch „Mitleid im Winter“ erscheint dieser Tage mit einem Vorwort von Franz Schuh. „Adolf Holl war einst Kaplan und danach einer der Moderatoren des seligen Club 2. Aber vor allem war er, auch wenn dies am wenigsten bemerkt wurde, einer der großen Schriftsteller Österreichs. Das ist deshalb weniger bemerkt worden, weil seine Bücher religiöse Themen hatten, obwohl Holls Darstellungen über religiöse Beschränkungen hinaus gingen. Sein Buch „Mitleid im Winter“ ist literarisch ein Meisterwerk, aber es ist auch für sogenannte „Sachfragen“ zuständig. Die Grundfrage könnte man so formulieren: Mitleid ist ein Gefühl, dessen man sich nicht erwehren kann, aber nicht selten erwehren muss. Zwischen der nötigen Selbstsorge und der Sorge für andere herrscht nicht einfach Einigkeit“. (Franz Schuh) Schuh hat in seinem Buch „Hilfe. Ein Versuch zur Güte“ thematisch verwandt argumentiert: Die Bürokratisierung von Hilfe, ihre gesetzliche und organisierte Verankerung in der Gesellschaft, sei zuverlässiger als das naturgemäß schwankende Mitleidsgefühl, ohne das allerdings die – wie immer auch gut organisierte – Hilfe gar nicht existieren könnte. Über charakteristische Ambivalenzen des Mitleids soll mit Dr.in Maria Katherina Moser gesprochen werden. Sie ist Leiterin der Diakonie, kommt also aus der Praxis und kennt sich als Theologin und Pfarrerin ebenso gut in der Theorie aus. Maria Katharina Moser ist evangelische Pfarrerin, Sozialethikerin und seit September 2018 Direktorin der Diakonie Österreich. Sie studierte Theologie in Wien sowie interkulturelle Frauenforschung in Manila. Nach Arbeitserfahrung in Jugendarbeit, Erwachsenenbildung und an der Universität war sie von 2007 bis 2014 als Redakteurin in der Hauptabteilung Religion TV beim ORF tätig. Danach folgte der Schritt ins Pfarramt: sie war zunächst Vikarin und dann Pfarrerin in der Evangelischen Pfarrgemeinde A.B. Wien-Simmering und wissenschaftliche Referentin des Instituts für öffentliche Theologie und Ethik der Diakonie. Franz Schuh studierte Philosophie, Geschichte und Germanistik. Er ist Schriftsteller, Lehrbeauftragter an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und Kolumnist für Zeitschriften und Rundfunkstationen. Er erhielt u.a. 2006 den Preis der Leipziger Buchmesse, 2011 den Österreichischen Kunstpreis und 2021 den Johann-Heinrich-Merck-Preis für literarische Kritik und Essay. Bei Zsolnay erschienen zuletzt „Lachen und Sterben“ (2021) und „Ein Mann ohne Beschwerden“ (2023).

Konrad Paul Liessmann & Franz Schuh: POLITIK UND ÄSTHETIK

Kreisky Forum Talks

Play Episode Listen Later Jan 11, 2024 58:08

Konrad Paul Liessmann im Gespräch mit Franz Schuh POLITIK UND ÄSTHETIK „Das Verhältnis von „Ästhetik und Politik“ wird nicht selten unter dem Niveau des Problems diskutiert. Gerne nimmt man die Meinung des Künstlers für die Politik der Kunst. Manche Künstler segeln auch in diesem Fahrwasser, was ja wünschenswert sein kann, falls man „die Haltung“ des Künstlers mit der eines jeden Staatsbürgers gleichsetzt. Aber das Politische in der Kunst ist weitaus komplizierter. Es ist vielschichtig und nicht einfach an einer Oberfläche ablesbar.Konrad Paul Liessmann hat vor einigen Monaten in der Neuen Zürcher Zeitung einen Aufsatz veröffentlicht, durch den an einem spezifischen Fall klar wird, wie sich das Verhältnis von Politik und Ästhetik beispielhaft diskutieren lässt: ‚Nicht zufällig‘, so hieß es in der NZZ, ‚firmierte Prigoschins brutale Söldnertruppe unter dem Namen des Komponisten Richard Wagner. Sie partizipierte damit auf vulgäre Weise an dessen faschistoidem Nimbus. Doch wie verhalten sich Geist und Gestalt von Wagners Werk zu diesem Missbrauch?‘Liessmanns Aufsatz ist Anlass und Fundament für ein Gespräch über die Ästhetisierung der Politik, deren politische Wirkung, wie es scheint, derzeit von vielen Politikern unterschätzt wird.“ Franz Schuh Konrad Paul Liessmann, geboren 1953 in Villach, ist Professor i.R. für Philosophie an der Universität Wien, Essayist, Literaturkritiker und Kulturpublizist. Er erhielt 2004 den Ehrenpreis des österreichischen Buchhandels für Toleranz im Denken und Handeln, 2010 den Donauland-Sachbuchpreis und 2016 den Paul Watzlawick-Ehrenring. Im Zsolnay Verlag gibt er die Reihe Philosophicum Lech heraus. Zuletzt erschienen bei Zsolnay Geisterstunde. Die Praxis der Unbildung. Eine Streitschrift (2014), Bildung als Provokation (2017), Alle Lust will Ewigkeit. Mitternächtliche Versuchungen (2021) und Lauter Lügen (2023), sowie bei Hanser (gemeinsam mit Michael Köhlmeier) Der werfe den ersten Stein (2019). Franz Schuh, geboren 1947 in Wien, studierte Philosophie, Geschichte und Germanistik. Er ist Lehrbeauftragter an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und Kolumnist für Zeitschriften und Rundfunkstationen. Er erhielt u.a. 2006 den Preis der Leipziger Buchmesse, 2011 den Österreichischen Kunstpreis und 2021 den Johann-Heinrich-Merck-Preis für literarische Kritik und Essay. Bei Zsolnay erschienen zuletzt Sämtliche Leidenschaften (2014), Fortuna. Aus dem Magazin des Glücks (2017), Lachen und Sterben (2021) und Ein Mann ohne Beschwerden (2023). In Kooperation mit Zsolnay Verlag

Frankfurt, 069 - Lorenzo & John von Jazz Montez (#27)

Frankfurt untitled Podcast

Play Episode Listen Later Dec 20, 2023 34:30

Seit 2016 steht Jazz Montez für ein buntes und vielfältiges Musikprogramm in Frankfurt und ist damit deutschlandweit eine der erfolgreichsten Plattform für klassischen und modernen Jazz. Der gemeinnützige Verein steht für aufregende und neuartige Konzerte in verschiedenen Locations. Zusammen mit dem AMP, dem Emma Metzler und dem Museum für Angewandte Kunst haben Lorenzo und John das wunderbare El Barrio auf die Beine gestellt.

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Y-047: Die Kunst (Monatsheft für freie und angewandte Kunst) über eine Ausstellung mit Fritz v. Wille (1899)

Geschichte Europas

Play Episode Listen Later Nov 18, 2023 1:25

Sat, 18 Nov 2023 03:00:00 +0000 https://geschichteeuropas.podigee.io/t259-259 0d5b3a1ddc56bfad3a86bff85bd0199b Y: Quellen Verknüpfte Folgen "Wolken und Berge" und veränderte Landschaften, mit Alexandra Orth und Dr. Manuel Seeger [Stadtmuseum Trier] (25.11.2023) Zum Podcast UNTERSTÜTZE DEN PODCAST BEI STEADY! Marlon unterstützt den Podcast seit März 2023 mit einem Betrag, der den monatlichen Hosting-Kosten entspricht. Dafür möchte ich ihm hier ganz besonders danken! Podcast-Blog mit Kommentarfunktion #historytelling - Netzwerk unabhängiger Geschichtspodcasts Schick mir Kommentare und Feedback als Email! Der Podcast bei Fyyd Folge mir bei Mastodon! Frag mich nach deiner persönlichen Einladung ins schwarze0-Discord! Die Episoden werden thematisch und nicht nach Erscheinungsdatum nummeriert. Für einen chronologischen Durchgang zur europäischen Geschichte sollten die Episoden nach Namen sortiert werden. schwarze0fm hatte als Hobbyprojekt begonnen - inzwischen habe ich aber durch Auftragsproduktionen und Crowdfunding die Möglichkeit gewonnen, mehr und bessere Folgen für Geschichte Europas zu produzieren. Das Prinzip "schwarze Null" bleibt - die Einnahmen werden verwendet, für mich Rahmenbedingungen zu schaffen, den Podcast zu betreiben und weiterzuentwickeln. In dieser Folge habe ich das ausführlich erklärt. This episode of "Geschichte Europas" by schwarze0fm (Tobias Jakobi) first published 2023-11-18. CC-BY 4.0: You are free to share and adapt this work even for commercial use as long as you attribute the original creator and indicate changes to the original. 259 trailer Y: Quellen no Deutschland,Neuere und neueste Geschichte,19. Jahrhundert,Kunst,Ausstellung,

Kaja Clara Joo - Künstlerin

Kunstblick - Der Podcast rund ums Sammeln

Play Episode Listen Later Oct 21, 2023 16:49

Überdimensionierte, kinetische Latexobjekte, welche monatelang vor sich hin tänzeln, Kunstfilme über suizidale Motorradfahrer oder mit Essig und Reis bearbeitete Metallbleche. Die multimediale Praxis der 1991 geborenen österreichisch-koreanischen Künstlerin Kaja Clara Joo beschäftigt sich stark mit der Schnittstelle zwischen Kunstschaffen und fiktiver Narration. Sie studierte bildende Fotografie sowie transdisziplinäre Kunst auf der Universität für angewandte Kunst in Wien. Und genau dort, in einem der Ateliers, haben die Kaja auch zum Gespräch getroffen. Im Gespräch erzählt sie uns mehr über ihre Arbeit, wie sie zur Bildhauerei gefunden hat, ihre Inspirationsquellen und vieles mehr. Also, viel Vergnügen! Noch ein Hinweis: bis 25.11.2023 zeigt die Galerie Smolka Contemporary in Wien die Ausstellung "Lurker". Nähere Informationen dazu findet ihr im Link in der Beschreibung.

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FALTER Radio & Kreisky Forum Talks: EIN MANN OHNE BESCHWERDEN

Kreisky Forum Talks

Play Episode Listen Later Sep 26, 2023 53:21

Franz Schuh im Gespräch mit Armin Thurnher EIN MANN OHNE BESCHWERDEN „Dieses Buch ist von der ersten bis zur letzten Seite dem Jahr 2022 gewidmet, dem ‚annus horribilis‘ im Lebenslauf vieler Menschen, auch in meinem.“ Nach 11 Monaten in verschiedenen Krankenhäusern ist Franz Schuh, dieser Solitär der österreichischen Literatur, wieder aufgetaucht. Seine Erzählungen, Essays, Gedichte analysieren die herrschenden ebensformen und fügen sich mit unterhaltsamem, manchmal melancholischem Witz zu einem Panorama der menschlichen Tragikomödie. Ob er von Erlebnissen in der Eisenbahn berichtet, von seiner Kindheit in der Wiener Vorstadt oder sich mit Anna Netrebkos Widersprüchen auseinandersetzt, Schuh hat einen ausgeprägten Sinn für das Komische im Tragischen. Das Lachen auf gescheite Weise ist sein Metier. Armin Thurnher, Journalist und Publizist, Herausgeber und Chefredakteur der Wiener Stadtzeitung Falter Franz Schuh, geboren 1947 in Wien, studierte Philosophie, Geschichte und Germanistik. Er ist Lehrbeauftragter an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und Kolumnist für Zeitschriften und Rundfunkstationen. Er erhielt u.a. 2006 den Preis der Leipziger Buchmesse, 2011 den Österreichischen Kunstpreis und 2021 den Johann-Heinrich-Merck-Preis für literarische Kritik und Essay. Bei Zsolnay erschienen zuletzt Sämtliche Leidenschaften (2014), Fortuna. Aus dem Magazin des Glücks (2017) und Lachen und Sterben (2021). In Kooperation mit Zsolnay Verlag & FALTER Radio

1.11: K WIE KUNST, oder kann das weg?

kunstgeschichten abc

Play Episode Listen Later Sep 1, 2023 32:00

in dieser letzten folge der ersten staffel zoomen wir tief ins kunstmuseum hinein und gehen der kunst an den kragen: seit wann gibt es kunst? wozu gibt es kunst? ab wann ist etwas kunst? welche farbe gebrauchen künstler*innen am häufigsten? warum waren die meisten künstler*innen männlich? muss kunstvermittlung immer vor dem original stattfinden? hängen in museen überhaupt die originale, oder ist das alles fake? warum ist echtheit so wichtig? was sagen künstler*innen zu der viel propagierten trennung von person und kunst? und nicht zuletzt: was wäre das leben ohne kunst?

museum kann kunst ausstellung kunstgeschichte kunstmuseum kunstvermittlung angewandte kunst

Ausstellung in Köln: Foto-Visionär Horst H. Baumann

WDR 5 Scala - Hintergrund Kultur

Play Episode Listen Later Aug 28, 2023 10:37

Der Fotokünstler Horst H. Baumann (1934 bis 2019) gilt heute als vergessen. Dabei ist er ein Pionier der Autorenfotografie. Das Museum für Angewandte Kunst in Köln widmet Baumann nun eine Retrospektive. Peter Backof hat die Ausstellung gesehen. Von Peter Backof.

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Fotograf Horst H. Baumann im MAKK in Köln

WDR 3 Kunstkritik - Ausstellungen in NRW

Play Episode Listen Later Aug 28, 2023 4:37

Das Museum für Angewandte Kunst in Köln widmet dem Licht- und Fotokünstler Horst H. Baumann (1934 - 2019) eine Retrospektive und würdigt ihn als Pionier der Autorenfotografie. Eine Wiederentdeckung. Peter Backof hat sich die Ausstellung angesehen. Von Peter Backof.

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Kunstblick - Die Sammlung: Deborah Sengl

Kunstblick - Der Podcast rund ums Sammeln

Play Episode Listen Later May 14, 2023 6:35

Am Anfang unseres Podcast hatten wir ja bereits angekündigt, dass wir eine kleine Sammlung aufbauen und diese Ende 2022 im Rahmen einer Charity-Auktion an unsere Hörerinnen und Hörer versteigern möchten. Der Erlös der Versteigerung kommt der Organisation Ärzte ohne Grenzen zugute. In diesem Kunstblick-Portrait erfahrt ihr mehr über die Arbeit von Debroah Sengl, die uns ebenfalls mit einem Werk unterstützt. Die aus Wien stammende Künstlerin studierte u.a. an der Wiener Hochschule für Angewandte Kunst sowie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Mittels Malereien, Zeichnungen und Skulpturen schafft Sengl ein komplexes Werk, das sich mit insbesondere mit dem Rollenverhalten in der menschlichen Gesellschaft befasst und damit auch Kritik an diesem hervorruft. Charakteristisch für Ihre Bilder ist die Tarnung und Verfremdung. So ersetzt sie in ihren zeichnerischen und malerischen Arbeiten Menschenköpfe mit Tierköpfen und schafft so entpersonalisierte Zwitterwesen, die als Symbole für menschliches Verhalten fungieren, jedoch oft einen "animalischen" Charakter haben. Ihre Arbeit stammt aus der Serie CORO(H)NA aus dem Jahr 2021. Es handelt sich um einen limitierte Druck-Edition im Format 40 x 60 cm. Mehr Informationen zu ihrer Arbeit und dem Werk gibt es im Podcast. Viel Vergnügen! Nähere Details zur Versteigerung, am 14. Juli beim Dorotheum, findet ihr auf unserer Webseite.

1.6: R WIE RESTAURIERUNG – mit textilrestauratorin elke oberhumer über schwebende füße, sekretsauger, mikroskopie und ganz schön viele schussfäden

kunstgeschichten abc

Play Episode Listen Later Mar 4, 2023 40:31

sekretsauger, mikroskopie und ganz schön viele schussfäden: diesmal tauchen wir ein in die vielseitige welt der restaurierung! unsere gesprächspartnerin edith oberhumer, textilrestauratorin am museum für angewandte kunst in wien (mak), berichtet nicht nur über ihre arbeitsmethoden und die notwendigkeit für individuelle problemlösungen, sondern erzählt außerdem, warum sowohl teamgeist als auch durchsetzungsvermögen so wichtig in ihrem job sind.

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Doppelgänger

Ausstellungstipps

Play Episode Listen Later Feb 17, 2023 3:45

Caroline Achaintre: "Doppelgänger". Bis 11. Juni im Museum Lothar Fischer in Neumarkt in der Oberpfalz / Birke Gorm: "dead stock". Bis 5. Juni in der MAK Galerie im Museum für Angewandte Kunst in Wien

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Baum und Design: Ausstellung im MAKK

WDR 5 Scala - Hintergrund Kultur

Play Episode Listen Later Feb 1, 2023 10:27

Das Museum für Angewandte Kunst in Köln pflanzt Bäume an - im Rahmen der Ausstellung "Between the Trees". Peter Backof hat darüber mit Petra Hesse, der Leiterin des MAKK, gesprochen. Von Peter Backof.

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Im Gespräch mit Lilli Hollein

Ausgesprochen Kunst

Play Episode Listen Later Jan 30, 2023 41:04

Wir feiern 50 Folgen „Ausgesprochen Kunst“! Und passend zum Jubiläum gibt es mit Lilli Hollein, der Direktorin des MAK, eine langersehnte Wunschgästin. In der Podcastfolge geht es nicht nur um ihren Werdegang und einen Rückblick auf das erste Jahr in neuer Funktion, sondern unter anderem auch darum, welches Möbelstück Alexander Giese ihr gerne abkaufen würde. Außerdem – und ebenfalls passend zum feierlichen Anlass – wird die Ausstellung „THE FEST. Zwischen Repräsentation und Aufruhr“ besprochen, die noch bis 07.05.2023 im Museum für angewandte Kunst zu sehen ist. Wir freuen uns auf die nächsten 50 Folgen und bedanken uns bei allen Hörer*innen! Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at; Website: https://www.gieseundschweiger.at/de/; Redaktion: Lara Bandion, Fabienne Pohl; Musik: Matthias Jakisic; Sprecherin: Sarah Scherer; Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer Zur Ausstellung: https://mak.at/thefest

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Episode 177 Part 2: History at Your Fingertips: How Beatriz Chadour-Sampson Catalogued 2,600 Historic Rings

Jewelry Journey Podcast

Play Episode Listen Later Dec 23, 2022 35:37

What you'll learn in this episode: How Beatriz discovered and catalogued the 2,600 rings in the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum How Covid lockdown changed how people wear jewelry Beatriz's tricks for making a jewelry exhibit more engaging What it's like to work with jewels uncovered from shipwrecks How global trade has influenced how jewelry is designed and made About Beatriz Chadour-Sampson Beatriz Chadour-Sampson studied art history, classical archaeology and Italian philology at the University of East Anglia, and at the University of Münster, Germany. Her doctoral thesis was on the Italian Renaissance goldsmith Antonio Gentili da Faenza. In 1985 she published the jewelry collection of the Museum für Angewandte Kunst, Cologne. Since 1988 she has worked freelance as a jewelry historian, curator of exhibitions and academic writer in Britain. Her numerous publications on jewelry, ranging from antiquity to the present day, include the The Gold Treasure from the Nuestra Señora de la Concepción (1991), and 2000 Finger Rings from the Alice and Louis Koch Collection, Switzerland (1994). She was the consultant curator in the re-designing of the William and Judith Bollinger Jewelry Gallery at the Victoria & Albert Museum (opened in 2008), London and was guest curator of the ‘Pearl' exhibition (2013-14). She is an Associate Member of the Goldsmiths' Company, London. Today Beatriz Chadour-Sampson works as a freelance international and jewelry historian and scholarly author. Her extensive publications range from Antiquity to the present day. Additional Resources: Instagram Museum Jewellery Curators - Goldsmiths' Fair Photos available on TheJeweleryJourney.com Transcript: Working in jewelry sometimes means being a detective. As a freelance jewelry historian and curator of the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum, Beatriz Chadour-Sampson draws on her wealth of knowledge to find jewelry clues—even when a piece has no hallmark or known designer. She joined the Jewelry Journey Podcast to talk about how she creates jewelry exhibits that engage viewers; how she found her way into the niche of shipwreck jewelry; and what it was like to catalogue 2,600 rings. Read the episode transcript here. Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the second part of a two-part episode. If you haven't heard part one, please head to TheJewelryJourney.com. My guest is Beatriz Chadour-Sampson. She's been the curator of the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum for almost 35 years. Welcome back. Beatriz: You asked about the catalogue. We didn't know if the exhibition was going ahead at one point, but I was asked by V&A Publishing to do a book on pearls, which I did. So, yes, we did a book which was for sale during the exhibition. That was in 2013. We redesigned the jewelry gallery, and 2008 was the end of that. The pearls exhibition was in 2013, the beginning of 2014. Sharon: Why was it redesigned, the gallery? Beatriz: The jewelry gallery. With all galleries, there comes a point where they need to be refreshed and renewed, and the previous design needed it. You even had gates you had to get through, and if you weren't quite as slim as myself, you would have problems getting through the gates. When it was redesigned, it was a completely different aesthetic. As I said, the boards have to tell the story, so when the visitor walks in, they have to understand the story and go from one to the other. Some people say the gallery is very full, but it is a study collection. We asked the education department artists to do certain things. I was very keen on going “from cradle to grave.” The gallery is chronological, so you want a display before you start to know why you wear jewelry. A child wears jewelry or a mother wears jewelry to protect them at childbirth, or they wear it for status or religion or whatever it is. Jewelry is multitasking, multifunctional. Today we think of jewelry as decorative, but that is not the case. Jewelry was made for an occasion and a reason. With status, you always have the big diamonds and the big stones. That has always existed, in recently centuries definitely. But there are so many more reasons for jewelry, for mourning and birth and good luck. That sort of exists today, probably with charms. So, jewelry is multifunctional. Then we have a screen with pictures from different centuries showing portraits because, at a jewelry gallery, you can't see the pieces on someone. They need the body, but they don't have the body. So, it's good to have a screen showing how the jewelry was worn through the centuries, which is very important. Also in the display, each board—let's say you had earrings, a necklace and a bracelet. The concept was that what you wear on the top of the head goes on top. What you wear around your neck comes next and then the base, so you have a feeling of an abstract body in a way. It's not always obvious, but I try to think of it logically. Of course, with the contemporary, we couldn't do that. It is all chronological until you get to about the 1950s, and that's it. You have to find a completely different concept. So, we decided to do it by materials. Good chronology at the beginning, but then it comes into materials. Natural materials, new metals, techniques. You couldn't do decades. That couldn't work. So, we did it by materials, which is an interesting aspect because you have all the different materials they use in comparison to all the gold and silver you see throughout the gallery. Suddenly, you're seeing a whole wall of completely different materials. Sharon: What is your role as co-curator? You're curator and co-curator of so many places. What's your role as a co-curator? What do you do? What do they call in you for? Beatriz: It's an advisory role. The Victoria and Albert Museum is a bit more than just an advisory role. You're working with the team, with the architect. It's a team procedure, but as I say, everybody has their own role to play. It intermingles, of course. Sharon: At other times, you've talked about a different museum in Switzerland where you came, and it looked just—was it at eye level? Was it low? Was it too high? Beatriz: Oh, that one, no. You remembered that detail. The eye level, that was the Victoria and Albert Museum. That is in the center of the gallery because we did a display for a tourist who goes to the museum and only has 10 minutes to look at jewelry history. So, in the center you've got these curved glass cases. The jewelry is on special mounts. You remember that. I asked my colleagues of different heights, from four foot something to six foot something. In the storage room, we had glass doors where there was a lot of storage space with artifacts in it, and I used Post-it Notes to put the different heights of people to see what a good eye level is. So, if you're looking at a broach or a tiara or something, you want it on the level where you more or less visualize it on your body so you can see it well. So, yes, that's the Post-it Notes. I used not only double-sided tape and pieces of paper, but also Post-it Notes, trying to find the right height for the pieces. Eye level is hugely important, but the other museum you're thinking of may be something I'm current advising on. This is really an advisory role. It is a museum that will open next year, the Dubedeen, a German museum. Of course, there are gemologists there that are very specialized, but their museum experience is missing. So, I'm giving a little bit of advice on the background of things. Don't put a plinth that you can fall over. Don't make drawers that a child can get their fingers caught in. You learn these things from places like the Victoria and Albert Museum. There's health and safety. There's also the height of displays, the attention span of visitors. Text shouldn't be too long. It's more of an advisory role than an active role. Sharon: I'm thinking about attention span. You must have seen that really go down. It seems nobody has more than two seconds for attention anymore. Beatriz: There is an element of that. I think the Koch Collection of rings in the Jewelry Gallery is one of the most visited in the England museums. When you get to sparkle and glitter, there's more attention span, but not so much on the text. Sharon: Yeah, that's probably true. You've also done a lot of work on shipwrecks. That's very interesting. Beatriz: That goes back to 1989. By sheer coincidence, I came to work on shipwrecks. I was in New York when I was working on the Concepción Collection. I met Priscilla Muller of the Hispanic Society of America in New York, and I helped her with some Spanish and Portuguese jewelry. When she was asked, she just didn't have the time to work on the shipwrecks. She thought with my Spanish and Portuguese knowledge, I would be suited for that, so I was asked by Pacific Sea Resources in 1989 to work on an incredible shipwreck called the Nuestra Señora de la Concepción from 1638 that sank. It was the usual thing, mutiny and the wrong person taking care of the ship. That's a private story, not a jewelry story, but the interesting thing is that the jewelry was basically made for Spaniards in the Philippines. The jewelry was made in the Philippines, the majority of it for Spaniards. It was a Spanish colony at the time. When I was first went through it, I thought, “It looks quite European. It looks O.K.” I signed the contract, and little did I know how much research was involved for the material, which I hardly knew. It was because of the influence. The Spaniards definitely had European design books they brought with them. By then, you had printed books with designs in them, and they must have had them there. Chinese craftsmen were working for them in the Philippines, and of course the Chinese had great skills with outside countries. Some of it looks very European, and some of it is Indian influences, Siamese influences, and influences from Java, Sumatra. The chains, heavy gold chains, were certainly Chinese filigree. In fact, I told the Ashmolean Museum it belonged to Sir Elias Ashmole, whose portrait and chains still exist in the Ashmolean Museum, and I told them that one of the gold chains he had was Chinese. It was given by the Kuffners from Brandenburg, and I happened to find out that the Kuffners from Brandenburg travelled to China. So, that all fit. That was a little like detective work. That was published in 1990. I've recently been working again on shipwrecks, just a few pieces of absolutely fascinating jewelry found off the shore of the Bahamas, which has now been in the Maritime Museum on the Bahamas for only a few months. I also worked on the Atocha in Key West. I organized an exhibition in Hanover for them, where we did a display of the Atocha and Santa Margarita events. But what's so fascinating about shipwrecks is that we see so many portraits of beautiful jewelry from the Renaissance, the 16th, 17th centuries, where they really documented beautifully painted jewelry in paintings. Thanks to that we can study them in detail. All this jewelry doesn't exist anymore, especially gold chains, because gold chains were the easiest thing to melt and reuse for more modern jewelry. As I have said, I have a smile when somebody talks to me about recycled gold being something new. Well, it's nothing new. Recycling gold goes back centuries. Sharon: I'm surprised because in the pictures, you always think it's a straightforward gold chain with no Chinese engraving or anything. You think of it as a gold chain. Beatriz: Some of it is simple, what they called a P-chain. You saw loads of it, especially on Dutch paintings. But in the Atocha there was a spiral. You can see they're very tidy on the portraits, but it looks as if they had a spiral at the back holding the chain so they flowed down properly. Some of those chains we had were definitely Chinese filigree because those chains are filigree. In the 1655 shipwreck from the Bahamas, there's a chain like that, and that's mainly why they asked me to look at it. That certainly reminded me of some of the Concepción work, which was Chinese craftsmanship. The trade was amazing. You had trade happening in the Philippines. Even the Dutch were trading with the Spaniards. The Dutch were trading silks and spices from China and so on. These big galleons went from the Philippines to Acapulco and Vera Cruz and then to Havana. They went on a route around South America, loading and offloading things from Europe. It's interesting because in Seville, there's the Archivo General de Indias, and there they have all the books on the shipping material. Like with the Atocha, they found out which ship it was because the gold bars have a text mark on them, and that coincided with the documents they have in Seville. It's fascinating. It's a fascinating field. Sharon: It seems like it. Beatriz: It's a mystery and it's global, of course. Made in Asia; there's nothing new. It's hundreds of years. There would not be any porcelain in 18th century Europe the other way around. Sharon: Do you get to see the ship right away? When it comes up, do you see it when they pull it from the ocean? Beatriz: No. When I was asked to work on the Concepción, I had to travel to Singapore where it was being cleaned and conserved. In one instance I had to say, “Stop cleaning because I think there's enamel underneath, black and white enamel. Stop.” You have to be careful because you have to get rid of the marine dirt. No, I got to see it after it was cleaned or while it was being cleaned. Sharon: Wow! And then what? It goes to the museum? What happens afterwards? Beatriz: It nearly got split up and sold at auction. I'm glad it didn't because it's a historical find, but unfortunately you have to go the Mariana Islands to see it. You can't see it always. The material is put together, and it was published in a black and white archaeological report. It was published in 1990, so at least it's documented. National Geographic did a beautiful spread with color, so you know what it's like. Sharon: What have you learned from parsing these shipwrecks, from researching the shipwrecks? Beatriz: The extent of influence in Europe of some motifs and how far they went. It was made in the Philippines and sold in Europe because everything that was made and transported on this galleon, the Atocha, at some point went to Seville and then it was traded on. We definitely know that the emeralds the emperors were after came from Colombia and then went through Havana to Seville. It's a fascinating trade, but the trade is something we never think about. In Roman times, the Roman emperor wanted pearls, so they traveled to southern India to get pearls. History does amaze one. Sharon: It does. You're working on many projects now. What can you tell us about some of them? Beatriz: I can tell you what's half-finished and what's coming. I've had a year of three books. I co-edited a book with Sandra Hindman, founder of Les Enluminures. I need to add Les Enluminures because for many years, I've been their jewelry consultant. They're based in Chicago, New York and Paris and are specialized mainly in Medieval and Renaissance jewelry, but this has nothing to do with the book we did. It just happened to be that we worked together again. Sandra and myself did something called a liber amicorum in honor of Diana Scarisbrick, a leading jewelry historian. It was for her 94th birthday, and we kept it a secret until her birthday. It had 20 authors in three languages all writing in her honor. That has come out. It's now available. It was published by Paul Holberton. It's on varied topics, from archaeology to today, really. 20 authors contributed towards that. Today I received my copy of a book I worked on for the Schmuckmuseum, so it's now published. The launch is on Sunday, but I won't be traveling to Germany for that, unfortunately. It has to be a Zoom celebration for me. It's to do with the humanist Johann Reuchlin. He was from Pforzheim. He lived in the late 15th to the 16th century, and it's about script and jewelry from varying periods. It's a lot of contemporary jewelry as well. The cover doesn't really tell you that because it was the 500th anniversary of, I think, his death date. So, he was honored in this book, which has just come out, with essays from many people. Lots and lots of jewelry. That was published by Arnoldsche, and it's called—I have to think of it—German sounds so much easier in this case. It means script and pictures worn on the finger. I worked on rings with script on them. Sharon: With writing you mean? Beatriz: Yeah, writing, that's it. There are a lot of other topics in the book as well, but jewelry is certainly the dominant. Yes, they are rings. Mary Queen of Scotts is somebody who wrote her inscription inside the ring and was loyal to the queen. Had that been seen, her head would have gone to the chop. It's rings with prayers on them or rings with some sort of amuletic inscriptions. It's all inscriptions on rings in my case, and it's about Josiah Wedgwood who gave this ring to John Flaxman. You've got a whole history behind it. It's rings with script on them, highly visible on the bezel, either visible on the bezel or inside the hoop. Sharon: In English or German? Beatriz: It's basically German, I'm afraid to say, but with lots of good pictures with excellent captions, which are international. I am bilingual in German and English, but I haven't written German for a long time. I've actually written a third book that's coming out, but that won't come out until January. That was a huge task. It's on jewelry from Bossard from Lucerne. It started in the early 19th century, but the two I worked on were a father and son from 1869 until 1934. That was the period of historicism. It was also a time of fakes of Renaissance jewelry being made, because there were so many collectors who wanted Renaissance but couldn't afford the real Renaissance jewelry. So, it was very tempting for fakers to make fake jewelry. When I started, I didn't know what I was in for, but I have come to the conclusion that it's pure historicism, what Bossard made. I had very little jewelry to go on, just a few pieces in private hands, but I did find by sheer coincidence a drawing, and I found the bishop who it belonged to. You have a hundred drawings by the Bossard Company over this whole period, and it's very interesting material to see their designs they were making. In some instances, it's real Renaissance. I don't know if they were Renaissance or if it was actually made later. Then it gets critical. It's a very complex period, but a very interesting archive in the Swiss National Museum in Zurich. Sharon: For next year, do you have other projects going on? Beatriz: Yes, the coming projects. I mentioned the gem museum, which is opening next year. I'm in the midst of advising. I'm going to be working very shortly—I've already started a bit—on the jeweler Eileen Coyne from London. She's been working on jewelry since the 1970s and continues to make jewelry very, very different to anything I've worked on before. What I find so fascinating is that her imagination and inspiration come from the material. It comes with the material and the tools. She also uses interesting gemstones and beads that come from ethnic backgrounds. She uses the most amazing materials. Also jades, carnelians, all kinds of things. So, we're going to do a book. She had a shop in the 80s and into the 90s. Her jewelry was displayed in Harvey Nichols in London, and she had a shop where all the celebrities and royals went shopping. It was quite an interesting clientele. We'll see if we get photographs or if they allow us to show some of the things they bought. It's very much about discretion in such cases. So, that's interesting, a completely different type of jewelry. I'm really excited about it, but at the same time, I've also been involved, and am more involved now, in an artificial intelligence project. That is a ring that has been designed by Sylvia Reidenbach and John Emeny in England. Sylvia Reidenbach is German, but she teaches in Glasgow and London and all over Europe as well. She has created, with John Emeny, a ring with artificial intelligence based on one or two rings from the archaeological museum in Munich, a few rings from the Germanisches Nationalmuseum in Nuremburg, and 150 rings from the Koch Collection. There's one design. The machine makes the design, mixes it all and combines it into one design. The ring is now being made. The stone is labradorite. It's been on display since Wednesday last week in the Germanisches Nationalmuseum but will be coming to Zurich afterwards. So, I'll be learning a lot about AI and design. That is completely different from anything. I like the natural materials and history, and then the contrast is the AI. Sharon: The AI is the dimensions of all these hundreds of rings? Beatriz: Yes, the images are put into the machine, the AI. Don't ask me the technology of it because I haven't got a clue about AI technology. I'm at the beginning of it all. I'm learning, but I have seen how it develops. The images are fed into the machine, like the 150 rings from the Koch Collection and the others, and the machine designs one ring out of that. Sharon: Wow! So, it's already made and in the museum. Beatriz: Only just now. It's hot off the press, but there's more to come on that. There will be more to come on that, yes. Sharon: You've written several other books. You wrote “A Life in Jewels.” Beatriz: That is the book we did for Diana Scarisbrick, honoring her. I've written books since 1981, so it's added up quite a bit. Sometime I can give you a list. Sharon: How about the influence of women on 20th century jewelry? Has it changed jewelry? Has it made it more feminine? Beatriz: It's an extremely complex story, the role of women in design. You have to see it from the role of the woman in history. Just recently by coincidence, I've seen some material on women painters from the 16th and 17th centuries. In Bologna, for example, there were quite a few, and it's only now coming to the fore. You also have to see high jewelers' workshops in the field of jewelry. You don't have a Renaissance piece of jewelry and know, “So-and-so made it.” That didn't exist. It's only in the 19th century that we start that. The hallmarking system in England goes back to the 13th century, but jewelry was considered smallware, so they didn't consider putting a hallmark on it. That changed later on, the but the name of the designer is something that we very often don't know. The high jewelers of the 19th century, when you knew the name of who made it in Paris or New York, you never know the name of the designer. That is something that came in in the 20th century. You have some classical examples. With Cartier, it was Jeanne Toussaint. She designed some of the iconic pieces for Cartier and the Duchess of Windsor. She worked for I don't know how many decades designing jewelry. She was a very important female designer. Then you've got Coco Chanel. She designed jewelry, mostly costume jewelry, but she also designed diamond jewelry. Not that she wanted to, but it was for the nation and probably the economy that she did it. Elsa Schiaparelli, with her fantastic surrealist jewelry, made that incredible neckpiece with beetles in plastic. If you had to date that as a jewelry store and you didn't know the background, you'd easily say 1970s or 80s. It's so amazing. In that period, you also had Suzanne Belperron with her really unique designs in jewelry. Of course, the role of the woman changed after the First World War. You had millions of widows, and they had to work. The whole society was changing. After the Second World War, it became even more evident that women were working. I was very cheeky. I did a lecture. It was in the British Museum, and I was talking about the changing role of men and women buying jewelry. You can imagine the shock of some of them. I said, “Women go out and buy their own jewelry.” Before it was classical: the husband bought the jewelry for the wife. They were the earners, so they bought it. There were a few examples in the early 1900s, like the Duchess of Manchester, whose tiaras are in the Victoria and Albert Museum. She was one of these Dollar Princesses and quite a character. She liked smoking cigars and all. She went off with the family diamonds to Cartier and said, “Make me a tiara, and use up the garments.” You have Lady Mountbatten, who, after the birth of her daughter, Pamela, decided to go to Cartier and buy herself a nice bracelet that she could also wear in her hair in the 1920s. There are a few examples. On the whole, it was always the husband buying the jewelry, but past that, you have women earning money and buying their own jewelry. The 60s sets off in that direction, and then it becomes jewelry that's more affordable. Jewelry has never been so diverse as in the last decades. It's never been so diverse in all its history. If you look at the Royal College of Art, I think you'll find that, in general, there are a lot more women in training to become jewelers. You find so many names of women designers, now one doesn't even talk about it. Whether it's a man or a woman, it's just become a norm. Sharon: That's interesting. If you stop to think about it, I don't even know if there are that many male designers. I'm thinking about when I go to studios. You see more women than you do men. Beatriz: It's more and more, yes. There are more and more women, absolutely. Sharon: What would you advise? What piece of advice would you give emerging jewelers or people who want to follow in your steps? Beatriz: Remember that if you're a jewelry historian, you're an academic. Remember that. You have to really enjoy what you're doing. In my case, I was very lucky. I've worked for so many different projects and so many different jewelers internationally. I've specialized in that, but it's very difficult. Maybe, depending on the economic situation, people can volunteer in a museum to learn the trade. I think what you really have to know is do you want to work in a gallery, or do you want to work in an auction? Do you want to work in a museum? They don't always mingle, so you have to learn where you want to go. It depends on what your interests are. If you have anybody, send them to me privately. I'm happy to talk it through. Sharon: Thank you for being with us. Beatriz: My pleasure. Sharon: Well will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out. Thank you again for listening. Please leave us a rating and review so we can help others start their own jewelry journey.

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Episode 177 Part 1: History at Your Fingertips: How Beatriz Chadour-Sampson Catalogued 2,600 Historic Rings

Jewelry Journey Podcast

Play Episode Listen Later Dec 21, 2022 33:22

What you'll learn in this episode: How Beatriz discovered and catalogued the 2,600 rings in the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum How Covid lockdown changed how people wear jewelry Beatriz's tricks for making a jewelry exhibit more engaging What it's like to work with jewels uncovered from shipwrecks How global trade has influenced how jewelry is designed and made About Beatriz Chadour-Sampson Beatriz Chadour-Sampson studied art history, classical archaeology and Italian philology at the University of East Anglia, and at the University of Münster, Germany. Her doctoral thesis was on the Italian Renaissance goldsmith Antonio Gentili da Faenza. In 1985 she published the jewelry collection of the Museum für Angewandte Kunst, Cologne. Since 1988 she has worked freelance as a jewelry historian, curator of exhibitions and academic writer in Britain. Her numerous publications on jewelry, ranging from antiquity to the present day, include the The Gold Treasure from the Nuestra Señora de la Concepción (1991), and 2000 Finger Rings from the Alice and Louis Koch Collection, Switzerland (1994). She was the consultant curator in the re-designing of the William and Judith Bollinger Jewelry Gallery at the Victoria & Albert Museum (opened in 2008), London and was guest curator of the ‘Pearl' exhibition (2013-14). She is an Associate Member of the Goldsmiths' Company, London. Today Beatriz Chadour-Sampson works as a freelance international and jewelry historian and scholarly author. Her extensive publications range from Antiquity to the present day. Additional Resources: Instagram Museum Jewellery Curators - Goldsmiths' Fair Inside the Jewel Vault with Dr Beatriz Chadour-Sampson Photos available on TheJeweleryJourney.com Transcript: Working in jewelry sometimes means being a detective. As a freelance jewelry historian and curator of the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum, Beatriz Chadour-Sampson draws on her wealth of knowledge to find jewelry clues—even when a piece has no hallmark or known designer. She joined the Jewelry Journey Podcast to talk about how she creates jewelry exhibits that engage viewers; how she found her way into the niche of shipwreck jewelry; and what it was like to catalogue 2,600 rings. Read the episode transcript here. Sharon: Hello, everyone. Welcome to the Jewelry Journey Podcast. This is the first part of a two-part episode. Please make sure you subscribe so you can hear part two as soon as it's released later this week. My guest today is Beatriz Chadour-Sampson. She's been the curator of the Alice and Louis Koch Ring Collection at the Swiss National Museum for almost 35 years. She's also a jewelry historian, art historian, educator, author and a whole bunch of other things I'm sure I'm missing out on, but she'll fill us in today. Beatriz, welcome to the program. Beatriz: Thank you very much for your invitation. Sharon: Can you tell us about your jewelry journey? It's been quite a journey. Beatriz: Yes, the journey starts many years ago when I was a small child, in fact. I'm not a young chick at the moment, but I started off in my childhood with jewelry. I have to tell you a little bit of the family history. I was born in Cuba. My father was Russian and my mother was British. There's a whole story of European history, including being five times refugees from Europe within Europe. That's the aside, but my father learned how to cut and polish diamonds during the war in Cuba. After the war, he opened an import/export business for gemstones. It's not unknown. You'll probably find on the internet a picture of me, age three, sorting stones in his office in Cuba. We left Cuba during the Cuban Revolution. I was a Cuban subject as well as my father, but we left and never returned. He opened a business called Chadour Charms, Inc. in New York. I always spent my holidays in New York. My mother was working in a company where I couldn't tag along. I spent most of my free time as a child on 47th Street, which was called the gold and diamond alley at the time. My father designed charms. He had the gold cast and then set the stones himself. On 47th Street we had many friends we visited. One had a refinery for gold and silver; the other one sold supplies for goldsmiths, which was quite exciting. I encountered pearls, corals, diamonds and all sorts of jewelry experiences. That was from three years to early childhood. It was about three years altogether in New York. Then my father was offered a job in Frankfurt am Main in Germany. He spoke fluent German. It was an American company building a pearl business in Frankfurt. That's when I got even deeper into jewelry. Of course, there was also the trade. You can call it child labor today. In those days maybe it was seen slightly differently, but I did my homework with the secretaries. After that, I was stringing pearls, writing invoices and doing all kinds of things with pearls. When I was slightly older, I was allowed to make pearl pairs. Don't think that a pearl is white. It's nowhere near white. There are so many different colors and lusters that come in the pearl. So, I was setting pearls, hundreds of pearls, sorting them by a quarter of a millimeter, and then pairing them for earrings and matching the pearls in their luster so they could be worn as earrings. From there we went on to jewelry, so stones and charms. Something interesting with the charms—I have a little anecdote. I was researching a book, “The Power of Love,” which came out in 2019, and I was looking in an auction catalogue for a famous love ring that Sir Laurence Olivier gave to the actress Vivian Leigh. Late at night, as I do very often, I was searching on the internet for the auction catalogue, and suddenly I see a charm bracelet. I couldn't believe my eyes. One of the charms she had on the bracelet was designed by my father. I can prove that because I have the same charm on my charm bracelet. It was a ship in the sunset, as you see in the background. So, that was going down memory lane. When I reached the age of 18, I said, “I don't want to have anything to do with jewelry ever again.” I had enough. I grew up in the jewelry trade. It was all trade. Lo and behold, I then decided to study art history in Germany and England, but I did my thesis in Germany at the University of Münster. My subject at the end of this was Antonio Gentili, a Renaissance goldsmith. He came from Faenza. He worked for the Medici and the Farnese families, two very high families. He also did works for the Vatican. I remember in my early years after my dissertation, I used to see the Easter Mass on television in Germany. I was looking to see if the cross and candlesticks I worked on were on the show on the altar, which most years they were. I then got into goldsmiths' work. It's through my jewelry background and my thesis on Renaissance goldsmiths' work that I was awarded a scholarship to write the catalogue of 900 pieces of jewelry for what is now called the Museum for Applied Arts, the Museum für Angewandte Kunst. The collection covers 5,000 years of jewelry history. I was really plunged into the deep history of jewelry. There weren't so many books at the time. They were more archaeology books. This explosion of jewelry books is something that came after I had finished the catalogue. There was a lot of research that was quite complex, but I enjoyed it. It was wonderful to gain that experience and knowledge of a wide part of jewelry history. That was in 1981. I finished the catalogue. It was published. That was also my first experience doing an exhibition because when the catalogue was launched, we had an exhibition with the jewelry. More recently I've been with the Cologne Museum since 1981. It was the first time. They're now doing a new display of the jewelry. They're still planning it. I think it's due to come out next year, so there will be a new display of the jewelry I catalogued. Then I was offered a job in Hanau, Germany. Many will not realize that Hanau has a history in jewelry that goes back to the 17th century. Up to the First World War, it was a center for producing hand-manufactured jewelry. Today, they have an academy where you can learn how to make jewelry. That goes back to 1772. So, it's a city of great tradition of jewelry. I was Managing Director of the Gesellschaft für Goldschmiedekunst. I was organizing exhibitions and competitions and catalogues, and it was all contemporary jewelry. When I was working in Cologne, that was my first encounter with contemporary jewelry. I met people who I became great friends with. I also took part in the many events of the Forum für Schmuck und Design, which still exists. So, those were my early experiences with contemporary jewelry, but when I got to Hanau, I was plunged right into it. I had all kinds of jobs to do, as I said, exhibitions, catalogues and competitions. I stayed there for about three and a half years. In 1988, I was asked if I would catalogue the Alice and Louis Koch Collection. Louis Koch was a very famous jeweler in Frankfurt au Main, Germany, and he and his wife collected rings, among many other collections. It was a family of collections. By 1904, they had about 1,700 rings. There are over 2,600 rings now. I was asked to catalogue the 1,700 rings, which took me quite a long time, but I was doing all kinds of other projects in between. The collector allowed me to do that, which was great fun. In 1994, the historical collection was catalogued fully. It's like an encyclopedia of rings from ancient Egypt on. It covers 4,000 years of jewelry history. In about 1993, just before we finished the catalogue—and there are a few contemporary rings in the 1994 publication. I believe this collection from Louis Koch in 1904 went to a second and a third generation after he died in 1930. The fourth generation, we discussed it, and we came to the conclusion that they should make it their own and continue where their great-grandfather had finished. Now, their great-grandfather was, as I said, a very famous family jeweler in Frankfurt. The shop was called the Cartier of Germany, so you can imagine royalty wearing it and the national business. He was a quite a jeweler. They also expanded to Baden-Baden. He was a very fashionable jeweler, and he was a contemporary of René Lalique. He didn't buy rings from any other contemporaries, but he bought a ring by René Lalique, so he must have realized there was something very contemporary about Lalique. He was the modernizer of French jewelry at the time, using glass and gold that was unthinkable. So, we went on this venture from 1993 until the publication in 2019. We amassed a collection of 610 rings from the 20th and 21st century, which are all catalogued. Then the collection went into the Swiss National Museum. There was a small exhibition, but since 2019, there's a permanent display of 1,700 rings. May I add that the 610 contemporary rings are all on display, so we reduced repetitions within the historical part of the collection. Interestingly, this room's showcase is also round like a ring. With 1,700 rings, it's not an easy task because you have to go in a circle. We had big, brown panels of paper and played around with the rings. It starts with themes and then goes on chronologically to the contemporary. You couldn't make a mistake because once you got to ring 200, you couldn't go back to number 50. You can imagine going up to 1,700. I can say there are two rings that are not in the right place, but that's not too bad with 1,700 rings. Sharon: Did you have to photograph them? Beatriz: I'm very lucky to finish up on the Koch Collection. I'm now consultant curator to the Swiss National Museum in Zurich. I was responsible for the display there together with my colleagues in the museum. That was quite an experience. It's wonderful after 35 years to still be able to do this. I think they were a bit concerned about my babies and that I would want to run away from it, but that isn't the case. I really enjoy working with them. It's a pleasure. It's so rewarding, after 35 years, to see the collection on display, which was always in private hands from the 1900s onward. I've just written six blogs for the Swiss National Museum. One is on the Napoleonic Wars, and the stories are all told by the rings. The next one coming out in November is on Josiah Wedgwood and his sculptor, John Flaxman. Rings tell lots of stories. Sharon: Are the blogs in English? Beatriz: Everything in the Swiss National Museum is English, German, French and Italian. So, you take your pick which one you want. Sharon: Did you have to photograph everything? When you say you catalogued them, I think of a catalogue being a photograph and description. Beatriz: Oh, no. The photographs of the historical collection were all done by a photographer. It's very difficult because we had to choose one background for all. That was complex. It's pre-1994, so it's sort of an old, pale, gray blue. One color fits all because it was the encyclopedic nature of the books. With the 2019 book, I was working with the photographer in Zurich. I spent many weeks and months in Zurich sitting next to the photographer and choosing which angle because contemporary rings don't just have a hoop and a bezel. It's a piece of sculpture, so you have to know exactly which angle to take the photograph to show as much as you can of the ring. I was actually working together with the photographer. You learn a lot with such jobs. Sharon: Wow! Today there are all kinds of degrees you can get with exhibitions. Was it something you learned hands on or learned by doing? Beatriz: I was working at the practice in my second home of the Victoria and Albert Museum, because I was consultant curator to the William and Judith Bollinger Jewelry Gallery. I worked there for four and a half years on the displays. When you see the displays in the gallery, the concept was from me. I had little black and white photographs of the old gallery, nothing in color. It didn't matter that I knew the pieces by heart and each piece of jewelry was about the size of a small fingernail, and I got a damp hand from cutting out 4,000 images of 4,000 pieces of jewelry, very high-tech, of course. I had my pieces of paper, and I started thinking that every board has to tell a story. For me with an exhibition, the exhibit has to tell the story, and the text below on the captions really helps you understand it. Visually, I think it's very important that the pieces also talk. So, yes, I started before the architect was allocated and we worked together with 4,000 pieces. My colleague, Richard H. Cumber, worked on the watches, but otherwise all the jewelry is designed on black and white photographs on white sheets of paper with double-sided tape. Sharon: Do you have thoughts about why you got so immersed in jewelry? You said you didn't want anything to do with jewelry, but here you are immersed in it. What were your thoughts? Beatriz: You mean deep diving in it? Sharon: Yes. Beatriz: I grew up in the jewelry trade and experienced the Cuban Revolution and hardships, being refugees in New York and so on and then moving again to another country. It was complex. As a child, it wasn't quite easy. It didn't do me any harm. I've survived, but it was a really hard trade. What I was doing later, and still do now, is historical jewelry. It's a very different thing. I think I've gotten my love of jewelry back, yes, but I'm very keen on the wide picture of jewelry covering thousands of years. In fact, I've been doing courses for the Victoria and Albert Museum since 2008. When I do the “Bedazzled” one, which is a history of jewelry, I start with 150,000 B.C. I jump off it pretty quickly, but for me, it's so important for people to go back to that time to understand what jewelry was about. To me, it was certainly more amuletic rather than status. It was status as well probably. We can't follow that, but certainly I think amuletic to protect from the dangers. They lived in a very natural world, so the dangers were much worse than we could imagine. I think it's fascinating to see what was in other periods of jewelry history. It makes it much more exciting to understand what's happening now. Sharon: When you came to contemporary jewelry—it seems that you're pretty immersed in that also—what stood out to you? What made a piece different or jump out at you? There seems to be so much copycatting in many ways. Beatriz: Definitely, a lot of copycatting. I've worked on a collection of 450 pieces of, and I can tell you that's one of the most copied ones. On Instagram, I have to be careful that I don't get nasty remarks because I do point out, “Yes, we've seen that before. He was ahead of his time, but his style is still modern today.” When we were putting the Koch Collection together with the 610 rings, 20 from the 21st century, the individual l idea was very important for me. It has to be innovative; the idea has to be new; it has to be interesting. For the materials, it should be an experiment with new materials; different materials; materials you wouldn't use for jewelry. We talk about sustainable jewelry. Pre-1994 we have two rings in the collection made of washing-up bottles. We were way ahead of the times. Of course, Peter Chang used recycled materials, and we commissioned a ring from him. We did commission people that never made rings before just to put them to the test. It was very interesting. Sharon: I didn't know that Peter Chang was recycled. Beatriz: The materials are all recycled materials, yes. That is the amazing part, the recycled materials. These two crazy rings we bought from a German jeweler, it's just washing-up bottles. If you're creative and imaginative, you make something interesting. We have many important names who made rings. We have some wonderful rings from Wendy Ramshaw and so on. We have a lot of big names, but that was not the point. We have a lot of ones that just graduated or were young or completely unknown. It's more the idea and what they made. Of course, I was approached many times regarding rings and I had to decline, saying, “Sorry, we already have something like that.” I couldn't say it was not exciting. The idea was already there, so it makes it difficult. Unless it was interpreted differently, yes, that's fine. So, I think we got a lot of crazy pieces. The collector always teased me. He said, “Can you wear the ring?” I said, “Of course, could you wear the ring? What do you think?” I always choose rings for wearing. Of course, I have to admit there are a few that are not wearable. I'll admit to that, but I think with a collection like the Koch Collection, you're allowed to do that. There are few you really can't wear, or you can wear them with great difficulty. Sharon: Yes, I think about that. I always think about how it would be to type with a ring like that, or how it would be to work at a keyboard, something like that. Beatriz: I always say you don't wear the big, high jewelry pieces when you go shopping or washing up. Sharon: That's true. Beatriz: I won't say any company names, but the high jewelers of New York, Paris, wherever, they make those pieces. Those are rings. If they look great, they're wearable, but you wouldn't wear them every day while you're washing up or shopping or doing other tasks around the house. Sharon: That's true. That's probably why people don't buy them as much anymore. They don't have places to go, Covid aside. Beatriz: I think with Covid, the interesting thing is that we have rings that are sculptures. If you're doing a collection and somebody makes a ring sculpture, I think it's valid to be in the Koch Collection. We do have a few ring sculptures, including Marjorie Schick. But it's interesting that you mentioned Covid and when the pandemic was on. I don't want to go into the pandemic, but we have a much-increased Zoom culture. It did exist before the pandemic, people trying to reduce travelling and climate change and so on. It did come before the pandemic, but it is definitely an increased media. You can't really wear a ring and say, “Well, here's my ring.” You have to wear something that's in the Zoom zone. That's earrings and brooches. Fortunately, I'm somebody who likes earrings and brooches. I always have on earrings and brooches. Sharon: What you have on is very Zoom culture. It shows up well. Beatriz: The color shows up, yes. The earrings, they're made of silver and made by Eve Balashova, who works in Glasgow. Zoom is not a problem with this jewelry because, as I said, I love the earrings and certainly the brooch that goes with it. In fact, when I bought the earrings I asked, “Can you make a brooch I can wear with it?” Sharon: Wow! When you go out, do you see rings that make you say, “That should be in the collection”? Can you add new ones? Beatriz: Since the display in 2019, there are only a few additions. It sort of finished with the publication and the display, but there have been the odd new rings. I write a lot about that. We have had a few, and I'm hoping that next year they will be on display. Maybe half a dozen rings; not many. We might have another exciting one, but we have to wait. Until the collector has actually gotten his hands on it, I don't want to jinx things. Sharon: But you identify them and then they say yea or nay. Beatriz: Yes. They have bought things on their own as well, but we've done this together, yes. I've identified and advised. For me, it was wonderful. First of all, they don't know the collector. It's always the Koch Collection, but the family's name is different, so it was always very modest, without great names. I was the one who negotiated everything, and it always gave me great pleasure when I could stand up and say, “We've chosen a ring for the collection.” You find this great joy on the other end, especially for those young or unknown ones. You could imagine what it meant for them. It's always great joy. I love working with contemporary artist jewelers. I worked for 13 years as a visiting tutor under David Watkins. I always said I learned more from them than they learned from me, but I helped them with their Ph.Ds. I really enjoyed working with them, and it continued with being able to buy or acquire what they made for the collection. Sharon: You do a lot of teaching. You're teaching other classes in January at the V&A. Beatriz: Yeah. Sharon: It started online. Beatriz: Yes. In 2021, I did an online course, “Bedazzled.” Next year, in January and February, it's called “Jewels of Love, Romance and Eternity,” which is a topic I've worked on because I published the book “Proud Love.” We have a few other speakers who can bring another slant into it. Again, I start with antiquity, because you can't talk about love jewels without actually talking about Roman jewelry. Many people don't realize that the engagement ring or the proposal ring or marriage ring started with the ancient Romans. Sharon: I didn't know that. Beatriz: Diamonds in engagement rings started in the 15th century. It might be a little bit earlier, but that's more or less the dateline. So, there are lots of interesting things to talk about. As I said, I've been doing courses since 2008 at regular intervals. Also at the Victoria and Albert Museum, I was co-curator of the pearls exhibition. I did a lot of courses on pearls as well, and that is a fascinating topic. It was wonderful to work on that exhibition. It was together with the Qatar Museum's authority, but I was asked by the Victoria and Albert Museum to create an exhibition for the British public, which was very different to what they had in mind, of course. Sharon: There are so many new kinds of pearls, or at least kinds that weren't popular before. Tahitians and yellow pearls, that sort of thing. Beatriz: Yes, all these extra pearls are the cultured pearls. It's a history of the natural pearl. Qatar was a center where they were diving for pearls, so we did all the diving history, how merchants worked in that area in Bali and Qatar. The cultured pearl is, of course, Mikimoto. There are theories that the Chinese started the cultured pearls, but the one who really got the cultured pearls going was Mikimoto. He certainly did the science with it. He worked together with scientists and had the vision. Natural pearls were very, very expensive, and his philosophy was that every woman should wear a pearl necklace or be able to afford a pearl necklace. I think his task is fulfilled. It's interesting because the natural pearl doesn't have quite the luster of the cultured pearl. By the 20s, you have the cultured pearls coming in, and then by the 50s—when I did the exhibition, we had so many stories being told. Of course, some ladies from the Middle East are probably kicking themselves because they sold the family natural pearls because they didn't have the luster, and they bought the nice cultured pearls that are more flashy. Of course, now the value of natural pearls is unthinkable. Sharon: Was there a catalogue? Beatriz: With cultured pearls, you have the golden pearls and the Tahitian pearls and so on, but the color of the pearls depends on the shell they grow in, unless you have some that have been tampered with and are colored. But there are Tahitian pearls, golden pearls and all these different shades. Melo pearls have an orangey color. The color of the pearl is dependent on the shell it grows in. The rarest pearl is the pink pearl that comes from the Caribbean. That's the conch pearl; that's hugely expensive. You asked about the catalogue. Sharon: We will have photos posted on the website. Please head to TheJewelryJourney.com to check them out.

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#ERFOLGSGLÜCK - Interview mit Dr. Franz Schuh (Österr. Schriftsteller & Essayist)

Die Freiheit ruft Deinen Namen - podcast

Play Episode Listen Later Aug 19, 2022 74:45

Im #DFRDN Interview: Franz Schuh, geboren 1947 in Wien, studierte Philosophie, Geschichte und Germanistik. Er ist Lehrbeauftragter an der Universität für Angewandte Kunst in Wien und Kolumnist für Zeitschriften und Rundfunkstationen. Er erhielt u.a. 2006 den Preis der Leipziger Buchmesse, 2011 den Österreichischen Kunstpreis und 2021 den Johann-Heinrich-Merck-Preis für literarische Kritik und Essay. Letzte Buchpublikationen: Sämtliche Leidenschaften (2014), Fortuna. Aus dem Magazin des Glücks (2017) und Lachen und Sterben (2021) ----------------------------------------------- Interview im August 2022, Kurhaus Schärding Günter Lechner, www.lechner.co.at www.erfolgsglueck.com

Bildschöne Bücher: "40 Jahre laif: 40 Positionen dokumentarischer Fotografie"

NDR Kultur - Neue Bücher

Play Episode Listen Later Jun 19, 2022 4:47

Zur Ausstellung im Museum für Angewandte Kunst in Köln ist ebenfalls eine Publikation im Zeitungsformat erschienen.

museum fotografie positionen publikation angewandte kunst zur ausstellung

#130 Der Zigarrenschrank

museum blick kunst dort besuch feminismus mak angewandte kunst

Play Episode Listen Later May 10, 2022 10:04

Heute sind wir im Museum für angewandte Kunst - im MAK - zu Besuch. Dort stehen wir vor einem eleganten Möbelstück, das unseren Blick sofort auf sich zieht. Entworfen wurde es von Rose Krenn, einer Studentin Josef Hofmanns, in der Zeit der Wiener Werkstätte. Anne-Katrin Rossberg erzählt uns, warum dieses Stück für sie besonders ist und auch als queeres Möbel gesehen werden kann. LINK ZUM VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=HlvuGmIHxk8 Die Frauen der Wiener Werkstätte: https://www.mak.at/frauenderww/digistory Im Museum INSTA: https://www.instagram.com/immuseum.podcast/ Im Museum WEB: https://www.immuseum.at

Wozu brauchen wir Schönheit?

Focus - ORF Radio Vorarlberg

Play Episode Listen Later Apr 2, 2022 39:32

Helmut Leder ist seit 2004 Professor an der Universität Wien. Leder ist Leiter des Interdisziplinären Forschungsverbundes Cognitive Sciences und spezialisiert auf Wahrnehmungspsychologie. Er beschäftigt sich seit bald 20 Jahren mit der Wirkung von Schönheit auf Menschen. 2004 gründete er den Forschungsschwerpunkt "Empirische Ästhetik", den er auch leitet. Dieses Institut erforscht insbesondere die Ästhetik von Kunst. Leders Forschung wurde auch für die Ausstellung „Beauty“ von Stefan Sagmeister und Jessica Walsh am Museum für Angewandte Kunst in Wien dokumentiert.

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#116 Flora von Vally Wieselthier

design frauen kunst mak keramik im museum angewandte kunst

Play Episode Listen Later Apr 1, 2022 13:17

Im Museum für Angewandte Kunst, im MAK, hören wir heute von einer Künstlerin, die Teil der Wiener Werkstätte war und so berühmt wurde, dass sie wie ein Hollywoodstar gefeiert wurde: Vally Wieselthier Mehr vom MAK zu Frauen in der Wiener Werkstätte: https://www.mak.at/frauenderww/digistory IM MUSEUM WEB: https://www.immuseum.at/ IM MUSEUM INSTA: https://www.instagram.com/immuseum.podcast/

DDCAST 83 - Anatoli Skatchkov "Man muss immer aus Liebe handeln"

DDCAST - Was ist gut? Design, Kommunikation, Architektur

Play Episode Listen Later Mar 27, 2022 39:23

Anatoli Skatchkov aka Nathaniel Knop ist preisgekrönter Filmemacher, geboren 1968 in eine jüdische Familie in Czernowitz/Ukraine. Nach dem Studium der Psychiatrie sowie der Regieassistenz bei A. Kaidanovsky und K. Zanussi kam er als Nipkow-Stipendiat (Europäisches Stipendium für Professionals in den audio-visuellen Medien) nach Berlin. 1995 gründete er seine Firma KINOBRIGADA. Er arbeitete für die Fernsehkanäle 3SAT und ARTE, für Museen, u.a. das Russische Staatsmuseum in Sankt-Petersburg sowie das MAK in Frankfurt. Er lebt mit seiner Frau und fünf Kindern in Frankfurt am Main. Filmographie (Auswahl) 1. Regie: 2022 Nathan Farb & the Cold War (Work in Progress) Unterstützt von Hessen Film & Media 2022 In der Luft, da bleibt deine Wurzel (Work in Progress) Unterstützt von Hessen Film & Media 2022 Zeitzeugentheater (Work in Progress) Unterstützt von ZWST 2019 The Watson's Hotel (Audience Award, Lichter IFF, 2019) Unterstützt von der Hessischen Filmförderung und der Akademie der Künste, Berlin 2016 The Storyteller. After Walter Benjamin (Winner, On Art IFF, 2017; Best Documentary 12 IFF, 2019) Unterstützt von Hessische Filmförderung 2011 Pavlik +100 2005 Mikhail Shvartsman. Recognition 2004 Anna Staritsky. La vie collage 2001 Das Nitschewoland (Audience Award, Kassel FF, 2003) Unterstützt von der Hessischen  Filmförderung 2. Kamera und Schnitt: 2016 A Gravame –Das Stahlwerk, der Tod, Maria und die Mütter von Tamburi (Winner, Lichter IFF, 2017, Nom. Hessische Filmpreis 2017, Deutsche Filmpreis 2017) 2011 Kein Vertrauen. Keine Angst. Um nichts bitten (Russische Dokumentarfilmpreis 2012), Unterstützt von Hessische Filmförderung 2011 When in Rome 2008 Leningrad – Der Mann, der singt 3. Teilnahme an Filmfestivals (Auswahl): Frankfurt, Kassel, Krakau, Leipzig, Lissabon, Locarno, Mexico, Milano, Moskau, New York, Nowosibirsk, Perpignan, Pune, Sankt-Petersburg 4. Auftragsprojekte für (Auswahl): NTV, ZDF, 3SAT, ARTE; Museum für Angewandte Kunst, WELTKULTUREN Museum und Goethe-Museum, Frankfurt; ID-Frankfurt; Russisches Staatliches Museum, Sankt-Petersburg; Hebbel Theater, Berlin; Altana Stiftung, Bad Homburg; Mousonturm; Deutsche Telekom.

"Mich interessieren die Menschen, die nicht ins Museum gehen." | Mahret Ifeoma Kupka u. a. ber dekolonisierten Museen

hr2 Doppelkopf

Play Episode Listen Later Mar 16, 2022 51:39

Wie hat die koloniale Vergangenheit Europas unsere Sicht auf schwarze Menschen und den afrikanischen Kontinent geprägt? Das ist ein Thema, das die Ausstellungsmacherin und Kunstwissenschaftlerin Mahret Ifeoma Kupka aktuell beschäftigt. Es reicht für sie nicht, wenn Museen sich jetzt daran machen, ihre Keller auszuräumen und Objekte an die Herkunftsländer zurückzugeben. Der Weg zu einem dekolonisierten Museum ist für die Kuratorin am Frankfurter Museum für Angewandte Kunst umfassender und vielfältiger.

thema museum sicht frankfurt keller gehen autorin der weg die menschen museen kontinent objekte menschen die kuratorin kolonialgeschichte interessieren herkunftsl kupka angewandte kunst

#84 Figuren der Zukunft

zukunft unter kunst fotos museums arbeitswelt zuge figuren outfits projekts mak moderne kunst angewandte kunst

Play Episode Listen Later Jan 19, 2022 6:46

Vor uns finden sich heute viele kleine Figuren mit phantastischen Outfits. Sie sind im Zuge eines Projekts des Museums für angewandte Kunst, dem MAK, entstanden und haben mit der Zukunft unserer Arbeitswelt zu tun. Was es damit auf sich hat? Das erzählt uns Janina Falkner! Fotos zu den Figuren findet ihr auf unserem Instagram-Kanal. Unter https://www.instagram.com/immuseum.podcast/ . Und hier geht es zur Website des MAK: https://www.mak.at/

#70 Das kirschrote Kanapee

web museum sofa gestaltung ausgangspunkt raumes im museum angewandte kunst

Play Episode Listen Later Dec 27, 2021 10:06

Im MAK – im Museum für Angewandte Kunst – stehen wir heute vor einem kirschroten Kanapee. Die Kunstvermittlerin und Kuratorin Janina Falkner erzählt uns, wie dieses Sofa zum Ausgangspunkt für die Gestaltung des ganzen Raumes geworden ist. Im Museum auf Instagram: https://www.instagram.com/immuseum.podcast/ Im Museum im Web: https://www.immuseum.at/

Ausnahmejahr 2021: Neun Buchtipps von Monika Rinck

Lesezeichen

Play Episode Listen Later Dec 17, 2021 21:24

Im heutigen Podcast besprechen wir nicht, wie wir das sonst immer tun, ein einziges Buch, sondern das ganzes Bücherjahr 2021. Ein gänzlich unmögliches Unterfangen. Aber für einen etwas anderen Jahresrückblick auf das Literaturjahr 2021 sorgt Lesezeichen-Gast Monika Rinck. Sie ist nicht nur Schriftstellerin und Lyrikerin aus Berlin, sondern seit einem Jahr auch ununterbrochen in Wien, sie leitet zusammen mit ihrer Kollegin Gerhild Steinbuch das Institut der Sprachkunst an der Universität für Angewandte Kunst. Sprich: Sie schreibt nicht nur Literatur, sondern unterrichtet es auch.

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Tex Rubinowitz

MenschMensch

Play Episode Listen Later Aug 29, 2021 76:20

"Du bist nichts, du kannst nichts, was willst du eigentlich?" Noch heute, mit knapp 60 Jahren, erinnert sich Tex Rubinowitz an die abfälligen Worte seines Vaters, der die Zeichnungen des Sohnes demonstrativ zerriss und ihm eine Karriere am Fließband einer Joghurtfabrik prophezeite. "Aus so einer Situation Selbstbewusstsein zu schöpfen, ist nicht einfach". Tex Rubinowitz hat es dennoch geschafft. Das ist einerseits künstlerischen Vaterfiguren wie dem Zeichner Robert Gernhardt, aber auch dem Wien der 80er-Jahre zu verdanken. Hier, wo man eingewanderten Deutschen eher reserviert begegnet, erkannte man sofort das Talent des Lüneburgers. Oswald Oberhuber lotste ihn an die Universität für Angewandte Kunst, der FALTER engagierte Rubinowitz unmittelbar als Cartoonist – der Auftakt für eine bemerkenswerte Karriere im Kulturbetrieb. Folge 30 von MenschMensch erzählt die Geschichte eines Künstlers, dessen biografische Details oft im Dunkeln bleiben, weil er das "unzuverlässige Erzählen" liebt. Gesichert ist: Tex Rubinowitz heißt eigentlich Dirk, genießt als Cartoonist Legenden-Status, hat als Autor den Bachmannpreis gewonnen und wagt immer wieder Ausflüge zur Darstellenden Kunst. Die Offenheit, mit der er diese 75 Podcast-Minuten bestreitet, ist amüsant, aufwühlend und erhellend zugleich.

Kuratorin Lilli Hollein - „Mich schmerzt die Reduzierung von Design und Gestaltung auf Ästhetik“

Zwischentöne - Deutschlandradio

Play Episode Listen Later Jul 25, 2021 69:11

Architektur und Design sind ihre Themen: Im September 2021 übernimmt Lilli Hollein den Direktorenposten des Museums für Angewandte Kunst in Wien. Nach ihrem Industrial-Design-Studium machte sie sich als Publizistin einen Namen, aber auch als Mitbegründerin und Direktorin der Vienna Design Week. Andere Mitglieder ihrer Familie sind ebenfalls der Architektur und der Kunst eng verbunden. Moderation: Marietta Schwarz www.deutschlandfunk.de, Themenportal Zwischentöne Direkter Link zur Audiodatei

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"Die Frauen der Wiener Werkstätte", MAK

Ausgesprochen Kunst

Play Episode Listen Later Jul 15, 2021 32:12

Gudrun Baudisch, Vally Wieselthier, Kitty Rix und viele mehr - von Anfang an waren Künstlerinnen ein wichtiger Bestandteil der 1903 gegründeten Wiener Werkstätte. Das Museum für Angewandte Kunst holt rund 180 beteiligte Frauen nun ins wohlverdiente Scheinwerferlicht und zeigt mit „Die Frauen der Wiener Werkstätte“ eine umfangreiche Schau aus Möbelstücken, Textilien, Keramiken und vielem mehr. In dieser Episode teilen Alexander und Herbert Giese die Impressionen von ihrem Besuch im MAK. „Die Frauen der Wiener Werkstätte“ noch bis 03.10.2021 im Museum für angewandte Kunst Wien. Kontakt: redaktion@gieseundschweiger.at Website: https://www.gieseundschweiger.at/de/ Redaktion: Fabienne Pohl, Lara Bandion; Musik: Matthias Jakisic; Sprecherin: Sarah Scherer; Grafische Gestaltung: Studio Riebenbauer Link zur Ausstellung: https://mak.at/frauenderww

Raphaela Edelbauer im Gespräch mit Claudius Nießen

Leipzig liest

Play Episode Listen Later Jun 30, 2021 30:32

Raphaela Edelbauer ist in Wien geboren und hat Sprachkunst an der Universität für Angewandte Kunst studierte. Für ihr Werk »Entdecker. Eine Poetik« wurde sie mit dem Hauptpreis der Rauriser Literaturtage ausgezeichnet. Außerdem wurde ihr der Publikumspreis beim Bachmann-Wettbewerb, der Theodor-Körner-Preis und der Förderpreis der Doppelfeld-Stiftung zuerkannt. Mit ihrem Roman »Das flüssige Land« stand sie auf der Shortlist des Deutschen Buchpreises und des Österreichischen Buchpreises. 2021 ist nun ihr Roman „Dave“ bei Klett-Cotta erschienen. Im Rahmen von Leipzig Liest Extra hat Claudius Nießen die Autorin eingeladen und mit ihr über ihr neues Buch, über das Verlernen des Literaturbetriebs und über das Rudern gesprochen.

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#24 Diskurse über Zukunft – Bernd Kracke, Matthias Wagner K

Off_line

Play Episode Listen Later Apr 21, 2021 53:23

Es ist soweit: Am 23. April eröffnet die Ausstellung »Aus heutiger Sicht - Diskurse über Zukunft«, zunächst digital. In der letzten Folge des Podcast blicken wir gemeinsam mit Bernd Kracke, Präsident der HfG Offenbach, und Matthias Wagner K, Direktor des Museums für Angewandte Kunst sowie einem der Kuratoren der Ausstellung, Jonas Deuter, auf die gemeinsame Kollaboration zurück. Wie ergänzen sich die Funktionsweisen der Institution Museum und Hochschule? Worin unterscheiden sie sich und welche Öffentlichkeiten adressieren sie? Im Zentrum des Gesprächs steht die Frage, wie beide mit den Herausforderung der Zukunft umgehen müssen und welchen Beitrag sie zu einer freien Gesellschaft leisten. Bernd Kracke war seit 1999 Professor für Elektronische Medien an der HfG Offenbach, bevor er 2006 ihr Präsident wurde. Er ist Initiator und Leiter der B3 Biennale des Bewegten Bildes. Matthias Wagner K ist Kurator und Autor und seit 2012 Direktor des Museums Angewandte Kunst in Frankfurt am Main. Dort realisierte er zuletzt Ausstellungen wie »House of Norway« und »Jil Sander - Präsens«. Jonas Deuter ist Teil des kuratorischen Teams der Ausstellung Aus heutiger Sicht - Diskurse über Zukunft« und promoviert an der HfG Offenbach. Moderation: Felix Kosok und Jonas Deuter http://aussicht.space/

Digital Empowerment: Wie kann man auch in dünner besiedelten Gebieten an der digitalen Transformation teilhaben?

ZEIT-Stiftung - Alle Podcasts

Play Episode Listen Later Feb 4, 2021 50:16

In Folge sechs des Urban Change-Podcasts diskutiert Moderatorin Katharina Heckendorf mit ihren Gästen über die Digitalisierung auf dem Land. Ländliche Regionen mit günstigen Mieten und viel Platz bieten den Raum für neue, innovative Ideen – mehr noch als so manche Stadt. Um aber Anschluss an die digitale Gesellschaft zu bekommen und auf dem Land die gleichen Chancen zu haben wie in der Stadt, sollten Kinder schon frühzeitig mit digitalen Möglichkeiten in Kontakt kommen, meinen Anke und Daniel Domscheit-Berg. Dazu gehöre nicht nur ein Programm am Computer bedienen zu können, sondern ein tieferes Verständnis für die Strukturen dahinter zu erlangen.  Daran arbeiten die Domscheit-Bergs in der brandenburgischen Kleinstadt Fürstenberg an der Havel. Dort haben sie gemeinsam mit anderen Mitstreiter:innen den sogenannten Verstehbahnhof gegründet. Dort bieten sie in der Maker-Space-Werkstatt kostenlose Workshops rund ums 3-D-Drucken, Reparieren, Programmieren oder Löten an. Ihr Ziel: die digitale Selbstermächtigung der Kinder und Jugendlichen. Sie möchten ihnen das Handwerkszeug vermitteln, um Probleme selbstständig zu lösen und sich auf diese Weise auf die Arbeitswelt der Zukunft vorzubereiten. Nicht zuletzt arbeiten sie so daran, die Landflucht der Jugend zu stoppen, denn sie vermitteln das Know-how, um auch auf dem Land selbstständig Chancen wahrnehmen zu können. Zu den Gästen: Anke Domscheit-Berg hat Angewandte Kunst, Internationale Betriebswirtschaft und European Business Administration studiert. Dann hat sie als Unternehmensberaterin und Managerin u.a. bei Accenture und Microsoft Deutschland gearbeitet. Seit 2011 ist sie selbstständig, u.a. als Publizistin und Autorin. Außerdem ist sie parteilose Bundestagsabgeordnete für Brandenburg in der Linksfraktion. Daniel Domscheit-Berg hat Angewandte Informatik studiert und hat dann als Netzwerkingenieur gearbeitet. 2009 hat er die Enthüllungsplattform WikiLeaks mitaufgebaut und war als ihr Pressesprecher tätig. Heute ist er Berater, Autor und Keynote-Speaker unter anderem zur Informationsfreiheit und Transparenz im Internet. Im zweiten Teil des Urban Change-Podcasts erklärt Urbanist Julian Petrin von der Urban Change Academy, welche Güter und Dienstleistungen ein Staat zur Verfügung stellen sollte, damit es in den Städten und auch in den letzten Winkeln des Landes gleichwertige Lebensverhältnisse gibt. Eine gute Internetverbindung zum Beispiel ist eine Grundvoraussetzung, damit auch die Menschen, die in ländlichen Regionen leben, von der Digitalisierung profitieren können. Shownotes: Webseiten: https://www.verstehbahnhof.de https://mdb.anke.domscheit-berg.de https://agentur-fuer-helden.de/redner/daniel-domscheit-berg/ Der Urban Change Podcast ist ein Projekt des Bucerius Labs der ZEIT-Stiftung, unterstützt von der Urban Change Academy. Eine Übersicht aller Folgen und weitere Informationen zum Urban Change-Podcast finden Sie hier: http://buceriuslab.de/stadt-land-zukunft/urban-change-podcast/ Weitere Podcasts der ZEIT-Stiftung: https://www.zeit-stiftung.de/mediathek/videoundpodcast/podcast/

Daniel und Anke Domscheit-Berg, was hilft gegen die Landflucht der Jugend?

Urban Change

Play Episode Listen Later Feb 4, 2021 50:15

In Folge sechs des Urban Change-Podcasts diskutiert Moderatorin Katharina Heckendorf mit ihren Gästen über die Digitalisierung auf dem Land. Ländliche Regionen mit günstigen Mieten und viel Platz bieten den Raum für neue, innovative Ideen – mehr noch als so manche Stadt. Um aber Anschluss an die digitale Gesellschaft zu bekommen und auf dem Land die gleichen Chancen zu haben wie in der Stadt, sollten Kinder schon frühzeitig mit digitalen Möglichkeiten in Kontakt kommen, meinen Anke und Daniel Domscheit-Berg. Dazu gehöre nicht nur ein Programm am Computer bedienen zu können, sondern ein tieferes Verständnis für die Strukturen dahinter zu erlangen.  Daran arbeiten die Domscheit-Bergs in der brandenburgischen Kleinstadt Fürstenberg an der Havel. Dort haben sie gemeinsam mit anderen Mitstreiter:innen den sogenannten Verstehbahnhof gegründet. Dort bieten sie in der Maker-Space-Werkstatt kostenlose Workshops rund ums 3-D-Drucken, Reparieren, Programmieren oder Löten an. Ihr Ziel: die digitale Selbstermächtigung der Kinder und Jugendlichen. Sie möchten ihnen das Handwerkszeug vermitteln, um Probleme selbstständig zu lösen und sich auf diese Weise auf die Arbeitswelt der Zukunft vorzubereiten. Nicht zuletzt arbeiten sie so daran, die Landflucht der Jugend zu stoppen, denn sie vermitteln das Know-how, um auch auf dem Land selbstständig Chancen wahrnehmen zu können. Zu den Gästen: Anke Domscheit-Berg hat Angewandte Kunst, Internationale Betriebswirtschaft und European Business Administration studiert. Dann hat sie als Unternehmensberaterin und Managerin u.a. bei Accenture und Microsoft Deutschland gearbeitet. Seit 2011 ist sie selbstständig, u.a. als Publizistin und Autorin. Außerdem ist sie parteilose Bundestagsabgeordnete für Brandenburg in der Linksfraktion. Daniel Domscheit-Berg hat Angewandte Informatik studiert und hat dann als Netzwerkingenieur gearbeitet. 2009 hat er die Enthüllungsplattform WikiLeaks mitaufgebaut und war als ihr Pressesprecher tätig. Heute ist er Berater, Autor und Keynote-Speaker unter anderem zur Informationsfreiheit und Transparenz im Internet. Im zweiten Teil des Urban Change-Podcasts erklärt Urbanist Julian Petrin von der Urban Change Academy, welche Güter und Dienstleistungen ein Staat zur Verfügung stellen sollte, damit es in den Städten und auch in den letzten Winkeln des Landes gleichwertige Lebensverhältnisse gibt. Eine gute Internetverbindung zum Beispiel ist eine Grundvoraussetzung, damit auch die Menschen, die in ländlichen Regionen leben, von der Digitalisierung profitieren können. Shownotes: Webseiten: https://www.verstehbahnhof.de https://mdb.anke.domscheit-berg.de https://agentur-fuer-helden.de/redner/daniel-domscheit-berg/ Der Urban Change Podcast ist ein Projekt des Bucerius Labs der ZEIT-Stiftung, unterstützt von der Urban Change Academy. Eine Übersicht aller Folgen und weitere Informationen zum Urban Change-Podcast finden Sie hier: http://buceriuslab.de/stadt-land-zukunft/urban-change-podcast/ Weitere Podcasts der ZEIT-Stiftung: https://www.zeit-stiftung.de/mediathek/videoundpodcast/podcast/

#84 Fashion-Designerin Sabinna Rachimova: Ab wann ist ein Kleidungsstück nachhaltig?

carpe diem – Der Podcast für ein gutes Leben

Play Episode Listen Later Feb 2, 2021 65:42

Die Wiener Modedesignerin mit russischen Wurzeln lebt seit dem 19. Lebensjahr in ihrer Wahlheimat London, wo sie das Central Saint Martins College of Art and Design absolviert hat und heute ihr Modelabel SABINNA betreibt. In ihren Kreationen verbindet sie Tradition und Innovation. Sabinnas Markenzeichen sind feminine Kleider und Strickteile mit gehäkelten Blüten. Im Podcast mit carpe diem-Host Holger Potye verrät sie, wie man Momente der Schwäche in Momente der Stärke verwandeln kann und warum Niederlagen uns auch immer wieder neue Perspektiven eröffnen (dank der Ablehnung an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien wagte sie den Blick über den Tellerrand und ließ sich auf das Abenteuer London ein). Für Sabinna sind „Beruf und Berufung“ zwar eine fabelhafte Kombination, aber sie hat auch ihre Schattenseiten. Denn wenn man genau weiß, was man will, geht das auf Kosten der Flexibilität, und man beginnt, andere Möglichkeiten zu übersehen. Die quirlige Modedesignerin, die sich selbst als „oft zu ehrgeizig“ beschreibt, hat ihren Fokus auf nachhaltige Produktion gerichtet und plaudert im Podcast über die Herausforderungen, die Nachhaltigkeit im Fashion-Bereich mit sich bringt. Es wird über Upcycling, Greenwashing, hohe Transparenz bei der Produktion und die Problematik der „Fast Fashion“ diskutiert. Und Sabinna versucht die Frage „Wann ist Kleidung nachhaltig?“ so ausführlich wie nur möglich zu beantworten. Reicht es, auf die Materialien zu schauen? Oder muss ich die Herstellung mit in die Gleichung aufnehmen? Weiters sammeln wir Inspirationen für nachhaltiges Fashion-Shopping, und Sabinna gibt Tipps für angehende Jungdesignerinnen und -designer (vom Businessplan bis zum Sich-selbst-Finden) im Podcast. Ihre täglichen Rituale sind, einmal pro Tag kurz meditieren und der tägliche Anruf bei ihrer Familie. Hinweis: Im Abspann bekommt Sabinna den letzten Glückskeks von Podcast-Host Holger überreicht – denn er führt im neuen Jahr ein neues Gimmick ein: Statt Glückskeksen gibt es 2021 als Belohnung Buchtipps von seinen Gästen für alle Hörer, die bis ganz zum Schluss dranbleiben.In diesem Sinne: Viel Spaß bei diesem Podcast! Wenn euch dieser Podcast gefallen hat, dann schreibt bitte einen Kommentar und schenkt uns 5 Sterne auf Apple Podcasts. Wir freuen uns ganz besonders darüber – genauso wie über Post, Anregungen und Ideen unter der Mailadresse: podcast@carpediem.life

Museum für Angewandte Kunst in Frankfurt zeigt „Ars Viva“-Preisträger 2021

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Play Episode Listen Later Oct 9, 2020 4:00

Rob Crosse, Richard Sides und die Künstlerin Sung Tieu (alle Mitte der achtziger Jahre geboren) erhalten den „Ars Viva“-Preis 2021. Eine Ausstellung im Frankfurter Museum für Angewandte Kunst zeigt einige ihrer Werke. Ob Video, Objekt oder Installation – in den Arbeiten geht es immer wieder um Fragen der menschlichen Existenz. Sie greifen Tabus auf, thematisieren Ordnungssysteme des öffentlichen Lebens und gleichzeitig ganz Privates.

Erschwingliches Design mit Lebensgefühl: 70 Jahre IKEA Kataloge online

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Play Episode Listen Later Oct 8, 2020 6:34

Bei der Gründung von IKEA ging es zuerst darum, skandinavisches Design erschwinglich zu machen, sagt Romana Rebbelmund, Kuratorin am Museum für Angewandte Kunst in Köln anlässlich des 70. IKEA-Katalogs der nun erscheint. Der schwedische Möbelkonzern hat nun auch die gesamten Kataloge seit 70 Jahren online gestellt. Dass die Möbel preislich erschwinglich sind, ist dann auch das Hauptkonzept von dem Werbespruch „Wohnst du noch, oder lebst du schon?“- „denn was würde es nützen, wenn ich von schönen Möbeln träume, sie mir aber nicht leisten kann?“, so die Kuratorin. Auch ein gewisser „Kult des Privaten“ gehöre mit zum erfolgreichen IKEA-Konzept. Nicht nur in der Gestaltung der Kataloge, sondern auch in den Häusern, wo angeschlossene Restaurants und die Kinderbetreuung für ein Wohlfühlkonzept für die ganze Familie sorge, sagt Ramona Rebbelmund in SWR2.

Sophie Pollak über Mode, Kunst und Korea!

Anima Mentis Podcast

Play Episode Listen Later Aug 27, 2020 42:25

Heute zu Gast in unserem Podcast: Die Modedesignerin Sophie Pollak. 2006 absolvierte sie die Modeschule Hetzendorf und sammelte anschließend Erfahrung in der internationalen Welt der Mode. Nachdem sie ihr Studium an der Universität für Angewandte Kunst in Wien begann, gründete sie 2011 WE BANDITS. In ihrem Store im 7. Bezirk möchte die Designerin ihren Kunden ihr Faible für Mode aus Korea näher bringen und diese dafür begeistern. Klingt spannend? Finden wir auch! Hier finden Sie die gesamte Podcastausgabe: www.animamenits.com/podcast

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The Art of Resistance & Documentation: Morehshin Allahyari, New Media Artist

State Of The Art

Play Episode Listen Later Jul 30, 2020 47:34

Morehshin Allahyari is an Iranian media artist, activist, educator, and curator uses technology as a philosophical toolset to explore the social, political, and cultural. Her projects are often research heavy and employ new media as a method of documentation and as acts of resistance. In this episode we discuss Allahyari's use of 3D printing to recreate and preserve cultural artifacts destroyed by ISIS, and her exploration and reframing of Middle-Eastern myths and folklore to include female/queer figures.Projects DiscussedMaterial Speculation: ISISShe Who Sees the Unknown-About Morehshin Allahyari-Morehshin Allahyari is an artist, activist, writer, and educator. She was born and raised in Iran and moved to the United States in 2007. Her work deals with the political, social, and cultural contradictions we face every day. She thinks about technology as a philosophical toolset to reflect on objects and as a poetic means to document our personal and collective lives and struggles in the 21st century. Morehshin is the co-author of The 3D Additivist Cookbook in collaboration with writer/artist Daniel Rourke. Morehshin has been part of numerous exhibitions, festivals, and workshops around the world including Venice Biennale di Archittectura, New Museum, The Whitney Museum of American Art, Pompidou Center, Museum of Contemporary Art in Montreal, Tate Modern, Queens Museum, Pori Museum, Powerhouse Museum, Dallas Museum of Art, and Museum für Angewandte Kunst. She has been an artist in residence at BANFF Centre (2013), Carnegie Mellon University’s STUDIO for Creative Inquiry (2015), Autodesk Pier9 Workshop in San Francisco (2015), the Vilém Flusser Residency Program for Artistic Research in association with Transmediale, Berlin (2016), Eyebeam’s one year Research Residency (2016-2017) in NYC, Pioneer Works (2018), and Harvest Works (2018). Her work has been featured in The New York Times, BBC, Huffington Post, Wired, National Public Radio, Parkett Art Magazine, Frieze, Rhizome, Hyperallergic, and Al Jazeera, among others.She is the recipient of The Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant (2019), The Sundance Institute New Frontier International Fellowship, and the leading global thinkers of 2016 award by Foreign Policy magazine. Her 3D Additivist Manifesto video is in the collection of San Francisco Museum of Modern Art, and recently she has been awarded major commissions by The Shed, Rhizome, New Museum, Whitney Museum of American Art, Liverpool Biennale, and FACT.Learn more at http://www.morehshin.com/Follow her Morehshin @morehshin

016 - Teil 3 - Interview mit Verena Petrasch - Marketing

Der Kinderbuch und Jugendbuch Autor Podcast

Play Episode Listen Later Jul 17, 2020 17:37

Verena Petrasch wurde 1981 in der Schweiz geboren und wuchs in Österreich auf. Sie verbrachte ihre Freizeit als Leistungssportlerin in Fechthallen, mit Jazzmusikern am Klavier, spielte Bratsche in einem Orchester und ging nirgendwohin ohne Bücher, Notizblöcke und Stift. An der Universität für Angewandte Kunst in Wien und in Göteborg studierte sie Grafikdesign, in Innsbruck Management. Nach längeren Auslandsaufenthalten arbeitet sie nun als freie Schriftstellerin in Österreich. Ihr Kinderbuch-Debüt "Sophie im Narrenreich" erhielt 2018 den Crysalis Award und wurde 2019 für die LESERstimmen - Der Preis der jungen LeserInnen nominiert. Im Juli 2020 erscheint ihr zweiter Roman für Kinder: "Der Händler der Töne". — Kontakt: www.verenapetrasch.com

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016 - Teil 2 - Interview mit Verena Petrasch - Veröffentlichen

Der Kinderbuch und Jugendbuch Autor Podcast

Play Episode Listen Later Jul 15, 2020 13:32

Im zweiten Teil des Interviews erzählt Verena über ihren langen Weg zu einem Verlag und wie sie es schlussendlich geschaft hat. — Verena Petrasch wurde 1981 in der Schweiz geboren und wuchs in Österreich auf. Sie verbrachte ihre Freizeit als Leistungssportlerin in Fechthallen, mit Jazzmusikern am Klavier, spielte Bratsche in einem Orchester und ging nirgendwohin ohne Bücher, Notizblöcke und Stift. An der Universität für Angewandte Kunst in Wien und in Göteborg studierte sie Grafikdesign, in Innsbruck Management. Nach längeren Auslandsaufenthalten arbeitet sie nun als freie Schriftstellerin in Österreich. Ihr Kinderbuch-Debüt "Sophie im Narrenreich" erhielt 2018 den Crysalis Award und wurde 2019 für die LESERstimmen - Der Preis der jungen LeserInnen nominiert. Im Juli 2020 erscheint ihr zweiter Roman für Kinder: "Der Händler der Töne". — Kontakt: www.verenapetrasch.com

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016 - Teil 1 - Interview mit Verena Petrasch - Schreiben

Der Kinderbuch und Jugendbuch Autor Podcast

Play Episode Listen Later Jul 13, 2020 41:15

Verena Petrasch wurde 1981 in der Schweiz geboren und wuchs in Österreich auf. Sie verbrachte ihre Freizeit als Leistungssportlerin in Fechthallen, mit Jazzmusikern am Klavier, spielte Bratsche in einem Orchester und ging nirgendwohin ohne Bücher, Notizblöcke und Stift. An der Universität für Angewandte Kunst in Wien und in Göteborg studierte sie Grafikdesign, in Innsbruck Management. Nach längeren Auslandsaufenthalten arbeitet sie nun als freie Schriftstellerin in Österreich. Ihr Kinderbuch-Debüt "Sophie im Narrenreich" erhielt 2018 den Crysalis Award und wurde 2019 für die LESERstimmen - Der Preis der jungen LeserInnen nominiert. Im Juli 2020 erscheint ihr zweiter Roman für Kinder: "Der Händler der Töne". — Kontakt: www.verenapetrasch.com

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„À propos“ – Werke der Grafikdesignerin Anette Lenz in Frankfurt– Werke der Grafikdesignerin Anette Lenz in Frankfurt

Play Episode Listen Later Jul 2, 2020 3:37

Die Grafikdesignerin Anette Lenz zählt zu den einflussreichsten Gestaltern und Gestalterinnen der Gegenwart. Das Museum für Angewandte Kunst in Frankfurt zeigt nun die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland. Anette Lenz verwandelt dabei die Museumsräume in begehbare grafische Welten.

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FrauenFunk #9: Silvie Aigner, Chefredakteurin PARNASS und Kuratorin

FrauenFunk.at!

Play Episode Listen Later May 30, 2020 23:14

Silvie Aigner studierte Kunstgeschichte an der Universität Wien und hat an der Universität für Angewandte Kunst promoviert. Sie ist Spezialistin für zeitgenössische Kunst des 20. Jahrhunderts. Seit 2014 ist sie Chefredakteurin des Kunstmagazins „Parnass“. Sie ist Mitglieder des Frauennetzwerks-Medien seit der ersten Stunde. Silvie Aigner ist verheiratet und hat eine Tochter und einen Sohn. Silvie Aigner hat mich schon als Schriftführerin im Frauennetzwerks-Medien beeindruckt, weil sie sich mit Vereinstätigkeit gut auskannte. Sie hatte schon eine private Kindergruppe gegründet, daneben ein Studium hingelegt und promoviert und immer schon neben dem Studium im Kunstbereich gearbeitet. Sie war und ist ein Multitalent, die mehrere Dinge gleichzeitig machen kann, ohne dass es nach außen anstrengend aussah. Wirklich angestrengt erlebte ich sie nur als Schwangere, weil ihre Schwangerschaften sehr problematisch verlaufen sind. Mit einem Wort: ich hatte vor dieser Frau immer absoluten Respekt!

„Life doesn't frighten me" in Frankfurt: Warum das Model Michelle Elie das Modelabel Comme des Garçons so liebt